Música electrónica

La música electrónica , en sentido amplio, es un grupo de géneros musicales que emplean instrumentos musicales electrónicos , tecnología y software musical basado en circuitos o electrónica de uso general (como computadoras personales ) en su creación. Incluye tanto música hecha con medios electrónicos como electromecánicos ( música electroacústica ). Los instrumentos electrónicos puros dependían completamente de la generación de sonido basada en circuitos, por ejemplo, utilizando dispositivos como un oscilador electrónico , un theremín o un sintetizador . Los instrumentos electromecánicos pueden tener partes mecánicas como cuerdas, martillos y elementos eléctricos que incluyen pastillas magnéticas , amplificadores de potencia y altavoces . Dichos dispositivos electromecánicos incluyen el telarmonio , el órgano Hammond , el piano eléctrico y la guitarra eléctrica . ^{[3] [4]}

Los primeros dispositivos musicales electrónicos se desarrollaron a finales del siglo XIX. Durante las décadas de 1920 y 1930, se introdujeron algunos instrumentos electrónicos y se escribieron las primeras composiciones que los incluían. En la década de 1940, la cinta de audio magnética permitió a los músicos grabar sonidos y luego modificarlos cambiando la velocidad o la dirección de la cinta, lo que llevó al desarrollo de la música en cinta electroacústica en la década de 1940, en Egipto y Francia. La música concreta , creada en París en 1948, se basaba en la edición de fragmentos grabados de sonidos naturales e industriales. La música producida únicamente a partir de generadores electrónicos fue producida por primera vez en Alemania en 1953 por Karlheinz Stockhausen . La música electrónica también se creó en Japón y Estados Unidos a partir de la década de 1950 y la composición algorítmica con computadoras se demostró por primera vez en la misma década.

Durante la década de 1960, se inició la música digital por computadora , se produjo la innovación en la electrónica en vivo y los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical . A principios de la década de 1970, los sintetizadores Moog y las cajas de ritmos ayudaron a popularizar la música electrónica sintetizada. La década de 1970 también vio cómo la música electrónica comenzaba a tener una influencia significativa en la música popular , con la adopción de sintetizadores polifónicos , baterías electrónicas , cajas de ritmos y tocadiscos , a través del surgimiento de géneros como el disco , el krautrock , la new wave , el synth-pop , el hip hop y la EDM . A principios de la década de 1980, los sintetizadores digitales producidos en masa , como el Yamaha DX7 , se hicieron populares y se desarrolló MIDI (interfaz digital de instrumentos musicales). En la misma década, con una mayor dependencia de los sintetizadores y la adopción de cajas de ritmos programables, la música electrónica popular pasó a primer plano. Durante la década de 1990, con la proliferación de tecnología musical cada vez más asequible, la producción de música electrónica se convirtió en una parte establecida de la cultura popular. ^[5] En Berlín, a partir de 1989, el Love Parade se convirtió en la fiesta callejera más grande con más de un millón de visitantes, inspirando otras celebraciones populares similares de música electrónica. ^[6]

La música electrónica contemporánea incluye muchas variedades y abarca desde la música experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile . La música electrónica pop es más reconocible en su forma 4/4 y está más conectada con la corriente principal que las formas anteriores que eran populares en mercados especializados. ^[7]

A principios del siglo XX, la experimentación con la electrónica emergente dio lugar a los primeros instrumentos musicales electrónicos . ^[8] Estas invenciones iniciales no se vendieron, sino que se utilizaron en demostraciones y actuaciones públicas. Al público se le presentaron reproducciones de música existente en lugar de nuevas composiciones para los instrumentos. ^[9] Mientras que algunas se consideraron novedades y produjeron tonos simples, el Telharmonium sintetizó el sonido de varios instrumentos orquestales con una precisión razonable. Logró un interés público viable e hizo progresos comerciales en la transmisión de música a través de redes telefónicas . ^[10]

Los críticos de las convenciones musicales de la época vieron en estos avances una promesa. Ferruccio Busoni alentó la composición de música microtonal que permitían los instrumentos electrónicos. Predijo el uso de máquinas en la música del futuro, escribiendo el influyente Sketch of a New Esthetic of Music (1907). ^{[11] [12]} Futuristas como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo comenzaron a componer música con ruido acústico para evocar el sonido de la maquinaria . Predijeron expansiones en el timbre que permitían los instrumentos electrónicos en el influyente manifiesto The Art of Noises (1913). ^{[13] [14]}

Los avances en el uso de tubos de vacío dieron lugar a instrumentos electrónicos más pequeños, amplificados y prácticos para su ejecución. ^[15] En particular, el theremin , las ondas Martenot y el trautonium se produjeron comercialmente a principios de los años 1930. ^{[16] [17]}

A partir de finales de la década de 1920, la mayor utilidad práctica de los instrumentos electrónicos influyó en compositores como Joseph Schillinger y Maria Schuppel para que los adoptaran. Se utilizaban normalmente en orquestas y la mayoría de los compositores escribían piezas para el theremin que, de otro modo, podrían interpretarse con instrumentos de cuerda . ^[16]

Los compositores de vanguardia criticaron el uso predominante de instrumentos electrónicos para propósitos convencionales. ^[16] Los instrumentos ofrecían expansiones en los recursos de tono ^[18] que fueron explotados por defensores de la música microtonal como Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen y Edgard Varèse . ^{[19] [20] [21]} Además, Percy Grainger usó el theremin para abandonar por completo la tonalidad fija, ^[22] mientras que compositores rusos como Gavriil Popov lo trataron como una fuente de ruido en música de ruido acústica . ^[23]

Los avances en la tecnología de grabación temprana fueron paralelos a los de los instrumentos electrónicos. El primer medio de grabación y reproducción de audio se inventó a fines del siglo XIX con el fonógrafo mecánico . ^[24] Los tocadiscos se convirtieron en un artículo doméstico común y, en la década de 1920, los compositores los usaban para reproducir grabaciones breves en sus presentaciones. ^[25]

La introducción de la grabación eléctrica en 1925 fue seguida por una mayor experimentación con tocadiscos. Paul Hindemith y Ernst Toch compusieron varias piezas en 1930 superponiendo grabaciones de instrumentos y voces a velocidades ajustadas. Influenciado por estas técnicas, John Cage compuso Imaginary Landscape No. 1 en 1939 ajustando las velocidades de los tonos grabados. ^[26]

Los compositores comenzaron a experimentar con la tecnología de sonido en película recientemente desarrollada . Las grabaciones podían ser empalmadas para crear collages de sonido , como los de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann y Dziga Vertov . Además, la tecnología permitió que el sonido fuera creado y modificado gráficamente . Estas técnicas se utilizaron para componer bandas sonoras para varias películas en Alemania y Rusia, además de la popular Dr. Jekyll y Mr. Hyde en los Estados Unidos. Los experimentos con sonido gráfico fueron continuados por Norman McLaren desde finales de la década de 1930. ^[27]

La primera grabadora de cinta de audio práctica se presentó en 1935. ^[28] Se realizaron mejoras a la tecnología utilizando la técnica de polarización de CA , que mejoró significativamente la fidelidad de grabación. ^{[29] [30]} Ya en 1942, se estaban realizando grabaciones de prueba en estéreo. ^[31] Aunque estos desarrollos se limitaron inicialmente a Alemania, las grabadoras y las cintas se llevaron a los Estados Unidos después del final de la Segunda Guerra Mundial. ^[32] Estas fueron la base para la primera grabadora de cinta producida comercialmente en 1948. ^[33]

En 1944, antes del uso de la cinta magnética con fines compositivos, el compositor egipcio Halim El-Dabh , mientras todavía era estudiante en El Cairo , utilizó una engorrosa grabadora de alambre para grabar sonidos de una antigua ceremonia zaar . Utilizando las instalaciones de los estudios de Middle East Radio, El-Dabh procesó el material grabado utilizando reverberación, eco, controles de voltaje y regrabación. Se cree que el resultado es la composición musical en cinta más antigua. ^[34] La obra resultante se tituló The Expression of Zaar y se presentó en 1944 en un evento de una galería de arte en El Cairo. Si bien sus experimentos iniciales en la composición basada en cinta no eran muy conocidos fuera de Egipto en ese momento, El-Dabh también es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton a fines de la década de 1950. ^[35]

