Ígor Stravinski

Ígor Stravinski
Игорь Стравинский
Stravinsky a principios de la década de 1920
Nacido	( 1882-06-17 )17 de junio de 1882 Oranienbaum , Rusia
Fallecido	6 de abril de 1971 (6 de abril de 1971)(88 años) Ciudad de Nueva York , Estados Unidos
Ocupaciones	Compositor conductor pianista
Obras	Lista de composiciones
Esposas	Ekaterina Nosenko ​ ​ ( m.  1906 ; murió en  1939 ) Vera de Bosset ​ ( nacido en  1940 )
Niños	4, incluidos Théodore y Soulima
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Ígor Fiódorovich Stravinski ⁽ 17 de junio de 1882 - 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso con ciudadanía francesa (desde 1934) y estadounidense (desde 1945). Es considerado uno de los compositores más importantes e influyentes ^del siglo XX y una figura fundamental en la música modernista .

Stravinsky nació en el seno de una familia de músicos en San Petersburgo , Rusia, y creció tomando lecciones de piano y teoría musical . Mientras estudiaba Derecho en la Universidad de San Petersburgo , conoció a Nikolai Rimsky-Korsakov y estudió música con él hasta su muerte en 1908. Stravinsky conoció al empresario Sergei Diaghilev poco después, quien encargó al compositor que escribiera tres ballets para las temporadas de los Ballets Rusos en París: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), el último de los cuales casi provocó un tumulto en el estreno debido a su naturaleza vanguardista y que más tarde cambió la forma en que los compositores entendían la estructura rítmica.

La carrera compositiva de Stravinski suele dividirse en tres períodos principales: su período ruso (1913-1920), su período neoclásico (1920-1951) y su período serial (1954-1968). Durante su período ruso, Stravinski estuvo fuertemente influenciado por los estilos y el folclore rusos. Obras como Renard (1916) y Les noces (1923) se basaron en la poesía popular rusa, mientras que composiciones como L'Histoire du soldat (1918) integraron estos elementos folclóricos con formas musicales populares, incluido el tango, el vals, el ragtime y el coral . Su período neoclásico exhibió temas y técnicas del período clásico , como el uso de la forma sonata en su Octeto (1923) y el uso de temas mitológicos griegos en obras como Apollon musagète (1927), Oedipus rex (1927) y Perséfone (1935). En su período serial, Stravinsky se inclinó por las técnicas de composición de la Segunda Escuela Vienesa , como la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg . In Memoriam Dylan Thomas (1954) fue la primera de sus composiciones que se basó completamente en esta técnica, y Canticum Sacrum (1956) fue la primera que se basó en una serie de tonos . La última obra importante de Stravinsky fue Requiem Canticles (1966), que se interpretó en su funeral.

Aunque muchos seguidores se mostraron confundidos por los constantes cambios estilísticos de Stravinsky, escritores posteriores reconocieron que su lenguaje versátil fue importante en el desarrollo de la música modernista. Las ideas revolucionarias de Stravinsky influyeron en compositores tan diversos como Aaron Copland , Philip Glass , Béla Bartók y Pierre Boulez , quienes se vieron desafiados a innovar la música en áreas más allá de la tonalidad , especialmente el ritmo y la forma musical . En 1998, la revista Time incluyó a Stravinsky como una de las 100 personas más influyentes del siglo. Stravinsky murió de edema pulmonar el 6 de abril de 1971 en la ciudad de Nueva York, habiendo dejado seis memorias escritas con su amigo y asistente Robert Craft , así como una autobiografía anterior y una serie de conferencias.

Ígor Fiódorovich Stravinski nació en Oranienbaum, Rusia, una ciudad llamada ahora Lomonosov , a unas cincuenta millas (cincuenta kilómetros) al oeste de San Petersburgo , el 17 de junio [ OS 5 de junio] de 1882. ^{[1] [2]} Su madre, Anna Kirillovna Stravinskaya ^[c] (née Kholodovskaya), fue una cantante y pianista aficionada de una familia establecida de terratenientes. ^{[3] [4]} Su padre, Fiódor Ignatyevich Stravinski , fue un famoso bajo en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, descendiente de una línea de terratenientes polacos. ^{[4] [5]} El nombre "Stravinsky" es de origen polaco, derivado del río Strava en el este de Polonia. La familia se llamaba originalmente "Soulima-Stravinsky", portando el escudo de armas Soulima, pero "Soulima" se eliminó después de la anexión de Rusia durante las particiones de Polonia . ^{[6] [7]}

Oranienbaum, el lugar de nacimiento del compositor, era el lugar donde su familia pasaba las vacaciones de verano; ^{[8] [9]} su residencia principal era un apartamento a lo largo del canal Kryukov en el centro de San Petersburgo, cerca del Teatro Mariinsky. Stravinsky fue bautizado horas después de nacer y se unió a la Iglesia Ortodoxa Rusa en la Catedral de San Nicolás . ^[5] Constantemente temeroso de su irascible padre e indiferente hacia su madre, Ígor vivió allí durante los primeros 27 años de su vida con tres hermanos: Roman y Yury, sus hermanos mayores que lo irritaban enormemente, y Gury, su hermano menor cercano con quien dijo que encontró "el amor y la comprensión que nos negaron nuestros padres". ^{[5] [10] Ígor fue educado por la} institutriz de la familia hasta los once años, cuando comenzó a asistir al Segundo Gimnasio de San Petersburgo , una escuela que recordaba odiar porque tenía pocos amigos. ^{[11] [12]}

Desde los nueve años, Stravinsky estudió en forma privada con un profesor de piano. ^[13] Más tarde escribió que sus padres no vieron en él talento musical debido a su falta de habilidades técnicas; ^[14] el joven pianista improvisaba con frecuencia en lugar de practicar las piezas asignadas. ^[15] La excelente habilidad de Stravinsky para leer a primera vista lo impulsó a leer con frecuencia partituras vocales de la vasta biblioteca personal de su padre. ^{[4] [16]} Alrededor de los diez años, comenzó a asistir regularmente a las funciones en el Teatro Mariinsky, donde se familiarizó con el repertorio ruso, así como con la ópera italiana y francesa; ^[17] a los dieciséis, asistía a los ensayos en el teatro cinco o seis días a la semana. ^[18] A los catorce años, Stravinsky había dominado la parte solista del Concierto para piano n.º 1 de Mendelssohn , y a los quince años, transcribió para piano solo un cuarteto de cuerdas de Alexander Glazunov . ^{[19] [20]}

A pesar de su pasión y habilidad musical, los padres de Stravinski esperaban que estudiara Derecho en la Universidad de San Petersburgo , y se matriculó allí en 1901. Sin embargo, según su propio relato, era un mal estudiante y asistía a pocas de las clases optativas. ^{[21] [22]} A cambio de aceptar asistir a la facultad de derecho, sus padres le permitieron recibir lecciones de armonía y contrapunto . ^[23] En la universidad, Stravinski se hizo amigo de Vladimir Rimski-Kórsakov, hijo del destacado compositor ruso Nikolai Rimski-Kórsakov . ^[d] Durante las vacaciones de verano de 1902, Stravinski viajó con Vladimir Rimski-Kórsakov a Heidelberg , donde se alojaba la familia de este último, llevando una carpeta de piezas para mostrarle a Nikolai Rimski-Kórsakov. Aunque el anciano compositor no se sorprendió, quedó lo suficientemente impresionado como para insistir en que Stravinski continuara con las lecciones, pero le desaconsejó que entrara en el Conservatorio de San Petersburgo debido a su riguroso entorno. Es importante destacar que Rimsky-Korsakov aceptó asesorar personalmente a Stravinsky en sus composiciones. ^{[23] [26]}

En 1902, cuando el padre de Stravinski murió y el joven compositor se volvió más independiente, se involucró cada vez más en el círculo de artistas de Rimski-Kórsakov. ^{[27] [28]} Su primer encargo importante de su nuevo maestro fue la Sonata para piano en fa sostenido menor en cuatro movimientos al estilo de Glazunov y Chaikovski ; hizo una pausa temporal para escribir una cantata para la celebración del 60.º cumpleaños de Rimski-Kórsakov, que el compositor mayor describió como "nada mal". Poco después de terminar la sonata, el estudiante comenzó su Sinfonía a gran escala en mi bemol , ^[e] cuyo primer borrador terminó en 1905. Ese año, el dedicatario de la Sonata para piano, Nikolay Richter, la interpretó en un recital organizado por los Rimski-Kórsakov, lo que marcó el primer estreno público de una pieza de Stravinski. ^[23]

