Orfeo en el inframundo

Orfeo en el inframundo ^[1] y Orfeo en el infierno ^[2] son ​​los nombres en inglés de Orphée aux enfers ( en francés: [ɔʁfe oz‿ɑ̃fɛʁ] ), una ópera cómica con música de Jacques Offenbach y textos de Hector Crémieux y Ludovic Halévy . Se estrenó como una « ópera bouffon » de dos actos en el Théâtre des Bouffes-Parisiens , París, el 21 de octubre de 1858, y fue ampliamente revisada y ampliada en una versión de « ópera féerie » de cuatro actos, presentada en el Théâtre de la Gaîté , París, el 7 de febrero de 1874.

La ópera es una sátira de la antigua leyenda de Orfeo y Eurídice . En esta versión, Orfeo no es el hijo de Apolo , sino un rústico profesor de violín. Está contento de librarse de su esposa, Eurídice, cuando ella es secuestrada por el dios del inframundo, Plutón . Orfeo tiene que ser intimidado por la opinión pública para que intente rescatar a Eurídice. La conducta reprensible de los dioses del Olimpo en la ópera fue vista ampliamente como una sátira velada de la corte y el gobierno de Napoleón III , emperador de los franceses. Algunos críticos expresaron su indignación por la falta de respeto de los libretistas por la mitología clásica y la parodia del compositor de la ópera Orfeo ed Euridice de Gluck ; otros elogiaron altamente la pieza.

Orfeo en los infiernos fue la primera ópera de larga duración de Offenbach. La producción original de 1858 se convirtió en un éxito de taquilla y se mantuvo en cartel hasta bien entrado el año siguiente, rescatando a Offenbach y a su compañía Bouffes de dificultades financieras. La reposición de 1874 batió récords de taquilla en la Gaîté. La obra se representó con frecuencia en Francia y en el extranjero durante la vida del compositor y a lo largo del siglo XX. Es una de sus óperas más representadas y sigue siendo reestrenada en el siglo XXI.

En la última década del siglo XIX, los cabarets parisinos Moulin Rouge y Folies Bergère adoptaron la música del " Galope infernal" de la escena culminante de la ópera para acompañar al cancán , y desde entonces la melodía se ha asociado popularmente con el baile.

Entre 1855 y 1858 Offenbach presentó más de dos docenas de operetas de un acto , primero en los Bouffes-Parisiens, Salle Lacaze , y luego en los Bouffes-Parisiens, Salle Choiseul . Las leyes de licencias teatrales le permitían entonces sólo cuatro cantantes en cada pieza, y con elencos tan pequeños, las obras de larga duración estaban fuera de cuestión. ^[3] En 1858 las restricciones de licencia se relajaron, y Offenbach fue libre de seguir adelante con una obra de dos actos que había estado en su mente durante algún tiempo. Dos años antes le había dicho a su amigo el escritor Hector Crémieux que cuando era director musical de la Comédie-Française a principios de la década de 1850 juró vengarse del aburrimiento que sufría por las poses de los héroes míticos y los dioses del Olimpo en las obras representadas allí. ^[4] Cremieux y Ludovic Halévy esbozaron un libreto para él satirizando a tales personajes. ^{[5] [n 1]} En 1858, cuando finalmente se le permitió a Offenbach un elenco lo suficientemente grande para hacer justicia al tema, Halévy estaba preocupado con su trabajo como funcionario de alto rango, y el libreto final fue acreditado solo a Crémieux. ^{[3] [n 2]} La mayoría de los papeles fueron escritos teniendo en mente a miembros populares de la compañía Bouffes, incluidos Désiré , Léonce , Lise Tautin y Henri Tayau como un Orfeo que realmente podía tocar el violín de Orfeo. ^{[1] [n 3]}

El estreno tuvo lugar en la Salle Choiseul el 21 de octubre de 1858. Al principio, la obra tuvo un buen desempeño en taquilla, pero no tuvo el gran éxito que Offenbach había esperado. Insistió en puestas en escena suntuosas para sus óperas: los gastos tendían a superar las ganancias y necesitaba una fuente de ingresos sustancial. ^[8] El negocio recibió un impulso involuntario del crítico Jules Janin del Journal des débats . Había elogiado producciones anteriores en los Bouffes-Parisiens, pero se indignó vehementemente por lo que sostuvo que era un ultraje blasfemo y lascivo, "una profanación de la antigüedad sagrada y gloriosa". ^[9] Su ataque, y las irreverentes réplicas públicas de Crémieux y Offenbach, fueron noticia y provocaron un gran interés en la obra entre el público parisino, que acudió en masa a verla. ^{[9] [n 4]} En su estudio de Offenbach de 1980, Alexander Faris escribe: « Orfeo se convirtió no sólo en un triunfo, sino en un culto». ^{[14] [n 5]} Se representó durante 228 funciones, en una época en la que una función de 100 noches se consideraba un éxito. ^[16] Albert Lasalle, en su historia de las Bouffes-Parisiens (1860), escribió que la pieza cerró en junio de 1859 –aunque todavía tenía un buen desempeño en taquilla– «porque los actores, que no podían cansar al público, estaban ellos mismos exhaustos». ^[17]