Tras su trabajo con el Studio d'Essai en Radiodiffusion Française (RDF), a principios de la década de 1940, a Pierre Schaeffer se le atribuye el origen de la teoría y la práctica de la música concreta. A finales de la década de 1940, Schaeffer realizó por primera vez experimentos de composición basada en el sonido utilizando tocadiscos de goma laca . En 1950, las técnicas de la música concreta se ampliaron cuando se utilizaron máquinas de cinta magnética para explorar prácticas de manipulación del sonido como la variación de velocidad ( pitch shift ) y el empalme de cintas . ^{[36] [37]}

El 5 de octubre de 1948, RDF transmitió Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este fue el primer " movimiento " de Cinq études de bruits y marcó el comienzo de las realizaciones de estudio ^[38] y la música concreta (o arte acusmático). Schaeffer empleó un torno de corte de discos , cuatro platos giratorios, un mezclador de cuatro canales, filtros, una cámara de eco y una unidad de grabación móvil. No mucho después de esto, Pierre Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una asociación que tendría efectos profundos y duraderos en la dirección de la música electrónica. Otro asociado de Schaeffer, Edgard Varèse , comenzó a trabajar en Déserts , una obra para orquesta de cámara y cinta. Las partes de la cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y luego se revisaron en la Universidad de Columbia .

En 1950, Schaeffer dio el primer concierto público (no retransmitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris . «Schaeffer utilizó un sistema de PA , varios platos giratorios y mezcladores. La actuación no salió bien, ya que nunca antes se había hecho la creación de montajes en vivo con platos giratorios». ^[39] Más tarde ese mismo año, Pierre Henry colaboró ​​con Schaeffer en Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. ^[40] En París, en 1951, en lo que se convertiría en una importante tendencia mundial, RTF estableció el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orfeo , para sonidos y voces concretas.

En 1951, el trabajo de Schaeffer, el compositor y percusionista Pierre Henry y el ingeniero de sonido Jacques Poullin había recibido reconocimiento oficial y se estableció el Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française en RTF en París, el antepasado. de la ORTF . ^[41]

Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952 y después durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia .

En 1954 se produjo el surgimiento de lo que hoy se consideraría auténticas composiciones acústicas y eléctricas: instrumentación acústica aumentada o acompañada por grabaciones de sonido manipulado o generado electrónicamente. Ese año se estrenaron tres obras importantes: Déserts de Varèse , para conjunto de cámara y sonidos de cinta, y dos obras de Otto Luening y Vladimir Ussachevsky : Rhapsodic Variations for the Louisville Symphony y A Poem in Cycles and Bells , ambas para orquesta y cinta. Como había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte de cinta de la obra de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónicos. "Un grupo formado por instrumentos de viento, percusión y piano se alterna con los sonidos mutados de ruidos de fábrica y sirenas y motores de barcos, que provienen de dos altavoces". ^[42]

En el estreno alemán de Déserts en Hamburgo, dirigido por Bruno Maderna , los controles de cinta fueron operados por Karlheinz Stockhausen . ^[42] El título Déserts le sugirió a Varèse no solo "todos los desiertos físicos (de arena, mar, nieve, de espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente del hombre; no solo esos aspectos despojados de la naturaleza que sugieren desnudez, distanciamiento, atemporalidad, sino también ese espacio interior remoto que ningún telescopio puede alcanzar, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial". ^[43]

En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, se inauguró oficialmente en los estudios de radio de la NWDR en 1953, aunque ya se había estado planificando desde 1950 y las primeras composiciones se realizaron y transmitieron en 1951. ^[44] El estudio, ideado por Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer y Herbert Eimert (que se convirtió en su primer director), pronto se unieron al estudio Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig . En su tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música completamente a partir de señales producidas electrónicamente; de ​​esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba claramente de la musique concrète francesa , que utilizaba sonidos grabados de fuentes acústicas. ^{[45] [46]}

En 1953, Stockhausen compuso su Studie I , seguido en 1954 por Elektronische Studie II —la primera pieza electrónica que se publicó como partitura. En 1955, comenzaron a aparecer estudios más experimentales y electrónicos. Destacan la creación del Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un estudio en la NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi , y el estudio Philips en Eindhoven , Países Bajos, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.

"Con Stockhausen y Mauricio Kagel en la residencia, [Colonia] se convirtió durante todo el año en un hervidero de vanguardismo carismático". ^[47] en dos ocasiones combinando sonidos generados electrónicamente con orquestas relativamente convencionales: en Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). ^[48] Stockhausen afirmó que sus oyentes le habían dicho que su música electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar o de estar en un "mundo de sueños fantástico". ^[49]

En los Estados Unidos, la música electrónica ya se estaba creando en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, No. 1 , utilizando dos platos giratorios de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano con sordina y platillos, pero sin medios electrónicos de producción. Cage compuso cinco "Imaginary Landscapes" más entre 1942 y 1952 (uno retirado), la mayoría para ensamble de percusión, aunque el No. 4 es para doce radios y el No. 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se realizará como una cinta magnética. Según Otto Luening, Cage también interpretó Williams Mix en Donaueschingen en 1954, utilizando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. ^{[ aclaración necesaria ]} Williams Mix fue un éxito en el Festival de Donaueschingen , donde causó una "fuerte impresión". ^[50]

El proyecto de música para cinta magnética fue creado por miembros de la Escuela de Nueva York ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman ), ^[51] y duró tres años hasta 1954. Cage escribió sobre esta colaboración: "En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón de que en los diversos puntos de la notación, la interpretación y la audición, la acción es provocativa". ^[52]

Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con el Music for Magnetic Tape Project. ^[53] El grupo no tenía instalaciones permanentes y tuvo que depender de tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluido el estudio de Bebe y Louis Barron .

Ese mismo año, la Universidad de Columbia adquirió su primera grabadora de cintas, una máquina profesional Ampex , para grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que formaba parte de la facultad de música de la Universidad de Columbia, se hizo cargo del aparato y casi inmediatamente comenzó a experimentar con él.

Herbert Russcol escribe: "Pronto se sintió intrigado por las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos unos a otros". ^[54] Ussachevsky dijo más tarde: "De repente me di cuenta de que la grabadora podía ser tratada como un instrumento de transformación del sonido". ^[54] El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de música/efectos de cinta que creó en su Composers Forum, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia. Estas incluían Transposición, Reverberación, Experimento, Composición y Vals submarino . En una entrevista, declaró: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". ^[54] Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó: "El equipo que tenía a su disposición consistía en una grabadora de cinta Ampex... y un sencillo dispositivo con forma de caja diseñado por el joven y brillante ingeniero Peter Mauzey para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica. El resto del equipo lo tomó prestado o lo compró con fondos personales". ^[55]

Tan sólo tres meses después, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont, invitado por Luening para presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el acontecimiento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición grabada. Ambos éramos improvisadores fluidos y el medio encendió nuestra imaginación". ^[55] Tocaron algunas de sus primeras piezas de manera informal en una fiesta, donde "varios compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: 'Esto es todo' ('esto' significa la música del futuro)". ^[55]

La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel telefoneó e invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre patrocinado por la American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Después de algunas dudas, aceptamos... Henry Cowell puso su casa y estudio en Woodstock, Nueva York, a nuestra disposición. Con el equipo prestado en la parte trasera del coche de Ussachevsky, salimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas... A finales de septiembre de 1952, el laboratorio ambulante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones". ^[55]

Dos meses después, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en los Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space (1952) de Luening, "una pieza virtuosa impresionista" ^[55] que utiliza grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed ​​(1952), una "composición exótica que llevó a la flauta muy por debajo de su rango natural". ^[55] Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaran sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de la NBC para hacer una demostración en forma de entrevista, la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky las sometió a transformaciones electrónicas en ese momento". ^[56]

La banda sonora de Forbidden Planet , de Louis y Bebe Barron , ^[57] fue compuesta íntegramente utilizando circuitos electrónicos personalizados y grabadoras de cinta en 1956 (pero sin sintetizadores en el sentido moderno de la palabra). ^{[ aclaración necesaria ]}

