Disco

Disco
Techo de una discoteca en Arlington, Texas
Orígenes estilísticos	Alma de Filadelfia canguelo alma psicodélica estallido
Orígenes culturales	Finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970, Filadelfia y la ciudad de Nueva York [1]
Formas derivadas	pop europeo dance pop [2] [3] [4] casa ( casa de garaje ) post-disco post punk Hip-hop nueva ola pop sintetizado jazz ácido
Subgéneros
Discoteca italiana Discoteca cósmica Eurodisco Discoteca espacial Hola-NRG Disco polo Discoteca nudista
Géneros de fusión
Baile punk Baile rock Casa francesa Disco pop Casa funky Funk del futuro Disco-rap
Escenas regionales
Filipinas Europa ( Italia) Polonia )
Escenas locales
Ciudad de Nueva York Filadelfia Miami Washington, D.C. San Francisco Los Ángeles Montreal
Otros temas
discotecas lista de artistas hip hop de la vieja escuela

La música disco es un género de música de baile y una subcultura que surgió a finales de los años 1960 en la escena nocturna urbana de los Estados Unidos. Su sonido se caracteriza por ritmos de cuatro por cuatro , líneas de bajo sincopadas , secciones de cuerdas , instrumentos de viento y trompetas , piano eléctrico , sintetizadores y guitarras rítmicas eléctricas .

Las discotecas como lugar de reunión fueron en su mayoría una invención francesa, importada a los Estados Unidos con la apertura de Le Club , un restaurante y club nocturno exclusivo para miembros ubicado en 416 East 55th Street en Manhattan , por el expatriado francés Olivier Coquelin , en la víspera de Año Nuevo de 1960. ^[5]

La música disco como género comenzó como una mezcla de música de lugares populares entre afroamericanos , hispanos y latinoamericanos , estadounidenses homosexuales e italoamericanos ^[6] en la ciudad de Nueva York (especialmente Brooklyn ) y Filadelfia desde fines de la década de 1960 hasta mediados y fines de la década de 1970. La música disco puede verse como una reacción de la contracultura de la década de 1960 tanto al predominio de la música rock como a la estigmatización de la música de baile en ese momento. Varios estilos de baile se desarrollaron durante el período de popularidad de la música disco de los años 70 en los Estados Unidos, incluidos "the Bump ", "the Hustle ", "the Watergate" y "the Busstop". ^[7]

Durante la década de 1970, la música disco se desarrolló aún más, principalmente por artistas de los Estados Unidos y de Europa . Los artistas conocidos incluyeron a Bee Gees , ABBA , Donna Summer , Gloria Gaynor , Giorgio Moroder , Baccara , The Jacksons , Michael Jackson , Boney M , Earth Wind & Fire , Rick James , ELO , ^[8] Average White Band , Chaka Khan , Chic , KC and the Sunshine Band , Thelma Houston , Sister Sledge , Sylvester , The Trammps , Barry White , Diana Ross , Kool & the Gang y Village People . ^{[9] [10]} Si bien los artistas atrajeron la atención del público, los productores de discos que trabajaban detrás de escena desempeñaron un papel importante en el desarrollo del género. A fines de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades de EE. UU. tenían escenas de clubes de discoteca prósperas, y los DJ mezclaban discos de baile en clubes como Studio 54 en Manhattan , un lugar popular entre las celebridades . Los asistentes a las discotecas solían llevar atuendos caros y extravagantes, que consistían principalmente en pantalones o vestidos sueltos y vaporosos para facilitar el movimiento mientras bailaban. También había una próspera subcultura de las drogas en la escena disco, en particular de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música alta y las luces intermitentes, como la cocaína y el metacualona , ​​siendo estas últimas tan comunes en la subcultura disco que se las apodaba "galletas de discoteca". Las discotecas también se asociaban con la promiscuidad como reflejo de la revolución sexual de esta era en la historia popular. Películas como Fiebre del sábado noche (1977) y Gracias a Dios es viernes (1978) contribuyeron a la popularidad de la música disco.

La música disco decayó como una tendencia importante en la música popular en los Estados Unidos después de la infame Noche de Demolición de Disco el 12 de julio de 1979, y continuó decayendo drásticamente en popularidad en los EE. UU. Durante la década de 1980 ; sin embargo, siguió siendo popular en Italia y algunos países europeos a lo largo de la década de 1980, y durante este tiempo también comenzó a ponerse de moda en otros lugares, incluida la India ^[11] y el Medio Oriente , ^[12] donde los aspectos de la música disco se mezclaron con estilos folclóricos regionales como ghazals y danza del vientre . La música disco eventualmente se convertiría en una influencia clave en el desarrollo de la música electrónica de baile , la música house , el hip hop , la new wave , el dance-punk y el post-disco . El estilo ha tenido varios resurgimientos desde la década de 1990 , y la influencia de la música disco sigue siendo fuerte en la música pop estadounidense y europea. Un resurgimiento ha estado en marcha desde principios de la década de 2010 , alcanzando una gran popularidad a principios de la década de 2020 . Los álbumes que han contribuido a este resurgimiento incluyen Confessions on a Dance Floor , Random Access Memories , Future Nostalgia y el álbum de Kylie Minogue titulado Disco . ^{[13] [14] [15] [16]} Artistas modernos como Dua Lipa , Bruno Mars y Silk Sonic han continuado la popularidad del género, llevándolo a una nueva generación más joven. ^{[17] [18]}

El término "disco" es una abreviatura de la palabra discothèque , una palabra francesa que significa "biblioteca de discos fonográficos" y que deriva de "bibliothèque". La palabra "discotheque" tenía el mismo significado en inglés en la década de 1950. "Discothèque" comenzó a usarse en francés para un tipo de club nocturno en París, después de que hubieran recurrido a reproducir discos durante la ocupación nazi a principios de la década de 1940. Algunos clubes lo usaron como su nombre propio. En 1960, también se usó para describir un club nocturno parisino en una revista inglesa.

El Oxford English Dictionary define Discotheque como "Un salón de baile, club nocturno o lugar similar donde se reproduce música grabada para bailar, generalmente equipado con una gran pista de baile, un elaborado sistema de luces de colores intermitentes y un potente sistema de sonido amplificado". Su primer ejemplo es el uso como nombre de un lugar en particular en 1952, y otros ejemplos datan de 1960 en adelante. La entrada está anotada como "Ahora algo anticuada". ^[19] Define Disco como "Un género de música pop fuertemente rítmica principalmente destinado a bailar en clubes nocturnos y particularmente popular a mediados y fines de la década de 1970", con uso desde 1975 en adelante, describiendo el origen de la palabra como una forma abreviada de discoteca . ^[20]

En el verano de 1964, un vestido corto sin mangas llamado "vestido de discoteca" se hizo muy popular durante un breve período en los Estados Unidos. El primer uso conocido de la forma abreviada "disco" para describir este vestido se ha encontrado en The Salt Lake Tribune el 12 de julio de 1964; la revista Playboy la utilizó en septiembre del mismo año para describir los clubes nocturnos de Los Ángeles. ^[21]

Vince Aletti fue uno de los primeros en describir la música disco como un sonido o un género musical. Escribió el artículo Discotheque Rock '72: ¡Paaaaarty!, que apareció en la revista Rolling Stone ^{el 13 de septiembre de 1973. [22]}

La música típicamente combinaba voces altas y a menudo reverberadas , a menudo dobladas por trompetas, ^{[ cita requerida ]} sobre un fondo de pianos eléctricos y guitarras rítmicas "chicken-scratch" tocadas con una guitarra eléctrica . La guitarra principal aparece con menos frecuencia en la música disco que en el rock . "El sonido de "rooster scratch" se logra presionando ligeramente las cuerdas de la guitarra contra el diapasón y luego soltándolas rápidamente lo suficiente para obtener un sonido de póquer ligeramente apagado mientras se rasguea constantemente muy cerca del puente". ^[23] Otros instrumentos de teclado de acompañamiento incluyen el piano , el órgano eléctrico (durante los primeros años), los sintetizadores de cuerdas y los teclados electromecánicos como el piano eléctrico Fender Rhodes , el piano eléctrico Wurlitzer y el Hohner Clavinet . La canción de Donna Summer de 1977 " I Feel Love ", producida por Giorgio Moroder con un destacado sintetizador Moog en el ritmo, fue una de las primeras pistas disco en usar el sintetizador. ^[24]

El ritmo está marcado por líneas de bajo prominentes y sincopadas (con un uso intensivo de octavas rotas , es decir, octavas con las notas sonando una tras otra) tocadas en el bajo y por bateristas que usan una batería , percusión africana/ latina y baterías electrónicas como los módulos de batería Simmons y Roland . En la música dance de Filadelfia y el disco Salsoul, el sonido se enriqueció con líneas solistas y partes de armonía tocadas por una variedad de instrumentos orquestales, como violín , viola , violonchelo , trompeta , saxofón , trombón , fliscorno, trompa , corno inglés , oboe , flauta , timbales y cuerdas de sintetizador , sección de cuerdas o una orquesta de cuerdas completa . ^{[ cita requerida ]}

La mayoría de las canciones disco tienen un ritmo constante de cuatro por cuatro marcado por un bombo, un patrón de hi-hat de semicorchea o semicorchea con un hi-hat silbante abierto en el contratiempo y una línea de bajo pesada y sincopada. ^{[25] [26]} Se dice que un error de grabación en la canción de 1975 " Bad Luck " de Harold Melvin & the Blue Notes, donde el hi-hat de Earl Young era demasiado fuerte en la grabación, estableció hi-hats fuertes en la música disco. ^[25] Otros ritmos latinos como la rumba, la samba y el cha-cha-chá también se encuentran en grabaciones disco, y los polirritmos latinos , como un ritmo de rumba superpuesto a un merengue, son comunes. El patrón de corchea a menudo está respaldado por otros instrumentos como la guitarra rítmica y puede estar implícito en lugar de estar presente explícitamente.

Las canciones suelen utilizar la síncopa , que es la acentuación de ritmos inesperados. En general, la diferencia entre la música disco, o cualquier canción de baile, y una canción de rock o pop es que en la música de baile el bombo golpea cuatro veces el suelo , al menos una vez por pulso (lo que en el compás de 4/4 son 4 pulsos por compás). ^{[ cita requerida ]} La música disco se caracteriza además por una división de semicorcheas de las negras (como se muestra en el segundo patrón de batería en la imagen de arriba, después de un patrón de batería de rock típico).

El sonido orquestal, conocido habitualmente como "sonido disco", se apoya en gran medida en secciones de cuerdas y trompetas que interpretan frases lineales, al unísono con las voces elevadas y a menudo reverberadas o tocando rellenos instrumentales, mientras que los pianos eléctricos y las guitarras con efecto "crash" crean el sonido de fondo "pad" que define la progresión armónica . Por lo general, toda la duplicación de partes y el uso de instrumentos adicionales crea un rico " muro de sonido ". Sin embargo, existen sabores más minimalistas de disco con instrumentación reducida y transparente.

Armónicamente, la música disco suele contener acordes mayores y menores de séptima, ^{[ cita requerida ]} que se encuentran con más frecuencia en el jazz que en la música pop.

El "sonido disco" era mucho más costoso de producir que muchos de los otros géneros musicales populares de la década de 1970. A diferencia del sonido más simple de banda de cuatro miembros del funk , la música soul de finales de la década de 1960 o los pequeños tríos de órgano de jazz , la música disco a menudo incluía una banda grande, con varios instrumentos de acordes (guitarra, teclados, sintetizador), varios instrumentos de batería o percusión (batería, percusión latina, batería electrónica), una sección de vientos , una orquesta de cuerdas y una variedad de instrumentos solistas " clásicos " (por ejemplo, flauta, flautín, etc.).

Las canciones disco fueron arregladas y compuestas por arreglistas y orquestadores experimentados , y los productores de discos agregaron sus toques creativos al sonido general utilizando técnicas de grabación multipista y unidades de efectos . La grabación de arreglos complejos con una cantidad tan grande de instrumentos y secciones requirió un equipo que incluía un director , copistas , productores de discos e ingenieros de mezcla . Los ingenieros de mezcla tuvieron un papel importante en el proceso de producción disco porque las canciones disco usaban hasta 64 pistas de voces e instrumentos. Los ingenieros de mezcla y los productores de discos, bajo la dirección de los arreglistas, compilaron estas pistas en una composición fluida de versos, puentes y estribillos, completa con construcciones y cortes . Los ingenieros de mezcla y los productores de discos ayudaron a desarrollar el "sonido disco" al crear una mezcla disco distintiva y sofisticada .

Los primeros discos eran la versión "estándar" de tres minutos hasta que Tom Moulton ideó una forma de hacer canciones más largas para poder llevar a una multitud de bailarines en un club a otro nivel y mantenerlos bailando durante más tiempo. Descubrió que era imposible hacer más largos los sencillos de vinilo de 45 RPM de la época, ya que normalmente no podían contener más de cinco minutos de música de buena calidad. Con la ayuda de José Rodríguez, su ingeniero de remasterización/masterización, prensaron un sencillo en un disco de 10" en lugar de 7". Cortaron el siguiente sencillo en un disco de 12", el mismo formato que un álbum estándar. Moulton y Rodríguez descubrieron que estos discos más grandes podían tener canciones y remezclas mucho más largas. Los discos sencillos de 12" , también conocidos como " Maxi singles ", se convirtieron rápidamente en el formato estándar para todos los DJ del género disco. ^[27]

A finales de los años 70, la mayoría de las ciudades importantes de Estados Unidos contaban con una próspera escena de discotecas. Las más importantes se encontraban en la ciudad de Nueva York , pero también en Filadelfia , San Francisco , Miami y Washington, D.C. La escena se centraba en discotecas , clubes nocturnos y fiestas privadas en lofts .

