Claude Debussy

( Achille ) Claude Debussy ^{[n 1]} ( francés: [aʃil klod dəbysi] ; 22 de agosto de 1862 - 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. A veces se lo considera el primer compositor impresionista , aunque él rechazó enérgicamente el término. Fue uno de los compositores más influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Nacido en una familia de modestos recursos y poco involucramiento cultural, Debussy demostró suficiente talento musical como para ser admitido a la edad de diez años en la principal escuela de música de Francia, el Conservatorio de París . Inicialmente estudió piano, pero encontró su vocación en la composición innovadora, a pesar de la desaprobación de los profesores conservadores del Conservatorio. Le llevó muchos años desarrollar su estilo maduro, y tenía casi 40 años cuando alcanzó fama internacional en 1902 con la única ópera que completó, Pelléas et Mélisande .

Las obras orquestales de Debussy incluyen Prélude à l'après-midi d'un faune (1894), Nocturnes (1897-1899) e Images (1905-1912). Su música fue en gran medida una reacción contra Wagner y la tradición musical alemana. Consideraba que la sinfonía clásica era obsoleta y buscó una alternativa en sus "bocetos sinfónicos", La mer (1903-1905). Sus obras para piano incluyen conjuntos de 24 preludios y 12 estudios . A lo largo de su carrera escribió melodías basadas en una amplia variedad de poesía, incluida la suya propia. Fue muy influenciado por el movimiento poético simbolista de finales del siglo XIX. Un pequeño número de obras, incluida la temprana La Damoiselle élue y la tardía Le Martyre de saint Sébastien, tienen partes importantes para coro. En sus últimos años, se centró en la música de cámara, completando tres de las seis sonatas planificadas para diferentes combinaciones de instrumentos .

Con influencias tempranas que incluían la música rusa y del Lejano Oriente y las obras de Chopin , Debussy desarrolló su propio estilo de armonía y colorido orquestal, ridiculizado -y resistido sin éxito- por gran parte del establishment musical de la época. Sus obras han influido fuertemente en una amplia gama de compositores, entre ellos Béla Bartók , Olivier Messiaen , George Benjamin y el pianista y compositor de jazz Bill Evans . Debussy murió de cáncer en su casa de París a la edad de 55 años después de una carrera como compositor de poco más de 30 años.

Debussy nació el 22 de agosto de 1862 en Saint-Germain-en-Laye , Seine-et-Oise , en la periferia noroeste de París. ^{[7] [n 2]} Fue el mayor de los cinco hijos de Manuel-Achille Debussy y su esposa, Victorine, de soltera Manoury. Debussy padre regentaba una tienda de porcelana y su esposa era costurera. ^{[2] [9]} La tienda no tuvo éxito y cerró en 1864; la familia se trasladó a París, primero viviendo con la madre de Victorine, en Clichy , y, a partir de 1868, en su propio apartamento en la Rue Saint-Honoré . Manuel trabajaba en una imprenta. ^[10]

En 1870, para escapar del asedio de París durante la guerra franco-prusiana , la madre embarazada de Debussy lo llevó a él y a su hermana Adèle a la casa de su tía paterna en Cannes , donde permanecieron hasta el año siguiente. Durante su estancia en Cannes, Debussy, de siete años, recibió sus primeras lecciones de piano; su tía pagó para que estudiara con un músico italiano, Jean Cerutti. ^[2] Manuel Debussy permaneció en París y se unió a las fuerzas de la Comuna ; después de su derrota por las tropas del gobierno francés en 1871, fue condenado a cuatro años de prisión, de los cuales solo cumplió un año. Entre sus compañeros de prisión comuneros se encontraba su amigo Charles de Sivry, un músico. ^[11] La madre de Sivry, Antoinette Mauté de Fleurville, dio lecciones de piano y, por instigación suya, el joven Debussy se convirtió en uno de sus alumnos. ^{[12] [n 3]}

El talento de Debussy pronto se hizo evidente y en 1872, a los diez años, fue admitido en el Conservatorio de París , donde permaneció como estudiante durante los siguientes once años. Primero se unió a la clase de piano de Antoine François Marmontel , ^[14] y estudió solfeo con Albert Lavignac y, más tarde, composición con Ernest Guiraud , armonía con Émile Durand y órgano con César Franck . ^[15] El curso incluía estudios de historia y teoría de la música con Louis-Albert Bourgault-Ducoudray , pero no es seguro que Debussy, que era propenso a faltar a clases, asistiera a ellas. ^[16]

En el Conservatorio, Debussy hizo inicialmente buenos progresos. Marmontel dijo de él: "Un niño encantador, un temperamento verdaderamente artístico; se puede esperar mucho de él". ^[17] Otro profesor estaba menos impresionado: Émile Durand escribió en un informe: "Debussy sería un alumno excelente si fuera menos superficial y menos arrogante". Un año más tarde describió a Debussy como "desesperadamente descuidado". ^[18] En julio de 1874, Debussy recibió el premio deuxième accessit ^{[n.º 4]} por su interpretación como solista en el primer movimiento del Segundo concierto para piano de Chopin en el concurso anual del Conservatorio. Era un excelente pianista y un excelente lector de partituras a primera vista , que podría haber tenido una carrera profesional si hubiera querido, ^[20] pero solo fue intermitentemente diligente en sus estudios. ^[21] Avanzó al primer premio en 1875 y al segundo premio en 1877, pero fracasó en los concursos de 1878 y 1879. Estos fracasos lo hicieron inelegible para continuar en las clases de piano del Conservatorio, pero siguió siendo estudiante de armonía, solfeo y, más tarde, composición. ^[10]

Con la ayuda de Marmontel, Debussy consiguió un trabajo de verano en 1879 como pianista residente en el castillo de Chenonceau , donde rápidamente adquirió un gusto por el lujo que lo acompañaría toda su vida. ^{[10] [22]} Sus primeras composiciones datan de este período, dos versiones de poemas de Alfred de Musset : "Ballade à la lune" y "Madrid, princesse des Espagnes". ^[10] Al año siguiente consiguió un trabajo como pianista en la casa de Nadezhda von Meck , la patrona de Chaikovski . ^[23] Viajó con su familia durante los veranos de 1880 a 1882, alojándose en varios lugares de Francia, Suiza e Italia, así como en su casa en Moscú. ^[24] Compuso su Trío para piano en sol mayor para el conjunto de von Meck e hizo una transcripción para dúo de piano de tres danzas de El lago de los cisnes de Chaikovski . ^{[10] [n.º 5]}

A finales de 1880, mientras continuaba sus estudios en el Conservatorio, Debussy fue contratado como acompañante de la clase de canto de Marie Moreau-Sainti, puesto que ocupó durante cuatro años. ^[26] Entre los miembros de la clase estaba Marie Vasnier, a quien Debussy se sintió muy atraído y que le inspiró a componer: escribió 27 canciones dedicadas a ella durante su relación de siete años. ^[27] Era la esposa de Henri Vasnier, un destacado funcionario público, y mucho más joven que su marido. Pronto se convirtió en la amante de Debussy y en su musa. No está claro si Vasnier estaba dispuesto a tolerar el romance de su esposa con la joven estudiante o si simplemente no lo sabía, pero él y Debussy mantuvieron una excelente relación y él continuó alentando al compositor en su carrera. ^[28]