En 1929, Nikolai Obukhov inventó la " cruz sonora " (la croix sonore ), comparable al principio del theremin . ^[58] En la década de 1930, Nikolai Ananyev inventó el "sonar", y el ingeniero Alexander Gurov — neoviolena, I. Ilsarov — ilston., ^[59] A. Rimsky-Korsakov  [ru] y A. Ivanov — emiriton  [ru] . ^[58] El compositor e inventor Arseny Avraamov se dedicó al trabajo científico sobre la síntesis de sonido y realizó una serie de experimentos que más tarde formarían la base de los instrumentos electromusicales soviéticos. ^[60]

En 1956, Vyacheslav Mescherin creó el Ensamble de instrumentos electromusicales  [ru] , que utilizaba theremines, arpas eléctricas, órganos eléctricos, el primer sintetizador de la URSS "Ekvodin", ^[58] y también creó la primera máquina de reverberación soviética. El estilo en el que tocaba el conjunto de Meshcherin se conoce como " pop de la era espacial ". ^[60] En 1957, el ingeniero Igor Simonov montó un modelo funcional de una grabadora de ruido (electroeolifón), con cuya ayuda era posible extraer varios timbres y consonancias de naturaleza de ruido. ^[58] En 1958, Evgeny Murzin diseñó el sintetizador ANS , uno de los primeros sintetizadores musicales polifónicos del mundo.

Fundado por Murzin en 1966, el Estudio de Música Electrónica Experimental de Moscú se convirtió en la base para una nueva generación de experimentadores: Eduard Artemyev , Alexander Nemtin  [ru] , Sándor Kallós , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Vladimir Martynov . ^{[58] [60]} A finales de la década de 1960, aparecieron en la URSS grupos musicales que tocaban música electrónica ligera. A nivel estatal, esta música comenzó a usarse para atraer turistas extranjeros al país y para su transmisión a países extranjeros. ^[61] A mediados de la década de 1970, el compositor Alexander Zatsepin diseñó una "orquesta", una modificación del mellotrón. ^[62]

Las repúblicas soviéticas del Báltico también tuvieron sus propios pioneros: en la República Socialista Soviética de Estonia , Sven Grunberg ; en la República Socialista Soviética de Lituania , Gedrus Kupriavicius; en la República Socialista Soviética de Letonia , Opus y Zodiac . ^[60]

El primer ordenador del mundo que tocó música fue el CSIRAC , diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para que tocase melodías musicales populares de principios de los años 1950. En 1951 tocó públicamente la Marcha del Coronel Bogey , de la que no existen grabaciones conocidas, solo la reconstrucción precisa. ^[63] Sin embargo, el CSIRAC tocaba un repertorio estándar y no se utilizó para ampliar el pensamiento musical o la práctica de la composición. El CSIRAC nunca se grabó, pero la música tocada fue reconstruida con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por ordenador fueron reproducidas por el ordenador Ferranti Mark 1 , una versión comercial de la Baby Machine de la Universidad de Manchester en el otoño de 1951. ^[64] El programa de música fue escrito por Christopher Strachey .

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El primer grupo de instrumentos musicales electrónicos de Japón, el órgano Yamaha Magna, se construyó en 1935. ^[65] Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata sabían del desarrollo de los instrumentos musicales electrónicos. A finales de la década de 1940, los compositores japoneses comenzaron a experimentar con música electrónica y el patrocinio institucional les permitió experimentar con equipos avanzados. Su infusión de música asiática en el género emergente eventualmente apoyaría la popularidad de Japón en el desarrollo de la tecnología musical varias décadas después. ^[66]

Tras la fundación de la empresa de electrónica Sony en 1946, los compositores Toru Takemitsu y Minao Shibata exploraron de forma independiente posibles usos de la tecnología electrónica para producir música. ^[67] Takemitsu tenía ideas similares a la música concreta , de las que no era consciente, mientras que Shibata previó el desarrollo de los sintetizadores y predijo un cambio drástico en la música. ^{[68] Sony comenzó a producir grabadoras} de cinta magnética populares para uso gubernamental y público. ^{[66] [69]}

El colectivo de vanguardia Jikken Kōbō (Taller experimental), fundado en 1950, recibió acceso a la tecnología de audio emergente de Sony. La compañía contrató a Toru Takemitsu para demostrar sus grabadoras con composiciones e interpretaciones de música electrónica en cinta. ^[70] Las primeras piezas de cinta electrónica del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Pieza B", compuesta en 1951 por Kuniharu Akiyama. ^[71] Muchas de las piezas de cinta electroacústicas que produjeron se utilizaron como música incidental para radio, cine y teatro. También realizaron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada. ^[72] Los compositores fuera del Jikken Kōbō, como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shirō Fukai , también estaban experimentando con música de cinta radiofónica entre 1952 y 1953. ^[69]

La música concreta fue introducida en Japón por Toshiro Mayuzumi , quien fue influenciado por un concierto de Pierre Schaeffer. A partir de 1952, compuso piezas de música en cinta para una película de comedia, una emisión de radio y un drama radiofónico. ^{[71] [73]} Sin embargo, el concepto de objeto sonoro de Schaeffer no fue influyente entre los compositores japoneses, quienes estaban principalmente interesados ​​en superar las restricciones de la interpretación humana. ^[74] Esto llevó a varios músicos electroacústicos japoneses a hacer uso del serialismo y las técnicas dodecafónicas , ^[74] evidentes en la pieza dodecafónica de Yoshirō Irino de 1951 , ^[73] en la organización de sonidos electrónicos en "X, Y, Z para música concreta" de Mayuzumi, y más tarde en la música electrónica de Shibata en 1956. ^[75]

Siguiendo el modelo del estudio NWDR de Colonia, en 1954 se estableció un estudio de música electrónica NHK en Tokio, que se convirtió en una de las instalaciones de música electrónica más importantes del mundo. El estudio de música electrónica NHK estaba equipado con tecnologías como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, equipos de grabación y radiofónicos, ondas Martenot, Monochord y Melochord , osciladores de onda sinusoidal , grabadoras de cinta, moduladores de anillo , filtros de paso de banda y mezcladores de cuatro y ocho canales . Entre los músicos asociados con el estudio se encontraban Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi y Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio se completaron en 1955, incluidas las piezas de cinco minutos de Mayuzumi "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" e "Invention for Square Wave and Sawtooth Wave" producidas utilizando las diversas capacidades de generación de tonos del estudio, y la pieza estéreo de 20 minutos de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast". ^{[76] [77]}

El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerdas , la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . "... Hiller postuló que a una computadora se le podían enseñar las reglas de un estilo particular y luego pedirle que compusiera en consecuencia". ^[78] Los desarrollos posteriores incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I en 1957, uno de los primeros programas de computadora en reproducir música electrónica. La tecnología de vocoder también fue un desarrollo importante en esta era temprana. En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera obra importante del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel . Un desarrollo tecnológico importante de ese año fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott con subconjunto de Robert Moog .

En 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon , grabado en el estudio Philips en los Países Bajos. ^[79] El público siguió interesado en los nuevos sonidos que se creaban en todo el mundo, como se puede deducir por la inclusión del Poème électronique de Varèse , que se tocó en más de cuatrocientos altavoces en el Pabellón Philips de la Feria Mundial de Bruselas de 1958. Ese mismo año, Mauricio Kagel , un compositor argentino , compuso Transición II . La obra se realizó en el estudio WDR en Colonia. Dos músicos tocaron el piano, uno de la manera tradicional, el otro tocando las cuerdas, el marco y el estuche. Otros dos intérpretes utilizaron cinta para unir la presentación de sonidos en vivo con el futuro de los materiales pregrabados de más adelante y su pasado de grabaciones realizadas antes en la interpretación.

