Historia de la musica

Aunque las definiciones de música varían enormemente en todo el mundo, todas las culturas conocidas participan en ella, por lo que se la considera un universal cultural . Los orígenes de la música siguen siendo muy controvertidos; los comentaristas a menudo la relacionan con el origen del lenguaje , y hay mucho desacuerdo en torno a si la música surgió antes, después o simultáneamente con el lenguaje . Los académicos de una amplia gama de disciplinas han propuesto muchas teorías, aunque ninguna ha logrado una amplia aprobación. La mayoría de las culturas tienen sus propios orígenes míticos en relación con la invención de la música, generalmente arraigados en sus respectivas creencias mitológicas, religiosas o filosóficas.

La música de las culturas prehistóricas se data por primera vez con certeza en c.  40.000  BP del Paleolítico Superior por evidencia de flautas de hueso , aunque sigue sin estar claro si los orígenes reales se encuentran o no en el Paleolítico Medio anterior (300.000 a 50.000 BP). Se sabe poco sobre la música prehistórica, con rastros limitados principalmente a algunas flautas simples e instrumentos de percusión. Sin embargo, dicha evidencia indica que la música existió hasta cierto punto en sociedades prehistóricas como la dinastía Xia y la civilización del valle del Indo . Tras el desarrollo de la escritura, la música de las civilizaciones alfabetizadas ( música antigua ) estaba presente en las principales sociedades china, egipcia, griega, india, persa, mesopotámica y de Oriente Medio. Es difícil hacer muchas generalizaciones sobre la música antigua en su conjunto, pero por lo que se sabe, a menudo se caracterizaba por la monofonía y la improvisación . En las formas de canciones antiguas , los textos estaban estrechamente alineados con la música, y aunque la notación musical más antigua existente sobrevive de este período, muchos textos sobreviven sin su música de acompañamiento, como el Rigveda y el Clásico de poesía Shijing . La eventual aparición de la Ruta de la Seda y el creciente contacto entre culturas llevaron a la transmisión e intercambio de ideas, prácticas e instrumentos musicales. Dicha interacción llevó a que la música de la dinastía Tang estuviera fuertemente influenciada por las tradiciones de Asia Central, mientras que la música de la dinastía Tang, el gagaku japonés y la música de la corte coreana se influyeron mutuamente.

Históricamente, las religiones han sido a menudo catalizadores de la música. Los Vedas del hinduismo influyeron enormemente en la música clásica india , y los Cinco Clásicos del confucianismo sentaron las bases de la posterior música china . Tras la rápida expansión del Islam en el siglo VI, la música islámica dominó Persia y el mundo árabe, y la Edad de Oro islámica vio la presencia de numerosos teóricos musicales importantes. La música escrita para y por la Iglesia cristiana primitiva inaugura adecuadamente la tradición de la música clásica occidental , ^[1] que continúa en la música medieval donde se desarrollaron la polifonía , la notación con pentagrama y las formas nacientes de muchos instrumentos modernos. Además de la religión o la falta de ella, la música de una sociedad está influenciada por todos los demás aspectos de su cultura, incluida la organización y la experiencia social y económica, el clima y el acceso a la tecnología. Muchas culturas han unido la música con otras formas de arte, como las cuatro artes chinas y el quadrivium medieval . Las emociones e ideas que expresa la música, las situaciones en las que se toca y se escucha la música y las actitudes hacia los músicos y compositores varían entre regiones y períodos. Muchas culturas han distinguido o continúan distinguiendo entre música artística (o «música clásica»), música folclórica y música popular .

La música se considera un universal cultural , ^{[3] [4]} aunque las definiciones varían según la cultura y a lo largo de la historia. ^[5] Como ocurre con muchos aspectos de la cognición humana , sigue debatiéndose hasta qué punto se llegará a entender alguna vez el origen de la música , y los estudiosos suelen adoptar posiciones polarizadas. ^{[6] [7]} El origen de la música se suele discutir junto con el origen del lenguaje , y la naturaleza de su conexión es objeto de mucho debate. ^[8] Sin embargo, antes de mediados y finales del siglo XX, los académicos rara vez prestaban una atención sustancial a ambos temas. ^{[9] [10] [n 1]} Desde el resurgimiento del tema, la principal fuente de controversia se divide en tres perspectivas: si la música empezó como una especie de protolenguaje (resultado de la adaptación ) que condujo al lenguaje; si la música es una enjuta (un subproducto fenotípico de la evolución) que fue el resultado del lenguaje; o si la música y el lenguaje derivaron de un antecedente común. ^{[12] [13] [n.º 2] [n.º 3]}

Hay poco consenso sobre alguna teoría particular sobre el origen de la música, que ha incluido contribuciones de arqueólogos, científicos cognitivos, etnomusicólogos , biólogos evolutivos , lingüistas, neurocientíficos, paleoantropólogos , filósofos y psicólogos ( del desarrollo y sociales ). ^{[22] [n 4]} Algunas de las teorías más destacadas son las siguientes:

