La electrónica en la música rock
Uso de instrumentos electrónicos en la música rock
Un mellotrón , una forma temprana de sampler musical, ampliamente utilizado a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970.
Música electrónica
Formas experimentales
Estilos populares
Otros temas

El uso de la tecnología de la música electrónica en la música rock coincidió con la disponibilidad práctica de instrumentos musicales electrónicos y el surgimiento del género como un estilo diferenciado. La música rock ha dependido en gran medida de los avances tecnológicos, en particular la invención y el perfeccionamiento del sintetizador, el desarrollo del formato digital MIDI y la tecnología informática.

A finales de los años 1960, los músicos de rock comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el mellotron , para complementar y definir su sonido; a finales de la década, el sintetizador Moog tomó un lugar destacado en el sonido de las bandas emergentes de rock progresivo que dominarían el rock a principios de los años 1970. En los años 1980, el synthpop con una orientación más comercial dominó el rock electrónico. En el nuevo milenio, la difusión del software de grabación condujo al desarrollo de nuevos géneros distintos, entre ellos el electroclash , el dance-punk y el new rave .

Tecnología

El primer sintetizador Moog comercial, encargado por el Alwin Nikolais Dance Theater de Nueva York en 1964

Los experimentos en manipulación de cintas o música concreta , la música por ordenador y las primeras tecnologías de muestreo y manipulación del sonido allanaron el camino tanto para manipular como para crear nuevos sonidos a través de la tecnología. La primera computadora del mundo en reproducir música fue CSIRAC en 1950-1, diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard y programada por el matemático Geoff Hill. [1] [2] Los primeros instrumentos electrónicos incluyeron el theremin , que utiliza dos antenas de metal que detectan la posición de las manos de un intérprete y controlan osciladores de frecuencia con una mano y amplitud (volumen) para producir un sonido inquietante pero difícil de manipular. Fue utilizado por músicos de vanguardia y clásicos a principios del siglo XX y se utilizó en una gran cantidad de películas de ciencia ficción y suspenso de las décadas de 1940 y 1950. [3]

Los sintetizadores musicales electrónicos que podían usarse prácticamente en un estudio de grabación estuvieron disponibles a mediados de la década de 1960, casi al mismo tiempo que la música rock comenzó a surgir como un género musical distinto. [4] El Mellotron , un teclado electromecánico de reproducción de muestras polifónicas , que usaba un banco de tiras de cinta de audio magnéticas lineales paralelas para producir una variedad de sonidos, gozó de popularidad desde mediados de la década de 1960. [5] La popularidad inicial del Mellotron sería superada por el sintetizador Moog , creado por Robert Moog en 1964, que producía sonidos generados completamente electrónicamente que podían manipularse por tono y frecuencia, lo que permitía la "flexión" de notas y la expresión de una considerable variedad y virtuosismo musical. El primer sintetizador comercial Moog era grande y difícil de manipular, pero en 1970 Moog respondió a su uso en la música rock y pop lanzando el portátil Mini-moog , que era mucho más simple, más fácil de usar y resultó más práctico para presentaciones en vivo. [6] Los primeros sintetizadores eran monofónicos (sólo podían reproducir una nota a la vez), pero las versiones polifónicas comenzaron a producirse a partir de mediados de la década de 1970, siendo una de las primeras el Prophet-5 . [7]

MIDI (Musical Instrument Digital Interface) fue creado en 1982, como un protocolo estándar de la industria que permite a los instrumentos musicales electrónicos ( sintetizadores , cajas de ritmos ), computadoras y otros equipos electrónicos ( controladores MIDI , tarjetas de sonido , samplers ) comunicarse y sincronizarse entre sí. A diferencia de los dispositivos analógicos anteriores , MIDI no transmite una señal de audio , sino que envía mensajes de eventos sobre tono e intensidad, señales de control para parámetros como volumen, vibrato y paneo , señales de referencia y señales de reloj para establecer el tempo , lo que permite la construcción de música más compleja y la integración de diferentes dispositivos. [8]

En el nuevo milenio, a medida que la tecnología informática se vuelve más accesible y el software musical ha avanzado, interactuar con la tecnología de producción musical ahora es posible utilizando medios que no tienen relación con las prácticas tradicionales de interpretación musical : [9] por ejemplo, la interpretación con computadora portátil ( laptronica ) [10] y la codificación en vivo . [11] En la última década han surgido varios entornos de estudio virtuales basados ​​en software, con productos como Reason de Propellerhead , Ableton Live y Native Instruments Reaktor que encuentran un atractivo generalizado. [12] Estas herramientas brindan alternativas viables y rentables a los estudios de producción típicos basados ​​en hardware y, gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. Estos avances se han visto como una democratización de la creación musical, [13] lo que ha llevado a un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet. [10]

