Notación gráfica (música)

La notación gráfica (o partitura gráfica ) es la representación de la música mediante el uso de símbolos visuales fuera del ámbito de la notación musical tradicional . La notación gráfica se hizo popular en la década de 1950 y puede usarse en combinación con la notación musical tradicional o en lugar de ella. ^[1] La notación gráfica estuvo influenciada por las tendencias del arte visual contemporáneo en su concepción, incorporando componentes estilísticos del arte moderno a la música. ^[2] Los compositores a menudo confían en la notación gráfica en la música experimental , donde la notación musical estándar puede ser ineficaz. Otros usos incluyen piezas en las que se desea un efecto aleatorio o indeterminado . Uno de los primeros pioneros de esta técnica fue Earle Brown , quien, junto con John Cage , buscó liberar a los intérpretes de las limitaciones de la notación y hacerlos participantes activos en la creación de la música. ^[3]

La notación gráfica se caracteriza por su variabilidad y falta de estandarización. Según Baker's Student Encyclopedia of Music, Vol. 1 , "La notación gráfica se utiliza para indicar un tono extremadamente preciso (o intencionalmente impreciso) o para estimular el comportamiento o las acciones musicales en la interpretación". ^[4] La notación gráfica moderna depende en gran medida de la imaginación y la inspiración de cada intérprete individual para interpretar el contenido visual proporcionado por el compositor. Debido a esta relativa libertad, la realización de piezas notadas gráficamente suele variar de una interpretación a otra. ^[5] Por ejemplo, en la indicación de notación "E" de su pieza Concert for Piano and Orchestra , John Cage escribe: "Toca con las manos indicadas. Donde las claves difieren, una nota es grave o aguda", una indeterminación que no es inusual en la obra de Cage, y que deja la toma de decisiones en manos del intérprete. ^[6] Algunas partituras gráficas pueden definirse como basadas en la acción, donde los gestos musicales se anotan como formas en lugar de ideas musicales convencionales. ^[2]

El uso de la notación gráfica en una partitura puede variar ampliamente, desde una partitura compuesta completamente de notación gráfica hasta una partitura que, por lo demás, es en gran medida tradicional. Algunos compositores incluyen explicaciones escritas para ayudar al intérprete a interpretar la notación gráfica, mientras que otros compositores optan por dejar la interpretación en manos del intérprete. ^[7] La ​​notación gráfica es difícil de caracterizar con especificidad, ya que el sistema de notación solo está limitado por la imaginación y la capacidad del compositor. Aunque algunos compositores, como John Cage, ^[3] formulan sistemas de notación gráfica que unifican el enfoque de piezas específicas, o de varias piezas, no existe un consenso universal sobre los parámetros de la notación gráfica y su uso. ^[5]

Aunque su uso más popular se produjo a mediados del siglo XX, la primera evidencia de notación gráfica se remonta a mucho antes. Originalmente llamadas " música para los ojos ", estas partituras gráficas guardan mucha semejanza con las partituras de compositores como George Crumb . Una de las primeras piezas supervivientes de música para los ojos es Belle, Bonne, Sage de Baude Cordier , un compositor renacentista . Su partitura, formada en forma de corazón, tenía la intención de realzar el significado de la chanson . ^[8] Característico del Ars subtilior , "las experimentaciones con signos mensurales y formas y colores gráficos eran a menudo una característica del diseño musical, en aras del efecto visual, más que necesariamente audible". ^[9] Otro ejemplo de música para los ojos del ars subtilior es La harpe de melodie de Jacob Senleches , donde las voces están anotadas en un pentagrama que parece ser las cuerdas de un arpa. La popularidad de la música visual disminuyó después del movimiento humanista de mediados del siglo XVI, para luego revitalizarse en el siglo XX cuando el uso de partituras gráficas volvió a cobrar importancia.

El educador musical del siglo XIX Pierre Galin desarrolló un método de notación musical conocido como el sistema Galin-Paris-Chevé , basado en un sistema de notación creado en el siglo XVIII por Jean-Jacques Rousseau . Este sistema utilizaba números para indicar los grados de la escala y utilizaba puntos encima o debajo de la nota para indicar si estaba en la octava más baja o más alta. La octava media, en relación con el ejemplo, no contenía puntos. Los bemoles y los sostenidos se notaban utilizando barras invertidas y barras inclinadas hacia delante respectivamente. Las prolongaciones de la nota se notaban utilizando puntos y los silencios se notaban con el número cero. Este método se utilizó principalmente para enseñar a cantar a primera vista. ^[10] El uso de símbolos para indicar la dirección musical se ha comparado con una versión temprana de la notación gráfica. ^[2]

La música experimental apareció en Estados Unidos y Europa durante la década de 1950, cuando muchos de los parámetros antaño intocables de la música tradicional comenzaron a ser cuestionados. La música aleatoria , la música indeterminada , la música concreta y la música electrónica sacudieron conceptos hasta entonces incuestionados, como el tiempo musical o la función del músico, y se atrevieron a añadir otros al espacio musical en todas sus dimensiones, con todas sus consecuencias y cargas ontológicas. También cambiaron los roles del compositor, el intérprete y el público, dándoles funciones totalmente nuevas para explorar.

