Robbie Robertson

Robbie Robertson jefe
Robertson en el año 2000
Nacido	Jaime Royal Robertson ( 05-07-1943 )5 de julio de 1943 Toronto, Ontario , Canadá
Fallecido	9 de agosto de 2023 (09-08-2023)(80 años) Los Ángeles, California , Estados Unidos
Ocupaciones	Músico compositor de canciones cantante
Años de actividad	1957–2023
Esposas	Dominique Bourgeois ​ ​ ( nació en  1968; se divorció en  1977 ) Janet Zuccarini ​ ( nacido  el 2023 )
Niños	3, incluido Sebastián
Carrera musical
Géneros	Roca Americana gente blues país Las raíces son rocosas
Instrumentos	Guitarra voz teclados
Etiquetas	Capitolio Geffen Warner
Anteriormente de	La banda

Jaime Royal " Robbie " Robertson ^[1] OC (5 de julio de 1943 - 9 de agosto de 2023) fue un músico canadiense de ascendencia indígena. ^[2] Fue guitarrista principal de Bob Dylan a mediados de la década de 1960 y principios de la de 1970, guitarrista y compositor de The Band desde sus inicios hasta 1978, y artista solista.

El trabajo de Robertson con The Band fue fundamental en la creación del género musical americana . Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Salón de la Fama de la Música Canadiense como miembro de The Band, y en el Paseo de la Fama de Canadá , con The Band y por su cuenta. Está en el puesto 59 de la lista de los 100 mejores guitarristas de la revista Rolling Stone. ^[3] Escribió " The Weight ", " The Night They Drove Old Dixie Down " y " Up on Cripple Creek " con The Band y tuvo éxitos en solitario con " Broken Arrow " y " Somewhere Down the Crazy River ", y muchos otros. Fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses y recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Compositores . ^[4]

Robertson colaboró ​​en bandas sonoras de cine y televisión, generalmente con el director Martin Scorsese , comenzando en la película documental The Last Waltz (1978) y continuando con películas dramáticas como Raging Bull (1980), The King of Comedy (1983), Casino (1995), Gangs of New York (2002), El lobo de Wall Street (2013), Silencio (2016), El irlandés (2019) y Killers of the Flower Moon (2023), musicalizando esta última poco antes de su muerte. ^[5] La película estuvo dedicada a su memoria, ^[6] y le valió una nominación póstuma a Mejor banda sonora original en los Premios de la Academia . ^[7]

Jaime Royal Robertson ^[8] nació como hijo único el 5 de julio de 1943. Su madre nació como Rosemarie Dolly Chrysler el 6 de febrero de 1922. ^[9] Era cayuga y mohawk , ^[10] criada en la reserva de las Seis Naciones del Grand River al suroeste de Toronto , cerca de Hamilton . Vivía con una tía en el barrio de Cabbagetown y trabajaba en la fábrica de enchapado de joyas de Coro. Allí conoció a James Patrick Robertson y se casaron en 1942. ^[11]

La pareja continuó trabajando en la fábrica y los tres vivieron en varios barrios de Toronto mientras Robbie era un niño. ^{[12] : 55  [13] : 65} Viajaba a menudo con su madre a la reserva para visitar a la familia. Allí aprendió a tocar la guitarra, en particular con su primo mayor Herb Myke. Se convirtió en un fanático del rock and roll y el rhythm and blues a través de la radio, escuchando al disc jockey George "Hound Dog" Lorenz tocar rock en WKBW desde Buffalo, Nueva York , y quedándose despierto para escuchar el programa de blues de toda la noche de John R. en WLAC , una estación de canal claro en Nashville, Tennessee . ^{[14] : 56  [15] : 65–66}

En su adolescencia, los padres de Robertson se separaron. Su madre le dijo que su padre biológico no era James, sino Alexander David Klegerman, un hombre judío estadounidense al que conoció en el trabajo. ^[16] Se convirtió en un jugador profesional y murió en un accidente de atropello y fuga en Queen Elizabeth Way . Ella había estado con él mientras James estaba destinado en Terranova con el ejército canadiense antes de casarse. Hizo los arreglos para que su hijo conociera a sus tíos paternos Morris (Morrie) y Nathan (Natie) Klegerman. ^{[17] [18] [19]}

Cuando Robertson tenía 14 años, trabajó en dos breves empleos de verano en el circuito de ferias itinerantes , primero durante unos días en un suburbio de Toronto y más tarde como asistente en un espectáculo de fenómenos durante tres semanas durante la Exposición Nacional Canadiense . Más tarde se inspiró en esto para su canción " Life is a Carnival " (con The Band) y la película Carny (1980), que produjo y protagonizó. ^[20]

La primera banda a la que se unió Robertson fue Little Caesar and the Consuls , formada en 1956 por el pianista/vocalista Bruce Morshead y el guitarrista Gene MacLellan . Permaneció con el grupo durante casi un año, tocando canciones populares de la época en los bailes de adolescentes locales. En 1957 formó Robbie and the Rhythm Chords con su amigo Pete "Thumper" Traynor (que más tarde fundó Traynor Amplifiers ). Cambiaron el nombre a Robbie and the Robots después de ver la película Forbidden Planet y les gustó el personaje de la película Robby the Robot . Traynor personalizó la guitarra de Robertson para los Robots, equipándola con antenas y cables para darle un aspecto de la era espacial . Traynor y Robertson se unieron al pianista Scott Cushnie y se convirtieron en The Suedes. En un concierto de Suedes el 5 de octubre de 1959, cuando tocaron en el Hif Fi Club de CHUM Radio en la calle Merton de Toronto, Ronnie Hawkins se enteró de ellos por primera vez y quedó lo suficientemente impresionado como para unirse a ellos para algunos números. ^{[13] : 66  [14] : 56–57  [21] [22]}

Robertson comenzó a seguir a Hawkins después de que los Suedes abrieran para el grupo de rockabilly de Arkansas Ronnie Hawkins and the Hawks en el Dixie Arena. ^[23] Una tarde escuchó a Hawkins decir que necesitaba algunas canciones nuevas ya que iban a ir al estudio a grabar el mes siguiente. Con la esperanza de congraciarse, Robertson se quedó despierto toda la noche y escribió dos canciones, "Someone Like You" y "Hey Boba Lu", y se las tocó a Hawkins al día siguiente. El showman quedó impresionado y las grabó para su nuevo álbum, Mr Dynamo (1959). ^{[24] [25]} Hawkins llevó a Robertson al Brill Building en la ciudad de Nueva York para ayudarlo a elegir canciones para el resto del álbum. ^{[1] : 14–15  [13] : 66–67  [21] : 45–46}