Después de que los acontecimientos del Domingo Sangriento en enero de 1905 provocaran el cierre de la universidad, Stravinski no pudo realizar sus exámenes finales, lo que resultó en su graduación con medio diploma. A medida que comenzó a pasar más tiempo en el círculo de artistas de Rimski-Kórsakov, el joven compositor se sintió cada vez más apretado en la atmósfera estilísticamente conservadora: la música moderna era cuestionada y los conciertos de música contemporánea eran menospreciados. El grupo asistía ocasionalmente a conciertos de cámara orientados a la música moderna, y aunque Rimski-Kórsakov y su colega Anatoli Lyadov odiaban asistir, Stravinski recordaba los conciertos como intrigantes y estimulantes intelectualmente, siendo el primer lugar donde estuvo expuesto a compositores franceses como Franck , Dukas , Fauré y Debussy . ^{[23] [31]} Sin embargo, Stravinski permaneció leal a Rimski-Kórsakov: el musicólogo Eric Walter White sospechaba que el compositor creía que el cumplimiento de Rimski-Kórsakov era necesario para tener éxito en el mundo de la música rusa. ^[28] Stravinsky escribió más tarde que el conservadurismo musical de sus profesores estaba justificado y lo ayudó a construir la base que se convertiría en la base de su estilo. ^[32]

En agosto de 1905, Stravinsky anunció su compromiso con Yekaterina Nosenko , su prima hermana a quien había conocido en 1890 durante un viaje familiar. ^[23] Más tarde recordó:

Desde la primera hora que pasamos juntos, ambos nos dimos cuenta de que algún día nos casaríamos, o eso nos dijimos más tarde. Tal vez siempre fuimos más como hermano y hermana. Yo era un niño profundamente solitario y quería una hermana propia. Catherine, que era mi prima hermana, llegó a mi vida como una especie de hermana largamente deseada  ... Desde entonces hasta su muerte fuimos extremadamente unidos, más unidos de lo que a veces lo son los amantes, pues los simples amantes pueden ser extraños aunque vivan y amen juntos toda su vida  ... Catherine fue mi amiga más querida y compañera de juegos... hasta que nos casamos. ^[33]

Los dos se habían vuelto cercanos durante los viajes familiares, alentando el interés de cada uno por la pintura y el dibujo, nadando juntos a menudo, yendo a recoger frambuesas silvestres, ayudando a construir una cancha de tenis, tocando música de piano a dúo y más tarde organizando lecturas grupales con sus otros primos de libros y tratados políticos de la biblioteca personal de Fyodor Stravinsky. ^[34] En julio de 1901, Stravinsky expresó su enamoramiento por Lyudmila Kuxina, la mejor amiga de Nosenko, pero después de que el autodenominado "romance de verano" hubiera terminado, la relación de Nosenko y Stravinsky comenzó a convertirse en un romance furtivo. ^[35] Entre sus intermitentes visitas familiares, Nosenko estudió pintura en la Académie Colarossi en París. ^[36] Los dos se casaron el 24 de enero de 1906, en la Iglesia de la Anunciación a ocho kilómetros al norte de San Petersburgo ; como el matrimonio entre primos hermanos estaba prohibido, contrataron a un sacerdote que no les preguntó sus identidades y los únicos invitados presentes fueron los hijos de Rimsky-Korsakov. ^[37] La ​​pareja pronto tuvo dos hijos: Théodore , nacido en 1907, y Ludmila, nacida al año siguiente. ^[38]

Tras finalizar las numerosas revisiones de la Sinfonía en mi bemol en 1907, Stravinski escribió Fauno y pastora , una versión de tres poemas de Pushkin para mezzosoprano y orquesta. ^[29] Rimski-Kórsakov organizó el primer estreno público de la obra de su alumno con la Orquesta de la Corte Imperial en abril de 1907, programando la Sinfonía en mi bemol y Fauno y pastora . ^{[23] [39]} La muerte de Rimski-Kórsakov en junio de 1908 provocó un profundo duelo en Stravinski, y más tarde recordó que Canto fúnebre , que compuso en memoria de su maestro, fue «la mejor de mis obras antes de El pájaro de fuego ». ^{[40] [41]}

En 1898, el empresario Sergei Diaghilev fundó la revista de arte rusa Mir iskusstva , ^[42] pero después de que terminó su publicación en 1904, se dirigió a París en busca de oportunidades artísticas en lugar de su Rusia natal. ^{[43] [44]} En 1907, Diaghilev presentó una serie de cinco conciertos de música rusa en la Ópera de París ; al año siguiente, realizó el estreno en París de la versión de Rimsky-Korsakov de Boris Godunov . ^{[43] [45]} Diaghilev asistió al estreno en febrero de 1909 de dos nuevas obras de Stravinsky: Scherzo fantastique y Feu d'artifice , ambos movimientos orquestales animados que presentan una orquestación brillante y técnicas armónicas únicas. ^{[23] [42]} El color y el tono vívidos de las obras de Stravinsky intrigaron a Diaghilev, y el empresario posteriormente le encargó a Stravinsky que orquestara música de Chopin para partes del ballet Les Sylphides . ^{[46] [47]} Este ballet fue presentado por la compañía de ballet de Diaghilev, los Ballets Rusos , en abril de 1909, y mientras la compañía obtenía éxitos entre el público parisino, Stravinsky estaba trabajando en el Acto I de su primera ópera El ruiseñor . ^[48]

Como los Ballets Rusos enfrentaban problemas financieros, Diaghilev quería un nuevo ballet con música y diseño claramente rusos, algo que recientemente se había vuelto popular entre el público francés y occidental (probablemente debido al grupo de compositores clásicos rusos conocido como Los Cinco , según el musicólogo Richard Taruskin ); la compañía de Diaghilev se decidió por el tema del mítico Pájaro de Fuego . ^{[49] [50]} Diaghilev pidió a varios compositores que escribieran la partitura del ballet, incluidos Lyadov y Nikolai Tcherepnin , pero después de que ninguno se comprometiera con el proyecto, ^[51] el empresario recurrió a Stravinsky, de 27 años, quien aceptó con gusto la tarea. ^{[52] [53]} Durante la producción del ballet, Stravinsky se hizo cercano al círculo artístico de Diaghilev, quienes quedaron impresionados por su entusiasmo por aprender más sobre las formas de arte no musicales. ^[52] El pájaro de fuego se estrenó en París (como L'Oiseau de feu ) el 25 de junio de 1910 con gran éxito de crítica y convirtió a Stravinsky en una sensación de la noche a la mañana. ^{[54] [55]} Muchos críticos elogiaron la alineación del compositor con la música nacionalista rusa. ^[56] Stravinsky recordó más tarde que después del estreno y las actuaciones posteriores, conoció a muchas figuras de la escena artística de París; Debussy fue llevado al escenario después del estreno e invitó a Stravinsky a cenar, comenzando una amistad de por vida entre los dos compositores. ^{[f] [55] [59]}

La familia Stravinsky se mudó a Lausana , Suiza, para el nacimiento de su tercer hijo, Soulima , y ​​fue allí donde Stravinsky comenzó a trabajar en un Konzertstück para piano y orquesta que representaba la historia de una marioneta que cobraba vida. ^{[55] [60]} Después de que Diaghilev escuchó los primeros borradores, convenció a Stravinsky para que lo convirtiera en un ballet para la temporada de 1911. ^{[61] [62]} La obra resultante, Petrushka (bajo la ortografía francesa Petrouchka ), ^[63] se estrenó en París el 13 de junio de 1911 con la misma popularidad que El pájaro de fuego , y Stravinsky se estableció como uno de los compositores de teatro jóvenes más avanzados de su tiempo. ^{[64] [65]}

Mientras componía El pájaro de fuego , Stravinski concibió una idea para una obra sobre lo que llamó «un solemne rito pagano: ancianos sabios, sentados en círculo, observaban a una joven bailar hasta morir». ^[60] Inmediatamente compartió la idea con Nicolás Roerich , un amigo y pintor de temas paganos. Cuando Stravinski le contó la idea a Diáguilev, el empresario aceptó con entusiasmo encargar la obra. ^{[60] [66]} Después del estreno de Petrushka , Stravinski se instaló en la residencia de su familia en Ustilug y desarrolló los detalles del ballet con Roerich, terminando más tarde la obra en Clarens , Suiza. ^[67] El resultado fue La consagración de la primavera ( Le sacre du printemps ), que representaba rituales paganos en tribus eslavas y utilizaba muchas técnicas de vanguardia , incluidos ritmos y metros desiguales , armonías superpuestas, atonalidad y una amplia instrumentación . ^{[68] [69]} Con una coreografía radical del joven Vaslav Nijinsky , la naturaleza experimental del ballet causó casi un alboroto en su estreno en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913. ^{[67] [70] [h]}

