Música barroca
Estilo de música clásica occidental

Cuadro de Evaristo Baschenis con instrumentos barrocos , entre ellos una cítara , una viola da gamba , un violín y dos laúdes.
Principales épocas de
la música clásica occidental
Música antigua
Medieval C.  500–1400
Transición al Renacimiento
Renacimiento C.  1400–1600
Transición al barroco
Periodo de práctica común
Barroco C.  1600–1750
Transición a lo clásico
Clásico C.  1730–1820
Transición al romanticismo
Romántico C.  1800–1910
Transición al modernismo
Nueva música
ModernismoDesde aproximadamente  1890
ContemporáneoDesde aproximadamente  1945
 • 20th-century
 • 21st-century

La música barroca ( en inglés : / bəˈrɒk / o en inglés : / bəˈrˈoʊk / ) se refiere al período o estilo dominante de la música clásica occidental compuesta aproximadamente entre 1600 y 1750. [1] El estilo barroco siguió al período renacentista y , a su vez, fue seguido por el período clásico después de una breve transición (el estilo galante ). El período barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. Superpuestas en el tiempo, se datan convencionalmente de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 y de 1680 a 1750. La música barroca forma una parte importante del canon de la " música clásica " , y se estudia, interpreta y escucha ampliamente. El término " barroco " proviene de la palabra portuguesa barroco , que significa " perla deforme ". [2] Las obras de Antonio Vivaldi , George Frideric Handel y Johann Sebastian Bach se consideran el pináculo del período barroco. Otros compositores clave de la época barroca incluyen a Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Alessandro Stradella , Tomaso Albinoni , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Johann Hermann Schein , Heinrich Schütz , Samuel Scheidt , Dieterich Buxtehude , Gaspar Sanz , José de Nebra , Antonio Soler , Carlos Seixas , Adam Jarzębski y otros, siendo Giovanni Battista Pergolesi el compositor barroco de música sacra más destacado.

El barroco vio la creación de la tonalidad de práctica común , un enfoque para escribir música en el que una canción o pieza se escribe en una tonalidad particular ; este tipo de armonía ha seguido utilizándose ampliamente en la música clásica y popular occidental . Durante la era barroca, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas solistas como de partes de acompañamiento . Los conciertos barrocos solían ir acompañados de un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas que tocaban acordes, como clavecinistas y laudistas que improvisaban acordes a partir de una parte de bajo cifrado ) mientras que un grupo de instrumentos bajos ( viola , violonchelo , contrabajo) tocaba la línea de bajo . Una forma característica del barroco era la suite de danza . Si bien las piezas de una suite de danza se inspiraban en la música de danza real, las suites de danza se diseñaban puramente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.

Durante este período, los compositores experimentaron con la búsqueda de un sonido más completo para cada parte instrumental (creando así la orquesta), [2] realizaron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo cifrado como una forma rápida de notar la progresión de acordes de una canción o pieza) y desarrollaron nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas vocales/instrumentales mixtas de la ópera , la cantata y el oratorio y las formas instrumentales del concierto solista y la sonata como géneros musicales. La música polifónica densa y compleja , en la que se interpretaban simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga ), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales barrocas. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación. [1]

Etimología y definición

Johann Sebastian Bach , 1748

La etimología de barroco probablemente proviene del francés baroque (que originalmente significaba una perla de forma irregular) y del portugués barroco ("perla irregular"); también están relacionados el español barrueco y el italiano barocco . El término es de origen incierto, pero posiblemente proviene del latín verrūca ("verruga") o posiblemente de Baroco , un término técnico de la lógica escolástica. [3]

El término "barroco" es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos a lo largo de un período de aproximadamente 150 años. [1] Aunque durante mucho tiempo se creyó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad en esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica y pasaba rápidamente por todos los recursos compositivos. [4]

Jean-Jacques Rousseau , músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : «La música barroca es aquella en la que la armonía es confusa y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos». [5] Rousseau se refería al término filosófico barroco , en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. [6] [7]

La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término «barroco» a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs fue el primero en aplicar sistemáticamente las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin a la música. [8] Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX hubo intentos independientes por parte de Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) de utilizar análisis técnicos autónomos en lugar de abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron lugar a un desacuerdo apreciable sobre los límites temporales del período, especialmente en lo que respecta a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang . [1]

En 1960, en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, todavía había una considerable controversia sobre si tenía sentido agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una misma rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. [1] Puede ser útil distinguir el Barroco de los períodos de la historia musical que lo precedieron ( Renacimiento ) y los que lo siguieron ( Clásico ).