Hawkins contrató al pianista Scott Cushnie, que estaba en Suedes, y lo llevó de gira a Arkansas con los Hawks. Cuando el bajista de los Hawks dejó el grupo, Cushnie recomendó que Hawkins contratara a Robertson para reemplazarlo en el bajo. ^{[21] : 49, 51–52  [26]}

Hawkins invitó a Robertson a Arkansas y luego voló al Reino Unido para actuar en televisión allí. En Arkansas, Robertson gastó su asignación para vivir en discos y practicó intensamente todos los días. Al regresar, Hawkins lo contrató para tocar el bajo. Cushnie dejó la banda unos meses después. ^[26] Robertson pronto pasó del bajo a tocar la guitarra principal para los Hawks. ^{[1] : 20–22  [13] : 68–70, 75} Robertson se convirtió en un virtuoso de la guitarra. ^[27]

Roy Buchanan , unos años mayor que Robertson, fue brevemente miembro de los Hawks y se convirtió en una influencia importante en el estilo de guitarra de Robertson: "De pie junto a Buchanan en el escenario durante varios meses, Robertson pudo absorber las hábiles manipulaciones de Buchanan con su dial de velocidad de volumen, su tendencia a doblar múltiples cuerdas para un efecto similar al de la guitarra de acero , su rápido punteo de barrido y su pasión por doblar más allá de la raíz y las quintas notas durante los vuelos solistas". ^[28]

El baterista/cantante Levon Helm ya era miembro de los Hawks y pronto se hizo amigo cercano de Robertson. ^{[13] : 76} Los Hawks continuaron de gira por los Estados Unidos y Canadá, agregando a Rick Danko , Richard Manuel y Garth Hudson a la formación de los Hawks en 1961. ^[29]

Esta formación, que más tarde se convirtió en The Band , realizó giras con Hawkins durante 1962 y 1963. ^{[13] : 95, 100} También contrataron al saxofonista Jerry Penfound y más tarde a Bruce Bruno, quienes estuvieron con el grupo en su período intermedio como Levon and the Hawks. ^{[30] [31]}

Ronnie Hawkins and the Hawks grabaron sesiones para Roulette Records entre 1961 y 1963, en las que Robertson apareció en todas ellas. Las sesiones incluyeron tres sencillos: «Come Love» con «I Feel Good» (Roulette 4400, 1961); «Who Do You Love» con «Bo Diddley» (Roulette 4483, 1963); y «There's A Screw Loose» con «High Blood Pressure» (Roulette 4502, 1963). ^{[21] : 420  [32]}

Los Hawks dejaron a Ronnie Hawkins a principios de 1964 para emprender su propio camino. ^[33] Los miembros de los Hawks estaban perdiendo interés en tocar en el estilo rockabilly y favorecían el blues y la música soul. A principios de 1964, el grupo se acercó al agente Harold Kudlets para que los representara, lo que aceptó hacer, reservándoles un año de espectáculos en los mismos circuitos en los que habían estado antes con Ronnie Hawkins. Originalmente llamado The Levon Helm Sextet , el grupo incluía a todos los futuros miembros de The Band, además de Jerry Penfound en el saxofón y Bob Bruno en la voz. ^{[13] : 105–106}

Después de que Bruno se fuera en mayo de 1964, el grupo cambió su nombre a Levon and the Hawks. Penfound permaneció con el grupo hasta 1965. ^[30] Kudlets mantuvo al grupo ocupado actuando durante 1964 y 1965, finalmente contratándolos en dos largos compromisos de verano en el popular club nocturno Tony Mart's en Somers Point, Nueva Jersey , en The Shore. ^{[14] : 64–66, 68} Tocaron seis noches a la semana junto con Conway Twitty y otros artistas. ^[34]

Los miembros de Levon and the Hawks se hicieron amigos del artista de blues John P. Hammond mientras él actuaba en Toronto en 1964. ^{[21] : 84–85} Más tarde ese año, el grupo acordó trabajar en el álbum de Hammond So Many Roads (lanzado en 1965) al mismo tiempo que tocaban en el Peppermint Lounge en la ciudad de Nueva York. ^{[14] : 65} Robertson tocó la guitarra durante todo el álbum y fue anunciado como "Jaime R. Robertson" en los créditos del álbum. ^{[13] : 110}

Levon and the Hawks grabaron un sencillo "Uh Uh Uh" b/w "Leave Me Alone" bajo el nombre de Canadian Squires en marzo de 1965. Ambas canciones fueron escritas por Robertson. El sencillo fue grabado en Nueva York ^{[14] : 66} y lanzado en Apex Records en los Estados Unidos y en Ware Records en Canadá. ^{[35] : 95} Como Levon and the Hawks, el grupo grabó una sesión de tarde para Atco Records más tarde en 1965, ^{[21] : 81} que dio lugar a dos sencillos, "The Stones I Throw" b/w "He Don't Love You" (Atco 6383) y "Go, Go, Liza Jane" b/w "He Don't Love You" (Atco 6625). ^{[21] : 420} Robertson también escribió las tres pistas de los sencillos de Levon and the Hawks para Atco. ^{[35] : 95}

Hacia el final del segundo compromiso de Levon y los Hawks en Tony Mart's en Nueva Jersey, en agosto de 1965, Robertson recibió una llamada de Albert Grossman Management solicitando una reunión con el cantante Bob Dylan . ^{[35] : 21  [36]} El grupo había sido recomendado tanto a Grossman como a Dylan por Mary Martin, una de las empleadas de Grossman; ella era originaria de Toronto y era amiga de la banda. ^{[14] : 68–69  [37]} Dylan también estaba al tanto del grupo a través de su amigo John Hammond, ^{[14] : 69} en cuyo álbum So Many Roads habían actuado miembros de los Hawks.