En este contexto, la partitura, que en gran medida había sido considerada un mero soporte de la escritura musical (con excepción de la música para los ojos ), empezó a coquetear con los límites de la obra y de su identidad. Este matrimonio produjo tres caminos: el primero consideraba la partitura musical como una representación del sonido organizado; el segundo la concebía como una extensión del sonido; y el tercero la contemplaba como otro tipo de música, una música visual con autonomía propia, independiente del sonido. La partitura cobraba nuevos significados y pasaba de ser un mero soporte del sonido a ser una extensión de la obra, o incluso otra obra en su conjunto, un elemento tan importante como los sonidos y los silencios que contenía, o más. Estas concepciones exigían un nuevo lenguaje y una nueva lectura de lo que es ser musical. También exigían una nueva notación, una que reflejara los cambios que se estaban produciendo en las segundas vanguardias artísticas, y los contuviera, otorgándoles una nueva semántica. De esta manera, tomada de la porosidad de la música experimental respecto de las artes plásticas , la notación pasó a estar cada vez más influenciada por un diálogo con la pintura, las instalaciones y la performatividad. ^[11] Como menciona JY Bosseur en La musique du XXè siècle à la croisé des artes , ^[12] la partitura avanzó hacia la representación de la gestión del espacio, un espacio gráfico que permite conocer las múltiples conexiones encerradas en él.

La notación gráfica en su forma moderna apareció por primera vez en la década de 1950 como una evolución del movimiento de Indeterminación , iniciado por John Cage . La técnica fue utilizada originalmente por músicos de vanguardia y se manifestó como el uso de símbolos para transmitir información que no se podía representar con la notación tradicional, como las técnicas extendidas . Las partituras gráficas han evolucionado, desde su concepción, en dos categorías ampliamente definidas, una es la invención de nuevos sistemas de notación utilizados para transmitir técnicas musicales específicas y la otra el uso de notación conceptual como formas, dibujos y otras técnicas artísticas que están destinadas a evocar la improvisación del intérprete. Ejemplos de lo primero incluyen Projection 1 de Morton Feldman , que fue el resultado de Feldman dibujando formas abstractas en papel cuadriculado, ^[6] y Prozession de Stockhausen . ^[1] Ejemplos de esto último incluyen December 1952 de Earle Brown y Treatise de Cornelius Cardew , que fue escrito en respuesta a 4'33" de Cage y que escribió después de haber trabajado como asistente de Stockhausen. La partitura consta de 193 páginas de líneas y formas sobre un fondo blanco. Aquí las líneas representaban elementos en el espacio y la partitura era simplemente una representación de ese espacio en un instante dado. ^[3] En Europa, uno de los usuarios más notables fue Sylvano Bussotti , cuyas partituras a menudo han sido exhibidas como piezas de arte visual por entusiastas. ^[3] En 1969, en un esfuerzo por promover el movimiento de la notación abstracta, John Cage y Allison Knowles publicaron un archivo de extractos de partituras de 269 compositores con la intención de mostrar "las muchas direcciones en las que se dirige ahora la notación". ^[13]

Otros pioneros notables de la notación gráfica incluyen compositores como Roman Haubenstock-Ramati , Mauricio Kagel , György Ligeti ( Artikulación ), Krzysztof Penderecki , Karlheinz Stockhausen e Iannis Xenakis , Morton Feldman , Constance Cochnower Virtue y Christian Wolff .

En 2008, Theresa Sauer editó un compendio con partituras gráficas de compositores de más de cincuenta países, ^[14] lo que demuestra cuán extendida se ha vuelto esta práctica.

Además de la mayor popularidad de la notación gráfica, las nuevas tecnologías han ampliado sus posibilidades. En su libro The Digital Score: Musicianship, Creativity, and Innovation ^[15], Craig Vear describe cómo se pueden utilizar la inteligencia artificial y la animación para mejorar la experiencia de la partitura gráfica. Afirma que estas tecnologías son "el desarrollo lógico de los experimentos de partituras gráficas de la última parte del siglo XX. Un elemento interesante de estos es que tienen que moverse para poder leerse; sin movimiento, son ininteligibles".