• La música surgió como una forma elaborada de selección sexual , tal vez surgida en llamadas de apareamiento. ^[24] Esta teoría, tal vez la primera significativa sobre los orígenes de la música, ^[25] generalmente se atribuye a Charles Darwin . ^[26] Apareció por primera vez en el libro de Darwin de 1871 El origen del hombre y la selección en relación con el sexo , ^{[9] [27]} y desde entonces ha sido criticada ya que no hay evidencia de que alguno de los sexos humanos sea "más musical", por lo tanto no hay evidencia de dimorfismo sexual ; actualmente no hay otros ejemplos de selección sexual que no incluyan un dimorfismo sexual considerable. ^[28] Comentaristas recientes, citando el uso de la música en los sistemas de apareamiento de otros animales, no obstante han propagado y desarrollado la teoría de Darwin; tales académicos incluyen a Peter JB Slater, Katy Payne , Björn Merker , Geoffrey Miller y Peter Todd. ^[29]
• La música surgió junto con el lenguaje, y ambos supuestamente descienden de un "precursor compartido". ^{[30] [31] [29]} El biólogo Herbert Spencer fue un importante defensor temprano de esta teoría, al igual que el compositor Richard Wagner , ^[26] quien denominó al ancestro compartido de la música y el lenguaje como "música del habla". ^[12] Desde el siglo XXI, varios académicos han apoyado esta teoría, en particular el arqueólogo Steven Mithen . ^[26]
• La música surgió para satisfacer una necesidad práctica. Entre las propuestas se encuentran:
  • Para ayudar a organizar el trabajo cohesionado, propuesto por primera vez por el economista Karl Bücher . ^[26]
  • Para mejorar la facilidad y el alcance de la comunicación a larga distancia, propuesto por primera vez por el musicólogo Carl Stumpf . ^[26]
  • Para mejorar la comunicación con lo divino o sobrenatural , propuesto por primera vez por el antropólogo Siegfried Nadel . ^{[26] [32]}
  • Contribuir a la “coordinación, cohesión y cooperación”, en particular en el contexto de las familias o comunidades. ^{[26] [29]}
  • Ser un medio para ahuyentar a depredadores o enemigos de algún tipo. ^[26]
• La música tiene dos orígenes, "del habla (logogénico) y de la expresión emocional (patógeno)", propuestos por primera vez por el musicólogo Curt Sachs . Al reflexionar sobre la diversidad de la música en todo el mundo, Sachs señaló que algunas músicas se limitan a una forma comunicativa o expresionista, lo que sugiere que estos aspectos se desarrollaron por separado. ^[26]
• La música presenta sonidos que se basan en dos orígenes principales: 1) los sonidos que escucha el feto en el útero y 2) las vocalizaciones generadas emocionalmente, según la teoría de los orígenes emocionales de la música propuesta por primera vez por David Teie. ^[33] Esta teoría da cuenta de los elementos musicales que se encuentran en todas las culturas, incluidos el pulso, el compás, los segmentos discretos de una sola frecuencia (notas), la continuidad y los instrumentos que crean sonidos periódicos mejorados por resonancia.

Muchas culturas tienen sus propios orígenes míticos en la creación de la música. ^{[34] [35]} A veces se atribuye a figuras específicas la invención de la música, como Jubal en la mitología cristiana , ^[26] el legendario Shah Jamshid en la mitología persa/iraní , ^[36] la diosa Saraswati en el hinduismo , ^[37] y las musas en la mitología griega antigua . ^[35] Algunas culturas atribuyen múltiples creadores de la música; la antigua mitología egipcia la asocia con numerosas deidades, entre ellas Amón , Hathor , Isis y Osiris , pero especialmente Ihy . ^[38] Hay muchas historias relacionadas con los orígenes de la música en la mitología china , ^{[39] [n 5]} pero la más destacada es la del músico Ling Lun , quien, por orden del Emperador Amarillo (Huangdi), inventó la flauta de bambú imitando el canto de los míticos pájaros fenghuang ^{. [40]}

En el sentido más amplio, la música prehistórica —más comúnmente denominada música primitiva en el pasado ^{[43] [44] [n 6]} —abarca toda la música producida en culturas prealfabetizadas ( prehistoria ), comenzando al menos hace 6 millones de años cuando los humanos y los chimpancés tuvieron por última vez un ancestro común . ^[45] La música surgió por primera vez en el período Paleolítico , ^[46] aunque no está claro si fue el Paleolítico Medio (300.000 a 50.000  AP ) o el Paleolítico Superior (50.000 a 12.000 AP). ^[47] La ​​gran mayoría de los instrumentos paleolíticos se han encontrado en Europa y datan del Paleolítico Superior. ^[48] Ciertamente es posible que el canto surgiera mucho antes de esta época, aunque esto es esencialmente imposible de confirmar. ^[49] El instrumento potencialmente más antiguo es la flauta Divje Babe de la cueva Divje Babe en Eslovenia, datada en 43.000 y 82.000 y hecha de un fémur de oso cavernario joven . ^[50] Supuestamente utilizada por los neandertales , la flauta Divje Babe ha recibido una amplia atención académica, y si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales es tema de intenso debate. ^[41] Si es lo primero, sería el instrumento musical más antiguo conocido y evidencia de una cultura musical en el Paleolítico Medio. ^[51] Aparte de la flauta Divje Babe y otras tres flautas dudosas, ^{[n 7]} prácticamente no hay evidencia musical sobreviviente del Paleolítico Medio de alguna certeza, similar a la situación con respecto al arte visual . ^[46] Los primeros objetos cuyas designaciones como instrumentos musicales son ampliamente aceptadas son flautas de hueso del Jura de Suabia , Alemania, concretamente de las cuevas de Geissenklösterle , Hohle Fels y Vogelherd . ^[52] Datadas en el Auriñaciense (del Paleolítico superior) y utilizadas por los primeros humanos modernos europeos , de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos de huesos de alas de pájaros y cuatro de marfil de mamut ; tres de estos están casi completos. ^[52] Tres flautas de Geissenklösterle están datadas como las más antiguas, c.  43.150–39.370 BP. ^{[53][n.º 8]}

Teniendo en cuenta la relativa complejidad de las flautas, es probable que existieran instrumentos anteriores, similares a objetos que son comunes en las sociedades de cazadores y recolectores posteriores , como sonajeros , maracas y tambores . ^[49] La ausencia de otros instrumentos de esta época y anteriores puede deberse al uso de materiales más débiles (y, por lo tanto, más biodegradables ) , ^[46] como juncos, calabazas, pieles y corteza. ^[54] Se cree que una pintura en la Cueva de los Trois-Frères que data de alrededor del  15 000 a . C. representa a un chamán tocando un arco musical . ^[55]

Se cree que las culturas prehistóricas hicieron usos muy variados de la música, con poca unificación entre las diferentes sociedades. ^[56] Es probable que la música tuviera un valor particular cuando la comida y otras necesidades básicas eran escasas. ^[56] También es probable que las culturas prehistóricas vieran la música como algo intrínsecamente conectado con la naturaleza, y pueden haber creído que su uso influía directamente en el mundo natural. ^[56]

Los primeros instrumentos encontrados en la China prehistórica son 12 flautas de hueso gudi en la actual Jiahu , Wuyang , provincia de Henan, de c.  6000 a. C. ^{[57] [58] [n 9] [n 10]} Los únicos instrumentos que datan de la dinastía prehistórica Xia ( c.  2070-1600 ) son dos qing , dos campanillas (una de barro , una de bronce ) y un xun . ^[60] Debido a esta extrema escasez de instrumentos sobrevivientes y la incertidumbre general que rodea a la mayoría de los Xia, crear una narrativa musical del período es poco práctico. ^[60] En el subcontinente indio , la civilización prehistórica del valle del Indo (de c.  2500-2000 a. C. en su estado maduro) tiene evidencia arqueológica que indica que se usaban sonajeros simples y flautas de vasija , mientras que la evidencia iconográfica sugiere que también existieron arpas y tambores tempranos. ^[61] Un ideograma del IVC posterior contiene la representación más antigua conocida de un arpa arqueada , que data de algún momento anterior al 1800 a. C. ^[62]