En 1874, Offenbach amplió sustancialmente la pieza, duplicando la longitud de la partitura y convirtiendo la íntima opéra bouffon de 1858 en una extravagancia de opéra féerie de cuatro actos , con importantes secuencias de ballet. Esta versión se estrenó en el Théâtre de la Gaîté el 7 de febrero de 1874, se representó durante 290 veces ^[18] y rompió récords de taquilla para ese teatro. ^{[19] [n 6]} Durante la primera presentación de la versión revisada, Offenbach la amplió aún más, añadiendo ballets que ilustraban el reino de Neptuno en el Acto 3 ^{[n 7]} y elevando el número total de escenas en los cuatro actos a veintidós. ^{[19] [n 8]}

Una introducción hablada con acompañamiento orquestal (Introducción y Melodramo) abre la obra. La Opinión Pública explica quién es ella: la guardiana de la moralidad ( "Qui suis-je? du Théâtre Antique" ). ^[28] Ella dice que a diferencia del coro en las obras de la Antigua Grecia, ella no se limita a comentar la acción, sino que interviene en ella, para asegurarse de que la historia mantenga un alto tono moral. Sus esfuerzos se ven obstaculizados por los hechos del asunto: Orfeo no es el hijo de Apolo , como en el mito clásico, sino un rústico profesor de música, cuya aversión por su esposa, Eurídice, es correspondida de corazón. Ella está enamorada del pastor, Aristée (Aristaeus), que vive al lado ( "La femme dont le coeur rêve" ), ^[29] y Orfeo está enamorado de Chloë, una pastora. Cuando Orfeo confunde a Eurídice con ella, todo sale a la luz y Eurídice insiste en que abandonen el matrimonio. Orfeo, temiendo la reacción de la opinión pública, atormenta a su esposa para que mantenga en silencio el escándalo con música de violín, que ella odia ( "Ah, c'est ainsi" ). ^[30]

Entra Aristée. Aunque parece un pastor, en realidad es Plutón, el dios del inframundo. Mantiene su disfraz cantando una canción pastoral sobre ovejas ( "Moi, je suis Aristée" ). ^[31] Eurídice ha descubierto lo que cree que es un complot de Orfeo para matar a Aristée (soltando serpientes en los campos), pero en realidad es una conspiración entre Orfeo y Plutón para matarla, para que Plutón pueda deshacerse de ella y Orfeo. Plutón la engaña para que caiga en la trampa mostrando inmunidad a ella, y ella es mordida. ^{[n 12]} Cuando muere, Plutón se transforma en su verdadera forma (Escena de la transformación). ^[33] Eurídice descubre que la muerte no es tan mala cuando el dios de la muerte está enamorado de una ( "La mort m'apparaît souriante" ). ^[34] Descienden al inframundo tan pronto como Eurídice deja una nota diciéndole a su marido que ha sido detenida inevitablemente. ^[35]

Todo parece ir bien para Orfeo hasta que la opinión pública lo descubre y amenaza con arruinar su carrera como profesor de violín a menos que vaya a rescatar a su esposa. Orfeo acepta a regañadientes. ^[36]

La escena cambia al Olimpo, donde los dioses duermen ( "Dormons, dormons" ). Cupidon y Vénus entran por separado de sus escapadas nocturnas amatorias y se unen a sus colegas dormidos, ^{[n 13]} pero todos se despiertan pronto por el sonido del cuerno de Diana, supuestamente casta cazadora y diosa. ^[38] Ella lamenta la repentina ausencia de Acteón , su amor actual ( "Quand Diane descend dans la plaine" ); ^[39] para su indignación, Júpiter le dice que ha convertido a Acteón en un ciervo para proteger su reputación. ^[40] Mercurio llega e informa que ha visitado el Inframundo, al que Plutón acaba de regresar con una hermosa mujer. ^[41] Plutón entra y es reprendido por Júpiter por su escandalosa vida privada. ^[42] Para alivio de Plutón, los otros dioses eligen este momento para rebelarse contra el reinado de Júpiter, su aburrida dieta de ambrosía y néctar, y el puro tedio del Olimpo ( "Aux armes, dieux et demi-dieux!" ). ^[43] Las exigencias de Júpiter de saber qué está pasando los llevan a señalar su hipocresía en detalle, burlándose de todos sus asuntos mitológicos ( "Pour séduire Alcmène la fière" ). ^[44]

La llegada de Orfeo, con la Opinión Pública a su lado, hace que los dioses se comporten de la mejor manera posible ( «¡Il approche! Il s'avance» ). ^[45] Orfeo obedece a la Opinión Pública y finge estar suspirando por Eurídice: ilustra su supuesto dolor con un fragmento de «Che farò senza Euridice» del Orfeo de Gluck . ^[46] Plutón está preocupado de que se le obligue a devolver a Eurídice; Júpiter anuncia que va al Inframundo para arreglar todo. Los demás dioses le ruegan que lo acompañen, él consiente y estallan celebraciones masivas en esta festividad ( «¡Gloire! gloire à Jupiter... Partons, partons» ). ^[47]