En 1958, Columbia-Princeton desarrolló el sintetizador de sonido RCA Mark II , el primer sintetizador programable. ^[80] Compositores destacados como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel y Mario Davidovsky utilizaron ampliamente el sintetizador RCA en varias composiciones. ^[81] Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio fue el egipcio Halim El-Dabh quien, ^[82] después de haber desarrollado la primera música electrónica en cinta conocida en 1944, ^[34] se hizo más famoso por Leiyla and the Poet , una serie de composiciones electrónicas de 1959 que se destacó por su inmersión y fusión perfecta de música electrónica y folk , en contraste con el enfoque más matemático utilizado por los compositores seriales de la época como Babbitt. Leiyla and the Poet de El-Dabh , lanzado como parte del álbum Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, sería citado como una fuerte influencia por varios músicos, desde Neil Rolnick , Charles Amirkhanian y Alice Shields hasta los músicos de rock Frank Zappa y The West Coast Pop Art Experimental Band . ^[83]

Tras la aparición de diferencias dentro del GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys y varios de sus colegas dimitieron en abril de 1958. Schaeffer creó un nuevo colectivo, llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) y se dedicó a reclutando nuevos miembros, incluidos Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani y Mireille Chamass-Kyrou . Las llegadas posteriores incluyeron a Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton y François Bayle . ^[84]

Fueron años fértiles para la música electrónica, no sólo para el mundo académico, sino también para los artistas independientes, ya que la tecnología de los sintetizadores se hizo más accesible. Para entonces, se había establecido y estaba creciendo una sólida comunidad de compositores y músicos que trabajaban con nuevos sonidos e instrumentos. En 1960 se compuso Gargoyles de Luening para violín y cinta, así como el estreno de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. Esta pieza existía en dos versiones: una para cinta de cuatro canales y la otra para cinta con intérpretes humanos. "En Kontakte , Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en el desarrollo lineal y el clímax dramático. Este nuevo enfoque, que él denominó 'forma de momento', se asemeja a las técnicas de 'empalme cinematográfico' del cine de principios del siglo XX". ^[85]

El theremin se había utilizado desde la década de 1920, pero alcanzó un grado de reconocimiento popular a través de su uso en la música de bandas sonoras de películas de ciencia ficción en la década de 1950 (por ejemplo, la clásica banda sonora de Bernard Herrmann para El día que la Tierra se detuvo ). ^[86]

En el Reino Unido, en este período, el BBC Radiophonic Workshop (establecido en 1958) llegó a la prominencia, en gran medida gracias a su trabajo en la serie de ciencia ficción de la BBC Doctor Who . Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes en este período ^[87] fue la miembro del Workshop Delia Derbyshire , que ahora es famosa por su realización electrónica de 1963 del icónico tema de Doctor Who , compuesto por Ron Grainer . Otros compositores de música electrónica activos en el Reino Unido incluyeron a Ernest Berk (que estableció su primer estudio en 1955), Tristram Cary , Hugh Davies , Brian Dennis , George Newson , Daphne Oram y Peter Zinovieff . ^[88]

Durante la época en que la UNESCO le concedió una beca para estudiar música electrónica (1958), Josef Tal realizó un viaje de estudios por Estados Unidos y Canadá. ^[89] Resumió sus conclusiones en dos artículos que presentó a la UNESCO. ^[90] En 1961, estableció el Centro de Música Electrónica en Israel en la Universidad Hebrea de Jerusalén. En 1962, Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su grabadora Creative Tape en el centro. ^[91] En la década de 1990, Tal dirigió, junto con el Dr. Shlomo Markel, en cooperación con el Technion (Instituto Tecnológico de Israel ) y la Fundación Volkswagen , un proyecto de investigación ('Talmark') destinado al desarrollo de un nuevo sistema de notación musical para música electrónica. ^[92]

Milton Babbitt compuso su primera obra electrónica utilizando el sintetizador: su Composition for Synthesizer (1961), que creó utilizando el sintetizador RCA en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton.

Para Babbitt, el sintetizador RCA fue un sueño hecho realidad por tres razones. En primer lugar, la capacidad de localizar y controlar con precisión cada elemento musical. En segundo lugar, el tiempo necesario para realizar sus elaboradas estructuras seriales estaba al alcance de la práctica. En tercer lugar, la pregunta ya no era "¿cuáles son los límites del intérprete humano?", sino "¿cuáles son los límites de la audición humana?" ^[93]

Las colaboraciones también se dieron a través de océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Estudio Columbia-Princeton (CPEMC). A su llegada, Varese se embarcó en una revisión de Déserts . Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel . ^[94]

La intensa actividad que se produjo en CPEMC y otros lugares inspiró la creación del San Francisco Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick , con otros miembros como Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin y Terry Riley . ^[95]

Más tarde, el Centro se trasladó al Mills College , dirigido por Pauline Oliveros , y desde entonces ha sido rebautizado como Centro de Música Contemporánea. ^[96] Pietro Grossi fue un pionero italiano de la composición por ordenador y la música en cinta, que experimentó por primera vez con técnicas electrónicas a principios de los años sesenta. Grossi fue un violonchelista y compositor, nacido en Venecia en 1917. Fundó el S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 para experimentar con el sonido y la composición electrónica.

Simultáneamente en San Francisco, el compositor Stan Shaff y el diseñador de equipos Doug McEachern presentaron el primer concierto "Audium" en el San Francisco State College (1962), seguido por el trabajo en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1963), concebido como un movimiento controlado en el tiempo del sonido en el espacio. Doce altavoces rodeaban a la audiencia, cuatro de ellos montados en una construcción giratoria, similar a un móvil, por encima. ^[97] En una actuación en el SFMOMA el año siguiente (1964), el crítico musical del San Francisco Chronicle, Alfred Frankenstein, comentó: "las posibilidades del continuo espacio-sonido rara vez se han explorado tan extensamente". ^[97] En 1967, se inauguró el primer Audium , un "continuo sonido-espacio", que realizó actuaciones semanales hasta 1970. En 1975, gracias al capital inicial del National Endowment for the Arts , se inauguró un nuevo Audium, diseñado de piso a techo para la composición y la interpretación de sonido espacial. ^[98] "En contraste, hay compositores que manipulan el espacio sonoro ubicando múltiples altavoces en varias ubicaciones en un espacio de interpretación y luego cambiando o desplazando el sonido entre las fuentes. En este enfoque, la composición de la manipulación espacial depende de la ubicación de los altavoces y generalmente explota las propiedades acústicas del recinto. Los ejemplos incluyen Poeme Electronique de Varese (música en cinta interpretada en el Pabellón Philips de la Feria Mundial de 1958 en Bruselas) y la instalación Audium de Stan Schaff , actualmente activa en San Francisco". ^{[99] [100]} A través de programas semanales (más de 4.500 en 40 años), Shaff "esculpe" el sonido, interpretando obras espaciales ahora digitalizadas en vivo a través de 176 altavoces. ^[101]

Jean-Jacques Perrey experimentó con las técnicas de Schaeffer en loops de cinta y fue uno de los primeros en utilizar el recientemente lanzado sintetizador Moog desarrollado por Robert Moog. Con este instrumento compuso algunas obras con Gershon Kingsley y en solitario. ^[102] Un ejemplo bien conocido del uso del sintetizador modular Moog de tamaño completo de Moog es el álbum Switched-On Bach de 1968 de Wendy Carlos , que desencadenó una locura por la música de sintetizador. ^[103] En 1969, David Tudor llevó un sintetizador modular Moog y máquinas de cinta Ampex al Instituto Nacional de Diseño en Ahmedabad con el apoyo de la familia Sarabhai , formando la base del primer estudio de música electrónica de la India. Aquí un grupo de compositores Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur y Atul Desai desarrollaron composiciones sonoras experimentales entre 1969 y 1973. ^[104]

Las primeras melodías musicales fueron generadas por el ordenador CSIRAC en Australia en 1950. Hubo informes periodísticos de Estados Unidos e Inglaterra (antiguos y recientes) que indicaban que los ordenadores podían haber reproducido música antes, pero una investigación exhaustiva ha desacreditado estas historias ya que no hay pruebas que respalden los informes periodísticos (algunos de los cuales eran obviamente especulativos). Las investigaciones han demostrado que la gente especulaba sobre la reproducción de música por parte de los ordenadores, posiblemente porque hacían ruidos, ^[105] pero no hay pruebas de que realmente lo hicieran. ^{[106] [107]}

El primer ordenador del mundo capaz de reproducir música fue el CSIRAC , diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard en los años 50. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para que reprodujera melodías musicales populares de principios de los años 50. En 1951, tocó en público la " Marcha del Coronel Bogey " ^[108], de la que no existen grabaciones conocidas. Sin embargo, el CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no se utilizaba para ampliar el pensamiento musical o la práctica de la composición, que es la práctica actual de la música por ordenador.

