Canguelo

Canguelo
James Brown , pionero del funk, en 1973
Orígenes estilísticos	Alma ritmo y blues jazz evangelio
Orígenes culturales	Mediados de la década de 1960, [1] Estados Unidos
Formas derivadas	Disco Hip-hop post punk baile punk mover el esqueleto R&B contemporáneo electro tecno ritmo de ruptura Nuevo columpio de gato jungla de la vieja escuela neurofunk Funk líquido rock kraut paso funk
Subgéneros
Funk profundo vete vete
Géneros de fusión
Jazz ácido afrobeat funk de vanguardia Funk británico Funk libre metal funk rock funky casa funky G-funk jazz funk Samba funk Funk psicodélico zorrito roca de pantano [2] Reino Unido funky
Otros temas
Músicos alma psicodélica Música afroamericana

El funk es un género musical que se originó en las comunidades afroamericanas a mediados de la década de 1960, cuando los músicos crearon una nueva forma de música rítmica y bailable a través de una mezcla de varios géneros musicales que eran populares entre los afroamericanos a mediados del siglo XX. Le quita importancia a la melodía y las progresiones de acordes y se centra en un ritmo fuerte de una línea de bajo tocada por un bajista eléctrico y una parte de batería tocada por un percusionista , a menudo a ritmos más lentos que otra música popular. El funk generalmente consiste en un ritmo de percusión complejo con instrumentos rítmicos que tocan ritmos entrelazados que crean una sensación "hipnótica" y "bailable". ^[3] Utiliza los mismos acordes extendidos de colores intensos que se encuentran en el jazz bebop , como acordes menores con séptimas y undécimas agregadas, y acordes de séptima dominante con novenas y decimoterceras alteradas.

El funk se originó a mediados de la década de 1960, con el desarrollo por parte de James Brown de un ritmo característico que enfatizaba el tiempo fuerte , con un gran énfasis en el primer tiempo de cada compás ("The One"), y la aplicación de semicorcheas con swing y síncopa en todas las líneas de bajo, patrones de batería y riffs de guitarra. ^[4] Los músicos influenciados por el rock y la psicodelia Sly and the Family Stone y Parliament-Funkadelic fomentaron ejemplos más eclécticos del género a partir de fines de la década de 1960. ^[5] Otros grupos musicales desarrollaron las innovaciones de Brown durante los años 1970 y 1980, incluyendo Kool and the Gang , ^[6] Ohio Players , Fatback Band , Jimmy Castor Bunch, Earth, Wind & Fire , BT Express , Shalamar , ^[7] One Way, Lakeside , Dazz Band , The Gap Band , Slave , Aurra , Roger Troutman & Zapp , Con Funk Shun , Cameo , Bar-Kays y Chic .

Los derivados del funk incluyen el avant-funk , una cepa vanguardista del funk; el boogie , un híbrido de música electrónica y funk; el funk metal ; el G-funk , una mezcla de rap gangsta y funk psicodélico ; la timba , una forma de música bailable cubana funky; y el funk jam. También es la principal influencia del Washington go-go , un subgénero del funk. ^[8] Los samples de funk y los breakbeats se han utilizado ampliamente en el hip hop y la música electrónica de baile .

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La palabra funk inicialmente se refería (y todavía se refiere) a un olor fuerte. Se deriva originalmente del latín fumigare (que significa "fumar") a través del francés antiguo fungiere y, en este sentido, se documentó por primera vez en inglés en 1620. En 1784, se documentó por primera vez el significado de funky "mohoso", lo que, a su vez, dio lugar a un sentido de "terroso" que se retomó alrededor de 1900 en la jerga del jazz temprano para algo "profundo o fuertemente sentido". ^{[9] [10]} Aunque en la cultura blanca, el término funk puede tener connotaciones negativas de olor o estar de mal humor ( en un funk ), en las comunidades africanas, el término funk , aunque todavía está vinculado al olor corporal, tenía el sentido positivo de que el esfuerzo honesto y duro de un músico conducía al sudor, y de su "esfuerzo físico" provenía una interpretación "exquisita" y "superlativa". ^[11]

En las primeras sesiones de improvisación , los músicos se animaban entre sí a " bajarse " diciéndose: "¡Ahora, ponle algo de apestoso !". Al menos ya en 1907, las canciones de jazz llevaban títulos como Funky . El primer ejemplo es un número no grabado de Buddy Bolden , recordado como "Funky Butt" o "Buddy Bolden's Blues", con letras improvisadas que eran, según Donald M. Marquis, o bien "cómicas y ligeras" o bien "crudas y francamente obscenas" pero, de una forma u otra, hacían referencia a la atmósfera sudorosa de los bailes en los que tocaba la banda de Bolden. ^{[12] [13]} Incluso en la década de 1950 y principios de la de 1960, cuando el funk y el funky se utilizaban cada vez más en el contexto de la música jazz , los términos todavía se consideraban poco delicados e inapropiados para su uso en compañía educada. Según una fuente, el baterista nacido en Nueva Orleans, Earl Palmer , "fue el primero en usar la palabra 'funky' para explicar a otros músicos que su música debería ser más sincopada y bailable". ^[14] El estilo evolucionó más tarde hacia un ritmo más bien contundente e insistente, lo que implica una cualidad más carnal . Esta forma temprana de música estableció el patrón para los músicos posteriores. ^[15] La música se identificó como lenta, sexy, suelta, orientada a los riffs y bailable. ^{[ cita requerida ]}

El significado del funk sigue cautivando el género de la música, el sentimiento y el conocimiento negros. Estudios recientes sobre los negros han tomado el término funk en sus muchas iteraciones para considerar la gama del movimiento y la cultura negros. En particular, Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures de LH Stallings explora estos múltiples significados del funk como una forma de teorizar la sexualidad, la cultura y la hegemonía occidental dentro de los muchos lugares donde se desarrolla el funk : "fiestas callejeras, teatro, strippers y clubes de striptease, pornografía y ficción autopublicada". ^[16]

Al igual que el soul, el funk se basa en la música de baile , por lo que tiene un fuerte "rol rítmico". ^[17] El sonido del funk se basa tanto en los "espacios entre las notas" como en las notas que se tocan; como tal, los silencios entre notas son importantes. ^[18] Si bien existen similitudes rítmicas entre el funk y la música disco , el funk tiene un "ritmo central de baile que es más lento, más sexy y más sincopado que el disco", y los músicos de la sección rítmica del funk agregan más "subtexturas", complejidad y "personalidad" al ritmo principal que un conjunto disco programado basado en sintetizadores. ^[19]

Antes del funk, la mayoría de la música pop se basaba en secuencias de corcheas, porque los tempos rápidos hacían imposibles subdivisiones rítmicas adicionales. ^[3] La innovación del funk fue que al utilizar tempos más lentos (seguramente influenciados por el resurgimiento del blues a principios de los años 60), el funk "creó espacio para una mayor subdivisión rítmica, de modo que un compás de 4/4 podía ahora acomodar posibles ubicaciones de 16 notas". ^[3] En concreto, al hacer que la guitarra y la batería tocaran en ritmos de semicorcheas "motorizados", se creó la oportunidad para que los otros instrumentos tocaran un "estilo más sincopado y fragmentado", lo que facilitó un paso a líneas de bajo más "liberadas". Juntas, estas "partes entrelazadas" crearon una sensación "hipnótica" y "bailable". ^[3]

Gran parte del funk se basa rítmicamente en una estructura de dos celdas , a compás y contracompas, que se originó en las tradiciones musicales del África subsahariana . Nueva Orleans se apropió de la estructura bifurcada del mambo y la conga afrocubanos a fines de la década de 1940 y la hizo propia. ^[20] El funk de Nueva Orleans, como se lo llamaba, ganó reconocimiento internacional en gran medida porque la sección rítmica de James Brown lo utilizó con gran efecto. ^[21]

El funk utiliza los mismos acordes extendidos de colores intensos que se encuentran en el jazz bebop , como acordes menores con séptimas y undécimas añadidas, o acordes de séptima dominante con novenas alteradas. Algunos ejemplos de acordes utilizados en el funk son los acordes de undécima menor (p. ej., F menor 11.º); séptima dominante con novena sostenida añadida y una cuarta suspendida (p. ej., C7 (#9) sus 4); acordes de novena dominante (p. ej., F9); y acordes de sexta menor (p. ej., C menor 6). ^[18] El acorde de sexta novena se utiliza en el funk (p. ej., F 6/9); es un acorde mayor con una sexta y una novena añadidas. ^[18] En el funk, los acordes de séptima menor son más comunes que las tríadas menores porque se descubrió que estas últimas sonaban demasiado delgadas. ^[22] Algunos de los solistas más conocidos y hábiles del funk tienen antecedentes de jazz . El trombonista Fred Wesley y los saxofonistas Pee Wee Ellis y Maceo Parker se encuentran entre los músicos más notables del género musical funk, habiendo trabajado con James Brown , George Clinton y Prince .