Historia

Durante la época barroca, los nuevos desarrollos musicales surgieron en Italia, tras lo cual pasaron hasta 20 años antes de que fueran ampliamente adoptados en el resto de la práctica musical clásica occidental . Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galante alrededor de 1730, mientras que los compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran medida en el estilo barroco hasta 1750. [9] [10]

Fases de la música barroca [9] [10]
SubperíodoTiempoEn ItaliaEn otra parte
Barroco temprano1580–1650
Barroco medio1630–1700
Barroco tardío1680–1750

Música barroca temprana (1580-1650)

Claudio Monteverdi en 1640

La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente la música y el teatro . En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo ) que valoraba el discurso y la oración. [11] En consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos musicales griegos antiguos como la monodia , que consistía en un canto solista acompañado por una cítara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). [12] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluidas Dafne y L'Euridice de Jacopo Peri , marcaron el comienzo de la ópera, [13] que fue un catalizador para la música barroca. [14]

En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo cifrado (también conocido como bajo completo ) representa la creciente importancia de la armonía como base lineal de la polifonía. [15] La armonía es el resultado del contrapunto , y el bajo cifrado es una representación visual de aquellas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo cifrado, se colocaban números, alteraciones o símbolos sobre la línea de bajo que leían los intérpretes de instrumentos de teclado, como los clavecinistas u organistas de tubos (o laudistas ). Los números, alteraciones o símbolos indicaban al teclista qué intervalos se debían tocar sobre cada nota de bajo. El teclista improvisaba una sonorización de acordes para cada nota de bajo. [16] Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas , [17] y también emplearon el tritono , percibido como un intervalo inestable, [18] para crear disonancia (se usaba en el acorde de séptima dominante y el acorde disminuido ). También existía un interés por la armonía entre ciertos compositores en el Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo ; [19] Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota de inicio" de una pieza), en lugar de la modalidad , marca el cambio del Renacimiento al período barroco. [20] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza , una de las ideas fundamentales que se conocieron como tonalidad . [ cita requerida ]

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo musical renacentista al del período barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista ( prima pratica ) y la nueva técnica del bajo continuo del Barroco ( seconda pratica ). Con el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía . El grupo de bajo continuo normalmente utilizaba uno o más teclistas y un laudista que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes y varios instrumentos bajos (por ejemplo, viola baja, violonchelo , contrabajo ) que tocaban la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea, entre otras, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. [21] Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz , cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.

Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé —la ruptura irregular e impredecible de las progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de acordes rotos— conocido desde principios del siglo XX como estilo brisé , fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard , [22] [23] en sus libros para laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier . [24] Esta figuración idiomática del laúd fue posteriormente transferida al clavicémbalo, por ejemplo en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert , y continuó siendo una influencia importante en la música para teclado a lo largo de los siglos XVIII y principios del XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin ). [23]

Música del Barroco Medio (1630-1700)

El ascenso de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo , personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio y el sistema de costumbres y artes de la corte que él promovió se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente mecenazgo de la Iglesia y el Estado crearon la demanda de música pública organizada, a medida que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara , que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. [25]

Jean-Baptiste Lully de Paul Mignard

Un ejemplo destacado de compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully . Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y evitar que otros pusieran en escena óperas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inacabada Achille et Polyxène . [26] Lully fue un ejemplo temprano de director de orquesta ; marcaba el tiempo con un gran pentagrama para mantener unidos a sus conjuntos.

Musicalmente, no estableció la norma de las orquestas dominadas por las cuerdas, heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco partes (violines, violas —en tamaños hautes-contre, tailles y quintes— y violines bajos ) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales para las escenas heroicas. [26]

El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata , oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente habían sido consideradas como preeminentes. La monodia florida y coloratura del barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, delimitadas cadenciosamente, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la zarabanda o la courante . Las armonías también podían ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar la expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo que acompañaban estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde condujo al dispositivo de una anticipación inicial del bajo de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo mecanismo formal de diferenciación del recitativo (una parte más hablada de la ópera) y el aria (una parte de la ópera que utiliza melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi , que fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli , que fue principalmente un compositor de ópera. Entre los practicantes importantes posteriores de este estilo se incluyen Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella , quien además originó el estilo concerto grosso en su Sonate di viole. [27]

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical (como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín) y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso . [28] Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y hacer que su música fuera interpretada en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las secciones rápidas y las lentas se yuxtaponían entre sí. Entre sus estudiantes se encuentra Antonio Vivaldi , quien más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas en trío y los conciertos de Corelli. [28]

En contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino que era un músico de iglesia, ocupando los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y administrador comercial de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar en todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken , que incluía interpretaciones de obras dramáticas sacras consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de las óperas. [29]

Francia:

Música del Barroco tardío (1680-1750)

Jorge Federico Handel

El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluidos Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Tomaso Albinoni , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros, llevaron la era del Barroco a su clímax, [34] el Alto Barroco.