Historia

Década de 1960

Mike Pinder de Moody Blues , pionero del rock electrónico, en 1974

Uno de los primeros compositores en utilizar instrumentos electrónicos en la música popular fue Joe Meek con el álbum I Hear A New World (grabado en 1959, pero no lanzado completamente hasta 1991), [14] y la canción de 1962 " Telstar ", grabada originalmente por The Tornados . [15] La década de 1960 vio la utilización de técnicas de estudio y nuevas tecnologías para lograr sonidos inusuales y nuevos. Se desarrollan pequeños pedales de guitarra y varios efectos de guitarra que distorsionan o alteran la calidad del sonido de la guitarra eléctrica de varias maneras. [16] El mellotron fue utilizado por el multiinstrumentista Graham Bond a partir de 1965 [17] y pronto adoptado por Mike Pinder de The Moody Blues a partir de 1966 en canciones como " Nights In White Satin " y por The Beatles de " Strawberry Fields Forever " (1967). [18] Ian McDonald de King Crimson , Rick Wakeman de Yes y Tony Banks de Genesis también se convirtieron en importantes usuarios del Mellotron en esta época, infundiendo los sonidos de violín, violonchelo, metales, flauta y coro como una textura importante en la música de sus respectivas bandas. [19]

La canción de los Beach Boys " I Just Wasn't Made for These Times " de Pet Sounds (1966) fue el primer uso registrado de un Electro-Theremin en un álbum de rock, y el primer álbum de rock en incorporar un instrumento similar al Theremin . [20] [21] A finales de los años 60 también se popularizó el sintetizador Moog . El álbum de The Doors de 1967, Strange Days , también presentaría un Moog en varias pistas, tocado por Paul Beaver . [22] Micky Dolenz de The Monkees compró uno de los primeros sintetizadores Moog y la banda fue la tercera en presentarlo en un álbum (detrás de The Zodiac: Cosmic Sounds y Strange Days ) con Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. en 1967, que alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos. [23] Switched-On Bach (1968) de Wendy Carlos , grabado con un Moog, influyó en numerosos músicos de esa época y es una de las grabaciones de música clásica más populares jamás realizadas. [24] El sonido del Moog también llegó al mercado masivo con Bookends de Simon y Garfunkel en 1968 [25] y Abbey Road de The Beatles (1969). [26]

Década de 1970

Keith Emerson actuando en San Petersburgo en 2008

Músicos de rock progresivo como Richard Wright de Pink Floyd y Rick Wakeman de Yes pronto utilizaron ampliamente los nuevos sintetizadores portátiles. Otros usuarios tempranos fueron Keith Emerson de Emerson , Lake & Palmer , Pete Townshend , Electric Light Orchestra , Genesis , Return to Forever y Weather Report . El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Faust y Klaus Schulze sortear la barrera del idioma. [27] Su " Kraut rock " con sintetizadores pesados , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el tecladista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior. [28] En 1972, el músico de jazz Stan Free , bajo el seudónimo de Hot Butter , tuvo un éxito top 10 en los Estados Unidos y el Reino Unido con una versión de la canción de Gershon Kingsley de 1969 " Popcorn ". Se considera un precursor del synth pop debido al uso del sintetizador Moog . [29] El mismo año, el músico japonés Isao Tomita lanzó el álbum electrónico Electric Samurai: Switched on Rock , una colección de interpretaciones de canciones de rock contemporáneo con sintetizador Moog. Presentaba síntesis de voz y programación de sintetizador que luego trasladaría a su exitoso álbum de 1974 Snowflakes Are Dancing . Su trabajo fue considerado una revolución en la programación de sintetizadores. [30] El álbum de rock psicodélico progresivo de 1974 de Osamu Kitajima Benzaiten , con Haruomi Hosono , utilizó un sintetizador, una máquina de ritmo y una batería electrónica . [31] [ ¿Importancia del ejemplo(s)? ] A mediados de la década de 1970, surgieron músicos de arte electrónico como Jean Michel Jarre , Vangelis y Tomita , quienes junto con Brian Eno fueron una influencia significativa en el desarrollo de la música new-age . [32]