En el Conservatorio, Debussy se ganó la desaprobación de la facultad, particularmente de su profesor de composición, Guiraud, por no seguir las reglas ortodoxas de composición que prevalecían en ese momento. ^{[29] [n 6]} Sin embargo, en 1884 Debussy ganó el premio musical más prestigioso de Francia, el Prix de Rome , ^[31] con su cantata L'enfant prodigue . El Prix incluía una residencia en la Villa Medici , la Academia Francesa en Roma , para ampliar los estudios del ganador. Debussy estuvo allí desde enero de 1885 hasta marzo de 1887, con tres o posiblemente cuatro ausencias de varias semanas cuando regresó a Francia, principalmente para ver a Marie Vasnier. ^[6]

Al principio, Debussy encontró sofocante el ambiente artístico de la Villa Medici, la compañía grosera, la comida mala y el alojamiento "abominable". ^[32] Tampoco le gustaba la ópera italiana, ya que las óperas de Donizetti y Verdi no eran de su agrado. Le impresionaba mucho más la música de los compositores del siglo XVI Palestrina y Lassus , que escuchó en Santa Maria dell'Anima : "Es la única música de iglesia que aceptaré". ^{[6] A menudo se deprimía y no podía componer, pero} Franz Liszt , que visitaba a los estudiantes y tocaba para ellos, le inspiraba . ^[6] En junio de 1885, Debussy escribió sobre su deseo de seguir su propio camino, diciendo: "Estoy seguro de que el Instituto no lo aprobaría, porque, naturalmente, considera el camino que él mismo ordena como el único correcto. Pero no hay nada que hacer. ¡Estoy demasiado enamorado de mi libertad, demasiado aficionado a mis propias ideas!" ^[33]

Debussy finalmente compuso cuatro piezas que fueron presentadas a la Academia: la oda sinfónica Zuleima (basada en un texto de Heinrich Heine ); la pieza orquestal Printemps ; la cantata La Damoiselle élue (1887-1888), la primera pieza en la que comenzaron a surgir los rasgos estilísticos de su música posterior; y la Fantaisie para piano y orquesta, que se basaba en gran medida en la música de Franck y que finalmente fue retirada por Debussy. La Academia lo reprendió por escribir música que era "extraña, incomprensible e imposible de interpretar". ^[34] Aunque las obras de Debussy mostraban la influencia de Jules Massenet , este último concluyó: "Es un enigma". ^[35] Durante sus años en Roma, Debussy compuso, no para la Academia, la mayor parte de su ciclo de Verlaine , Ariettes oubliées , que tuvo poco impacto en su momento, pero que fue reeditado con éxito en 1903 después de que el compositor se había vuelto muy conocido. ^[36]

Una semana después de su regreso a París en 1887, Debussy escuchó el primer acto de Tristán e Isolda de Wagner en los Concerts Lamoureux y lo calificó como "decididamente lo mejor que conozco". ^[6] En 1888 y 1889 asistió a los festivales anuales de óperas de Wagner en Bayreuth . Respondió positivamente a la sensualidad de Wagner, su dominio de la forma y sus sorprendentes armonías, ^[2] y fue influenciado brevemente por ellos, ^[37] pero, a diferencia de otros compositores franceses de su generación, concluyó que no había futuro en intentar adoptar y desarrollar el estilo de Wagner. ^[38] Comentó en 1903 que Wagner era "una hermosa puesta de sol que fue confundida con un amanecer". ^[39]

En 1889, en la Exposición Universal de París , Debussy escuchó por primera vez la música gamelan javanesa . Las escalas, melodías, ritmos y texturas de conjunto del gamelan le atrajeron, y se escuchan ecos de ellos en "Pagodes" de su suite para piano Estampes . ^[40] También asistió a dos conciertos de la música de Rimski-Kórsakov , dirigidos por el compositor. ^[41] Esto también le causó una impresión, y su libertad armónica y colores tonales no teutónicos influyeron en su propio estilo musical en desarrollo. ^{[42] [n 7]}

Marie Vasnier terminó su relación con Debussy poco después de su regreso definitivo de Roma, aunque siguieron en buenos términos como para que él le dedicara una canción más, "Mandoline", en 1890. ^[44] Más tarde, en 1890, Debussy conoció a Erik Satie , quien demostró ser un espíritu afín en su enfoque experimental de la composición. Ambos eran bohemios , disfrutaban de la misma sociedad de café y luchaban por sobrevivir económicamente. ^[45] En el mismo año, Debussy comenzó una relación con Gabrielle (Gaby) Dupont, la hija de un sastre de Lisieux ; en julio de 1893 comenzaron a vivir juntos. ^[41]

Debussy continuó componiendo canciones, piezas para piano y otras obras, algunas de las cuales fueron interpretadas en público, pero su música tuvo un impacto modesto, aunque sus colegas compositores reconocieron su potencial al elegirlo para el comité de la Société Nationale de Musique en 1893. ^[41] Su Cuarteto de cuerdas fue estrenado por el cuarteto de cuerdas Ysaÿe en la Société Nationale en el mismo año. En mayo de 1893, Debussy asistió a un evento teatral que fue de importancia clave para su carrera posterior: el estreno de la obra de Maurice Maeterlinck Pelléas et Mélisande , que inmediatamente decidió convertir en una ópera. ^[41] Viajó a la casa de Maeterlinck en Gante en noviembre para asegurar su consentimiento para una adaptación operística. ^[41]

En febrero de 1894, Debussy completó el primer borrador del acto I de su versión operística de Pelléas et Mélisande y durante la mayor parte del año trabajó para completar la obra. ^[46] Mientras aún vivía con Dupont, tuvo un romance con la cantante Thérèse Roger y en 1894 anunció su compromiso. Su comportamiento fue ampliamente condenado; circularon cartas anónimas denunciando su trato a ambas mujeres, así como su irresponsabilidad financiera y sus deudas. ^[46] El compromiso se rompió y varios de los amigos y partidarios de Debussy lo repudiaron, incluido Ernest Chausson , hasta entonces uno de sus partidarios más firmes. ^[47]

En términos de reconocimiento musical, Debussy dio un paso adelante en diciembre de 1894, cuando el poema sinfónico Prélude à l'après-midi d'un faune , basado en el poema de Stéphane Mallarmé , se estrenó en un concierto de la Société Nationale. ^[46] Al año siguiente completó el primer borrador de Pelléas y comenzó los esfuerzos para llevarla a escena. En mayo de 1898 hizo sus primeros contactos con André Messager y Albert Carré , respectivamente director musical y gerente general de la Opéra-Comique de París, sobre la presentación de la ópera. ^[46]

Debussy abandonó a Dupont por su amiga Marie-Rosalie Texier, conocida como "Lilly", con quien se casó en octubre de 1899, después de amenazar con suicidarse si ella lo rechazaba. ^[48] Ella era cariñosa, práctica, directa y muy querida por los amigos y asociados de Debussy, ^[49] pero él se fue irritando cada vez más por sus limitaciones intelectuales y su falta de sensibilidad musical. ^[50] El matrimonio duró apenas cinco años. ^[51]