Poco después, Stravinski fue ingresado en un hospital por fiebre tifoidea y permaneció en recuperación durante cinco semanas; numerosos colegas lo visitaron, incluidos Debussy, Manuel de Falla , Maurice Ravel , ^[i] y Florent Schmitt . Al regresar con su familia en Ustilug, continuó trabajando en su ópera El ruiseñor , ahora con un encargo oficial del Teatro Libre de Moscú. ^{[67] [72]} A principios de 1914, su esposa Yekaterina contrajo tuberculosis y fue ingresada en un sanatorio en Leysin , Suiza, donde nació la cuarta hija de la pareja, Maria Milena. ^[73] Aquí Stravinski terminó El ruiseñor , pero después de que el Teatro Libre de Moscú cerrara antes del estreno, Diaghilev aceptó poner en escena la ópera. ^[74] El estreno de mayo de 1914 tuvo un éxito moderado; las altas expectativas de los críticos después de la tumultuosa Consagración de la primavera no se cumplieron, aunque los compositores colegas quedaron impresionados por la emoción de la música y el tratamiento libre del contrapunto y los temas . ^[75]

A principios de julio de 1914, mientras su familia residía en Suiza cerca de su esposa enferma, el compositor viajó a Rusia para recuperar textos para su siguiente obra, un ballet-cantata que representaba las tradiciones nupciales rusas titulado Les noces . Poco después de su regreso, comenzó la Primera Guerra Mundial y los Stravinsky vivieron en Suiza hasta 1920, ^[j] inicialmente residiendo en Clarens y más tarde en Morges . ^{[77] [78] [79]} Durante los primeros meses de la guerra, el compositor investigó intensamente la poesía popular rusa y preparó libretos para numerosas obras que se compondrían en los próximos años, incluyendo Les noces , Renard , Pribaoutki y otros ciclos de canciones . ^[80] Stravinsky conoció a numerosos artistas suizo-franceses durante su estancia en Morges, incluido el autor Charles F. Ramuz , con quien colaboró ​​en la obra de teatro a pequeña escala L'Histoire du soldat . El espectáculo de once músicos y dos bailarines fue diseñado para viajar fácilmente, pero después de un estreno financiado por Werner Reinhart , todas las demás actuaciones se cancelaron debido a la epidemia de gripe española . ^[79]

Los ingresos de Stravinsky por regalías de interpretación se cortaron repentinamente cuando su editor con sede en Alemania suspendió sus operaciones debido a la guerra. ^[81] Para mantener a su familia a flote, el compositor vendió numerosos manuscritos y aceptó encargos de empresarios adinerados; uno de esos encargos incluía Renard , una obra de teatro completada en 1916 a pedido de la princesa Edmond de Polignac . ^[82] Además, Stravinsky hizo una nueva suite de concierto de El pájaro de fuego y la vendió a un editor de Londres en un intento de recuperar el control de los derechos de autor sobre el ballet. ^{[k] [79]} Diaghilev continuó organizando espectáculos de los Ballets Rusos en toda Europa, incluidos dos conciertos benéficos para la Cruz Roja donde Stravinsky hizo su debut como director con El pájaro de fuego . ^[85] Cuando los Ballets Rusos viajaron a Roma en abril de 1917, Stravinsky conoció al artista Pablo Picasso y los dos se aventuraron por Italia; Una comedia del arte que vieron en Nápoles inspiró el ballet Pulcinella , ^[l] que se estrenó en París en mayo de 1920 con diseños de Picasso. ^{[79] [86]}

Después de que terminó la guerra, Stravinsky decidió que su residencia en Suiza estaba demasiado lejos de la actividad musical de Europa y trasladó brevemente a su familia a Carantec , Francia. ^[87] En septiembre de 1920, se mudaron a la casa de Coco Chanel , una socia de Diaghilev, donde Stravinsky compuso su primera obra neoclásica , las Sinfonías para instrumentos de viento . ^{[88] [89]} Después de que su relación con Chanel se convirtiera en un romance, Stravinsky trasladó a su familia al centro de emigrados blancos de Biarritz en mayo de 1921, en parte debido a la presencia de su otra amante Vera de Bosset . ^[88] En ese momento, de Bosset estaba casado con el ex diseñador de escenarios del Ballet Ruso Serge Sudeikin , aunque de Bosset luego se divorció de Sudeikin para casarse con Stravinsky. Aunque Yekaterina Stravinsky se dio cuenta de la infidelidad de su marido, los Stravinsky nunca se divorciaron, probablemente debido a la negativa del compositor a separarse. ^{[m] [91] [92]}

En 1921, Stravinsky firmó un contrato con la compañía de pianolas Pleyel para crear arreglos de su música en rollos de pianola . ^[93] Recibió un estudio en su fábrica en la Rue Rochechouart, donde reorquestó Les noces para un pequeño conjunto que incluía pianola. El compositor transcribió muchas de sus obras principales para pianos mecánicos, y las instalaciones de Pleyel siguieron siendo su base en París hasta 1933, incluso después de que el pianola hubiera sido reemplazado en gran medida por la grabación con gramófono eléctrico . ^{[91] [94]} Stravinsky firmó otro contrato en 1924, esta vez con la Compañía Eólica de Londres, produciendo rollos que incluían comentarios sobre la obra de Stravinsky que se grababan en los rollos. ^[95] Dejó de trabajar con pianolas en 1930 cuando se disolvió la sucursal londinense de la Compañía Eólica. ^[94]

El interés por Pushkin que compartían Stravinski y Diaghilev condujo a Mavra , una ópera cómica iniciada en 1921 que exhibía el rechazo del compositor al estilo de Rimski-Kórsakov y su giro hacia los operacionistas rusos clásicos como Chaikovski, Glinka y Dargomyzhsky . ^{[91] [96]} Sin embargo, después del estreno en 1922, la naturaleza mansa de la obra, en comparación con la música innovadora por la que Stravinski había llegado a ser conocido, decepcionó a los críticos. ^[97] En 1923, Stravinski terminó de orquestar Les noces , y se decidió por un conjunto de percusión que incluía cuatro pianos. Los Ballets Russes pusieron en escena el ballet-cantata ese junio de ^[n] y, aunque inicialmente recibió críticas moderadas, ^[99] la producción de Londres recibió una oleada de ataques críticos, lo que llevó al escritor HG Wells a publicar una carta abierta en apoyo de la obra. ^{[100] [101]} Durante este período, Stravinsky amplió su participación en la dirección y la interpretación al piano. Dirigió el estreno de su Octeto en 1923 y actuó como solista en el estreno de su Concierto para piano en 1924. Tras su debut, se embarcó en una gira, interpretando el concierto en más de 40 conciertos. ^{[91] [102] [103]}

La familia Stravinsky se mudó nuevamente en septiembre de 1924 a Niza , Francia. La agenda del compositor se dividió entre pasar tiempo con su familia en Niza, actuar en París y hacer giras por otros lugares, a menudo acompañado por de Bosset. ^[91] En ese momento, Stravinsky estaba atravesando una crisis espiritual que comenzó al conocer al padre Nicolás, un sacerdote cerca de su nuevo hogar. ^[98] Había abandonado la Iglesia Ortodoxa Rusa durante su adolescencia, pero después de conocer al padre Nicolás en 1926 y reconectarse con su fe, comenzó a asistir regularmente a los servicios. ^{[104] [105]} Desde entonces hasta que se mudó a los Estados Unidos, ^[o] Stravinsky asistió diligentemente a la iglesia, participó en obras de caridad y estudió textos religiosos. ^[107] El compositor escribió más tarde que fue contactado por Dios en un servicio en la Basílica de San Antonio de Padua , lo que lo llevó a escribir su primera composición religiosa, el Pater Noster para coro a capela . ^[108]