Tras la llegada de la escritura , las civilizaciones alfabetizadas se consideran parte del mundo antiguo , la primera de las cuales es la literatura sumeria de Abu Salabikh (ahora sur de Irak) de c.  2600 a. C. ^[63] Aunque la música de las sociedades antiguas era extremadamente diversa, algunos conceptos fundamentales surgen de forma destacada en prácticamente todas ellas, a saber, la monofonía , la improvisación y el predominio del texto en los entornos musicales. ^[64] En las culturas antiguas existían diversas formas de canciones , entre ellas China, Egipto, Grecia, India, Mesopotamia, Roma y Oriente Medio. ^[65] El texto, el ritmo y las melodías de estas canciones estaban estrechamente alineados, al igual que la música en general, con la magia, la ciencia y la religión. ^[65] En las sociedades antiguas posteriores se desarrollaron formas de canciones complejas, en particular en los festivales nacionales de China, Grecia e India. ^[65] Las sociedades antiguas posteriores también vieron un aumento del comercio y la transmisión de ideas e instrumentos musicales, a menudo guiados por la Ruta de la Seda . ^{[66] [67]} Por ejemplo, una clave de afinación para una cítara qin de los siglos IV-V a. C. de China incluye una considerable iconografía persa. ^[68] En general, no existe suficiente información para hacer muchas otras generalizaciones sobre la música antigua entre culturas. ^[65]

Los pocos ejemplos reales de notación musical antigua que sobreviven generalmente existen en papiro o tablillas de arcilla . ^[65] La información sobre prácticas musicales, géneros y pensamiento está disponible principalmente a través de la literatura, representaciones visuales y, cada vez más, a medida que avanza el período, instrumentos. ^[65] La música escrita sobreviviente más antigua son las canciones hurritas de Ugarit , Siria. De estas, la más antigua es el Himno a Nikkal (himno n.º 6; h. 6), que está algo completo y data de alrededor de 1400  a . C. ^[69] Sin embargo, el epitafio de Seikilos es la composición musical anotada completamente completa más antigua. Data del siglo II d. C. o más tarde, es un epitafio , tal vez para la esposa del desconocido Seikilos. ^[70]

A mediados del siglo XIII a. C., la dinastía Shang tardía había desarrollado la escritura, que existe principalmente como inscripciones adivinatorias en los huesos del oráculo ritualista , pero también como inscripciones de bronce . ^{[73] [74]} Hasta 11 caracteres de la escritura del oráculo pueden hacer referencia a la música hasta cierto punto, algunos de los cuales podrían ser representaciones iconográficas de los propios instrumentos. ^[75] Las campanas de piedra qing parecen haber sido particularmente populares entre la clase dominante Shang, ^{[n 11]} y aunque no se ha datado ninguna flauta superviviente en la época Shang, ^[77] la evidencia de la escritura del oráculo sugiere que utilizaban ocarinas ( xun ), flauta transversal ( xiao y dizi ), tubos dobles, el órgano de boca ( sheng ), y tal vez la flauta de pan ( paixiao ). ^{[78] [n 12]} Debido a la llegada del bronce en el año 2000 a. C. , ^[80] los Shang utilizaron este material para fabricar campanas: ling  [zh] (鈴), nao  [zh] (鐃) y zhong (鐘) ^[59] , que se pueden diferenciar de dos maneras: las que tienen o no badajo y las que se golpean por dentro o por fuera. ^[81] Los tambores, que no se han encontrado antes de los Shang, ^[82] a veces utilizaban bronce, aunque con mayor frecuencia eran de madera ( bangu ). ^{[83] [59] [n 13]} Los instrumentos de viento antes mencionados ciertamente existían en la dinastía Zhou (1046-256 a. C.), al igual que los primeros instrumentos de cuerda chinos: el qin (o guqin ) y las cítaras se . ^{[59] [n 14]} La dinastía Zhou vio surgir importantes conjuntos cortesanos y la conocida Tumba del Marqués Yi de Zeng (después de 433 a. C.) contiene una variedad de instrumentos complejos y decorados. ^[59] De la tumba, el instrumento más notable es el conjunto monumental de 65 campanas bianzhong afinadas , que alcanzan cinco octavas y requieren al menos cinco ejecutantes; todavía se pueden tocar e incluyen inscripciones raras sobre música. ^[86]

Los instrumentos chinos antiguos servían tanto para fines prácticos como ceremoniales. La gente los utilizaba para invocar fuerzas sobrenaturales para sus necesidades de supervivencia, ^[87] mientras que las flautas de pan pueden haber sido utilizadas para atraer pájaros durante la caza, ^[88] y los tambores eran comunes en los sacrificios y ceremonias militares. ^[82] La música china siempre ha estado estrechamente asociada con la danza, la literatura y las bellas artes; ^[89] muchos de los primeros pensadores chinos también equiparaban la música con la moralidad adecuada y el gobierno de la sociedad. ^{[90] [n 15]} A lo largo de los tiempos Shang y Zhou la música fue un símbolo de poder para la corte imperial, ^[93] siendo utilizada en servicios religiosos así como en la celebración de antepasados ​​y héroes. ^{[87] [94]} Confucio ( c.  551–479 ) designó formalmente la música relacionada con el ritual y la moralidad ideal como la yayue superior (雅樂; "música apropiada"), en oposición a suyue (俗樂; "música vernácula/popular"), ^{[87] [95]} que incluía virtualmente toda la música no ceremonial, pero particularmente cualquier música que fuera considerada excesiva o lasciva. ^[95] Durante el Período de los Reinos Combatientes, cuando Confucio vivió, los funcionarios a menudo ignoraban esta distinción, prefiriendo la música suyue más animada y usando la yayue tradicional más antigua únicamente para fines políticos. ^[96] Confucio y discípulos como Mencio consideraban que esta preferencia no tenía virtud y veían mal la ignorancia de los líderes sobre el ganying , ^[97] una teoría que sostenía que la música estaba intrínsecamente conectada con el universo. ^{[98] [99] [n 16]} Por lo tanto, muchos aspectos de la música china antigua estaban alineados con la cosmología: el sistema de 12 tonos shí-èr-lǜ se correspondía igualmente con ciertos pesos y medidas; la escala pentatónica con los cinco wuxing ; ^[99] y la clasificación de ocho tonos de los instrumentos chinos de bayin con los ocho símbolos de bagua . ^[100] No sobrevive ninguna música real ni textos sobre las prácticas de interpretación de los músicos chinos antiguos. ^[101] Los Cinco Clásicos de la dinastía Zhou incluyen comentarios musicales; el I Ching y los Anales de Primavera y Otoño de Chunqiu.hacen referencias, mientras que el Libro de Ritos de Liji contiene una discusión sustancial (ver el capítulo Registro de Música Yue Ji ). ^[40] Mientras que el Clásico de Música Yue Jing está perdido, ^[80] el Clásico de Poesía Shijing contiene 160 textos de canciones ahora perdidas del período Zhou Occidental (1045-771). ^[102]

