Francisco Poulenc

Francis Jean Marcel Poulenc ( 7 de enero de 1899 - 30 de enero de 1963) fue un compositor y pianista francés. Sus composiciones incluyen canciones , obras para piano solo, música de cámara, piezas corales, óperas, ballets y música de concierto orquestal. Entre las más conocidas se encuentran la suite para piano Trois mouvements perpétuels (1919), el ballet Les biches (1923), el Concert champêtre (1928) para clavecín y orquesta, el Concierto para órgano (1938), la ópera Dialogues des Carmélites (1957) y el Gloria (1959) para soprano , coro y orquesta.

Como hijo único de un próspero fabricante, se esperaba que Poulenc siguiera los pasos de su padre en la empresa familiar, y no se le permitió matricularse en una escuela de música. Estudió con el pianista Ricardo Viñes , que se convirtió en su mentor tras la muerte de los padres del compositor. Poulenc también conoció a Erik Satie , bajo cuya tutela pasó a formar parte de un grupo de jóvenes compositores conocidos colectivamente como Les Six . En sus primeras obras, Poulenc se hizo conocido por su entusiasmo e irreverencia. Durante la década de 1930 emergió un lado mucho más serio de su naturaleza, sobre todo en la música religiosa que compuso a partir de 1936, que alternó con sus obras más alegres.

Además de su trabajo como compositor, Poulenc fue un pianista consumado. Fue especialmente famoso por sus colaboraciones con el barítono Pierre Bernac (quien también lo asesoró en escritura vocal) y la soprano Denise Duval . Realizó giras por Europa y América con ambos, y realizó numerosas grabaciones como pianista. Fue uno de los primeros compositores en ver la importancia del gramófono , y grabó extensamente a partir de 1928.

En sus últimos años y durante décadas después de su muerte, Poulenc tuvo fama, sobre todo en su país natal, de compositor humorístico y ligero, y su música religiosa fue a menudo pasada por alto. En el siglo XXI, se ha prestado más atención a sus obras serias, con muchas nuevas producciones de Dialogues des Carmélites y La voix humaine en todo el mundo, y numerosas interpretaciones en vivo y grabadas de sus canciones y música coral.

Poulenc nació en el distrito 8 de París el 7 de enero de 1899, hijo menor y único varón de Émile Poulenc y su esposa, Jenny, de soltera Royer. ^{[1] [2]} Émile Poulenc era copropietario de Poulenc Frères , un exitoso fabricante de productos farmacéuticos (más tarde Rhône-Poulenc ). ^[3] Era miembro de una piadosa familia católica romana de Espalion en el departamento de Aveyron . Jenny Poulenc provenía de una familia parisina con amplios intereses artísticos. En opinión de Poulenc, los dos lados de su naturaleza surgieron de este trasfondo: una profunda fe religiosa de la familia de su padre y un lado mundano y artístico de la familia de su madre. ^[2] El crítico Claude Rostand más tarde describió a Poulenc como "mitad monje y mitad niño travieso". ^{[n 1]}

Poulenc creció en un hogar musical; su madre era una pianista competente, con un amplio repertorio que abarcaba desde obras clásicas hasta obras menos elevadas que le dieron un gusto de por vida por lo que él llamaba "adorable mala música". ^{[12] [n 2]} Tomó lecciones de piano desde los cinco años; cuando tenía ocho escuchó por primera vez la música de Debussy y quedó fascinado por la originalidad del sonido. Otros compositores cuyas obras influyeron en su desarrollo fueron Schubert y Stravinsky : Winterreise del primero y La consagración de la primavera del segundo le causaron una profunda impresión. ^[14] Por insistencia de su padre, Poulenc siguió una carrera escolar convencional, estudiando en el Lycée Condorcet de París en lugar de en un conservatorio de música. ^[15]

En 1916, una amiga de la infancia, Raymonde Linossier (1897-1930), presentó a Poulenc a la librería de Adrienne Monnier , la Maison des Amis des Livres . ^[16] Allí conoció a los poetas de vanguardia Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Paul Éluard y Louis Aragon . Más tarde, puso música a muchos de sus poemas. ^[17] Ese mismo año se convirtió en alumno del pianista Ricardo Viñes . El biógrafo Henri Hell comenta que la influencia de Viñes en su alumno fue profunda, tanto en la técnica pianística como en el estilo de las obras para teclado de Poulenc. Más tarde, Poulenc dijo de Viñes:

Era un hombre encantador, un hidalgo extraño con enormes bigotes, un sombrero de ala plana al más puro estilo español y botas de botones con las que me golpeaba las espinillas cuando no cambiaba lo suficiente el pedaleo. ^[18]  ... Lo admiraba locamente, porque, en esa época, en 1914, era el único virtuoso que tocaba a Debussy y Ravel . Ese encuentro con Viñes fue primordial en mi vida: le debo todo... En realidad es a Viñes a quien debo mis incipientes esfuerzos en la música y todo lo que sé sobre el piano. ^[19]

Cuando Poulenc tenía dieciséis años, su madre murió; su padre murió dos años después. Viñes se convirtió en algo más que un maestro: fue, en palabras de Myriam Chimènes en el Grove Dictionary of Music and Musicians , el «mentor espiritual» del joven. ^[2] Animó a su alumno a componer, y más tarde realizó los estrenos de tres obras tempranas de Poulenc. ^{[n 3]} A través de él, Poulenc entabló amistad con dos compositores que ayudaron a dar forma a su desarrollo temprano: Georges Auric y Erik Satie . ^[21]

Auric, que tenía la misma edad que Poulenc, fue un temprano en su desarrollo musical; cuando ambos se conocieron, la música de Auric ya se había interpretado en importantes salas de conciertos parisinas. Los dos jóvenes compositores compartían una perspectiva y entusiasmos musicales similares, y durante el resto de la vida de Poulenc, Auric fue su amigo y guía de mayor confianza. ^[22] Poulenc lo llamó "mi verdadero hermano en espíritu". ^[20] Satie, una figura excéntrica, aislada del establishment musical francés dominante, fue mentor de varios compositores jóvenes en ascenso, incluidos Auric, Louis Durey y Arthur Honegger . Después de descartar inicialmente a Poulenc como un aficionado burgués , cedió y lo admitió en el círculo de protegidos, a quienes llamó "Les Nouveaux Jeunes" . ^[23] Poulenc describió la influencia de Satie en él como "inmediata y amplia, tanto en el plano espiritual como en el musical". ^[24] El pianista Alfred Cortot comentó que los Trois mouvements perpétuels de Poulenc eran "reflejos de la perspectiva irónica de Satie adaptada a los estándares sensibles de los círculos intelectuales actuales". ^[22]