La primera interpretación musical en Inglaterra fue una interpretación del Himno Nacional Británico programada por Christopher Strachey en el Ferranti Mark I, a finales de 1951. Más tarde ese año, una unidad de transmisión externa de la BBC grabó allí breves extractos de tres piezas : el Himno Nacional, " Ba, Ba Black Sheep " y " In the Mood ", y se la reconoce como la primera grabación de una computadora para reproducir música. Esta grabación se puede escuchar en este sitio de la Universidad de Manchester. Los investigadores de la Universidad de Canterbury , Christchurch, deshaceron clics y restauraron esta grabación en 2016 y los resultados se pueden escuchar en SoundCloud . ^{[109] [110] [64]}

A finales de los años 1950, 1960 y 1970 también se desarrolló la síntesis mediante ordenadores mainframe de gran tamaño. A partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, que culminaron en MUSIC V , un lenguaje de síntesis digital directa. ^[111] Laurie Spiegel desarrolló el software de composición musical algorítmica " Music Mouse " (1986) para ordenadores Macintosh , Amiga y Atari .

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Un nuevo desarrollo importante fue la llegada de las computadoras para componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique , o música estocástica , que es un método de composición que utiliza sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962), ^[112] Morsima-Amorsima , ST/10 y Atrées . Desarrolló el sistema informático UPIC para traducir imágenes gráficas en resultados musicales y compuso Mycènes Alpha (1978) con él.

En Europa, en 1964, Karlheinz Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam , micrófonos de mano, filtros y potenciómetros, y Mixtur para orquesta, cuatro generadores de ondas sinusoidales y cuatro moduladores de anillo . En 1965 compuso Mikrophonie II para coro, órgano Hammond y moduladores de anillo. ^[113]

Entre 1966 y 1967, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar el " circuit bending ", la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, para crear instrumentos electrónicos experimentales, explorar elementos sonoros principalmente de timbre y con menos consideración al tono o al ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria [ sic ] de John Cage . ^[114]

El arte escénico y la carrera musical de Cosey Fanni Tutti exploraron el concepto de música "aceptable" y luego exploraron el uso del sonido como medio de deseo o incomodidad. ^{[115] [ verificación fallida ]}

Wendy Carlos interpretó selecciones de su álbum Switched-On Bach en el escenario con un sintetizador con la Orquesta Sinfónica de San Luis ; otra actuación en vivo fue con Kurzweil Baroque Ensemble para "Bach at the Beacon" en 1997. ^[116] En junio de 2018, Suzanne Ciani lanzó LIVE Quadraphonic , un álbum en vivo que documenta su primera actuación en solitario en un sintetizador Buchla en 40 años. Fue uno de los primeros lanzamientos de vinilo cuadrafónico en más de 30 años. ^[117]

En la década de 1950, ^{[118] [119]} los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical internacional . ^{[120] [121]} Ikutaro Kakehashi , quien fundó Ace Tone en 1960, desarrolló su propia versión de percusión electrónica que ya había sido popular en el órgano electrónico extranjero. ^[122] En el NAMM Show de 1964 , lo reveló como el R-1 Rhythm Ace, un dispositivo de percusión operado a mano que reproducía sonidos de batería electrónica manualmente mientras el usuario presionaba botones, de manera similar a los pads de batería electrónica modernos. ^{[122] [123] [124]}

En 1963, Korg lanzó la Donca-Matic DA-20 , una caja de ritmos electromecánica . ^[125] En 1965, Nippon Columbia patentó una caja de ritmos completamente electrónica. ^[126] Korg lanzó la caja de ritmos electrónica Donca-Matic DC-11 en 1966, a la que siguió el Korg Mini Pops , que se desarrolló como una opción para el órgano eléctrico Yamaha Electone . ^[125] Las series Stageman y Mini Pops de Korg se destacaron por sus sonidos de "percusión metálica natural" y por incorporar controles para " rupturas y rellenos " de batería. ^[121]

En 1967, el fundador de Ace Tone, Ikutaro Kakehashi, patentó un generador de patrones rítmicos preestablecidos que utilizaba un circuito de matriz de diodos ^[127] similar a la patente estadounidense anterior de Seeburg 3.358.068 presentada en 1964 (véase Drum machine#History ), que lanzó como la caja de ritmos FR-1 Rhythm Ace el mismo año. ^[122] Ofrecía 16 patrones preestablecidos y cuatro botones para reproducir manualmente cada sonido de instrumento ( platillos , claves , cencerro y bombo ). Los patrones rítmicos también se podían conectar en cascada presionando varios botones de ritmo simultáneamente, y la posible combinación de patrones rítmicos era más de cien. ^[122] Las cajas de ritmos Rhythm Ace de Ace Tone encontraron su camino en la música popular a fines de la década de 1960, seguidas por las cajas de ritmos Korg en la década de 1970. ^[121] Kakehashi luego dejó Ace Tone y fundó Roland Corporation en 1972, y los sintetizadores y cajas de ritmos Roland se volvieron muy influyentes durante las siguientes décadas. ^[122] La compañía tendría un gran impacto en la música popular y haría más para dar forma a la música electrónica popular que cualquier otra compañía. ^[124]

El turntablismo tiene sus orígenes en la invención de los platos giratorios de accionamiento directo . Los primeros platos giratorios de accionamiento por correa no eran adecuados para el turntablismo, ya que tenían un tiempo de arranque lento y eran propensos al desgaste y a la rotura, ya que la correa se rompía por el giro inverso o el rayado. ^[128] El primer plato giratorio de accionamiento directo fue inventado por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ), ^[129] con sede en Osaka , Japón. Eliminó las correas y, en su lugar, empleó un motor para impulsar directamente un plato sobre el que descansa un disco de vinilo. ^[130] En 1969, Matsushita lo lanzó como SP-10 , ^[130] el primer plato giratorio de accionamiento directo en el mercado, ^[131] y el primero de su influyente serie de platos giratorios Technics . ^[130] Fue sucedido por los Technics SL-1100 y SL-1200 a principios de la década de 1970, y fueron ampliamente adoptados por los músicos de hip hop , ^[130] siendo el SL-1200 el tocadiscos más utilizado en la cultura de DJ durante varias décadas. ^[132]

En Jamaica , una forma de música electrónica popular surgió en la década de 1960, la música dub , arraigada en la cultura del sound system . La música dub fue iniciada por ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist , que producían música experimental con influencia del reggae con tecnología de sonido electrónico, en estudios de grabación y en fiestas con sound system. ^[133] Sus experimentos incluyeron formas de composición basadas en cintas comparables a aspectos de la música concreta , un énfasis en estructuras rítmicas repetitivas (a menudo despojadas de sus elementos armónicos) comparables al minimalismo , la manipulación electrónica de la espacialidad, la manipulación electrónica sónica de materiales musicales pregrabados de los medios de comunicación, DJs brindando por música pregrabada comparable a la música electrónica en vivo , ^[133] remezcla de música, ^[134] turntablism , ^[135] y la mezcla y scratching de vinilo. ^[136]

A pesar del limitado equipamiento electrónico disponible para pioneros del dub como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente de vanguardia. ^[134] King Tubby, por ejemplo, era propietario de un sistema de sonido y técnico en electrónica, cuyo pequeño estudio en una sala de estar en el gueto de Waterhouse en el oeste de Kingston fue un sitio clave para la creación de música dub. ^[137]

A finales de los años 1960, los músicos de pop y rock, incluidos los Beach Boys y los Beatles , comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el mellotron , para complementar y definir su sonido. Las primeras bandas en utilizar el sintetizador Moog serían los Doors en Strange Days ^[138] así como los Monkees en Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconoce la grabación de los Beatles de 1966 " Tomorrow Never Knows " como la canción que "marcó el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en la música rock y pop" debido a la incorporación de bucles de cinta y sonidos de cinta invertidos y manipulados a velocidad. ^[139]

También a finales de los años 1960, los dúos musicales Silver Apples , Beaver and Krause , y bandas de rock experimental como White Noise , United States of America , Fifty Foot Hose y Gong son considerados pioneros en los géneros del rock electrónico y la electrónica por su trabajo en la fusión del rock psicodélico con osciladores y sintetizadores. ^{[140] [141] [142] [143] [144] [145]} El instrumental de 1969 " Popcorn " escrito por Gershon Kingsley para Music To Moog By se convirtió en un éxito mundial debido a la versión de 1972 hecha por Hot Butter . ^{[146] [147]}

El sintetizador Moog se popularizó en 1968 gracias a Switched-On Bach , un álbum de gran éxito de ventas con composiciones de Bach arregladas para sintetizador Moog por la compositora estadounidense Wendy Carlos . El álbum alcanzó un éxito crítico y comercial, ganando los premios Grammy de 1970 al Mejor Álbum Clásico , Mejor Interpretación Clásica - Solista Instrumental o Solistas (Con o Sin Orquesta) y Mejor Ingeniería de Grabación Clásica .