La dinastía Qin (221-206 a. C.), establecida por Qin Shi Huang , duró solo 15 años, pero la supuesta quema de libros resultó en una pérdida sustancial de literatura musical anterior. ^[67] La ​​dinastía Qin vio al guzheng convertirse en un instrumento particularmente popular; como una cítara más portátil y más fuerte, satisfacía las necesidades de una escena de música popular emergente. ^{[103] [n 17]} Durante la dinastía Han (202 a. C. - 220 d. C.), hubo intentos de reconstruir la música de Shang y Zhou, ya que ahora estaba "idealizada como perfecta". ^{[100] [67]} Una Oficina de Música , el Yuefu , fue fundada o en su apogeo al menos en 120 a. C. bajo el emperador Wu de Han , ^{[104] [n 18]} y era responsable de recopilar canciones populares. El propósito de esto era doble; permitió a la Corte Imperial comprender adecuadamente los pensamientos de la gente común, ^[89] y también fue una oportunidad para que la Corte Imperial adaptara y manipulara las canciones para que se adaptaran a la propaganda y los propósitos políticos. ^{[100] [67] [n 19]} Empleando músicos ceremoniales, de entretenimiento y militares, ^[106] la Oficina también actuó en una variedad de lugares, escribió música nueva y puso música a poesía encargada por figuras destacadas como Sima Xiangru . ^[107] La ​​dinastía Han había adoptado oficialmente el confucianismo como la filosofía estatal, ^[67] y las teorías ganying ^{se convirtieron en una filosofía dominante. [108]} En la práctica, sin embargo, muchos funcionarios ignoraron o restaron importancia al alto respeto de Confucio por la música yayue sobre la suyue , prefiriendo participar en la más animada e informal posterior. ^[109] Para el 7 a. C., la Oficina empleaba a 829 músicos; Ese año, el emperador Ai disolvió o redujo el departamento, ^{[67] [107]} debido a limitaciones financieras, ^{[67] y la música} suyue cada vez más prominente de la Oficina que entraba en conflicto con el confucianismo. ^[106] La dinastía Han vio una preponderancia de influencias musicales extranjeras de Medio Oriente y Asia Central : la Ruta de la Seda emergente condujo al intercambio de instrumentos musicales, ^[66] y permitió a viajeros como Zhang Qian transmitir nuevos géneros y técnicas musicales. ^[67]Entre los instrumentos de dicha transmisión cultural se encuentran las trompetas de metal e instrumentos similares al oboe moderno y al laúd oud , este último que se convirtió en la pipa . ^[66] Otros instrumentos preexistentes aumentaron enormemente en popularidad, como el qing , ^[88] las flautas de pan, ^[110] y particularmente la cítara qin (o guqin ), que fue a partir de entonces el instrumento más venerado, asociado con el buen carácter y la moralidad. ^[85]

La historia escrita griega se remonta a la Antigua Grecia y fue una parte importante del teatro griego antiguo . En la antigua Grecia, los coros mixtos se presentaban por entretenimiento, celebración y razones espirituales. ^{[ cita requerida ] Los instrumentos incluían el instrumento de viento más importante, el} aulos de doble lengüeta , ^[111] así como el instrumento de cuerda pulsada , la lira , ^[112] especialmente el tipo especial llamado cítara .

Las principales fuentes sobre la música de la antigua India son textuales e iconográficas; en concreto, sobreviven algunos tratados teóricos en sánscrito , hay breves menciones en la literatura general y existen muchas esculturas de músicos indios antiguos y sus instrumentos. ^[113] La literatura antigua en sánscrito , pali y prácrito contiene con frecuencia referencias musicales, desde los Vedas hasta las obras de Kalidasa y la epopeya Silappatikaram de Ilango Adigal . ^[114] A pesar de ello, se sabe poco sobre las prácticas musicales reales de la antigua India y la información disponible obliga a una perspectiva algo homogénea sobre la música de la época, aunque la evidencia indica que, en realidad, era mucho más diversa. ^[113]

El tratado de artes monumentales Natya Shastra es una de las fuentes más antiguas y principales de la música india antigua; es probable que las partes musicales sean del período Gupta (siglo IV al siglo VI d. C.). ^[115]

En general, es imposible crear un esquema completo de la música más antigua de Persia debido a la escasez de registros sobrevivientes. ^[116] Evidenciadas por representaciones de Elam de c.  3300-3100 a. C. , las arpas arqueadas son la primera afirmación de la música persa, aunque es probable que existieran mucho antes de sus representaciones artísticas. ^[117] Se han encontrado liras de toro elamitas de c.  2450 en Susa , mientras que se han encontrado más de 40 pequeñas trompetas de Oxus en Bactria y Margiana , datadas en el Complejo Arqueológico de Bactria-Margiana de c.  2200-1750 . ^{[118] [n 20]} Las trompetas de Oxus parecen haber tenido una estrecha asociación tanto con la religión como con los animales; un mito zoroástrico en el que Jamshid atrae animales con la trompeta sugiere que los elamitas las usaban para cazar. ^[119] En muchos sentidos, las culturas musicales más antiguas conocidas de Irán están estrechamente relacionadas con las de Mesopotamia. También existen arpas arqueadas antiguas ( c.  3000 ) en esta última y la escasez de instrumentos hace que no esté claro de qué cultura se originó el arpa. ^[117] Sobreviven muchas más liras de toro en Ur de Mesopotamia, en particular la lira con cabeza de toro de Ur , aunque son casi idénticas a sus contrapartes elamitas contemporáneas. ^[120] Según la evidencia en placas de terracota, en el siglo II a. C. el arpa arqueada fue reemplazada por las arpas angulares , que existían en variantes verticales de 20 cuerdas y horizontales de nueve cuerdas. ^[121] Supuestamente los laúdes se usaban en Mesopotamia al menos en el 2300 a. C., pero no hasta c. En Irán, donde se convirtieron en los instrumentos de cuerda dominantes en el oeste de Irán , aparecen alrededor del año  1300 a. C., aunque la evidencia disponible sugiere que su popularidad estaba fuera de la élite. ^[122] Los relieves rupestres de Kul-e Farah muestran que en el siglo I a. C. surgieron sofisticados conjuntos cortesanos persas, en los que el instrumento central era el arpa arqueada. ^[123] La prominencia de los músicos en estos ciertos relieves rupestres sugiere que eran esenciales en las ceremonias religiosas. ^[124]