Eurídice está encerrada por Plutón y la vida le resulta muy aburrida. Su carcelero es un borracho tonto llamado Juan Estigio. Antes de morir, era rey de Beocia (una región de Grecia que Aristófanes convirtió en sinónimo de patanes del campo), ^[48] y le canta a Eurídice un triste lamento por su monarquía perdida ( "Quand j'étais roi de Béotie" ). ^[49]

Júpiter descubre dónde ha escondido Plutón a Eurídice y se cuela por el ojo de la cerradura transformándose en una hermosa mosca dorada. Conoce a Eurídice en el otro lado y canta con ella un dúo de amor en el que su parte consiste enteramente en zumbar ( "Duo de la mouche" ). ^[50] Después, se revela a ella y promete ayudarla, en gran medida porque la quiere para él. Plutón se queda reprendiendo furiosamente a John Styx. ^[51]

La escena cambia y muestra una gran fiesta en la que están celebrando los dioses, en la que no se ven ni ambrosía, ni néctar, ni decoro ( «Vive le vin! Vive Pluton!» ). ^[52] Eurídice está presente, disfrazada de bacante ( «J'ai vu le dieu Bacchus» ), ^[53] pero el plan de Júpiter de sacarla a escondidas se ve interrumpido por las llamadas a un baile. Júpiter insiste en un minué, que todos los demás encuentran aburrido ( «La la la. Le menuet n'est vraiment si charmant» ). Las cosas se animan cuando comienza el número más famoso de la ópera, el «Galop infernal», y todos los presentes se lanzan a él con desenfreno ( «Ce bal est original» ). ^[54]

Una siniestra música de violín anuncia la llegada de Orfeo (Entrada de Orfeo y la opinión pública), ^[55] pero Júpiter tiene un plan y promete mantener a Eurídice alejada de su marido. Como en el mito estándar, Orfeo no debe mirar atrás, o perderá a Eurídice para siempre ( "Ne regarde pas en arrière!" ). ^[56] La opinión pública lo vigila de cerca para evitar que la engañe, pero Júpiter lanza un rayo que lo hace saltar y mirar hacia atrás, y Eurídice desaparece. ^[57] En medio del tumulto que sigue, Júpiter proclama que de ahora en adelante pertenecerá al dios Baco y se convertirá en una de sus sacerdotisas. La opinión pública no está contenta, pero Plutón está harto de Eurídice, Orfeo se libera de ella y todo termina felizmente. ^[58]

La trama es esencialmente la de la versión de 1858. En lugar de dos actos con dos escenas cada uno, la versión posterior consta de cuatro actos, que siguen la trama de las cuatro escenas del original. La versión revisada difiere de la primera en que tiene varias secuencias de ballet interpoladas y algunos personajes y números musicales adicionales. Los añadidos no afectan a la narrativa principal, pero aumentan considerablemente la longitud de la partitura. ^{[n 14]} En el acto I hay un coro de apertura para pastores y pastoras reunidos, y Orfeo tiene un grupo de jóvenes estudiantes de violín, que se despiden de él al final del acto. En el acto 2, Mercure recibe un número de entrada en solitario ( "¡Eh hop!" ). En el acto 3, Eurídice tiene un nuevo solo, los "Couplets des apologizes" ( "¡Ah! quelle triste destinée!" ), Cupidon tiene un nuevo número, los "Couplets des baisers" ( "Allons, mes fins limiers" ), los tres jueces de Hades y una pequeña banda de policías se suman al elenco para involucrarse en la búsqueda de Júpiter de la oculta Eurídice, y al final del acto el furioso Plutón es atrapado y llevado por un enjambre de moscas. ^{[59] [60]}

Faris describe la partitura de la ópera, que sirvió de modelo para las muchas óperas de larga duración de Offenbach que le siguieron, como una obra con "abundancia de pareados" (canciones con versos repetidos para uno o más cantantes), "una variedad de otros solos y dúos, varios coros grandes y dos finales extensos". Offenbach escribió en una variedad de estilos -desde la vena pastoral rococó , pasando por el pastiche de la ópera italiana, hasta el estruendoso galop- mostrando, según el análisis de Faris, muchas de sus señas de identidad personales, como melodías que "saltan hacia atrás y hacia delante de una manera notablemente acrobática mientras siguen sonando no solo suavemente líricas, sino también espontáneas". En números de ritmo rápido como el "Galop infernal", Offenbach hace de la simplicidad una virtud, a menudo manteniendo la misma tonalidad durante la mayor parte del número, con una instrumentación en gran medida invariable en todo momento. ^[61] En otras partes de la partitura, Offenbach le da mayor prominencia a la orquesta. En el "duo de la mouche", la parte de Júpiter, que consiste en zumbar como una mosca, está acompañada por el primer y segundo violín tocando sul ponticello , para producir un sonido similar al del zumbido. ^[62] En Le Figaro , Gustave Lafargue comentó que el uso que Offenbach hizo de un trino de piccolo puntuado por un golpecito en un platillo en el final de la primera escena era una recreación moderna de un efecto inventado por Gluck en su partitura de Iphigénie en Aulide . ^[63] Wilfrid Mellers también comenta sobre el uso que Offenbach hizo del flautín para realzar los versos de Eurídice con "risas de niña" en el instrumento. ^[64] Gervase Hughes comenta sobre la elaborada partitura del "ballet des mouches" [Acto 3, versión de 1874], y la llama "un tour de force " que podría haber inspirado a Chaikovski . ^[65]