Comienzo

Italia:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

Francia:

Adopción más amplia

Italia:

Proliferación:

Francia:

Alemania:

Bohemia :

Polonia :

Transición a la era clásica

Música galante :

Los hijos mayores y alumnos de Bach :

Escuela de Mannheim :


Cronología de compositores

Jean-Joseph de MondonvilleGiovanni Battista PergolesiBaldassare GaluppiCarlos SeixasJohann Adolf HasseRiccardo BroschiJohann Joachim QuantzPietro LocatelliGiuseppe TartiniLeonardo VinciJohann Friedrich FaschFrancesco GeminianiNicola PorporaSilvius Leopold WeissGeorge Frideric HandelDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachJohann Gottfried WaltherJean-Philippe RameauJohann David HeinichenGeorg Philipp TelemannJan Dismas ZelenkaAntonio VivaldiTomaso AlbinoniJohann Caspar Ferdinand FischerAntonio CaldaraTurlough O'CarolanFrançois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellMichel Richard DelalandeMarin MaraisArcangelo CorelliJohann PachelbelHeinrich Ignaz BiberDieterich BuxtehudeMarc Antoine CharpentierJean-Baptiste LullyJean-Henri d'AnglebertJohann Heinrich SchmelzerBarbara StrozziJohann Jakob FrobergerGiacomo CarissimiAntonio BertaliWilliam LawesFrancesco CavalliSamuel ScheidtHeinrich SchützGirolamo FrescobaldiGregorio AllegriClaudio MonteverdiJan Pieterszoon SweelinckJacopo Peri

Instrumentos

Instrumentos de cuerda

Clavecín de dos teclados de Vital Julian Frey, según Jean-Claude Goujon (1749)
Partitura individual para arpa del siglo XVII. [36]

Instrumentos de viento de madera

Latón

Teclados

Percusión

Estilos y formas

Suite de baile

Actuación de un gran conjunto instrumental en el suntuoso Teatro Argentina , según lo representado por Panini (1747)

Una característica de la forma barroca fue la suite de danza . Algunas suites de danza de Bach se denominan partitas , aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una suite de danza se inspiraron en música de danza real, las suites de danza estaban destinadas a ser escuchadas, no para acompañar a los bailarines. Los compositores utilizaron una variedad de movimientos diferentes en sus suites de danza. Una suite de danza generalmente tiene estos movimientos :

  • Obertura  – La suite barroca a menudo comenzaba con una obertura francesa ("Ouverture" en francés), un movimiento lento seguido de una sucesión de principalmente cuatro tipos diferentes de danzas:
  • Allemande  – A menudo el primer baile de una suite instrumental , la allemande era un baile muy popular que tuvo sus orígenes en la era del Renacimiento alemán . La allemande se tocaba a un ritmo moderado y podía comenzar en cualquier tiempo del compás. [37]
  • Courante  – La segunda danza es la courante, en compás ternario . Puede ser rápida y animada o lenta y majestuosa. La versión italiana se llama corrente. [38]
  • Sarabanda  – La zarabanda, una danza española, es la tercera de las cuatro danzas básicas y una de las más lentas de las danzas barrocas. También tiene un compás ternario y puede comenzar en cualquier tiempo del compás, aunque se hace hincapié en el segundo tiempo, lo que crea el característico ritmo yámbico o de pausa de la zarabanda. [37]
  • Giga  – La giga es una danza barroca alegre y vivaz en compás compuesto, típicamente el movimiento final de una suite instrumental y el cuarto de sus tipos básicos de danza. La giga puede comenzar en cualquier tiempo del compás y se reconoce fácilmente por su ritmo. La giga se originó en las Islas Británicas . Su contraparte en la música folclórica es la giga . [37]

Los cuatro tipos de danza (allemanda, courante, zarabanda y giga) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII. Las suites posteriores intercalan una o más danzas adicionales entre la zarabanda y la giga:

  • Gavota  – La gavota se interpreta en compás binario, con frases que comienzan en un tiempo fuera de compás. La gavota se toca a un ritmo moderado, aunque las de estilo italiano pueden ser más rápidas. [39]
  • Bourrée  – La bourrée es similar a la gavota, ya que en2
    2    El tempo es variable, aunque comienza en la segunda mitad del último tiempo del compás, lo que le da un aire diferente al baile. La bourrée suele interpretarse a un tempo moderado, aunque algunos compositores, como Handel, pueden interpretarla a un tempo mucho más rápido. [2]
  • Minueto  : en compás ternario y a un ritmo moderado. No tiene anacrusa . El minueto italiano era típicamente más rápido, con frases más largas. [40]
  • Passepied  – El passepied es una danza rápida en forma binaria y compás ternario que se originó como danza de la corte en Bretaña . [41]
  • Rigaudon  – El rigaudon es una danza francesa animada en compás binario, similar a la bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas del sur de Francia estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociadas con las provincias de Vavarais, Languedoc , Dauphiné y Provenza . [42]

Hay muchas otras formas de danza, así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como la Polonesa , el Loure , el Scherzo , el Aire , etc.

Otras características

  • Preludio  : una suite podía comenzar con un preludio, una pieza lenta escrita en un estilo improvisado. Algunos preludios barrocos no estaban completamente escritos; en su lugar, se indicaba una secuencia de acordes, con la expectativa de que el instrumentista pudiera improvisar una parte melódica utilizando el marco armónico indicado. El preludio no se basaba en un tipo de danza.
  • Entrada  – A veces, una entrada se compone como parte de una suite, pero en este caso es música puramente instrumental y no se interpreta danza. Es una introducción, una pieza similar a una marcha que se toca durante la entrada de un grupo de baile o antes de un ballet.4
    4    tiempo. Está relacionado con el italiano 'intrada'.
  • Bajo continuo  : un tipo de acompañamiento continuo anotado con un nuevo sistema de notación musical, el bajo cifrado , generalmente para uno o más instrumentos de bajo sostenido (por ejemplo, violonchelo ) y uno o más instrumentos de acordes (por ejemplo, instrumentos de teclado como el clavicémbalo , el órgano de tubos o el laúd ).
  • El concierto (una pieza solista con acompañamiento orquestal) y el concierto grosso
  • Monodia  : canción solista italiana acompañada, resultado de arreglos de música de conjunto para instrumentos solistas de finales del siglo XVI [43]
  • Homofonía  : música con una voz melódica y acompañamiento de acordes rítmicamente similar (y subordinado) (esta y la monodia se contrastan con la textura típica del Renacimiento , la polifonía ) [44]
  • Formas musicales dramáticas como la ópera, dramma per musica [45]
  • Formas instrumentales y vocales combinadas, como el oratorio y la cantata , [45] ambas con cantantes y orquesta.
  • Nuevas técnicas instrumentales, como el trémolo y el pizzicato [45]
  • El aria da capo se había convertido en la forma dominante de aria en 1680 [46].
  • El aria ritornello : interrupciones instrumentales breves y repetidas de pasajes vocales. [47]
  • El estilo concertato : contraste de sonido entre grupos de instrumentos. [48]
  • Ornamentación extensa , [49] que era típicamente improvisada por cantantes e instrumentistas (por ejemplo, trinos , mordentes , etc.)

Géneros

Vocal

Instrumental

Notas

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  2. ^ abc Mackay y Romanec 2007.
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Lectura adicional

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  • Hoffer, Brandi (2012). "Música sacra alemana en la Guerra de los Treinta Años", Musical Offerings: Vol. 3: N.º 1, Artículo 1. Disponible en http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Schubert, Peter y Christoph Neidhöfer. Contrapunto barroco . Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2 
  • Schulenberg, David. Música del Barroco . Nueva York: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9 
  • Stauffer, George B. El mundo de la música barroca: nuevas perspectivas . Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5 
  • Strunk, Oliver. Lecturas de fuentes sobre la historia de la música. Desde la Antigüedad clásica hasta la era romántica . Londres: Faber & Faber, 1952.
Wikimedia Commons tiene medios relacionados con Música barroca .
  • La sala del clavecín de Handel: grabaciones gratuitas de música para clavecín de la época barroca
  • Cronología de la música renacentista y barroca: compositores
  • Fundación Orpheon en Viena, Austria
  • Partituras gratuitas de varios compositores barrocos en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
  • Música, afecto y fuego: Tesis sobre la teoría de los afectos con el fuego como tema especial
  • Répertoire International des Sources Musicales (RISM), una base de datos gratuita y con capacidad de búsqueda de ubicaciones en todo el mundo de manuscritos musicales hasta aproximadamente el año  1800 .
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