Robertson aceptó reunirse con Dylan. Inicialmente, Dylan tenía la intención de contratar a Robertson como guitarrista para su grupo de acompañamiento. Robertson rechazó la oferta, pero aceptó tocar dos shows con Dylan, uno en el Forest Hills Tennis Stadium en Forest Hills, Nueva York el 28 de agosto, y otro en el Hollywood Bowl en Los Ángeles el 3 de septiembre. Robertson sugirió que usaran a Levon Helm en la batería para los shows. ^{[38] : 5}

Robertson y Helm actuaron en la banda de acompañamiento de Dylan, junto con Harvey Brooks y Al Kooper en ambos shows. El primero en Forest Hills recibió una respuesta predominantemente hostil, pero el segundo en Los Ángeles fue recibido un poco más favorablemente. ^{[14] : 70} Dylan voló a Toronto y ensayó con Levon and the Hawks del 15 al 17 de septiembre, ya que Levon and the Hawks terminó un compromiso allí, y contrató a la banda completa para su próxima gira. ^{[21] : 96–99}

Bob Dylan and the Hawks realizó una gira por los Estados Unidos entre octubre y diciembre de 1965, ^{[39] : 8–9} y cada espectáculo consistió en dos sets: un espectáculo acústico con Dylan solo en guitarra y armónica, y un set eléctrico con Dylan respaldado por los Hawks. Las giras se encontraron en gran medida con una reacción hostil de los fanáticos que conocían a Dylan como una figura prominente en el resurgimiento de la música folk estadounidense y pensaron que su paso a la música rock era una traición. Helm dejó el grupo después de su actuación del 28 de noviembre en Washington, DC. El baterista de sesión Bobby Gregg reemplazó a Helm para las fechas de diciembre, y Sandy Konikoff fue contratado para reemplazar a Gregg en enero de 1966. ^{[21] : 105, 109}

Dylan and the Hawks tocaron más fechas en los Estados Unidos continentales desde febrero hasta marzo de 1966 de la gira mundial de Bob Dylan de 1966. Del 9 de abril al 27 de mayo, tocaron en Hawái, Australia, Europa, Reino Unido e Irlanda. El baterista Sandy Konikoff se fue después de las fechas del Pacífico Noroeste en marzo, ^{[14] : 74} y Mickey Jones lo reemplazó, quedándose con el grupo por el resto de la gira. Las etapas australiana y europea de la gira recibieron una respuesta particularmente dura de los fanáticos del folk descontentos. El espectáculo del 17 de mayo en el Manchester Free Trade Hall es más conocido por un miembro enojado de la audiencia que grita audiblemente "¡Judas!" a Dylan; se convirtió en un espectáculo en vivo pirateado con frecuencia de la gira, ^{[40] : 73–76} pero finalmente se lanzó oficialmente como The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The "Royal Albert Hall" Concert . ^{[41] : 4}

La parte europea de la gira fue filmada por el documentalista DA Pennebaker , pero la finalización de una película planificada se retrasó. Después de recuperarse de un accidente, Dylan decidió editarla él mismo. ^[41] La cadena de televisión ABC la rechazó, ^[42] y nunca se estrenó comercialmente. Se proyectó como Eat the Document en 1972 en el Museo Whitney de Nueva York. ^{[43] [44]}

El 30 de noviembre de 1965, Dylan grabó una sesión de estudio con miembros de los Hawks, ^[45] que dio como resultado el sencillo no incluido en el LP "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan completó el álbum Blonde on Blonde en Nashville a mediados de febrero de 1966, contratando a Robertson para una de estas sesiones, que tuvo lugar el 14 de febrero. ^[46]

El 29 de julio de 1966, Dylan sufrió una lesión en el cuello debido a un accidente de motocicleta y se retiró a una vida doméstica tranquila con su nueva esposa y su hijo en el norte del estado de Nueva York. ^{[47] : 216–219} Algunos de los miembros de los Hawks vivían en el Hotel Chelsea en la ciudad de Nueva York en ese momento, ^{[47] : 220} y la gerencia de Dylan los mantenía con un anticipo semanal. ^[37]

En febrero de 1967, Dylan invitó a los miembros de los Hawks a ir a Woodstock, Nueva York, para trabajar en la música. ^[37] Robertson había conocido a una mujer francocanadiense en la escala de París de la gira mundial de Dylan de 1966, ^[48] y los dos se mudaron a una casa en el área de Woodstock. ^{[21] : 135} Los tres miembros restantes de los Hawks alquilaron una casa cerca de West Saugerties, Nueva York ; más tarde se la denominó " Big Pink " debido a su exterior rosa. ^{[47] : 220–221}

Dylan y los miembros de los Hawks trabajaron juntos en la casa de Big Pink todos los días para ensayar y generar ideas para nuevas canciones, muchas de las cuales grabaron en el estudio improvisado en el sótano de Big Pink. ^{[21] : 137} Las grabaciones se realizaron entre finales de primavera y otoño de 1967. ^[49] El anterior miembro de los Hawks, Levon Helm, regresó al grupo en agosto de 1967. ^{[35] : 27} En ese momento, el estilo de guitarra de Robertson había evolucionado para apoyar más las canciones y menos dedicado a mostrar velocidad y virtuosismo. ^[28]

Con el tiempo, comenzaron a circular rumores sobre estas sesiones y, en 1968, el cofundador de la revista Rolling Stone, Jann Wenner, llamó la atención sobre estas pistas en un artículo titulado "La cinta del sótano de Dylan debería publicarse". ^{[49] [50]}

En 1969, un álbum pirata con una cubierta blanca simple compilado por dos miembros anónimos de la industria musical presentó una colección de siete pistas de estas sesiones. El álbum, que se conoció como The Great White Wonder , comenzó a aparecer en tiendas de discos independientes y a recibir difusión radial. Este álbum se convirtió en un éxito rotundo ^{[40] : 42–46} y ayudó a lanzar la industria de la grabación pirata . ^[51]

En 1975, Robertson produjo una recopilación oficial, The Basement Tapes , que incluía una selección de temas de las sesiones. En 2014 se publicó una colección exhaustiva de las 138 grabaciones existentes con el título The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete . ^[49]

A finales de 1967, Dylan se fue a grabar su siguiente álbum, John Wesley Harding (1967). Después de grabar las pistas básicas, Dylan le preguntó a Robertson y Garth Hudson si podían tocar en el álbum para completar el sonido. A Robertson le gustó la austeridad del sonido y recomendó a Dylan que dejara las pistas como estaban. ^{[21] : 147–48} Dylan trabajó con los Hawks nuevamente cuando fueron su banda de respaldo para dos conciertos en memoria de Woody Guthrie en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en enero de 1968. ^{[35] : 29} Tres de estas interpretaciones fueron publicadas más tarde por Columbia Records en el LP A Tribute to Woody Guthrie, Vol. 1 (1972). ^[52]

Durante el período de "Basement Tapes", el grupo había desarrollado un sonido propio, y Grossman fue a Los Ángeles para vender el grupo a un sello importante, asegurando un contrato con Capitol Records . ^{[35] : 22, 28} El grupo fue a Nueva York para comenzar a grabar canciones con el productor musical John Simon . Capitol llevó al grupo a Los Ángeles para terminar el álbum. ^[53] El álbum resultante, Music From Big Pink , ^[54] fue lanzado en agosto de 1968. ^[55]