En la década de 1970, las discotecas notables incluyeron " Crisco Disco ", "The Sanctuary", "Leviticus", " Studio 54 " y " Paradise Garage " en Nueva York, "Artemis" en Filadelfia, "Studio One" en Los Ángeles, "Dugan's Bistro" en Chicago y "The Library" en Atlanta. ^{[28] [29]}

A finales de los años 70, el Studio 54 de Midtown Manhattan era posiblemente el club nocturno más conocido del mundo. Este club desempeñó un papel fundamental en el crecimiento de la música disco y de la cultura de los clubes nocturnos en general. Lo dirigían Steve Rubell e Ian Schrager y era famoso por el hedonismo que se desarrollaba en su interior: los balcones eran conocidos por los encuentros sexuales y el consumo de drogas estaba desenfrenado. Su pista de baile estaba decorada con una imagen del " Hombre en la Luna " que incluía una cuchara de cocaína animada .

El " Copacabana ", otro club nocturno de Nueva York que data de la década de 1940, tuvo un renacimiento a fines de la década de 1970 cuando adoptó la música disco; se convertiría en el escenario de una canción de Barry Manilow del mismo nombre .

En Washington, DC , grandes clubes de discoteca como "The Pier" ("Pier 9") y "The Other Side", considerados originalmente exclusivamente como " bares gay ", se volvieron particularmente populares entre los estudiantes universitarios homosexuales y heterosexuales del área de la capital a finales de los años 70.

En 1979, había entre 15.000 y 20.000 discotecas en Estados Unidos, muchas de ellas en centros comerciales, hoteles y restaurantes de los suburbios. Las franquicias de 2001 Club eran la cadena de discotecas más prolífica del país. ^[30] Aunque se hicieron muchos otros intentos de franquiciar discotecas, 2001 fue el único que lo logró con éxito en ese período. ^[31]

Los sistemas de sonido de alta fidelidad, potentes y con graves intensos se consideraban una parte clave de la experiencia en las discotecas. El anfitrión de la fiesta Loft, David Mancuso, introdujo las tecnologías de los arreglos de tweeters (grupos de pequeños altavoces que emiten frecuencias altas, colocados por encima del suelo) y los refuerzos de graves (conjuntos adicionales de subwoofers colocados a nivel del suelo) a principios de los años 70 para potenciar los agudos y los graves en los momentos oportunos y, a finales de la década, ingenieros de sonido como Richard Long habían multiplicado los efectos de estas innovaciones en lugares como el Garage. ^[32]

Los diseños de iluminación típicos para pistas de baile de discoteca incluyen luces multicolores que giran o destellan al ritmo de la música, luces estroboscópicas , una pista de baile iluminada y una bola de espejos .

Los disc jockeys (DJ) de la era disco solían remezclar canciones existentes utilizando máquinas de cintas de carrete a carrete y agregarles pausas de percusión, nuevas secciones y nuevos sonidos. Los DJ seleccionaban canciones y ritmos según lo que querían los bailarines, haciendo la transición de una canción a otra con un mezclador de DJ y usando un micrófono para presentar las canciones y hablarle al público. Se agregaron otros equipos a la configuración básica del DJ, lo que proporcionó manipulaciones de sonido únicas, como reverberación , ecualización y unidad de efectos de eco . Con este equipo, un DJ podía hacer efectos como cortar todo menos la línea de bajo de una canción y luego mezclar lentamente el comienzo de otra canción usando el crossfader del mezclador de DJ. Entre los DJ de discoteca estadounidenses más destacados se incluyen Francis Grasso de The Sanctuary, David Mancuso de The Loft , Frankie Knuckles de Chicago Warehouse , Larry Levan de Paradise Garage , Nicky Siano de The Gallery , Walter Gibbons , Karen Mixon Cook , Jim Burgess , John "Jellybean" Benitez , Richie Kulala de Studio 54 y Rick Salsalini.

Algunos DJ también eran productores de discos que creaban y producían canciones disco en el estudio de grabación . Larry Levan, por ejemplo, fue un productor de discos prolífico además de DJ. Como las ventas de discos dependían a menudo de las actuaciones de los DJ en las pistas de baile de los clubes nocturnos, los DJ también influyeron en el desarrollo y la popularización de ciertos tipos de música disco que se producían para las discográficas.

En los primeros años, los bailarines de las discotecas bailaban con un estilo "holgado" o "libre". Al principio, muchos bailarines improvisaban sus propios estilos y pasos de baile. Más tarde, en la era disco, se desarrollaron estilos de baile populares, incluidos "Bump", "Penguin", "Boogaloo", "Watergate" y "Robot". En octubre de 1975, el Hustle reinaba. Era muy estilizado, sofisticado y abiertamente sexual. Las variaciones incluían el Brooklyn Hustle, el New York Hustle y el Latin Hustle . ^[29]

Durante la era disco, muchas discotecas solían organizar competiciones de baile disco u ofrecer clases de baile gratuitas. Algunas ciudades tenían instructores de baile disco o escuelas de baile que enseñaban a la gente a hacer bailes disco populares como "touch dancing", "the hustle" y " the cha cha ". La pionera de la enseñanza del baile disco fue Karen Lustgarten en San Francisco en 1973. Su libro The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books 1978) fue el primero en nombrar, desglosar y codificar los bailes disco populares como formas de baile y distinguir entre el estilo libre disco, el baile en pareja y el baile en línea. El libro encabezó la lista de los más vendidos del New York Times durante 13 semanas y fue traducido al chino, alemán y francés.

En Chicago, se lanzó el programa de televisión Step By Step sobre baile disco con el apoyo de la empresa Coca-Cola. Producido en el mismo estudio que Don Cornelius utilizó para el programa de televisión de baile y música de difusión nacional, Soul Train , la audiencia de Step by Step creció y el programa se convirtió en un éxito. El dinámico dúo de baile formado por Robin y Reggie dirigió el programa. La pareja pasó la semana enseñando a bailar disco a los bailarines en los clubes de discoteca. El programa instructivo se emitía los sábados por la mañana y tenía un gran número de seguidores. Sus espectadores se quedaban despiertos toda la noche los viernes para poder estar en el plató a la mañana siguiente, listos para volver a la discoteca el sábado por la noche con los últimos pasos personalizados. Los productores del programa, John Reid y Greg Roselli, hacían apariciones rutinarias en funciones de discoteca con Robin y Reggie para buscar nuevos talentos de baile y promocionar los próximos eventos como "Disco Night at White Sox Park".

En Sacramento, California, el rey de la música disco Paul Dale Roberts bailó para el Libro Guinness de los récords mundiales. Bailó durante 205 horas, el equivalente a ocho días y medio. Después se llevaron a cabo otros maratones de baile y Roberts mantuvo el récord mundial de baile disco durante un breve período de tiempo. ^[33]

Algunas compañías de baile profesionales notables de la década de 1970 incluyeron Pan's People y Hot Gossip . Para muchos bailarines, una fuente clave de inspiración para el baile disco de la década de 1970 fue la película Saturday Night Fever (1977). Otra influencia provino de la música y el estilo de baile de películas como Fame (1980), Disco Dancer (1982), Flashdance (1983) y The Last Days of Disco (1998). El interés por el baile disco también ayudó a generar programas de televisión de competencia de baile como Dance Fever (1979).

La moda disco estuvo muy de moda a finales de los años 70. Los asistentes a las discotecas solían llevar modas glamorosas, caras y extravagantes para las noches en su club de discoteca local. Algunas mujeres llevaban vestidos transparentes y sueltos, como los vestidos Halston , o pantalones holgados y acampanados. Otras mujeres llevaban ropa ajustada, reveladora y sexy, como tops halter sin espalda , pantalones disco , "hot pants" o bodys de licra ajustados o "catsuits". ^[34] Los hombres llevaban camisas Qiana de poliéster brillante con patrones coloridos y cuellos puntiagudos y extra anchos, preferiblemente abiertos en el pecho. Los hombres a menudo llevaban trajes Pierre Cardin , trajes de tres piezas con chaleco y chaquetas camiseras de poliéster de doble punto con pantalones a juego conocidos como traje de ocio . Los trajes de ocio de los hombres normalmente se ajustaban a algunas partes del cuerpo, como la cintura y la parte inferior, mientras que la parte inferior de los pantalones se acampanaba en un estilo de campana , para permitir la libertad de movimiento. ^[34]

Durante la era disco, los hombres participaban en elaborados rituales de aseo y pasaban tiempo eligiendo ropa de moda, actividades que habrían sido consideradas "femeninas" según los estereotipos de género de la época. ^[34] Las bailarinas usaban maquillaje brillante , lentejuelas o ropa de lamé dorado que brillaba bajo las luces. ^[34] Los colores atrevidos eran populares para ambos sexos. Los zapatos y botas de plataforma para ambos sexos y los tacones altos para las mujeres eran un calzado popular. ^[34] Los collares y medallones eran un accesorio de moda común . Con menos frecuencia, algunos bailarines de discoteca usaban disfraces extravagantes, se vestían de drag , se cubrían el cuerpo con pintura dorada o plateada o usaban atuendos muy escasos que los dejaban casi desnudos; estos atuendos poco comunes eran más propensos a verse en fiestas en lofts y clubes de discoteca de la ciudad de Nueva York a los que solo se podía asistir con invitación . ^[34]

Además de los aspectos de baile y moda de la escena de los clubes de discoteca, también había una próspera subcultura de drogas de club , particularmente de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música fuerte y con muchos graves y las luces de colores intermitentes, como la cocaína ^[35] (apodada "blow"), el nitrito de amilo (" poppers "), ^[36] y la "... otra droga de club por excelencia de los años 70 , Quaalude , que suspendía la coordinación motora y daba la sensación de que los brazos y las piernas se habían convertido en ' gelatina ' " . ^[37] Los Quaaludes eran tan populares en los clubes de discoteca que la droga fue apodada "galletas de discoteca". ^[38]

Paul Gootenberg afirma que "[l]a relación de la cocaína con la cultura disco de los años 70 no se puede enfatizar lo suficiente..." ^[35] Durante los años 70, el uso de cocaína por parte de celebridades adineradas condujo a su "glamorización" y a la visión generalizada de que era una "droga blanda". ^[39] El LSD , la marihuana y el "speed" (anfetaminas) también eran populares en los clubes de discoteca, y el uso de estas drogas "... contribuía a la calidad hedonista de la experiencia de la pista de baile". ^[40] Dado que los bailes de discoteca generalmente se celebraban en clubes nocturnos y clubes de baile con licencia para vender licor , los bailarines también consumían bebidas alcohólicas ; algunos usuarios combinaban intencionalmente el alcohol con el consumo de otras drogas, como Quaaludes, para obtener un efecto más fuerte.

Según Peter Braunstein , las "enormes cantidades de drogas ingeridas en las discotecas produjeron el siguiente fenómeno cultural de la era disco: promiscuidad desenfrenada y sexo en público . Si bien la pista de baile era el escenario central de la seducción , el sexo real generalmente tenía lugar en las regiones inferiores de la discoteca: cubículos de baño, escaleras de salida , etc. En otros casos, la discoteca se convirtió en una especie de 'plato principal' en el menú de un hedonista para una noche de fiesta". ^[37] En el club nocturno The Saint , un alto porcentaje de los bailarines y clientes homosexuales tenían relaciones sexuales en el club; por lo general tenían relaciones sexuales sin protección , porque en 1980, el VIH-SIDA aún no había sido identificado. ^[41] En The Saint, "los bailarines se escapaban a un balcón del piso superior sin vigilancia para tener relaciones sexuales". ^[41] La promiscuidad y el sexo público en las discotecas formaban parte de una tendencia más amplia hacia la exploración de una expresión sexual más libre en la década de 1970, una era que también se asocia con " clubes de swingers , jacuzzis , [y] fiestas de llave ". ^[42]

En su artículo "En defensa de la música disco" (1979), Richard Dyer afirma que el erotismo es una de las tres características principales de la música disco. ^[43] A diferencia de la música rock , que tiene un erotismo muy centrado en lo fálico y centrado en el placer sexual de los hombres por sobre otras personas, Dyer describe la música disco como una que presenta un erotismo corporal completo no fálico. ^[43] A través de una gama de instrumentos de percusión, una voluntad de jugar con el ritmo y la repetición interminable de frases sin interrumpir al oyente, la música disco logró este erotismo corporal completo al restaurar el erotismo en todo el cuerpo para ambos sexos. ^[43] Esto permitió la expresión potencial de sexualidades no definidas por la polla/pene, y el placer erótico de cuerpos que no están definidos por una relación con un pene. ^[43] La liberación sexual expresada a través del ritmo de la música disco está representada aún más en los espacios de club en los que creció la música disco.