En 1925, Stravinsky le pidió al escritor y artista francés Jean Cocteau que escribiera el libreto para una versión operística de la tragedia de Sófocles Edipo rey en latín. ^[109] El estreno en mayo de 1927 de su ópera-oratorio Edipo rey se realizó como una interpretación en concierto ya que había muy poco tiempo y dinero para presentarla como una ópera completa, y Stravinsky atribuyó el fracaso crítico de la obra a su programación entre dos ballets brillantes. ^{[110] [111]} Además, la influencia de la música vocal ortodoxa rusa y de compositores del siglo XVIII como Handel no fue bien recibida en la prensa después del estreno de mayo de 1927; el neoclasicismo no era popular entre los críticos parisinos, y Stravinsky tuvo que afirmar públicamente que su música no era parte del movimiento. ^{[112] [113]} Esta recepción por parte de los críticos no mejoró con el siguiente ballet de Stravinsky, Apollon musagète , que describía el nacimiento y la apoteosis de Apolo utilizando un estilo musical de ballet de cour del siglo XVIII . George Balanchine coreografió el estreno, iniciando décadas de colaboraciones entre Stravinsky y el coreógrafo. ^{[114] [115]} Sin embargo, algunos críticos lo consideraron un punto de inflexión en la música neoclásica de Stravinsky, describiéndolo como una obra pura que mezclaba ideas neoclásicas con métodos modernos de composición. ^[109]

Un nuevo encargo para un ballet de Ida Rubinstein en 1928 llevó a Stravinsky de nuevo a Chaikovski. Basando la música en ballets románticos como El lago de los cisnes y tomando prestados muchos temas de Chaikovski, Stravinsky escribió El beso del hada con el cuento de Hans Christian Andersen La doncella de hielo como tema. ^{[109] [116]} El estreno en noviembre de 1928 no fue bien recibido, probablemente debido a la desconexión entre cada una de las secciones del ballet y la mediocre coreografía, que Stravinsky desaprobó. ^{[117] [118]} La furia de Diaghilev con Stravinsky por aceptar un encargo de ballet de otra persona provocó una intensa disputa entre los dos, que duró hasta la muerte del empresario en agosto de 1929. ^{[p] [120]} La mayor parte de ese año se dedicó a componer una nueva obra para piano solo, el Capriccio , y a realizar giras por Europa para dirigir e interpretar piano; ^{[109] [121]} El éxito del Capriccio después del estreno en diciembre de 1929 provocó una oleada de solicitudes de interpretación de muchas orquestas. ^[122] Un encargo de la Orquesta Sinfónica de Boston en 1930 para una obra sinfónica llevó a Stravinsky de nuevo a los textos latinos, esta vez del libro de los Salmos . ^[123] Entre conciertos de gira, compuso la Sinfonía coral de los Salmos , una obra profundamente religiosa que se estrenó en diciembre de ese año. ^[124]

Durante una gira por Alemania, Stravinsky visitó la casa de su editor y conoció al violinista Samuel Dushkin , quien lo convenció de componer el Concierto para violín con la ayuda de Dushkin en la parte solista. ^{[109] [125]} Impresionado por la capacidad virtuosa de Dushkin y su comprensión de la música, el compositor escribió más música para violín y piano y reorganizó algunas de sus primeras obras para que se interpretaran junto con el Concierto mientras estaba de gira hasta 1933. ^{[126] [127]} Ese año, Stravinsky recibió otro encargo de ballet de Ida Rubenstein para una ambientación de un poema de André Gide . El melodrama resultante, Perséphone, solo recibió tres representaciones en 1934 debido a su tibia recepción, y el desdén de Stravinsky hacia la obra fue evidente en su sugerencia posterior de que se reescribiera el libreto. ^{[109] [128] [129]} En junio de ese año, Stravinsky se convirtió en ciudadano francés naturalizado , protegiendo todas sus futuras obras bajo derechos de autor en Francia y Estados Unidos. Posteriormente, su familia se mudó a un apartamento en la Rue du Faubourg Saint-Honoré en París, donde comenzó a escribir una autobiografía de dos volúmenes con la ayuda de Walter Nouvel , publicada en 1935 y 1936 como Chroniques de ma vie . ^{[109] [130]}

Después de la corta gira de Perséphone , Stravinsky se embarcó en una exitosa gira de tres meses por los Estados Unidos con Dushkin; visitó Sudamérica por primera vez el año siguiente. ^{[131] [132]} El hijo del compositor, Soulima, era un excelente pianista, habiendo interpretado el Capriccio en concierto con su padre dirigiendo. Continuando una línea de obras para piano solo, el mayor de los Stravinsky compuso el Concierto para dos pianos para que lo interpretaran ambos, y realizaron una gira con la obra hasta 1936. ^[133] En esta época llegaron tres obras encargadas por los estadounidenses: ^[132] el ballet Jeu de cartes para Balanchine, ^[134] la obra similar al Concierto de Brandeburgo Dumbarton Oaks , ^[135] y la lamentable Sinfonía en do para el 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica de Chicago . ^{[136] [137]} Los últimos años de Stravinsky en Francia, desde finales de 1938 hasta 1939, estuvieron marcados por la muerte de su hija mayor, su esposa y su madre, las dos primeras por tuberculosis. ^{[129] [138]} Además, las críticas cada vez más hostiles a su música en las principales publicaciones ^[q] y el fracaso de su candidatura a un escaño en el Institut de France lo distanciaron aún más de Francia, ^{[84] [140] [141]} y poco después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial , en septiembre de 1939, se mudó a los Estados Unidos. ^[132]

Al llegar a los Estados Unidos, Stravinsky residió con Edward W. Forbes , el director de la serie de conferencias Charles Eliot Norton en la Universidad de Harvard . El compositor fue contratado para dar seis conferencias para la serie, comenzando en octubre de 1939 y terminando en abril de 1940. ^{[142] [143] [144]} Las conferencias, escritas con la ayuda de Pyotr Suvchinsky y Alexis Roland-Manuel , se publicaron en francés bajo el título Poétique musicale ( Poética de la música ) en 1941, con una traducción al inglés posterior en 1947. ^{[145] [146]} Entre conferencias, Stravinsky terminó la Sinfonía en do y realizó una gira por todo el país, conociendo a De Bosset a su llegada a Nueva York. Stravinsky y De Bosset finalmente se casaron el 9 de marzo de 1940 en Bedford, Massachusetts . Después de completar su serie de conferencias, la pareja se mudó a Los Ángeles, donde solicitaron la naturalización estadounidense . ^[147]

El dinero empezó a escasear cuando la guerra impidió que el compositor recibiera regalías europeas, lo que le obligó a aceptar numerosos compromisos como director y a componer obras comerciales para la industria del entretenimiento, incluido el Scherzo à la russe para Paul Whiteman y las Scènes de ballet para una revista de Broadway . ^{[148] [149]} Algunas músicas de películas descartadas se convirtieron en obras más grandes, como en la Sinfonía en tres movimientos inspirada en la guerra , cuyo movimiento intermedio utilizó música de una partitura no utilizada de La canción de Bernadette (1943). ^[150] El mal inglés de la pareja condujo a la formación de un círculo social y una vida familiar predominantemente europeos: el personal de la finca estaba formado principalmente por rusos, y entre los invitados frecuentes se encontraban los músicos Joseph Szigeti , Arthur Rubinstein y Sergei Rachmaninoff . ^{[151] [148]} Sin embargo, Stravinsky finalmente se unió a los círculos populares de Hollywood, asistiendo a fiestas con celebridades y familiarizándose estrechamente con los autores europeos Aldous Huxley , WH Auden , Christopher Isherwood y Dylan Thomas . ^{[152] [153]}

En 1945, Stravinsky recibió la ciudadanía estadounidense y posteriormente firmó un contrato con la editorial británica Boosey & Hawkes , que aceptó publicar todas sus obras futuras. Además, revisó muchas de sus obras más antiguas e hizo que Boosey & Hawkes publicara las nuevas ediciones para volver a tener derechos de autor sobre sus obras más antiguas. ^{[148] [154]} Alrededor del estreno en 1948 de otra colaboración de Balanchine, el ballet Orfeo , el compositor conoció al joven director Robert Craft en Nueva York; Craft le había pedido a Stravinsky que explicara la revisión de las Sinfonías para instrumentos de viento para un próximo concierto. Los dos rápidamente se hicieron amigos y Stravinsky invitó a Craft a Los Ángeles; el joven director pronto se convirtió en asistente, colaborador y amanuense de Stravinsky hasta la muerte del compositor. ^{[r] [148] [156]}