• Las partituras pictográficas basadas en el tiempo, como Waterwalk de John Cage , utilizan una combinación de marcas de tiempo y notación pictográfica como instrucción sobre cómo y cuándo realizar determinadas acciones.
• Las partituras pictográficas como Stripsody de Cathy Berberian utilizan únicamente dibujos y textos, prescindiendo de cualquier tipo de referencia temporal, lo que permite al intérprete interpretar la pieza a su gusto. ^[16]
• Pentagramas que muestran el tono aproximado , y los tonos reales se deciden en el momento de la interpretación.

• La notación alterada se puede ver en la obra de George Crumb , ^[17] donde utiliza la notación tradicional pero presenta la música en la página de una manera gráfica o no tradicional, como espirales o círculos. Un ejemplo de notación alterada es Makrokosmos ^{de Crumb [18]} para piano amplificado. La partitura de Crumb contenía tres páginas detalladas de instrucciones, con movimientos que incluían Primeval Sounds , Crucifixus y Spiral Galaxy .
• Nuevo sistema de notación específico , es decir, un nuevo sistema de acciones musicales notadas de forma específica y gráfica como el de la Psappha de Xenakis . ^[19]

• La representación abstracta basada en el tiempo se puede ver en la partitura de Solitude de Hans-Christoph Steiner , en la que la música se representa mediante símbolos e ilustraciones. Nótese que aquí, el tiempo todavía se representa horizontalmente de izquierda a derecha como en un sistema de gráfico de tonos , y por lo tanto implica que la pieza tiene una forma específica .

  

• La notación abstracta basada en el tiempo , como la Chanson de Rudolf Komorous , utiliza una notación abstracta con indicación de tiempo, o al menos una dirección en la que se lee la pieza y, por lo tanto, implica una forma. ^[13]
• Representaciones abstractas libres , como la de Brown de diciembre de 1952 , donde la forma, el material de la melodía y la instrumentación se dejan en manos del intérprete. ^[3]
• Otro ejemplo es el Aria de John Cage ; ^[21] aunque puedan parecer garabatos aleatorios, cada línea indica un estilo diferente de canto, anotado en líneas onduladas en diez colores diferentes, y los cuadrados negros indican sonidos "no musicales" no especificados.
• Notación abstracta libre , como "La metafísica de la notación" de Mark Applebaum , donde los elementos de la notación musical tradicional se fusionan con diseños abstractos. ^{[22] [23]}
• Otro ejemplo es la pieza Golden Flower Piece de Tom Phillips , en la que se utilizan letras mayúsculas para indicar las notas que deben tocarse en el bajo y letras minúsculas para indicar las notas que deben tocarse en un registro más alto. Se permite añadir bemoles y sostenidos a voluntad. Y se supone que los puntos alrededor de las notas ayudan a determinar qué tan fuerte tocar la nota y durante cuánto tiempo mantenerla. ^[24]

Entre los practicantes notables de notación gráfica no mencionados anteriormente se incluyen:

• Oramics

• Lieberman, David 2006. "Manuscrito musical mejorado para juegos". En GRAPHITE '06: Actas de la 4.ª Conferencia internacional sobre gráficos por ordenador y técnicas interactivas en Australasia y el sudeste asiático, ACM Press, Melbourne, Australia, 245–250.

• Imágenes de música en la Universidad Northwestern
• Bergstroem-Nielsen, Carl: Experimental improvisation and notation practise 1945–1999; Experimental improvisation and notation practise, addenda 2000–. Bibliografías en línea.
• Interpretación en tiempo real de la visualización de Rainer Wehinger de la obra electrónica Artikulation de György Ligeti
• Una colección en línea de partituras gráficas seleccionadas por el New York Miniaturist Ensemble
• Notations21, una antología de notación musical innovadora
• Página de Raine-Reusch que muestra más de 20 partituras gráficas
• HighC: un sistema de composición basado en partituras gráficas inspirado en el sistema UPIC de Iannis Xenakis .
• IanniX: Un secuenciador gráfico de código abierto en tiempo real para arte digital
• Cuaderno de Yokohama de Llorenç Barber La serie completa de 17 partituras gráficas que Barber creó en Yokohama (Japón) en 2005. Ràdio Web MACBA: Barcelona, ​​2009.
• Cómo leer y escribir notación gráfica