En Modulations: A History of Electronic Music : Throbbing Words on Sound de Peter Shapiro , analiza el erotismo a través de la tecnología que utiliza la música disco para crear su audaz sonido. ^[44] La música, afirma Shapiro, es un complemento al "ethos de placer-es-política de la cultura post- Stonewall ". Explica cómo el "mecanoerotismo", que vincula la tecnología utilizada para crear el sonido mecánico único de la música disco con el erotismo, colocó al género en una nueva dimensión de realidad que vive fuera del naturalismo y la heterosexualidad. Randy Jones y Mark Jacobsen se hacen eco de este sentimiento en "The Politics of Dancing: How Disco Changed the World" de BBC Radio, describiendo el estilo de baile relajado y centrado en las caderas como "un nuevo tipo de comunión" que celebra las chispas de liberación provocadas por los disturbios de Stonewall. ^[45] Como el estado de Nueva York tenía leyes contra el comportamiento homosexual en público, incluido el baile con un miembro del mismo sexo, el erotismo de la música disco sirvió como resistencia y expresión de libertad sexual. ^[46]

Utiliza los singles de Donna Summer " Love to Love You Baby " (1975) y " I Feel Love " (1977) como ejemplos de la relación siempre presente entre las líneas de bajo sintetizadas y los fondos con los sonidos simulados de orgasmos. La voz de Summer resuena en las pistas y las compara con los fanáticos de la música disco, fervientes por las drogas y sexualmente liberados que buscaban liberarse a través de la "estética del sexo con máquinas" de la música disco. ^[47] Shapiro ve esto como una influencia que crea subgéneros como el hi-NRG y el dub -disco, que permitieron que el erotismo y la tecnología se exploraran más a fondo a través de intensas líneas de bajo sintetizadas y técnicas rítmicas alternativas que tocan todo el cuerpo en lugar de las partes eróticas obvias del cuerpo.

El club nocturno neoyorquino The Sanctuary, dirigido por el DJ residente Francis Grasso , es un claro ejemplo de esta libertad sexual. En su historia del disc jockey y la cultura de los clubes, Bill Brewster y Frank Broughton describen el Sanctuary como "lleno de hombres homosexuales recién liberados, luego agitado (y revuelto) por una pesada mezcla de música de baile y farmacología de píldoras y pociones, el resultado es un festival de carnalidad". ^[48] The Sanctuary fue la "primera discoteca gay totalmente desinhibida de Estados Unidos" y, aunque no se permitía el sexo en la pista de baile, los rincones oscuros, los baños y los pasillos de los edificios adyacentes se utilizaban para encuentros sexuales de tipo orgía. ^[48]

Al describir la música, las drogas y la mentalidad liberada como una trilogía que se une para crear el festival de la carnalidad, Brewster y Broughton incitan a los tres a actuar como estímulos para el baile, el sexo y otros movimientos corporales que contribuyeron a las vibraciones corporales dentro del Santuario. Esto respalda el argumento de que la música disco desempeñó un papel en la facilitación de esta liberación sexual que se experimentó en las discotecas. La reciente legalización del aborto y la introducción de los antibióticos y la píldora facilitaron un cambio cultural en torno al sexo, que pasó de ser un tema de procreación a uno de placer y disfrute. De este modo, se fomentó un marco muy positivo en cuanto al sexo en torno a las discotecas. ^[49]

Además de que el sexo gay era ilegal en el estado de Nueva York, hasta 1973 la Asociación Estadounidense de Psiquiatría clasificó la homosexualidad como una enfermedad. ^[48] Se puede entender que esta ley y la clasificación en conjunto disuadieron en gran medida la expresión de la homosexualidad en público, por lo que la dinámica liberadora de las discotecas puede verse como un espacio para la autorrealización de las personas queer. La fiesta en un club/casa de David Mancuso, The Loft , fue descrita como una " actitud pansexual [que] era revolucionaria en un país donde hasta hace poco había sido ilegal que dos hombres bailaran juntos a menos que hubiera una mujer presente; donde las mujeres estaban legalmente obligadas a usar al menos una prenda reconocible de ropa femenina en público; y donde los hombres que visitaban bares gay generalmente llevaban dinero de fianza con ellos". ^[50]

La música disco se desarrolló principalmente a partir de la música que era popular en las pistas de baile de los clubes, que comenzaron a poner discos en lugar de tener una banda en vivo. Las primeras discotecas tocaban principalmente música swing . Más tarde, el rhythm and blues de ritmo rápido se hizo popular en los clubes estadounidenses y los discos de soul y glam rock del norte en el Reino Unido. A principios de la década de 1940, los clubes nocturnos de París recurrieron a tocar discos de jazz durante la ocupación nazi.

Régine Zylberberg afirmó haber fundado la primera discoteca y haber sido la primera DJ de club en 1953 en el "Whisky à Go-Go" de París. Instaló una pista de baile con luces de colores y dos platos giratorios para poder poner discos sin que hubiera un hueco en la música. ^[51] En octubre de 1959, el propietario del Scotch Club de Aquisgrán, Alemania Occidental, decidió instalar un tocadiscos para la noche de apertura en lugar de contratar una banda en vivo. Los clientes no se impresionaron hasta que un joven reportero, que estaba cubriendo la inauguración del club, tomó impulsivamente el control del tocadiscos y presentó los discos que eligió poner. Klaus Quirini afirmó más tarde haber sido el primer DJ de discoteca del mundo. ^[21]

Durante la década de 1960, el baile en discotecas se convirtió en una tendencia europea que fue recogida con entusiasmo por la prensa estadounidense. ^[21] En esta época, cuando la cultura discotequera de Europa se hizo popular en los Estados Unidos, varios géneros musicales con ritmos bailables se hicieron populares y evolucionaron en diferentes subgéneros: rhythm and blues (originado en la década de 1940), soul (finales de la década de 1950 y 1960), funk (mediados de la década de 1960) y go-go (mediados de la década de 1960 y 1970; más que "disco", la palabra "go-go" originalmente indicaba un club de música). Los géneros musicales que eran interpretados principalmente por músicos afroamericanos influirían en gran parte de la música disco temprana.

También durante la década de 1960, el sello discográfico Motown desarrolló su propio enfoque, descrito como tener "1) canciones simplemente estructuradas con melodías sofisticadas y cambios de acordes, 2) un patrón de batería implacable de cuatro tiempos, 3) un uso gospel de voces de fondo, vagamente derivado del estilo de los Impressions , 4) un uso regular y sofisticado tanto de trompetas como de cuerdas, 5) cantantes principales que estaban a medio camino entre la música pop y gospel, 6) un grupo de músicos acompañantes que estaban entre los más diestros, conocedores y brillantes de toda la música popular (los bajistas de Motown han sido durante mucho tiempo la envidia de los bajistas de rock blancos) y 7) un estilo de mezcla de agudos que dependía en gran medida de la limitación y ecualización electrónica (aumentando las frecuencias de rango alto) para darle al producto general un sonido distintivo, particularmente efectivo para la transmisión por radio AM ". ^[52] Motown tuvo muchos éxitos con elementos disco con artistas como Eddie Kendricks (" Keep on Truckin' " en 1973, ^[53] " Boogie Down " en 1974).

A finales de la década de 1960, los músicos y el público de las comunidades negra, italiana y latina adoptaron varios rasgos de las subculturas hippie y psicodélica . Incluían el uso de locales de música con un sonido fuerte y abrumador, bailes de forma libre, iluminación psicodélica, disfraces coloridos y el uso de drogas alucinógenas . ^{[54] [55] [56]} Además, la positividad percibida, la falta de ironía y la seriedad de los hippies informaron la música proto-disco como el álbum Love Is the Message de MFSB . ^{[54] [57]} En parte a través del éxito de Jimi Hendrix , los elementos psicodélicos que eran populares en la música rock de finales de la década de 1960 encontraron su camino en el soul y la música funk temprana y formaron el subgénero soul psicodélico . Se pueden encontrar ejemplos en la música de los Chambers Brothers , George Clinton con su colectivo Parliament-Funkadelic , Sly and the Family Stone y las producciones de Norman Whitfield con The Temptations .

Las largas introducciones instrumentales y la orquestación detallada que se encuentran en las pistas de soul psicodélico de Temptations también se consideran soul cinematográfico . A principios de la década de 1970, Curtis Mayfield e Isaac Hayes lograron éxitos con canciones de soul cinematográfico que en realidad fueron compuestas para bandas sonoras de películas: « Superfly » (1972) y « Theme from Shaft » (1971). Esta última a veces se considera una de las primeras canciones disco. ^[58] Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, el soul de Filadelfia y el soul de Nueva York se desarrollaron como subgéneros que también tenían percusión lujosa, arreglos de orquesta de cuerdas exuberantes y procesos de producción de discos costosos. A principios de la década de 1970, las producciones de soul de Filadelfia de Gamble y Huff evolucionaron de los arreglos más simples de finales de la década de 1960 a un estilo que presenta cuerdas exuberantes, líneas de bajo contundentes y ritmos de charles deslizantes. Estos elementos se volverían típicos de la música disco y se encuentran en varios de los éxitos que produjeron a principios de los años 70:

• " Love Train " de los O'Jays (con MFSB como banda de apoyo) fue lanzado en 1972 y encabezó el Billboard Hot 100 en marzo de 1973.
• " El amor que perdí " de Harold Melvin & the Blue Notes (1973)
• " Now That We Found Love " de The O'Jays (1973), que más tarde se convirtió en un éxito para Third World en 1978
• " TSOP (The Sound of Philadelphia) " de MFSB con la voz de The Three Degrees , una canción sin palabras escrita como tema de Soul Train y un éxito número uno en el Billboard Hot 100 en 1974

Otras de las primeras canciones disco que ayudaron a dar forma al disco y se hicieron populares en las pistas de baile de discotecas y fiestas (underground) incluyen:

• " Jungle Fever " de The Chakachas se lanzó por primera vez en Bélgica en 1971 y luego se lanzó en los EE. UU. en 1972, donde alcanzó el puesto número 8 en el Billboard Hot 100 ese mismo año.
• " Soul Makossa " de Manu Dibango se lanzó por primera vez en Francia en 1972; fue retomado por la escena disco underground de Nueva York y posteriormente tuvo un lanzamiento adecuado en los EE. UU., alcanzando el puesto número 35 en el Hot 100 en 1973.
• " The Night " de Four Seasons se lanzó en 1972, pero no fue inmediatamente popular; atrajo a la escena soul del norte y se convirtió en un éxito en el Reino Unido en 1975 ^[59].
• " Love's Theme " de la Love Unlimited Orchestra , dirigida por Barry White , una canción instrumental que apareció originalmente en Under the Influence of... Love Unlimited en julio de 1973, de donde fue extraída como sencillo en noviembre de ese año; posteriormente, el director la incluyó en su propio álbum debut.
• "Sound Your Funky Horn" de KC y la Sunshine Band ^[60] en 1974
• "Rock Your Baby" de George McCrae en 1974
• "Do It" de BT Express en 1974
• " Boogie Down " de Eddie Kendricks en 1974.

El disco temprano estaba dominado por productores y sellos discográficos como Salsoul Records (Ken, Stanley y Joseph Cayre ), West End Records ( Mel Cheren ), Casablanca ( Neil Bogart ) y Prelude ( Marvin Schlachter ). El género también fue moldeado por Tom Moulton , quien quería extender el disfrute de las canciones de baile, creando así la mezcla extendida o " remix ", pasando de un sencillo de 45 rpm de tres minutos al disco de 12" mucho más largo. Otros DJ y remezcladores influyentes que ayudaron a establecer lo que se conoció como el "sonido disco" incluyeron a David Mancuso , Nicky Siano , Shep Pettibone , Larry Levan , Walter Gibbons y Frankie Knuckles , con sede en Chicago . Frankie Knuckles no solo fue un importante DJ de disco; también ayudó a desarrollar la música house en la década de 1980.

La música disco llegó a las ondas de televisión como parte del programa de variedades de música y baile Soul Train en 1971 presentado por Don Cornelius , luego como parte del programa de televisión Disco Step-by-Step de Marty Angelo en 1975, luego como parte de Disco Magic/Disco 77 de Steve Marcus, Soap Factory de Eddie Rivera y Dance Fever de Merv Griffin , presentado por Deney Terrio , a quien se le atribuye haber enseñado a bailar al actor John Travolta para su papel en la película Saturday Night Fever (1977), así como también como parte de DANCE, con sede en Columbia, Carolina del Sur .