A diferencia del jazz bebop, con sus complejos y rápidos cambios de acordes, el funk suele utilizar un vamp estático de un solo acorde o de dos acordes (a menudo alternando un acorde de séptima menor y un acorde de séptima dominante relacionado, como de la menor a re7) durante toda o parte de una canción, con un movimiento melodoarmónico y una sensación rítmica compleja y dinámica. Aunque algunas canciones de funk son principalmente vamps de un solo acorde, los músicos de la sección rítmica pueden embellecer este acorde moviéndolo hacia arriba o hacia abajo un semitono o un tono para crear acordes de paso cromáticos. Por ejemplo, la sección de verso de " Play That Funky Music " (de Wild Cherry ) utiliza principalmente un acorde de novena de mi, pero también utiliza fa#9 y fa9. ^[23]

Los acordes utilizados en las canciones funk suelen implicar un modo dórico o mixolidio , en contraposición a las tonalidades mayores o menores naturales de la mayoría de la música popular. El contenido melódico se derivó de la mezcla de estos modos con la escala de blues . En la década de 1970, la música jazz se basó en el funk para crear un nuevo subgénero de jazz-funk , que se puede escuchar en grabaciones de Miles Davis ( Live-Evil , On the Corner ) y Herbie Hancock ( Head Hunters ).

El funk continúa la tradición musical africana de la improvisación , en la que en una banda de funk, el grupo normalmente "siente" cuándo cambiar, "jamming" y "grooving", incluso en la etapa de grabación del estudio, que podría basarse solo en el marco esquemático de cada canción. ^[24] El funk utiliza la "improvisación colectiva", en la que los músicos en los ensayos tendrían lo que era metafóricamente una "conversación" musical, un enfoque que se extendía a las actuaciones en el escenario. ^[25]

El funk crea un ritmo intenso mediante el uso de riffs de guitarra potentes y líneas de bajo tocadas con un bajo eléctrico . Al igual que las grabaciones de Motown , las canciones funk utilizan líneas de bajo como pieza central de las canciones. De hecho, se ha dicho que el funk es el estilo en el que la línea de bajo es más prominente en las canciones, ^[26] con el bajo tocando el "estribillo" de la canción. ^[27] Las primeras líneas de bajo del funk usaban síncopa (típicamente corcheas sincopadas), pero con la adición de una "sensación de conducción" más fuerte que en el funk de Nueva Orleans, y usaban notas de la escala de blues junto con la tercera mayor sobre la raíz. ^[28] Las líneas de bajo del funk posteriores usan síncopa de semicorcheas, escalas de blues y patrones repetitivos, a menudo con saltos de una octava o un intervalo más grande. ^[27]

Las líneas de bajo del funk enfatizan patrones repetitivos, grooves cerrados, ejecución continua y bajos con slap y popping . El slapping y popping utiliza una mezcla de notas bajas golpeadas con el pulgar (también llamadas "thumped") y notas altas "popped" (o punteadas) con los dedos, lo que permite que el bajo tenga un papel rítmico similar al de la batería, que se convirtió en un elemento distintivo del funk. Entre los músicos de slap y funky notables se incluyen Bernard Edwards ( Chic ), Robert "Kool" Bell , Mark Adams ( Slave ), Johnny Flippin ( Fatback ) ^[29] y Bootsy Collins . ^[30] Si bien el slap y el funky son importantes, algunos bajistas influyentes que tocan funk, como Rocco Prestia (de Tower of Power ), no utilizaron este enfoque y, en su lugar, utilizaron un método típico de fingerstyle basado en el estilo de interpretación Motown de James Jamerson . ^[30] Larry Graham de Sly and the Family Stone es un bajista influyente. ^[31]

El bajo funk tiene una "sensación terrenal y percusiva", en parte debido al uso de notas fantasma rítmicas y silenciadas ^[31] (también llamadas "notas muertas"). ^[30] Algunos bajistas funk usan unidades de efectos electrónicos para alterar el tono de su instrumento, como "filtros de envolvente" (un efecto auto-wah que crea un sonido "pegajoso, fangoso, crujiente y almibarado") ^[32] e imitan los tonos de bajo del sintetizador de teclado ^[33] (por ejemplo, el filtro de envolvente Mutron ) ^{[27] y efectos} de bajo fuzz saturados , que se utilizan para crear el "tono fuzz clásico que suena como discos de funk de la vieja escuela". ^[34] Otros efectos que se utilizan incluyen el flanger y el coro de bajo . ^[27] Collins también usó un Mu-Tron Octave Divider , un pedal de octava que, como el pedal Octavia popularizado por Hendrix , puede duplicar una nota una octava por encima y por debajo para crear un "sonido de gama baja futurista y gordo". ^[35]

La batería funk crea un ritmo enfatizando la "sensación y emoción" del baterista, lo que incluye "fluctuaciones ocasionales de tempo", el uso de un ritmo swing en algunas canciones (por ejemplo, "Cissy Strut" de The Meters y "I'll Take You There" de The Staple Singers , que tienen un ritmo medio swing) y un menor uso de rellenos (ya que pueden disminuir el ritmo). ^[36] Los rellenos de batería son "pocos y económicos", para asegurar que la batería se mantenga "en el bolsillo", con un ritmo y un ritmo constantes. ^[37] Estas técnicas de interpretación se complementan con una configuración para la batería que a menudo incluye bombos y toms amortiguados y cajas bien afinadas. ^{[36] Los sonidos} de bombo doble a menudo los hacen los bateristas de funk con un solo pedal, un enfoque que "acentúa la segunda nota... [y] amortigua la resonancia del parche", lo que da un sonido de bombo corto y amortiguado. ^[36]

James Brown utilizó dos bateristas, como Clyde Stubblefield y John 'Jabo' Starks, en grabaciones y espectáculos de soul. ^[38] Al utilizar dos bateristas, la banda de JB pudo mantener un sonido rítmico "sólido sincopado", que contribuyó al ritmo distintivo de "Funky Drummer" de la banda. ^[38]

En la forma de tocar del baterista de Tower of Power , David Garibaldi , hay muchas notas fantasma y golpes de aro . ^[36] Una parte clave del estilo de batería funk es el uso del hi-hat, siendo la apertura y el cierre de los hi-hats durante la ejecución (para crear efectos de acento de "salpicaduras") un enfoque importante. ^[39] Las semicorcheas a dos manos en los hi-hats, a veces con un grado de sensación de swing, se utilizan en el funk. ^[36]

Jim Payne afirma que la batería funk utiliza un enfoque "abierto" para la improvisación en torno a ideas rítmicas de la música latina, ostinatos , que se repiten "con solo ligeras variaciones", un enfoque que, según él, causa la naturaleza "fascinante" del funk. ^[40] Payne afirma que el funk puede considerarse como "rock tocado de una manera más sincopada", particularmente con el bombo, que toca patrones sincopados de corcheas y semicorcheas que fueron innovados por el baterista Clive Williams (con Joe Tex ); George Brown (con Kool & the Gang ) y James "Diamond" Williams (con The Ohio Players ). ^[41] Al igual que con el rock, la caja proporciona ritmos de fondo en la mayoría del funk (aunque con notas fantasma suaves adicionales). ^[40]

En el funk, los guitarristas suelen mezclar acordes de corta duración (apodados "stabs") con ritmos y riffs más rápidos. ^[17] Los guitarristas que tocan partes rítmicas suelen tocar semicorcheas, incluso con notas fantasma percusivas. ^[17] Se prefieren las extensiones de acordes, como los acordes de novena. ^[17] Normalmente, el funk utiliza "dos partes de guitarra [eléctrica] entrelazadas", con un guitarrista rítmico y un "guitarrista tenor" que toca notas individuales. Los dos guitarristas intercambian sus líneas para crear un " bolsillo entrelazado de llamada y respuesta ". ^[42] Si una banda solo tiene un guitarrista, este efecto se puede recrear mediante una sobregrabación en el estudio o, en un espectáculo en vivo, haciendo que un solo guitarrista toque ambas partes, en la medida en que esto sea posible. ^[42]