Robertson escribió cuatro de las canciones de Music From Big Pink , incluyendo «The Weight», «Chest Fever», «Caledonia Mission» y «To Kingdom Come». Aparece en los créditos de composición como «JR Robertson». Cantó como vocalista principal en la canción «To Kingdom Come»; no cantó en otra canción de The Band lanzada al público hasta «Knockin' Lost John» en Islands de 1977. ^{[21] : 158  [53]} Dos de las composiciones de Robertson para el álbum, « The Weight » y « Chest Fever », se convirtieron en piedras de toque importantes en la carrera del grupo. «The Weight» estuvo influenciada por las películas del director Luis Buñuel , en particular Nazarín (1959) y Viridiana (1961), y refleja el tema recurrente en las películas de Buñuel sobre la imposibilidad de la santidad. La canción retrata a un individuo que intenta realizar una peregrinación santa y se ve envuelto en peticiones de otras personas para que le hagan favores en el camino. La mención de "Nazaret" al principio de la canción se refiere a Nazaret, Pensilvania , donde se encuentra el fabricante de guitarras CF Martin & Company ; se inspiró en Robertson al ver la palabra "Nazaret" en el agujero de su guitarra Martin. ^{[1] : 20} Aunque "The Weight" alcanzó el puesto n.° 21 en las listas de radio británicas, ^[56] no le fue tan bien en las listas estadounidenses, estancándose inicialmente en el puesto n.° 63.

La canción ganó popularidad después de versiones más exitosas de Jackie DeShannon (n.° 55 en EE. UU., 1968), Aretha Franklin (n.° 19 en EE. UU., 1969) y The Supremes con The Temptations (n.° 46 en EE. UU., 1969), y la inclusión de la canción en la película Easy Rider (1969), que se convirtió en un éxito rotundo. Desde entonces, "The Weight" se ha convertido en la canción más conocida de The Band. Ha sido versionada por muchos artistas, apareció en docenas de películas y documentales y se ha convertido en un elemento básico de la música rock estadounidense. ^{[21] : 168–173  [35] : 32  [57] [58]}

Cuando se lanzó Music from Big Pink en 1968, la banda inicialmente evitó la atención de los medios y desalentó a Capitol Records de realizar esfuerzos promocionales. Tampoco buscaron inmediatamente una gira para promocionar el álbum y se negaron a ser entrevistados durante un año. ^{[35] : 38} El misterio resultante en torno al grupo provocó especulaciones en la prensa underground. ^[53] Music from Big Pink recibió excelentes críticas y el álbum influyó en muchos músicos conocidos de la época. ^{[ cita requerida ]}

A principios de 1969, la banda alquiló una casa de Sammy Davis Jr. en Hollywood Hills y convirtió la casa de la piscina detrás de ella en un estudio para recrear la atmósfera de "casa club" que habían disfrutado anteriormente en Big Pink. La banda comenzó a grabar todos los días en el estudio de la casa de la piscina, trabajando en un cronograma ajustado para completar el álbum. ^{[21] : 176–178} Se grabaron tres pistas adicionales en The Hit Factory en Nueva York en abril de 1969. ^[54] Robertson hizo la mayor parte de la ingeniería de audio del álbum. ^{[35] : 41}

La banda comenzó a actuar regularmente en la primavera de 1969, y sus primeras fechas en vivo como banda tuvieron lugar en el Winterland Ballroom en San Francisco. ^[59] Sus actuaciones más notables ese año fueron en el Festival de Woodstock de 1969 y en el Festival de la Isla de Wight del Reino Unido con Bob Dylan en agosto. ^{[21] : 201–245}

El álbum The Band de The Band fue lanzado en septiembre de 1969 y se convirtió en un éxito crítico y comercial. El álbum recibió elogios de la crítica casi universal, alcanzó el puesto número 9 en las listas de éxitos pop de EE. UU. y se mantuvo en el Top 40 durante 24 semanas. ^{[60] : 25} The Band funciona como un álbum conceptual suelto de temas estadounidenses , ^[61] y fue fundamental en la creación del género musical estadounidense. ^[54] Fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso en 2009. ^[62] La canción de este álbum que tuvo la mayor influencia cultural fue " The Night They Drove Old Dixie Down ". La canción explora la vida de un hombre confederado después de la derrota del Sur tras la Guerra Civil estadounidense . Incorpora eventos históricos para crear un mito estadounidense más grande. Aunque la versión original de The Band solo se lanzó como el lado B del sencillo " Up on Cripple Creek ", una versión de Joan Baez llegó al puesto número 3 en las listas en 1971 y ayudó a popularizar la canción. ^{[21] : 192–193  [63]}

Varias otras canciones de The Band recibieron una importante difusión en la radio y se convirtieron en temas básicos en las apariciones en concierto del grupo. " Up on Cripple Creek " alcanzó el puesto número 25 a fines de 1969 en los Estados Unidos y fue su único éxito Top 30 allí. ^[64] " Rag Mama Rag " alcanzó el puesto número 16 en el Reino Unido en abril de 1970, la posición más alta en las listas de cualquier sencillo del grupo en ese país. ^[56] "Whispering Pines" , coescrita por Richard Manuel, fue lanzada como sencillo en Francia en 1970, ^[65] y luego fue el título de un libro de 2009 sobre las contribuciones canadienses al género musical americana de Jason Schneider. ^[14] El 2 de noviembre de 1969, The Band apareció en el Ed Sullivan Show , una de las dos únicas apariciones televisivas que hicieron. ^{[35] : 45}

El 12 de enero de 1970, la banda apareció en la portada de la revista Time . ^[66] Esta fue la primera vez que una banda de rock norteamericana apareció en la portada de la revista. ^[67] La ​​banda alquiló The Woodstock Playhouse en Woodstock, Nueva York con la intención de grabar un nuevo álbum en vivo allí, pero el ayuntamiento votó en contra, por lo que grabaron en el lugar, pero sin público. Robertson manejó la mayoría de las tareas de composición como antes. ^{[21] : 235–236} Robertson trajo a Todd Rundgren para que fuera el ingeniero del álbum que se grabó en dos semanas. ^[68] Estas sesiones se convirtieron en su tercer álbum, Stage Fright , que se convirtió en el álbum de la banda con mayor éxito en las listas, alcanzando el puesto número 5 el 5 de septiembre y permaneciendo en el Billboard Top 40 durante 14 semanas. ^{[60] : 25}