Faris comenta que en Orphée aux enfers Offenbach demuestra que era un maestro en establecer estados de ánimo mediante el uso de figuras rítmicas. Faris cita tres números del segundo acto (versión de 1858), todos ellos en la tonalidad de la mayor y que utilizan notas idénticas en casi el mismo orden, "pero sería difícil imaginar una diferencia de sentimiento más extrema que la que existe entre la canción del Rey de los Beocios y el Galop ". ^[67] En un estudio de 2014, Heather Hadlock comenta que para el primero, Offenbach compuso "una melodía lánguida pero inquieta" sobre un acompañamiento estático de bajo-dron al estilo musette de armonías dominantes y tónicas alternas , evocando y burlándose simultáneamente de la nostalgia por un lugar y un tiempo perdidos y "creando una tensión perpetuamente irresuelta entre el patetismo y la ironía". ^[68] Mellers considera que el aria de Styx tiene "un patetismo que toca el corazón"; tal vez, sugiere, el único ejemplo de verdadero sentimiento en la ópera. ^[69]

En 1999, Thomas Schipperges escribió en el International Journal of Musicology que muchos académicos sostienen que la música de Offenbach desafía todos los métodos musicológicos . Él no estaba de acuerdo y analizó el "Galop infernal", encontrándolo sofisticado en muchos detalles: "A pesar de toda su sencillez, revela un diseño calculado. La 'economía' general de la pieza sirve a una dramaturgia musical deliberada ". ^[70] Hadlock observa que, aunque la música más conocida de la ópera está "impulsada por las energías propulsoras de la comedia rossiniana " y el galop de ritmo rápido, estos números animados van de la mano con una música más majestuosa en una vena del siglo XVIII: "La sofisticación de la partitura resulta del entrelazamiento que hace Offenbach del lenguaje musical urbano contemporáneo con un tono sobrio y melancólico que se ve socavado e ironizado sin deshacerse nunca por completo". ^[71]

Orfeo en los infiernos fue la primera de las obras principales de Offenbach en tener un coro. ^{[n 15]} En un estudio de 2017, Melissa Cummins comenta que, aunque el compositor usó el coro extensivamente como los secuaces de Plutón, aburridos residentes del Olimpo y bacantes en el Hades, simplemente están allí para completar las partes vocales en los grandes números de conjunto, y "son tratados como una multitud sin nombre y sin rostro que simplemente está cerca". ^[73] En la escena del Olimpo, el coro tiene unasección inusual de bocca chiusa , marcada como "Bouche fermée", un efecto utilizado más tarde por Bizet en Djamileh y Puccini en el "Coro zumbador" en Madama Butterfly . ^{[74] [75]}

La orquesta de los Bouffes-Parisiens era pequeña, probablemente unos treinta músicos. ^[59] La versión de 1858 de Orphée aux enfers está orquestada para dos flautas (la segunda dobla al flautín), un oboe, dos clarinetes, un fagot, dos trompas, dos cornetas , ^{[n.º 16]} un trombón, timbales, percusión (bombo/platillos, triángulo) y cuerdas. ^[78] El erudito de Offenbach Jean-Christophe Keck especula que las secciones de cuerdas consistían como máximo en seis primeros violines, cuatro segundos violines, tres violas, cuatro violonchelos y un contrabajo. ^[78] La partitura de 1874 exige fuerzas orquestales considerablemente mayores: Offenbach añadió partes adicionales para secciones de instrumentos de viento madera, metales y percusión. Para el estreno de la versión revisada contrató una orquesta de sesenta músicos, así como una banda militar de otros cuarenta músicos para la procesión de los dioses desde el Olimpo al final del segundo acto. ^[79]

La música de la revisión de 1874 fue bien recibida por los críticos contemporáneos, ^{[63] [80]} pero algunos críticos posteriores han sentido que la partitura más larga, con sus secciones de ballet extendidas, tiene parches ocasionales aburridos. ^{[23] [81] [82] [n 14]} No obstante, algunos de los números agregados, particularmente "Couplets des baisers" de Cupidon , el rondó "Eh hop" de Mercure y el "Policeman's Chorus" han ganado favor, y algunos o todos a menudo se agregan a representaciones que de otro modo usarían el texto de 1858. ^{[1] [82] [83]}

Durante más de un siglo tras la muerte del compositor, una de las causas de las reservas críticas sobre esta y otras obras suyas fue la persistencia de lo que el musicólogo Nigel Simeone ha llamado versiones "chapuceras, destrozadas y expurgadas". ^[59] Desde principios del siglo XXI se ha puesto en marcha un proyecto para publicar partituras académicas y fiables de las óperas de Offenbach, bajo la dirección editorial de Keck. La primera que se publicó, en 2002, fue la versión de 1858 de Orfeo en los infiernos . ^[59] La Offenbach Edition Keck ha publicado posteriormente la partitura de 1874, y otra basada en las versiones de 1858 y 1874. ^[83]