En las bandas de funk, los guitarristas suelen tocar con un estilo de percusión, utilizando un estilo de punteo llamado "chank" o "chicken scratch", en el que las cuerdas de la guitarra se presionan ligeramente contra el diapasón y luego se liberan rápidamente lo suficiente para obtener un sonido de "scratching" apagado que se produce por un rasgueo rítmico rápido de la mano opuesta cerca del puente . ^[43] Los primeros ejemplos de esa técnica utilizada en rhythm and blues se escuchan en la canción de Johnny Otis " Willie and the Hand Jive " de 1957, con el futuro guitarrista de la banda de James Brown, Jimmy Nolen . La técnica se puede dividir en tres enfoques: el "chika", el "chank" y el "choke". Con el "chika" se produce un sonido apagado de cuerdas que se golpean contra el diapasón; el "chank" es un ataque staccato que se realiza soltando el acorde con la mano que presiona los trastes después de rasguearlo; y el "choking" generalmente utiliza todas las cuerdas que se rasguean y se silencian fuertemente. ^[18]

El resultado de estos factores fue un sonido de guitarra rítmica que parecía flotar en algún lugar entre el golpe de gama baja del bajo eléctrico y el tono cortante de la caja y los hi-hats , con una sensación rítmica y melódica que se hundía profundamente en el bolsillo. El guitarrista Jimmy Nolen , guitarrista de James Brown durante mucho tiempo, desarrolló esta técnica. Sin embargo, en " Give It Up or Turnit a Loose " (1969) de Brown, la parte de guitarra de Jimmy Nolen tiene una estructura tonal básica. El patrón de puntos de ataque es el énfasis, no el patrón de tonos. La guitarra se utiliza de la misma manera que se utilizaría un tambor africano o un idiófono. Nolen creó un "tono limpio y agudo" utilizando " guitarras de jazz de cuerpo hueco con pastillas P-90 de bobina simple" enchufadas a un amplificador Fender Twin Reverb con los medios bajos y los agudos altos. ^[44]

Los guitarristas de funk que tocan la guitarra rítmica generalmente evitan los efectos de distorsión y la saturación del amplificador para obtener un sonido limpio, y dada la importancia de un sonido nítido y alto, las Fender Stratocasters y Telecasters se usaron ampliamente por su tono agudo cortante. ^[44] Los guitarristas a menudo cortan los medios para ayudar a que la guitarra suene diferente de la sección de vientos , teclados y otros instrumentos. ^[44] Dado el enfoque en proporcionar un ritmo rítmico y la falta de énfasis en las melodías de guitarra instrumentales y los solos de guitarra , los guitarristas rítmicos funk no buscan el sustain. ^[44] Los guitarristas rítmicos funk usan efectos de control de volumen del compresor para mejorar el sonido de las notas silenciadas, lo que aumenta el sonido de "cloqueo" y agrega "emoción percusiva a los ritmos funk" (un enfoque utilizado por Nile Rodgers ). ^[45]

El guitarrista Eddie Hazel de Funkadelic es conocido por su improvisación en solitario (particularmente por el solo de " Maggot Brain ") y riffs de guitarra, cuyo tono fue moldeado por un pedal Maestro FZ-1 Fuzz-Tone . ^[35] Hazel, junto con el guitarrista Ernie Isley de los Isley Brothers , fue influenciado por los solos improvisados ​​con wah-wah de Jimi Hendrix . Ernie Isley fue instruido a temprana edad por Hendrix, cuando Hendrix era parte de la banda de acompañamiento de los Isley Brothers y vivió temporalmente en la casa de los Isley. Los guitarristas de funk usan el efecto de sonido wah-wah junto con el silenciamiento de las notas para crear un sonido de percusión para sus riffs de guitarra. El efecto phaser se usa a menudo en la interpretación de guitarra de funk y R&B por su efecto de sonido de barrido de filtro, un ejemplo es la canción de los Isley Brothers " Who's That Lady ". ^[46] Michael Hampton , otro guitarrista de P-Funk, pudo tocar el solo virtuoso de Hazel en "Maggot Brain", utilizando un enfoque solista que agregó curvas de cuerdas y retroalimentación al estilo Hendrix . ^[35]

En el funk se utilizan diversos instrumentos de teclado. El piano acústico se utiliza en canciones como "September" de Earth Wind & Fire y " Will It Go Round in Circles " de Billy Preston . El piano eléctrico se utiliza en canciones como "Chameleon" de Herbie Hancock (un Fender Rhodes ) y "Mercy, Mercy, Mercy" de Joe Zawinul (un Wurlitzer ). El clavinet se utiliza por su tono percusivo y se puede escuchar en canciones como " Superstition " y " Higher Ground " de Stevie Wonder y " Use Me " de Bill Withers. El órgano Hammond B-3 se utiliza en canciones como "Cissy Strut" de The Meters y "Love the One You're With" (con Aretha Franklin cantando y Billy Preston en los teclados).

La gama de teclados de Bernie Worrell de sus grabaciones con Parliament Funkadelic demuestra la amplia gama de teclados utilizados en el funk, ya que incluyen el órgano Hammond ("Funky Woman", "Hit It and Quit It", "Wars of Armageddon"); piano eléctrico RMI ("I Wanna Know If It's Good to You?", " Free Your Mind ", "Loose Booty"); piano acústico ("Funky Dollar Bill", "Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him"); clavinet ("Joyful Process", "Up for the Down Stroke", "Red Hot Mama"); sintetizador Minimoog ("Atmosphere", " Flash Light ", "Aqua Boogie", "Knee Deep", "Let's Take It to the Stage"); y sintetizador de conjunto de cuerdas ARP (" Chocolate City ", " Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker) ", "Undisco Kidd").

Los sintetizadores se utilizaron en el funk tanto para añadir al sonido profundo del bajo eléctrico, o incluso para reemplazar al bajo eléctrico por completo en algunas canciones. ^[47] El bajo sintetizador funk, generalmente un Minimoog , se utilizó porque podía crear sonidos en capas y nuevos tonos electrónicos que no eran factibles en el bajo eléctrico. ^[47]

En la década de 1970, el funk utilizó muchos de los mismos estilos vocales que se utilizaron en la música afroamericana en la década de 1960, incluidas influencias de canto del blues, el gospel, el jazz y el doo-wop. ^[38] Al igual que estos otros estilos afroamericanos, el funk utilizó "[g]alls, gritos, alaridos, gemidos, tarareos y riffs melódicos", junto con estilos como llamada y respuesta y narración de historias (como el enfoque de la tradición oral africana). ^[48] La llamada y respuesta en el funk puede ser entre el cantante principal y los miembros de la banda que actúan como vocalistas de respaldo . ^[49]

A medida que el funk emergió del soul, las voces en el funk comparten el enfoque del soul; sin embargo, las voces del funk tienden a ser "más puntuadas, enérgicas, rítmicamente percusivas[,] y menos adornadas" con adornos, y las líneas vocales tienden a parecerse a partes de instrumentos de viento y tienen ritmos "empujados". ^[50] Las bandas de funk como Earth, Wind & Fire tienen partes vocales armoniosas . ^[19] Canciones como " Super Bad " de James Brown incluían "doble voz" junto con "gritos, alaridos y chillidos". ^[51] Los cantantes de funk usaban una "estética negra" para actuar que hacía uso de un "intercambio colorido y animado de gestos, expresiones faciales, postura corporal y frases vocales" para crear una actuación atractiva. ^[52]

Las letras de la música funk abordaban problemas que enfrentaba la comunidad afroamericana en los Estados Unidos durante la década de 1970, que surgieron debido al alejamiento de una economía industrial de clase trabajadora a una economía de la información, que perjudicó a la clase trabajadora negra. ^[53] Las canciones funk de The Ohio Players, Earth, Wind & Fire y James Brown planteaban problemas que enfrentaban los negros de bajos ingresos en las letras de sus canciones, como las malas "condiciones económicas y los temas de la vida pobre en el centro de la ciudad en las comunidades negras". ^[54]