Al igual que en períodos anteriores, existe muy poca información contemporánea sobre la música del Imperio aqueménida (550-330 a. C.). ^{[68] [125]} La mayor parte del conocimiento sobre la cultura musical aqueménida proviene de los historiadores griegos. ^[125] En sus Historias , Heródoto señaló que los sacerdotes aqueménidas no usaban música de aulos en sus ceremonias, mientras que Jenofonte reflexionó sobre su visita a Persia en la Ciropedia , mencionando la presencia de muchas cantantes femeninas en la corte. ^[68] Ateneo también menciona cantantes femeninas cuando señala que 329 de ellas habían sido arrebatadas al rey de reyes Darío III por el general macedonio Parmenión . ^[68] Textos persas posteriores afirman que los juglares poetas-músicos gōsān eran prominentes y de considerable estatus en la corte. ^[126]

El Imperio parto (247 a. C. a 224 d. C.) vio un aumento en las representaciones textuales e iconográficas de la actividad y los instrumentos musicales. Las rhuta (cuernos para beber) partas del siglo II a. C. encontradas en la antigua capital de Nisa incluyen algunas de las representaciones más vívidas de músicos de la época. La evidencia pictórica, como las placas de terracota , muestran arpistas femeninas, mientras que las placas de Babilonia muestran flautas de pan , así como instrumentos de cuerda (arpas, laúdes y liras) y de percusión ( panderetas y badajos ). Las estatuas de bronce de Dura-Europos representan flautas de pan más grandes y aulos dobles. Evidentemente, la música se usaba en ceremonias y celebraciones; un friso de piedra de la era de los partos en Hatra muestra una boda en la que hay músicos que tocan trompetas, panderetas y una variedad de flautas. Otra evidencia textual e iconográfica indica la continua prominencia de los juglares gōsān . Sin embargo, al igual que en el período aqueménida, los escritores griegos siguen siendo una fuente importante de información sobre la música parta. Estrabón registró que el gōsān aprendió canciones que contaban historias de dioses y nobles, mientras que Plutarco registra de manera similar que el gōsān alababa a los héroes partos y se burlaba de los romanos. Plutarco también registra, para su gran desconcierto, que el ejército parto usaba rhoptra (grandes tambores) para prepararse para la guerra. ^[127]

Sin embargo, el período sasánida (226-651 d. C.) ha dejado abundante evidencia de música. Esta afluencia de registros sasánidas sugiere una cultura musical prominente en el Imperio, ^[36] especialmente en las áreas dominadas por el zoroastrismo . ^[128] Muchos shahanshahs sasánidas fueron ardientes partidarios de la música, incluido el fundador del imperio Ardashir I y Bahram V. [ ^128] Cosroes II ( r.  590-628 ) fue el mecenas más destacado , y su reinado se considera una edad de oro de la música persa. ^[128] Los músicos al servicio de Cosroes incluyen a Āzādvar-e Changi (o Āzād), ^[125] Bamshad , el arpista Nagisa (Nakisa), Ramtin, Sarkash y Barbad , ^[116] que fue el más famoso. ^[129] Estos músicos solían ser activos como juglares , que eran intérpretes que trabajaban como poetas y músicos de la corte; ^[130] en el Imperio sasánida había poca distinción entre poesía y música. ^[131]

La cultura Nok de África occidental (actual Nigeria) existió entre el  500 y el 200 a. C. y dejó una cantidad considerable de esculturas. ^[132] Entre ellas hay representaciones de música, como un hombre que sacude dos objetos que se cree que son maracas . Otra escultura incluye a un hombre con la boca abierta (posiblemente cantando), mientras que también hay una escultura de un hombre tocando un tambor. ^[133]

La corte imperial de Japón desarrolló la música gagaku (雅楽; lit. ' música elegante ' ), originaria de la academia de música imperial Gagakuryō establecida en 701 d. C. durante el período Asuka . ^[134] Aunque la palabra gagaku deriva de la música china yayue , esta última se refería originalmente a la música ritual confuciana, mientras que gagaku se extiende a muchos géneros, estilos e instrumentos. ^{[134] [135] [n 21]} En la historia temprana de la tradición, los tres géneros principales eran wagaku (música japonesa nativa), sankangaku (música de los Tres Reinos de Corea ) y tōgaku (música de la dinastía Tang de China ), así como géneros más menores como toragaku , gigaku y rin'yūgaku . De manera única entre la música asiática de esta época, existen numerosas partituras existentes de música gagaku de los siglos VIII al XI. ^[135] 

En el siglo IX se produjo un cambio importante en la música gagaku , concretamente el desarrollo de una distinción entre la música tōgaku y la música komagaku . El tōgaku era un estilo de influencia china, que se combinaba con la tradición rin'yūgaku , conocida como "Música de la izquierda" ( sahō ). El komagaku se conocía entonces como "Música de la derecha" ( uhō ), que abarcaba la música influenciada tanto por Corea ( sankangaku ) ​​como por Balhae ( bokkaigaku ). Aunque esta división era prominente, no era estricta y los estilos tōgaku y komagaku se entrelazaron y se influyeron mutuamente. ^[135] El largo período Heian (794-1185) vio un gran patrocinio de la música gagaku por parte de la corte, ya que acompañaba a muchos festivales y celebraciones. Numerosos géneros nuevos surgieron en esta época, como las formas de canción saibara y rōei . ^{[135] [136] Los conjuntos} Gagaku consisten en una amplia variedad de instrumentos y son las formaciones más grandes de su tipo en la música tradicional japonesa . ^[137]