El siguiente álbum de The Band, Cahoots , fue grabado en los recién construidos Bearsville Studios de Albert Grossman y fue lanzado en octubre de 1971. El álbum recibió críticas mixtas y alcanzó el puesto número 24 en las listas de Billboard, ^{[35] : 54–58} permaneciendo en el Billboard Top 40 solo durante cinco semanas. ^{[60] : 25} Cahoots es notable por su versión de " When I Paint My Masterpiece " de Bob Dylan , así como por incluir la favorita de los conciertos " Life Is a Carnival ". La inclusión de "When I Paint My Masterpiece" se produjo cuando Dylan pasó por la casa de Robertson durante la grabación de Cahoots y Robertson le preguntó si podría tener alguna canción para contribuir. Eso llevó a Dylan a tocar una versión inacabada de "When I Paint My Masterpiece" para él. Dylan pronto completó la canción y The Band la grabó para el álbum. "Life Is a Carnival" presenta partes de trompeta escritas por el productor y arreglista Allen Toussaint . Fue la única canción de Cahoots que la Band mantuvo en su lista de canciones hasta el concierto y la película The Last Waltz . ^{[35] : 54–55}

La banda continuó de gira durante 1970 y 1971. ^[59] Un álbum en vivo grabado en una serie de espectáculos en la Academia de Música de la ciudad de Nueva York entre el 28 y el 31 de diciembre de 1971, ^[59] fue lanzado en 1972 como el álbum doble Rock Of Ages . ^[69] Rock of Ages alcanzó el puesto número 6 y permaneció en el Top 40 durante 14 semanas. ^{[60] : 25}

Después de los shows de la Academy of Music, la banda se retiró nuevamente de las presentaciones en vivo. Regresaron al escenario el 28 de julio de 1973, ^[59] para tocar en el Summer Jam en Watkins Glen junto a Allman Brothers Band y Grateful Dead . Capitol Records lanzó una grabación de la actuación de la banda como el álbum Live at Watkins Glen en 1995. ^[70] Con más de 600,000 personas presentes, ^[71] el festival estableció un récord de "Asistencia al Festival Pop" en el Libro Guinness de los Récords Mundiales . El récord se publicó por primera vez en la edición de 1976 del libro. ^[72] En octubre de 1973, la banda lanzó un álbum de versiones titulado Moondog Matinee , ^{[35] : 69  [69]} que alcanzó el puesto número 28 en las listas de Billboard. ^{[60] : 25} En la época de la grabación de Moondog Matinee , Robertson comenzó a trabajar en un ambicioso proyecto titulado Works que nunca fue terminado ni lanzado. Una letra del proyecto Works , "Lay a flower in the snow", fue utilizada en la canción de Robertson " Fallen Angel ", que apareció en su álbum solista homónimo de 1987. ^[69]

En febrero de 1973, ^{[73] : 2} Bob Dylan se mudó de Woodstock, Nueva York a Malibú, California . ^{[74] [75]} Casualmente, Robertson se mudó a Malibú en el verano de 1973, y en octubre de ese año el resto de los miembros de la banda habían seguido su ejemplo, mudándose a propiedades cerca de Zuma Beach . ^{[ cita requerida ]}

David Geffen había fichado a Dylan para Asylum Records y había trabajado con el promotor Bill Graham en el concepto que se convertiría en la gira Bob Dylan and the Band 1974. Era su primera gira en más de siete años. ^{[ cita requerida ]}

Mientras tanto, Bill Graham publicó un anuncio de página completa para la gira de Bob Dylan and the Band en The New York Times . La respuesta fue una de las más grandes en la historia del entretenimiento hasta ese momento, con entre 5 y 6 millones de solicitudes de entradas enviadas por correo para 650.000 asientos. La oficina de Graham terminó vendiendo entradas en una lotería, y Dylan and the Band obtuvo 2 millones de dólares por el acuerdo. ^{[14] : 298  [21] : 284–286  [35] : 70}

Entre los ensayos y preparativos, la banda entró al estudio con Bob Dylan para grabar un nuevo álbum para Asylum Records, Planet Waves (1974). Las sesiones se llevaron a cabo en Village Recorder en West Los Angeles, California , del 2 al 14 de noviembre de 1973. ^[76] Planet Waves fue lanzado el 9 de febrero de 1974. El álbum fue el número uno en las listas de álbumes de Billboard durante cuatro semanas y pasó 12 semanas en total en el Billboard Top 40. ^{[60] : 25} Planet Waves fue el primer álbum número uno de Bob Dylan, ^[77] y la primera y única vez que Bob Dylan y la banda grabaron un álbum de estudio juntos. ^{[21] : 287}

La gira de 1974 comenzó en el Chicago Stadium el 3 de enero de 1974 y terminó en The Forum en Inglewood, California, el 14 de febrero. ^[78] Los shows comenzaron con más canciones del nuevo álbum Planet Waves y con covers que le gustaban a Dylan and the Band, pero a medida que avanzaba la gira, pasaron a tocar material más antiguo y familiar, manteniendo solo " Forever Young " del álbum Planet Waves en la lista de canciones. ^[79] Dylan and the Band tocaron varias pistas del controvertido World Tour 1965-1966, esta vez con una respuesta tremendamente entusiasta de la audiencia donde había habido reacciones mixtas y abucheos nueve años antes. ^{[21] : 291}

Los últimos tres shows de la gira en The Forum en Inglewood, California, fueron grabados y reunidos en el álbum doble Before the Flood . ^[78] Acreditado a "Bob Dylan/The Band", Before the Flood fue lanzado por Asylum Records el 20 de julio de 1974. El álbum debutó en el puesto número 3 de las listas de Billboard y pasó diez semanas en el Top Forty. ^{[60] : 26}

Después de la gira de reunión de 1974 con Bob Dylan, el mánager de rock Elliot Roberts contrató a The Band con los recientemente reunidos Crosby, Stills, Nash y Young . ^[59] El 4 de septiembre, ambos artistas tocaron en el Estadio de Wembley en Londres , apareciendo con Jesse Colin Young y Joni Mitchell . ^{[21] : 308–310  [80]}

Después de mudarse a Malibú en 1973, Robertson y la banda descubrieron un rancho en Malibú cerca de Zuma Beach llamado "Shangri-La", y decidieron arrendar la propiedad. La casa principal de la propiedad había sido construida originalmente por la actriz de Horizontes perdidos (1937) Margo Albert , ^[81] y el rancho había sido el sitio de filmación y establos para el programa de televisión Mister Ed en la década de 1960. Mientras tanto, la casa había servido como un burdel de clase alta. ^[82]