En 1974, la estación WPIX-FM de la ciudad de Nueva York estrenó el primer programa de radio disco. ^[61]

En la década de 1970, la contracultura clave de la década de 1960 , el movimiento hippie, se estaba desvaneciendo. La prosperidad económica de la década anterior había declinado y el desempleo, la inflación y las tasas de criminalidad se habían disparado. Cuestiones políticas como la reacción del Movimiento por los Derechos Civiles que culminó en forma de disturbios raciales , la Guerra de Vietnam , los asesinatos del Dr. Martin Luther King Jr. y John F. Kennedy , y el escándalo de Watergate , dejaron a muchos sintiéndose desilusionados y desesperanzados. ^{[ cita requerida ]} El comienzo de los años 70 estuvo marcado por un cambio en la conciencia del pueblo estadounidense: el auge del movimiento feminista , la política de identidad , las pandillas, etc. moldearon en gran medida esta era. La música disco y el baile disco proporcionaron un escape de los problemas sociales y económicos negativos. ^[62] El estilo de baile sin pareja de la música disco permitió que personas de todas las razas y orientaciones sexuales disfrutaran de la atmósfera de la pista de baile. ^[63]

En su libro Beautiful Things in Popular Culture , Simon Frith destaca la sociabilidad de la música disco y sus raíces en la contracultura de los años 60. “La fuerza impulsora de la escena de baile underground de Nueva York en la que se forjó la música disco no fue simplemente la compleja cultura étnica y sexual de esa ciudad, sino también una noción de comunidad, placer y generosidad de los años 60 que sólo puede describirse como hippie”, afirma. “La mejor música disco contenía en sí una sensación de euforia colectiva notablemente poderosa”. ^[64]

Se afirma a menudo que la explosión de la música disco se encuentra en las fiestas privadas de baile que se celebraban en la casa del DJ de Nueva York David Mancuso, que se hizo conocida como The Loft , un club underground no comercial al que solo se podía asistir por invitación que inspiró a muchos otros. ^[65] Organizó la primera gran fiesta en su casa de Manhattan el día de San Valentín de 1970 con el nombre de "Love Saves The Day". Después de algunos meses, las fiestas se convirtieron en eventos semanales y Mancuso continuó dando fiestas regulares hasta la década de 1990. ^[66] Mancuso exigía que la música que se tocara tuviera que ser conmovedora, rítmica y transmitir palabras de esperanza, redención u orgullo. ^[50]

Cuando Mancuso organizó sus primeras fiestas informales en sus casas, la comunidad gay (que constituía gran parte de la lista de asistentes a The Loft) era acosada a menudo en los bares y clubes de baile gay , y muchos hombres gay llevaban consigo el dinero de la fianza a los bares gay. Pero en The Loft y en muchas otras discotecas privadas de las primeras , podían bailar juntos sin miedo a la acción policial gracias a las políticas clandestinas, pero legales, de Mancuso. Vince Aletti lo describió como "ir a una fiesta, completamente mezclada, racial y sexualmente, donde no había ninguna sensación de que alguien fuera más importante que los demás", y Alex Rosner reiteró esto diciendo "Probablemente era un sesenta por ciento de negros y un setenta por ciento de gays... Había una mezcla de orientaciones sexuales, había una mezcla de razas, una mezcla de grupos económicos. Una verdadera mezcla, donde el denominador común era la música". ^[50]

El crítico de cine Roger Ebert dijo que la aceptación popular de los exuberantes movimientos de baile de la música disco era un escape de "la depresión general y la monotonía de la atmósfera política y musical de finales de los setenta". ^[67] Pauline Kael , escribiendo sobre la película de temática disco Fiebre del sábado noche , dijo que la película y la música disco en sí misma tocaban "algo profundamente romántico, la necesidad de moverse, de bailar y la necesidad de ser quien te gustaría ser. El nirvana es el baile; cuando la música se detiene, vuelves a ser normal". ^[68]

A finales de los años 60, el soul de ritmo rápido con ritmos fuertes y algunos estilos de baile y moda asociados se retomaron en la escena mod británica y formaron el movimiento northern soul . Originario de lugares como el Twisted Wheel en Manchester , se extendió rápidamente a otros salones de baile y clubes nocturnos del Reino Unido como el Chateau Impney ( Droitwich ), Catacombs (Wolverhampton), Highland Rooms en Blackpool Mecca , Golden Torch (Stoke-on-Trent) y Wigan Casino . A medida que el ritmo favorito se volvió más rápido y frenético a principios de los años 70, el baile northern soul se volvió más atlético, pareciéndose un poco a los estilos de baile posteriores de disco y break dance. Con giros , volteretas , patadas de karate y telones de fondo, los estilos de baile de club a menudo se inspiraron en las actuaciones en el escenario de actos de soul estadounidenses de gira como Little Anthony & the Imperials y Jackie Wilson .

En 1974, se calcula que había 25.000 discotecas móviles y 40.000 disc jockeys profesionales en el Reino Unido. Las discotecas móviles eran DJ contratados que llevaban su propio equipo para proporcionar música para eventos especiales. Las pistas de glam rock eran populares, como, por ejemplo, el sencillo de Gary Glitter de 1972 " Rock and Roll Part 2 " que se hizo popular en las pistas de baile del Reino Unido, aunque no tuvo mucha difusión en la radio. ^[69]

De 1974 a 1977, la música disco aumentó en popularidad a medida que muchas canciones disco encabezaron las listas. " Rock the Boat " (1974) de The Hues Corporation , un sencillo número uno en Estados Unidos y un millón de ventas, fue una de las primeras canciones disco en alcanzar el número uno. El mismo año vio el lanzamiento de " Kung Fu Fighting ", interpretada por Carl Douglas y producida por Biddu , que alcanzó el número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, y se convirtió en el sencillo más vendido del año ^[70] y uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos con 11 millones de discos vendidos en todo el mundo, ^{[71] [72]} ayudando a popularizar la música disco en gran medida. ^[71] Otro éxito disco notable ese año fue " Rock Your Baby " de George McCrae : ^[73] se convirtió en el primer sencillo disco número uno del Reino Unido. ^{[74] [73]}

En las zonas del noroeste del Reino Unido, la explosión del northern soul , que comenzó a finales de los años 60 y alcanzó su punto álgido en 1974, hizo que la región fuera receptiva a la música disco, que los disc jockeys de la región traían de la ciudad de Nueva York. El cambio de algunos DJ hacia los sonidos más nuevos que venían de los EE. UU. provocó una división en la escena, por la que algunos abandonaron el soul de los años 60 y promovieron un sonido soul moderno que tendía a estar más estrechamente relacionado con la música disco que con el soul.

En 1975, Gloria Gaynor lanzó su primer álbum de vinilo de larga duración , que incluía una nueva versión de " Never Can Say Goodbye " de los Jackson 5 (que, de hecho, también es el título del álbum ) y otras dos canciones, "Honey Bee" y su versión disco de " Reach Out (I'll Be There) ". El álbum encabezó por primera vez las listas disco/dance de Billboard en noviembre de 1974. Más tarde, en 1978, la canción disco número uno de Gaynor fue " I Will Survive ", que fue vista como un símbolo de fuerza femenina y un himno gay, ^[75] como su siguiente éxito disco, una nueva versión de 1983 de " I Am What I Am ". En 1979 lanzó " Let Me Know (I Have a Right) ", un sencillo que ganó popularidad en los movimientos por los derechos civiles. También en 1975, la Orquesta Salsoul de Vincent Montana Jr. contribuyó con su canción de baile orquestal con sabor latino "Salsoul Hustle", alcanzando el número cuatro en el Billboard Dance Chart; sus éxitos de 1976 fueron " Tangerine " y "Nice 'n' Naasty", el primero siendo una versión de una canción de 1941. ^{[ cita requerida ]}

Canciones como " The Hustle " de Van McCoy de 1975 y la humorística " Ain't Gonna Bump No More (With No Big Fat Woman) " de Joe Tex de 1977 dieron nombre a los populares bailes disco "the Bump" y "the Hustle". Otras canciones disco exitosas tempranas notables incluyen " You're the First, the Last, My Everything " de Barry White (1974); " Lady Marmalade " de Labelle (1974); " Get Dancin' " de Disco-Tex y Sex-O-Lettes (1974); " Shining Star " de Earth, Wind & Fire (1975); " Fly, Robin, Fly " (1975) y " Get Up and Boogie " (1976) de Silver Convention ; " Turn the Beat Around " de Vicki Sue Robinson (1976); y " More, More, More " (1976) de Andrea True (una ex actriz pornográfica durante la Edad de Oro del Porno , una era en gran parte contemporánea con el apogeo de la música disco).

Formada por Harry Wayne Casey (también conocido como "KC") y Richard Finch , la KC and the Sunshine Band de Miami tuvo una serie de sencillos que definitivamente estuvieron entre los cinco primeros puestos de la música disco entre 1975 y 1977, incluidos " Get Down Tonight ", " That's the Way (I Like It) ", " (Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty ", " I'm Your Boogie Man ", " Boogie Shoes " y " Keep It Comin' Love ". En este período, bandas de rock como la English Electric Light Orchestra presentaron en sus canciones un sonido de violín que se convirtió en un elemento básico de la música disco, como en el éxito de 1975 " Evil Woman ", aunque el género fue descrito correctamente como rock orquestal .

Otros productores de música disco, como Tom Moulton, tomaron ideas y técnicas de la música dub (que surgió con la creciente migración jamaiquina a la ciudad de Nueva York en los años 1970) para ofrecer alternativas al estilo "four on the floor" que dominaba. El DJ Larry Levan utilizó estilos del dub y el jazz y técnicas de remezcla para crear versiones tempranas de la música house que dieron origen al género. ^[76]

Norman Whitfield fue un influyente productor y compositor de la discográfica Motown , conocido por crear innovadoras canciones de " soul psicodélico " con muchos éxitos para Marvin Gaye , Velvelettes , Temptations y Gladys Knight & the Pips . A partir de la producción del álbum Cloud Nine de Temptations en 1968, incorporó algunas influencias psicodélicas y comenzó a producir temas más largos y bailables, con más espacio para partes instrumentales rítmicas elaboradas. Un ejemplo de una pista de soul psicodélico tan larga es " Papa Was a Rollin' Stone ", que apareció como una edición única de casi siete minutos y una versión de 12" de aproximadamente 12 minutos de duración en 1972. A principios de los años 70, muchas de las producciones de Whitfield evolucionaron cada vez más hacia el funk y el disco, como se escucha en los álbumes de Undisputed Truth y el álbum de 1973 GIT: Get It Together de The Jackson 5. The Undisputed Truth , un grupo de grabación de Motown reunido por Whitfield para experimentar con sus técnicas de producción de soul psicodélico, encontró el éxito con su canción de 1971 " Sonriendo caras a veces ". Su sencillo disco "You + Me = Love" (número 43) fue producido por Whitfield y llegó al número 2 en la lista de baile de EE. UU . en 1976.

En 1975, Whitfield dejó Motown y fundó su propio sello, Whitfield Records , en el que también se publicó "You + Me = Love". Whitfield produjo algunos éxitos disco más, incluido " Car Wash " (1976) de Rose Royce de la banda sonora del álbum de la película Car Wash de 1976. En 1977, el cantante, compositor y productor Willie Hutch , que había firmado con Motown desde 1970, ahora firmó con el nuevo sello de Whitfield y anotó un exitoso sencillo disco con su canción "In and Out" en 1982.

Otros artistas de Motown también se pasaron al disco. Diana Ross abrazó el sonido disco con su exitoso lanzamiento de 1976 " Love Hangover " de su álbum homónimo. Sus clásicos de baile de 1980 " Upside Down " y " I'm Coming Out " fueron escritos y producidos por Nile Rodgers y Bernard Edwards del grupo Chic . The Supremes , el grupo que hizo famosa a Ross, anotó un puñado de éxitos en los clubes de disco sin ella, el más notable fue " I'm Gonna Let My Heart Do the Walking " de 1976 y, su último sencillo en las listas antes de disolverse, "You're My Driving Wheel" de 1977.

A petición de Motown para que produjera canciones en el género disco, Marvin Gaye lanzó " Got to Give It Up " en 1978, a pesar de su aversión por la música disco. Se comprometió a no grabar ninguna canción en el género y de hecho escribió la canción como una parodia. Sin embargo, varias de las canciones de Gaye tienen elementos disco, incluyendo " I Want You " (1975). Stevie Wonder lanzó el sencillo disco " Sir Duke " en 1977 como un tributo a Duke Ellington , la influyente leyenda del jazz que había muerto en 1974. Smokey Robinson dejó el grupo de Motown The Miracles para una carrera en solitario en 1972 y lanzó su tercer álbum en solitario A Quiet Storm en 1975, que generó y prestó su nombre al formato de programación musical " Quiet Storm " y subgénero del R&B. Contenía el sencillo disco " Baby That's Backatcha ". Otros artistas de Motown que lograron éxitos disco fueron el antiguo grupo de Robinson, los Miracles, con "Love Machine" (1975), Eddie Kendricks con "Keep On Truckin'" (1973), los Originals con " Down to Love Town " (1976), y Thelma Houston con su versión de la canción de Harold Melvin and the Blue Notes " Don't Leave Me This Way " (1976). El sello continuó lanzando canciones exitosas en la década de 1980 con " Super Freak " de Rick James (1981), y " Lady (You Bring Me Up) " de los Commodores (1981).

