Camille Saint-Saëns

Charles-Camille Saint-Saëns ( Reino Unido : / ˈ s æ̃ s ɒ̃ ( s )/ , ^[1] EE. UU. : / s æ̃ ˈ s ɒ̃ ( s )/ , ^{[2] [3]} Francés: [ʃaʁl kamij sɛ̃sɑ̃(s )] ^ⓘ ;^{[n 1]}9 de octubre de 1835 - 16 de diciembre de 1921) fue un compositor, organista, director de orquesta y pianista francés de laépoca romántica. Entre sus obras más conocidas se incluyenIntroducción y Rondo Capriccioso(1863), elSegundo concierto para piano(1868), elPrimer concierto para violonchelo(1872),Danza macabra(1874), la óperaSansón y Dalila(1877), elTercer concierto para violín(1880), laTercera sinfonía ("Órgano")(1886) yEl carnaval de los animales(1886).

Saint-Saëns fue un prodigio musical; debutó como concertista a los diez años. Tras estudiar en el Conservatorio de París, siguió una carrera convencional como organista de iglesia, primero en Saint-Merri , París y, a partir de 1858, en La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio francés . Tras dejar el puesto veinte años más tarde, fue un pianista y compositor independiente de éxito, solicitado en Europa y las Américas.

De joven, Saint-Saëns era un entusiasta de la música más moderna de la época, en particular la de Schumann , Liszt y Wagner , aunque sus propias composiciones se inscribían generalmente en una tradición clásica convencional. Era un estudioso de la historia de la música y se mantuvo comprometido con las estructuras elaboradas por los compositores franceses anteriores. Esto lo llevó a entrar en conflicto en sus últimos años con los compositores de las escuelas de música impresionista y expresionista ; aunque había elementos neoclásicos en su música, que prefiguraban obras de Stravinsky y Les Six , a menudo se lo consideraba un reaccionario en las décadas cercanas a su muerte.

Saint-Saëns sólo ejerció como profesor en la Escuela de Música Clásica y Religiosa de París, donde permaneció menos de cinco años. No obstante, su labor fue importante para el desarrollo de la música francesa: entre sus alumnos se encontraba Gabriel Fauré , entre cuyos alumnos posteriores se encontraba Maurice Ravel . Ambos estaban fuertemente influenciados por Saint-Saëns, a quien veneraban como un genio.

Saint-Saëns nació en París, hijo único de Jacques-Joseph-Victor Saint-Saëns (1798-1835), funcionario del Ministerio del Interior francés, y Françoise-Clémence, de soltera Collin. ^[6] Victor Saint-Saëns era de ascendencia normanda , y su esposa era de una familia de Haute-Marne ; ^{[n 2]} su hijo, nacido en la Rue du Jardinet en el distrito 6 de París , y bautizado en la cercana iglesia de Saint-Sulpice , siempre se consideró un verdadero parisino. ^[11] Menos de dos meses después del bautizo, Victor Saint-Saëns murió de tuberculosis en el primer aniversario de su matrimonio. ^[12] El joven Camille fue llevado al campo por razones de salud y durante dos años vivió con una enfermera en Corbeil , a 29 kilómetros (18 millas) al sur de París. ^[13]

Cuando Saint-Saëns regresó a París, vivió con su madre y su tía viuda, Charlotte Masson. Antes de cumplir tres años, mostró un oído absoluto y disfrutaba tocando melodías en el piano. ^[14] Su tía abuela le enseñó los conceptos básicos del pianismo, y cuando tenía siete años se convirtió en alumno de Camille-Marie Stamaty , exalumna de Friedrich Kalkbrenner . ^[15] Stamaty exigía a sus estudiantes que tocaran mientras apoyaban los antebrazos en una barra situada frente al teclado, de modo que toda la potencia del pianista provenía de las manos y los dedos en lugar de los brazos, lo que, como escribió Saint-Saëns más tarde, era un buen entrenamiento. ^[16] Clémence Saint-Saëns, muy consciente del talento precoz de su hijo, no quería que se hiciera famoso demasiado joven. El crítico musical Harold C. Schonberg escribió sobre Saint-Saëns en 1969: «No se suele reconocer que fue el niño prodigio más notable de la historia, y eso incluye a Mozart». ^[17] El niño dio actuaciones ocasionales para pequeñas audiencias desde los cinco años, pero no fue hasta los diez que hizo su debut público oficial, en la Salle Pleyel , en un programa que incluía el Concierto para piano en si bemol de Mozart ( K 450 ) y el Tercer concierto para piano de Beethoven . ^[6] A través de la influencia de Stamaty, Saint-Saëns conoció al profesor de composición Pierre Maleden y al profesor de órgano Alexandre Pierre François Boëly . De este último adquirió un amor de por vida por la música de Bach , que entonces era poco conocida en Francia. ^[18]

Durante su etapa escolar, Saint-Saëns destacó en muchas materias. Además de su destreza musical, se distinguió en el estudio de la literatura francesa, el latín y el griego, la teología y las matemáticas. Entre sus intereses se encontraban la filosofía, la arqueología y la astronomía, de las que, en particular esta última, siguió siendo un talentoso aficionado en su vida posterior. ^{[6] [n 3]}

En 1848, a la edad de trece años, Saint-Saëns fue admitido en el Conservatorio de París , la academia de música más importante de Francia. El director, Daniel Auber , había sucedido a Luigi Cherubini en 1842, y trajo un régimen más relajado que el de su predecesor martinet, aunque el plan de estudios siguió siendo conservador. ^{[21] [n 4]} Se alentó a los estudiantes, incluso a los pianistas destacados como Saint-Saëns, a especializarse en estudios de órgano, porque se consideraba que una carrera como organista de iglesia ofrecía más oportunidades que la de un pianista solista. ^[23] Su profesor de órgano fue François Benoist , a quien Saint-Saëns consideraba un organista mediocre pero un maestro de primer nivel; ^[24] entre sus alumnos se encontraban Adolphe Adam , César Franck , Charles Alkan , Louis Lefébure-Wély y Georges Bizet . ^[25] En 1849 Saint-Saëns ganó el segundo premio del Conservatorio para organistas, y en 1851 el primer premio; ^[26] en el mismo año comenzó estudios formales de composición. ^{[n 5]} Su profesor fue un protegido de Cherubini, Fromental Halévy , cuyos alumnos incluyeron a Charles Gounod y Bizet. ^[28]

Las composiciones de estudiante de Saint-Saëns incluyeron una sinfonía en la mayor (1850) y una pieza coral, Les Djinns (1850), basada en un poema homónimo de Victor Hugo . ^[29] Compitió por el premio musical más importante de Francia, el Prix de Rome , en 1852, pero no tuvo éxito. Auber creía que el premio debería haber sido para Saint-Saëns, considerando que tenía más promesa que el ganador, Léonce Cohen , quien dejó poca huella durante el resto de su carrera. ^[23] En el mismo año, Saint-Saëns tuvo un mayor éxito en un concurso organizado por la Société Sainte-Cécile, París, con su Ode à Sainte-Cécile , por la que los jueces lo votaron por unanimidad como el primer premio. ^[30] La primera pieza que el compositor reconoció como una obra madura y le dio un número de opus fue Trois Morceaux para armonio (1852). ^{[n.º 6]}