El lanzamiento del álbum The Basement Tapes , acreditado a Bob Dylan and the Band, fue la primera producción de un álbum que se llevó a cabo en el nuevo estudio. El álbum, producido por Robertson, presentó una selección de cintas de las sesiones originales de Basement Tapes de 1967 con Dylan, así como demos de pistas que finalmente se grabaron para el álbum Music From Big Pink . Robertson limpió las pistas y el álbum se lanzó en julio de 1975. ^{[14] : 298  [21] : 311–13}

Shangri-La Studios resultó ser un regreso a la atmósfera de club que la banda había disfrutado anteriormente en Big Pink, y en la primavera de 1975, el grupo comenzó a trabajar en Northern Lights – Southern Cross , su primer lanzamiento de material original en cuatro años. ^{[ cita requerida ]} Una de las pistas más conocidas del álbum es " Acadian Driftwood ", la primera canción con material específicamente canadiense. Robertson se inspiró para escribir "Acadian Driftwood" después de ver el documental L'Acadie, l'Acadie (1971) en la televisión canadiense mientras estaba en Montreal. ^{[ 14 ] : 298–299  [ 35 ] : 77–79} Otras dos pistas notables de ese álbum son "It Makes No Difference" y "Ophelia". ^{[ cita requerida ]}

Northern Lights – Southern Cross fue lanzado el 1 de noviembre de 1975. El álbum recibió críticas generalmente positivas, ^{[14] : 300} y alcanzó el puesto número 26 en las listas de Billboard, permaneciendo en el Top 40 durante cinco semanas. ^{[60] : 26  [83]}

La banda comenzó a hacer giras nuevamente en junio de 1976, actuando durante todo el verano. ^[59] Los miembros de la banda se estaban separando para trabajar en otros proyectos, con Levon Helm construyendo un estudio en Woodstock y Rick Danko habiendo sido contratado por Arista Records como artista solista. ^[84] Mientras estaba en la gira de verano, el miembro Richard Manuel se lesionó gravemente el cuello en un accidente de navegación, por lo que se cancelaron diez fechas. ^{[14] : 300–01  [21] : 324–5} Durante este tiempo, Robertson sugirió que la banda dejara de hacer giras. Dijo que acordaron un espectáculo de "gran final", separarse para trabajar en sus diversos proyectos y luego reagruparse. ^{[35] : 82  [85] [86]} Helm más tarde argumentó en su autobiografía, This Wheel's on Fire , que Robertson había obligado a la separación de la banda al resto del grupo. ^[87]

El promotor de conciertos Bill Graham contrató a la banda en el Winterland Ballroom el Día de Acción de Gracias de Estados Unidos , el 25 de noviembre de 1976. The Last Waltz fue un evento de gala, con precios de entradas de $25 por persona. Incluyó una cena de Acción de Gracias servida al público y contó con la banda tocando con varios invitados musicales. ^[84] La lista de invitados en el escenario incluía a Ronnie Hawkins , Muddy Waters , Paul Butterfield , Dr. John , Bob Dylan , Eric Clapton , Van Morrison , Neil Diamond , Joni Mitchell , Neil Young , Emmylou Harris y otros. ^[88]

Robertson quería documentar el evento en película y se acercó al director Martin Scorsese para ver si estaba interesado en filmar el concierto. ^{[89] [90] [91] : 73–74} Desarrollaron un guion de 200 páginas para el espectáculo, enumerando en columnas las letras de las canciones, quién cantaba qué parte y qué instrumentos se utilizaban. Incluía columnas para el trabajo de cámara e iluminación. ^[90]

Scorsese trajo a camarógrafos estrella como Michael Chapman , László Kovács y Vilmos Zsigmond para filmar el espectáculo en 35 mm. ^{[89] [90]} John Simon , productor de los dos primeros álbumes de The Band, fue contratado para coordinar los ensayos y trabajar como director musical. ^[92] Boris Leven fue contratado como director de arte. Jonathan Taplin asumió el papel de productor ejecutivo y Robertson trabajó como productor de la película. ^{[21] : 336} Los ensayos para el concierto The Last Waltz comenzaron a principios de noviembre. El presidente de Warner Bros. Records, Mo Ostin, ofreció financiar su filmación a cambio del derecho a lanzar su música en un álbum. The Band estaba obligado contractualmente a proporcionar a Capitol Records un álbum más antes de que pudieran ser liberados para trabajar con Warner Bros. Entonces, entre ensayos, trabajaron en el álbum de estudio Islands para Capitol. Robertson escribió o coescribió ocho de las diez pistas. Una de las canciones, "Knockin' Lost John", cuenta con la voz de Robertson y fue la primera canción de The Band que Robertson cantó desde "To Kingdom Come" de Music From Big Pink . "Christmas Must Be Tonight" se inspiró en el nacimiento del hijo de Robertson, Sebastian , en julio de 1974. ^{[21] : 336–8  [35] : 82}

Aproximadamente 5000 personas asistieron al concierto. ^[93] El evento comenzó a las 5 p. m., comenzando con los miembros de la audiencia a quienes se les sirvió una cena tradicional completa de Acción de Gracias en mesas iluminadas con velas, con una mesa vegetariana que sirvió un menú alternativo como opción. La Berkeley Promenade Orchestra tocó música de vals para bailar después. Las mesas se limpiaron y se movieron a las 8 p. m. A las 9 p. m., la banda tocó canciones durante una hora, comenzando con "Up On Cripple Creek". Justo después de las 10 p. m., Robertson presentó a Ronnie Hawkins , el primer invitado en el escenario, con una sucesión de estrellas invitadas que aparecieron con el grupo hasta poco después de la medianoche.

El grupo se tomó un descanso de 30 minutos, durante el cual varios poetas del Área de la Bahía , entre ellos Lawrence Ferlinghetti , ^[94] Diane di Prima , ^[95] y Michael McClure ^[96] realizaron lecturas de sus poemas. Después del descanso, la banda regresó al escenario, interpretando, entre otras canciones, una nueva composición titulada "The Last Waltz Theme" que Robertson acababa de completar menos de 48 horas antes. Bob Dylan fue traído al final de este segundo set, interpretando varias canciones, y finalmente se unió a las otras estrellas invitadas para una actuación final de " I Shall Be Released ". Esto fue seguido por dos sesiones de improvisación con estrellas, después de las cuales la banda regresó al escenario para cerrar el espectáculo con una canción más, su interpretación de " Baby Don't You Do It ". ^{[21] : 351  [85]}