En 1969, David Borden formó el primer conjunto de sintetizadores del mundo llamado Mother Mallard's Portable Masterpiece Company en Ithaca, Nueva York. ^[148]

A finales de los años 1960, el sintetizador Moog tomó un lugar destacado en el sonido del rock progresivo emergente, con bandas como Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer y Genesis haciéndolos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Cluster , Can , Neu! y Faust sortear la barrera del idioma. ^{[149] Su "} krautrock " con sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el tecladista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . ^[150]

El dub ambiental fue creado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos, que utilizaban electrónica ambiental inspirada en los DJ , con cortes, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de música del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. ^[151] También se utilizaron técnicas como un retardo de eco largo. ^[152] Otros artistas notables dentro del género incluyen a Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground . ^[153]

La música dub influyó en las técnicas musicales electrónicas que luego adoptó la música hip hop cuando el inmigrante jamaiquino DJ Kool Herc a principios de la década de 1970 introdujo la cultura del sound system de Jamaica y las técnicas de la música dub en Estados Unidos. Una de esas técnicas que se hizo popular en la cultura hip hop fue tocar dos copias del mismo disco en dos tocadiscos de forma alternada, ampliando la sección favorita de los b-dancers . ^[154] El tocadiscos finalmente se convirtió en el instrumento musical electrónico más visible, y ocasionalmente el más virtuoso , en las décadas de 1980 y 1990. ^[135]

El rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluyendo Electric Samurai: Switched on Rock (1972) de Isao Tomita , que incluía interpretaciones de canciones pop y rock contemporáneas con sintetizadores Moog, ^[155] y el álbum de rock progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima . ^[156] A mediados de la década de 1970, surgieron músicos de música electrónica de arte como Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita y Klaus Schulze, que fueron influencias significativas en el desarrollo de la música new-age . ^[151] El atractivo de alta tecnología de estas obras creó durante algunos años la tendencia de enumerar el equipo musical electrónico empleado en las carátulas de los álbumes, como una característica distintiva. La música electrónica comenzó a entrar regularmente en la programación de radio y en las listas de éxitos, como la banda francesa Space con su álbum de estudio debut Magic Fly ^[157] o Jarre con Oxygène . ^[158] Entre 1977 y 1981, Kraftwerk publicó álbumes como Trans-Europe Express , The Man-Machine o Computer World , que influyeron en subgéneros de la música electrónica. ^[159]

En esta era, el sonido de músicos de rock como Mike Oldfield y The Alan Parsons Project (a quien se le atribuye la primera canción de rock en presentar un vocoder digital en 1975, The Raven ) solía ser arreglado y mezclado con efectos electrónicos y/o música también, lo que se volvió mucho más prominente a mediados de la década de 1980. Jeff Wayne logró un éxito duradero ^[160] con su versión musical de rock electrónico de 1978 de The War of the Worlds .

Las bandas sonoras de películas también se benefician del sonido electrónico. Durante los años 1970 y 1980, Wendy Carlos compuso la banda sonora de La naranja mecánica , El resplandor y Tron . ^[161] En 1977, Gene Page grabó una versión disco del tema de éxito de John Williams de la película de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase . La versión de Page alcanzó su punto máximo en la lista de R&B en el puesto número 30. ^{[ cita requerida ]} La banda sonora de la película de 1978 Expreso de medianoche compuesta por el pionero de los sintetizadores italiano Giorgio Moroder ganó el Premio de la Academia a la mejor banda sonora original en 1979 , al igual que lo hizo de nuevo en 1981 la banda sonora de Vangelis para Carros de fuego . ^[162] Después de la llegada del punk rock , surgió una forma de rock electrónico básico, que utiliza cada vez más nueva tecnología digital para reemplazar otros instrumentos. El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena punk de Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un híbrido entre electrónica y punk en su álbum homónimo de 1977. ^[163]

Entre las bandas pioneras del synth-pop que disfrutaron del éxito durante años se encuentra Ultravox con su tema de 1977 "Hiroshima Mon Amour" en Ha!-Ha!-Ha! , ^[164] Yellow Magic Orchestra con su álbum homónimo (1978), The Buggles con su destacado sencillo debut de 1979 Video Killed the Radio Star , ^[165] Gary Numan con su álbum debut en solitario The Pleasure Principle y el sencillo Cars en 1979, ^[166] Orchestral Manoeuvres in the Dark con su sencillo de 1979 Electricity que aparece en su álbum debut homónimo , ^{[167] [168]} Depeche Mode con su primer sencillo Dreaming of Me grabado en 1980 y lanzado en el álbum de 1981 Speak & Spell , ^[169] A Flock of Seagulls con su sencillo de 1981 Talking , ^[170] New Order con Ceremony ^[171] en 1981, y The Human League con su éxito de 1981 Don't You Want Me de su tercer álbum Dare . ^[172]

La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital hicieron que el desarrollo de sonidos puramente electrónicos fuera mucho más fácil, ^[173] con ingenieros de audio , productores y compositores explorando con frecuencia las posibilidades de prácticamente cada nuevo modelo de equipo de sonido electrónico lanzado por los fabricantes. El synth-pop a veces usaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, pero era más común que las bandas tuvieran uno o más teclistas en sus formaciones junto con guitarristas, bajistas y/o bateristas. Estos desarrollos llevaron al crecimiento del synth-pop, que después de ser adoptado por el movimiento New Romantic , permitió que los sintetizadores dominaran la música pop y rock de principios de la década de 1980 hasta que el estilo comenzó a caer en popularidad a mediados y finales de la década. ^[172] Junto con los pioneros exitosos antes mencionados, los actos clave incluyeron a Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan y Eurythmics .

El synth-pop se ha extendido por todo el mundo, con éxitos internacionales de artistas como Men Without Hats , Trans-X y Lime de Canadá, Telex de Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda y Alphaville de Alemania, Yello de Suiza y Azul y Negro de España. Además, el sonido sintetizado es una característica clave del italo-disco .

Algunas bandas de synth-pop crearon estilos visuales futuristas de sí mismos para reforzar la idea de que los sonidos electrónicos estaban vinculados principalmente con la tecnología, como los estadounidenses Devo y los españoles Aviador Dro .

Los sintetizadores de teclado se volvieron tan comunes que incluso las bandas de rock heavy metal , un género a menudo considerado como opuesto en estética, sonido y estilo de vida al de los artistas pop electrónicos por los fanáticos de ambos lados, alcanzaron el éxito mundial con temas como 1983 Jump ^[174] de Van Halen y 1986 The Final Countdown ^[175] de Europe , que presentan sintetizadores de manera prominente.

Elektronmusikstudion  ^[sv] (EMS), anteriormente conocido como Electroacoustic Music in Sweden, es el centro nacional sueco de música electrónica y arte sonoro . La organización de investigación comenzó en 1964 y tiene su sede en Estocolmo.