Poulenc debutó como compositor en 1917 con su Rapsodie nègre , una pieza de diez minutos y cinco movimientos para barítono y grupo de cámara; ^{[n 4]} estaba dedicada a Satie y se estrenó en uno de los conciertos de nueva música organizados por la cantante Jane Bathori . En esa época, en París había una moda por las artes africanas, y Poulenc se alegró de encontrarse con algunos versos publicados que supuestamente eran liberianos, pero estaban llenos de jerga del bulevar parisino . Utilizó uno de los poemas en dos secciones de la rapsodia . El barítono contratado para la primera interpretación perdió los nervios en el escenario y el compositor, aunque no era cantante, se sumó. Este jeu d'esprit fue el primero de muchos ejemplos de lo que los críticos anglófonos llegaron a llamar "leg-Poulenc". ^{[27] [n 5]} Ravel se divirtió con la pieza y comentó sobre la capacidad de Poulenc para inventar su propio folclore. ^[29] Stravinsky quedó tan impresionado que utilizó su influencia para conseguirle a Poulenc un contrato con un editor, una generosidad que Poulenc nunca olvidó. ^[30]

En 1917, Poulenc llegó a conocer a Ravel lo suficientemente bien como para tener serias discusiones con él sobre música. Quedó consternado por los juicios de Ravel, que exaltaban a compositores a los que Poulenc consideraba poco importantes por encima de aquellos a los que admiraba profundamente. ^{[31] [n 6]} Le contó a Satie este desafortunado encuentro; Satie respondió con un epíteto despectivo para Ravel, quien, según él, decía "un montón de tonterías". ^{[31] [n 7]} Durante muchos años, Poulenc fue ambiguo sobre la música de Ravel, aunque siempre lo respetó como hombre. La modestia de Ravel sobre su propia música atrajo particularmente a Poulenc, quien trató durante toda su vida de seguir el ejemplo de Ravel. ^{[34] [n 8]}

De enero de 1918 a enero de 1921, Poulenc fue reclutado en el ejército francés durante los últimos meses de la Primera Guerra Mundial y el período inmediatamente posterior a la guerra. Entre julio y octubre de 1918 sirvió en el frente franco-alemán , tras lo cual se le asignaron una serie de puestos auxiliares, terminando como mecanógrafo en el Ministerio de Aviación . ^[36] Sus deberes le permitieron tiempo para la composición; ^[2] los Trois mouvements perpétuels para piano y la Sonata para dúo de piano fueron escritos en el piano de la escuela primaria local en Saint-Martin-sur-le-Pré , y completó su primer ciclo de canciones , Le bestiaire , con poemas de Apollinaire. La sonata no creó una profunda impresión pública, pero el ciclo de canciones hizo conocido el nombre del compositor en Francia, y los Trois mouvements perpétuels se convirtieron rápidamente en un éxito internacional. ^[36] Las exigencias de la creación musical en tiempos de guerra enseñaron a Poulenc mucho sobre la escritura para cualquier instrumento que estuviera disponible; Luego, y más tarde, algunas de sus obras fueron para combinaciones inusuales de jugadores. ^[37]

En esta etapa de su carrera, Poulenc era consciente de su falta de formación musical académica; el crítico y biógrafo Jeremy Sams escribe que fue una suerte para el compositor que el estado de ánimo del público se volviera en contra de la exuberancia del romanticismo tardío en favor de la "frescura y el encanto despreocupado" de sus obras, aunque técnicamente no fueran sofisticadas. ^[38] Cuatro de las primeras obras de Poulenc se estrenaron en la Salle Huyghens en el área de Montparnasse , donde entre 1917 y 1920 el violonchelista Félix Delgrange presentó conciertos de música de jóvenes compositores. Entre ellos estaban Auric, Durey, Honegger, Darius Milhaud y Germaine Tailleferre quienes, con Poulenc, llegaron a ser conocidos colectivamente como " Les Six " . ^[39] Después de uno de sus conciertos, el crítico Henri Collet publicó un artículo titulado "Los cinco rusos, los seis franceses y Satie". Según Milhaud:

Collet eligió de manera completamente arbitraria los nombres de seis compositores, Auric, Durey, Honegger, Poulenc, Tailleferre y yo mismo, sin otro motivo que el de que nos conocíamos, éramos amigos y estábamos representados en los mismos programas, pero sin la menor preocupación por nuestras diferentes actitudes y nuestros diferentes carácteres. Auric y Poulenc seguían las ideas de Cocteau , Honegger era un producto del Romanticismo alemán y yo me inclinaba hacia un arte lírico mediterráneo... El artículo de Collet causó tal impresión que nació el Groupe des Six. ^{[40] [n 9]}

Cocteau, aunque de edad similar a la de Les Six , era una especie de figura paterna para el grupo. ^[41] Su estilo literario, "paradójico y lapidario" en palabras de Hell, era antirromántico, conciso e irreverente. ^[43] Atrajo mucho a Poulenc, quien hizo su primera versión de las palabras de Cocteau en 1919 y la última en 1961. ^[44] Cuando los miembros de Les Six colaboraron entre sí, contribuyeron con sus propias secciones individuales al trabajo conjunto. Su suite para piano de 1920 L'Album des Six consta de seis piezas separadas y no relacionadas. ^[45] Su ballet de 1921 Les mariés de la tour Eiffel contiene tres secciones de Milhaud, dos de Auric, Poulenc y Tailleferre, una de Honegger y ninguna de Durey, quien ya se estaba distanciando del grupo. ^[46]

A principios de la década de 1920, Poulenc seguía preocupado por su falta de formación musical formal. Satie desconfiaba de las escuelas de música, pero Ravel le aconsejó que tomara lecciones de composición; Milhaud le sugirió al compositor y profesor Charles Koechlin . ^{[47] [n 10]} Poulenc trabajó con él de forma intermitente entre 1921 y 1925. ^[49]

Desde principios de la década de 1920, Poulenc fue bien recibido en el extranjero, particularmente en Gran Bretaña, tanto como intérprete como compositor. En 1921, Ernest Newman escribió en The Manchester Guardian : "No pierdo de vista a Francis Poulenc, un joven que acaba de cumplir veinte años. Debería convertirse en un farsante de primer orden". Newman dijo que rara vez había escuchado algo tan deliciosamente absurdo como partes del ciclo de canciones de Poulenc Cocardes , con su acompañamiento interpretado por la combinación poco ortodoxa de corneta , trombón, violín y percusión. ^[50] En 1922, Poulenc y Milhaud viajaron a Viena para reunirse con Alban Berg , Anton Webern y Arnold Schoenberg . Ninguno de los compositores franceses estaba influenciado por el revolucionario sistema dodecafónico de sus colegas austriacos , pero admiraban a los tres como sus principales defensores. ^[51] Al año siguiente, Poulenc recibió un encargo de Sergei Diaghilev para una partitura de ballet de larga duración. Decidió que el tema sería una versión moderna de la clásica fête galante francesa . Esta obra, Les biches , fue un éxito inmediato, primero en Montecarlo en enero de 1924 y luego en París en mayo, bajo la dirección de André Messager ; ha permanecido como una de las partituras más conocidas de Poulenc. ^[52] La nueva celebridad de Poulenc después del éxito del ballet fue la causa inesperada de su distanciamiento de Satie: entre los nuevos amigos que hizo Poulenc estaba Louis Laloy , un escritor al que Satie miraba con implacable enemistad. ^[53] Auric, que acababa de disfrutar de un triunfo similar con un ballet de Diaghilev, Les Fâcheux , también fue repudiado por Satie por hacerse amigo de Laloy. ^[53]