Varios de los artistas solistas de Motown que abandonaron el sello discográfico continuaron teniendo canciones disco exitosas. Mary Wells , la primera superestrella femenina de Motown con su canción insignia " My Guy " (escrita por Smokey Robinson), abandonó abruptamente el sello en 1964. Reapareció brevemente en las listas con la canción disco "Gigolo" en 1980. Jimmy Ruffin , el hermano mayor del cantante principal de Temptations, David Ruffin , también firmó con Motown y lanzó su canción más exitosa y conocida " What Becomes of the Brokenhearted " como sencillo en 1966. Ruffin finalmente dejó el sello discográfico a mediados de la década de 1970, pero tuvo éxito con la canción disco de 1980 " Hold On (To My Love) ", que fue escrita y producida por Robin Gibb de los Bee Gees, para su álbum Sunrise . Edwin Starr , conocido por su canción de protesta de Motown " War " (1970), volvió a entrar en las listas en 1979 con un par de canciones disco, " Contact " y " HAPPY Radio ". Kiki Dee se convirtió en la primera cantante británica blanca en firmar con Motown en los EE. UU. y lanzó un álbum, Great Expectations (1970), y dos sencillos "The Day Will Come Between Sunday and Monday" (1970) y "Love Makes the World Go Round" (1971), este último le dio su primera entrada en las listas (número 87 en la lista estadounidense). Pronto dejó la compañía y firmó con The Rocket Record Company de Elton John , y en 1976 tuvo su sencillo más grande y conocido, " Don't Go Breaking My Heart ", un dueto disco con John. La canción fue pensada como un pastiche afectuoso de estilo disco del sonido Motown, en particular los diversos duetos grabados por Marvin Gaye con Tammi Terrell y Kim Weston .

Muchos grupos de Motown que habían abandonado el sello discográfico aparecieron en las listas con canciones disco. Los Jackson 5 , uno de los principales grupos de Motown a principios de los años 70, dejaron la compañía discográfica en 1975 ( Jermaine Jackson , sin embargo, permaneció en el sello) después de canciones exitosas como " I Want You Back " (1969) y " ABC " (1970), e incluso la canción disco " Dancing Machine " (1974). Rebautizados como "The Jacksons" (ya que Motown poseía el nombre "The Jackson 5"), siguieron teniendo éxito con canciones disco como "Blame It on the Boogie" (1978), " Shake Your Body (Down to the Ground) " (1979) y "Can You Feel It?" (1981) en el sello Epic.

Los Isley Brothers , cuya breve permanencia en la compañía había producido la canción " This Old Heart of Mine (Is Weak for You) " en 1966, continuaron lanzando exitosas canciones disco como " It's a Disco Night (Rock Don't Stop) " (1979). Gladys Knight & the Pips , que grabó la versión más exitosa de " I Heard It Through the Grapevine " (1967) antes de Marvin Gaye, logró sencillos comercialmente exitosos como "Baby, Don't Change Your Mind" (1977) y "Bourgie, Bourgie" (1980) en la era discográfica. Los Detroit Spinners también firmaron con el sello Motown y tuvieron éxito con la canción producida por Stevie Wonder " It's a Shame " en 1970. Poco después, por consejo de su compatriota nativa de Detroit Aretha Franklin , se fueron a Atlantic Records , y allí tuvieron canciones disco como " The Rubberband Man " (1976). En 1979, lanzaron una exitosa versión de " Are You Ready for Love " de Elton John, así como un popurrí de la canción de Four Seasons " Working My Way Back to You " y "Forgive Me, Girl" de Michael Zager . Los Four Seasons firmaron brevemente con el sello MoWest de Motown, una subsidiaria de corta duración para artistas de R&B y soul con sede en la Costa Oeste, y allí el grupo produjo un álbum, Chameleon (1972), con poco éxito comercial en los EE. UU. Sin embargo, un sencillo, "The Night" , fue lanzado en Gran Bretaña en 1975 y, gracias a la popularidad del circuito Northern Soul , alcanzó el número siete en la lista de singles del Reino Unido . Los Four Seasons dejaron Motown en 1974 y tuvieron un éxito disco con su canción " December, 1963 (Oh, What a Night) " (1975) para Warner Curb Records .

El grupo de música disco europea de mayor éxito fue ABBA (1972-1982). Este cuarteto sueco, que cantaba principalmente en inglés, alcanzó el éxito con singles como « Waterloo » (1974), « Take a Chance on Me » (1978), « Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) » (1979), « Super Trouper » (1980) y su gran éxito « Dancing Queen » (1976).

En la década de 1970, en Múnich, Alemania Occidental , los productores musicales Giorgio Moroder y Pete Bellotte hicieron una contribución decisiva a la música disco con una serie de éxitos para Donna Summer , que se conoció como el "Sonido de Múnich". ^[78] En 1975, Summer sugirió la letra " Love to Love You Baby " a Moroder y Bellotte, quienes convirtieron la letra en una canción disco completa. El producto final, que contenía las vocalizaciones de una serie de orgasmos simulados , inicialmente no estaba destinado a ser lanzado, pero cuando Moroder lo tocó en los clubes causó sensación y lo lanzó. La canción se convirtió en un éxito internacional, llegando a las listas de éxitos en muchos países europeos y en los EE. UU. (N.º 2). Se ha descrito como la llegada de la expresión del deseo sexual femenino crudo en la música pop. Se lanzó un sencillo de 12 pulgadas de casi 17 minutos. El sencillo de 12" se convirtió y sigue siendo un estándar en las discotecas de hoy. ^{[79] [80]} En 1976, la versión de Donna Summer de " Could It Be Magic " llevó la música disco aún más al mainstream. En 1977, Summer, Moroder y Bellotte lanzaron " I Feel Love ", como el lado B de " Can't We Just Sit Down (And Talk It Over) ", que revolucionó la música de baile con su producción principalmente electrónica y fue un éxito mundial masivo, generando el subgénero Hi-NRG . ^[79] AllMusic describió a Giorgio Moroder como "uno de los principales arquitectos del sonido disco". ^[81] Otro exitoso proyecto de música disco de Moroder en ese momento fue Munich Machine (1976-1980).

Boney M. (1974-1986) fue un grupo de eurodisco de Alemania Occidental formado por cuatro cantantes y bailarines antillanos dirigidos por el productor discográfico Frank Farian . Boney M. llegó a las listas de éxitos mundiales con canciones como " Daddy Cool " (1976), " Ma Baker " (1977) y " Rivers Of Babylon " (1978). Otro grupo exitoso de grabación de eurodisco de Alemania Occidental fue Silver Convention (1974-1979). El grupo alemán Kraftwerk también tuvo influencia en el eurodisco.

En Francia, Dalida lanzó " J'attendrai " ("Esperaré") en 1975, que también tuvo éxito en Canadá, Europa y Japón. Dalida se adaptó con éxito a la música disco y lanzó al menos una docena de canciones que se ubicaron en el top 10 en Europa. Claude François , que se reinventó como el "rey de la música disco francesa", lanzó "La plus belle chose du monde", una versión francesa de la canción de los Bee Gees " Massachusetts ", que tuvo éxito en Canadá y Europa y "Alexandrie Alexandra" fue lanzada póstumamente el día de su entierro y se convirtió en un éxito mundial. Las primeras canciones de Cerrone , "Love in C Minor" (1976), " Supernature " (1977) y "Give Me Love" (1978) tuvieron éxito en los EE. UU. y Europa. Otro acto de eurodisco fue la diva francesa Amanda Lear , donde el sonido del eurodisco se escucha más en " Enigma (Give a Bit of Mmh to Me) " (1978). El productor francés Alec Costandinos reunió el grupo de eurodisco Love and Kisses (1977-1982).

En Italia, Raffaella Carrà fue la artista disco europea más exitosa, junto con La Bionda , Hermanas Goggi y Oliver Onions . Su mayor sencillo internacional fue "Tanti Auguri" ("Best Wishes"), que se ha convertido en una canción popular entre el público gay . La canción también es conocida por su título en español "Para hacer bien el amor hay que venir al sur" (que se refiere al sur de Europa, ya que la canción fue grabada y grabada en España). La versión estonia de la canción "Jätke võtmed väljapoole" fue interpretada por Anne Veski . " A far l'amore comincia tu " ("Para hacer el amor, tu movimiento primero") fue otro éxito para ella a nivel internacional, conocido en español como "En el amor todo es empezar", en alemán como "Liebelei", en francés como "Puisque tu l'aimes dis le lui", y en inglés como "Do It, Do It Again". Fue su única entrada en la lista de singles del Reino Unido , alcanzando el número 9, donde sigue siendo una maravilla de un solo éxito . ^[82] En 1977, grabó otro sencillo exitoso, "Fiesta" ("La Fiesta" en inglés), originalmente en español, pero luego lo grabó en francés e italiano después de que la canción llegara a las listas de éxitos. "A far l'amore comincia tu" también fue versionada en turco por la estrella pop turca Ajda Pekkan como "Sakın Ha" en 1977.

Recientemente, Carrà ha ganado nueva atención por su aparición como solista femenina bailando en una presentación televisiva de 1974 de la canción experimental " Prisencolinensinainciusol " (1973) de Adriano Celentano . ^[83] Un video remezclado que la muestra bailando se volvió viral en Internet en 2008. ^{[84] [ cita requerida ] En 2008} , un video de una actuación de su único sencillo exitoso en el Reino Unido, "Do It, Do It Again", apareció en el episodio de Doctor Who " Midnight ". Rafaella Carrà trabajó con Bob Sinclar en el nuevo sencillo " Far l'Amore ", que se lanzó en YouTube el 17 de marzo de 2011. La canción se ubicó en las listas de diferentes países europeos. ^[85] También destacados actos disco europeos son Spargo (banda) , Time Bandits (banda) y Luv' de los Países Bajos.

El euro disco continuó evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop convencional, incluso cuando la popularidad del disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonado por los principales sellos discográficos y productores estadounidenses. ^[86] A través de la influencia del italo disco , también jugó un papel en la evolución de la música house temprana a principios de la década de 1980 y formas posteriores de música electrónica de baile , incluido el eurodance de principios de los 90 .

En diciembre de 1977 se estrenó la película Fiebre del sábado noche . Fue un gran éxito y su banda sonora se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. La idea de la película surgió de un artículo de la revista New York ^{Magazine de 1976 [87]} titulado " Tribal Rites of the New Saturday Night " que supuestamente narraba la cultura disco a mediados de la década de 1970 en la ciudad de Nueva York, pero que luego se reveló que había sido inventado. ^[88] Algunos críticos dijeron que la película "incorporó" la música disco a la sociedad, haciéndola más aceptable para los hombres blancos heterosexuales. ^[89] Muchos historiadores de la música creen que el éxito de la película y la banda sonora prolongó la vida de la era disco durante varios años.

Organizada en torno a la cultura de las discotecas suburbanas y al personaje de Tony Manero, interpretado por John Travolta , Fiebre del sábado noche se convirtió en un fenómeno cultural que transformó la pista de baile en un lugar para la masculinidad patriarcal y el cortejo heterosexual. Esta transformación alineó la música disco con los intereses del mercado de masas percibido, apuntando específicamente a las audiencias suburbanas y de América Central. ^[63]

La representación de la pista de baile en Saturday Night Fever marcó una reapropiación por parte de la cultura masculina heterosexual, convirtiéndola en un espacio para que los hombres exhibieran su destreza y buscaran parejas del sexo opuesto. La película popularizó el hustle, un baile social latino, reforzando la centralidad de la pareja de baile heterosexual en el intercambio discográfico. Cabe destacar que la banda sonora, dominada por los Bee Gees , corría el riesgo de presentar la música disco como una nueva encarnación del pop blanco estridente, desviándose de sus orígenes diversos e inclusivos. ^[63] El éxito de Saturday Night Fever no tuvo precedentes y rompió récords de taquilla y venta de álbumes. Desafortunadamente, su impacto fue más allá de la mera popularidad. La película estableció una plantilla para la música disco que era fácilmente reproducible, pero completamente des-queerizada en su perspectiva. Al limitar la narrativa para que encajara en los ideales convencionales de la cultura heterosexual suburbana, la película contribuyó a una versión distorsionada y mercantilizada de la música disco.

Los Bee Gees utilizaron el falsete de Barry Gibb para conseguir éxitos como " You Should Be Dancing ", " Stayin' Alive ", " Night Fever ", " More Than A Woman ", " Love You Inside Out " y " Tragedy ". Andy Gibb , un hermano menor de los Bee Gees, siguió con sencillos en solitario de estilo similar como " I Just Want to Be Your Everything ", " (Love Is) Thicker Than Water " y " Shadow Dancing ".

En 1978, la versión disco en vinilo de " MacArthur Park " de Donna Summer, que vendió millones de dólares, fue número uno en la lista Billboard Hot 100 durante tres semanas y fue nominada al premio Grammy a la mejor interpretación vocal pop femenina . La grabación, que se incluyó como parte de la "MacArthur Park Suite" en su álbum doble en vivo Live and More , tenía una duración de ocho minutos y 40 segundos en el álbum. La versión en vinilo de siete pulgadas más corta de MacArthur Park fue el primer sencillo de Summer en alcanzar el número uno en el Hot 100; sin embargo, no incluye el segundo movimiento baladí de la canción. Un remix de "MacArthur Park" de Summer en 2013 encabezó las listas de éxitos de Billboard Dance, marcando cinco décadas consecutivas con una canción número uno en las listas. ^[90] Desde mediados de 1978 hasta finales de 1979, Summer continuó lanzando sencillos como " Last Dance ", " Heaven Knows " (con Brooklyn Dreams ), " Hot Stuff ", " Bad Girls ", " Dim All the Lights " y " On the Radio ", todas canciones muy exitosas, llegando al top cinco o mejor, en las listas pop de Billboard.