Al dejar el Conservatorio en 1853, Saint-Saëns aceptó el puesto de organista en la antigua iglesia parisina de Saint-Merri, cerca del Hôtel de Ville . La parroquia era importante, con 26.000 feligreses; en un año típico había más de doscientas bodas, los honorarios del organista de los cuales, junto con los honorarios por los funerales y su modesto estipendio básico, le dieron a Saint-Saëns un ingreso cómodo. ^[32] El órgano, obra de François-Henri Clicquot , había sido gravemente dañado como consecuencia de la Revolución Francesa y restaurado de manera imperfecta. El instrumento era adecuado para los servicios religiosos, pero no para los ambiciosos recitales que ofrecían muchas iglesias parisinas de alto perfil. ^[33] Con suficiente tiempo libre para seguir su carrera como pianista y compositor, Saint-Saëns compuso lo que se convirtió en su opus 2, la Sinfonía en mi bemol (1853). ^[29] Esta obra, con fanfarrias militares y secciones de percusión y metales aumentadas, captó el estado de ánimo de la época tras el ascenso popular al poder de Napoleón III y la restauración del Imperio francés . ^[34] La obra le valió al compositor otro primer premio de la Société Sainte-Cécile. ^[35]

Entre los músicos que rápidamente detectaron el talento de Saint-Saëns estaban los compositores Gioachino Rossini , Hector Berlioz y Franz Liszt , y la influyente cantante Pauline Viardot , quienes lo alentaron en su carrera. ^[6] A principios de 1858, Saint-Saëns se mudó de Saint-Merri al puesto de alto perfil de organista de La Madeleine , la iglesia oficial del Imperio; Liszt lo escuchó tocar allí y lo declaró el mejor organista del mundo. ^[36]

Aunque en etapas posteriores de su vida tuvo fama de ser un conservadurista musical declarado, en la década de 1850 Saint-Saëns apoyó y promovió la música más moderna de la época, incluida la de Liszt, Robert Schumann y Richard Wagner . ^[6] A diferencia de muchos compositores franceses de su propia generación y de la siguiente, Saint-Saëns, a pesar de todo su entusiasmo y conocimiento de las óperas de Wagner, no se vio influenciado por él en sus propias composiciones. ^{[37] [38]} Comentó: "Admiro profundamente las obras de Richard Wagner a pesar de su carácter extraño. Son superiores y poderosas, y eso es suficiente para mí. Pero no soy, nunca he sido y nunca seré de la religión wagneriana". ^[38]

En 1861, Saint-Saëns aceptó su único puesto como profesor en la École de Musique Classique et Religieuse de París, que Louis Niedermeyer había establecido en 1853 para formar organistas y directores de coro de primer nivel para las iglesias de Francia. El propio Niedermeyer era profesor de piano; cuando murió en marzo de 1861, Saint-Saëns fue designado para hacerse cargo de los estudios de piano. Escandalizó a algunos de sus colegas más austeros al presentar a sus estudiantes la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. ^[39] Su alumno más conocido, Gabriel Fauré , recordaba en su vejez:

Después de dejar transcurrir las lecciones, se acercaba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de los que el riguroso carácter clásico de nuestro programa de estudio nos mantenía a distancia y que, además, en aquellos años lejanos, eran apenas conocidos. ... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esta época data el apego casi filial... la inmensa admiración, la incesante gratitud que [he] tenido por él, durante toda mi vida. ^[40]

Saint-Saëns animó aún más el régimen académico al escribir y componer música incidental para una farsa de un acto interpretada por los estudiantes (entre ellos André Messager ). ^[41] Concibió lo que eventualmente se convertiría en su pieza más conocida, El carnaval de los animales , pensando en sus estudiantes, pero no terminó de componerla hasta 1886, más de veinte años después de dejar la escuela de Niedermeyer. ^[42]

En 1864, Saint-Saëns causó cierta sorpresa al competir por segunda vez en el Prix de Rome. Muchos en los círculos musicales se quedaron perplejos por su decisión de volver a participar en el concurso, ahora que estaba labrándose una reputación como solista y compositor. Una vez más, no tuvo éxito. Berlioz, uno de los jueces, escribió:

El otro día dimos el premio de Roma a un joven que no esperaba ganarlo y que se volvió loco de alegría. Todos esperábamos que el premio fuera para Camille Saint-Saëns, que tuvo la extraña idea de competir. Confieso que me dio pena votar en contra de un hombre que es verdaderamente un gran artista y que ya es muy conocido, casi una celebridad. Pero el otro hombre, que todavía es estudiante, tiene ese fuego interior, esa inspiración, siente que puede hacer cosas que no se pueden aprender y el resto lo aprenderá más o menos. Así que voté por él, suspirando al pensar en la infelicidad que este fracaso debe causarle a Saint-Saëns. Pero, sea como sea, hay que ser honesto. ^[43]

Según el erudito musical Jean Gallois , fue a propósito de este episodio que Berlioz hizo su conocido bon mot sobre Saint-Saëns, "Él lo sabe todo, pero le falta inexperiencia" ("Il sait tout, mais il manque d'inexpérience"). ^{[44] [n 7]} El ganador, Victor Sieg , tuvo una carrera no más notable que la del ganador de 1852, pero el biógrafo de Saint-Saëns, Brian Rees, especula que los jueces pueden haber "estado buscando signos de genio en medio del esfuerzo tentativo y el error, y consideraron que Saint-Saëns había alcanzado su cima de competencia". ^[47] La ​​sugerencia de que Saint-Saëns era más competente que inspirado persiguió su carrera y reputación póstuma. Él mismo escribió: "El arte está destinado a crear belleza y carácter. El sentimiento solo viene después y el arte puede prescindir de él. De hecho, es mucho mejor cuando lo hace". ^[48] ​​La biógrafa Jessica Duchen escribe que era «un hombre atribulado que prefería no traicionar el lado más oscuro de su alma». ^[7] El crítico y compositor Jeremy Nicholas observa que esta reticencia ha llevado a muchos a subestimar la música; cita comentarios despectivos como «Saint-Saëns es el único gran compositor que no era un genio» y «Música mala bien escrita». ^[49]

Mientras enseñaba en la escuela Niedermeyer, Saint-Saëns dedicó menos energía a componer e interpretar, aunque una obertura titulada Spartacus fue coronada en un concurso instituido en 1863 por la Société Sainte Cécile de Burdeos . ^[26] Pero después de dejar la escuela en 1865, siguió ambos aspectos de su carrera con vigor. ^[50] En 1867, su cantata Les noces de Prométhée superó a más de cien otras candidaturas para ganar el premio de composición de la Grande Fête Internationale en París, cuyo jurado incluía a Auber, Berlioz, Gounod, Rossini y Giuseppe Verdi . ^{[6] [51] [n 8]} En 1868 estrenó la primera de sus obras orquestales que ganó un lugar permanente en el repertorio, su Segundo Concierto para piano . ^[29] Al tocar esta y otras obras, se convirtió en una figura destacada en la vida musical de París y otras ciudades de Francia y del extranjero durante la década de 1860. ^[6]