A partir de 1900, la música de Debussy se convirtió en el foco y la inspiración de un grupo informal de jóvenes artistas, poetas, críticos y músicos innovadores que comenzaron a reunirse en París. Se llamaban a sí mismos Les Apaches (más o menos "Los Hooligans") para representar su condición de "parias artísticos". ^[52] La membresía era fluida, pero en varios momentos incluyó a Maurice Ravel , Ricardo Viñes , Igor Stravinsky y Manuel de Falla . ^{[n 8]} En el mismo año se estrenaron los dos primeros de los tres Nocturnos orquestales de Debussy . Aunque no tuvieron un gran impacto entre el público, fueron bien recibidos por músicos como Paul Dukas , Alfred Bruneau y Pierre de Bréville . ^[55] El conjunto completo se presentó al año siguiente. ^[46]

Como muchos otros compositores de la época, Debussy complementó sus ingresos enseñando y escribiendo. ^{[n 9]} Durante la mayor parte de 1901 tuvo una actividad secundaria como crítico musical de La Revue Blanche , adoptando el seudónimo de "Monsieur Croche". Expresó opiniones mordaces sobre compositores ("Odio el sentimentalismo; su nombre es Camille Saint-Saëns "), instituciones (sobre la Ópera de París: "Un extraño la tomaría por una estación de tren y, una vez dentro, la confundiría con un baño turco"), directores (" Nikisch es un virtuoso único, tanto que su virtuosismo parece hacerle olvidar las pretensiones del buen gusto"), política musical ("¡Los ingleses realmente piensan que un músico puede dirigir un teatro de ópera con éxito!") y audiencias ("su expresión casi drogada de aburrimiento, indiferencia e incluso estupidez"). ^[59] Más tarde recopiló sus críticas con vistas a su publicación como libro; Se publicó después de su muerte con el título Monsieur Croche, Antidilettante . ^[60]

En enero de 1902 comenzaron los ensayos en la Opéra-Comique para el estreno de Pelléas et Mélisande . Durante tres meses, Debussy asistió a los ensayos prácticamente todos los días. En febrero hubo un conflicto entre Maeterlinck por un lado y Debussy, Messager y Carré por el otro sobre el casting de Mélisande. Maeterlinck quería que su amante, Georgette Leblanc , cantara el papel, y se enfureció cuando ella fue pasada por alto en favor de la soprano escocesa Mary Garden . ^{[61] [n 10]} La ópera se estrenó el 30 de abril de 1902, y aunque el público de la primera noche estaba dividido entre admiradores y escépticos, la obra se convirtió rápidamente en un éxito. ^[61] Hizo de Debussy un nombre conocido en Francia y en el extranjero; The Times comentó que la ópera había "provocado más discusión que cualquier obra de los tiempos modernos, exceptuando, por supuesto, las de Richard Strauss ". ^[63] Los apaches, liderados por Ravel (que asistió a cada una de las 14 representaciones de la primera edición), expresaron su apoyo con vehemencia; el profesorado conservador del Conservatorio intentó en vano impedir que sus estudiantes vieran la ópera. ^[64] La partitura vocal se publicó a principios de mayo y la partitura orquestal completa en 1904. ^[51]

En 1903, la estatura de Debussy fue reconocida públicamente cuando fue nombrado Caballero de la Legión de Honor , ^[51] pero su posición social sufrió un gran golpe cuando otro giro en su vida privada causó un escándalo al año siguiente. Uno de sus alumnos fue Raoul Bardac , hijo de Emma y su esposo, el banquero parisino Sigismond Bardac. Raoul presentó a su maestro a su madre, por quien Debussy rápidamente se sintió muy atraído. Era sofisticada, una conversadora brillante, una cantante consumada y relajada en cuanto a la fidelidad marital, habiendo sido la amante y musa de Gabriel Fauré unos años antes. ^[65] Después de enviar a Lilly a la casa de sus padres en Bichain en Villeneuve-la-Guyard el 15 de julio de 1904, Debussy se llevó a Emma, ​​quedándose de incógnito en Jersey y luego en Pourville en Normandía. ^[51] El 11 de agosto escribió a su esposa desde Dieppe , diciéndole que su matrimonio había terminado, pero sin mencionar a Bardac. Cuando regresó a París, se instaló solo, alquilando un apartamento en un distrito diferente . ^[51] El 14 de octubre, cinco días antes de su quinto aniversario de boda, Lilly Debussy intentó suicidarse, disparándose en el pecho con un revólver; ^{[51] [n 11]} sobrevivió, aunque la bala permaneció alojada en sus vértebras durante el resto de su vida. ^[70] El escándalo resultante hizo que la familia de Bardac la repudiara, y Debussy perdió a muchos buenos amigos, incluidos Dukas y Messager. ^[71] Sus relaciones con Ravel, nunca estrechas, se exacerbaron cuando este último se unió a otros antiguos amigos de Debussy para contribuir a un fondo para apoyar a la abandonada Lilly. ^[72]

Los Bardac se divorciaron en mayo de 1905. ^[51] Al encontrar intolerable la hostilidad en París, Debussy y Emma (ahora embarazada) se fueron a Inglaterra. Se alojaron en el Grand Hotel, Eastbourne en julio y agosto, donde Debussy corrigió las pruebas de sus bocetos sinfónicos La mer , celebrando su divorcio el 2 de agosto. ^[51] Después de una breve visita a Londres, la pareja regresó a París en septiembre, comprando una casa en un desarrollo con patio cerca de la Avenue du Bois de Boulogne (ahora Avenue Foch ), el hogar de Debussy por el resto de su vida. ^[51]

En octubre de 1905, La mer , la obra orquestal más importante de Debussy, fue estrenada en París por la Orquesta Lamoureux bajo la dirección de Camille Chevillard ; ^[2] la recepción fue mixta. Algunos elogiaron la obra, pero Pierre Lalo , crítico de Le Temps , hasta entonces admirador de Debussy, escribió: "No oigo, no veo, no huelo el mar". ^{[74] [n 12]} En el mismo mes nació en su casa el único hijo del compositor. ^[51] Claude-Emma, ​​conocida cariñosamente como "Chouchou", fue una inspiración musical para el compositor (fue la dedicatoria de su suite Children's Corner ). Sobrevivió a su padre por apenas un año, sucumbiendo a la epidemia de difteria de 1919. ^[76] Mary Garden dijo: "Sinceramente, no sé si Debussy alguna vez amó a alguien realmente. Amaba su música, y tal vez a sí mismo. Creo que estaba envuelto en su genio", ^[77] pero los biógrafos están de acuerdo en que, independientemente de sus relaciones con amantes y amigos, Debussy era devoto de su hija. ^{[78] [79] [80]}