La banda Chic fue formada principalmente por el guitarrista Nile Rodgers —un autodenominado "hippie callejero" de finales de los años 60 en Nueva York— y el bajista Bernard Edwards . Su popular sencillo de 1978, " Le Freak ", se considera una canción icónica del género. Otras canciones exitosas de Chic incluyen " Good Times " (1979), " I Want Your Love " (1979) y " Everybody Dance " (1979), que se ha sampleado con frecuencia. El grupo se consideraba la banda de rock del movimiento disco que hizo realidad los ideales del movimiento hippie de paz, amor y libertad. Cada canción que escribieron fue escrita con la mirada puesta en darle un "significado profundo y oculto" o DHM ^[91]

Sylvester , un cantante extravagante y abiertamente gay famoso por su voz de falsete, logró su mayor éxito disco a finales de 1978 con " You Make Me Feel (Mighty Real) ". Se dice que su estilo de canto influyó en el cantante Prince . En ese momento, la música disco era una de las formas de música más abiertas a los artistas homosexuales. ^[92]

The Village People fue un grupo de canto y baile creado por Jacques Morali y Henri Belolo para atraer al público gay de la música disco. Eran conocidos por sus disfraces sobre el escenario que representaban trabajos típicamente masculinos y minorías étnicas y alcanzaron un gran éxito con su canción de 1978 " Macho Man ". Otras canciones incluyen " YMCA " (1979) y " In the Navy " (1979).

También son destacables " Disco Inferno " (1976) de The Trammps (1978, reedición debido a la popularidad obtenida con la banda sonora de Saturday Night Fever ), " Boogie Nights " (1977) de Heatwave , " Shame " (1977) de Evelyn "Champagne" King , " Boogie Oogie Oogie " (1978) de A Taste of Honey , " Got to Be Real " (1978) de Cheryl Lynn , " I Love the Nightlife " (1978) de Alicia Bridges , " Born to Be Alive " (1978) de Patrick Hernandez , " Septiembre " (1978) y " Boogie Wonderland " (1979) de Earth, Wind & Fire , " Shake Your Groove Thing " (1978) de Peaches & Herb , " We Are Family " y " He's the Greatest Dancer " (ambos de 1979) de Sister Sledge , McFadden y Whitehead. " Ain't No Stoppin' Us Now " (1979) de The Brothers Johnson, " Ring My Bell " (1979) de Anita Ward , " Ladies' Night " (1979) y " Celebration " (1980) de Kool & the Gang , " And the Beat Goes On " (1979) de The Whispers , " What Cha Gonna Do with My Lovin' " (1979) de Stephanie Mills , " Funkytown " (1980) de Lipps Inc. , " Stomp! " (1980) de The Brothers Johnson , " Give Me the Night " (1980) de George Benson , " Sunset People " (1980) de Donna Summer y los diversos intentos de Walter Murphy de llevar la música clásica al público en general, en particular la canción disco " A Fifth of Beethoven " (1976), que se inspiró en la quinta sinfonía de Beethoven .

En el apogeo de su popularidad, muchos artistas no disco grabaron canciones con elementos disco, como Rod Stewart con su " Da Ya Think I'm Sexy? " en 1979. ^[93] Incluso los artistas de rock mainstream adoptaron elementos disco. El grupo de rock progresivo Pink Floyd utilizó baterías y guitarras de estilo disco en su canción " Another Brick in the Wall, Part 2 " (1979), ^[94] que se convirtió en su único sencillo número uno tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Los Eagles hicieron referencia a la música disco con « One of These Nights » (1975) ^[95] y « Disco Strangler » (1979), Paul McCartney & Wings con « Silly Love Songs » (1976) y « Goodnight Tonight » (1979), Queen con « Another One Bites the Dust » (1980), los Rolling Stones con « Miss You » (1978) y « Emotional Rescue » (1980), Stephen Stills con su álbum Thoroughfare Gap (1978), Electric Light Orchestra con « Shine a Little Love » y « Last Train to London » (ambas de 1979), Chicago con « Street Player » (1979), los Kinks con « (Wish I Could Fly Like) Superman » (1979), los Grateful Dead con « Shakedown Street », The Who con « Eminence Front » (1982) y la J. Geils Band con « Come Back » (1980). Incluso el grupo de hard rock KISS se sumó con " I Was Made for Lovin' You " (1979), ^[96] y el álbum de Ringo Starr, Ringo the 4th (1978), presenta una fuerte influencia disco.

El sonido disco también fue adoptado por artistas de otros géneros, incluido el éxito número uno de Estados Unidos de 1979 " No More Tears (Enough Is Enough) " de la cantante de música fácil Barbra Streisand en un dueto con Donna Summer. En la música country , en un intento de atraer al mercado más convencional, los artistas comenzaron a agregar influencias pop/disco a su música. Dolly Parton lanzó un exitoso crossover en las listas pop/dance, con sus álbumes Heartbreaker y Great Balls of Fire que contienen canciones con un toque disco. En particular, un remix disco de la canción " Baby I'm Burnin' " alcanzó el puesto número 15 en la lista Billboard Dance Club Songs; finalmente se convirtió en uno de los mayores éxitos de club del año. ^[97] Además, Connie Smith versionó "I Just Want to Be Your Everything" de Andy Gibb en 1977, Bill Anderson grabó "Double S" en 1978 y Ronnie Milsap lanzó "Get It Up" e hizo una versión de la canción " Hi-Heel Sneakers " del cantante de blues Tommy Tucker en 1979.

En los años 70, las canciones, standards y temas de televisión que ya existían y que no eran disco fueron frecuentemente "disco-izados", como el tema de I Love Lucy (grabado como "Disco Lucy" por la Wilton Place Street Band ), " Aquarela do Brasil " (grabado como "Brazil" por The Ritchie Family ) y " Baby Face " (grabado por Wing y Prayer Fife and Drum Corps ). El rico acompañamiento orquestal que se identificó con la era disco evocó los recuerdos de la era de las big bands , que hizo que varios artistas grabaran y disco-izaran algunos arreglos de big band, incluido Perry Como , que regrabó su canción de 1945 " Temptation ", en 1975, así como Ethel Merman , que lanzó un álbum de canciones disco titulado The Ethel Merman Disco Album en 1979.

Myron Floren , segundo al mando en The Lawrence Welk Show , lanzó una grabación de la " Clarinet Polka " titulada "Disco Accordion". De manera similar, Bobby Vinton adaptó "The Pennsylvania Polka" en una canción llamada "Disco Polka". El ícono del easy listening Percy Faith , en una de sus últimas grabaciones, lanzó un álbum titulado Disco Party (1975) y grabó una versión disco de su " Tema de un lugar de verano " en 1976. Incluso la música clásica fue adaptada para la música disco, en particular "A Fifth of Beethoven " (1976, basada en el primer movimiento de la Quinta Sinfonía de Beethoven ) y "Flight 76" (1976, basada en " El vuelo del moscardón " de Rimsky-Korsakov ) de Walter Murphy, y la serie de álbumes y sencillos Hooked On Classics de Louis Clark .

Muchos temas originales de televisión de la época también mostraron una fuerte influencia de la música disco, como SWAT (1975), Wonder Woman (1975), Charlie's Angels (1976), NBC Saturday Night At The Movies (1976), The Love Boat (1977), The Donahue Show (1977), CHiPs (1977), The Professionals (1977), Dallas (1978), transmisiones deportivas de NBC (1978), Kojak (1977) y The Hollywood Squares (1979).

Los jingles disco también se abrieron camino en muchos comerciales de televisión, incluido el comercial de comida para gatos "Good Mews" de Purina de 1979 ^[98] y un comercial "IC Light" de Iron City Brewing Company de Pittsburgh .

Se crearon varias parodias del estilo disco. Rick Dees , en ese momento un DJ de radio en Memphis, Tennessee , grabó " Disco Duck " (1976) y "Dis-Gorilla" (1977); Frank Zappa parodió los estilos de vida de los bailarines de discoteca en " Disco Boy " en su álbum Zoot Allures de 1976 y en " Dacin' Fool " en su álbum Sheik Yerbouti de 1979. El álbum debut homónimo de "Weird Al" Yankovic de 1983 incluye una canción disco llamada "Gotta Boogie", un juego de palabras extendido sobre la similitud del movimiento disco con la palabra del argot estadounidense " booger ". El comediante Bill Cosby dedicó todo su álbum de 1977 Disco Bill a las parodias de discoteca. En 1980, Mad Magazine lanzó un disco flexible titulado Mad Disco con seis parodias completas del género. Las canciones de rock and roll críticas con la música disco incluían " Old Time Rock and Roll " de Bob Seger y, especialmente, " Sister Disco " de The Who (ambas de 1978), aunque " Eminence Front " de The Who (cuatro años después) tenía un aire disco.

A finales de los años 1970, se desarrolló un sentimiento anti-disco entre los fanáticos y músicos de la música rock , particularmente en los Estados Unidos. ^{[99] [100]} La música disco fue criticada por ser absurda, consumista , sobreproducida y escapista . ^[101] Los eslóganes "Disco apesta" y "Muerte a la música disco" ^[99] se volvieron comunes. Artistas de rock como Rod Stewart y David Bowie que agregaron elementos disco a su música fueron acusados ​​de venderse . ^{[102] [103]}

La subcultura punk en los Estados Unidos y el Reino Unido a menudo era hostil a la música disco, ^[99] aunque, en el Reino Unido, a muchos de los primeros fans de los Sex Pistols , como Bromley Contingent y Jordan , les gustaba la música disco, y a menudo se reunían en clubes nocturnos como Louise's en Soho y el Sombrero en Kensington. La canción " Love Hangover " de Diana Ross , el himno de la casa en el primero, fue citada como una de las favoritas de muchos de los primeros punks del Reino Unido. ^[104] La película The Great Rock 'n' Roll Swindle y su álbum de banda sonora contenían un popurrí disco de canciones de los Sex Pistols, titulado Black Arabs y acreditado a un grupo del mismo nombre.

Sin embargo, Jello Biafra de Dead Kennedys , en la canción "Saturday Night Holocaust", comparó la música disco con la cultura del cabaret de la Alemania de la era de Weimar por su apatía hacia las políticas gubernamentales y su escapismo. Mark Mothersbaugh de Devo dijo que la música disco era "como una mujer hermosa con un gran cuerpo y sin cerebro", y un producto de la apatía política de esa época. ^[105] El crítico de rock de Nueva Jersey Jim Testa escribió "Put a Bullet Through the Jukebox", una diatriba mordaz que atacaba la música disco y que se consideraba un llamado a las armas del punk. ^[106] Steve Hillage , poco antes de su transformación de músico de rock progresivo a artista electrónico a fines de la década de 1970 con la inspiración de la música disco, decepcionó a sus fanáticos rockeros al admitir su amor por la música disco, y Hillage recordó que "es como si hubiera matado a su gato mascota". ^[107]

El sentimiento anti-disco se expresó en algunos programas de televisión y películas. Un tema recurrente en el programa WKRP en Cincinnati fue una actitud hostil hacia la música disco. En una escena de la película de comedia de 1980 ¡Avión!, un avión descarriado corta una torre de radio con su ala, dejando fuera de servicio una estación de radio que transmitía exclusivamente música disco. ^[108] El 12 de julio de 1979 se conoció como "el día en que murió la música disco" debido a la Noche de Demolición de Disco , una manifestación anti-disco en una doble jornada de béisbol en el Comiskey Park de Chicago. ^[109] Los DJ de la estación de rock Steve Dahl y Garry Meier , junto con Michael Veeck, hijo del dueño de los Chicago White Sox, Bill Veeck , organizaron el evento promocional para los fanáticos del rock descontentos entre los juegos de una doble jornada de los White Sox que involucraba discos de discoteca que explotaban en el jardín central . Cuando el segundo juego estaba a punto de comenzar, la ruidosa multitud irrumpió en el campo y procedió a prender fuego y arrancar asientos y pedazos de césped. El Departamento de Policía de Chicago realizó numerosos arrestos y los extensos daños al campo obligaron a los White Sox a perder el segundo juego ante los Detroit Tigers , que habían ganado el primer juego.

La caída de la popularidad de la música disco después de Disco Demolition Night fue rápida. El 12 de julio de 1979, los seis primeros discos de las listas de éxitos de Estados Unidos eran canciones disco. ^[110] Para el 22 de septiembre, no había ninguna canción disco en la lista de los 10 mejores de Estados Unidos, con la excepción de la instrumental " Rise " de Herb Alpert , una composición de jazz suave con algunos matices disco. ^[110] Algunos en los medios, en tonos de celebración, declararon que la música disco estaba muerta y el rock revivido. ^[110] Karen Mixon Cook , la primera DJ de música disco, afirmó que la gente todavía hace una pausa cada 12 de julio para un momento de silencio en honor a la música disco. Dahl afirmó en una entrevista de 2004 que la música disco "probablemente estaba de camino de desaparecer [en ese momento]. Pero creo que [Disco Demolition Night] aceleró su desaparición". ^[111]

El movimiento anti-disco, combinado con otros factores sociales y de la industria de la radio, cambió la cara de la radio pop en los años posteriores a Disco Demolition Night. A partir de la década de 1980, la música country comenzó a ascender lentamente en las listas de éxitos del pop. Un símbolo del ascenso de la música country a la popularidad general fue la película de éxito comercial de 1980 Urban Cowboy . La continua popularidad del power pop y el resurgimiento de los oldies a fines de la década de 1970 también estuvo relacionada con el declive de la música disco; la película Grease de 1978 fue emblemática de esta tendencia. Casualmente, la estrella de ambas películas fue John Travolta , quien en 1977 protagonizó Saturday Night Fever , que sigue siendo una de las películas disco más emblemáticas de la época.