Los eruditos modernos generalmente definen la ' música medieval ' como la música de Europa occidental durante la Edad Media , ^[138] aproximadamente desde el siglo VI al XV. La música fue ciertamente prominente en la Alta Edad Media , como lo atestiguan las representaciones artísticas de instrumentos, escritos sobre música y otros registros; sin embargo, el único repertorio de música que ha sobrevivido desde antes del 800 hasta la actualidad es la música litúrgica de canto llano de la Iglesia Católica Romana, la mayor parte de la cual se llama canto gregoriano . El papa Gregorio I , que dio su nombre al repertorio musical y puede haber sido compositor, suele afirmarse que fue el creador de la parte musical de la liturgia en su forma actual, aunque las fuentes que dan detalles sobre su contribución datan de más de cien años después de su muerte. Muchos eruditos creen que su reputación ha sido exagerada por la leyenda. La mayor parte del repertorio del canto fue compuesto anónimamente en los siglos entre la época de Gregorio y Carlomagno .

Durante el siglo IX se produjeron varios acontecimientos importantes. En primer lugar, la Iglesia hizo un gran esfuerzo por unificar las numerosas tradiciones del canto y suprimir muchas de ellas en favor de la liturgia gregoriana. En segundo lugar, se cantó la música polifónica más antigua, una forma de canto paralelo conocida como organum . En tercer lugar, y de la mayor importancia para la historia de la música, la notación se reinventó después de un lapso de unos quinientos años, aunque pasarían varios siglos más antes de que evolucionara un sistema de notación de tono y ritmo con la precisión y flexibilidad que los músicos modernos dan por sentado.

Varias escuelas de polifonía florecieron en el período posterior a 1100: la escuela de organum de San Marcial , cuya música a menudo se caracterizaba por una parte de movimiento rápido sobre una sola línea sostenida; la escuela de polifonía de Notre Dame, que incluía a los compositores Léonin y Pérotin , y que produjo la primera música para más de dos partes alrededor de 1200; el crisol musical de Santiago de Compostela en Galicia , un destino de peregrinación y sitio donde músicos de muchas tradiciones se reunieron a fines de la Edad Media, cuya música sobrevive en el Codex Calixtinus ; y la escuela inglesa, cuya música sobrevive en los Fragmentos de Worcester y el Manuscrito Old Hall . Junto a estas escuelas de música sacra se desarrolló una vibrante tradición de la canción secular, como se ejemplifica en la música de los trovadores , trouvères y Minnesänger . Gran parte de la música secular posterior del Renacimiento temprano evolucionó a partir de las formas, ideas y estética musical de los trovadores, poetas cortesanos y músicos itinerantes, cuya cultura fue en gran parte exterminada durante la Cruzada Albigense a principios del siglo XIII.

Las formas de música sacra que se desarrollaron a finales del siglo XIII incluyeron el motete , el conductus , el discant y las clausulae . Un desarrollo inusual fueron los Geisslerlieder , la música de bandas errantes de flagelantes durante dos períodos: mediados del siglo XIII (hasta que fueron suprimidos por la Iglesia); y el período durante e inmediatamente después de la Peste Negra , alrededor de 1350, cuando sus actividades fueron vívidamente registradas y bien documentadas con música notada. Su música mezclaba estilos de canciones populares con textos penitenciales o apocalípticos. El siglo XIV en la historia de la música europea está dominado por el estilo del ars nova , que por convención se agrupa con la era medieval en la música, aunque tenía mucho en común con los ideales y la estética del Renacimiento temprano . Gran parte de la música que sobrevive de la época es profana y tiende a utilizar las formas fijas : la balada , el virelai , el lai , el rondeau , que corresponden a formas poéticas de los mismos nombres. La mayoría de las piezas en estas formas son para una a tres voces, probablemente con acompañamiento instrumental: entre los compositores famosos se incluyen Guillaume de Machaut y Francesco Landini .

En el Imperio bizantino , que existió entre 395 y 1453, existían prácticas musicales prominentes y diversas. ^[139] Tanto la música sacra como la secular eran comunes: la música sacra se usaba con frecuencia en los servicios religiosos y la música secular en muchos eventos, incluidas ceremonias, dramas, ballets, banquetes, festivales y juegos deportivos. ^{[140] [141]} Sin embargo, a pesar de su popularidad, la música bizantina secular fue duramente criticada por los Padres de la Iglesia , en particular Jerónimo . ^[141] Los compositores de música sacra, especialmente himnos y cantos, están generalmente bien documentados a lo largo de la historia de la música bizantina. Sin embargo, los anteriores al reinado de Justiniano I son prácticamente desconocidos; se dice que los monjes Anthimos, Auxentios y Timokles escribieron troparios , pero solo sobrevive el texto de uno de Auxentios. ^[142] La primera forma importante fue el kontakion , del que Romano el Melodista fue el compositor más destacado. ^[143] A finales del siglo VII, el kanōn superó al kontakion en popularidad; Andrés de Creta se convirtió en su primer compositor importante y tradicionalmente se le atribuye el origen del género, ^[144] aunque los eruditos modernos ahora dudan de esta atribución. ^[145] El kañon alcanzó su apogeo con la música de Juan de Damasco y Cosme de Maiuma y más tarde Teodoro de Stoudios y Teófanes el Marcado en los siglos VIII y IX respectivamente. ^[140] Los compositores de música secular están considerablemente menos documentados. No fue hasta finales de la historia del imperio que se conoció a los compositores por su nombre, con Joannes Koukouzeles , Xenos Korones y Joannes Glykys como las figuras principales. ^[146]

Al igual que sus homólogos occidentales del mismo período, los compositores bizantinos eran principalmente hombres. ^[147] Kassia es una gran excepción a esto; fue una prolífica e importante compositora de himnos sticheron y la única mujer cuyas obras entraron en la liturgia bizantina . ^[148] Se sabe que otras pocas mujeres fueron compositoras, Thekla, Theodosia, Martha y la hija de John Kladas (su nombre de pila no está registrado). ^{[149] [150]} Solo esta última tiene alguna obra sobreviviente, una sola antífona . ^[151] Se sabe que algunos emperadores bizantinos fueron compositores, como León VI el Sabio y Constantino VII . ^{[152] [153]}

Los ejemplos y la perspectiva de esta sección pueden no representar una visión mundial del tema . Puede mejorar esta sección, discutir el tema en la página de discusión o crear una nueva sección, según corresponda. ( Julio de 2021 ) ( Aprenda cómo y cuándo eliminar este mensaje )

Durante los períodos antiguo y medieval, la música clásica del subcontinente indio era una práctica en gran medida unificada. En el siglo XIV, la agitación sociopolítica inaugurada por el Sultanato de Delhi comenzó a aislar el norte y el sur de la India, y comenzaron a surgir tradiciones independientes en cada región. En el siglo XVI se habían formado dos estilos distintos: la música clásica indostánica del norte y la música clásica carnática del sur. ^[154] Una de las principales diferencias entre ellas es que la vena indostánica del norte estaba considerablemente influenciada por las prácticas musicales persas y árabes de la época. ^[155] La música carnática es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes.