Debussy y Emma Bardac finalmente se casaron en 1908, y su problemática unión perduró por el resto de su vida. El año siguiente comenzó bien, cuando por invitación de Fauré, Debussy se convirtió en miembro del consejo de gobierno del Conservatorio. ^[51] Su éxito en Londres se consolidó en abril de 1909, cuando dirigió Prélude à l'après-midi d'un faune y los Nocturnos en el Queen's Hall ; ^[81] en mayo estuvo presente en la primera producción londinense de Pelléas et Mélisande , en el Covent Garden . En el mismo año, a Debussy le diagnosticaron cáncer colorrectal , del que moriría nueve años después. ^[51]

Las obras de Debussy comenzaron a aparecer cada vez más en los programas de conciertos en su país y en el extranjero. En 1910, Gustav Mahler dirigió los Nocturnos y el Prélude à l'après-midi d'un faune en Nueva York en meses sucesivos. ^[82] Ese mismo año, al visitar Budapest, Debussy comentó que sus obras eran más conocidas allí que en París. ^[2] En 1912, Serguéi Diáguilev encargó una nueva partitura de ballet, Jeux . Esa, y las tres Imágenes , estrenadas al año siguiente, fueron las últimas obras orquestales del compositor. ^[82] Jeux tuvo mala suerte en el momento: dos semanas después del estreno, en marzo de 1913, Diáguilev presentó el estreno de La consagración de la primavera de Stravinski , un evento sensacional que monopolizó la discusión en los círculos musicales y marginó efectivamente a Jeux junto con Pénélope de Fauré , que se había estrenado una semana antes. ^[83]

En 1915, Debussy se sometió a una de las primeras operaciones de colostomía , que sólo le proporcionó un alivio temporal y le ocasionó una considerable frustración ("Hay mañanas en las que el esfuerzo de vestirse parece uno de los doce trabajos de Hércules"). ^[84] También tuvo un enemigo feroz en este período en la persona de Camille Saint-Saëns , quien en una carta a Fauré condenó En blanc et noir de Debussy : "Es increíble, y la puerta del Institut [de France] debe ser cerrada a toda costa para un hombre capaz de tales atrocidades". Saint-Saëns había sido miembro del Institut desde 1881: Debussy nunca llegó a serlo. ^[85] Su salud continuó deteriorándose; dio su último concierto el 14 de septiembre de 1917 y quedó postrado en cama a principios de 1918. ^[76]

Debussy murió el 25 de marzo de 1918 en su casa. La Primera Guerra Mundial todavía estaba en pleno apogeo y París se encontraba bajo bombardeos aéreos y de artillería alemanes . La situación militar no permitió el honor de un funeral público con oraciones ceremoniosas junto a la tumba. La procesión fúnebre se abrió paso por calles desiertas hasta una tumba temporal en el cementerio de Père Lachaise mientras los cañones alemanes bombardeaban la ciudad. El cuerpo de Debussy fue enterrado de nuevo al año siguiente en el pequeño cementerio de Passy, ​​escondido detrás del Trocadero , cumpliendo así su deseo de descansar "entre los árboles y los pájaros"; su esposa y su hija están enterradas con él. ^[86]

En un estudio de la obra de Debussy realizado poco después de la muerte del compositor, el crítico Ernest Newman escribió: «No sería exagerado decir que Debussy pasó un tercio de su vida en el descubrimiento de sí mismo, un tercio en la realización libre y feliz de sí mismo, y el tercio final en la pérdida parcial y dolorosa de sí mismo». ^[87] Los comentaristas posteriores han calificado algunas de las últimas obras mejor que Newman y otros contemporáneos, pero gran parte de la música por la que Debussy es más conocido es de los años intermedios de su carrera. ^[2]

El analista David Cox escribió en 1974 que Debussy, admirando los intentos de Wagner de combinar todas las artes creativas, «creó un mundo musical nuevo, instintivo y onírico, lírico y panteísta, contemplativo y objetivo; un tipo de arte, de hecho, que parecía extenderse a todos los aspectos de la experiencia». ^[88] En 1988, el compositor y erudito Wilfrid Mellers escribió sobre Debussy:

Debido a su preocupación por los acordes en sí mismos, más que a pesar de ella, privó a la música del sentido de progresión armónica, rompió el predominio de tres siglos de la tonalidad armónica y mostró cómo las concepciones melódicas de la tonalidad típicas de la música folclórica primitiva y de la música medieval podrían ser relevantes para el siglo XX ^[89].

Debussy no dio a sus obras números de opus , aparte de su Cuarteto de cuerdas, Op. 10 en sol menor (también la única obra donde el título del compositor incluía una tonalidad ). ^[90] Sus obras fueron catalogadas e indexadas por el musicólogo François Lesure en 1977 (revisado en 2003) ^[91] y su número Lesure ("L" seguido de un número) a veces se usa como sufijo de su título en programas de conciertos y grabaciones.

Claro de luna (5:04)

Compuesta en 1890, interpretada por Laurens Goedhart en 2011

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Estreno Arabesque (4:53)

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Segundo arabesco (4:00)

Ambos arabescos interpretados en 2016 por Patrizia Prati

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El desarrollo musical de Debussy fue lento, y como estudiante fue lo suficientemente hábil para producir para sus profesores en el Conservatorio obras que se ajustaran a sus preceptos conservadores. Su amigo Georges Jean-Aubry comentó que Debussy "imitó admirablemente los giros melódicos de frase de Massenet" en la cantata L'enfant prodigue (1884) que le valió el Prix de Rome. ^[92] Una obra más característicamente debussiana de sus primeros años es La Damoiselle élue , que reformula la forma tradicional de los oratorios y cantatas, utilizando una orquesta de cámara y un pequeño cuerpo de tono coral y utilizando escalas y armonías nuevas o durante mucho tiempo olvidadas. ^[92] Sus primeras mélodies , inspiradas por Marie Vasnier, tienen un carácter más virtuoso que sus obras posteriores en el género, con una extensa vocalización sin palabras ; A partir de Ariettes oubliées (1885-1887) desarrolló un estilo más sobrio. Escribió sus propios poemas para Proses lyriques (1892-1893), pero, en opinión del erudito musical Robert Orledge , "su talento literario no estaba a la altura de su imaginación musical". ^[93]

El musicólogo Jacques-Gabriel Prod'homme escribió que, junto con La Demoiselle élue , las Ariettes oubliées y los Cinq poèmes de Charles Baudelaire (1889) muestran "el nuevo y extraño camino que el joven músico seguirá de aquí en adelante". ^[15] Newman coincidió: "Hay mucho de Wagner, especialmente de Tristán , en el idioma. Pero la obra en su conjunto es distintiva, y la primera en la que obtenemos un indicio del Debussy que conoceríamos más tarde: el amante de los contornos vagos, de las penumbras, de las consonancias misteriosas y las disonancias de color, el apóstol de la languidez, el exclusivista en pensamiento y en estilo". ^[87] Durante los siguientes años Debussy desarrolló su estilo personal, sin, en esta etapa, romper abruptamente con las tradiciones musicales francesas. Gran parte de su música de este período es de pequeña escala, como los Dos arabescos , Valse romantique , Suite bergamasque y el primer conjunto de Fêtes galantes . ^[87] Newman remarcó que, al igual que Chopin , el Debussy de este período aparece como un liberador de los estilos de composición germánicos, ofreciendo en cambio "un estilo exquisito y diáfano" capaz de transmitir "no solo alegría y capricho, sino una emoción de un tipo más profundo". ^[87] En un estudio de 2004, Mark DeVoto comenta que las primeras obras de Debussy no son armónicamente más aventureras que la música existente de Fauré; ^[94] en un libro de 2007 sobre las obras para piano, Margery Halford observa que Dos arabescos (1888-1891) y "Rêverie" (1890) tienen "la fluidez y calidez del estilo posterior de Debussy", pero no son armónicamente innovadoras. Halford cita el popular "Clair de Lune" (1890), el tercero de los cuatro movimientos de la Suite Bergamasque , como una obra de transición que apunta hacia el estilo maduro del compositor. ^[95]