Obertura de Orphée aux enfers : arreglo de Carl Binder (9:23)

Desde Musopen

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La obertura más conocida y grabada de Orfeo en los infiernos ^[84] no es de Offenbach y no forma parte de las partituras de 1858 ni de 1874. Fue arreglada por el músico austríaco Carl Binder (1816-1860) para la primera producción de la ópera en Viena, en 1860. ^[84] La partitura de Offenbach de 1858 tiene una breve introducción orquestal de 104 compases; comienza con una melodía tranquila para instrumentos de viento de madera, seguida por el tema del minueto del Acto 2 de Júpiter, en la bemol mayor, y pasa a través de una fuga pomposa en fa mayor al monólogo de apertura de La opinión pública. ^[85] La obertura de la revisión de 1874 es una pieza de 393 compases, en la que se repiten el minueto de Júpiter y la canción de John Styx, intercalados con muchos temas de la partitura, incluyendo "J'ai vu le Dieu Bacchus" , los pareados "Je suis Vénus" , el Rondeau des métamorphoses , la sección "Partons, partons" del final del acto 2 y el galope del acto 4. ^{[86] [n 17]}

Quince años después de la muerte de Offenbach, el galop del segundo acto (o cuarto en la versión de 1874) se convirtió en una de las piezas musicales más famosas del mundo, ^[59] cuando el Moulin Rouge y el Folies Bergère lo adoptaron como música habitual para su cancán . Keck ha comentado que el "galop infernal" original era un asunto considerablemente más espontáneo y desenfrenado que el cancán de fin de siglo (Keck compara el original con una rave moderna ), pero la melodía ahora es inseparable en la mente del público de las bailarinas de cancán que patean alto. ^[59]

Desde el principio, Orfeo en los infiernos dividió la opinión crítica. La furiosa condena de Janin hizo mucho más bien que mal a la obra, ^[9] y contrastaba con la reseña elogiosa del estreno de Jules Noriac en Le Figaro-Programme , que calificó la obra de «inédita, espléndida, escandalosa, graciosa, deliciosa, ingeniosa, divertida, lograda, perfecta, melodiosa». ^{[91] [n. 18]} Bertrand Jouvin, en Le Figaro , criticó a algunos miembros del reparto pero elogió la puesta en escena: «un espectáculo de fantasía, que tiene toda la variedad, todas las sorpresas de la ópera de hadas». ^[93] La Revue et gazette musicale de Paris consideró que, aunque sería un error esperar demasiado de una pieza de este género, Orphée aux enfers era una de las obras más destacadas de Offenbach, con encantadores versos para Eurídice, Aristée-Pluton y el rey de Beocia. ^[94] Le Ménestrel calificó al elenco de "pura sangre" que hizo plena justicia a "todos los chistes encantadores, todas las deliciosas originalidades, todas las rarezas ridículas arrojadas con profusión en la música de Offenbach". ^[95]

Al escribir sobre la versión revisada de 1874, los autores de Les Annales du théâtre et de la musique dijeron: « Orphée aux enfers es, ante todo, un buen espectáculo. La música de Offenbach ha conservado su juventud y su espíritu. La divertida opereta de antaño se ha convertido en una extravagancia espléndida», ^[81] contra lo cual Félix Clément y Pierre Larousse escribieron en su Dictionnaire des Opéras (1881) que la pieza es «una parodia burda y grotesca» llena de «escenas vulgares e indecentes» que «desprenden un olor malsano». ^[96]

La ópera fue vista ampliamente como una sátira apenas disfrazada del régimen de Napoleón III , ^{[9] [97]} pero las primeras críticas de prensa a la obra se centraron en su burla a autores clásicos reverenciados como Ovidio ^{[n. 19]} y la música igualmente sacrosanta de Orfeo de Gluck . ^{[99] [n. 20]} Faris comenta que la sátira perpetrada por Offenbach y sus libretistas era más descarada que contundente, ^[101] y Richard Taruskin en su estudio de la música del siglo XIX observa: "El libertinaje calculado y el sacrilegio fingido, que provocaron con éxito a los críticos más estirados, fueron reconocidos por todos por lo que eran: un paliativo social, lo opuesto a la crítica social  [...] El espectáculo de los dioses olímpicos haciendo el cancán no amenazaba la dignidad de nadie". ^[102] El Emperador disfrutó mucho de Orphée aux enfers cuando lo vio en una función de mando en 1860; Le dijo a Offenbach que "nunca olvidaría esa noche deslumbrante". ^[103]

Tras la muerte de Offenbach, su reputación en Francia sufrió un eclipse temporal. En palabras de Faris, sus óperas cómicas fueron «desestimadas como recuerdos irrelevantes y meretrices de un Imperio desacreditado». ^[104] Los obituarios de otros países dieron por sentado de manera similar que las óperas cómicas, incluida Orfeo , eran efímeras y serían olvidadas. ^{[105] [106]} Cuando se celebró el centenario del compositor, en 1919, ya hacía algunos años que estaba claro que tales predicciones habían sido erróneas. ^[107] Orfeo fue reestrenada con frecuencia, ^[108] al igual que varias de sus óperas más, ^[109] y las críticas por motivos morales o musicales habían cesado en gran medida. Gabriel Groviez escribió en The Musical Quarterly :