A medida que Stravinsky se familiarizaba más con el inglés, desarrolló la idea de escribir una ópera en inglés basada en una serie de pinturas del artista del siglo XVIII William Hogarth titulada The Rake's Progress . ^[157] El compositor se unió a Auden para escribir el libreto en noviembre de 1947; el escritor estadounidense Chester Kallman fue contratado más tarde para ayudar a Auden. ^{[158] [159]} Stravinsky terminó la ópera del mismo nombre en 1951, y a pesar de sus interpretaciones generalizadas y su éxito, ^[160] el compositor se sintió consternado al descubrir que su música más nueva no cautivaba a los compositores jóvenes. ^[161] Craft había presentado a Stravinsky la música serial de la Segunda Escuela Vienesa poco después del estreno de The Rake's Progress , y el compositor de la ópera comenzó a estudiar y escuchar la música de Anton Webern y Arnold Schoenberg . ^{[162] [163]}

Durante la década de 1950, Stravinsky continuó realizando giras extensas por todo el mundo, regresando ocasionalmente a Los Ángeles para componer. ^[164] En 1953, aceptó componer una nueva ópera con libreto de Dylan Thomas, pero el desarrollo del proyecto tuvo un final repentino tras la muerte de Thomas en noviembre de ese año. Stravinsky completó In Memoriam Dylan Thomas , su primer trabajo basado completamente en la técnica serial de doce tonos , al año siguiente. ^{[161] [165]} La cantata Canticum Sacrum de 1956 se estrenó en el Festival Internacional de Música Contemporánea de Venecia, lo que inspiró a Norddeutscher Rundfunk a encargar la ambientación musical Threni en 1957. ^[166] Con el ballet Agon de Balanchine , Stravinsky fusionó temas neoclásicos con la técnica de doce tonos, y Threni mostró su cambio completo hacia el uso de filas de tonos . ^[161] En 1959, Craft entrevistó a Stravinsky para un artículo titulado Respuestas a 35 preguntas , en el que el compositor buscaba corregir mitos que lo rodeaban y analizar sus relaciones con otros artistas. El artículo se amplió más tarde en un libro y, durante los siguientes cuatro años, se publicaron tres libros más de estilo entrevista. ^{[s] [167]}

Las giras internacionales continuas llevaron a Stravinsky a Washington, DC en enero de 1962, donde asistió a una cena en la Casa Blanca con el entonces presidente John F. Kennedy en honor del 80 cumpleaños del compositor. Aunque fue en gran medida un truco político antisoviético , Stravinsky recordó el evento con cariño, componiendo la Elegía para JFK después del asesinato del presidente un año después . ^{[168] [169]} En septiembre de 1962, regresó a Rusia por primera vez desde 1914, aceptando una invitación de la Unión de Compositores Soviéticos para dirigir seis actuaciones en Moscú y Leningrado . ^[170] Después del éxito de El pájaro de fuego y La consagración de la primavera en la década de 1910, la música de Stravinsky fue respetada y frecuentemente interpretada en la Unión Soviética, influyendo en los jóvenes compositores soviéticos de la época como Dmitri Shostakovich . ^[171] Sin embargo, después de que Stalin comenzó a consolidar el poder a principios de la década de 1930, la música de Stravinsky casi desapareció y fue prohibida formalmente en 1948. ^[172] Un nuevo interés en sus obras nació durante el deshielo de Jruschov , en parte debido a la visita del compositor en 1962. ^[173] Durante su visita de tres semanas, se reunió con el primer ministro soviético Nikita Jruschov y varios compositores soviéticos importantes, incluidos Shostakovich y Aram Khachaturian . ^{[170] [174]} Stravinsky no regresó a Los Ángeles hasta diciembre de 1962 después de ocho meses de viajes casi continuos. ^[175]

Stravinsky revisó temas bíblicos para muchas de sus obras posteriores, en particular en la cantata de cámara de 1961 Un sermón, una narración y una oración , la producción musical televisiva de 1962 El diluvio , la cantata hebrea Abraham e Isaac de 1963 y los Cánticos de Réquiem de 1966 , la última de las cuales fue su última composición importante. ^{[u] [177] [178]} Entre giras, el compositor trabajó incansablemente para idear nuevas filas de tonos, incluso trabajando en papel higiénico de los baños de los aviones. ^[179] La intensa agenda de giras comenzó a pasar factura al anciano compositor; enero de 1967 marcó su última sesión de grabación, y su último concierto público se produjo en mayo siguiente.

Después de pasar el otoño de 1967 en el hospital debido a úlceras estomacales sangrantes y trombosis , Stravinsky regresó a las giras nacionales en 1968 (solo apareció como miembro del público), pero dejó de componer debido a su deterioro gradual en la salud física. ^{[180] [181]}

En sus últimos años, los Stravinsky y Craft se mudaron a Nueva York para estar más cerca de la atención médica, y los viajes del compositor se limitaron a visitar a su familia en Europa. ^[182] Poco después de ser dado de alta del Hospital Lenox Hill tras contraer un edema pulmonar , Stravinsky se mudó con su esposa a un nuevo apartamento en la Quinta Avenida . El compositor murió allí el 6 de abril de 1971 a la edad de 88 años. ^{[183] ​​[184]} Un funeral se celebró tres días después en la Capilla Funeraria Frank E. Campbell . ^[185] Después de un servicio en Santi Giovanni e Paolo con una interpretación de los Cánticos de Réquiem dirigida por Craft, Stravinsky fue enterrado en la isla del cementerio de San Michele en Venecia, a varios metros de la tumba de Sergei Diaghilev. ^{[177] [186]}

Gran parte de la música de Stravinski se caracteriza por articulaciones cortas y agudas con un mínimo rubato o vibrato . ^[187] Sus trabajos de estudiante fueron principalmente tareas de su maestro Rimski-Kórsakov y fueron influenciados principalmente por compositores rusos. ^[188] Sus primeros tres ballets, El pájaro de fuego , Petrushka y La consagración de la primavera , marcaron el comienzo de su fama internacional y un alejamiento de los estilos del siglo XIX. ^{[188] [189]} La música de Stravinski a menudo se divide en tres períodos de composición: ^{[190] [191]} su período ruso (1913-1920), donde fue muy influenciado por los artistas y el folclore rusos; ^[192] su período neoclásico (1920-1951), donde se inclinó hacia técnicas y temas del período clásico ; ^{[89] [193]} y su período serial (1954-1968), donde utilizó técnicas de composición altamente estructuradas iniciadas por compositores de la Segunda Escuela Vienesa . ^{[165] [194]}

Stravinsky pasó su tiempo antes de conocer a Diaghilev aprendiendo de Rimsky-Korsakov y sus colaboradores. ^[188] Solo sobreviven tres obras de antes de que Stravinsky conociera a Rimsky-Korsakov en agosto de 1902: " Tarantella " (1898), Scherzo en sol menor (1902) y La nube de tormenta , las dos primeras siendo obras para piano y la última para voz y piano. ^{[195] [196]} El primer encargo de Rimsky-Korsakov a Stravinsky fue la Sonata para piano en fa sostenido menor de cuatro movimientos , que también fue su primera obra en ser interpretada en público. ^{[197] [198]} Rimsky-Korsakov a menudo le daba a Stravinsky la tarea de orquestar varias obras para permitirle analizar la forma y la estructura de las obras. ^[199] Muchas de las primeras obras de Stravinsky también mostraron influencia de compositores franceses, en particular en el uso mínimo de grandes duplicaciones y diferentes combinaciones de colores tonales. ^[200] Varias composiciones de estudiante de Stravinsky se interpretaron en las reuniones de Rimsky-Korsakov en su casa; estas incluyen un conjunto de bagatelas , una "chanson comique" y una cantata , que muestran el uso de técnicas musicales clásicas que luego definirían el período neoclásico de Stravinsky. ^[199] El musicólogo Stephen Walsh describió esta época en la carrera musical de Stravinsky como "estéticamente apretada" debido al "conservadurismo cínico" de Rimsky-Korsakov y su música. ^[201] Rimsky-Korsakov pensó que la Sinfonía en mi bemol (1907) estaba demasiado influenciada por el estilo de Glazunov y no le gustaba la influencia modernista en Fauno y pastora (1907); ^[202] Sin embargo, los críticos consideraron que las obras no se diferenciaban de la música de su maestro. ^[203]