Los músicos desde la época de Debussy en adelante han considerado Prélude à l'après-midi d'un faune (1894) como su primera obra maestra orquestal. ^{[2] [87] [96]} Newman lo consideró "completamente original en idea, absolutamente personal en estilo, y lógico y coherente de principio a fin, sin un compás superfluo o incluso una nota superflua"; ^[87] Pierre Boulez observó: "La música moderna fue despertada por Prélude à l'après-midi d'un faune ". ^[97] La ​​mayoría de las obras principales por las que Debussy es más conocido fueron escritas entre mediados de la década de 1890 y mediados de la década de 1900. ^[87] Entre ellas se encuentran el Cuarteto de cuerdas (1893), Pelléas et Mélisande (1893-1902), los Nocturnos para orquesta (1899) y La mer (1903-1905). ^[2] La suite Pour le piano (1894-1901) es, en opinión de Halford, uno de los primeros ejemplos del Debussy maduro como compositor para piano: "un hito importante... y una ampliación del uso de las sonoridades del piano". ^[95]

En el Cuarteto de cuerdas (1893), las sonoridades del gamelán que Debussy había escuchado cuatro años antes se recuerdan en los pizzicatos y ritmos cruzados del scherzo . ^[93] El biógrafo de Debussy, Edward Lockspeiser, comenta que este movimiento muestra el rechazo del compositor al "dictum tradicional de que los instrumentos de cuerda deben ser predominantemente líricos". ^[98] La obra influyó en Ravel, cuyo propio Cuarteto de cuerdas , escrito diez años después, tiene rasgos notablemente debussianos. ^[99] El académico y periodista Stephen Walsh llama a Pelléas et Mélisande (comenzada en 1893, puesta en escena en 1902) "una obra clave para el siglo XX". ^[100] El compositor Olivier Messiaen estaba fascinado por sus "extraordinarias cualidades armónicas y ... textura instrumental transparente". ^[100] La ópera está compuesta en lo que Alan Blyth describe como un estilo recitativo sostenido y elevado , con líneas vocales "sensuales e íntimas". ^[101] Influyó en compositores tan diferentes como Stravinsky y Puccini . ^[100]

Orledge describe los Nocturnos como excepcionalmente variados en textura, "que van desde el comienzo musorgskiano de 'Nuages', pasando por la procesión de la banda de metales que se acerca en 'Fêtes', hasta el coro femenino sin palabras en 'Sirènes ' ". Orledge considera que el último es un pre-eco de las texturas marinas de La mer . Estampes para piano (1903) da impresiones de lugares exóticos, con más ecos del gamelan en sus estructuras pentatónicas . ^[2] Debussy creía que desde Beethoven, la forma sinfónica tradicional se había vuelto formulaica, repetitiva y obsoleta. ^{[102] [n 13]} La sinfonía cíclica de tres partes de César Franck (1888) fue más de su agrado, y su influencia se puede encontrar en La mer (1905); En esta obra se utiliza una forma casi sinfónica, y sus tres secciones forman un gigantesco movimiento en forma de sonata con, como observa Orledge, un tema cíclico, a la manera de Franck. ^[93] La sección central "Jeux de vagues" tiene la función de una sección de desarrollo sinfónico que conduce al "Dialogue du vent et de la mer" final, "un poderoso ensayo de color orquestal y sonoridad" (Orledge) que reelabora temas del primer movimiento. ^[93] Las críticas estuvieron muy divididas. Algunos críticos pensaron que el tratamiento era menos sutil y menos misterioso que sus obras anteriores, e incluso un paso atrás; otros elogiaron su "poder y encanto", su "extraordinario brío y brillante fantasía", y sus fuertes colores y líneas definidas. ^[103]

De las obras orquestales posteriores, Images (1905-1912) es más conocida que Jeux (1913). ^[104] La primera sigue la forma tripartita establecida en los Nocturnos y La mer , pero difiere en el empleo de melodías folclóricas británicas y francesas tradicionales, y en hacer el movimiento central, "Ibéria", mucho más largo que los exteriores, y subdividirlo en tres partes, todas inspiradas en escenas de la vida española. Aunque considera a Images "la cima del logro de Debussy como compositor para orquesta", Trezise señala una opinión contraria de que el galardón pertenece a la partitura del ballet Jeux . ^[105] Este último fracasó como ballet debido a lo que Jann Pasler describe como un escenario banal, y la partitura fue descuidada durante algunos años. Analistas recientes han encontrado un vínculo entre la continuidad tradicional y el crecimiento temático dentro de una partitura y el deseo de crear discontinuidad de una manera reflejada en la música de finales del siglo XX. ^{[104] [106]} En esta pieza, Debussy abandonó la escala de tonos enteros que había favorecido anteriormente a menudo en favor de la escala octatónica con lo que el estudioso de Debussy François Lesure describe como sus ambigüedades tonales. ^[2]

Fragmentos del primer libro de los Préludes (1909-1910)

La niña con el pelo de lin

Interpretado por Mike Ambrose

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La catedral englobada

Interpretada por Ivan Ilic

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Entre las últimas obras para piano se encuentran dos libros de Préludes (1909-10, 1911-13), piezas breves que representan una amplia gama de temas. Lesure comenta que van desde las travesuras de los trovadores en Eastbourne en 1905 y el acróbata estadounidense "General Lavine" "hasta las hojas muertas y los sonidos y aromas del aire vespertino". ^[2] En blanc et noir (En blanco y negro, 1915), una obra de tres movimientos para dos pianos, es una pieza predominantemente sombría, que refleja la guerra y el peligro nacional. ^[107] Los Études (1915) para piano han dividido la opinión. Al escribirlos poco después de la muerte de Debussy, Newman los encontró laboriosos: "un último capítulo extraño en la vida de un gran artista"; ^[87] Ochenta años después, Lesure las clasifica entre las mejores obras tardías de Debussy: «Detrás de un exterior pedagógico, estas doce piezas exploran intervalos abstractos o, en las últimas cinco, las sonoridades y timbres peculiares del piano». ^[2] En 1914, Debussy comenzó a trabajar en un conjunto planificado de seis sonatas para varios instrumentos . Su enfermedad fatal le impidió completar el conjunto, pero las sonatas para violonchelo y piano (1915), flauta, viola y arpa (1915) y violín y piano (1917, su última obra completada) son todas piezas concisas, de tres movimientos, de naturaleza más diatónica que algunas de sus otras obras tardías. ^[2]