La canción de Funkadelic " One Nation Under A Groove " (1978) trata sobre los desafíos que los negros superaron durante el movimiento por los derechos civiles de los años 1960, e incluye una exhortación a los negros en los años 1970 para que aprovechen las nuevas "oportunidades sociales y políticas" que se habían hecho disponibles en los años 1970. ^[55] La canción de los Isley Brothers "Fight the Power" (1975) tiene un mensaje político. ^[56] La canción de Parliament "Chocolate City" (1975) se refiere metafóricamente a Washington, DC, y otras ciudades de los EE. UU. que tienen una población principalmente negra, y llama la atención sobre el poder potencial que ejercen los votantes negros y sugiere que se considere un presidente negro en el futuro. ^[57]

Los temas políticos de las canciones funk y la orientación de los mensajes a una audiencia negra se hicieron eco de la nueva imagen de los negros que se creó en las películas de blaxploitation , que mostraban a "hombres y mujeres afroamericanos que se mantenían firmes y luchaban por lo que era correcto". ^[58] Tanto las películas de funk como las de blaxploitation abordaron problemas a los que se enfrentaban los negros y contaron historias desde una perspectiva negra. ^[58] Otro vínculo entre las películas de funk y blaxploitation de la década de 1970 es que muchas de estas películas usaban bandas sonoras funk (por ejemplo, Curtis Mayfield para Superfly ; James Brown y Fred Wesley para Black Caesar y War para Youngblood ). ^[59]

Las canciones funk incluían un lenguaje metafórico que era mejor comprendido por los oyentes que estaban "familiarizados con la estética negra y el lenguaje vernáculo [negro]". ^[60] Por ejemplo, las canciones funk incluían expresiones como "shake your money maker", "funk yourself right out" y "move your boogie body". ^[61] Otro ejemplo es el uso de "bad" en la canción "Super Bad" (1970), que los oyentes negros sabían que significaba "good" o "great". ^[49]

En la década de 1970, para evitar las restricciones de obscenidad en la radio, los artistas de funk usaban palabras que sonaban como palabras no permitidas y dobles sentidos para evitar estas restricciones. ^[62] Por ejemplo, The Ohio Players tenían una canción titulada "Fopp" que se refería a "Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...". ^[62] Algunas canciones de funk usaban palabras inventadas que sugerían que estaban "escribiendo letras en una neblina constante de humo de marihuana", como " Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop) " de Parliament, que incluye palabras como "bioaquadooloop". ^[62] La base de oyentes blancos dominantes a menudo no podía entender los mensajes líricos del funk, lo que contribuyó a la falta de éxito del funk en las listas de música popular entre el público blanco durante la década de 1970. ^[63]

Los arreglos de secciones de viento con grupos de instrumentos de viento se utilizan a menudo en canciones funk. ^[19] Las secciones de viento de funk pueden incluir saxofón (a menudo saxo tenor), trompeta, trombón y, para secciones de viento más grandes, como quintetos y sextetos, un saxo barítono. ^[3] Las secciones de viento tocan partes "rítmicas y sincopadas", a menudo con "frases fuera de ritmo" que enfatizan el "desplazamiento rítmico". ^[3] Las introducciones de canciones funk son un lugar importante para los arreglos de viento. ^[3]

Las secciones de instrumentos de viento funk tocaban en un "estilo de percusión rítmica" que imitaba el enfoque utilizado por los guitarristas rítmicos del funk. ^[64] Las secciones de instrumentos de viento "puntuaban" las letras tocando en los espacios entre las voces, utilizando "ráfagas rítmicas cortas y staccato". ^[64] Entre los trompetistas de funk más notables se encontraban Alfred "PeeWee" Ellis , el trombonista Fred Wesley y el saxofonista alto Maceo Parker . ^[64] Entre las secciones de instrumentos de viento funk más notables se encuentran los Phoenix Horns (con Earth, Wind & Fire), los Horny Horns (con Parliament), los Memphis Horns (con Isaac Hayes ) y MFSB (con Curtis Mayfield ). ^[64]

Los instrumentos en las secciones de trompas de funk variaban. Si había dos trompetistas, podían ser trompeta y saxo, trompeta y trombón, o dos saxofones. ^[3] Un trío de trompas estándar estaría formado por trompeta, saxo y trombón, pero los tríos de una trompeta con dos saxofones, o dos trompetas con un saxo, también eran bastante comunes. ^[3] Un cuarteto se formaría de la misma manera que un trío de trompas estándar, pero con un trompetista, un saxo o (con menos frecuencia) un trombonista adicional. Los quintetos serían un trío de saxofones (normalmente alto/tenor/barítono o tenor/tenor/barítono) con una trompeta y un trombón, o un par de trompetas y saxofones con un trombón. Con seis instrumentos, la sección de trompas normalmente estaría formada por dos trompetas, tres saxofones y un trombón. ^[3]

Algunas de las canciones más destacadas con secciones de instrumentos de viento funk son:

• " Sudor frío " (James Brown & the Famous Flames), 1967
• "Superstición" (Stevie Wonder), 1972
• "Cosas divertidas" (Kool & The Gang), 1973
• "¿Qué es Hip?" (Tower of Power), 1973
• " Recoge los pedazos " (banda blanca promedio)
• " Arriba para el golpe descendente " (Parlamento), 1974
• "Hair" (estación central de Graham), 1974
• " Demasiado calor para parar " (The Bar-Kays), 1976
• " Escapada " (Tierra, Viento y Fuego), 1976

En bandas o espectáculos donde no es posible contratar una sección de instrumentos de viento, un teclista puede tocar las partes de instrumentos de viento en un sintetizador con parches de metales; sin embargo, es importante elegir un sintetizador y un parche de metales que suenen auténticos. ^[3] En la década de 2010, con los sintetizadores micro-MIDI, incluso puede haber sido posible que otro instrumentista tocara las partes de metales del teclado, lo que le permitía al teclista continuar acompañando a lo largo de la canción. ^[3]

Las bandas de funk de los años 1970 adoptaron la moda y el estilo afroamericanos, incluyendo " pantalones acampanados , zapatos de plataforma, aros, peinados afro, chalecos de cuero, collares de cuentas", ^{[65] camisas} dashiki , monos y botas. ^[66] A diferencia de bandas anteriores como The Temptations , que usaban "trajes a juego" y "cortes de pelo prolijos" para atraer al público blanco general, las bandas de funk adoptaron un "espíritu africano" en sus atuendos y estilo. ^[60] George Clinton y Parliament son conocidos por sus disfraces imaginativos y su "libertad de vestir", que incluía sábanas que actuaban como túnicas y capas. ^[67]

El funk se formó a partir de una mezcla de varios géneros musicales que eran populares entre los afroamericanos a mediados del siglo XX. La musicóloga Anne Danielsen escribió que el funk podría ubicarse en el linaje del rhythm and blues, el jazz y el soul. ^[68] El sociólogo Darby E. Southgate escribió que el funk es "una amalgama de gospel, soul, jazz fusión, rhythm and blues y black rock". ^[1]

Las características distintivas de la expresión musical afroamericana tienen sus raíces en las tradiciones musicales del África subsahariana y encuentran su primera expresión en los espirituales, los cantos/canciones de trabajo, los gritos de alabanza, el gospel, el blues y los "ritmos corporales" ( hambone , patting juba y patrones de aplausos y pisotones en ring scream ).

Al igual que otros estilos de expresión musical afroamericana, incluido el jazz, la música soul y el R&B, la música funk acompañó muchos movimientos de protesta durante y después del Movimiento por los Derechos Civiles .

Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans , el blues temprano carecía de polirritmos complejos , y había una "ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos ( patrones de clave ) en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX... solo en algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un indicio de patrones de línea de tiempo simples en forma de patrones transitorios llamados 'stomp' o coros de tiempo detenido. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas". ^[69]

A finales de los años 1940 esto cambió un poco cuando la estructura de línea temporal de dos celdas se introdujo en el blues de Nueva Orleans . Los músicos de Nueva Orleans fueron especialmente receptivos a las influencias afrocubanas precisamente en la época en que el R&B se estaba formando. ^[70] Dave Bartholomew y el Profesor Longhair (Henry Roeland Byrd) incorporaron instrumentos afrocubanos, así como el patrón de clave y figuras de dos celdas relacionadas en canciones como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Robert Palmer informa que, en la década de 1940, el Profesor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado ". ^[20] El estilo particular del Profesor Longhair era conocido localmente como rumba-boogie . ^[21]

Una de las grandes contribuciones de Longhair fue su particular enfoque de adoptar patrones de dos celdas basados ​​en la clave en el rhythm and blues (R&B) de Nueva Orleans. El enfoque rítmico de Longhair se convirtió en un modelo básico del funk. Según el Dr. John (Malcolm John "Mac" Rebennack Jr.), el profesor "puso el funk en la música... La idea de Longhair tuvo una relación directa, diría yo, con una gran parte de la música funk que se desarrolló en Nueva Orleans". ^[71] En su "Mardi Gras in New Orleans", el pianista emplea el motivo de clave 2-3 a tiempo/fuera de tiempo en un " guajeo " de rumba-boogie. ^[72]

La sensación de subdivisión sincopada pero directa de la música cubana (en oposición a las subdivisiones swing ) arraigó en el R&B de Nueva Orleans durante esta época. Alexander Stewart afirma: "Con el tiempo, los músicos de fuera de Nueva Orleans comenzaron a aprender algunas de las prácticas rítmicas [de la Crescent City]. Los más importantes de ellos fueron James Brown y los bateristas y arreglistas que empleaba. El repertorio inicial de Brown había utilizado principalmente ritmos shuffle, y algunas de sus canciones más exitosas fueron baladas de 12/8 (por ejemplo, "Please, Please, Please" (1956), "Bewildered" (1961), "I Don't Mind" (1961)). El cambio de Brown a una marca de soul más funky requirió un compás de 4/4 y un estilo diferente de batería". ^[73] Stewart señala lo siguiente: "El estilo singular de rhythm & blues que surgió en Nueva Orleans en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial jugó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense experimentaron una transición básica, aunque generalmente no reconocida, de un ritmo de tresillo o shuffle a corcheas uniformes o rectas". ^[74]

James Brown atribuyó a la banda de R&B de la década de 1950 de Little Richard , The Upsetters de Nueva Orleans, como "la primera en poner el funk en el ritmo" del rock and roll . ^[75] Después de su salida temporal de la música secular para convertirse en evangelista en 1957, algunos de los miembros de la banda de Little Richard se unieron a Brown and the Famous Flames , comenzando una larga serie de éxitos para ellos en 1958. A mediados de la década de 1960, James Brown había desarrollado su ritmo característico que enfatizaba el downbeat , con un gran énfasis en el primer tiempo de cada compás para grabar su sonido distintivo, en lugar del backbeat que tipificaba la música afroamericana. ^[76] Brown a menudo daba la señal a su banda con la orden "¡A la una!", cambiando el énfasis/acento de la percusión del uno- dos -tres- cuatro de fondo de la música soul tradicional al uno -dos-tres-cuatro de fondo, pero con un ritmo de guitarra sincopado de notas iguales (en las negras dos y cuatro) que presenta un swing metálico repetitivo y enérgico . Este ritmo uno-tres inició el cambio en el estilo musical característico de Brown, comenzando con su sencillo de éxito de 1964, " Out of Sight " y sus éxitos de 1965, " Papa's Got a Brand New Bag " y " I Got You (I Feel Good) ".

El estilo de funk de Brown se basaba en partes entrelazadas y contrapuntísticas: líneas de bajo sincopadas , patrones de batería de semicorcheas y riffs de guitarra sincopados. ^[4] Los ostinatos de guitarra principales de "Ain't it Funky" (c. finales de los años 1960) son un ejemplo del refinamiento de Brown del funk de Nueva Orleans: un riff irresistiblemente bailable, despojado de su esencia rítmica. En "Ain't it Funky", la estructura tonal es básica. Las innovaciones de Brown lo llevaron a él y a su banda a convertirse en el acto funk seminal; también impulsaron el estilo de música funk aún más a la vanguardia con lanzamientos como " Cold Sweat " (1967), " Mother Popcorn " (1969) y " Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine " (1970), descartando incluso el blues de doce compases que presentaba su música anterior. En cambio, la música de Brown estaba recubierta de "voces pegadizas e himnarias" basadas en "vamps extensos" en los que también usaba su voz como "un instrumento de percusión con frecuentes gruñidos rítmicos y con patrones de sección rítmica... [parecidos a] los polirritmos de África occidental ", una tradición evidente en las canciones y cánticos de trabajo afroamericanos. ^[77] A lo largo de su carrera, la voz frenética de Brown, frecuentemente puntuada con gritos y gruñidos, canalizaba el "ambiente extático de la iglesia negra" en un contexto secular. ^[77]

Videos externos
Mira: "Clyde Stubblefield/ Funky Drummer" en YouTube

Después de 1965, el líder de la banda y arreglista de Brown fue Alfred "Pee Wee" Ellis . Ellis atribuye la adopción de las técnicas de percusión de Nueva Orleans por parte de Clyde Stubblefield como la base del funk moderno: "Si, en un estudio, decías 'tócalo funky' eso podría implicar casi cualquier cosa. Pero 'dame un ritmo de Nueva Orleans', conseguías exactamente lo que querías. Y Clyde Stubblefield era simplemente el epítome de esta percusión funky". ^[78] Stewart afirma que el estilo popular se transmitió desde "Nueva Orleans, a través de la música de James Brown, a la música popular de los años 70". ^[74] En cuanto a los diversos motivos funk, Stewart afirma que este modelo "... es diferente de una línea de tiempo (como la clave y el tresillo ) en que no es un patrón exacto, sino más bien un principio de organización flexible". ^[79]

En una entrevista de 1990, Brown ofreció su razón para cambiar el ritmo de su música: "Cambié del tiempo fuerte al tiempo débil... Así de simple, realmente". ^[80] Según Maceo Parker , el ex saxofonista de Brown, tocar en el tiempo fuerte al principio le resultó difícil y le llevó un tiempo acostumbrarse. Al reflexionar sobre sus primeros días con la banda de Brown, Parker informó que tenía dificultades para tocar "en el uno" durante las actuaciones en solitario, ya que estaba acostumbrado a escuchar y tocar con el acento en el segundo tiempo. ^[81]

Un nuevo grupo de músicos comenzó a desarrollar aún más el enfoque del "funk rock". Las innovaciones fueron destacadas por George Clinton , con sus bandas Parliament y Funkadelic . Juntos, produjeron un nuevo tipo de sonido funk fuertemente influenciado por el jazz y el rock psicodélico . Los dos grupos compartían miembros y a menudo se los conoce colectivamente como "Parliament-Funkadelic". La gran popularidad de Parliament-Funkadelic dio lugar al término " P-Funk ", que se refería a la música de las bandas de George Clinton y definía un nuevo subgénero. Clinton jugó un papel principal en varias otras bandas, incluidas Parlet , Horny Horns y Brides of Funkenstein, todas parte del conglomerado P-Funk. "P-funk" también llegó a significar algo en su quintaesencia, de calidad superior, o sui generis .

Siguiendo el trabajo de Jimi Hendrix a finales de los años 1960, artistas como Sly and the Family Stone combinaron el rock psicodélico de Hendrix con el funk, tomando prestados pedales wah , cajas de fuzz , cámaras de eco y distorsionadores vocales del primero, así como blues rock y jazz . ^[82] En los años siguientes, grupos como Parliament-Funkadelic de Clinton continuaron con esta sensibilidad, empleando sintetizadores y trabajo de guitarra orientado al rock. ^[82]

Otros grupos musicales retomaron los ritmos y el estilo vocal desarrollado por James Brown y su banda, y el estilo funk comenzó a crecer. Dyke and the Blazers , con sede en Phoenix, Arizona , lanzó " Funky Broadway " en 1967, quizás el primer disco de la era de la música soul en tener la palabra "funky" en el título. En 1969, Jimmy McGriff lanzó Electric Funk , presentando su distintivo órgano sobre una sección de vientos llameantes. Mientras tanto, en la Costa Oeste , Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band estaba lanzando pistas funk comenzando con su primer álbum en 1967, culminando en el sencillo clásico "Express Yourself" en 1971. También del área de la Costa Oeste, más específicamente Oakland, California , llegó la banda Tower of Power (TOP), que se formó en 1968. Su álbum debut, East Bay Grease , lanzado en 1970, se considera un hito en el funk. A lo largo de la década de 1970, TOP tuvo muchos éxitos y la banda ayudó a hacer de la música funk un género exitoso, con un público más amplio.