A medida que avanzaba la década, Poulenc produjo una variedad de composiciones, desde canciones hasta música de cámara y otro ballet, Aubade . Hell sugiere que la influencia de Koechlin en ocasiones inhibió el estilo simple natural de Poulenc, y que Auric le ofreció una guía útil para ayudarlo a aparecer en sus verdaderos colores. En un concierto de música de los dos amigos en 1926, las canciones de Poulenc fueron cantadas por primera vez por el barítono Pierre Bernac , de quien, en palabras de Hell, "el nombre de Poulenc pronto sería inseparable". ^[54] Otra intérprete con la que el compositor llegó a estar estrechamente asociado fue la clavecinista Wanda Landowska . La escuchó como solista en El retablo de maese Pedro (1923) de Falla , un ejemplo temprano del uso del clavecín en una obra moderna, y quedó inmediatamente cautivado por el sonido. A petición de Landowska, escribió un concierto, el Concert champêtre , que ella estrenó en 1929 con la Orquesta Sinfónica de París dirigida por Pierre Monteux . ^[55]

El biógrafo Richard DE Burton comenta que, a finales de la década de 1920, Poulenc podría haber parecido estar en una posición envidiable: profesionalmente exitoso e independiente, habiendo heredado una fortuna sustancial de su padre. ^[56] Compró una gran casa de campo, Le Grand Coteau  [fr] , en Noizay , Indre-et-Loire, 140 millas (230 km) al suroeste de París, donde se retiró a componer en un entorno tranquilo. ^[56]

Comenzó su primer romance serio con el pintor Richard Chanlaire a quien envió una copia de la partitura del Concert champêtre con la siguiente inscripción:

Mientras este romance estaba en marcha, Poulenc le propuso matrimonio a su amiga Raymonde Linossier. Como ella no sólo era muy consciente de su homosexualidad, sino que también tenía relaciones románticas con alguien más, lo rechazó y su relación se volvió tensa. ^{[58] [59]} Sufrió el primero de muchos períodos de depresión, que afectaron su capacidad para componer, y quedó devastado en enero de 1930 cuando Linossier murió repentinamente a la edad de 32 años. Sobre su muerte, escribió: "Toda mi juventud se va con ella, toda esa parte de mi vida que sólo le pertenecía a ella. Lloro... ahora tengo veinte años más". ^[58] Su romance con Chanlaire se apagó en 1931, aunque siguieron siendo amigos de por vida. ^[60]

A principios de la década, Poulenc volvió a escribir canciones, después de una pausa de dos años. Su "Epitaphe", sobre un poema de Malherbe , fue escrito en memoria de Linossier, y es descrito por el pianista Graham Johnson como "una canción profunda en todos los sentidos". ^{[61] [n 11]} Al año siguiente, Poulenc escribió tres conjuntos de canciones, sobre textos de Apollinaire y Max Jacob, algunas de las cuales tenían un tono serio y otras recordaban su estilo desenfadado anterior, al igual que otras de sus obras de principios de la década de 1930. ^[63] En 1932, su música fue una de las primeras en ser transmitida por televisión, en una transmisión de la BBC en la que Reginald Kell y Gilbert Vinter tocaron su Sonata para clarinete y fagot . ^[64] Aproximadamente en esta época, Poulenc comenzó una relación con Raymond Destouches, un chófer; como con Chanlaire anteriormente, lo que comenzó como un romance apasionado se convirtió en una amistad profunda y duradera. Destouches, que se casó en la década de 1950, permaneció cerca de Poulenc hasta el final de la vida del compositor. ^[65]

En 1936, dos acontecimientos no relacionados entre sí se combinaron para inspirar un resurgimiento de la fe religiosa y una nueva profundidad de seriedad en la música de Poulenc. Su colega compositor Pierre-Octave Ferroud murió en un accidente automovilístico tan violento que fue decapitado y, casi inmediatamente después, mientras estaba de vacaciones, Poulenc visitó el santuario de Rocamadour . Más tarde explicó:

Unos días antes, me había enterado de la trágica muerte de mi colega... Meditando sobre la fragilidad de nuestra estructura humana, me sentí atraído de nuevo por la vida del espíritu. Rocamadour tuvo el efecto de devolverme la fe de mi infancia. Este santuario, sin duda el más antiguo de Francia... tenía todo para cautivarme... La misma tarde de esta visita a Rocamadour, comencé mis Letanías a la Virgen Negra para voces femeninas y órgano. En esta obra traté de transmitir la atmósfera de "devoción campesina" que me había impresionado tan fuertemente en aquella alta capilla. ^[66]

Otras obras posteriores continuaron la recién descubierta seriedad del compositor, incluyendo muchas versiones de los poemas surrealistas y humanistas de Éluard. En 1937 compuso su primera obra litúrgica importante, la Misa en sol mayor para soprano y coro mixto a capela , que se ha convertido en la más interpretada de todas sus obras sacras. ^[67] Las nuevas composiciones de Poulenc no fueron todas en esta línea seria; su música incidental para la obra La reina Margot , protagonizada por Yvonne Printemps , era una parodia de música de baile del siglo XVI, y se hizo popular bajo el título Suite française . ^[68] Los críticos musicales en general continuaron definiendo a Poulenc por sus obras desenfadadas, y no fue hasta la década de 1950 que su lado serio fue ampliamente reconocido. ^[69]

En 1936, Poulenc comenzó a dar recitales frecuentes con Bernac. En la École Normale de París dieron el estreno de Cinq poèmes de Paul Éluard de Poulenc . Continuaron actuando juntos durante más de veinte años, en París y en el extranjero, hasta la jubilación de Bernac en 1959. Poulenc, que compuso 90 canciones para su colaborador, ^[70] lo consideró uno de los "tres grandes encuentros" de su carrera profesional, los otros dos fueron Éluard y Landowska. ^{[71] [n 12]} En palabras de Johnson, "durante veinticinco años Bernac fue el consejero y la conciencia de Poulenc", y el compositor confió en él para obtener consejos no solo sobre la composición de canciones, sino también sobre sus óperas y música coral. ^[73]

A lo largo de la década, Poulenc fue popular entre el público británico; estableció una fructífera relación con la BBC de Londres, que transmitió muchas de sus obras. ^[74] Con Bernac, realizó su primera gira por Gran Bretaña en 1938. ^[75] Su música también fue popular en Estados Unidos, vista por muchos como "la quintaesencia del ingenio, la elegancia y el buen humor franceses". ^[76] En los últimos años de la década de 1930, las composiciones de Poulenc continuaron variando entre obras serias y alegres. Quatre motets pour un temps de pénitence (Cuatro motetes penitenciales, 1938-39) y la canción "Bleuet" (1939), una meditación elegíaca sobre la muerte, contrastan con el ciclo de canciones Fiançailles pour rire (Desposorios alegres), que recupera el espíritu de Les biches , en opinión de Hell. ^[77]