Después de que el concierto The Last Waltz ^{terminara, el director Martin Scorsese tenía 400 carretes de material en bruto con los que trabajar, [93]} y comenzó a editar el metraje. Luego, la película se vendió a United Artists . Mientras tanto, Robertson y Scorsese continuaron pensando en más ideas para la película. En abril de 1977, la cantante de country Emmylou Harris y el grupo vocal gospel Staples Singers fueron filmados en un estudio de sonido en MGM tocando con The Band. Emmylou Harris actuó en "Evangeline", una nueva canción escrita por Robertson, y los Staples Singers actuaron en una nueva grabación de "The Weight", que ya grabaron en 1968. ^{[21] : 352–53  [35] : 85–87  [91] : 73–74} La siguiente idea de Scorsese fue intercalar el metraje del concierto con entrevistas a The Band que contaran su historia. Scorsese realizó las entrevistas. ^{[ cita requerida ] El} álbum The Last Waltz fue lanzado por Warner Brothers Records el 7 de abril de 1978, como un conjunto de 3 LP. ^[97] Los primeros cinco lados presentan actuaciones en vivo del concierto, y el último lado contiene grabaciones de estudio de las sesiones de sonido en el escenario de MGM, incluida Out Of The Blue , que se lanzaría como sencillo y que es la tercera y última canción de Band en la que Robbie canta como líder. ^[98] El álbum alcanzó el puesto número 16 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante 8 semanas. ^{[60] : 26}

El último vals se estrenó en los cines el 26 de abril de 1978. ^[99] La película tuvo un buen desempeño tanto entre los críticos de rock como de cine. Robertson y Scorsese hicieron apariciones en Estados Unidos y Europa para promocionar la película. ^{[21] : 361} Con el tiempo, El último vals ha sido elogiado por muchos como un importante y pionero documental de rock . Su influencia se ha sentido en películas de música rock posteriores, como Stop Making Sense (1984) de Talking Heads y Rattle and Hum (1988) de U2 . ^[100]

En su reseña mixta, Roger Ebert escribió: "En El último vals , tenemos músicos que parecen tener mala memoria. Que están aguantando. La dirección de Scorsese se limita principalmente a primeros planos y planos medios de las actuaciones; ignora a la audiencia. La película se hizo al final de un período difícil en su propia vida, y en un momento particularmente duro (la filmación coincidió con su trabajo en Nueva York, Nueva York ). Este no es un registro de hombres serenos, llenos de nostalgia, felices de estar entre amigos". ^[101]

Robertson produjo el álbum debut homónimo de Jesse Winchester , que fue lanzado en 1970 en Ampex Records. ^[102] El álbum presenta a Robertson tocando la guitarra a lo largo del álbum, y también le atribuye la canción "Snow". ^[103]

Robertson tocó la guitarra en el tercer álbum en solitario del ex Beatle Ringo Starr , Ringo (1973), tocando con cuatro quintas partes de la banda en la canción "Sunshine Life For Me (Sail Away Raymond)". ^{[104] [105]} Robertson contribuyó con un solo de guitarra en la canción "Snookeroo" en el cuarto álbum de Starr, Goodnight Vienna (1974). ^[106]

Robertson tocó la guitarra para Joni Mitchell en la canción " Raised on Robbery ", que fue lanzada en su álbum Court and Spark . En 1974, Robertson también tocó la guitarra en la versión de Carly Simon de " Mockingbird ", en la que Simon cantaba con su entonces esposo James Taylor . ^[107]

En 1975, Robertson produjo y tocó la guitarra en el álbum debut del cantante y guitarrista Hirth Martinez, Hirth From Earth . Bob Dylan había escuchado a Martinez y se lo recomendó a Robertson. Robertson se identificó profundamente con la música de Martinez, lo ayudó a conseguir un contrato de grabación con Warner Bros. Records y aceptó producir el álbum debut de Martinez. También tocó la guitarra en el siguiente álbum de Martinez, Big Bright Street (1977). ^{[21] : 321–322  [108] [109] [110]}

En 1975, Eric Clapton grabó el álbum No Reason to Cry en los estudios Shangri-La de la banda con la ayuda de miembros de la banda. ^{[21] : 326} Robertson tocó la guitarra principal en la canción "Sign Language". ^[111]

A mediados de la década de 1970, Robertson se conectó con el cantante Neil Diamond, y los dos comenzaron a colaborar en un álbum conceptual sobre la vida y las luchas de un compositor de Tin Pan Alley . El álbum resultante, titulado Beautiful Noise , se grabó en Shangri-La Studios a principios de 1976. Alcanzó el puesto número 6 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante dieciséis semanas. Robertson produjo el álbum, coescribió la canción "Dry Your Eyes" con Diamond y tocó la guitarra en "Dry Your Eyes", "Lady-Oh" y "Jungletime". Produjo el álbum doble en vivo de Diamond Love at the Greek (1977), que se grabó en 1976 en el Greek Theatre de Los Ángeles. Love at the Greek alcanzó el puesto número 8 en las listas de Billboard y permaneció en el Top 40 durante nueve semanas. ^{[21] : 321–322  [60] : 89  [112]}

En 1977, Robertson colaboró ​​en dos proyectos de álbumes de ex alumnos de la banda. Robertson tocó la guitarra en "Java Blues" en el álbum debut homónimo de Rick Danko , y también tocó la guitarra en "Sing, Sing, Sing" escrita por Earl King en el álbum Levon Helm & the RCO All-Stars . ^{[13] : 273  [113]}

También en 1977, Robertson contribuyó al segundo álbum homónimo de la cantautora Libby Titus , quien era la ex novia de Levon Helm. ^{[13] : 213, 279–280} Robertson produjo la canción "The Night You Took Me To Barbados In My Dreams" (coescrita por Titus y Hirth Martinez), y produjo y tocó la guitarra en el estándar de Cole Porter " Miss Otis Regrets ". ^[114]

Después del estreno de El último vals , MGM/UA, que estrenó la película, vio a Robertson como un potencial actor de cine y le proporcionó una oficina en el estudio de MGM. ^{[48] [115]} Durante este tiempo, el agente de Martin Scorsese, Harry Ulfand, contactó a Robertson sobre la idea de producir una película dramática sobre carnavales ambulantes , por la que Robertson se sintió atraído debido a sus experiencias de infancia trabajando en carnavales. El guion de la película Carny fue dirigido por el documentalista Robert Kaylor . ^[116]

Aunque Robertson inicialmente solo estaba destinado a ser el productor de Carny , terminó convirtiéndose en el tercer actor principal de la película, interpretando el papel de Patch, el hombre de los parches. Gary Busey interpretó a "Frankie", el payaso del carnaval y el mejor amigo de Patch. Jodie Foster fue seleccionada para interpretar el papel de Donna, una chica de pueblo que se escapa para unirse al carnaval y amenaza con interponerse entre los dos amigos. La película eligió a feriantes de la vida real junto con actores de cine profesionales, lo que creó una atmósfera difícil en el set. ^{[20] [117]} Carny se estrenó en cines el 13 de junio de 1980. ^[118] También en 1980, Warner Bros lanzó un álbum de banda sonora para Carny , que está co-acreditado a Robertson y al compositor Alex North , quien escribió la banda sonora orquestal de la película. La banda sonora fue reeditada en disco compacto por Real Gone Music en 2015. ^[20]