Durante este período de declive en la popularidad de la música disco, varias compañías discográficas cerraron, se reorganizaron o se vendieron. En 1979, MCA Records compró ABC Records , absorbió a algunos de sus artistas y luego cerró el sello. Midsong International Records cesó sus operaciones en 1980. El fundador de RSO Records, Robert Stigwood, dejó el sello en 1981 y TK Records cerró el mismo año. Salsoul Records sigue existiendo en la década de 2000, pero se utiliza principalmente como una marca de reediciones. ^[112] Casablanca Records había estado lanzando menos discos en la década de 1980 y fue cerrada en 1986 por la empresa matriz PolyGram .

Muchos grupos que fueron populares durante el período disco posteriormente lucharon por mantener su éxito, incluso aquellos que intentaron adaptarse a los gustos musicales en evolución. Los Bee Gees , por ejemplo, tuvieron solo una entrada en el top 10 ( One de 1989 ) y tres canciones más en el top 40, a pesar de que numerosas canciones que escribieron e hicieron que otros artistas interpretaran tuvieron éxito, y la banda en sí misma había abandonado en gran medida la música disco en sus canciones de los años 1980 y 1990. Chic nunca volvió a llegar al top 40 después de que Good Times encabezara la lista en agosto de 1979. De los pocos grupos que no se vieron afectados por la caída en desgracia de la música disco, Kool and the Gang , Donna Summer , The Jacksons y Gloria Gaynor en particular, se destacan. A pesar de haber ayudado a definir el sonido disco desde el principio, ^[113] continuaron haciendo canciones populares y bailables, aunque más refinadas, para otra generación de fanáticos de la música en la década de 1980 y más allá. Earth, Wind & Fire también sobrevivió a la tendencia anti-disco y continuó produciendo sencillos exitosos aproximadamente al mismo ritmo durante varios años más, además de una serie aún más larga de éxitos en las listas de R&B que duraron hasta la década de 1990.

Seis meses antes de la Disco Demolition Night (en diciembre de 1978), la popular estación de radio de rock progresivo WDAI ( WLS-FM ) había cambiado repentinamente a un formato exclusivamente disco, privando de sus derechos a miles de fanáticos del rock de Chicago y dejando a Dahl sin trabajo. WDAI, que sobrevivió al cambio de sentimiento público y todavía tenía buenos índices de audiencia en este punto, continuó tocando disco hasta que cambió a un formato híbrido de Top 40/rock de corta duración en mayo de 1980. Otro medio disco que compitió con WDAI en ese momento, WGCI-FM , incorporaría más tarde canciones de R&B y pop al formato, evolucionando eventualmente en un medio contemporáneo urbano que continúa en la actualidad. Este último también ayudó a llevar el género house de Chicago a las ondas de radio. ^{[ cita requerida ]}

Los factores que se han citado como causantes del declive de la música disco en los Estados Unidos incluyen los cambios económicos y políticos a finales de los años 1970, así como el agotamiento por los estilos de vida hedonistas que llevaban los participantes. ^[114] En los años transcurridos desde Disco Demolition Night, algunos críticos sociales han descrito el movimiento "Disco sucks" como implícitamente machista e intolerante, y un ataque a las culturas no blancas y no heterosexuales. ^{[99] [103] [109]} También se interpretó como parte de una "reacción" cultural más amplia, el movimiento hacia el conservadurismo, ^[115] que también se abrió camino en la política estadounidense con la elección del presidente conservador Ronald Reagan en 1980, que también llevó al control republicano del Senado de los Estados Unidos por primera vez desde 1954, además del posterior ascenso de la derecha religiosa en la misma época.

En enero de 1979, el crítico de rock Robert Christgau argumentó que la homofobia , y muy probablemente el racismo , eran las razones detrás del movimiento, ^[102] una conclusión secundada por John Rockwell . Craig Werner escribió: "El movimiento anti-disco representó una alianza impía de funkateers y feministas , progresistas y puritanos , rockeros y reaccionarios. No obstante, los ataques a la música disco dieron voz respetable a los tipos más feos de racismo, sexismo y homofobia no reconocidos". ^[116] Legs McNeil , fundador del fanzine Punk , fue citado en una entrevista diciendo: "Los hippies siempre quisieron ser negros. Decíamos, 'a la mierda el blues, a la mierda la experiencia negra'". También dijo que la música disco era el resultado de una unión " impía " entre homosexuales y negros. ^[117]

Steve Dahl , que había encabezado Disco Demolition Night, negó cualquier connotación racista u homofóbica en la promoción, diciendo: "Es muy fácil mirarlo históricamente, desde esta perspectiva, y asociarle todas esas cosas. Pero no estábamos pensando así", ^[103] eran "solo niños meando en un género musical". ^[118] Se ha señalado que los críticos británicos del punk rock de la música disco apoyaron mucho el género reggae pro-negro/antirracista, así como el movimiento de los nuevos románticos más pro-gay . ^[99] Christgau y Jim Testa han dicho que había razones artísticas legítimas para ser críticos con la música disco. ^{[102] [106]}

En 1979, la industria musical de los Estados Unidos sufrió su peor caída en décadas y, a pesar de su popularidad masiva, se culpó a la música disco. El sonido orientado al productor tenía dificultades para mezclarse bien con el sistema de marketing de la industria orientado al artista. ^[119] Harold Childs, vicepresidente senior de A&M Records , supuestamente le dijo al Los Angeles Times que "la radio está realmente desesperada por productos de rock" y "todos están buscando algo de rock'n'roll blanco". ^[109] Gloria Gaynor argumentó que la industria musical apoyó la destrucción de la música disco porque los productores de música rock estaban perdiendo dinero y los músicos de rock estaban perdiendo el protagonismo. ^[120]

La música disco fue fundamental en el desarrollo de géneros de música electrónica de baile como el house , el techno y el eurodance . La canción de eurodisco I Feel Love , producida por Giorgio Moroder para Donna Summer en 1976, ha sido descrita como un hito y un modelo para la música electrónica de baile porque fue la primera en combinar bucles repetitivos de sintetizador con un bombo continuo de cuatro por el suelo y un hi-hat fuera de ritmo , que se convertiría en una característica principal del techno y el house diez años después. ^{[78] [79] [121]}

Durante los primeros años de la década de 1980, el sonido disco tradicional caracterizado por arreglos complejos interpretados por grandes conjuntos de músicos de sesión de estudio (incluyendo una sección de vientos y una sección de cuerdas orquestal) comenzó a desaparecer, y los tempos más rápidos y los efectos sintetizados, acompañados de guitarra y fondos simplificados, llevaron la música de baile hacia géneros electrónicos y pop, comenzando con hi-NRG . A pesar de su declive en popularidad, la llamada música de club y el disco de estilo europeo siguieron siendo relativamente exitosos a principios y mediados de la década de 1980 con canciones como " Japanese Boy " de Aneka , " It's Raining Men " de The Weather Girls , " Two of Hearts " de Stacey Q , " You Spin Me Round (Like a Record) " de Dead or Alive , " Self Control " de Laura Branigan y " Tarzan Boy " de Baltimora . Sin embargo, un renacimiento del disco de estilo tradicional llamado nu-disco ha sido popular desde la década de 1990.

La música house mostró una fuerte influencia disco, por lo que la música house, en relación con su enorme éxito en la configuración de la música electrónica de baile y la cultura de club contemporánea, a menudo se describe como "la venganza de la música disco". ^[122] La música house primitiva era generalmente música basada en el baile que se caracterizaba por ritmos repetitivos de cuatro por cuatro, ritmos proporcionados principalmente por cajas de ritmos , ^[123] platillos hi-hat fuera de tiempo y líneas de bajo sintetizadas. Si bien el house mostró varias características similares a la música disco, era más electrónico y minimalista, ^[123] y el ritmo repetitivo del house era más importante que la canción en sí. Además, el house no utilizó las exuberantes secciones de cuerdas que eran una parte clave del sonido disco.

La creciente popularidad de la música disco llegó a la par con el desarrollo del papel del DJ. El DJing se desarrolló a partir del uso de múltiples platos giratorios y mezcladores de DJ para crear una mezcla continua y perfecta de canciones, con una canción que pasaba a otra sin interrupción en la música que interrumpiera el baile. La mezcla de DJ resultante difería de las formas anteriores de música de baile en la década de 1960, que estaban orientadas a las actuaciones en vivo de los músicos. A su vez, afectó al arreglo de la música de baile, ya que las canciones en la era disco generalmente contenían comienzos y finales marcados por un ritmo o riff simple que podía usarse fácilmente para hacer la transición a una nueva canción. El desarrollo del DJing también se vio influenciado por las nuevas técnicas de turntablism , como el beatmatching y el scratching , un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de platos giratorios como el Technics SL-1200 MK 2 , vendido por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso y un motor de accionamiento directo . Los DJ eran a menudo ávidos coleccionistas de discos, que buscaban en las tiendas de discos usados ​​discos de soul poco conocidos y grabaciones de funk antiguas. Los DJ ayudaban a presentar discos raros y nuevos artistas al público de los clubes.

En la década de 1970, los DJ individuales se hicieron más prominentes, y algunos DJ, como Larry Levan, el residente de Paradise Garage , Jim Burgess , Tee Scott y Francis Grasso se hicieron famosos en la escena disco. Levan, por ejemplo, desarrolló un culto entre los asistentes a los clubes, que se referían a sus sets de DJ como " Saturday Mass ". Algunos DJ usaban grabadoras de cinta de carrete a carrete para hacer remezclas y ediciones de cinta de canciones. Algunos DJ que estaban haciendo remezclas hicieron la transición de la cabina de DJ a convertirse en productores de discos, notablemente Burgess. Scott desarrolló varias innovaciones. Fue el primer DJ de discoteca en usar tres platos como fuentes de sonido, el primero en reproducir simultáneamente dos discos con el ritmo sincronizado, el primero en usar unidades de efectos electrónicos en sus mezclas, y fue un innovador en la mezcla de diálogos de películas conocidas, generalmente sobre un descanso de percusión. Estas técnicas de mezcla también se aplicaron a los DJ de radio, como Ted Currier de WKTU y WBLS . Grasso es particularmente conocido por haber sacado a la "profesión de DJ de la servidumbre y [convertirlo] en el jefe de cocina musical". ^[124] Una vez que entró en la escena, el DJ ya no era responsable de atender al público de pies y manos, satisfaciendo cada pedido de canción. En cambio, con una mayor agencia y visibilidad, el DJ ahora podía usar sus propias habilidades técnicas y creativas para preparar un especial nocturno de mezclas innovadoras, refinando su sonido y estética personales y construyendo su propia reputación. ^[125]

El sonido post-disco y los géneros asociados con él se originaron en la década de 1970 y principios de la de 1980 con músicos de R&B y post-punk que se centraron en un lado más electrónico y experimental del disco, generando boogie , italo disco y dance alternativo . Tomando como base una amplia gama de influencias y técnicas no disco, como el estilo de " one-man band " de Kashif y Stevie Wonder y los enfoques alternativos de Parliament-Funkadelic , fue impulsado por sintetizadores, teclados y cajas de ritmos . Los actos post-disco incluyen a D. Train , Patrice Rushen , ESG , Bill Laswell y Arthur Russell . El post-disco tuvo una influencia importante en el dance-pop y estaba tendiendo un puente entre el disco clásico y las formas posteriores de música electrónica de baile . ^[126]

El sonido disco tuvo una fuerte influencia en el hip hop temprano . La mayoría de las primeras canciones de hip hop se crearon aislando líneas de bajo de disco existentes y duplicándolas con rimas de MC. Sugarhill Gang usó " Good Times " de Chic como base para su canción de 1979 " Rapper's Delight ", generalmente considerada como la canción que popularizó por primera vez la música rap en los Estados Unidos y en todo el mundo.

Con sintetizadores e influencias del Krautrock que reemplazaron la base disco anterior, nació un nuevo género cuando Afrika Bambaataa lanzó el sencillo " Planet Rock ", generando una tendencia de baile electrónico de hip hop que incluye canciones como "Play at Your Own Risk" de Planet Patrol (1982), "One More Shot" de C-Bank (1982), "Club Underworld" de Cerrone (1984), " Let the Music Play " de Shannon (1983), " IOU " de Freeez (1983), "Freak-a-Zoid" de Midnight Star (1983) y " I Feel For You " de Chaka Khan (1984).

La música house es un género de música electrónica de baile que se originó en Chicago a principios de los años 1980 (véase también: Chicago house ). Se extendió rápidamente a otras ciudades estadounidenses como Detroit, donde se desarrolló en el techno más duro e industrial , Nueva York (véase también: garage house ) y Newark, todas las cuales desarrollaron sus propias escenas regionales.