En 1870, preocupados por el predominio de la música alemana y la falta de oportunidades para que los jóvenes compositores franceses interpretaran sus obras, Saint-Saëns y Romain Bussine , profesor de canto en el Conservatorio, discutieron la fundación de una sociedad para promover la nueva música francesa. ^[53] Antes de que pudieran llevar la propuesta más allá, estalló la guerra franco-prusiana . Saint-Saëns sirvió en la Guardia Nacional durante la guerra. Durante la breve pero sangrienta Comuna de París que siguió entre marzo y mayo de 1871, su superior en la Madeleine, el abad Deguerry, fue asesinado por rebeldes; ^[54] Saint-Saëns escapó a un breve exilio en Inglaterra. ^[53] Con la ayuda de George Grove y otros, se mantuvo en Londres, dando recitales. ^[55] Al regresar a París en mayo, descubrió que los sentimientos antialemanes habían aumentado considerablemente el apoyo a la idea de una sociedad musical pro-francesa. ^{[n 9]} La Société Nationale de Musique , con su lema "Ars Gallica" , se había establecido en febrero de 1871, con Bussine como presidente, Saint-Saëns como vicepresidente y Henri Duparc , Fauré, Franck y Jules Massenet entre sus miembros fundadores. ^[57]

Como admirador de los innovadores poemas sinfónicos de Liszt , Saint-Saëns adoptó con entusiasmo la forma; su primer "poème symphonique" fue Le Rouet d'Omphale (1871), estrenado en un concierto de la Sociéte Nationale en enero de 1872. ^[58] En el mismo año, después de más de una década de trabajo intermitente en partituras operísticas, Saint-Saëns finalmente tuvo una de sus óperas en escena. La princesse jaune ("La princesa amarilla"), una pieza romántica ligera de un acto, se presentó en la Opéra-Comique de París en junio. Se representó durante cinco funciones. ^[59]

Durante la década de 1860 y principios de la de 1870, Saint-Saëns siguió viviendo una vida de soltero, compartiendo un gran apartamento en el cuarto piso de la Rue du Faubourg Saint-Honoré con su madre. En 1875, sorprendió a muchos al casarse. ^{[7] [n 10]} El novio se acercaba a los cuarenta y su novia tenía diecinueve; era Marie-Laure Truffot, la hermana de uno de los alumnos del compositor. ^[60] El matrimonio no fue un éxito. En palabras de la biógrafa Sabina Teller Ratner, "la madre de Saint-Saëns lo desaprobaba y era difícil vivir con su hijo". ^[6] Saint-Saëns y su esposa se mudaron a la Rue Monsieur-le-Prince , en el Barrio Latino ; su madre se mudó con ellos. ^[61] La pareja tuvo dos hijos, ambos murieron en la infancia. En 1878, el mayor, André, de dos años, se cayó de una ventana del apartamento y murió; ^[62] el más joven, Jean-François, murió de neumonía seis semanas después, a los seis meses. Saint-Saëns y Marie-Laure siguieron viviendo juntos durante tres años, pero él la culpó del accidente de André; el doble golpe de su pérdida destruyó efectivamente el matrimonio. ^[7]

Para un compositor francés del siglo XIX, la ópera era considerada el tipo de música más importante. ^[63] El joven contemporáneo y rival de Saint-Saëns, Massenet, estaba empezando a ganarse una reputación como compositor operístico, pero Saint-Saëns, con sólo la corta y fallida puesta en escena de La princesse jaune , no había dejado huella en esa esfera. ^{[64] [n 11]} En febrero de 1877, finalmente tuvo una ópera de larga duración puesta en escena. Su "drame lyricque" de cuatro actos, Le timbre d'argent ("La campana de plata"), con libreto de Jules Barbier y Michel Carré , que recuerda a la leyenda de Fausto , había estado en ensayo en 1870, pero el estallido de la guerra detuvo la producción. ^[68] La obra fue finalmente presentada por la compañía Théâtre Lyrique de París; se representó durante dieciocho funciones. ^[69]

El dedicatario de la ópera, Albert Libon, murió tres meses después del estreno, dejando a Saint-Saëns un gran legado "para liberarlo de la esclavitud del órgano de la Madeleine y permitirle dedicarse por completo a la composición". ^[70] Saint-Saëns, que no era consciente del inminente legado, había renunciado a su cargo poco antes de que su amigo muriera. No era un cristiano convencional y el dogma religioso le resultaba cada vez más molesto; ^{[n 12]} se había cansado de la interferencia de las autoridades clericales y de la insensibilidad musical; y quería ser libre para aceptar más compromisos como solista de piano en otras ciudades. ^[72] Después de esto, nunca más tocó el órgano profesionalmente en un servicio religioso y rara vez tocaba el instrumento. ^[73] Compuso una Misa de Réquiem en memoria de su amigo, que se interpretó en Saint-Sulpice para conmemorar el primer aniversario de la muerte de Libon; Charles-Marie Widor tocaba el órgano y Saint-Saëns dirigía. ^[70]

"¡Eres mi miseria, hola!"

De Sansón y Dalila . Cantada por Enrico Caruso en 1916.

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En diciembre de 1877, Saint-Saëns obtuvo un éxito operístico más sólido con Sansón y Dalila , su única ópera que logró ganar y mantener un lugar en el repertorio internacional. Debido a su tema bíblico, el compositor había encontrado muchos obstáculos para su presentación en Francia, y por influencia de Liszt, el estreno se realizó en Weimar en una traducción alemana. Aunque la obra finalmente se convirtió en un éxito internacional, no se representó en la Ópera de París hasta 1892. ^[63]

Saint-Saëns era un viajero empedernido. Desde la década de 1870 hasta el final de su vida realizó 179 viajes a 27 países. Sus compromisos profesionales lo llevaron con mayor frecuencia a Alemania e Inglaterra; para las vacaciones y para evitar los inviernos parisinos que afectaban a su débil pecho, prefería Argel y varios lugares de Egipto. ^[74]

Saint-Saëns fue elegido miembro del Institut de France en 1881, en su segundo intento, tras haber sido derrotado por Massenet en 1878. ^[75] En julio de ese año, él y su esposa fueron a la ciudad balnearia de Auvernia , La Bourboule, para pasar unas vacaciones. El 28 de julio desapareció del hotel donde se alojaban y, unos días después, su esposa recibió una carta suya en la que le comunicaba que no volvería. Nunca más se volvieron a ver. Marie Saint-Saëns regresó con su familia y vivió hasta 1950, muriendo cerca de Burdeos a la edad de noventa y cinco años. ^[76] Saint-Saëns no se divorció de su esposa ni se volvió a casar, ni tampoco formó posteriormente una relación íntima con una mujer. Rees comenta que, aunque no hay pruebas sólidas, algunos biógrafos creen que Saint-Saëns se sentía más atraído por su propio sexo que por las mujeres. ^{[77] [n 10]} Tras la muerte de sus hijos y el colapso de su matrimonio, Saint-Saëns encontró cada vez más una familia sustituta en Fauré y su esposa, Marie, y sus dos hijos, de quienes era un tío honorario muy querido. ^[82] Marie le dijo: "Para nosotros eres uno más de la familia, y mencionamos tu nombre aquí sin cesar". ^[83]

En la década de 1880, Saint-Saëns siguió buscando el éxito en la ópera, una tarea que se hizo más difícil debido a la arraigada creencia entre los miembros influyentes del mundo musical de que era impensable que un pianista, organista y sinfonista pudiera escribir una buena ópera. ^[84] En esa década, se representaron dos óperas, la primera de las cuales fue Enrique VIII (1883), encargada por la Ópera de París. Aunque el libreto no fue de su elección, Saint-Saëns, normalmente un compositor fluido e incluso fácil, ^{[n 13]} trabajó en la partitura con una diligencia inusual para capturar un aire convincente de la Inglaterra del siglo XVI. ^[84] La obra fue un éxito y fue reestrenada con frecuencia durante la vida del compositor. ^[63] Cuando se representó en Covent Garden en 1898, The Era comentó que, aunque los libretistas franceses generalmente "hacen un desastre con la historia británica", esta pieza "no era del todo despreciable como historia de ópera". ^[86]