Poulenc fue brevemente soldado de nuevo durante la Segunda Guerra Mundial ^{[ ancla rota ]} ; fue llamado a filas el 2 de junio de 1940 y sirvió en una unidad antiaérea en Burdeos . ^[78] Después de que Francia se rindiera ante Alemania , Poulenc fue desmovilizado del ejército el 18 de julio de 1940. Pasó el verano de ese año con su familia y amigos en Brive-la-Gaillarde en el centro-sur de Francia. ^[79] En los primeros meses de la guerra, había compuesto poca música nueva, en su lugar reorquestó Les biches y reelaboró ​​su Sexteto de 1932 para piano y vientos. En Brive-la-Gaillarde comenzó tres nuevas obras, y una vez de regreso en su casa en Noizay en octubre comenzó con una cuarta. Estas fueron L'Histoire de Babar, le petit éléphant para piano y narrador, la Sonata para violonchelo , el ballet Les Animaux modèles y el ciclo de canciones Banalités . ^[77]

Durante la mayor parte de la guerra, Poulenc estuvo en París, dando recitales con Bernac, concentrándose en canciones francesas. ^{[n 13]} Bajo el régimen nazi estaba en una posición vulnerable, como homosexual conocido (Destouches evitó por poco el arresto y la deportación), pero en su música hizo muchos gestos de desafío a los alemanes. ^[80] Puso música a versos de poetas destacados de la Resistencia francesa , incluidos Aragon y Éluard. En Les Animaux modèles , estrenada en la Ópera en 1942, incluyó la melodía, repetida varias veces, de la canción antialemana "Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine". ^{[82] [83] [n 14]} Fue miembro fundador del Frente Nacional (pour musique) que las autoridades nazis veían con sospecha por su asociación con músicos prohibidos como Milhaud y Paul Hindemith . ^[84] En 1943 escribió una cantata para coro doble sin acompañamiento destinada a Bélgica, Figure humaine , en la que se pusieron en escena ocho poemas de Éluard. ^[85] La obra, que termina con «Liberté», no pudo interpretarse en Francia mientras los alemanes estuvieran en el poder; su primera interpretación se transmitió desde un estudio de la BBC en Londres en marzo de 1945, ^[86] y no se cantó en París hasta 1947. ^[87] El crítico musical de The Times escribió más tarde que la obra «se encuentra entre las mejores obras corales de nuestro tiempo y en sí misma elimina a Poulenc de la categoría de petit maître a la que la ignorancia generalmente se ha contentado con relegarlo». ^[88]

En enero de 1945, por encargo del gobierno francés, Poulenc y Bernac volaron de París a Londres, donde recibieron una entusiasta bienvenida. La Orquesta Filarmónica de Londres ofreció una recepción en honor del compositor; ^[89] él y Benjamin Britten fueron los solistas en una interpretación del Concierto para piano doble de Poulenc en el Royal Albert Hall ; ^[90] con Bernac dio recitales de melodías francesas y obras para piano en el Wigmore Hall y la National Gallery , y grabó para la BBC. ^[91] Bernac se sintió abrumado por la respuesta del público; cuando él y Poulenc salieron al escenario del Wigmore Hall, "el público se puso de pie y mi emoción fue tal que en lugar de empezar a cantar, comencé a llorar". ^[92] Después de su estancia de quince días, los dos regresaron a casa en el primer barco-tren que salía de Londres hacia París desde mayo de 1940. ^[93]

En París, Poulenc completó sus partituras para L'Histoire de Babar, le petit éléphant y su primera ópera, Les mamelles de Tirésias (Los pechos de Tiresias ), una breve ópera bufa de aproximadamente una hora de duración. ^[94] La obra es una ambientación de la obra de Apollinaire del mismo nombre, puesta en escena en 1917. Sams describe la ópera como "una atmósfera alegre y desenfrenada" que oculta "un tema más profundo y triste: la necesidad de repoblar y redescubrir una Francia devastada por la guerra". ^[94] Se estrenó en junio de 1947 en la Opéra-Comique y fue un éxito de crítica, pero no resultó popular entre el público. ^{[n 15]} El papel principal femenino lo asumió Denise Duval , quien se convirtió en la soprano favorita del compositor , compañera frecuente de recitales y dedicataria de parte de su música. ^[96] La llamó el ruiseñor que le hacía llorar ( "Mon rossignol à larmes" ). ^[97]

Poco después de la guerra, Poulenc tuvo un breve romance con una mujer, Fréderique ("Freddy") Lebedeff, con quien tuvo una hija, Marie-Ange, en 1946. La niña fue criada sin saber quién era su padre (Poulenc supuestamente era su "padrino"), pero él hizo generosas previsiones para ella, y ella fue la principal beneficiaria de su testamento. ^[72]

En el período de posguerra, Poulenc se enfrentó a los compositores de la generación más joven que rechazaban la obra reciente de Stravinsky e insistían en que sólo eran válidos los preceptos de la Segunda Escuela Vienesa . Poulenc defendió a Stravinsky y expresó su incredulidad ante el hecho de que «en 1945 hablamos como si la estética de los doce tonos fuera la única salvación posible para la música contemporánea». ^[69] Su opinión de que Berg había llevado el serialismo hasta el límite y que la música de Schoenberg era ahora «desierto, sopa de piedras, música sucedánea o vitaminas poéticas» le valió la enemistad de compositores como Pierre Boulez . ^{[n 16]} Aquellos que no estaban de acuerdo con Poulenc intentaron pintarlo como una reliquia de la era anterior a la guerra, frívolo y poco progresista. Esto lo llevó a centrarse en sus obras más serias y a tratar de persuadir al público francés para que las escuchara. En Estados Unidos y Gran Bretaña, con sus fuertes tradiciones corales, su música religiosa se interpretó con frecuencia, pero las interpretaciones en Francia fueron mucho más raras, por lo que el público y los críticos a menudo desconocían sus composiciones serias. ^{[69] [99] [n 17]}

En 1948 Poulenc hizo su primera visita a los EE. UU., en una gira de conciertos de dos meses con Bernac. ^[99] Regresó allí con frecuencia hasta 1961, dando recitales con Bernac o Duval y como solista en el estreno mundial de su Concierto para piano (1949), encargado por la Orquesta Sinfónica de Boston . ^[2]

Poulenc comenzó la década de 1950 con un nuevo compañero en su vida privada, Lucien Roubert, un vendedor ambulante. ^[100] Profesionalmente, Poulenc fue productivo, escribiendo un ciclo de siete canciones ambientadas en poemas de Éluard, La Fraîcheur et le feu (1950), y el Stabat Mater , en memoria del pintor Christian Bérard , compuesto en 1950 y estrenado al año siguiente. ^[101]

En 1953, La Scala y la editorial milanesa Casa Ricordi le ofrecieron a Poulenc un encargo para un ballet. Consideró la historia de Santa Margarita de Cortona , pero encontró impracticable una versión danzada de su vida. Prefirió escribir una ópera sobre un tema religioso; Ricordi sugirió Dialogues des Carmélites , un guion no filmado de Georges Bernanos . El texto, basado en un cuento de Gertrud von Le Fort , describe a las Mártires de Compiègne , monjas guillotinadas durante la Revolución Francesa por sus creencias religiosas. Poulenc lo encontró "una obra tan conmovedora y noble", ^[35] ideal para su libreto, y comenzó a componerlo en agosto de 1953. ^[102]