En 1970, " Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) " de Sly & the Family Stone alcanzó el número uno en las listas, al igual que " Family Affair " en 1971. Cabe destacar que estos le brindaron al grupo y al género un éxito de crossover y un mayor reconocimiento, aunque tal éxito escapó a bandas de funk comparativamente talentosas y moderadamente populares. The Meters definieron el funk en Nueva Orleans , comenzando con sus diez éxitos de R&B "Sophisticated Cissy" y " Cissy Strut " en 1969. Otro grupo que definió el funk en esta época fueron los Isley Brothers , cuyo éxito de R&B funky número uno de 1969, " It's Your Thing ", señaló un gran avance en la música afroamericana, cerrando las brechas de los sonidos jazzeros de Brown, el rock psicodélico de Jimi Hendrix y el soul optimista de Sly & the Family Stone y Mother's Finest . The Temptations , que ya habían contribuido a definir el « sonido Motown » (una mezcla distintiva de pop y soul), también adoptaron este nuevo sonido psicodélico hacia finales de los años 60. Su productor, Norman Whitfield , se convirtió en un innovador en el campo del soul psicodélico, creando éxitos con un sonido más nuevo y funky para muchos grupos de Motown , entre ellos « War » de Edwin Starr , « Smiling Faces Sometimes » de Undisputed Truth y « Papa Was A Rollin' Stone » de The Temptations. Los productores de Motown Frank Wilson (« Keep On Truckin' ») y Hal Davis (« Dancing Machine ») siguieron su ejemplo. Stevie Wonder y Marvin Gaye también adoptaron ritmos funk para algunos de sus mayores éxitos de los años 70, como « Superstition » y « You Haven't Done Nothin' », y « I Want You » y « Got To Give It Up », respectivamente.

La década de 1970 fue la época de mayor visibilidad de la música funk en el mainstream. Además de Parliament Funkadelic , artistas como Sly and the Family Stone , Rufus & Chaka Khan , Bootsy's Rubber Band , Isley Brothers , Ohio Players , Con Funk Shun , Kool and the Gang , Bar-Kays , Commodores , Roy Ayers , Curtis Mayfield y Stevie Wonder , entre otros, consiguieron difusión en la radio. La música disco le debía mucho al funk. Muchas de las primeras canciones e intérpretes de la música disco provenían directamente de entornos orientados al funk. Algunos éxitos de la música disco, como todos los éxitos de Barry White , " Kung Fu Fighting " de Biddu y Carl Douglas , " Love To Love You Baby " de Donna Summer , " Love Hangover " de Diana Ross , " I'm Your Boogie Man " de KC and the Sunshine Band , " I'm Every Woman " de Chaka Khan (también conocida como la Reina del Funk) y "Le Freak" de Chic , incluyen de forma llamativa riffs y ritmos derivados del funk. En 1976, Rose Royce consiguió un éxito número uno con un disco puramente dance-funk, " Car Wash ". Incluso con la llegada de la música disco, el funk se hizo cada vez más popular hasta principios de los años 80.

La música funk también se exportó a África y se fusionó con el canto y los ritmos africanos para formar el Afrobeat . Se atribuye la creación del estilo y su denominación "Afrobeat" al músico nigeriano Fela Kuti , que recibió una gran influencia de la música de James Brown.

El jazz-funk es un subgénero de la música jazz que se caracteriza por un fuerte ritmo de fondo ( groove ), sonidos electrificados ^[83] y una prevalencia temprana de sintetizadores analógicos . La integración de la música y los estilos funk, soul y R&B en el jazz resultó en la creación de un género cuyo espectro es bastante amplio y va desde la fuerte improvisación del jazz hasta el soul, el funk o el disco con arreglos de jazz, riffs de jazz y solos de jazz, y a veces voces soul. ^[84] El jazz-funk es principalmente un género estadounidense , donde fue popular durante la década de 1970 y principios de la de 1980, pero también alcanzó un atractivo notable en el circuito de clubes en Inglaterra a mediados de la década de 1970. Los géneros similares incluyen el soul jazz y el jazz fusión , pero ninguno se superpone por completo con el jazz-funk. Cabe destacar que el jazz-funk es menos vocal, más arreglado y presenta más improvisación que el soul jazz, y conserva una fuerte sensación de groove y R&B frente a parte de la producción del jazz fusión.

En la década de 1980, en gran medida como una reacción contra lo que se consideraba un exceso de indulgencia en la música disco , muchos de los elementos centrales que formaban la base de la fórmula del P-Funk comenzaron a ser usurpados por instrumentos electrónicos , cajas de ritmos y sintetizadores . Las secciones de viento de saxofones y trompetas fueron reemplazadas por teclados sintetizados , y a los instrumentos de viento que quedaron se les dieron líneas simplificadas, y se les dieron pocos solos de viento a los solistas. Los teclados eléctricos clásicos del funk, como el órgano Hammond B3 , el Hohner Clavinet y/o el piano Fender Rhodes , comenzaron a ser reemplazados por los nuevos sintetizadores digitales como el Yamaha DX7 y sintetizadores analógicos controlados por microprocesador como el Prophet-5 y el Oberheim OB-X . Las cajas de ritmos electrónicas como el Roland TR-808 , el Linn LM-1 y el Oberheim DMX comenzaron a reemplazar a los " bateristas funky " del pasado, y el estilo slap y pop de tocar el bajo a menudo fue reemplazado por líneas de bajo con teclados sintetizados. Las letras de las canciones funk comenzaron a cambiar desde sugerentes dobles sentidos a un contenido más gráfico y sexualmente explícito.

Influenciado por Kraftwerk , el DJ de rap afroamericano Afrika Bambaataa desarrolló el electro-funk, un estilo minimalista de funk impulsado por máquinas con su sencillo " Planet Rock " en 1982. ^[85] También conocido simplemente como electro, este estilo de funk fue impulsado por sintetizadores y el ritmo electrónico de la caja de ritmos TR-808 . El sencillo " Renegades of Funk " le siguió en 1983. ^[85] Michael Jackson también fue influenciado por el electro-funk. ^[86] En 1980, la música techno-funk utilizó la caja de ritmos programable TR-808, ^[87] mientras que el sonido de Kraftwerk influyó ^[88] en artistas de electro-funk posteriores como Mantronix . ^[89]

Rick James fue el primer músico de funk de la década de 1980 en asumir el manto del funk dominado por el P-Funk en la década de 1970. Su álbum de 1981 Street Songs , con los sencillos "Give It to Me Baby" y " Super Freak ", resultó en que James se convirtiera en una estrella y allanó el camino para la futura dirección de lo explícito en el funk.

Prince formó Time , originalmente concebido como un acto de apertura para él y basado en su " sonido Minneapolis ", una mezcla híbrida de funk, R&B , rock , pop y new wave . Con el tiempo, la banda pasó a definir su propio estilo de funk despojado basado en una musicalidad precisa y temas sexuales.

Al igual que Prince, otras bandas surgieron durante la era del P-Funk y comenzaron a incorporar sexualidad desinhibida, temas orientados al baile, sintetizadores y otras tecnologías electrónicas para seguir creando éxitos funk. Entre ellas se encontraban Cameo , Zapp , Gap Band , Bar-Kays y Dazz Band , quienes encontraron sus mayores éxitos a principios de los años 1980. En la segunda mitad de los años 1980, el funk puro había perdido su impacto comercial; sin embargo, los artistas pop desde Michael Jackson hasta Culture Club a menudo usaban ritmos funk.

Aunque el funk fue expulsado de la radio por el elegante hip hop comercial , el R&B contemporáneo y el new jack swing , su influencia continuó extendiéndose. Artistas como Steve Arrington y Cameo todavía recibían una gran difusión y tenían enormes seguidores en todo el mundo. Las bandas de rock comenzaron a adoptar elementos del funk en su sonido, creando nuevas combinaciones de " funk rock " y " funk metal ". Extreme , Red Hot Chili Peppers , Living Colour , Jane's Addiction , Prince , Primus , Urban Dance Squad , Fishbone , Faith No More , Rage Against the Machine , Infectious Grooves e Incubus difundieron el enfoque y los estilos obtenidos de los pioneros del funk a nuevas audiencias a mediados y fines de la década de 1980 y la de 1990. Estas bandas luego inspiraron el movimiento funkcore underground de mediados de la década de 1990 y a artistas actuales inspirados en el funk como Outkast , Malina Moye , Van Hunt y Gnarls Barkley .