Los compositores rusos solían utilizar grandes orquestaciones para presentar muchos timbres diferentes , y Stravinski aprovechó esta idea en sus primeros tres ballets, sorprendiendo a menudo a los músicos e intérpretes debido a la gran fuerza de la orquesta en ciertos momentos. ^[67] El pájaro de fuego utilizó una estructura armónica que Stravinski llamó "leit-harmony", un acrónimo de leitmotiv y armonía utilizado por Rimski-Kórsakov en su ópera El gallo de oro . ^[204] La "leit-harmony" se utilizó para yuxtaponer al protagonista, el Pájaro de Fuego , y al antagonista, Koschei el Inmortal : el primero se asoció con frases de tonos enteros y el segundo con armonía octatónica . ^[205] Stravinski escribió más tarde cómo compuso El pájaro de fuego en un estado de "rebelión contra Rimski", y que "trató de superarlo con ponticello , col legno , flautando , glissando y efectos de fluttertongue ". ^[206]

Stravinsky definió su carácter musical en su segundo ballet Petrushka . ^[207] La ​​influencia rusa se puede ver en el uso de una serie de melodías populares rusas además de dos valses del compositor vienés Joseph Lanner y una melodía de music hall francesa. ^[v] Stravinsky también utilizó una melodía popular de la ópera de Rimsky-Korsakov La doncella de nieve , mostrando la continua reverencia del primero por su maestro. ^[208]

El tercer ballet de Stravinsky, La consagración de la primavera , causó un alboroto en el estreno debido a su naturaleza vanguardista . ^[60] Había comenzado a experimentar con la politonalidad en El pájaro de fuego y Petrushka , pero para La consagración de la primavera , "lo llevó hasta su conclusión lógica", como lo describió Eric Walter White. ^[209] Además, el metro complejo en la música consiste en frases que combinan firmas de tiempo conflictivas y acentos extraños , como las "barras irregulares" en la "Danza del sacrificio". ^{[210] [209]} Tanto la politonalidad como los ritmos inusuales se pueden escuchar en los acordes que abren el segundo episodio, "Augures de primavera", que consiste en un mi bemol dominante 7 superpuesto a una tríada fa bemol mayor escrita en un ritmo desigual, Stravinsky cambia los acentos aparentemente al azar para crear asimetría. ^{[211] [212]} La consagración de la primavera es una de las obras más famosas e influyentes del siglo XX; el musicólogo Donald Jay Grout la describió como una obra que tuvo "el efecto de una explosión que dispersó tanto los elementos del lenguaje musical que nunca más pudieron volver a juntarse como antes". ^[213]

El musicólogo Jeremy Noble dijo que las "investigaciones intensivas de Stravinsky sobre el material folclórico ruso" tuvieron lugar durante su estancia en Suiza de 1914 a 1920. ^[192] Béla Bartók consideró que el período ruso de Stravinsky comenzó en 1913 con La consagración de la primavera debido a su uso de canciones, temas y técnicas folclóricas rusas. ^[214] El uso de metros binarios o ternarios fue especialmente frecuente en la música del período ruso de Stravinsky; si bien el pulso puede haber permanecido constante, el compás a menudo cambiaba para cambiar constantemente los acentos. ^[215]

Aunque Stravinski no utilizó tantas melodías populares como en sus tres primeros ballets, a menudo utilizó poesía popular. ^{[216] [217]} El ballet-cantata Les noces se basó en textos de una colección de poesía popular rusa de Pyotr Kireevsky , ^{[80] [218]} y su ópera-ballet Renard se basó en un cuento popular recopilado por Alexander Afanasyev . [ ^{219] [ 220]} Muchas de las obras del período ruso de Stravinski presentaban personajes y temas animales, probablemente debido a la inspiración de las canciones infantiles que leía con sus hijos. ^[221] Stravinski también utilizó estilos teatrales únicos. Les noces mezcló la puesta en escena de los ballets con la pequeña instrumentación de las primeras cantatas, una producción única descrita en la partitura como "Escenas coreográficas rusas". ^[222] En Renard , las voces se colocaron en la orquesta, ya que estaban destinadas a acompañar la acción en el escenario. ^[221] L'Histoire du soldat fue compuesta en 1918 con el novelista suizo Charles F. Ramuz como una pequeña producción de teatro musical para bailarines, un narrador y un septeto . ^[223] Mezclaba los cuentos populares rusos en la narrativa con estructuras musicales comunes de la época, como el tango , el vals , el rag y el coral . ^[224] Incluso cuando su estilo cambió en años posteriores, Stravinsky mantuvo una conexión musical con sus raíces rusas. ^{[79] [225]}

El ballet Pulcinella fue encargado por Diaghilev en 1919 después de que propusiera la idea de un ballet basado en música de compositores italianos del siglo XVIII como Giovanni Battista Pergolesi ; al imponer una obra basada en los sistemas armónicos y rítmicos de compositores de la era barroca tardía , Stravinsky marcó el inicio de su giro hacia la música del siglo XVIII. ^{[86] [226] [227]} Aunque el musicólogo Jeremy Noble consideró que el período neoclásico de Stravinsky comenzó en 1920 con sus Sinfonías para instrumentos de viento , ^[89] Bartók argumentó que el período "realmente comienza con su Octeto para instrumentos de viento, seguido de su Concierto para piano ". ^[228] Durante este período, Stravinsky utilizó técnicas y temas del período clásico de la música . ^[228]

La mitología griega fue un tema común en las obras neoclásicas de Stravinsky. Su primera obra basada en la mitología griega fue el ballet Apollon musagète (1927), eligiendo al líder de las Musas y al dios del arte Apolo como temas. ^[229] Stravinsky usaría temas de la mitología griega en obras futuras como Edipo rey (1927), Perséfone (1935) y Orfeo (1947). ^[230] Richard Taruskin escribió que Edipo rey era "el producto de la manera neoclásica de Stravinsky en su forma más extrema", y que las técnicas musicales "pensadas obsoletas" se yuxtapusieron con ideas contemporáneas. ^[231] Además, Stravinsky se inclinó hacia estructuras musicales más antiguas y las modernizó. ^{[232] [233]} Su Octeto (1923) utiliza la forma sonata , modernizándola al ignorar el orden estándar de los temas y las relaciones tonales tradicionales para las diferentes secciones. ^[232] El contrapunto barroco se utilizó en toda la Sinfonía coral de los Salmos (1930). ^[234] En el Concierto de ébano (1945), influenciado por el jazz , Stravinsky fusionó la orquestación de big band con formas y armonías barrocas. ^[235]

El período neoclásico de Stravinski terminó en 1951 con la ópera El progreso del libertino . ^{[236] [237]} Taruskin describió la ópera como "el centro y la esencia del 'neoclasicismo'". Señaló cómo la ópera contiene numerosas referencias a la mitología griega y otras óperas como Don Giovanni de Mozart y Carmen de Bizet , pero aún así "encarna la estructura distintiva de un cuento de hadas". Stravinski se inspiró en las óperas de Mozart para componer la música, particularmente Così fan tutte , ^[w] pero otros académicos también señalan la influencia de Handel , Gluck , Beethoven , Schubert , Weber , Rossini , Donizetti y Verdi . ^{[239] [240]} El progreso del libertino se ha convertido en una obra importante en el repertorio de ópera , siendo "[más interpretada] que cualquier otra ópera escrita después de la muerte de Puccini ", según Taruskin. ^[241]

En la década de 1950, Stravinsky comenzó a utilizar técnicas de composición serial, como la técnica dodecafónica ideada originalmente por Arnold Schoenberg . ^[242] Noble escribió que esta época fue «el cambio más profundo en el vocabulario musical de Stravinsky», en parte debido al nuevo interés de Stravinsky en la música de la Segunda Escuela Vienesa después de conocer a Robert Craft. ^[194] El tratamiento que el compositor dio a la técnica dodecafónica fue único: mientras que la técnica de Schoenberg era muy estricta, prohibiendo las repeticiones de una fila de tonos hasta que estuviera completa, Stravinsky repetía las notas libremente, incluso separando la fila en celdas y reordenando las notas. Además, el estilo de orquestación de su período serial se volvió oscuro y con muchos bajos, con los instrumentos de viento y el piano utilizando con frecuencia sus registros más bajos. ^[161]