El mártir de San Sebastián (1911), originalmente una obra musical de cinco actos sobre un texto de Gabriele D'Annunzio que se representó durante casi cinco horas, no fue un éxito y ahora la música se escucha más a menudo en una adaptación de concierto (o de estudio) con narrador, o como una suite orquestal de "Fragments symphoniques". Debussy contó con la ayuda de André Caplet para orquestar y arreglar la partitura. ^[108] Dos obras de teatro tardías, los ballets Khamma (1912) y La boîte à joujoux (1913), quedaron con la orquestación incompleta y fueron completadas por Charles Koechlin y Caplet, respectivamente. ^[2]

La aplicación del término "impresionista" a Debussy y la música en la que influyó ha sido muy debatida, tanto durante su vida como desde entonces. El analista Richard Langham Smith escribe que el término impresionismo fue originalmente acuñado para describir un estilo de pintura francesa de finales del siglo XIX , típicamente escenas bañadas por luz reflejada en las que el énfasis está en la impresión general en lugar del contorno o la claridad de los detalles, como en las obras de Monet , Pissarro , Renoir y otros. ^[109] Langham Smith escribe que el término se transfirió a las composiciones de Debussy y otros que estaban "relacionadas con la representación del paisaje o los fenómenos naturales, particularmente las imágenes de agua y luz tan apreciadas por los impresionistas, a través de texturas sutiles bañadas de color instrumental". ^[109]

Entre los pintores, Debussy admiraba especialmente a Turner , pero también se inspiraba en Whistler . Con este último en mente, el compositor escribió al violinista Eugène Ysaÿe en 1894 describiendo los Nocturnos orquestales como "un experimento sobre las diferentes combinaciones que se pueden obtener a partir de un color, lo que sería un estudio en gris en pintura". ^[110]

Debussy se opuso firmemente al uso de la palabra "impresionismo" para su música (o la de cualquier otro), ^{[n 14]} pero se le ha asociado continuamente desde que los evaluadores del Conservatorio la aplicaron por primera vez, oprobiosamente, a su obra temprana Printemps . ^[112] Langham Smith comenta que Debussy escribió muchas piezas para piano con títulos evocadores de la naturaleza - "Reflets dans l'eau" (1905), "Les Sons et les parfums tournent dans l'air du soir" (1910) y "Brouillards" (1913) ^{[n 15]} - y sugiere que el uso de pinceladas y puntos por parte de los pintores impresionistas tiene un paralelo en la música de Debussy. ^[109] Aunque Debussy dijo que cualquiera que usara el término (ya sea en relación con la pintura o la música) era un imbécil, ^[113] algunos estudiosos de Debussy han adoptado una postura menos absolutista. Lockspeiser llama a La mer "el mayor ejemplo de una obra impresionista orquestal", ^[114] y más recientemente en The Cambridge Companion to Debussy Nigel Simeone comenta: "No parece excesivamente descabellado ver un paralelo en los paisajes marinos de Monet". ^{[114] [n 16]}

En este contexto puede situarse el elogio panteísta que Debussy hace de la Naturaleza en una entrevista de 1911 con Henry Malherbe :

He hecho de la misteriosa Naturaleza mi religión... Cuando contemplo el cielo del atardecer y paso horas contemplando su maravillosa belleza siempre cambiante, una emoción extraordinaria me embarga. La Naturaleza en toda su inmensidad se refleja fielmente en mi alma sincera aunque débil. A mi alrededor están los árboles que extienden sus ramas hacia el cielo, las flores perfumadas que alegran el prado, la tierra suave y cubierta de hierba... y mis manos asumen inconscientemente una actitud de adoración. ^[115]

En contraste con la caracterización "impresionista" de la música de Debussy, varios escritores han sugerido que estructuró al menos parte de su música en líneas matemáticas rigurosas. ^[116] En 1983, el pianista y erudito Roy Howat publicó un libro en el que sostenía que ciertas obras de Debussy están proporcionadas utilizando modelos matemáticos, incluso cuando se utiliza una estructura clásica aparente como la forma sonata . Howat sugiere que algunas de las piezas de Debussy se pueden dividir en secciones que reflejan la proporción áurea , que se aproxima mediante proporciones de números consecutivos en la secuencia de Fibonacci . ^[117] Simon Trezise, ​​en su libro de 1994 Debussy: La Mer , encuentra la evidencia intrínseca "notable", con la salvedad de que ninguna evidencia escrita o reportada sugiere que Debussy buscara deliberadamente tales proporciones. ^[118] Lesure adopta una opinión similar, respaldando las conclusiones de Howat pero sin opinar sobre las intenciones conscientes de Debussy. ^[2]

Debussy escribió: “Debemos aceptar que la belleza de una obra de arte siempre será un misterio [...] nunca podemos estar absolutamente seguros de ‘cómo está hecha’. Debemos preservar a toda costa esta magia que es peculiar de la música y a la que la música, por su naturaleza, es la más receptiva de todas las artes”. ^[120]

Sin embargo, hay muchos indicadores de las fuentes y elementos del lenguaje de Debussy. En un artículo de 1958, el crítico Rudolph Reti resumió seis características de la música de Debussy, que según él "establecieron un nuevo concepto de tonalidad en la música europea": el uso frecuente de pedales largos - "no simplemente pedales bajos en el sentido real del término, sino 'pedales' sostenidos en cualquier voz"; pasajes brillantes y redes de figuraciones que distraen de la ausencia ocasional de tonalidad; uso frecuente de acordes paralelos que "en esencia no son armonías en absoluto, sino más bien 'melodías de acordes', unísonos enriquecidos", descritos por algunos escritores como armonías no funcionales; bitonalidad, o al menos acordes bitonales ; uso de escalas de tonos enteros y pentatónicas ; y modulaciones no preparadas , "sin ningún puente armónico". Reti concluye que el logro de Debussy fue la síntesis de una "tonalidad melódica" basada en la monofonía con armonías, aunque diferentes de las de la "tonalidad armónica". ^[121]

En 1889, Debussy mantuvo conversaciones con su antiguo profesor Guiraud, que incluyeron la exploración de las posibilidades armónicas al piano. La discusión, y las improvisaciones de acordes de Debussy para el teclado, fueron notadas por un alumno más joven de Guiraud, Maurice Emmanuel. ^[122] Las secuencias de acordes tocadas por Debussy incluyen algunos de los elementos identificados por Reti. También pueden indicar la influencia en Debussy de Trois Sarabandes de Satie de 1887. [ ^123] Otra improvisación de Debussy durante esta conversación incluyó una secuencia de armonías de tonos enteros que pueden haber sido inspiradas por la música de Glinka o Rimsky-Korsakov que se estaba haciendo conocida en París en ese momento. ^[124] Durante la conversación, Debussy le dijo a Guiraud: "No hay teoría. Solo tienes que escuchar. ¡El placer es la ley!". – aunque también admitió: “Me siento libre porque he pasado por todo y no escribo en estilo fugaz porque lo conozco”. ^[122]