A mediados y finales de los años 1980, la música house se hizo popular en Europa, así como en las principales ciudades de Sudamérica y Australia. ^[127] El éxito comercial de la música house temprana en Europa vio canciones como " Pump Up The Volume " de MARRS (1987), "House Nation" de House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987), " Theme from S'Express " de S'Express (1988) y " Doctorin' the House " de Coldcut (1988) en las listas de éxitos del pop. Desde principios y mediados de los años 1990, la música house se ha infundido en la música pop y dance convencional en todo el mundo.

La música house de la década de 2010, si bien mantiene varios de estos elementos centrales, en particular el destacado bombo en cada ritmo, varía ampliamente en estilo e influencia, desde el deep house conmovedor y atmosférico hasta el acid house más agresivo o el microhouse minimalista . La música house también se ha fusionado con varios otros géneros creando subgéneros de fusión, ^[123] como el euro house , el tech house , el electro house y el jump house .

A finales de los años 1980 y principios de los 1990, la cultura rave comenzó a surgir de la escena house y acid house. ^[128] Al igual que el house, incorporó el mismo amor de la cultura disco por la música de baile tocada por DJ en potentes sistemas de sonido , la exploración de drogas recreativas y de club, la promiscuidad sexual y el hedonismo . Aunque la cultura disco comenzó siendo underground, finalmente prosperó en la corriente principal a finales de los años 1970, y las grandes discográficas mercantilizaron y empaquetaron la música para el consumo masivo . Por el contrario, la cultura rave comenzó siendo underground y se mantuvo (en su mayoría) underground. En parte, esto fue para evitar la animosidad que todavía rodeaba a la música disco y dance. La escena rave también se mantuvo clandestina para evitar la atención policial que se dirigía a la cultura rave debido a su uso de almacenes secretos y no autorizados para algunos eventos de baile y su asociación con drogas ilegales de club como el éxtasis .

El movimiento post-punk que se originó a fines de la década de 1970 apoyó la ruptura de reglas del punk rock y al mismo tiempo rechazó su regreso a la música rock cruda . ^[129] El mantra del post-punk de avanzar constantemente se prestó tanto a la apertura como a la experimentación con elementos de la música disco y otros estilos. ^[129] Public Image Limited es considerado el primer grupo post-punk. ^[129] El segundo álbum del grupo, Metal Box, adoptó por completo la metodología del "estudio como instrumento" de la música disco. ^[129] El fundador del grupo , John Lydon , ex cantante principal de los Sex Pistols , le dijo a la prensa que la música disco era la única música que le importaba en ese momento.

El no wave fue un subgénero del post-punk centrado en la ciudad de Nueva York. ^[129] Para causar impacto, James Chance , un miembro notable de la escena no wave, escribió un artículo en el East Village Eye instando a sus lectores a mudarse a la zona alta y "ponerse en movimiento con un poco de funk vudú disco superradiactivo". Su banda James White and the Blacks escribió un álbum disco titulado Off White . ^[129] Sus actuaciones se parecían a las de los artistas disco (sección de vientos, bailarines, etc.). ^[129] En 1981, ZE Records lideró la transición del no wave al género disco mutante más sutil ( post-disco/punk ). ^[129] Los actos disco mutantes como Kid Creole and the Coconuts , Was Not Was , ESG y Liquid Liquid influyeron en varios actos post-punk británicos como New Order , Orange Juice y A Certain Ratio . ^[129]

El nu-disco es un género musical de baile del siglo XXI asociado con el renovado interés en la música disco de los años 1970 y principios de los 1980, ^[130] el italo disco de mediados de los 1980 y la estética euro disco cargada de sintetizadores. ^[131] El apodo apareció impreso ya en 2002, y a mediados de 2008 lo usaban tiendas de discos como los minoristas en línea Juno y Beatport. ^[132] Estos vendedores a menudo lo asocian con reediciones de música disco de la era original, así como con música de productores europeos que hacen música de baile inspirada en la música disco estadounidense de la era original, el electro y otros géneros populares a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980. También se usa para describir la música de varios sellos estadounidenses que anteriormente estaban asociados con los géneros electroclash y house francés .

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En la década de 1990, después de una década de rechazo, la música disco y su legado fueron más aceptados por los artistas y oyentes de música pop, a medida que se lanzaban más canciones, películas y recopilaciones que hacían referencia a la música disco. Esto era parte de una ola de nostalgia de los años 1970 que estaba teniendo lugar en la cultura popular en ese momento. Algunos comentaristas atribuyeron el resurgimiento del género al uso frecuente de la música disco en los desfiles de moda. ^[133]

Ejemplos de canciones durante esta época que fueron influenciadas por la música disco incluyen " Groove Is in the Heart " (1990) de Deee-Lite , " Lemon " (1993) de U2 , " Girls & Boys " (1994) y "Entertain Me" (1995) de Blur , " Disco 2000 " (1995) de Pulp y " Canned Heat " (1999) de Jamiroquai , mientras que películas como Boogie Nights (1997) y The Last Days of Disco (1998) presentaron principalmente bandas sonoras de música disco.

A principios de la década de 2000, un género actualizado de disco llamado "nu-disco" comenzó a abrirse paso en el mainstream. Algunos ejemplos como " One More Time " de Daft Punk y " Love at First Sight " y " Can't Get You Out of My Head " de Kylie Minogue se convirtieron en favoritos de los clubes y éxitos comerciales. Varias canciones de nu-disco fueron crossovers con funky house , como " Groovejet (If This Ain't Love) " de Spiller y " Lady (Hear Me Tonight) " de Modjo , ambas canciones sampleando canciones disco más antiguas y ambas alcanzaron el número uno en la lista de singles del Reino Unido en 2000. El sencillo disco de Robbie Williams " Rock DJ " fue el cuarto sencillo más vendido del Reino Unido el mismo año. La canción de Jamiroquai « Little L » y « Murder on the Dancefloor » de Sophie Ellis-Bextor fueron éxitos en 2001. La banda de rock Manic Street Preachers lanzó una canción disco, «Miss Europa Disco Dancer», en el mismo año. La influencia disco de la canción, que aparece en Know Your Enemy , fue descrita como «muy discutida». ^[134] En 2005, Madonna se sumergió en la música disco de la década de 1970 y lanzó su álbum Confessions on a Dance Floor con excelentes críticas. Uno de los sencillos del álbum, « Hung Up », que samplea la canción de ABBA de 1979 « Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) », se convirtió en un elemento básico de los clubes. Además de la vestimenta con influencia disco de Madonna para entregas de premios y entrevistas, su gira Confessions Tour incorporó varios elementos de la década de 1970, como bolas de discoteca, un diseño de escenario con espejos y el roller derby . En 2006, Jessica Simpson lanzó su álbum A Public Affair inspirado en la música disco y de la década de 1980. El primer sencillo del álbum, " A Public Affair" , fue reseñado como una competencia de baile disco influenciada por las primeras obras de Madonna. El video de la canción fue filmado en una pista de patinaje y presenta un baile en línea de manos. ^{[135] [136] [137]}

El éxito del resurgimiento del "nu-disco" de principios de los años 2000 fue descrito por el crítico musical Tom Ewing como más interpersonal que la música pop de los años 1990: "El resurgimiento del disco dentro del pop puso de relieve algo que había desaparecido durante los años 90: un sentido de música no sólo para bailar, sino para bailar con alguien. El disco era una música de atracción mutua: ligue, coqueteo, negociación. Su pista de baile es un espacio para el placer inmediato, pero también para las promesas cumplidas y demás. Es un lugar donde las cosas comienzan, pero su resolución, por no hablar de su significado, nunca está clara. Todos los grandes números uno del disco de los años 2000 exploran cómo jugar esta mano. Madison Avenue busca imponer su voluntad sobre ella, establecer términos y roles. Spiller es menos rígido. 'Groovejet' acepta la variabilidad de la noche, felizmente vende la certeza por una sonrisa divertida y unas cuantas frases ingeniosas". ^[138]

En 2011, el grupo femenino de K-pop T-ara lanzó Roly-Poly como parte de su EP John Travolta Wannabe . La canción acumuló más de 4.000.000 de unidades en descargas digitales, lo que se convirtió en el mayor número de descargas para un sencillo de un grupo femenino de K-pop en el Gaon Digital Chart en la década de 2010. En 2013, con el lanzamiento de varias canciones disco y funk al estilo de los años 70, las listas de éxitos pop tuvieron más canciones de baile que en cualquier otro momento desde finales de los años 70. ^[139] La canción disco más popular del año fue « Get Lucky » de Daft Punk , con Nile Rodgers en la guitarra. Su álbum original, Random Access Memories , terminó ganando el Álbum del año en los Grammy de 2014. ^{[139] [140]} Otras canciones de estilo disco que llegaron al top 40 ese año fueron " Blurred Lines " de Robin Thicke (número uno), " Take Back the Night " de Justin Timberlake (número 29), " Treasure " de Bruno Mars (número cinco) ^{[139] [140]} Reflektor de Arcade Fire presentó fuertes elementos disco. En 2014, la música disco se podía encontrar en Artpop de Lady Gaga ^{[141] [142]} y " Birthday " de Katy Perry . ^[143] Otras canciones disco de 2014 incluyen " I Want It All " de Karmin , " Wrong Club " de Ting Tings , " Blow " de Beyoncé y la mezcla de William Orbit de " Let Me in Your Heart Again " de Queen.

En 2014, la cadena brasileña Globo TV , la segunda mayor cadena de televisión del mundo, emitió Boogie Oogie , una telenovela sobre la era disco que se desarrolla entre 1978 y 1979, desde la fiebre del éxito hasta la decadencia. El éxito del programa fue responsable de un renacimiento de la música disco en todo el país, trayendo de regreso a los escenarios y a las listas de éxitos brasileñas a divas disco locales como Lady Zu y As Frenéticas . ^{[ cita requerida ]}

Las entradas del Top-10 de 2015, como " Uptown Funk " de Mark Ronson , con un groove disco, " Sugar " de Maroon 5 , " Can't Feel My Face " de The Weeknd y " Want To Want Me " de Jason Derulo, también tienen una fuerte influencia disco. El magnate y productor disco Giorgio Moroder también reapareció en 2015 con su nuevo álbum Déjà Vu , que resultó ser un éxito modesto. Otras canciones de 2015 como " I Don't Like It, I Love It " de Flo Rida , " Adventure of a Lifetime " de Coldplay , " Back Together " de Robin Thicke y " Levels " de Nick Jonas también presentan elementos disco. En 2016, las canciones disco o canciones pop estilo disco continuaron mostrando una fuerte presencia en las listas de música como una posible reacción al synthpop, electro house y dubstep estilo años 80 que habían estado dominando las listas hasta entonces. ^{[ cita requerida ]} La canción de 2016 de Justin Timberlake " Can't Stop the Feeling! ", que muestra fuertes elementos de disco, se convirtió en la canción número 26 en debutar en el número uno del Billboard Hot 100 en la historia de la lista. The Martian , una película de 2015, usa ampliamente la música disco como banda sonora, aunque para el personaje principal, el astronauta Mark Watney, solo hay una cosa peor que estar varado en Marte: es estar varado en Marte con nada más que música disco. ^[144] " Kill the Lights ", que apareció en un episodio de la serie de televisión de HBO " Vinyl " (2016) y con los riffs de guitarra de Nile Rodgers , alcanzó el número uno en la lista de baile de Estados Unidos en julio de 2016.

En 2020, la música disco continuó su popularidad generalizada y se convirtió en una tendencia destacada en la música popular. ^{[146] [147]} A principios de 2020, éxitos con influencia disco como " Say So " de Doja Cat , " Stupid Love " de Lady Gaga y " Don't Start Now " de Dua Lipa experimentaron un éxito generalizado en las listas musicales mundiales, ubicándose en los números 1, 5 y 2, respectivamente, en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU . En ese momento, Billboard declaró que Lipa estaba "liderando la carga hacia la producción con influencia disco" un día después de que se lanzara su álbum retro y disco Future Nostalgia el 27 de marzo de 2020. [ ^{145] [148]} A fines de 2020, se habían lanzado varios álbumes disco, incluido Velvet de Adam Lambert , What 's Your Pleasure? , y el mixtape de discoteca de Róisín Murphy , Róisín Machine . A principios de septiembre de 2020, el grupo surcoreano BTS debutó en el número 1 en los EE. UU. con su sencillo disco en inglés " Dynamite ", habiendo vendido 265.000 descargas en su primera semana en los EE. UU., marcando la semana de ventas puras más grande desde " Look What You Made Me Do " de Taylor Swift (2017). ^[149]

En julio de 2020, la cantante australiana Kylie Minogue anunció que lanzaría su decimoquinto álbum de estudio, Disco , el 6 de noviembre de 2020. El álbum fue precedido por dos sencillos. El sencillo principal, « Say Something », fue lanzado el 23 de julio y se estrenó en BBC Radio 2 ; ^[150] el segundo sencillo, « Magic », fue lanzado el 24 de septiembre. ^[151] Ambos sencillos recibieron elogios de la crítica, y los críticos elogiaron a Minogue por regresar a las raíces disco, que fueron prominentes en sus álbumes Light Years (2000), Fever (2001) y Aphrodite (2010).

• Club de niños
• Lista de sencillos bailables número uno de 1978 (EE. UU.)
• Lista de sencillos bailables número uno de 1979 (EE. UU.)
• Discoteca sobre patines
• Discoteca sigilosa

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