A mediados de la década de 1880, la apertura mental de la Société Nationale se había endurecido hasta convertirse en una adhesión dogmática a los métodos wagnerianos favorecidos por los alumnos de Franck, encabezados por Vincent d'Indy . Habían comenzado a dominar la organización y buscaban abandonar su espíritu "Ars Gallica" de compromiso con las obras francesas. Bussine y Saint-Saëns lo consideraron inaceptable y dimitieron en 1886. ^{[56] [n 14]} Después de haber insistido durante mucho tiempo en los méritos de Wagner ante un público francés a veces escéptico, Saint-Saëns estaba empezando a preocuparse de que la música del alemán estuviera teniendo un impacto excesivo en los jóvenes compositores franceses. Su creciente cautela hacia Wagner se convirtió en años posteriores en una hostilidad más fuerte, dirigida tanto al nacionalismo político de Wagner como a su música. ^[56]

En la década de 1880, Saint-Saëns era un favorito establecido entre el público de Inglaterra, donde era ampliamente considerado como el mejor compositor francés vivo. ^[88] En 1886, la Sociedad Filarmónica de Londres encargó lo que se convirtió en una de sus obras más populares y respetadas, la Tercera Sinfonía ("Órgano") . Se estrenó en Londres en un concierto en el que Saint-Saëns apareció como director de la sinfonía y como solista en el Cuarto Concierto para piano de Beethoven , dirigido por Sir Arthur Sullivan . ^[89] El éxito de la sinfonía en Londres fue considerable, pero fue superado por la recepción extática que recibió la obra en su estreno en París a principios del año siguiente. ^[90] Más tarde, en 1887, el "drame lyrique" de Saint-Saëns, Proserpina, se estrenó en la Opéra-Comique. Fue bien recibido y parecía encaminarse a una carrera sustancial cuando el teatro se incendió a las pocas semanas del estreno y la producción se perdió. ^[84]

En diciembre de 1888 murió la madre de Saint-Saëns. ^[91] Sintió profundamente su pérdida y se sumió en la depresión y el insomnio, llegando incluso a pensar en suicidarse. ^[92] Dejó París y se quedó en Argel, donde se recuperó hasta mayo de 1889, caminando y leyendo, pero incapaz de componer. ^[93]

Durante la década de 1890, Saint-Saëns pasó mucho tiempo de vacaciones, viajando al extranjero, componiendo menos y actuando con menos frecuencia que antes. Una visita planeada para actuar en Chicago fracasó en 1893. ^[94] Escribió una ópera, la comedia Phryné (1893), y junto con Paul Dukas ayudó a completar Frédégonde (1895), una ópera que dejó inacabada Ernest Guiraud , quien murió en 1892. Phryné fue bien recibida y provocó llamadas para más óperas cómicas en la Opéra-Comique, que últimamente había estado favoreciendo la gran ópera . ^[95] Sus pocas obras corales y orquestales de la década de 1890 son en su mayoría cortas; Las principales piezas de concierto de la década fueron el movimiento único Fantasía África (1891) y su Quinto Concierto para piano ("Egipcio") , que estrenó en un concierto en 1896 para conmemorar el quincuagésimo aniversario de su debut en la Salle Pleyel en 1846. ^[96] Antes de tocar el concierto, leyó un poema corto que había escrito para el evento, elogiando la tutela de su madre y el largo apoyo de su público. ^[97]

Entre los conciertos que Saint-Saëns realizó durante la década se encuentra uno en Cambridge en junio de 1893, cuando él, Bruch y Chaikovski actuaron en un evento presentado por Charles Villiers Stanford para la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge , conmemorando la concesión de títulos honorarios a los tres visitantes. ^[98] Saint-Saëns disfrutó mucho de la visita, e incluso habló con aprobación de los servicios de la capilla de la universidad: "Las exigencias de la religión inglesa no son excesivas. Los servicios son muy breves y consisten principalmente en escuchar buena música extremadamente bien cantada, ya que los ingleses son excelentes coristas". ^[99] Su mutuo respeto por los coros británicos continuó durante el resto de su vida, y una de sus últimas obras a gran escala, el oratorio La tierra prometida , fue compuesta para el Festival de los Tres Coros de 1913. ^[100]

En 1900, tras diez años sin un hogar permanente en París, Saint-Saëns alquiló un apartamento en la rue de Courcelles, no lejos de su antigua residencia en la rue du Faubourg Saint-Honoré. Éste fue su hogar durante el resto de su vida. ^[101] Continuó viajando al extranjero con frecuencia, pero cada vez más a menudo para dar conciertos en lugar de como turista. Volvió a visitar Londres, donde siempre fue un visitante bienvenido, fue a Berlín, donde hasta la Primera Guerra Mundial fue recibido con honores, y viajó por Italia, España, Mónaco y la Francia provincial. ^[101] En 1906 y 1909 realizó giras de gran éxito por los Estados Unidos, como pianista y director. ^[102] En Nueva York, en su segunda visita, estrenó su "Praise ye the Lord" para doble coro, orquesta y órgano, que compuso para la ocasión. ^[103]

A pesar de su creciente reputación como reaccionario musical, Saint-Saëns fue, según Gallois, probablemente el único músico francés que viajó a Múnich para escuchar el estreno de la Octava Sinfonía de Mahler en 1910. ^[104] No obstante, en el siglo XX Saint-Saëns había perdido gran parte de su entusiasmo por el modernismo en la música. Aunque se esforzó por ocultárselo a Fauré, no entendió ni le gustó la ópera de este último, Pénélope (1913), de la que fue dedicatario. ^[105] En 1917, Francis Poulenc , al comienzo de su carrera como compositor, se mostró despectivo cuando Ravel elogió a Saint-Saëns como un genio. ^[106] En ese momento, estaban surgiendo varias corrientes de nueva música con las que Saint-Saëns tenía poco en común. Sus instintos clásicos para la forma lo pusieron en desacuerdo con lo que para él parecía la falta de forma y la estructura de los impresionistas musicales, encabezados por Debussy. La atonalidad de Arnold Schönberg tampoco le gustó a Saint-Saëns:

Ya no se trata de añadir a las viejas reglas principios nuevos, expresión natural del tiempo y de la experiencia, sino simplemente de abandonar todas las reglas y todas las restricciones. «Cada uno debe hacer sus propias reglas. La música es libre e ilimitada en su libertad de expresión. No hay acordes perfectos, acordes disonantes o acordes falsos. Todas las agregaciones de notas son legítimas». A eso se le llama, y ​​así lo creen, el desarrollo del gusto . ^[107]

Con opiniones tan conservadoras, Saint-Saëns no simpatizaba (ni estaba de moda) con la escena musical parisina de principios del siglo XX, fascinada como estaba por la novedad. ^[108] A menudo se dice que se marchó, escandalizado, del estreno del ballet de Vaslav Nijinsky e Igor Stravinsky La consagración de la primavera en 1913. ^[109] De hecho, según Stravinsky, Saint-Saëns no estuvo presente en esa ocasión, pero en la primera interpretación en concierto de la pieza al año siguiente expresó la firme opinión de que Stravinsky estaba loco. ^[110]