Entre los predecesores franceses, Chabrier fue una importante influencia para Debussy (como lo fue para Ravel y Poulenc ); ^[126] Howat ha escrito que la música para piano de Chabrier, como "Sous-bois" y "Mauresque" en las Pièces pittoresques, exploró nuevos mundos sonoros de los que Debussy hizo un uso efectivo 30 años después. ^[127] Lesure encuentra rastros de Gounod y Massenet en algunas de las primeras canciones de Debussy, y señala que puede haber sido de los rusos - Chaikovski , Balakirev , Rimski-Kórsakov , Borodin y Músorgski - de quienes Debussy adquirió su gusto por los "modos antiguos y orientales y por las coloraciones vívidas, y un cierto desdén por las reglas académicas". ^{[2] Lesure también considera que la ópera} Boris Godunov de Músorgski influyó directamente en Pelléas et Mélisande de Debussy . ^[2] En la música de Palestrina , Debussy encontró lo que llamó "una blancura perfecta", y sintió que aunque las formas musicales de Palestrina tenían un "estilo estricto", eran más de su gusto que las reglas rígidas que prevalecían entre los compositores y maestros franceses del siglo XIX. ^[128] Se inspiró en lo que llamó la "armonía creada por la melodía" de Palestrina, encontrando una cualidad similar al arabesco en las líneas melódicas. ^[129]

Debussy opinó que Chopin era «el más grande de todos, pues a través del piano descubrió todo»; ^[130] profesó su «respetuosa gratitud» por la música para piano de Chopin. ^[131] Se debatía entre dedicar sus propios Estudios a Chopin o a François Couperin , a quien también admiraba como modelo de forma, viéndose a sí mismo como heredero de su dominio del género. ^[131] Howat advierte contra la suposición de que la Balada (1891) y el Nocturno (1892) de Debussy están influenciados por Chopin –en opinión de Howat deben más a los primeros modelos rusos de Debussy ^[132] – pero la influencia de Chopin se encuentra en otras obras tempranas como los Dos arabescos (1889-1891). ^[133] En 1914, el editor A. Durand & fils comenzó a publicar nuevas ediciones académicas de las obras de grandes compositores, y Debussy se hizo cargo de la supervisión de la edición de la música de Chopin. ^{[82] [n 17]}

Aunque Debussy no tenía ninguna duda sobre la estatura de Wagner, sólo recibió una breve influencia de él en sus composiciones, después de La damoiselle élue y los Cinq poèmes de Baudelaire (ambos iniciados en 1887). Según Pierre Louÿs , Debussy "no veía 'qué puede hacer alguien más allá de Tristán'", aunque admitió que a veces era difícil evitar "el fantasma del viejo Klingsor , alias Richard Wagner, que aparece al doblar la barra". ^[2] Después de la corta fase wagneriana de Debussy, comenzó a interesarse por la música no occidental y sus enfoques poco familiares para la composición. ^[2] La pieza para piano Golliwogg's Cakewalk , de la suite Children's Corner de 1908 , contiene una parodia de la música de la introducción a Tristán , en la que, en opinión del musicólogo Lawrence Kramer , Debussy escapa a la sombra del compositor mayor y "relativiza sonrientemente a Wagner hasta la insignificancia". ^[135]

Una influencia contemporánea fue Erik Satie, según el "amigo más fiel" de Nichols Debussy entre los músicos franceses. ^[136] La orquestación de Debussy en 1896 de Gymnopédies de Satie (que había sido escrita en 1887) "puso a su compositor en el mapa" según el musicólogo Richard Taruskin , y la Sarabande de Pour le piano (1901) de Debussy "muestra que [Debussy] conocía las Trois Sarabandes de Satie en un momento en el que solo un amigo personal del compositor podría haberlas conocido". (No se publicaron hasta 1911). ^[137] El interés de Debussy por la música popular de su tiempo se evidencia no sólo en Cakewalk de Golliwogg y otras piezas para piano con rag-time , como The Little Nigar (ortografía de Debussy) (1909), sino también en el vals lento La plus que lente ( El más que lento ), basado en el estilo del violinista gitano de un hotel de París (a quien le dio el manuscrito de la pieza). ^[25]

Además de los compositores que influyeron en sus propias composiciones, Debussy tenía opiniones firmes sobre varios otros. En general, sentía un gran entusiasmo por Richard Strauss ^[138] y Stravinsky, respetaba a Mozart y admiraba a Bach , a quien llamaba el "buen Dios de la música" ( le Bon Dieu de la musique ). ^{[139] [n 18]} Su relación con Beethoven era compleja; se decía que se refería a él como le vieux sourd ('el viejo sordo') ^[140] y le pidió a un joven alumno que no tocara la música de Beethoven porque "es como si alguien bailara sobre mi tumba"; ^[141] pero creía que Beethoven tenía cosas profundas que decir, pero no sabía cómo decirlas, "porque estaba prisionero de una red de reafirmación incesante y de agresividad alemana". ^[142] No simpatizaba con Schubert , Schumann , Brahms y Mendelssohn , siendo descrito este último como un "notario fácil y elegante". ^[143]

Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, Debussy se volvió ardientemente patriótico en sus opiniones musicales. En una carta a Stravinsky, le preguntó: «¿Cómo no pudimos prever que estos hombres estaban tramando la destrucción de nuestro arte, tal como habían planeado la destrucción de nuestro país?» ^[144] En 1915 se quejó de que «desde Rameau no hemos tenido una tradición puramente francesa [...] Toleramos orquestas exageradas, formas tortuosas [...] Estábamos a punto de dar el sello de aprobación a naturalizaciones aún más sospechosas cuando el sonido de los disparos puso fin de repente a todo». Taruskin escribe que algunos han visto esto como una referencia a los compositores Gustav Mahler y Arnold Schoenberg , ambos judíos de nacimiento. En 1912, Debussy le había comentado a su editor de la ópera Ariane et Barbe-bleue del compositor (también judío) Paul Dukas : «Tienes razón, [es] una obra maestra, pero no es una obra maestra de la música francesa». ^[145] Por otra parte, Charles Rosen argumentó en una reseña de la obra de Taruskin que Debussy estaba insinuando en cambio "que la ópera [de Dukas] era demasiado wagneriana, demasiado alemana, para ajustarse a su ideal de estilo francés", citando a Georges Liébert, uno de los editores de la correspondencia recopilada de Debussy, como autoridad, diciendo que Debussy no era antisemita. ^[146]

A pesar de su falta de educación formal, Debussy leyó mucho y encontró inspiración en la literatura. Lesure escribe: "El desarrollo del verso libre en poesía y la desaparición del sujeto o modelo en la pintura lo influyeron para pensar en cuestiones de forma musical". ^[2] Debussy fue influenciado por los poetas simbolistas . Estos escritores, que incluían a Verlaine, Mallarmé, Maeterlinck y Rimbaud , reaccionaron contra el realismo, el naturalismo, la objetividad y el conservadurismo formal que prevalecieron en la década de 1870. Favorecieron la poesía que utiliza la sugerencia en lugar de la declaración directa; el erudito literario Chris Baldrick escribe que evocaban "estados de ánimo subjetivos mediante el uso de símbolos privados, al tiempo que evitaban la descripción de la realidad externa o la expresión de opiniones". ^[147] Debussy simpatizaba mucho con el deseo de los simbolistas de acercar la poesía a la música, se hizo amigo de varios exponentes destacados y puso música a muchas obras simbolistas a lo largo de su carrera. ^[148]