Stravinsky experimentó por primera vez con técnicas seriales no dodecafónicas en obras de pequeña escala como la Cantata (1952), el Septeto (1953) y Tres canciones de Shakespeare (1953). La primera de sus composiciones completamente basada en tales técnicas fue In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) fue la primera de sus obras en incluir una serie dodecafónica, mientras que el segundo movimiento de Canticum Sacrum (1956) fue la primera pieza en contener un movimiento completamente basado en una serie de tonos. ^[165] La estructura tonal única de Agon fue significativa para la música serial de Stravinsky; comienza diatónica , avanza hacia el serialismo dodecafónico completo en el medio y regresa al diatonismo al final. ^[243] Stravinsky volvió a temas sacros en obras como Canticum Sacrum , Threni (1958), A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961) y The Flood (1962). Stravinsky utilizó varios conceptos de obras anteriores en sus piezas seriales; por ejemplo, la voz de Dios , que son dos voces graves en homofonía , vista en The Flood, se utilizó previamente en Les noces . ^[243] La última obra a gran escala de Stravinsky, Requiem Canticles (1966), hizo uso de una compleja disposición de cuatro partes de filas de tonos a lo largo de toda la obra, mostrando la evolución de la música serialista de Stravinsky. ^{[243] [244]} Noble describió Requiem Canticles como "una destilación tanto del texto litúrgico como de sus propios medios musicales para componerlo, evolucionados y refinados a lo largo de una carrera de más de 60 años". ^[245]

La influencia de otros compositores en Stravinsky se puede ver a lo largo de este período. Fue fuertemente influenciado por Schoenberg, no solo en su uso de la técnica dodecafónica, sino también en la instrumentación distintivamente "schoenbergiana" del Septeto y las similitudes entre la Klangfarbenmelodie de Schoenberg y las Variaciones de Stravinsky . ^{[194] [243]} Stravinsky también utilizó una serie de temas encontrados en obras de Benjamin Britten , ^[243] comentando más tarde sobre los "muchos títulos y temas [que he compartido] con el Sr. Britten ya". ^[246] Además, estaba muy familiarizado con las obras de Anton Webern , siendo una de las figuras que inspiró a Stravinsky a considerar el serialismo como una forma posible de composición. ^[247]

Stravinski trabajó con algunos de los artistas más famosos de su tiempo, muchos de los cuales conoció después de alcanzar el éxito internacional con El pájaro de fuego . ^{[55] [189]} Diaghilev fue una de las influencias artísticas más destacadas del compositor, habiéndolo introducido a la composición para el escenario y llevándolo a la fama internacional con sus primeros tres ballets. ^[248] A través de los Ballets Rusos y Diaghilev, Stravinski trabajó con figuras como Vaslav Nijinsky , Léonide Massine , ^[189] Alexandre Benois , ^[189] Michel Fokine y Léon Bakst . ^[43]

El interés del compositor por el arte lo impulsó a desarrollar una fuerte relación con Picasso, a quien conoció en 1917. ^[249] En los años siguientes, ambos entablaron un diálogo artístico en el que intercambiaron obras de arte a pequeña escala como signo de intimidad, que incluían el famoso retrato de Stravinsky hecho por Picasso, ^[250] y un breve esbozo de música para clarinete de Stravinsky. ^[251] Este intercambio fue esencial para establecer cómo los artistas abordarían su espacio de colaboración en Ragtime y Pulcinella . ^{[252] [253]}

Stravinski mostró un gusto por la literatura que era amplio y reflejaba su deseo constante de nuevos descubrimientos. ^[254] Los textos y fuentes literarias para su trabajo comenzaron con el interés en el folclore ruso . ^{[192] [255]} Después de mudarse a Suiza en 1914, Stravinski comenzó a recopilar historias populares de numerosas colecciones, que luego se usaron en obras como Les noces , Renard , Pribaoutki y varias canciones. ^[80] Muchas de las obras de Stravinski, incluidas El pájaro de fuego , Renard y L'Histoire du soldat , se inspiraron en la famosa colección Cuentos populares rusos de Alexander Afanasyev . ^{[219] [256] [257]} Las colecciones de música folclórica influyeron en la música de Stravinski; numerosas melodías de La consagración de la primavera se encontraron en una antología de canciones populares lituanas. ^[258]

Un interés en la liturgia latina comenzó poco después de que Stravinsky se reincorporara a la iglesia en 1926, comenzando con la composición de su primera obra religiosa en 1926 Pater Noster , escrita en antiguo eslavo eclesiástico . ^{[259] [260]} Más tarde utilizó tres salmos de la Vulgata latina en su Sinfonía de los Salmos para orquesta y coro mixto. ^{[261] [262]} Muchas obras en los períodos neoclásico y serial del compositor usaron (o se basaron en) textos litúrgicos. ^{[260] [263]}

Stravinsky trabajó con muchos autores a lo largo de su carrera. Trabajó por primera vez con el novelista suizo Charles F. Ramuz en L'Histoire du soldat en 1918, con quien formó la idea y escribió el texto. ^[223] En 1933, Ida Rubinstein encargó a Stravinsky que pusiera música a un poema de André Gide , que luego se convertiría en el melodrama Perséphone . ^[264] La colaboración Stravinsky-Gide fue aparentemente tensa: a Gide no le gustaba que la música no siguiera la prosodia de su poema y no asistió a los ensayos, y Stravinsky ignoró muchas de las ideas de Gide. ^[265] Gide luego abandonó el proyecto y no asistió al estreno. ^[266] La historia de The Rake's Progress fue concebida por primera vez por Stravinsky y WH Auden , este último escribió el libreto con Chester Kallman . ^{[267] [268]} Stravinsky también se hizo amigo de muchos otros autores, entre ellos TS Eliot, ^[254] Aldous Huxley, Christopher Isherwood y Dylan Thomas , ^[153] el último de los cuales Stravinsky comenzó a trabajar con él en una ópera en 1953, pero dejó de hacerlo debido a la muerte de Thomas. ^[269]

Stravinsky es ampliamente considerado como uno de los más grandes compositores del siglo XX. ^{[193] [270]} En 1998, la revista Time lo incluyó como una de las 100 personas más influyentes del siglo. ^[271] Stravinsky no solo fue reconocido por sus composiciones; también alcanzó fama como pianista y director. Philip Glass escribió en Time : "Dirigió con una energía y una viveza que transmitían por completo cada una de sus intenciones musicales. Aquí estaba Stravinsky, un revolucionario musical cuya propia evolución nunca se detuvo. No hay un compositor que haya vivido durante su época o esté vivo hoy que no haya sido tocado, y a veces transformado, por su obra". ^{[270] Stravinsky también era famoso por su} orquestación precisa : el crítico Alexis Roland-Manuel escribió que Stravinsky y el compositor francés Maurice Ravel eran los "[dos hombres] en el mundo que mejor conocen el peso de una nota de trombón, los armónicos de un violonchelo o un pp tam-tam en las relaciones de un grupo orquestal con otro". ^[272]

Stravinsky se destacó por su uso distintivo del ritmo, especialmente en La consagración de la primavera . ^[273] El ritmo en La consagración se extendía a lo largo de los compases y carecía de pulsos distintivos, lo que abrió la puerta para que los compositores futuros hicieran que el ritmo fuera más fluido dentro de los compases. ^{[274] [275]} Sin embargo, muchos vieron su período neoclásico posterior como un regreso al pasado mientras otros compositores intentaban avanzar en la música moderna. ^[276] Su posterior giro hacia el serialismo lo alejó aún más del público, y los académicos vieron este cambio estilístico como no lo suficientemente innovador, ya que creían que la muerte de Schoenberg también marcó el final de la música dodecafónica. Stephen Walsh relacionó la naturaleza cambiante de la música de Stravinsky con la naturaleza del compositor: como exiliado de su Rusia natal, Stravinsky se adaptó a su entorno y absorbió la música de quienes lo rodeaban. ^[277] Martha Hyde afirmó que un análisis más reciente "juzgó el estilo neoclásico de Stravinsky como el presagio del posmodernismo musical". ^[278] Después de su muerte, la importancia de Stravinsky en la música modernista se hizo evidente: ^[279] aunque muchos estilos modernos pasaron rápidamente de moda (como la música dodecafónica), la música de Stravinsky se destacó como un cuerpo de ingenio único, según Walsh. ^{[x] [281] [282]}

Stravinsky influyó en muchos compositores y músicos. ^[283] Su música continúa ofreciendo inspiración y un método único a los compositores jóvenes. ^[277] Las innovaciones rítmicas en La consagración de la primavera llevaron el ritmo a la vanguardia de la música moderna en lugar de la tonalidad, estableciendo un nuevo estándar en el movimiento modernista que compositores futuros como Varèse y Ligeti se inspiraron para innovar. ^{[284] [285]} El ritmo y la vitalidad de Stravinsky influyeron enormemente en Aaron Copland y Pierre Boulez , y la combinación de folclore y modernismo que se encuentra en muchas de las obras de Stravinsky influyó también en Béla Bartók . ^{[286] [287] [288]} Las obras menos populares de Stravinsky también fueron muy influyentes: la forma desconectada de las Sinfonías de instrumentos de viento se puede ver de manera similar en obras posteriores de maestros de vanguardia como Messiaen , Tippett , Andriessen y Xenakis . ^[289] Stravinsky también influyó en compositores como Elliott Carter , Harrison Birtwistle y John Tavener . ^[283] Además de Craft, sus estudiantes incluyen a Earnest Andersson , ^[290] Armando José Fernandes , Mordecai Seter , Robert Strassburg y Warren Zevon . ^{[291] [292]}