Durante la composición de la ópera, Poulenc sufrió dos golpes. Se enteró de una disputa entre el patrimonio de Bernanos y el escritor Emmet Lavery , que poseía los derechos de las adaptaciones teatrales de la novela de Le Fort; esto hizo que Poulenc dejara de trabajar en su ópera. ^[103] Casi al mismo tiempo, Roubert enfermó gravemente. ^{[n 18]} La intensa preocupación llevó a Poulenc a una crisis nerviosa, y en noviembre de 1954 estaba en una clínica en L'Haÿ-les-Roses , a las afueras de París, fuertemente sedado. ^[105] Cuando se recuperó, y las disputas por los derechos literarios y los pagos de regalías con Lavery se resolvieron, reanudó el trabajo en Dialogues des Carmélites entre una extensa gira con Bernac en Inglaterra. Como su riqueza personal había disminuido desde la década de 1920, necesitaba los ingresos sustanciales que obtenía de sus recitales. ^[106]

Mientras trabajaba en la ópera, Poulenc compuso poco más; las excepciones fueron dos mélodies y un breve movimiento orquestal, "Bucolique" en una obra colectiva, Variations sur le nom de Marguerite Long (1954), a la que también contribuyeron sus viejos amigos de Les Six Auric y Milhaud. ^[107] Mientras Poulenc escribía las últimas páginas de su ópera en octubre de 1955, Roubert murió a la edad de cuarenta y siete años. El compositor escribió a un amigo: "Lucien fue liberado de su martirio hace diez días y la copia final de Les Carmélites se completó (tome nota) en el mismo momento en que mi querido exhaló su último suspiro". ^[69]

La ópera se estrenó en enero de 1957 en La Scala en traducción italiana. ^[94] Entre esa fecha y el estreno en Francia, Poulenc presentó una de sus últimas obras más populares, la Sonata para flauta , que él y Jean-Pierre Rampal interpretaron en junio en el Festival de Música de Estrasburgo . ^[108] Tres días después, el 21 de junio, se estrenó en París Diálogos de Carmelitas en la Ópera. Fue un gran éxito, para gran alivio del compositor. ^[109] En esa época, Poulenc inició su última relación romántica con Louis Gautier, un ex soldado; siguieron siendo pareja hasta el final de la vida de Poulenc. ^[110]

En 1958, Poulenc se embarcó en una colaboración con su viejo amigo Cocteau, en una versión operística del monodrama de 1930 de este último, La Voix humaine . ^{[n 20]} La obra se produjo en febrero de 1959 en la Opéra-Comique, bajo la dirección de Cocteau, con Duval como la trágica mujer abandonada que habla con su antiguo amante por teléfono. ^[112] En mayo, el 60º cumpleaños de Poulenc se celebró, unos meses más tarde, con su último concierto con Bernac antes de que este último se retirara de las actuaciones en público. ^[109]

Poulenc visitó los EE. UU. en 1960 y 1961. Entre sus obras interpretadas durante estos viajes se encuentran el estreno estadounidense de La Voix humaine en el Carnegie Hall de Nueva York, con Duval, ^[112] y el estreno mundial de su Gloria , una obra a gran escala para soprano, coro mixto de cuatro partes y orquesta, dirigida en Boston por Charles Munch . ^[113] En 1961, Poulenc publicó un libro sobre Chabrier, un estudio de 187 páginas del cual un crítico escribió en la década de 1980: "escribe con el amor y la perspicacia de un compositor cuyas opiniones compartía sobre cuestiones como la primacía de la melodía y la seriedad esencial del humor". ^[114] Las obras de los últimos doce meses de Poulenc incluyeron Sept répons des ténèbres para voces y orquesta, la Sonata para clarinete y la Sonata para oboe . ^[2]

El 30 de enero de 1963, en su apartamento frente al Jardín de Luxemburgo , Poulenc sufrió un infarto mortal. Su funeral se celebró en la cercana iglesia de Saint-Sulpice . En cumplimiento de sus deseos, no se interpretó ninguna de sus obras; Marcel Dupré tocó obras de Bach en el gran órgano de la iglesia. ^[67] Poulenc fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise , junto a su familia. ^{[109] [115]}

La música de Poulenc es esencialmente diatónica . En opinión de Henri Hell , esto se debe a que la característica principal del arte musical de Poulenc es su don melódico. ^[116] En palabras de Roger Nichols en el diccionario Grove , "Para [Poulenc] el elemento más importante de todos era la melodía y encontró su camino hacia un vasto tesoro de melodías no descubiertas dentro de un área que, según los mapas musicales más actualizados, había sido estudiada, trabajada y agotada". ^[2] El comentarista George Keck escribe: "Sus melodías son simples, agradables, fáciles de recordar y, la mayoría de las veces, emocionalmente expresivas". ^[117]

Poulenc dijo que no era inventivo en su lenguaje armónico. El compositor Lennox Berkeley escribió sobre él: "Durante toda su vida, se contentó con usar la armonía convencional, pero su uso de ella era tan individual, tan inmediatamente reconocible como propio, que le dio a su música frescura y validez". ^[118] Keck considera el lenguaje armónico de Poulenc "tan bello, interesante y personal como su escritura melódica... armonías claras y simples que se mueven en áreas tonales claramente definidas con un cromatismo que rara vez es más que pasajero". ^[117] Poulenc no tenía tiempo para teorías musicales; en una de sus muchas entrevistas de radio pidió "¡una tregua para componer según la teoría, la doctrina, las reglas!" ^[119] Despreciaba lo que consideraba el dogmatismo de los partidarios de la dodecafonía de la época , encabezados por René Leibowitz , ^[120] y lamentaba enormemente que la adopción de un enfoque teórico hubiera afectado a la música de Olivier Messiaen , en quien había depositado grandes esperanzas anteriormente. ^{[n 22]} Casi toda la música de Poulenc está "directa o indirectamente inspirada por las asociaciones puramente melódicas de la voz humana". ^[123] Poulenc era un artesano minucioso, aunque creció un mito - "la légende de facilité"  - de que su música le resultaba fácil; comentó: "El mito es excusable, ya que hago todo lo posible para ocultar mis esfuerzos". ^[124]

El pianista Pascal Rogé comentó en 1999 que ambos lados de la naturaleza musical de Poulenc eran igualmente importantes: "Hay que aceptarlo como un todo. Si se elimina cualquiera de las partes, la seria o la no seria, se destruye. Si se borra una parte, sólo se obtiene una pálida fotocopia de lo que realmente es". ^[125] Poulenc reconoció la dicotomía, ^[125] pero en todas sus obras quería una música que fuera "sana, clara y robusta - música tan francamente francesa como la de Stravinsky es eslava". ^{[126] [n 23]}