Las inspiraciones literarias de Debussy fueron principalmente francesas, pero no pasó por alto a los escritores extranjeros. Además de Maeterlinck para Pelléas et Mélisande , se inspiró en Shakespeare y Dickens para dos de sus Preludios para piano: La Danse de Puck (Libro 1, 1910) y Hommage à S. Pickwick Esq. PPMPC (Libro 2, 1913). Colocó La doncella bendita de Dante Gabriel Rossetti en su cantata temprana, La Damoiselle élue (1888). Escribió música incidental para El rey Lear y planeó una ópera basada en Como gustéis , pero abandonó eso una vez que centró su atención en la puesta en escena de la obra de Maeterlinck. En 1890 comenzó a trabajar en una pieza orquestal inspirada en La caída de la casa Usher de Edgar Allan Poe y más tarde esbozó el libreto para una ópera, La chute de la maison Usher . Otro proyecto inspirado por Poe, una versión operística de El diablo en el campanario, no progresó más allá de los bocetos. ^[149] Entre los escritores franceses cuyas palabras puso en escena se encuentran Paul Bourget , Alfred de Musset , Théodore de Banville , Leconte de Lisle , Théophile Gautier , Paul Verlaine , François Villon y Mallarmé, el último de los cuales también proporcionó a Debussy la inspiración para una de sus piezas orquestales más populares, Prélude à l'après-midi d'un faune . ^[2]

Debussy es ampliamente considerado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. ^{[2] [150] [151] [152]} Roger Nichols escribe que "si uno omite a Schoenberg [...] una lista de compositores del siglo XX influenciados por Debussy es prácticamente una lista de compositores del siglo XX tout court ". ^[120]

Bartók se encontró por primera vez con la música de Debussy en 1907 y más tarde dijo que «el gran servicio de Debussy a la música fue despertar entre todos los músicos la conciencia de la armonía y sus posibilidades». ^[153] No sólo el uso de escalas de tonos enteros por parte de Debussy, sino también su estilo de composición de palabras en Pelléas et Mélisande , fueron objeto de estudio por Leoš Janáček mientras escribía su ópera de 1921 Káťa Kabanová . ^[154] Stravinsky era más ambivalente sobre la música de Debussy (pensaba que Pelléas era «un aburrimiento terrible... a pesar de muchas páginas maravillosas») ^[155] pero los dos compositores se conocían y las Sinfonías para instrumentos de viento de Stravinsky (1920) fueron escritas como un homenaje a Debussy. ^[156]

Tras la Primera Guerra Mundial, los jóvenes compositores franceses de Les Six reaccionaron contra lo que consideraban la calidad poética y mística de la música de Debussy en favor de algo más duro. Su simpatizante y portavoz autoproclamado, Jean Cocteau, escribió en 1918: «Basta de nubes , olas, acuarios, ondinas y perfumes nocturnos», aludiendo intencionadamente a los títulos de las piezas de Debussy. ^[157] Las generaciones posteriores de compositores franceses tuvieron una relación mucho más positiva con su música. A Messiaen le regalaron una partitura de Pelléas et Mélisande cuando era niño y dijo que fue «una revelación, amor a primera vista» y «probablemente la influencia más decisiva a la que he sido sometido». ^[158] Boulez también descubrió la música de Debussy a una edad temprana y dijo que le dio su primera idea de lo que podía significar la modernidad en la música. ^[159]

Entre los compositores contemporáneos, George Benjamin ha descrito Prélude à l'après-midi d'un faune como "la definición de la perfección"; ^[160] ha dirigido Pelléas et Mélisande ^[161] y el crítico Rupert Christiansen detecta la influencia de la obra en la ópera de Benjamin Written on Skin (2012). ^[162] Otros han hecho orquestaciones de algunas de las obras para piano y voz, incluida la versión de John Adams de cuatro de las canciones de Baudelaire ( Le Livre de Baudelaire , 1994), la de Robin Holloway de En blanc et noir (2002) y la de Colin Matthews de ambos libros de Préludes (2001-2006). ^[163]

El pianista Stephen Hough cree que la influencia de Debussy también se extiende al jazz y sugiere que Reflets dans l'eau se puede escuchar en las armonías de Bill Evans . ^{[164] [n 19]}

En 1904, Debussy tocó el acompañamiento de piano de Mary Garden en grabaciones para la Compagnie française du Gramophone de cuatro de sus canciones: tres mélodías del ciclo de Verlaine Ariettes oubliées : "Il pleure dans mon coeur", "L'ombre des arbres" y "Green" – y "Mes longs cheveux", del acto III de Pelléas et Mélisande . ^[166] Realizó un conjunto de rollos de piano para la compañía Welte-Mignon en 1913. Contienen catorce de sus piezas: "D'un cahier d'esquisses", "La plus que lente", "La soirée dans Grenade", los seis movimientos de Children's Corner y cinco de los Preludios : "Danseuses de Delphes", "Le vent dans la Plaine", "La cathédrale engloutie", "La danse de Puck" y "Minstrels". Las series de 1904 y 1913 se han transferido a disco compacto. ^[167]

Entre los contemporáneos de Debussy que grabaron su música se encuentran los pianistas Ricardo Viñes (en "Poissons d'or" de Images y "La soirée dans Grenade" de Estampes ); Alfred Cortot (numerosas piezas solistas, así como la Sonata para violín con Jacques Thibaud y las Chansons de Bilitis con Maggie Teyte ); y Marguerite Long ("Jardins sous la pluie" y "Arabesques"). Entre los cantantes de las mélodies de Debussy o de extractos de Pelléas et Mélisande se encuentran Jane Bathori , Claire Croiza , Charles Panzéra y Ninon Vallin ; y entre los directores de las principales obras orquestales se encuentran Ernest Ansermet , Désiré-Émile Inghelbrecht , Pierre Monteux y Arturo Toscanini , y en la Petite Suite , Henri Büsser , que había preparado la orquestación para Debussy. Muchas de estas primeras grabaciones han sido reeditadas en CD. ^[168]

En tiempos más recientes, la producción de Debussy ha sido ampliamente grabada. En 2018, para conmemorar el centenario de la muerte del compositor, Warner Classics , con contribuciones de otras compañías, lanzó un conjunto de 33 CD que se afirma que incluye toda la música que escribió Debussy. ^[169]

• Partituras gratuitas de Claude Debussy en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• Partituras gratuitas de Claude Debussy en la Biblioteca de Dominio Público Coral (ChoralWiki)
• "Descubriendo a Debussy". BBC Radio 3 .
• Sitio web del museo Debussy, Saint-Germain-en-Laye