La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una única línea melódica o raga organizada rítmicamente a través de talas .

El comienzo del Renacimiento en la música no está tan claramente marcado como el comienzo del Renacimiento en las otras artes, y a diferencia de éstas, no comenzó en Italia , sino en el norte de Europa, específicamente en el área que actualmente comprende el centro y norte de Francia , los Países Bajos y Bélgica . El estilo de los compositores borgoñones , como se conoce a la primera generación de la escuela francoflamenca , fue en un principio una reacción contra la excesiva complejidad y el estilo amanerado del ars subtilior de finales del siglo XIV , y contenía una melodía clara y cantable y una polifonía equilibrada en todas las voces. Los compositores más famosos de la escuela borgoñona de mediados del siglo XV son Guillaume Dufay , Gilles Binchois y Antoine Busnois .

A mediados del siglo XV, los compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes comenzaron a extenderse por toda Europa, especialmente en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los mecenas aristocráticos de las artes (como los Medici , los Este y los Sforza ). Llevaban consigo su estilo: polifonía suave que podía adaptarse para uso sacro o secular según fuera apropiado. Las principales formas de composición musical sacra en ese momento eran la misa , el motete y el laude ; las formas seculares incluían la chanson , la frottola y, más tarde, el madrigal .

La invención de la imprenta tuvo una inmensa influencia en la difusión de los estilos musicales y, junto con el movimiento de los músicos franco-flamencos, contribuyó al establecimiento del primer estilo verdaderamente internacional en la música europea desde la unificación del canto gregoriano bajo Carlomagno. ^{[ cita requerida ]} Los compositores de la generación media de la escuela franco-flamenca incluyeron a Johannes Ockeghem , que escribió música en un estilo contrapuntísticamente complejo, con textura variada y un uso elaborado de recursos canónicos ; Jacob Obrecht , uno de los compositores de misas más famosos en las últimas décadas del siglo XV; y Josquin des Prez , probablemente el compositor más famoso de Europa antes de Palestrina , y que durante el siglo XVI fue reconocido como uno de los más grandes artistas en cualquier forma. La música en la generación posterior a Josquin exploró la creciente complejidad del contrapunto ; Posiblemente la expresión más extrema esté en la música de Nicolas Gombert , cuyas complejidades contrapuntísticas influyeron en la música instrumental temprana, como la canzona y el ricercar , culminando finalmente en las formas fugadas barrocas .

A mediados del siglo XVI, el estilo internacional comenzó a desintegrarse y se hicieron evidentes varias tendencias estilísticas muy diversas: una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, según lo dirigido por el Concilio de Trento de la Contrarreforma , ejemplificado en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina ; una tendencia hacia la complejidad y el cromatismo en el madrigal, que alcanzó su expresión extrema en el estilo vanguardista de la Escuela de Ferrara de Luzzaschi y el madrigalista de finales del siglo Carlo Gesualdo ; y la música grandiosa y sonora de la escuela veneciana , que utilizó la arquitectura de la Basílica de San Marco di Venezia para crear contrastes antifonales . La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación , partes instrumentales ornamentadas y partes de bajo continuo , todo lo cual ocurrió en un lapso de varias décadas alrededor de 1600. Los compositores famosos en Venecia incluyeron a los Gabrielis, Andrea y Giovanni , así como Claudio Monteverdi , uno de los innovadores más importantes al final de la era.

La mayor parte de Europa tenía tradiciones musicales activas y bien diferenciadas a finales del siglo. En Inglaterra, compositores como Thomas Tallis y William Byrd escribieron música sacra en un estilo similar al escrito en el continente, mientras que un grupo activo de madrigalistas locales adaptaron la forma italiana a los gustos ingleses: compositores famosos incluyeron a Thomas Morley , John Wilbye y Thomas Weelkes . España desarrolló estilos instrumentales y vocales propios, con Tomás Luis de Victoria escribiendo música refinada similar a la de Palestrina, y numerosos otros compositores escribiendo para la nueva guitarra. Alemania cultivó formas polifónicas construidas sobre los corales protestantes , que reemplazaron al canto gregoriano católico romano como base para la música sacra, e importó el estilo de la escuela veneciana (cuya aparición definió el inicio de la era barroca allí). Además, compositores holandeses y alemanes, particularmente Jan Pieterszoon Sweelinck , escribieron enormes cantidades de música para órgano , sentando las bases para el estilo de órgano barroco posterior que culminó en la obra de J. S. Bach . Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como música mesurada , utilizado en canciones seculares, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune destacados en el movimiento.

Uno de los movimientos más revolucionarios de la época tuvo lugar en Florencia en las décadas de 1570 y 1580, con el trabajo de la Camerata florentina , que irónicamente tenía una intención reaccionaria: insatisfecha con lo que veía como depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar la música de los antiguos griegos. Entre ellos, los principales fueron Vincenzo Galilei , el padre del astrónomo, y Giulio Caccini . Los frutos de sus trabajos fueron un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monodia , y una forma dramática escénica correspondiente: una forma conocida hoy como ópera . Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también definen el final del Renacimiento y el comienzo de las eras barrocas.

La música anterior a 1600 era modal en lugar de tonal . Varios desarrollos teóricos a finales del siglo XVI, como los escritos sobre escalas en modos de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius , llevaron directamente al desarrollo de la tonalidad de práctica común. Las escalas mayores y menores comenzaron a predominar sobre los antiguos modos eclesiásticos , una característica que al principio era más obvia en los puntos cadenciales de las composiciones, pero que gradualmente se volvió omnipresente. La música posterior a 1600, comenzando con la música tonal de la era barroca, a menudo se considera perteneciente al período de práctica común .