El libreto de Orfeo rebosa de espíritu y humor, y la partitura está llena de ingenio chispeante y encanto melodioso. Es imposible analizar adecuadamente una pieza en la que la idiotez más sublime y la fantasía más asombrosa chocan a cada paso.  [...] Offenbach nunca produjo una obra más completa. ^[110]

Entre los críticos modernos, Traubner describe Orfeo como "la primera gran opereta clásica francesa de larga duración  [...] clásica (en ambos sentidos del término)", aunque considera que la revisión de 1874 es "exagerada". ^[23] Peter Gammond escribe que el público apreció la frivolidad de la obra al tiempo que reconoció que está arraigada en las mejores tradiciones de la ópera cómica. ^[111] Entre los escritores del siglo XXI, Bernard Holland ha comentado que la música está "bellamente hecha, implacablemente alegre, renuentemente seria", pero no muestra como lo hacen los posteriores Cuentos de Hoffmann "lo profundamente talentoso que era realmente Offenbach como compositor"; ^[112] Andrew Lamb ha comentado que aunque Orphée aux enfers ha seguido siendo la obra más conocida de Offenbach, "un consenso en cuanto a la mejor de sus operetas probablemente preferiría La vie parisienne por su brillo, La Périchole por su encanto y La belle Hélène por su brillantez total". ^[113] Kurt Gänzl escribe en The Encyclopedia of the Musical Theatre que, en comparación con los esfuerzos anteriores, Orphée aux enfers era "algo en una escala diferente  [...] una parodia gloriosamente imaginativa de la mitología clásica y de los eventos modernos decorados con la música bufa más risueña de Offenbach". ^[114] En un estudio de 2014 sobre la parodia y el burlesque en Orphée aux enfers , Hadlock escribe:

Con Orfeo en los infiernos , el género que hoy conocemos como opereta reunió sus fuerzas y dio un salto hacia adelante, aunque todavía conservaba el estilo rápido y conciso de sus predecesoras de un solo acto, su sensibilidad absurdista y atrevida y su economía a la hora de crear el máximo impacto cómico con recursos limitados. Al mismo tiempo, refleja el deseo de Offenbach de establecerse a sí mismo y a su compañía como herederos legítimos de la tradición cómica francesa del siglo XVIII de Philidor y Grétry . ^[115]

Entre la primera puesta en escena y la primera reposición en París, en 1860, la compañía Bouffes-Parisiens realizó una gira por las provincias francesas, donde se informó que Orphée aux enfers tuvo un éxito "inmenso" e "increíble". ^[116] Tautin fue reemplazada por Delphine Ugalde como Eurydice cuando la producción fue repuesta en los Bouffes-Parisiens en 1862 y nuevamente en 1867. ^[2]

La primera reposición de la versión de 1874 fue en el Théâtre de la Gaîté en 1875 con Marie Blanche Peschard como Eurídice. ^[2] Fue repuesta allí nuevamente en enero de 1878 con Meyronnet (Orfeo), Peschard (Eurídice), Christian (Júpiter), Habay (Plutón) y Pierre Grivot como Mercure y John Styx, ^[117] Para la temporada de la Exposition Universelle más tarde ese año, Offenbach repuso la pieza nuevamente, ^[118] con Grivot como Orfeo, Peschard como Eurídice, ^[119] el viejo amigo y rival del compositor Hervé como Júpiter ^[120] y Léonce como Plutón. ^[119] La ópera se volvió a ver en la Gaîté en 1887 con Taufenberger (Orphée), Jeanne Granier (Eurydice), Eugène Vauthier (Júpiter) y Alexandre (Plutón). ^[121] Hubo un resurgimiento en el Éden-Théâtre (1889) con Minart, Granier, Christian y Alexandre. ^[122]

Los resurgimientos del siglo XX en París incluyeron producciones en el Théâtre des Variétés (1902) con Charles Prince (Orphée), Juliette Méaly (Eurydice), Guy (Jupiter) y Albert Brasseur (Pluton), ^[123] y en 1912 con Paul Bourillon, Méaly, Guy y Prince; ^[124] el Théâtre Mogador (1931) con Adrien Lamy, Manse Beaujon, Max Dearly y Lucien Muratore ; ^[125] la Opéra-Comique (1970) con Rémy Corazza, Anne-Marie Sanial, Michel Roux y Robert Andreozzi; ^[126] el Théâtre de la Gaïté-Lyrique (1972) con Jean Giraudeau , Jean Brun, Albert Voli y Sanial; y por el Théâtre français de l'Opérette en el Espace Cardin (1984) con múltiples elencos que incluyen (en orden alfabético) André Dran , Maarten Koningsberger, Martine March, Martine Masquelin, Marcel Quillevere, Ghyslaine Raphanel, Bernard Sinclair y Michel Trempont . ^[2] En enero de 1988, la obra se estrenó por primera vez en la Ópera de París , con Michel Sénéchal (Orphée), Danielle Borst (Eurydice), François Le Roux (Júpiter) y Laurence Dale (Plutón). ^[127]