Las principales obras de Poulenc para gran orquesta comprenden dos ballets, una Sinfonietta y cuatro conciertos para teclado. El primero de los ballets, Les biches , se estrenó en 1924 y sigue siendo una de sus obras más conocidas. Nichols escribe en Grove que la partitura clara y melodiosa no tiene simbolismo profundo, ni siquiera superficial, un hecho "acentuado por un pequeño pasaje de metales de imitación wagneriana , completo con emotivas novenas menores ". ^[2] Los dos primeros de los cuatro conciertos están en la vena desenfadada de Poulenc. El Concert champêtre para clavecín y orquesta (1927-28), evoca el campo visto desde un punto de vista parisino: Nichols comenta que las fanfarrias del último movimiento recuerdan a las cornetas de los cuarteles de Vincennes en los suburbios de París. ^[2] El Concierto para dos pianos y orquesta (1932) es de manera similar una obra destinada puramente a entretener. Se basa en una variedad de fuentes estilísticas: el primer movimiento termina de una manera que recuerda al gamelan balinés , y el movimiento lento comienza en un estilo mozartiano, que Poulenc llena gradualmente con sus propios toques personales característicos. ^[127] El Concierto para órgano (1938) es de una vena mucho más seria. Poulenc dijo que estaba "en las afueras" de su música religiosa, y hay pasajes que se basan en la música de iglesia de Bach , aunque también hay interludios en un estilo popular despreocupado. La segunda partitura del ballet, Les Animaux modèles (1941), nunca ha igualado la popularidad de Les biches , aunque tanto Auric como Honegger elogiaron el estilo armónico del compositor y su ingeniosa orquestación. ^[128] Honegger escribió: "Las influencias que han trabajado en él, Chabrier, Satie, Stravinsky, ahora están completamente asimiladas. Al escuchar su música, piensas: es Poulenc". ^[129] La Sinfonietta (1947) es un regreso a la frivolidad de Poulenc de antes de la guerra. Llegó a sentir: "Me vestí demasiado joven para mi edad... [es] una nueva versión de Les biches pero chicas jóvenes [ biches ] que tienen cuarenta y ocho años, ¡eso es horrible!" ^[69] El Concierto para piano y orquesta (1949) inicialmente causó cierta decepción: muchos sintieron que no era un avance en la música de Poulenc de antes de la guerra, una opinión que él llegó a compartir. La pieza ha sido reevaluada en años más recientes, y en 1996 la escritora Claire Delamarche la calificó como la mejor obra concertante del compositor. ^[130]

Poulenc, un pianista muy talentoso, solía componer al piano y escribió muchas piezas para este instrumento a lo largo de su carrera. En opinión de Henri Hell, la escritura para piano de Poulenc se puede dividir en el estilo percusivo y el estilo más suave que recuerda al clavicémbalo. Hell considera que lo mejor de la música para piano de Poulenc se encuentra en los acompañamientos de las canciones, una opinión compartida por el propio Poulenc. ^{[2] [131]} La gran mayoría de las obras para piano son, en opinión del escritor Keith W Daniel, "lo que podría llamarse 'miniaturas'". ^[132] Al mirar en retrospectiva su música para piano en la década de 1950, el compositor la vio de manera crítica: "Tolero los Mouvements perpétuels , mi antigua Suite en ut [en do] y las Trois pieces . Me gustan mucho mis dos colecciones de Improvisaciones, un Intermezzo en la bemol y ciertos Nocturnos . Condeno Napoli y las Soirées de Nazelles sin indulto". ^[133]

De las piezas citadas con aprobación por Poulenc, las quince Improvisaciones fueron compuestas a intervalos entre 1932 y 1959. ^{[n 24] Todas son breves: la más larga dura un poco más de tres minutos. Varían desde el lirismo rápido y balético hasta el tierno,} la marcha antigua , el perpetuum mobile , el vals y un conmovedor retrato musical de la cantante Édith Piaf . ^[134] El Intermezzo favorito de Poulenc fue el último de tres. Los números uno y dos fueron compuestos en agosto de 1934; el La bemol le siguió en marzo de 1943. Los comentaristas Marina y Victor Ledin describen la obra como "la encarnación de la palabra 'encantador'. La música parece simplemente salir de las páginas, cada sonido sigue a otro de una manera tan honesta y natural, con elocuencia y un inconfundible carácter francés". ^[135] Los ocho nocturnos fueron compuestos a lo largo de casi una década (1929-38). Independientemente de si Poulenc las concibió originalmente como un conjunto integral o no, le dio a la octava el título de «Para servir de coda para el ciclo» ( Pour servir de Coda au Cycle ). Aunque comparten su título genérico con los nocturnos de Field , Chopin y Fauré, los de Poulenc no se parecen a los de los compositores anteriores, siendo «escenas nocturnas e imágenes sonoras de eventos públicos y privados» en lugar de poemas sinfónicos románticos . ^[135]

Las piezas que Poulenc encontró apenas tolerables eran todas obras tempranas: Trois mouvements perpétuels data de 1919, la Suite en do de 1920 y las Trois pièces de 1928. Todas consisten en secciones cortas, siendo la más larga el "Himno", la segunda de las tres piezas de 1928, que dura unos cuatro minutos. ^[134] De las dos obras que su compositor destacó para censurar, Napoli (1925) es un retrato de Italia en tres movimientos, y Les Soirées de Nazelles es descrita por el compositor Geoffrey Bush como "el equivalente francés de las Variaciones Enigma de Elgar ": bocetos en miniatura de los personajes de sus amigos. A pesar del desprecio de Poulenc por la obra, Bush la juzga ingeniosa e ingeniosa. ^[136] Entre la música para piano no mencionada, ni favorable ni ásperamente, por Poulenc, las piezas más conocidas incluyen las dos Novelettes (1927-28), el conjunto de seis miniaturas para niños, Villageoises (1933), una versión para piano de la Suite française de siete movimientos (1935), y L'embarquement pour Cythère para dos pianos (1953). ^[137]

En Grove , Nichols divide las obras de cámara en tres períodos claramente diferenciados. Las primeras cuatro sonatas proceden del grupo temprano, todas escritas antes de que Poulenc cumpliera veintidós años. Son para dos clarinetes (1918), dúo de piano (1918), clarinete y fagot (1922) y trompa, trompeta y trombón (1922). ^[138] Son ejemplos tempranos de las múltiples y variadas influencias de Poulenc, con ecos de divertissements rococó junto a armonías poco convencionales, algunas influidas por el jazz. Las cuatro se caracterizan por su brevedad —menos de diez minutos cada una—, su picardía y su ingenio, que Nichols describe como ácido. Otras obras de cámara de este período son la Rapsodie nègre , FP 3, de 1917 (principalmente instrumental, con breves episodios vocales) y el Trío para oboe, fagot y piano (1926). ^[2]

Las obras de cámara del período intermedio de Poulenc fueron escritas en los años 1930 y 1940. La más conocida es el Sexteto para piano y viento (1932), en la vena desenfadada de Poulenc, que consta de dos movimientos exteriores animados y un divertimento central ; esta fue una de varias obras de cámara con las que el compositor se sintió insatisfecho y revisó extensamente algunos años después de su primera interpretación (en este caso en 1939-40). ^{[139] [n 25]} Las sonatas de este grupo son para violín y piano (1942-43) y para violonchelo y piano (1948). Escribir para cuerdas no fue fácil para Poulenc; estas sonatas se completaron después de dos intentos anteriores infructuosos, ^{[n 26]} y en 1947 destruyó el borrador de un cuarteto de cuerdas. ^{[n 27]} Ambas sonatas son predominantemente graves en carácter; La sonata para violín está dedicada a la memoria de Federico García Lorca . ^[2] Algunos comentaristas, entre ellos Hell, Schmidt y el propio Poulenc, la han considerado, y en cierta medida la sonata para violonchelo, menos efectiva que las sonatas para viento. ^[142] El "Concerto choréographique" para piano y 18 instrumentos (1930) de Aubade logra un efecto casi orquestal, a pesar de su modesto número de intérpretes. ^{[n 28]} Las otras obras de cámara de este período son arreglos para pequeños conjuntos de dos obras en la vena más ligera de Poulenc, la Suite française (1935) y los Trois mouvements perpétuels (1946). ^[144]