La necesidad de dinero de Stravinsky durante las Guerras Mundiales lo llevó a firmar muchos contratos con compañías discográficas para dirigir su música. ^[293] Su exposición temprana a la tecnología de pianola guió su visión de que los discos eran muy inferiores a la interpretación en vivo, pero actuaban como documentación histórica de cómo debían interpretarse sus obras. ^{[294] [295]} Como resultado, Stravinsky dejó un archivo masivo de grabaciones de su propia música, rara vez grabando música de otros compositores. ^{[296] [297]} Aunque la mayoría de sus grabaciones se hicieron con músicos de estudio, también trabajó con la Orquesta Sinfónica de Chicago , la Orquesta de Cleveland , la Orquesta Sinfónica de la CBC , la Filarmónica de Nueva York , la Orquesta Filarmónica Real y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera . ^[298] Stravinsky recibió cinco premios Grammy y un total de once nominaciones por sus grabaciones, y tres de sus álbumes fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Grammy . ^{[299] [300]} En 1987 se le concedió póstumamente el premio Grammy a la trayectoria . ^[301]

Durante su vida, Stravinsky apareció en varias transmisiones televisivas y documentales. ^[302] El primero, A Conversation with Igor Stravinsky , fue lanzado en 1957 por NBC y producido por Robert Graff, quien más tarde encargó y produjo The Flood . El formato de entrevista influyó más tarde en los diversos volúmenes que Craft escribió con Stravinsky. ^[303] El documental Stravinsky de la National Film Board of Canada de 1965 , dirigido por Roman Kroitor y Wolf Koenig , siguió a Stravinsky dirigiendo la Orquesta Sinfónica de CBC en una grabación de la Sinfonía de los Salmos , con entrevistas anecdóticas intercaladas a lo largo de todo el documental. ^[304] El documental de CBS de 1966 Portrait of Stravinsky llevó al compositor de regreso al Théâtre des Champs-Élysées (donde se estrenó La consagración de la primavera ) y a su antiguo hogar en Clarens, Suiza. ^[305] Otros documentales capturaron el proceso de colaboración entre Balanchine y Stravinsky. ^[306]

Stravinsky publicó varios libros a lo largo de su carrera. En su autobiografía de 1936, Crónica de mi vida , que fue escrita con la ayuda de Walter Nouvel , Stravinsky incluyó su famosa declaración de que "la música es, por su propia naturaleza, esencialmente incapaz de expresar nada en absoluto". ^[307] Con Alexis Roland-Manuel y Pierre Souvtchinsky , escribió sus Conferencias Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard de 1939-40, que se pronunciaron en francés y se recopilaron por primera vez bajo el título Poétique musicale en 1942 y luego se tradujeron en 1947 como Poética de la música . ^[y] En 1959, varias entrevistas entre el compositor y Craft se publicaron como Conversaciones con Ígor Stravinsky . Cinco volúmenes más de un formato similar se publicaron durante la década siguiente. ^[308]

Los libros y artículos se enumeran en el Apéndice E de Stravinsky: The Composer and His Works de Eric Walter White , ^{[309] referencias en} Stravinsky: His Thoughts and Music de Alicja Jarzębska , ^[310] y el perfil de Stravinsky de Stephen Walsh en Oxford Music Online . ^[311]

• Stravinsky, Igor (1936). Crónica de mi vida . Londres: Gollancz. OCLC  1354065.Publicado originalmente en francés como Chroniques de ma vie , 2 vols. (París: Denoël et Steele, 1935), posteriormente traducido (anónimamente) como Chronicle of My Life . Esta edición se reimprimió como Igor Stravinsky – An Autobiography , con un prefacio de Eric Walter White (Londres: Calder and Boyars, 1975) ISBN 978-0-7145-1063-7 . Reimpreso nuevamente como An Autobiography (1903–1934) (Londres: Boyars, 1990) ISBN 978-0-7145-1063-7 . También publicado como Igor Stravinsky – An Autobiography (Nueva York: M. & J. Steuer, 1958), y An Autobiography (Nueva York: WW Norton, 1962) ISBN 978-0-393-00161-7 .   
• — (1947). Poética de la música en forma de seis lecciones: las conferencias Charles Eliot Norton de 1939-1940. Harvard University Press. ISBN 978-0-674-67856-9.
• —; Craft, Robert (1959). Conversaciones con Igor Stravinsky. Doubleday. OCLC  896750.Reimpreso por University of California Press, 1980. ISBN 978-0-520-04040-3 . 
• —; — (1960). Memorias y comentarios. Doubleday. ISBN 978-0-520-04402-9.Reimpreso por University of California Press, 1981. ^[z]
• —; — (1962). Exposiciones y desarrollos. Faber y Faber. ISBN 978-0-520-04403-6.Reimpreso por University of California Press, 1981.
• —; — (1963). Diálogos y un diario. Doubleday. OCLC  896750.Reimpreso por Faber y Faber, 1986. ^[aa]
• —; — (1966). Temas y episodios. Alfred A. Knopf. OCLC  611277.
• —; — (1969). Retrospectivas y conclusiones. Alfred A. Knopf. OCLC  896809.
• —; — (1972). Temas y conclusiones . Faber y Faber.Se trata de una edición de un solo volumen de Temas y episodios (1966) y Retrospectivas y conclusiones (1969) revisadas por Igor Stravinsky en 1971. ISBN 978-0-571-08308-4 . Reimpreso por University of California Press, 1982. 

• Stravinsky, Igor (29 de mayo de 1913). Canudo, Ricciotto (ed.). "Ce que j'ai voulu exprimer dans ' Le sacre du printemps ' " [Lo que quería expresar en La consagración de la primavera ]. ¡Montjoie! (en francés). No. 2.En DICTECO
• - (15 de mayo de 1921). "Les Espagnols aux Ballets Russes" [Los españoles en los Ballets Russes]. Comedia (en francés).En DICTECO
• — (18 de octubre de 1921). “El genio de Chaikovski”. The Times (Carta abierta a la carta de Diaghilev). N.º 42854. Londres.
• — (18 de mayo de 1922). "Una carta de Stravinsky sobre Chaikovski". Le Figaro (en francés).En DICTECO
• — (Enero de 1924). “Algunas ideas sobre mi obra”. The Arts . Vol. VI, núm. 1. Brooklyn.(en White 1979, págs. 575-577)
• — (1924). "O mych ostatnich utworach" [Sobre mis últimos trabajos]. El Muzyka (en polaco). Núm. 1. págs. 15-17.
• — (1927). "Kilka uwag o tzw. neoklasycyzmie" [Algunas observaciones sobre el llamado neoclasicismo]. El Muzyka (en polaco). Núm. 12. págs. 563–566.
• — (Diciembre de 1927). "Avertissement... a Warning". The Dominant . Londres.(en White 1979, pág. 577)
• - (29 de abril de 1934). "Igor Strawinsky nous parle de 'Perséphone'" [Igor Stravinsky nos habla de Perséphone]. Excelsior  [fr] (en francés).En DICTECO
• — (1934). "Moja spowiedź muzyczna" [Mi confesión musical]. El Muzyka (en polaco). Núm. 2. págs. 56–57.
• - (15 de diciembre de 1935). "Quelques confidencias sur la musique" [Algunos secretos sobre la música]. Conferencia (en francés). París.En DICTECO
• - (28 de enero de 1936). "Ma candidature à l'Institut" [Mi candidatura al Instituto]. Revista (en francés). París.
• — (1940). Pushkin: poesía y música . OCLC  1175989080.
• —; Nouvel, Walter (1953). "El Diaghilev que conocí". The Atlantic Monthly . págs. 33–36.

• Partituras gratuitas de Igor Stravinsky en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• El sitio web de la Fundación Stravinsky
• "Descubriendo a Stravinsky". BBC Radio 3 .
• Obras de o sobre Igor Stravinsky en Internet Archive
• Discografía de Igor Stravinsky en Discogs
• Igor Stravinsky en AllMusic