En la década de 1990, artistas como Me'shell Ndegeocello , Brooklyn Funk Essentials y el movimiento acid jazz (predominantemente con sede en el Reino Unido) —que incluía artistas y bandas como Jamiroquai , Incognito , Galliano , Omar , Los Tetas y Brand New Heavies— continuaron con fuertes elementos de funk. Sin embargo, nunca estuvieron cerca de alcanzar el éxito comercial del funk en su apogeo, con la excepción de Jamiroquai, cuyo álbum Travelling Without Moving vendió alrededor de 11,5 millones de unidades en todo el mundo y sigue siendo el álbum de funk más vendido de la historia. ^[90] Mientras tanto, en Australia y Nueva Zelanda, las bandas que tocaban en el circuito de pubs, como Supergroove , Skunkhour y The Truth , preservaron una forma más instrumental de funk.

Desde finales de los años 80, los artistas de hip hop han sampleado regularmente melodías antiguas de funk. Se dice que James Brown es el artista más sampleado en la historia del hip hop, mientras que P-Funk es el segundo artista más sampleado; los samples de canciones antiguas de Parliament y Funkadelic formaron la base del G-funk de la Costa Oeste .

Los ritmos originales que presentan riffs de bajo o guitarra rítmica de estilo funk tampoco son infrecuentes. Dr. Dre (considerado el progenitor del género G-funk) ha reconocido libremente estar muy influenciado por la psicodelia de George Clinton: "En los años 70, eso era todo lo que hacía la gente: drogarse, usar afros , pantalones de campana y escuchar a Parliament-Funkadelic. Por eso llamé a mi álbum The Chronic y basé mi música y los conceptos como lo hice: porque su mierda fue una gran influencia en mi música. Muy grande". ^[91] Digital Underground fue un gran contribuyente al renacimiento del funk en la década de 1990 al educar a sus oyentes con conocimientos sobre la historia del funk y sus artistas. George Clinton calificó a Digital Underground como " Sons of the P ", como también se titula su segundo lanzamiento de larga duración. El primer lanzamiento de DU, Sex Packets , estaba lleno de samples de funk, siendo el más conocido " The Humpty Dance ", que sampleaba "Let's Play House" de Parliament. Un álbum de funk muy potente de DU fue su lanzamiento de 1996, Future Rhythm . Gran parte de la música de baile contemporánea de club, en particular el drum and bass, tiene un gran contenido de samples de tambores funk.

El funk es un elemento importante de ciertos artistas identificados con la escena de las jam bands de finales de los años 1990 y 2000. A finales de los años 1990, la banda Phish desarrolló un sonido en vivo llamado "cow funk" (también conocido como "space funk"), que consistía en grooves de bajos profundos bailables extendidos, y a menudo enfatizaba el pedal "wah" pesado y otros efectos psicodélicos del guitarrista y el Clavinet en capas del teclista. ^[92] Phish comenzó a tocar jams más funky en sus sets alrededor de 1996, y The Story of the Ghost de 1998 estuvo fuertemente influenciado por el funk. Si bien el funk de Phish era tradicional en el sentido de que a menudo acentuaba el primer tiempo del compás 4/4, también era muy exploratorio e implicaba construir jams hacia picos enérgicos antes de hacer la transición al rock and roll progresivo altamente compuesto.

Medeski Martin & Wood , Robert Randolph & the Family Band , Galactic , Jam Underground , Soulive y Karl Denson's Tiny Universe se inspiraron en gran medida en la tradición del funk. Dumpstaphunk se basa en la tradición del funk de Nueva Orleans, con sus ritmos ásperos y graves y sus voces conmovedoras a cuatro voces.

Desde mediados de los años 1990, la escena nu-funk o revivalista del funk, centrada en la escena de coleccionistas de deep funk , está produciendo nuevo material influenciado por los sonidos de los raros discos de 45 rpm de funk. Los sellos incluyen Desco, Soul Fire , Daptone , Timmion, Neapolitan, Bananarama, Kay-Dee y Tramp. Estos sellos suelen lanzar discos de 45 rpm. Aunque se especializan en música para DJ de funk raro, ha habido algún cruce con la industria de la música convencional, como la aparición de Sharon Jones en 2005 en Late Night with Conan O'Brien . Entre los que mezclan acid jazz , acid house , trip hop y otros géneros con funk se incluyen Tom Tom Club , ^[93] Brainticket , ^[94] Groove Armada , et al. ^{[95] [96]}

Durante la década de 2000 y principios de la de 2010, algunas bandas de punk funk como Out Hud y Mongolian MonkFish actuaron en la escena del indie rock . La banda indie Rilo Kiley , en consonancia con su tendencia a explorar una variedad de estilos rockeros, incorporó el funk en su canción " The Moneymaker " en el álbum Under the Blacklight . Prince, con sus álbumes posteriores, dio un renacimiento al sonido funk con canciones como "The Everlasting Now", " Musicology ", "Ol' Skool Company" y " Black Sweat ". Particle , ^[97] por ejemplo, es parte de una escena que combinó los elementos de la música digital hecha con computadoras, sintetizadores y samples con instrumentos analógicos, sonidos y elementos improvisados ​​y compositivos del funk. ^{[98] [99]}

Desde principios de los años 1970 en adelante, el funk ha desarrollado varios subgéneros. Mientras que George Clinton y Parliament hacían una variante más dura del funk, bandas como Kool and the Gang , Ohio Players y Earth, Wind and Fire hacían música funk con influencia disco. ^[100]

El funk rock (también escrito como funk-rock o funk/rock ) fusiona elementos del funk y el rock . ^[101] Su primera encarnación se escuchó a fines de los años 60 y mediados de los 70 por músicos como Jimi Hendrix , Frank Zappa , Gary Wright , David Bowie , Mother's Finest y Funkadelic en sus álbumes anteriores.

Se pueden incorporar muchos instrumentos al funk rock, pero el sonido general se define por un ritmo de bajo o batería definido y guitarras eléctricas . Los ritmos de bajo y batería están influenciados por la música funk pero con más intensidad, mientras que la guitarra puede estar influenciada por el funk o el rock, generalmente con distorsión . Prince , Jesse Johnson , Red Hot Chili Peppers y Fishbone son artistas importantes del funk rock.

El término "avant-funk" se ha utilizado para describir a artistas que combinaban el funk con las inquietudes del rock artístico . ^[102] Simon Frith describió el estilo como una aplicación de la mentalidad del rock progresivo al ritmo en lugar de a la melodía y la armonía. ^[102] Simon Reynolds caracterizó al avant-funk como una especie de psicodelia en la que "el olvido se debía alcanzar no a través de elevarse por encima del cuerpo, sino a través de la inmersión en lo físico, la pérdida del yo a través del animalismo". ^[102]

Los actos del género incluyen a la banda alemana de krautrock Can , ^[103] los artistas estadounidenses de funk Sly Stone y George Clinton , ^[104] y una ola de artistas de principios de los años 1980 del Reino Unido y los Estados Unidos (incluidos Public Image Ltd , Talking Heads , the Pop Group , Gang of Four , Bauhaus , Cabaret Voltaire , Defunkt , A Certain Ratio y 23 Skidoo ) ^[105] que adoptaron estilos de música de baile negra como el disco y el funk. ^{[106] Los artistas de la escena} no wave de Nueva York de finales de los años 1970 también exploraron el avant-funk, influenciados por figuras como Ornette Coleman . ^[107] Reynolds notó las preocupaciones de estos artistas con temas como la alienación , la represión y la tecnocracia de la modernidad occidental . ^[102]

El go-go se originó en el área de Washington, DC , con la que sigue estando asociado, junto con otros lugares en el Atlántico Medio. Inspirado por cantantes como Chuck Brown , el "Padrino del go-go", es una mezcla de funk, rhythm and blues y hip hop temprano, con un enfoque en instrumentos de percusión lo-fi y jamming en persona en lugar de pistas de baile . Como tal, es principalmente una música de baile con énfasis en la llamada y respuesta del público en vivo . Los ritmos de go-go también se incorporan a la percusión callejera.

El boogie es una música electrónica influenciada principalmente por el funk y el post-disco. El enfoque minimalista del boogie, que consiste en sintetizadores y teclados, ayudó a establecer la música electrónica y house. El boogie, a diferencia del electro, enfatiza las técnicas de slapping del bajo pero también los sintetizadores de bajo. Entre los artistas se incluyen Vicky "D" , Komiko , Peech Boys , Kashif y más tarde Evelyn King .