Las tres últimas sonatas son para instrumentos de viento y piano: para flauta (1956-57), clarinete (1962) y oboe (1962). Según Grove , se han convertido en piezas fijas de sus repertorios debido a "su pericia técnica y su profunda belleza". La Élégie para trompa y piano (1957) fue compuesta en memoria del trompista Dennis Brain . ^[2] Contiene una de las raras incursiones de Poulenc en la dodecafonía, con el breve empleo de una serie de tonos de doce notas . ^[145]

Poulenc compuso canciones a lo largo de su carrera, y su producción en el género es extensa. ^{[n 29]} En opinión de Johnson, la mayoría de las mejores fueron escritas en los años 1930 y 1940. ^[147] Aunque de carácter muy variado, las canciones están dominadas por la preferencia de Poulenc por ciertos poetas. Desde el comienzo de su carrera favoreció los versos de Guillaume Apollinaire, y desde mediados de la década de 1930 el escritor cuyas obras ambientó con más frecuencia fue Paul Éluard. Otros poetas cuyas obras frecuentemente ambientó incluyeron a Jean Cocteau, Max Jacob y Louise de Vilmorin . ^[148] En opinión del crítico musical Andrew Clements, las canciones de Éluard incluyen muchas de las mejores interpretaciones de Poulenc; ^[149] Johnson llama al ciclo Tel Jour, Telle Nuit (1937) la "obra decisiva" del compositor, y Nichols lo considera como "una obra maestra digna de estar al lado de La Bonne Chanson de Fauré ". ^[2] Clements encuentra en las composiciones de Éluard una profundidad "a un mundo de distancia de las superficies frágiles y jocosas de la música orquestal e instrumental temprana de Poulenc". ^[149] El primero de los Deux poèmes de Louis Aragon (1943), titulado simplemente "C", es descrito por Johnson como "una obra maestra conocida en todo el mundo; es la canción más inusual, y quizás la más conmovedora, sobre los estragos de la guerra jamás compuesta". ^[150]

En una reseña de las canciones en 1973, la estudiosa musical Yvonne Gouverné dijo: "Con Poulenc, la línea melódica coincide tan bien con el texto que parece de alguna manera completarlo, gracias al don que tiene la música para penetrar la esencia misma de un poema dado; nadie ha elaborado mejor una frase que Poulenc, resaltando el color de las palabras". ^[151] Entre las piezas más ligeras, una de las canciones más populares del compositor es una versión de Les Chemins de l'amour para la obra de Jean Anouilh de 1940 como un vals parisino; ^[152] por el contrario, su "monólogo" "La Dame de Monte Carlo" (1961), una representación de una anciana adicta al juego, muestra la dolorosa comprensión del compositor de los horrores de la depresión. ^[153]

Aparte de una obra temprana para coro no acompañado ("Chanson à boire", 1922), Poulenc comenzó a escribir música coral en 1936. En ese año produjo tres obras para coro: Sept chansons (arreglos de versos de Éluard y otros), Petites voix (para voces infantiles) y su obra religiosa Litanies à la Vierge Noire , para voces femeninas o infantiles y órgano. ^[154] Gouverné describe la Misa en sol mayor (1937) para coro no acompañado como de estilo barroco , con "vitalidad y clamor alegre en el que su fe está escrita a lo grande". ^[151] El tema religioso recién descubierto de Poulenc continuó con Quatre motets pour un temps de pénitence (1938-39), pero entre sus obras corales más importantes está la cantata profana Figure humaine (1943). Al igual que la Misa, no necesita acompañamiento y para tener éxito en la interpretación se requieren cantantes de la más alta calidad. ^[2] Otras obras a capella incluyen los Quatre motetes pour le temps de Noël (1952), que exigen severas exigencias a la precisión rítmica y la entonación de los coros. ^[155]

Las principales obras de Poulenc para coro y orquesta son el Stabat Mater (1950), el Gloria (1959-1960) y Sept répons des ténèbres (Siete responsorios para las Tinieblas , 1961-1962). Todas estas obras están basadas en textos litúrgicos, originalmente ambientados en canto gregoriano . ^[67] En el Gloria , la fe de Poulenc se expresa de una manera exuberante y alegre, con intervalos de calma de oración y sentimiento místico, y un final de serena tranquilidad. ^[67] Poulenc escribió a Bernac en 1962: "He terminado Les Ténèbres. Creo que es hermoso. Con el Gloria y el Stabat Mater, creo que tengo tres buenas obras religiosas. Ojalá me ahorren unos días en el Purgatorio , si evito por poco ir al infierno". ^[67] Sept répons des ténèbres , que Poulenc no llegó a escuchar, utiliza una gran orquesta, pero en opinión de Nichols muestra una nueva concentración de pensamiento. ^[2] Para el crítico Ralph Thibodeau, la obra puede considerarse como el propio réquiem de Poulenc y es "la más vanguardista de sus composiciones sagradas, la más exigente emocionalmente y la más interesante musicalmente, comparable solo con su magnum opus sacrum , la ópera Dialogues des Carmélites ". ^[67]

Poulenc se dedicó a la ópera recién en la segunda mitad de su carrera. Habiendo alcanzado la fama a los veinte años, tuvo que pasar los cuarenta antes de intentar escribir su primera ópera. Atribuyó esto a la necesidad de madurez antes de abordar los temas que eligió. En 1958 le dijo a un entrevistador: "Cuando tenía veinticuatro años pude escribir Les biches [pero] es obvio que a menos que un compositor de treinta años tenga el genio de un Mozart o la precocidad de Schubert no podría escribir Las carmelitas  ; los problemas son demasiado profundos". ^[35] En opinión de Sams, las tres óperas de Poulenc muestran una profundidad de sentimiento muy alejada del "estilista cínico de los años veinte": Les Mamelles de Tirésias (1947), a pesar de la trama desenfrenada, está llena de nostalgia y una sensación de pérdida. En las dos óperas declaradamente serias, Dialogues des Carmélites (1957) y La Voix humaine (1959), en las que Poulenc describe un profundo sufrimiento humano, Sams ve un reflejo de las propias luchas del compositor con la depresión. ^[2]