Los sintetizadores no fueron bien recibidos por todos los músicos de rock en los años 1970. Algunas bandas, incluida Queen , declararon en las notas de sus álbumes que no usaban sintetizadores. [33] De manera similar, el punk rock temprano basado en la guitarra fue inicialmente hostil al sonido "inauténtico" del sintetizador, [34] pero muchas bandas de new wave y post-punk que surgieron del movimiento comenzaron a adoptarlo como una parte importante de su sonido. [35] El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena post-punk en Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un extraño híbrido entre electrónica y post punk en su álbum homónimo de 1977. [36] Junto con las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , pasaron a utilizar una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial para producir música industrial . [37]

En abril de 1977, Izitso de Cat Stevens actualizó su estilo pop rock y folk rock con el uso extensivo de sintetizadores, [38] dándole un estilo más synthpop ; [39] "Was Dog a Doughnut" en particular fue una de las primeras pistas de fusión techno-pop, [40] que hizo un uso temprano de un secuenciador de música . [41] 1977 también fue el año en que el miembro de Ultravox Warren Cann compró una caja de ritmos Roland TR-77 , que apareció por primera vez en su lanzamiento del sencillo de octubre de 1977 " Hiroshima Mon Amour ". El arreglo de balada, la percusión tipo metrónomo y el uso intensivo del sintetizador ARP Odyssey fue un intento temprano de fusionar el rock tradicional con la nueva tecnología musical. [42] La banda japonesa Yellow Magic Orchestra fue pionera en el synthpop con su álbum homónimo (1978) y Solid State Survivor (1979), [43] este último incluía varias de las primeras canciones de rock computerizadas, [44] [45] como una versión mecanizada de « Day Tripper » de The Beatles (1965). [44] También en 1978, la primera encarnación de The Human League lanzó su sencillo debut « Being Boiled » y Devo se movió hacia un sonido más electrónico. [ importancia del(los) ejemplo(s)? ] Otros pronto seguirían su ejemplo, incluyendo Tubeway Army , un grupo poco conocido del oeste de Londres, que abandonó su imagen de punk rock y se subió al carro de la banda, encabezando las listas de éxitos del Reino Unido en el verano de 1979 con el sencillo « Are Friends Electric? ». Esto impulsó al cantante Gary Numan a lanzarse como solista y en el mismo año lanzó el álbum inspirado en Kraftwerk, The Pleasure Principle y encabezó las listas por segunda vez con el sencillo " Cars ". [46] [ ¿importancia del ejemplo(s)? ]

Década de 1980

Depeche Mode en concierto en el O2 Arena de Londres , 2009

La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital hicieron que la creación de sonidos puramente electrónicos fuera mucho más fácil. [47] Esto condujo al crecimiento del synthpop , por el cual, particularmente a través de su adopción por el movimiento New Romantic , los sintetizadores llegaron a dominar la música pop y rock de principios de los 80. [48] El sonido inicial del synthpop era "espeluznante, estéril y vagamente amenazante", pero bandas más orientadas comercialmente como Duran Duran adoptaron ritmos de baile para producir un sonido más pegadizo y cálido. [48] Pronto fueron seguidos en las listas por una gran cantidad de bandas que usaron sintetizadores para crear sencillos pop de tres minutos. Estos incluían nuevos románticos que combinaban elementos de glam rock , ciencia ficción y romanticismo , y adoptaban un estilo visual elaborado como Spandau Ballet , A Flock of Seagulls , Culture Club , ABC , Soft Cell , Talk Talk , B-Movie y Eurythmics , a veces usando sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, [49] hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados de la década de 1980. [48]

Década de 1990

Un hombre sentado frente a un campo de rocas escarpadas.
Trent Reznor de Nine Inch Nails en 2008

En los años 90, muchos grupos electrónicos aplicaron sensibilidades de rock a su música en un género que se conoció como big beat. Fusionó "breakbeats de fiesta de la vieja escuela" con diversos samples, de una manera que recordaba al hip hop de la vieja escuela . El big beat fue criticado por embrutecer la ola de electrónica de finales de los años 90. Este sonido fue popularizado por grupos británicos como Fatboy Slim , The Prodigy y The Chemical Brothers y de los EE. UU. The Crystal Method , Überzone y Lunatic Calm . [50]

Este período también vio el surgimiento de artistas que combinaban el rock industrial y el metal. Ministry y Nine Inch Nails grabaron álbumes que obtuvieron discos de platino . [51] [52] Su éxito llevó a la atención general de otros músicos industriales; incluidos Foetus y Coil . La mitad de los 90 fue un punto culminante para el rock industrial, cuando, además de bandas que habían existido desde la década de 1980, como KMFDM , surgieron bandas más nuevas como Gravity Kills como actos comerciales. [53]

Década de 2000

Gaspard Augé y Xavier de Rosnay de Justicia en 2007

En la década de 2000, con la mayor accesibilidad de la tecnología informática y los avances en el software musical , se hizo posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil . [10] Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión, [54] y nuevas formas de interpretación como laptronica [10] y la codificación en vivo . [11] Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes, como con el álbum Year Zero (2007) del grupo de rock industrial Nine Inch Nails , [51] y mediante el desarrollo de géneros que mezclaban el rock con técnicas y sonidos digitales, incluidos indietronica, electroclash, dance-punk y new rave.