En diciembre de 1997 se vio una producción de Laurent Pelly en la Ópera Nacional de Lyon , donde se filmó para DVD, con Yann Beuron (Orfeo), Natalie Dessay (Eurídice), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón) con Marc Minkowski dirigiendo. ^[128] La producción se originó en Ginebra, donde se había presentado en septiembre, en una antigua planta hidroeléctrica utilizada mientras se renovaba el área del escenario del Grand Théâtre , por un elenco encabezado por Beuron, Annick Massis , Naouri y Éric Huchet . ^[129]

Se cree que la primera producción fuera de Francia fue en Breslau en octubre de 1859. ^[130] En diciembre del mismo año la ópera se estrenó en Praga. La obra se presentó en alemán en el Carltheater de Viena en marzo de 1860 en una versión de Ludwig Kalisch , revisada y embellecida por Johann Nestroy , que interpretó a Júpiter. Burlarse de la mitología grecorromana tenía una larga tradición en el teatro popular de Viena, y el público no tuvo problemas con la falta de respeto que había indignado a Jules Janin y otros en París. ^[131] Fue para esta producción que Carl Binder armó la versión de la obertura que ahora es la más conocida. ^[59] Hubo reestrenos en el mismo teatro en febrero y junio de 1861 (ambos en francés) y en el Theater an der Wien en enero de 1867. En 1860 se produjeron los estrenos locales de la obra en Bruselas, Estocolmo, Copenhague y Berlín. ^[2] Siguieron producciones en Varsovia, San Petersburgo y Budapest, y luego en Zúrich, Madrid, Ámsterdam, Milán y Nápoles. ^[130]

Gänzl menciona entre "incontables otras producciones  [...] un gran y ostentoso resurgimiento alemán bajo la dirección de Max Reinhardt " en el Großes Schauspielhaus de Berlín en 1922. ^{[22] [n 21]} Una producción berlinesa más reciente fue dirigida por Götz Friedrich en 1983 ; ^[132] Se publicó un vídeo de la producción. ^[133] Las producciones de 2019 incluyen las dirigidas por Helmut Baumann en la Volksoper de Viena , ^[134] y por Barrie Kosky en la Haus für Mozart , Salzburgo , con un elenco encabezado por Anne Sophie von Otter como L'Opinion publique, una coproducción. entre el Festival de Salzburgo , la Komische Oper Berlin y la Deutsche Oper am Rhein . ^[135]

La primera producción londinense de la obra fue en el Teatro de Su Majestad en diciembre de 1865, en una versión en inglés de JR Planché titulada Orfeo en el Haymarket . ^{[136] [n 22]} Hubo producciones en el West End en el francés original en 1869 y 1870 por compañías dirigidas por Hortense Schneider . ^{[137] [138] [n 23]} Las versiones en inglés siguieron por Alfred Thompson (1876) y Henry S. Leigh (1877). ^{[139] [140] [n 24]} Una adaptación de Herbert Beerbohm Tree y Alfred Noyes se estrenó en el Teatro de Su Majestad en 1911. ^{[141] [n 25]} La ópera no se volvió a ver en Londres hasta 1960, cuando se estrenó una nueva adaptación de Geoffrey Dunn en el Teatro Sadler's Wells ; ^{[142] [n 26]} Esta producción de Wendy Toye fue reeditada con frecuencia entre 1960 y 1974. ^[143] Una versión en inglés de Snoo Wilson para la English National Opera (ENO), montada en el London Coliseum en 1985, ^[144] fue reeditada allí en 1987. ^[145] Una coproducción de Opera North y la D'Oyly Carte Opera Company en una versión de Jeremy Sams se estrenó en 1992 y fue reeditada varias veces. ^[146] En 2019, ENO presentó una nueva producción dirigida por Emma Rice , que se estrenó con críticas desfavorables. ^[147]

La primera producción en Nueva York fue en el Teatro Stadt , en alemán, en marzo de 1861; la producción duró hasta febrero de 1862. Dos producciones más fueron cantadas en alemán: en diciembre de 1863 con Fritze, Knorr, Klein y Frin von Hedemann y en diciembre de 1866 con Brügmann, Knorr, Klein y Frin Steglich-Fuchs. ^[2] La ópera fue producida en el Theatre Français en enero de 1867 con Elvira Naddie, y en el Fifth Avenue Theatre en abril de 1868 con Lucille Tostée . En diciembre de 1883 fue producida en el Bijou Theatre con Max Freeman, Marie Vanoni, Digby Bell y Harry Pepper. ^[2] Hubo producciones en Río de Janeiro en 1865, Buenos Aires en 1866, Ciudad de México en 1867 y Valparaíso en 1868. ^[130] La ópera se representó por primera vez en Australia en el Princess Theatre, Melbourne en marzo de 1872, en el texto londinense de Planché, con Alice May como Eurídice. ^[148]