Cuando un grupo de músicos franceses encabezados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana durante la Primera Guerra Mundial, Fauré y Messager se distanciaron de la idea, aunque el desacuerdo no afectó a su amistad con su antiguo maestro. En privado, les preocupaba que su amigo corriera el riesgo de quedar en ridículo con su exceso de patriotismo ^[111] y su creciente tendencia a denunciar en público las obras de jóvenes compositores en ascenso, como en su condena de En blanc et noir (1915) de Debussy: "Debemos a toda costa cerrar la puerta del Institut a un hombre capaz de tales atrocidades; deberían ser puestas al lado de los cuadros cubistas ". ^[112] Su determinación de bloquear la candidatura de Debussy para la elección al Institut tuvo éxito y provocó un amargo resentimiento entre los partidarios del joven compositor. La respuesta de Saint-Saëns al neoclasicismo de Les Six fue igualmente inflexible: sobre la suite sinfónica politonal Protée (1919) de Darius Milhaud , comentó: "afortunadamente, todavía hay manicomios en Francia". ^[113]

Saint-Saëns dio lo que pretendía que fuera su concierto de despedida como pianista en París en 1913, pero su retiro pronto quedó en suspenso como resultado de la guerra, durante la cual dio muchas actuaciones en Francia y otros lugares, recaudando dinero para obras de caridad de guerra. ^[101] Estas actividades lo llevaron a cruzar el Atlántico, a pesar del peligro de los submarinos alemanes. ^[114]

En noviembre de 1921, Saint-Saëns dio un recital en el Institut para un numeroso público invitado; se observó que su interpretación era tan vívida y precisa como siempre, y que su porte personal era admirable para un hombre de ochenta y seis años. ^[115] Dejó París un mes después para Argel, con la intención de pasar el invierno allí, como hacía tiempo que estaba acostumbrado a hacer. Mientras estaba allí murió de un ataque al corazón el 16 de diciembre de 1921. ^[116] Su cuerpo fue llevado de vuelta a París, y después de un funeral de estado en la Madeleine fue enterrado en el cementerio de Montparnasse . ^[117] Profusamente velada, en un lugar discreto entre los dolientes de la élite política y artística de Francia, estaba su viuda, Marie-Laure, a quien había visto por última vez en 1881. ^[117]

A principios del siglo XX, el autor anónimo del artículo sobre Saint-Saëns en el Grove's Dictionary of Music and Musicians escribió:

Saint-Saëns es un consumado maestro de la composición, y nadie posee un conocimiento más profundo que él de los secretos y recursos de este arte; pero la facultad creadora no sigue el ritmo de la habilidad técnica del artesano. Su incomparable talento para la orquestación le permite dar relieve a ideas que de otro modo serían en sí mismas burdas y mediocres... sus obras no son, por una parte, lo suficientemente frívolas como para volverse populares en el sentido más amplio, ni, por otra parte, se apoderan del público por esa sinceridad y calidez de sentimiento que es tan convincente. ^[118]

Aunque fue un entusiasta modernista en su juventud, Saint-Saëns siempre fue profundamente consciente de los grandes maestros del pasado. En un perfil suyo escrito para celebrar su octogésimo cumpleaños, el crítico D.  C.  Parker escribió: "Que Saint-Saëns conoce a Rameau  ... Bach y Handel , Haydn y Mozart, debe ser evidente para todos los que están familiarizados con sus escritos. Su amor por los gigantes clásicos y su simpatía por ellos forman, por así decirlo, la base de su arte". ^[119]

Menos atraído que algunos de sus contemporáneos franceses por la corriente continua de música popularizada por Wagner, Saint-Saëns a menudo favoreció las melodías autónomas. Aunque con frecuencia son, en palabras de Ratner, "flexibles y maleables", la mayoría de las veces están construidas en secciones de tres o cuatro compases, y el "patrón de frase AABB es característico". ^[120] Una tendencia ocasional al neoclasicismo, influenciada por su estudio de la música barroca francesa, contrasta con la colorida música orquestal más ampliamente identificada con él. Grove observa que logra sus efectos más mediante una armonía y ritmos llenos de carácter que mediante una partitura extravagante. En ambas áreas de su oficio normalmente se contentaba con lo familiar. Rítmicamente, se inclinaba por los metros dobles, triples o compuestos estándar (aunque Grove señala un pasaje de 5/4 en el Trío para piano y otro en 7/4 en la Polonesa para dos pianos). Desde su época en el Conservatorio fue un maestro del contrapunto; Los pasajes contrapuntísticos aparecen, aparentemente de forma natural, en muchas de sus obras. ^[120]

Los autores de The Record Guide de 1955 , Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor escriben que la brillante musicalidad de Saint-Saëns fue "fundamental para llamar la atención de los músicos franceses sobre el hecho de que hay otras formas de música además de la ópera". ^[121] En la edición de 2001 del Grove's Dictionary , Ratner y Daniel Fallon, al analizar la música orquestal de Saint-Saëns, califican la Sinfonía en La sin numerar ( c.  1850 ) como la más ambiciosa de las obras juveniles del compositor. De las obras de su madurez, la Primera sinfonía (1853) es una obra seria y de gran escala, en la que se detecta la influencia de Schumann. La Sinfonía "Urbs Roma" (1856, sin numerar) en algunos sentidos representa un paso atrás, al estar orquestada con menos destreza y ser "densa y pesada" en su efecto. ^[120] Ratner y Fallon elogian la Segunda Sinfonía (1859) como un buen ejemplo de economía orquestal y cohesión estructural, con pasajes que muestran la maestría del compositor en la escritura fugada . La más conocida de las sinfonías es la Tercera (1886) que, inusualmente, tiene partes prominentes para piano y órgano. Comienza en do menor y termina en do mayor con una majestuosa melodía coral. Los cuatro movimientos están claramente divididos en dos pares, una práctica que Saint-Saëns utilizó en otras partes, notablemente en el Cuarto Concierto para piano (1875) y la Primera Sonata para violín (1885). ^[120] La obra está dedicada a la memoria de Liszt, y utiliza un motivo recurrente tratado en un estilo lisztiano de transformación temática . ^[121]

Los cuatro poemas sinfónicos de Saint-Saëns siguen el modelo de los de Liszt, aunque, en opinión de Sackville-West y Shawe-Taylor, sin la "vulgaridad descarada" a la que era propenso el compositor anterior. ^[122] El más popular de los cuatro es Danse macabre (1874), que representa esqueletos bailando a medianoche. Saint-Saëns generalmente logró sus efectos orquestales mediante una hábil armonización en lugar de una instrumentación exótica, ^[120] pero en esta pieza hizo que el xilófono ocupara un lugar destacado, representando los huesos traqueteantes de los bailarines. ^[123] Le Rouet d'Omphale (1871) fue compuesta poco después de los horrores de la Comuna, pero su ligereza y delicada orquestación no dan indicios de tragedias recientes. ^[124] Rees califica a Phaëton (1873) como el mejor de los poemas sinfónicos, desmintiendo la indiferencia profesada por el compositor hacia la melodía, ^{[n 15]} e inspirado en su representación del héroe mítico y su destino. ^[124] Un crítico en el momento del estreno adoptó una opinión diferente, escuchando en la pieza "el ruido de un carruaje bajando de Montmartre" en lugar de los caballos galopantes de la leyenda griega que inspiraron la pieza. ^[126] El último de los cuatro poemas sinfónicos, La jeunesse d'Hercule ("La juventud de Hércules", 1877) fue el más ambicioso de los cuatro, lo que, sugiere Harding, es la razón por la que es el menos exitoso. ^[127] A juicio del crítico Roger Nichols , estas obras orquestales, que combinan melodías impactantes, fuerza de construcción y orquestación memorable "establecieron nuevos estándares para la música francesa y fueron una inspiración para compositores jóvenes como Ravel". ^[113]