Toccata y fuga en re menor, BWV 565 de JS Bach

Interpretado por Ashtar Moïra

---

¿Tiene problemas para reproducir este archivo? Consulte la ayuda multimedia .

La era barroca tuvo lugar desde 1600 hasta 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa y, durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal solista dramática acompañada por orquesta). Durante la era barroca, la música contrapuntística polifónica , en la que se usaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto fue importante en la música vocal de la era medieval). ^{[ aclaración necesaria ]} Los compositores barrocos alemanes, italianos, franceses, holandeses, polacos, españoles, portugueses e ingleses escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas , metales y vientos de madera , así como para coros e instrumentos de teclado como el órgano de tubos , el clavecín y el clavicémbalo . Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga , la invención , la sonata y el concierto. ^[156] El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se encuentran Jan Pieterszoon Sweelinck , Johann Sebastian Bach , Arcangelo Corelli , François Couperin , Girolamo Frescobaldi , George Frideric Handel , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Claudio Monteverdi , Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi .

La música del período clásico se caracteriza por una textura homofónica , o una melodía obvia con acompañamiento . Estas nuevas melodías tendían a ser casi vocales y cantables, lo que permitía a los compositores reemplazar a los cantantes como el foco de la música. Por lo tanto, la música instrumental reemplazó rápidamente a la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio ) como la favorita del público musical y el epítome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el público general en sus idiomas nativos (las óperas anteriores generalmente estaban en italiano).

Junto con el desplazamiento gradual de la voz a favor de melodías más fuertes y claras, el contrapunto también se convirtió típicamente en un adorno decorativo, a menudo utilizado cerca del final de una obra o para un solo movimiento . En su lugar, se utilizaron patrones simples, como arpegios y, en la música para piano, el bajo Alberti (un acompañamiento con un patrón repetido típicamente en la mano izquierda), para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa. La música instrumental ahora popular estaba dominada por varias formas bien definidas: la sonata , la sinfonía y el concierto , aunque ninguna de ellas estaba específicamente definida o enseñada en ese momento como lo está ahora en la teoría musical . Las tres derivan de la forma sonata , que es a la vez la forma superpuesta de una obra completa y la estructura de un solo movimiento. La forma sonata maduró durante la era clásica para convertirse en la forma principal de composiciones instrumentales a lo largo del siglo XIX.

El período clásico temprano fue inaugurado por la Escuela de Mannheim , que incluía a compositores como Johann Stamitz , Franz Xaver Richter , Carl Stamitz y Christian Cannabich . Ejerció una profunda influencia en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea posterior. Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura central del período clásico, y su producción fenomenal y variada en todos los géneros define nuestra percepción del período. Ludwig van Beethoven y Franz Schubert fueron compositores de transición, que condujeron al período romántico, con su expansión de géneros, formas e incluso funciones de la música existentes.

En el período romántico, la música se volvió más expresiva y emocional, expandiéndose para abarcar la literatura, el arte y la filosofía. Los compositores románticos tempranos famosos incluyen a Schumann , Chopin , Mendelssohn , Bellini , Donizetti y Berlioz . A fines del siglo XIX, se vio una expansión dramática en el tamaño de la orquesta y en el papel de los conciertos como parte de la sociedad urbana . Los compositores famosos de la segunda mitad del siglo incluyen a Johann Strauss II , Brahms , Liszt , Chaikovski , Verdi y Wagner . Entre 1890 y 1910, una tercera ola de compositores, incluidos Grieg , Dvořák , Mahler , Richard Strauss , Puccini y Sibelius, se basó en el trabajo de los compositores románticos medios para crear obras musicales aún más complejas y, a menudo, mucho más largas. Una característica destacada de la música de finales del siglo XIX es su fervor nacionalista, como lo ejemplifican figuras como Dvořák, Sibelius y Grieg. Otras figuras destacadas de finales de siglo incluyen a Saint-Saëns , Fauré , Rachmaninoff , Franck , Debussy y Rimsky-Korsakov .

El siglo XX fue testigo de una revolución en la escucha de música, ya que la radio ganó popularidad en todo el mundo y se desarrollaron nuevos medios y tecnologías para grabar, editar y distribuir música. Las interpretaciones musicales se volvieron cada vez más visuales con la transmisión y grabación de interpretaciones. ^[157]

La música del siglo XX trajo consigo nueva libertad y una amplia experimentación con nuevos estilos y formas musicales que desafiaron las reglas aceptadas de la música de períodos anteriores. ^{[ cita requerida ]} La invención de la amplificación musical y los instrumentos electrónicos , especialmente el sintetizador, a mediados del siglo XX revolucionó la música clásica y popular, y aceleró el desarrollo de nuevas formas de música. ^[158]

En cuanto a la música clásica, dos escuelas fundamentales determinaron el rumbo del siglo: la de Arnold Schoenberg y la de Ígor Stravinski . ^[159] Sin embargo, otros compositores también tuvieron una influencia notable. Por ejemplo: Béla Bartók , Anton Webern , Dmitri Shostakovich , Olivier Messiaen , John Cage , Benjamin Britten , Karlheinz Stockhausen , Sofia Gubaidulina , Krzysztof Penderecki , Brian Ferneyhough , Kaija Saariaho . ^[160]

El siglo XX fue testigo de la difusión sin precedentes de la música popular , es decir, música con un amplio atractivo. ^{[n 22]} El término tiene sus raíces en la música del estadounidense Tin Pan Alley , un grupo de músicos y editores destacados que comenzaron a surgir durante la década de 1880 en la ciudad de Nueva York. Aunque a la música popular a veces se la conoce como "música pop", los términos no siempre son intercambiables. ^[162] La música popular se refiere a una variedad de géneros musicales que atraen los gustos de un gran segmento de la población, ^[163] mientras que la música pop generalmente se refiere a un género específico dentro de la música popular. ^[164] Las canciones y piezas de música popular suelen tener melodías fáciles de cantar . La estructura de la canción de la música popular comúnmente implica la repetición de secciones, con el verso y el coro o estribillo repitiéndose a lo largo de la canción y el puente proporcionando una sección contrastante y de transición dentro de una pieza. ^[165]

• Historia de la música a partir de fuentes primarias de los Archivos Moldenhauer de la Biblioteca del Congreso
• Los diez volúmenes de la Enciclopedia Garland de Música del Mundo (se requiere suscripción)