STEIM (1969-2021) fue un centro de investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales en las artes escénicas electrónicas, ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. Fue fundado por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen  ^[nl] , Reinbert de Leeuw y Konrad Boehmer . Este grupo de compositores holandeses había luchado por la reforma de las estructuras musicales feudales de Ámsterdam; insistieron en el nombramiento de Bruno Maderna como director musical de la Orquesta del Concertgebouw e hicieron cumplir las primeras financiaciones públicas para la música electrónica experimental e improvisada en los Países Bajos. De 1981 a 2008, Michel Waisvisz fue director artístico, y sus instrumentos electrónicos en vivo como Cracklebox o The Hands inspiraron a artistas internacionales a trabajar en STEIM, que acogió un programa de residencia desde 1992.

El IRCAM de París se convirtió en un importante centro de investigación de música por ordenador y en la realización y desarrollo del sistema informático Sogitec 4X ^[176] , que en aquel momento ofrecía un procesamiento de señales digitales en tiempo real revolucionario. En Répons (1981) de Pierre Boulez para 24 músicos y 6 solistas se utilizó el 4X para transformar y enviar a los solistas a un sistema de altavoces.

Barry Vercoe describe una de sus experiencias con los primeros sonidos de computadora:

En 1982, en el IRCAM de París, el flautista Larry Beauregard había conectado su flauta al procesador de audio 4X de DiGiugno , lo que le permitió seguir el tono en tiempo real. En un Guggenheim de la época, amplié este concepto al seguimiento de la partitura en tiempo real con acompañamiento sincronizado automático y, durante los dos años siguientes, Larry y yo hicimos numerosas demostraciones del ordenador como músico de cámara, tocando sonatas para flauta de Handel , la Sonatina de Boulez para flauta y piano y, en 1984, mi propio Synapse II para flauta y ordenador, la primera pieza jamás compuesta expresamente para una configuración de este tipo. Un gran desafío fue encontrar las construcciones de software adecuadas para soportar un acompañamiento altamente sensible y receptivo. Todo esto fue anterior al MIDI, pero los resultados fueron impresionantes a pesar de que fuertes dosis de tempo rubato sorprendían continuamente a mi Synthetic Performer . En 1985, resolvimos el problema del tempo rubato incorporando el aprendizaje de los ensayos (cada vez que tocabas de esta manera, la máquina mejoraba). También estábamos haciendo un seguimiento del violín, ya que nuestro brillante y joven flautista había contraído un cáncer fatal. Además, esta versión utilizaba un nuevo estándar llamado MIDI, y en esto conté con la hábil ayuda de mi ex alumno Miller Puckette, cuyos conceptos iniciales para esta tarea luego amplió en un programa llamado MAX . ^[178]

Lanzado en 1970 por Moog Music , el Mini-Moog fue uno de los primeros sintetizadores portátiles, relativamente asequibles y ampliamente disponibles. En su momento se convirtió en el sintetizador más utilizado en la música popular y electrónica. ^[179] Patrick Gleeson , que tocó en vivo con Herbie Hancock a principios de la década de 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores en un contexto de gira, donde estaban sujetos a tensiones para las que las primeras máquinas no estaban diseñadas. ^{[180] [181]}

En 1974, el estudio WDR de Colonia adquirió un sintetizador EMS Synthi 100 , que muchos compositores utilizaron para producir notables obras electrónicas, entre ellas Fünf deutsche Tänze (1975) de Rolf Gehlhaar , Sirius (1975-1976) de Karlheinz Stockhausen y Pulse Music III (1978) de John McGuire . ^[182]

Gracias a la miniaturización de la electrónica en la década de 1970, a principios de la década de 1980 los sintetizadores de teclado se volvieron más ligeros y asequibles, integrando en una única y delgada unidad toda la electrónica de síntesis de audio necesaria y el propio teclado estilo piano, en marcado contraste con la maquinaria voluminosa y el " enredo de cables " empleado a lo largo de las décadas de 1960 y 1970. Primero con los sintetizadores analógicos, la tendencia siguió también con los sintetizadores digitales y samplers (ver más abajo).

En 1975, la empresa japonesa Yamaha licenció los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning , quien había experimentado con él en la Universidad de Stanford desde 1971. ^{[183] ​​[184]} Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en un sintetizador digital, añadiendo mejoras como el método de "escalado de clave" para evitar la introducción de distorsión que normalmente ocurría en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia . ^[185]

En 1980, Yamaha finalmente lanzó el primer sintetizador digital FM, el Yamaha GS-1, pero a un precio caro. ^[186] En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX7 , que también usaba síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. ^[183] ​​El DX7 era conocido por sus tonalidades brillantes reconocibles que se debían en parte a una frecuencia de muestreo de 57 kHz que superaba las expectativas . ^[187]

El Korg Poly-800 es un sintetizador lanzado por Korg en 1983. Su precio inicial de lista de $795 lo convirtió en el primer sintetizador completamente programable que se vendió por menos de $1000. Tenía polifonía de 8 voces con un oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.

El Casio CZ-101 fue el primer sintetizador de distorsión de fase de la línea Casio CZ y el más vendido . Lanzado en noviembre de 1984, fue uno de los primeros (si no el primero) sintetizadores polifónicos totalmente programables que estuvo disponible por menos de $500.

El Roland D-50 es un sintetizador digital producido por Roland y lanzado en abril de 1987. Entre sus características se incluyen síntesis sustractiva , efectos integrados, un joystick para manipulación de datos y un diseño de diseño similar al de la síntesis analógica. El programador externo Roland PG-1000 (1987-1990) también se podía conectar al D-50 para una manipulación más compleja de sus sonidos.

Un sampler es un instrumento musical electrónico o digital que utiliza grabaciones de sonido (o " muestras ") de sonidos de instrumentos reales (por ejemplo, un piano, un violín o una trompeta), extractos de canciones grabadas (por ejemplo, un riff de bajo de cinco segundos de una canción funk ) o sonidos encontrados (por ejemplo, sirenas y olas del mar). Las muestras son cargadas o grabadas por el usuario o por un fabricante. Estos sonidos luego se reproducen utilizando el propio programa sampler, un teclado MIDI , un secuenciador u otro dispositivo de activación (por ejemplo, una batería electrónica ) para interpretar o componer música. Debido a que estas muestras generalmente se almacenan en la memoria digital, se puede acceder rápidamente a la información. A menudo, una sola muestra puede cambiar de tono a diferentes tonos para producir escalas musicales y acordes .

Antes de los samplers basados ​​en memoria de computadora, los músicos usaban teclados de reproducción de cinta, que almacenaban grabaciones en cinta analógica. Cuando se presionaba una tecla, el cabezal de la cinta entraba en contacto con la cinta en movimiento y reproducía un sonido. El mellotron fue el modelo más notable, utilizado por muchos grupos a fines de la década de 1960 y en la de 1970, pero estos sistemas eran caros y pesados ​​debido a los múltiples mecanismos de cinta involucrados, y el rango del instrumento estaba limitado a tres octavas como máximo. Para cambiar los sonidos, se debía instalar un nuevo juego de cintas en el instrumento. La aparición del sampler digital hizo que el muestreo fuera mucho más práctico.

El primer muestreo digital se realizó en el sistema EMS Musys, desarrollado por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interfaz) y Peter Zinovieff (diseño y operación del sistema) en su estudio de Londres (Putney) alrededor de 1969.

El primer sintetizador de muestreo disponible comercialmente fue el Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).

Lanzado por primera vez en 1977-1978, ^[188] el Synclavier I , que utilizaba síntesis FM , licenciado nuevamente por Yamaha , ^[189] y vendido principalmente a universidades, demostró ser muy influyente entre los compositores y productores de música electrónica, incluido Mike Thorne , uno de los primeros en adoptarlo en el mundo comercial, debido a su versatilidad, su tecnología de vanguardia y sus sonidos distintivos.

El primer sintetizador de muestreo digital polifónico fue el Fairlight CMI , fabricado en Australia , disponible por primera vez en 1979. Estos primeros sintetizadores de muestreo utilizaban síntesis basada en muestras de tabla de ondas . ^[190]

En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudieran usar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y computadoras. Este estándar se denominó Interfaz digital de instrumentos musicales ( MIDI ) y fue el resultado de una colaboración entre los principales fabricantes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland —y más tarde, otros participantes que incluían a Yamaha , Korg y Kawai . ^[191] Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Sociedad de ingeniería de audio en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.