Saint-Saëns escribió un ballet de un acto, Javot (1896), la banda sonora de la película El asesino del duque de Guisa (1908), ^{[n.° 16]} y música incidental para una docena de obras entre 1850 y 1916. Tres de estas partituras fueron para reposiciones de clásicos de Molière y Racine, para las que el profundo conocimiento de Saint-Saëns de las partituras barrocas francesas se reflejó en sus partituras, en las que incorporó música de Lully y Charpentier . ^{[29] [130]}

Saint-Saëns fue el primer compositor francés importante en escribir conciertos para piano. Su Primer Concierto para piano en re (1858), en la forma convencional de tres movimientos, no es muy conocido, pero el Segundo, en sol menor (1868) es una de sus obras más populares. El compositor experimentó con la forma en esta pieza, reemplazando la forma sonata habitual del primer movimiento con una estructura más discursiva, comenzando con una cadencia solemne . El segundo movimiento en scherzo y el presto final contrastan tanto con la apertura que el pianista Zygmunt Stojowski comentó que la obra "comienza como Bach y termina como Offenbach". ^[131] El Tercer Concierto para piano en mi bemol (1869) tiene otro final animado, pero los movimientos anteriores son más clásicos, la textura clara, con líneas melódicas elegantes. ^[17] El Cuarto, en do menor (1875) es probablemente el concierto para piano más conocido del compositor después del Segundo. Se compone de dos movimientos, cada uno de los cuales comprende dos subsecciones identificables, y mantiene una unidad temática que no se encuentra en los otros conciertos para piano del compositor. Según algunas fuentes, fue esta pieza la que impresionó tanto a Gounod que apodó a Saint-Saëns "el Beethoven de Francia" (otras fuentes basan esa distinción en la Tercera sinfonía). ^[132] El quinto y último concierto para piano, en fa mayor, fue escrito en 1896, más de veinte años después de su predecesor. La obra se conoce como el concierto "egipcio"; fue escrita mientras el compositor pasaba el invierno en Luxor e incorpora una melodía que escuchó cantar a los barqueros del Nilo. ^[133]

El Primer Concierto para violonchelo , en la menor (1872) es una obra seria aunque animada, en un solo movimiento continuo con una primera sección inusualmente turbulenta. Es uno de los conciertos más populares del repertorio para violonchelo, muy favorecido por Pablo Casals y los intérpretes posteriores. ^[134] El Segundo , en re menor (1902), al igual que el Cuarto Concierto para piano, consta de dos movimientos, cada uno subdividido en dos secciones distintas. Es más puramente virtuoso que su predecesor: Saint-Saëns comentó a Fauré que nunca sería tan popular como el Primero porque era demasiado difícil. Hay tres conciertos para violín; el primero que se compuso data de 1858, pero no se publicó hasta 1879, como el Segundo del compositor , en do mayor. ^[135] El Primero, en la, también se completó en 1858. Es una obra corta, su único movimiento de 314 compases dura menos de un cuarto de hora. ^[136] El Segundo, en forma de concierto convencional de tres movimientos, es el doble de largo que el Primero, y es el menos popular de los tres: el catálogo temático de las obras del compositor enumera solo tres interpretaciones en vida. ^[137] El Tercero , en si menor, escrito para Pablo de Sarasate , es técnicamente desafiante para el solista, aunque los pasajes virtuosos se equilibran con intervalos de serenidad pastoral. ^[138] Es por cierto el más popular de los tres conciertos para violín, pero la obra concertante más conocida de Saint-Saëns para violín y orquesta es probablemente la Introducción y Rondo Capriccioso , en la menor, Op. 28, una pieza de un solo movimiento, también escrita para Sarasate, que data de 1863. Pasa de una apertura melancólica y tensa a un tema principal arrogante, descrito como ligeramente siniestro por el crítico Gerald Larner, quien continúa: "Después de una cadencia de múltiples paradas... el violín solista hace un sprint sin aliento a través de la coda hasta el final feliz en la mayor". ^[139]

Sin contar su colaboración con Dukas en la finalización de la inacabada Frédégonde de Guiraud , Saint-Saëns escribió doce óperas, dos de las cuales son opéras comiques . Durante la vida del compositor, su Enrique VIII se convirtió en una pieza de repertorio; desde su muerte, solo Sansón y Dalila se ha representado regularmente, aunque según Schonberg, los expertos consideran que Ascanio ^{(1890) es una obra mucho mejor. [17] [63]} El crítico Ronald Crichton escribe que, a pesar de toda su experiencia y habilidad musical, Saint-Saëns "carecía del 'olor' del animal teatral otorgado, por ejemplo, a Massenet, quien en otras formas de música era inferior a él". ^[63] En un estudio de 2005, el erudito musical Steven Huebner contrasta a los dos compositores: "Saint-Saëns obviamente no tenía tiempo para el histrionismo de Massenet". ^[140] El biógrafo de Saint-Saëns, James Harding, comenta que es lamentable que el compositor no intentara más obras de naturaleza desenfadada, en la línea de La princesse jaune , que Harding describe como algo propio de Sullivan "con un ligero toque francés". ^{[141] [n 17]}

Aunque la mayoría de las óperas de Saint-Saëns han permanecido olvidadas, Crichton las califica como importantes en la historia de la ópera francesa, como "un puente entre Meyerbeer y las óperas francesas serias de principios de la década de 1890". ^[142] En su opinión, las partituras operísticas de Saint-Saëns tienen, en general, las fortalezas y debilidades del resto de su música: "lúcida transparencia mozartiana, mayor cuidado por la forma que por el contenido  ... Hay una cierta sequedad emocional; la invención es a veces escasa, pero la ejecución es impecable". ^[63] Estilísticamente, Saint-Saëns se basó en una variedad de modelos. De Meyerbeer extrajo el uso efectivo del coro en la acción de una pieza; ^[143] para Enrique VIII incluyó música Tudor que había investigado en Londres; ^[144] en La princesa amarilla utilizó una escala pentatónica oriental; ^[120] De Wagner derivó el uso de leitmotivs , que, como Massenet, utilizó con moderación. ^[145] Huebner observa que Saint-Saëns era más convencional que Massenet en lo que se refiere a la composición , favoreciendo más a menudo arias discretas y conjuntos, con menos variedad de tempo dentro de los números individuales. ^[146] En un estudio de la ópera grabada, Alan Blyth escribe que Saint-Saëns "ciertamente aprendió mucho de Handel, Gluck, Berlioz, el Verdi de Aida y Wagner, pero a partir de estos excelentes modelos forjó su propio estilo". ^[147]