La indietrónica, que había comenzado a principios de los 90 con bandas como Stereolab y Disco Inferno , despegó en el nuevo milenio a medida que se desarrollaba la nueva tecnología digital, con actos como Broadcast del Reino Unido, Justice de Francia, Lali Puna de Alemania y The Postal Service y Ratatat de los EE. UU., mezclando una variedad de sonidos indie con música electrónica, en gran parte producida en pequeños sellos independientes. [55] [56] El subgénero Electroclash comenzó en Nueva York a fines de la década de 1990, combinando synth pop, techno, punk y performance art. Fue iniciado por IF con su tema "Space Invaders Are Smoking Grass" (1998), [57] y seguido por artistas como Felix da Housecat , [58] Peaches , Chicks on Speed ​​[59] y Fischerspooner . [60] Inicialmente, algunos periodistas etiquetaron a Ladytron como electroclash, [61] pero rechazaron esta etiqueta. [62] [63] Ganó atención internacional al comienzo del nuevo milenio y se extendió a escenas en Londres y Berlín, pero rápidamente se desvaneció como un género reconocible. [64] El dance-punk, mezclando sonidos post-punk con disco y funk , se había desarrollado en la década de 1980, pero revivió entre algunas bandas del resurgimiento del garage rock/post-punk en los primeros años del nuevo milenio, particularmente entre actos de Nueva York como LCD Soundsystem , Liars , The Rapture y Radio 4 , a los que se unieron actos orientados al baile que adoptaron sonidos de rock como Out Hud . [65] En Gran Bretaña, la combinación de indie con dance-punk se denominó new rave en la publicidad de Klaxons y el término fue recogido y aplicado por NME a bandas [66] incluyendo Trash Fashion , [67] New Young Pony Club , [68] Hadouken! , Late of the Pier , Test Icicles [69] y Shitdisco [66] , formando una escena con una estética visual similar a la música rave anterior . [66] [70]

Ladytron en 2008, originalmente categorizado como electroclash, ayudó a revivir el interés en el synthpop.

El renovado interés por la música electrónica y la nostalgia por la década de 1980 llevaron a los inicios de un renacimiento del synthpop, con artistas como Adult y Fischerspooner . En 2003-4 comenzó a entrar en la corriente principal con Ladytron , The Postal Service , Cut Copy , The Bravery y The Killers, todos produciendo discos que incorporaban sonidos y estilos de sintetizadores antiguos que contrastaban con los sonidos dominantes del post-grunge y el nu-metal . En particular, The Killers disfrutaron de una considerable difusión y exposición y su álbum debut Hot Fuss (2004) llegó al Top Ten de Billboard. [71] The Killers, The Bravery y The Stills dejaron atrás su sonido synthpop después de sus álbumes debut y comenzaron a explorar el rock clásico de los años 70. [72]

Algunos practicantes modernos de los subgéneros del metal y el hardcore punk, como el post-hardcore y el metalcore, han sido influenciados por la música electrónica. [81] Además de las características típicas del metal y el hardcore, estos grupos hacen uso de sintetizadores , ritmos y beats producidos electrónicamente y voces autoafinadas . [73] [79] [82] Dichos grupos se han formado en Inglaterra , [80] [83] Estados Unidos , [75] [77] Canadá , [73] Brasil , Hong Kong [84] y República Checa . Se ha hecho referencia a la tendencia utilizando los términos electronicore , [79] [82] synthcore, [79] y trancecore, [74] entre otros. Algunas bandas de post-hardcore y metalcore formadas recientemente utilizan características de la electrónica . [75] [76] [77] Sumerian Records señala que "ha habido un excedente de música 'electronica/hardcore' últimamente". [76] Bandas notables que demuestran una fusión de subgéneros de hardcore punk y música electrónica de baile incluyen Abandon All Ships , [73] [79] Attack Attack!, [ 79] [85] Asking Alexandria , [79] [80] [83] All For A Vision, [86] Enter Shikari , [74] [87] I See Stars [75] [76] [79] [82] Breathe Carolina, Ghost Town y Public Relations . [88] Horse the Band actuó de una manera algo diferente al combinar metalcore con chiptune llamado Nintendocore . [78]

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