La tecnología MIDI permite que con una sola pulsación de tecla, un movimiento de rueda de control, un movimiento de pedal o un comando desde un microordenador se activen todos los dispositivos del estudio de forma remota y sincronizada, y cada dispositivo responda según las condiciones predeterminadas por el compositor.

Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control potente de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios y particulares. Los sonidos acústicos se reintegraron a los estudios a través del muestreo y de instrumentos basados ​​en ROM muestreados.

Miller Puckette desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews ) y más tarde lo adaptó a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode ) ^[192] para control MIDI en tiempo real, brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con conocimientos modestos de programación informática.

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A principios de la década de 1980 se produjo el auge de los sintetizadores de bajo , siendo el más influyente el Roland TB-303 , un sintetizador de bajo y secuenciador lanzado a finales de 1981 que más tarde se convirtió en un elemento fijo en la música electrónica de baile , ^[193] particularmente el acid house . ^[194] Uno de los primeros en usarlo fue Charanjit Singh en 1982, aunque no se popularizaría hasta " Acid Tracks " de Phuture en 1987. ^[194] Los secuenciadores musicales comenzaron a usarse alrededor de mediados del siglo XX, y los álbumes de Tomita a mediados de la década de 1970 son ejemplos posteriores. ^[155] En 1978, Yellow Magic Orchestra estaba usando tecnología basada en computadora junto con un sintetizador para producir música popular, ^[195] haciendo su uso temprano del secuenciador Roland MC-8 Microcomposer basado en microprocesador . ^{[196] [197] [ verificación fallida ]}

Las cajas de ritmos , también conocidas como máquinas de ritmo, también comenzaron a usarse alrededor de fines de la década de 1950, y un ejemplo posterior fue el álbum de rock progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima , que usaba una caja de ritmos junto con tambores electrónicos y un sintetizador. ^[156] En 1977, " Hiroshima Mon Amour " de Ultravox fue uno de los primeros sencillos en usar la percusión similar a un metrónomo de una caja de ritmos Roland TR-77 . ^[164] En 1980, Roland Corporation lanzó la TR-808 , una de las primeras y más populares cajas de ritmos programables . La primera banda en utilizarlo fue Yellow Magic Orchestra en 1980, y más tarde ganaría gran popularidad con el lanzamiento de " Sexual Healing " de Marvin Gaye y " Planet Rock " de Afrika Bambaataa en 1982. ^[198] El TR-808 fue una herramienta fundamental en la escena techno de Detroit de finales de los 80, y fue la caja de ritmos elegida por Derrick May y Juan Atkins . ^[199]

El sonido lo-fi característico de la música chip fue inicialmente el resultado de las limitaciones técnicas de los primeros chips y tarjetas de sonido de las computadoras ; sin embargo, desde entonces el sonido se ha vuelto muy buscado por derecho propio.

Los chips de sonido baratos y populares de los primeros ordenadores domésticos de la década de 1980 incluyen el SID de las series Commodore 64 y General Instrument AY y clones (como el Yamaha YM2149) utilizados en los modelos ZX Spectrum , Amstrad CPC , MSX compatibles y Atari ST , entre otros.

El synth-pop continuó hasta finales de la década de 1980, con un formato que se acercaba más a la música de baile, incluyendo el trabajo de artistas como los dúos británicos Pet Shop Boys , Erasure y The Communards , logrando éxito durante gran parte de la década de 1990.

La tendencia ha continuado hasta el día de hoy con clubes nocturnos modernos en todo el mundo que tocan regularmente música electrónica de baile (EDM). Hoy en día, la música electrónica de baile tiene estaciones de radio, ^[200] sitios web, ^[201] y publicaciones como Mixmag dedicadas exclusivamente al género. A pesar del intento de la industria de crear una marca específica de EDM, el acrónimo sigue en uso como un término general para múltiples géneros, incluidos dance-pop , house , techno , electro y trance , así como sus respectivos subgéneros. ^{[202] [203] [204]} Además, el género ha encontrado importancia comercial y cultural en los Estados Unidos y América del Norte, gracias al sonido big room house /EDM tremendamente popular que se ha incorporado a la música pop estadounidense ^{[205] y el auge de} raves comerciales a gran escala como Electric Daisy Carnival , Tomorrowland y Ultra Music Festival .

Por otra parte, un amplio grupo de estilos musicales basados ​​en la electrónica destinados a ser escuchados más que estrictamente para ser bailados se hicieron conocidos bajo el paraguas de la " electrónica " ^{[206] [207]} que también fue una escena musical a principios de los años 1990 en el Reino Unido. ^[207] Según un artículo de Billboard de 1997 , "la unión de la comunidad de clubes y los sellos independientes " proporcionó el entorno experimental y de tendencia en el que los actos de electrónica se desarrollaron y finalmente llegaron a la corriente principal, citando sellos estadounidenses como Astralwerks ( Chemical Brothers , Fatboy Slim , Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ), Sims , Daft Punk y City of Angels ( Crystal Method ) por popularizar la última versión de la música electrónica. ^{[ cita requerida ]}

La categoría "electrónica indie" (o "indietronica") ^[208] se ha utilizado para referirse a una ola de grupos con raíces en el rock independiente que adoptaron elementos electrónicos (como sintetizadores, samplers, cajas de ritmos y programas informáticos) e influencias como la composición electrónica temprana, el krautrock, el synth-pop y la música de baile. ^[209] Las grabaciones se realizan habitualmente en ordenadores portátiles utilizando estaciones de trabajo de audio digital . ^[208]

La primera ola de artistas electrónicos independientes comenzó en la década de 1990 con grupos como Stereolab (que usaba equipos antiguos) y Disco Inferno (que adoptó la tecnología de muestreo moderna), y el género se expandió en la década de 2000 cuando la grabación casera y los sintetizadores de software se volvieron de uso común. ^[209] Otros grupos incluyeron a Broadcast , Lali Puna , Múm , The Postal Service , Skeletons y School of Seven Bells . ^[209] Los sellos independientes asociados con el estilo incluyen a Warp , Morr Music , Sub Pop y Ghostly International . ^[209]

A medida que la tecnología informática se ha vuelto más accesible y el software musical ha avanzado, ahora es posible interactuar con la tecnología de producción musical utilizando medios que no tienen relación con las prácticas de interpretación musical tradicionales : ^[210] por ejemplo, la interpretación con computadora portátil ( laptronica ), ^[211] la codificación en vivo ^{[212] [213]} y Algorave . En general, el término Live PA se refiere a cualquier interpretación en vivo de música electrónica, ya sea con computadoras portátiles, sintetizadores u otros dispositivos.

A partir del año 2000, aparecieron algunos entornos de estudio virtuales basados ​​en software, y productos como Reason y Ableton Live de Propellerhead se hicieron populares. ^[214] Estas herramientas proporcionan alternativas viables y rentables a los estudios de producción basados ​​en hardware típicos y, gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una computadora portátil. Estos avances han democratizado la creación musical, ^[215] lo que ha llevado a un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet. Los instrumentos basados ​​en software y las unidades de efectos (los llamados "plugins") se pueden incorporar en un estudio basado en computadora utilizando la plataforma VST. Algunos de estos instrumentos son réplicas más o menos exactas del hardware existente (como el Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 o Korg M1). ^{[ cita requerida ]}

El circuit bending es la modificación de juguetes y sintetizadores que funcionan con baterías para crear nuevos efectos de sonido no deseados. Reed Ghazala fue el pionero de esta técnica en la década de 1960 y Reed acuñó el nombre de "circuit bending" en 1992. ^[216]

Siguiendo la cultura del circuit bending, los músicos también comenzaron a construir sus propios sintetizadores modulares, lo que provocó un renovado interés en los diseños de principios de los años 1960. El Eurorack se convirtió en un sistema popular.

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• Medios relacionados con Música electrónica en Wikimedia Commons
• Historia de la música electroacústica – Cronología Archivado el 26 de junio de 2010 en Wayback Machine
• Fundación de Música Electrónica
• Historia y desarrollo de la música electrónica Archivado el 24 de octubre de 2020 en Wayback Machine.