Desde los seis años y durante el resto de su vida, Saint-Saëns compuso mélodies , de las que escribió más de 140. ^[148] Consideraba que sus canciones eran completamente y típicamente francesas, negando cualquier influencia de Schubert u otros compositores alemanes de lieder . ^[149] A diferencia de su protegido Fauré, o su rival Massenet, no se sintió atraído por el ciclo de canciones, y escribió solo dos durante su larga carrera: Mélodies persanes ("Canciones persas", 1870) y Le Cendre rouge ("El fresno rojo", 1914, dedicada a Fauré). El poeta cuyas obras puso en escena con más frecuencia fue Victor Hugo; otros incluyeron a Alphonse de Lamartine , Pierre Corneille , Amable Tastu y, en ocho canciones, el propio Saint-Saëns: entre sus muchos talentos no musicales, fue un poeta aficionado. Era muy sensible a la composición de las palabras y le dijo a la joven compositora Lili Boulanger que para escribir canciones de manera efectiva el talento musical no era suficiente: "hay que estudiar la lengua francesa en profundidad; es indispensable". ^[150] La mayoría de las mélodies están escritas para acompañamiento de piano, pero unas pocas, incluyendo "Le Lever du Soleil sur le Nil" ("Amanecer sobre el Nilo", 1898) e "Hymne à la paix" ("Himno a la paz", 1919), son para voz y orquesta. ^[29] Sus composiciones y versos elegidos son generalmente tradicionales en su forma, en contraste con el verso libre y las formas menos estructuradas de una generación posterior de compositores franceses, incluido Debussy . ^[151]

Saint-Saëns compuso más de sesenta obras vocales sacras, que abarcaban desde motetes hasta misas y oratorios. Entre las composiciones de mayor escala se encuentran el Réquiem (1878) y los oratorios Le déluge (1875) y The Promised Land (1913) con texto en inglés de Herman Klein . ^[29] Estaba orgulloso de su conexión con los coros británicos, comentando: "A uno le gusta ser apreciado en el hogar, por excelencia , del oratorio". ^[38] Escribió un número menor de obras corales profanas, algunas para coro no acompañado, algunas con acompañamiento de piano y algunas con orquesta completa. ^[29] En sus obras corales, Saint-Saëns se basó en gran medida en la tradición, sintiendo que sus modelos debían ser Handel, Mendelssohn y otros maestros anteriores del género. En opinión de Klein, este enfoque era anticuado y la familiaridad del tratamiento de Saint-Saëns de la forma del oratorio impidió su éxito en él. ^[38]

Nichols comenta que, aunque Saint-Saëns, como pianista famoso, escribió para piano durante toda su vida, "esta parte de su obra ha dejado curiosamente poca huella". ^[113] Nichols exceptúa el Étude en forme de valse (1912), que observa que todavía atrae a pianistas ansiosos por mostrar su técnica con la mano izquierda. ^[113] Aunque Saint-Saëns fue apodado "el Beethoven francés", y sus Variaciones sobre un tema de Beethoven en mi bemol (1874) es su obra más extensa para piano sin acompañamiento, no emuló a su predecesor en la composición de sonatas para piano. No se sabe siquiera si contempló escribir una. ^[152] Existen conjuntos de bagatelas (1855), estudios (dos conjuntos, 1899 y 1912) y fugas (1920), pero en general las obras de Saint-Saëns para piano son piezas cortas y aisladas. Además de formas establecidas como la canción sin palabras (1871) y la mazurca (1862, 1871 y 1882) popularizadas por Mendelssohn y Chopin, respectivamente, escribió piezas descriptivas como "Souvenir d'Italie" (1887), "Les cloches du soir" ("Campanas de la tarde", 1889) y "Souvenir d'Ismaïlia" (1895). ^{[29] [153]}

Siete improvisaciones para órgano, Op. 150

Improvisación nº 7 (Allegro giocoso) interpretada por Robert Smith

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A diferencia de su alumno Fauré, cuya larga carrera como organista reticente no dejó ningún legado de obras para el instrumento, Saint-Saëns publicó un número modesto de piezas para órgano solo. ^[154] Algunas de ellas fueron escritas para su uso en servicios religiosos: "Offertoire" (1853), "Bénédiction nuptiale" (1859), "Communion" (1859) y otras. Después de dejar la Madeleine en 1877, Saint-Saëns escribió diez piezas más para órgano, la mayoría para uso en concierto, incluyendo dos conjuntos de preludios y fugas (1894 y 1898). Algunas de las obras anteriores fueron escritas para ser interpretadas en el armonio o en el órgano, y unas pocas estaban destinadas principalmente al primero. ^[29]

Saint-Saëns escribió más de cuarenta obras de cámara entre la década de 1840 y sus últimos años. Una de sus primeras obras importantes en el género fue el Quinteto para piano (1855). Es una pieza sencilla y segura, de estructura convencional con movimientos externos animados y un movimiento central que contiene dos temas lentos, uno tipo coral y el otro cantabile . ^[155] El Septeto (1880), para la inusual combinación de trompeta, dos violines, viola, violonchelo, contrabajo y piano, es una obra neoclásica que se basa en formas de danza francesas del siglo XVII. En el momento de su composición, Saint-Saëns estaba preparando nuevas ediciones de las obras de compositores barrocos, incluidos Rameau y Lully . ^[120] El Capricho sobre aires daneses y rusos (1887) para flauta, oboe, clarinete y piano, y la Barcarola en fa mayor (1898) para violín, violonchelo, armonio y piano son otros ejemplos de la instrumentación a veces poco ortodoxa de Saint-Saëns. ^[156]

En opinión de Ratner, las obras de cámara más importantes de Saint-Saëns son las sonatas: dos para violín, dos para violonchelo y una para oboe, clarinete y fagot, las siete con acompañamiento de piano. ^[155] La Primera Sonata para violín data de 1885 y está calificada por el Grove's Dictionary como una de las mejores y más características composiciones del compositor. La Segunda (1896) señala un cambio estilístico en la obra de Saint-Saëns, con un sonido más ligero y claro para el piano, característico de su música a partir de entonces. ^[120] La Primera Sonata para violonchelo (1872) fue escrita después de la muerte de la tía abuela del compositor, quien le había enseñado a tocar el piano más de treinta años antes. Es una obra seria, en la que el material melódico principal es sostenido por el violonchelo sobre un acompañamiento virtuoso de piano. Fauré la llamó la única sonata para violonchelo de cualquier país que tuvo alguna importancia. ^[157] La ​​Segunda (1905) está en cuatro movimientos y tiene la característica inusual de un tema y variaciones como su scherzo. ^[103]

Sonata para fagot con acompañamiento de piano (Op. 168, 1921)

La Sonata para fagot , interpretada por Arthur Grossman al fagot y Joseph Levine al piano

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"El cisne"

El cisne de El carnaval de los animales , interpretada por John Michel

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Las sonatas para instrumentos de viento se encuentran entre las últimas obras del compositor y forman parte de sus esfuerzos por ampliar el repertorio para instrumentos para los que apenas se habían escrito partes solistas, como le confió a su amigo Jean Chantavoine en una carta fechada el 15 de abril de 1921: "En este momento estoy concentrando mis últimas reservas en dar a instrumentos raramente considerados la oportunidad de ser escuchados". ^{[n 18]} Ratner escribe sobre ellas: "Las líneas sobrias, evocadoras y clásicas, las melodías inquietantes y las magníficas estructuras formales subrayan estos faros del movimiento neoclásico". ^[155] Gallois comenta que la Sonata para oboe comienza como una sonata clásica convencional, con un tema andantino; la sección central tiene armonías ricas y coloridas, y el final molto allegro está lleno de delicadeza, humor y encanto con una forma de tarantela . Para Gallois, la Sonata para clarinete es la más importante de las tres: la califica de «obra maestra llena de picardía, elegancia y discreto lirismo» que constituye «un resumen del resto». ^[159] La obra contrasta una «triste melancolía » en el movimiento lento con el final, que «hace piruetas en compás de 4/4», en un estilo que recuerda al siglo XVIII. El mismo comentarista llama a la Sonata para fagot «un modelo de transparencia, vitalidad y ligereza», que contiene toques humorísticos pero también momentos de pacífica contemplación. ^[160] Saint-Saëns también expresó su intención de escribir una sonata para corno inglés , pero no lo hizo. ^{[n. 19]}