En 1926 se presentó en Nueva York una espectacular producción de Reinhardt. ^[149] La Ópera de la Ciudad de Nueva York representó la obra, dirigida por Erich Leinsdorf , en 1956, con Sylvia Stahlman como Eurídice y Norman Kelley como Plutón. ^[150] Entre las producciones estadounidenses más recientes se incluyen una versión de 1985 de la Ópera de Santa Fe , ^[151] y la versión ENO de 1985, que fue puesta en escena en los EE. UU. por la Gran Ópera de Houston (coproductores) en 1986 y la Ópera de Los Ángeles en 1989. ^[152]

En abril de 2019, el sitio web Operabase registró 25 producciones pasadas o programadas de la ópera a partir de 2016, en francés o en traducción: nueve en Alemania, cuatro en Francia, dos en Gran Bretaña, dos en Suiza, dos en los EE. UU. y producciones en Gdansk , Lieja , Liubliana , Malmö , Praga y Tokio. ^[153]

Hay tres grabaciones completas. La primera, de 1951, presenta al Coro y Orquesta Filarmónica de París, dirigidos por René Leibowitz , con Jean Mollien (Orphée), Claudine Collart (Eurydice), Bernard Demigny (Jupiter) y André Dran (Pluton); utiliza la versión de 1858. ^[154] Una edición de 1978 de EMI emplea la versión ampliada de 1874; presenta al Coro y Orquesta del Capitolio de Toulouse dirigidos por Michel Plasson , con Michel Sénéchal (Orphée), Mady Mesplé (Eurydice), Michel Trempont (Jupiter) y Charles Burles (Pluton). ^[155] Una grabación de 1997 de la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874 presenta el Coro y la Orquesta de la Ópera Nacional de Lyon, dirigidos por Marc Minkowski, con Yann Beuron (Orfeo), Natalie Dessay (Eurídice), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón). ^[156]

Hasta el año 2022, ^[actualizar]la única grabación de la obra completa realizada en inglés es la producción de D'Oyly Carte de 1995, dirigida por John Owen Edwards con David Fieldsend (Orfeo), Mary Hegarty (Eurídice), Richard Suart (Júpiter) y Barry Patterson (Plutón). Utiliza la partitura de 1858 con algunas adiciones de la revisión de 1874. El texto en inglés es de Jeremy Sams. ^[157] Se grabaron extractos extendidos de dos producciones anteriores: Sadler's Wells (1960), dirigida por Alexander Faris, con June Bronhill como Eurídice y Eric Shilling como Júpiter; ^[158] y English National Opera (1985), dirigida por Mark Elder , con Stuart Kale (Orfeo), Lillian Watson (Eurídice), Richard Angas (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón). ^[159]

Ha habido tres grabaciones de larga duración en alemán. La primera, grabada en 1958, presenta a la Orquesta Sinfónica y Coro de la Radio del Norte de Alemania dirigidos por Paul Burkhard , con Heinz Hoppe (Orfeo), Anneliese Rothenberger como Eurídice (Eurydike), Max Hansen como Júpiter y Ferry Gruber como Plutón. ^[160] Rothenberger repitió su papel en un set de EMI de 1978, con la Filarmónica Húngara y el Coro de la Ópera de Colonia dirigidos por Willy Mattes, con Adolf Dellapozza (Orfeo), Benno Kusche (Júpiter) y Gruber (Plutón). ^[161] Una grabación basada en la producción berlinesa de 1983 de Götz Friedrich presenta a la Orquesta y Coro de la Deutsche Oper Berlin , dirigidos por Jesús López Cobos , con Donald Grobe (Orfeo), Julia Migenes (Eurydike), Hans Beirer (Júpiter) y George Shirley (Plutón). ^[162]

Se han publicado grabaciones en DVD basadas en la producción de Herbert Wernicke de 1997 en el Théâtre de la Monnaie , Bruselas, con Alexandru Badea (Orfeo), Elizabeth Vidal (Eurídice), Dale Duesing (Júpiter) y Reinaldo Macias (Plutón), ^[163] y la producción de Laurent Pelly del mismo año, con Natalie Dessay (Eurídice), Yann Beuron (Orfeo), Laurent Naouri (Júpiter) y Jean-Paul Fouchécourt (Plutón). ^[128] Se ha publicado una versión en inglés hecha para la BBC en 1983 en DVD. Está dirigida por Faris y cuenta con Alexander Oliver (Orfeo), Lillian Watson (Eurídice), Denis Quilley (Júpiter) y Émile Belcourt (Plutón). ^[164] La producción de Berlín de Friedrich se filmó en 1984 y se ha publicado como DVD; ^[133] En 2019 se publicó un DVD de la producción del Festival de Salzburgo dirigida por Kosky. ^[165]

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Orfeo de los infiernos

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• "Orfeo en el inframundo" La guía de la ópera ligera y la opereta
• "Orfeo en el inframundo" La guía del teatro musical
• Orphée aux enfers: Partituras en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales
• Literatura de y sobre Orfeo en el inframundo en el catálogo de la Biblioteca Nacional Alemana