El electro funk es un híbrido entre la música electrónica y el funk. En esencia, sigue la misma forma que el funk y conserva las características del funk, pero se compone total o parcialmente con el uso de instrumentos electrónicos como el TR-808 . Los vocoders o talkboxes se usaban comúnmente para transformar las voces. La banda pionera de electro Zapp usaba comúnmente tales instrumentos en su música. Bootsy Collins también comenzó a incorporar un sonido más electrónico en álbumes solistas posteriores . Otros artistas incluyen a Herbie Hancock , Afrika Bambaataa , Egyptian Lover , Vaughan Mason & Crew , Midnight Star y Cybotron .

El funk metal (a veces escrito de forma diferente, como funk-metal ) es un género musical de fusión que surgió en la década de 1980, como parte del movimiento de metal alternativo . Por lo general, incorpora elementos del funk y el heavy metal (a menudo thrash metal ), y en algunos casos otros estilos, como el punk y la música experimental . Presenta riffs de guitarra de heavy metal contundentes , los ritmos de bajo contundentes característicos del funk y, a veces, rimas de estilo hip hop en un enfoque de rock alternativo para la composición de canciones. Un ejemplo principal es la banda de rock totalmente afroamericana Living Colour , a la que la revista Rolling Stone ha calificado de "pioneros del funk-metal" . ^[108] A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, el estilo prevaleció más en California , particularmente en Los Ángeles y San Francisco . ^{[109] [110]}

El G-funk es un género musical de fusión que combina el rap gangsta y el funk. Generalmente se considera que fue inventado por raperos de la Costa Oeste y que se hizo famoso gracias a Dr. Dre . Incorpora sintetizadores melódicos de múltiples capas, ritmos hipnóticos lentos, un bajo profundo, coros femeninos, un amplio muestreo de melodías de P-Funk y un sintetizador de onda de sierra de portamento agudo. A diferencia de otros grupos de rap anteriores que también utilizaban samples de funk (como EPMD y Bomb Squad ), el G-funk solía utilizar menos samples inalterados por canción.

La timba es una forma de música bailable popular cubana funky. Para 1990, varias bandas cubanas habían incorporado elementos de funk y hip-hop en sus arreglos, y ampliado la instrumentación del conjunto tradicional con una batería estadounidense, saxofones y un formato de dos teclados. Las bandas de timba como La Charanga Habanera o Bamboleo a menudo tienen trompetas u otros instrumentos que tocan partes cortas de melodías de Earth, Wind and Fire , Kool and the Gang u otras bandas de funk estadounidenses. Si bien muchos motivos funk exhiben una estructura basada en clave , se crean intuitivamente, sin una intención consciente de alinear las diversas partes a un patrón guía . La timba incorpora motivos funk en una estructura de clave abierta e intencional.

A pesar de la popularidad del funk en la música moderna, pocas personas han examinado el trabajo de las mujeres funk . Entre las mujeres funk notables se incluyen Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest , Lyn Collins , Betty Davis y Teena Marie . Como explica la crítica cultural Cheryl Keyes en su ensayo "She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", la mayor parte de los estudios sobre el funk se han centrado en el trabajo cultural de los hombres. Afirma que "Betty Davis es una artista cuyo nombre ha pasado desapercibido como pionera en los anales del funk y el rock. La mayoría de los escritos sobre estos géneros musicales han colocado tradicionalmente a artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) y el bajista Larry Graham como creadores de tendencias en la conformación de una sensibilidad musical rock". ^[111]

En The Feminist Funk Power of Betty Davis and Renée Stout , Nikki A. Greene ^[112] señala que el estilo provocativo y controvertido de Davis la ayudó a ascender a la popularidad en la década de 1970, ya que se centró en temas de autoempoderamiento y motivación sexual. Además, esto afectó la capacidad de la joven artista para atraer grandes audiencias y el éxito comercial. Greene también señala que Davis nunca fue nombrada portavoz oficial o defensora de los movimientos de derechos civiles y feministas de la época, aunque más recientemente ^{[ ¿cuándo? ]} su trabajo se ha convertido en un símbolo de liberación sexual para las mujeres de color. La canción de Davis "If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up", en su álbum debut homónimo, desató controversia y fue prohibida por la NAACP de Detroit . ^[113] Maureen Mahan, musicóloga y antropóloga, examina el impacto de Davis en la industria musical y el público estadounidense en su artículo "Dicen que es diferente: raza, género, género y la feminidad negra liberada de Betty Davis".

Laina Dawes, autora de What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal , cree que la política de respetabilidad es la razón por la que artistas como Davis no obtienen el mismo reconocimiento que sus homólogos masculinos: "Culpo a lo que llamo política de respetabilidad como parte de la razón por la que algunas de las mujeres del funk-rock de los años 70 no son más conocidas. A pesar de la importancia de su música y presencia, muchas de las mujeres del funk-rock representaban el comportamiento agresivo y la sexualidad con los que muchas personas no se sentían cómodas". ^[114]

Según Francesca T. Royster, en el libro de Rickey Vincent Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One , analiza el impacto de Labelle, pero sólo en secciones limitadas. Royster critica el análisis de Vincent del grupo, afirmando: "Es una pena, entonces, que Vincent preste tan poca atención a las actuaciones de Labelle en su estudio. Esto refleja, desafortunadamente, un sexismo aún constante que da forma a la evaluación de la música funk. En Funk , el análisis de Vincent de Labelle es breve: comparte un solo párrafo con las Pointer Sisters en su subcapítulo de tres páginas, 'Funky Women'. Escribe que mientras ' Lady Marmalade ' 'hizo estallar la tapa de los estándares de insinuación sexual y disparó el estatus de estrella del grupo', la 'imagen brillante de la banda se deslizó en la resaca de la discoteca y finalmente se desperdició cuando el trío se separó en busca del estatus de solista' (Vincent, 1996, 192). ^[115] Muchas artistas femeninas que se consideran dentro del género funk, también comparten canciones en los géneros disco , soul y R&B ; Labelle cae en esta categoría de mujeres que se dividen entre géneros debido a una visión crítica de la teoría musical y la historia del sexismo en los Estados Unidos. ^[116]

En el siglo XXI, ^{[ ¿cuándo? ]} artistas como Janelle Monáe han abierto las puertas a más estudios y análisis sobre el impacto femenino en el género musical funk. ^{[ dudoso – discutir ]} El estilo de Monáe dobla los conceptos de género , sexualidad y autoexpresión de una manera similar a la forma en que algunos pioneros masculinos del funk rompieron fronteras. ^[117] Sus álbumes se centran en conceptos afrofuturistas , centrándose en elementos de empoderamiento femenino y negro y visiones de un futuro distópico . ^[118] En su artículo "Janelle Monáe y el funk feminista afrosónico", Matthew Valnes escribe que la participación de Monae en el género funk se yuxtapone con la visión tradicional del funk como un género centrado en los hombres. Valnes reconoce que el funk está dominado por los hombres, pero proporciona una idea de las circunstancias sociales que llevaron a esta situación. ^{[117] [ aclaración necesaria ]}

Las influencias de Monáe incluyen a su mentor Prince, Funkadelic, Lauryn Hill y otros artistas de funk y R&B, pero según Emily Lordi, "[Betty] Davis rara vez figura entre las muchas influencias de Janelle Monáe, y ciertamente los conceptos de alta tecnología, las interpretaciones virtuosas y las canciones meticulosamente producidas de la cantante más joven están muy alejadas de la estética proto-punk de Davis. Pero... como Davis, también está estrechamente vinculada con un mentor masculino visionario (Prince). El título del álbum de Monáe de 2013, The Electric Lady , alude a Electric Ladyland de Hendrix , pero también cita implícitamente a la camarilla de mujeres que inspiraron al propio Hendrix: ese grupo, llamado Cosmic Ladies o Electric Ladies, estaba liderado por la amante de Hendrix, Devon Wilson, y Betty Davis". ^[119]

• Cambio de rumbo

• Danielsen, Anne (2006). Presencia y placer: los ritmos funk de James Brown y Parliament . Wesleyan University Press.
• Vincent, Rickey (1996). Funk: la música, la gente y el ritmo del uno. St. Martin's Press. ISBN 0-312-13499-1.
• Thompson, Dave (2001). Funk. Backbeat Books. ISBN 0-87930-629-7.
• Wermelinger, Peter (2005). Léxico de discos de música funky y groovy . -. ISBN 3-9522773-1-2.