La obra más famosa del compositor, El carnaval de los animales (1887), aunque está lejos de ser una pieza de cámara típica, está escrita para once intérpretes y el Grove's Dictionary la considera parte de la producción de cámara de Saint-Saëns. Grove la califica como "su obra cómica más brillante, parodiando a Offenbach, Berlioz, Mendelssohn, Rossini, su propia Danza macabra y varias melodías populares". ^[120] Prohibió las interpretaciones de esta obra durante su vida, preocupado de que su frivolidad dañara su reputación como compositor serio. ^[7]

Saint-Saëns fue un pionero en la grabación de música. En junio de 1904, la Gramophone Company de Londres envió a su productor Fred Gaisberg a París para grabar a Saint-Saëns como acompañante de la mezzosoprano Meyriane Héglon en arias de Ascanio y Samson et Dalila , y como solista en su propia música para piano, incluyendo un arreglo de secciones del Segundo Concierto para piano (sin orquesta). ^[161] Saint-Saëns hizo más grabaciones para la compañía en 1919. ^[161]

En los primeros días del disco LP , las obras de Saint-Saëns estaban representadas de forma irregular en el disco. La Record Guide (1955) enumera una grabación de cada una de la Tercera Sinfonía, el Segundo Concierto para piano y el Primer Concierto para violonchelo, junto con varias versiones de Danse Macabre , El carnaval de los animales , la Introducción y el Rondo Capriccioso y otras obras orquestales cortas. ^[162] En la última parte del siglo XX y principios del XXI, muchas más obras del compositor fueron lanzadas en LP y más tarde en CD y DVD. La Penguin Guide to Recorded Classical Music de 2008 contiene diez páginas de listados de obras de Saint-Saëns, incluidos todos los conciertos, sinfonías, poemas sinfónicos, sonatas y cuartetos. También se enumeran una misa temprana, colecciones de música para órgano y canciones corales. ^[163] En 1997 se publicó una grabación de veintisiete melodías de Saint-Saëns ^{. [164]}

Con la excepción de Sansón y Dalila, las óperas han sido escasamente representadas en disco. Una grabación de Enrique VIII fue publicada en CD y DVD en 1992. ^[165] Hélène fue lanzada en CD en 2008. ^[166] Hay varias grabaciones de Sansón y Dalila , bajo directores como Sir Colin Davis , Georges Prêtre , Daniel Barenboim y Myung-Whun Chung . ^[167] A principios de la década de 2020, el sello Bru Zane del Centre de musique romantique française publicó nuevas grabaciones de Le Timbre d'argent (dirigida por François-Xavier Roth , 2020), La Princesse jaune ( Leo Hussain , 2021) y Phryné ( Hervé Niquet , 2022). ^[168]

Saint-Saëns fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1867 y ascendido a Oficial en 1884 y a Gran Cruz en 1913. Entre los honores extranjeros que recibió se encuentran la Real Orden Victoriana británica (CVO) en 1902, la Orden de San Carlos de Mónaco en 1904 ^[169] y doctorados honorarios de las universidades de Cambridge (1893) y Oxford (1907). ^{[170] [171]}

En su obituario, The Times comentó:

La muerte de Saint-Saëns no sólo priva a Francia de uno de sus compositores más distinguidos, sino que también aleja del mundo al último representante de los grandes movimientos musicales que fueron característicos del siglo XIX. Había mantenido una vitalidad tan vigorosa y se había mantenido tan en contacto con las actividades del momento que, aunque se había vuelto habitual hablar de él como el decano de los compositores franceses, era fácil olvidar el lugar que realmente ocupaba en la cronología musical. Era sólo dos años más joven que Brahms , cinco años mayor que Chaikovski , seis años mayor que Dvořák y siete años mayor que Sullivan . Ocupaba una posición en la música de su propio país que, en algunos aspectos, puede compararse adecuadamente con la de cada uno de esos maestros en sus propias esferas. ^[170]

En un poema breve, "Mea culpa", publicado en 1890, Saint-Saëns se acusó a sí mismo de falta de decadencia y comentó con aprobación los entusiasmos excesivos de la juventud, lamentando que tales cosas no fueran para él. ^{[n 20]} Un comentarista inglés citó el poema en 1910, observando: "Sus simpatías están con los jóvenes en su deseo de avanzar, porque no ha olvidado su propia juventud cuando defendió los ideales progresistas de la época". ^[173] El compositor buscó un equilibrio entre la innovación y la forma tradicional. El crítico Henry Colles escribió, unos días después de la muerte del compositor:

En su deseo de mantener "el equilibrio perfecto" encontramos la limitación del atractivo de Saint-Saëns para la mente musical común. Saint-Saëns rara vez, o nunca, asume riesgos; nunca, para usar la jerga del momento, "se deja llevar por el abismo". Todos sus grandes contemporáneos lo hicieron. Brahms, Tchaikovsky e incluso Franck estaban dispuestos a sacrificarlo todo por el fin que cada uno quería alcanzar, a ahogarse en el intento de llegar allí si era necesario. Saint-Saëns, al preservar su equilibrio, permite a sus oyentes preservar el suyo. ^[174]

Grove concluye su artículo sobre Saint-Saëns con la observación de que, aunque sus obras son notablemente coherentes, "no se puede decir que haya desarrollado un estilo musical distintivo. Más bien, defendió la tradición francesa que amenazaba con ser engullida por las influencias wagnerianas y creó el ambiente que nutrió a sus sucesores". ^[120]

Desde la muerte del compositor, los escritores que simpatizan con su música han expresado su pesar por el hecho de que el público musical lo conozca sólo por un puñado de sus partituras, como El carnaval de los animales , el Segundo concierto para piano, el Tercer concierto para violín, la Sinfonía para órgano, Sansón y Dalila , Danza macabra y la Introducción y Rondo Capriccioso. Entre su gran producción, Nicholas destaca el Réquiem, el Oratorio de Navidad , el ballet Javotte , el Cuarteto para piano , el Septeto para trompeta, piano y cuerdas y la Primera sonata para violín como obras maestras olvidadas. ^[49] En 2004, el violonchelista Steven Isserlis dijo: "Saint-Saens es exactamente el tipo de compositor que necesita un festival para sí mismo... hay misas, todas las cuales son interesantes. He tocado toda su música para violonchelo y no hay una sola pieza mala. Sus obras son gratificantes en todos los sentidos. Y es una figura infinitamente fascinante". ^[7]

• Premios Camille

• Flynn, Timothy (primavera-otoño de 2015). «Las reverberaciones clásicas en la música y la vida de Camille Saint-Saëns». Music in Art: Revista internacional de iconografía musical . 40 (1-2): 255-264. ISSN  1522-7464. JSTOR  musicinart.40.1-2.255.

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