En términos de técnica musical, las óperas muestran lo lejos que había llegado Poulenc desde sus inicios ingenuos e inseguros. Nichols comenta en Grove que Les mamelles de Tirésias despliega «solos líricos, dúos de patrones, corales, líneas de falsete para tenor y bajo y... logra ser a la vez divertida y hermosa». ^[2] En las tres óperas, Poulenc se basó en compositores anteriores, al tiempo que mezclaba su influencia en una música inequívocamente suya. En la partitura impresa de Dialogues des Carmélites reconoció su deuda con Músorgski , Monteverdi , Debussy y Verdi . ^[156] El crítico Renaud Machart escribe que Dialogues des Carmélites es, junto con Peter Grimes de Britten , una de las óperas extremadamente raras escritas desde la Segunda Guerra Mundial que aparecen en programas de ópera en todo el mundo. ^[157]

Incluso cuando escribía para una gran orquesta, Poulenc utilizaba con moderación toda la fuerza de sus composiciones en sus óperas, a menudo escribiendo para instrumentos de viento de madera, de metal o de cuerda solamente. Con la valiosa aportación de Bernac, demostró una gran habilidad para escribir para la voz humana, adaptando la música a la tesitura de cada personaje. ^[156] En la época de la última de las óperas, La Voix humaine , Poulenc se sentía capaz de darle a la soprano fragmentos de música sin acompañamiento orquestal en absoluto, aunque cuando la orquesta toca, Poulenc pide que la música esté "bañada de sensualidad". ^[158]

Poulenc fue uno de los compositores que reconocieron en la década de 1920 el importante papel que desempeñaría el gramófono en la promoción de la música. ^[2] La primera grabación de su música se realizó en 1928, con la mezzosoprano Claire Croiza acompañada por el compositor al piano, en el ciclo completo de canciones La bestiaire para la Columbia Francesa . ^[159] Hizo numerosas grabaciones, principalmente para la división francesa de EMI . Con Bernac y Duval grabó muchas de sus propias canciones, y las de otros compositores, incluidos Chabrier, Debussy, Gounod y Ravel. ^[160] Tocó la parte de piano en grabaciones de su Babar el elefante con Pierre Fresnay y Noël Coward como narradores. ^[161] En 2005, EMI lanzó un DVD, "Francis Poulenc & Friends", con interpretaciones filmadas de la música de Poulenc, interpretadas por el compositor, con Duval, Jean-Pierre Rampal , Jacques Février y Georges Prêtre . ^[162]

Una discografía de 1984 de la música de Poulenc enumera grabaciones de más de 1300 directores, solistas y conjuntos, incluidos los directores Leonard Bernstein , Charles Dutoit , Milhaud, Charles Munch , Eugene Ormandy , Prêtre, André Previn y Leopold Stokowski . Entre los cantantes, además de Bernac y Duval, la lista incluye a Régine Crespin , Dietrich Fischer-Dieskau , Nicolai Gedda , Peter Pears , Yvonne Printemps y Gérard Souzay . Los solistas instrumentales incluyen a Britten, Jacques Février , Pierre Fournier , Emil Gilels , Yehudi Menuhin y Arthur Rubinstein . ^[163]

Gabriel Tacchino , que había sido el único alumno de piano de Poulenc (publicado en el sello EMI), Pascal Rogé ( Decca ) , Paul Crossley ( CBS ), Eric Parkin ( Chandos ) , Éric Le Sage ( RCA ) y Olivier Cazal ( Naxos ) han grabado conjuntos completos de la música para piano solo de Poulenc . ^{[164] [165] El Nash Ensemble (} Hyperion ), Éric Le Sage y varios solistas franceses ( RCA ) y una variedad de jóvenes músicos franceses (Naxos) han grabado conjuntos integrales de la música de cámara . ^{[125] [166]}

El estreno mundial de Dialogues des Carmélites (en italiano, Dialoghi delle Carmelitane ) fue grabado y lanzado en CD. La primera grabación en estudio fue poco después del estreno en Francia, y desde entonces ha habido al menos diez grabaciones en vivo o en estudio en CD o DVD, la mayoría de ellas en francés, pero una en alemán y otra en inglés. ^[167]

Las dos caras de la naturaleza musical de Poulenc provocaron malentendidos durante su vida y han seguido haciéndolo. El compositor Ned Rorem observó: "Era profundamente devoto e incontrolablemente sensual"; ^[168] esto todavía lleva a algunos críticos a subestimar su seriedad. ^[125] Su apego inflexible a la melodía, tanto en sus obras más ligeras como en sus obras más serias, ha hecho que algunos lo consideren poco progresista. Aunque no estuvo muy influenciado por los nuevos desarrollos en la música, Poulenc siempre estuvo profundamente interesado en las obras de las generaciones más jóvenes de compositores. Lennox Berkeley recordó: "A diferencia de algunos artistas, estaba genuinamente interesado en el trabajo de otras personas y sorprendentemente apreciaba la música muy alejada de la suya. Recuerdo que me tocaba los discos de Le marteau sans maître de Boulez con los que ya estaba familiarizado cuando esa obra era mucho menos conocida que hoy". ^[118] Boulez no adoptó una postura recíproca, y en 2010 comentó: «Siempre hay gente que toma un camino intelectual fácil. Poulenc vino después de La Sacre [du Printemps] , pero no fue un progreso». ^[169] Otros compositores han encontrado más mérito en la obra de Poulenc; Stravinsky le escribió en 1931: «Eres verdaderamente bueno, y eso es lo que encuentro una y otra vez en tu música». ^[170]

En sus últimos años, Poulenc observó: "si la gente sigue interesada en mi música dentro de 50 años será por mi Stabat Mater más que por los Mouvements perpétuels ". En un homenaje por el centenario en The Times, Gerald Larner comentó que la predicción de Poulenc era errónea y que en 1999 el compositor era ampliamente celebrado por ambos lados de su carácter musical: "tanto el ferviente católico como el niño travieso, tanto por el Gloria como por Les Biches, tanto por Les Dialogues des Carmélites como por Les Mamelles de Tirésias". ^[125] Casi al mismo tiempo, la escritora Jessica Duchen describió a Poulenc como "una masa burbujeante y efervescente de energía gala que puede hacerte reír y llorar en cuestión de segundos. Su lenguaje habla clara, directa y humanamente a todas las generaciones". ^[171]

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• Poulenc, Francisco (1999). Lucie Kayas (ed.). À bâtons rompus (écrits radiophoniques, Journal de vacances, Feuilles américaines) (en francés). Arlés: Actes Sud . ISBN 978-2-7427-2033-0.
• Poulenc, Francisco (2011). Nicolás Southon (ed.). J'écris ce qui me chante: écrits et entretiens (en francés). París: Fayard. ISBN 978-2-213-63670-2.
• Ramaut, Alban, ed. (2005). Francis Poulenc et la voix (en francés). Lyon: Symétrie. ISBN 978-2-914373-02-9.

• Francis Poulenc 1899–1963, sitio web oficial (versión en francés e inglés)
• Material de Poulenc en los archivos de BBC Radio 3
• Partituras gratuitas de Francis Poulenc en la Biblioteca de Dominio Público Coral (ChoralWiki)
• Partituras gratuitas de Francis Poulenc en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• Guía del archivo de la familia Lambiotte/Francis Poulenc, 1920-1994 (Woodson Research Center, Fondren Library, Rice University, Houston, TX, EE. UU.)
• Francis Poulenc en IMDb
• Retratos de Francis Poulenc en la National Portrait Gallery de Londres