Después de que se completó la producción de Carny , Robertson voló a Nueva York para ayudar a Martin Scorsese en la música de la película Toro salvaje (1980). ^[20] Robertson y Scorsese continuaron teniendo una larga relación de trabajo. El primero encontró o creó música para subrayar las películas del segundo. Toro salvaje fue la primera, y Robertson atribuyó su trabajo en ella por despertar su interés en buscar y subrayar música de películas. ^{[119] [120]} Robertson proporcionó tres pistas instrumentales de jazz recién grabadas para la música de origen, que también produjo. Estas tres pistas presentan a Robertson tocando la guitarra, junto con las actuaciones de los ex alumnos de la banda Garth Hudson y Richard Manuel. Una de las pistas, "Webster Hall", está coescrita por Robertson y Garth Hudson. ^[121] Robertson también trabajó con Scorsese en la selección de la música del tema de apertura de la película, eligiendo el intermezzo de Cavalleria Rusticana del compositor de ópera italiano Pietro Mascagni . ^[119] La banda sonora fue finalmente lanzada por Capitol Records en 2005 como un conjunto de 2 CD con 37 pistas. ^[121]

Robertson trabajó con Scorsese nuevamente en su siguiente película, The King of Comedy (1983), y aparece acreditado en los créditos iniciales de la película por "Producción musical". ^[122] Robertson contribuyó con una canción original, "Between Trains", a la banda sonora de la película. La canción fue escrita en homenaje a "Cowboy" Dan Johnson, un asistente de Scorsese que había fallecido recientemente. ^{[21] : 379} Robertson produjo la canción, cantó la voz principal y tocó la guitarra y los teclados; los ex alumnos de The Band Garth Hudson y Richard Manuel también aparecieron en la canción. Warner Bros. lanzó un álbum de la banda sonora de la película en 1983. ^{[ cita requerida ]}

En junio de 1986, Robertson comenzó a trabajar con Scorsese en su siguiente película, The Color of Money . ^[123] Además de buscar música para la película, Robertson también compuso la banda sonora de la película; ^[124] fue la primera vez que Robertson escribió una banda sonora dramática para una película. ^[125] Robertson trajo al compositor de jazz canadiense Gil Evans para orquestar los arreglos. ^[126] La canción más conocida de la banda sonora de The Color of Money es " It's in the Way That You Use It " de Eric Clapton, que fue coescrita por Robertson. "It's in the Way That You Use It" alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Mainstream Rock Songs en enero de 1987. ^[127] Robertson produjo una canción para la película con el músico de blues Willie Dixon ^[128] titulada "Don't Tell Me Nothin'"; la pista de Dixon fue coescrita con Robertson. El álbum de la banda sonora de The Color of Money fue lanzado por MCA Records .

Robertson trabajó en las películas de Scorsese Casino y Gangs of New York , y proporcionó supervisión musical para Shutter Island , El lobo de Wall Street y Silencio . ^{[ cita requerida ]} Él compuso la banda sonora de El irlandés de 2019 y consultó con el supervisor musical Randall Poster sobre toda la banda sonora. ^{[129] Él compuso la banda sonora de} Killers of the Flower Moon de Scorsese poco antes de su muerte. ^{[130] [5]} La película está dedicada a Robertson. ^[6] Recibió una nominación póstuma al Premio de la Academia por su trabajo en la película. ^[7]

Robbie Robertson (1987)

Robertson comenzó a trabajar en su primer álbum en solitario, Robbie Robertson , en julio de 1986 después de firmar con Geffen Records . Robertson eligió a su compatriota canadiense Daniel Lanois para producir el álbum. Gran parte del álbum se grabó en The Village Recorder en West Los Angeles, California. Grabó en Bearsville Studios cerca de Woodstock, Nueva York, y también en Dublín, Irlanda , con U2, y en Bath, Inglaterra , con Peter Gabriel . Empleó a varios artistas invitados en el álbum, incluidos U2, Gabriel, The Bodeans y Maria McKee . ^{[123] [125]} Garth Hudson y Rick Danko también hicieron apariciones en el álbum. Robertson escribió una canción, "Fallen Angel", en honor a Richard Manuel, ^[125] después de su muerte en marzo de 1986. ^{[21] : 384} Lanzado el 26 de octubre de 1987, ^[131] Robbie Robertson alcanzó el puesto número 35 en el Billboard 200, permaneciendo en el top 40 durante tres semanas. ^{[60] : 260} El álbum llegó incluso más alto en el Reino Unido, llegando al puesto número 23 en la lista de álbumes del Reino Unido y permaneciendo en la lista durante 14 semanas. ^[132] Robbie Robertson recibió una aclamación crítica abrumadora en el momento de su lanzamiento, ^[133] siendo incluido en los diez mejores álbumes del año por varios críticos en el artículo de fin de año "The Critics' Choice" de la revista Billboard de 1987. [ ^134] El álbum fue el número 77 en la lista de Rolling Stone de 1989, "100 mejores álbumes de los años ochenta". ^[135]

Robertson tuvo su mayor éxito en el Reino Unido con " Somewhere Down the Crazy River ", que presenta sus versos hablados en contraste con el canto en los coros. ^[125] La canción alcanzó el puesto número 15 en la lista de éxitos del Reino Unido y permaneció en la lista durante 11 semanas. ^[132] El video de "Somewhere Down The Crazy River" fue dirigido por Martin Scorsese y presenta a Maria McKee en un papel actoral. ^[136] En los EE. UU., Robbie Robertson produjo varios éxitos en las listas de Billboard Mainstream Rock, con "Showdown At Big Sky" en el puesto más alto (n.º 2) y "Sweet Fire Of Love" en el segundo puesto (n.º 7). ^[137] El álbum fue nominado a un premio Grammy por "Mejor álbum de rock/vocal", ^[138] y fue certificado disco de oro en los Estados Unidos en 1991. ^[133] En Canadá, Robertson ganó Álbum del año, Mejor vocalista masculino del año y Productor del año en la ceremonia de los premios Juno en 1989. ^[139] En 1991, Rod Stewart grabó una versión de "Broken Arrow" para su álbum Vagabond Heart . ^[140] La versión de Stewart de la canción alcanzó el puesto número 20 en la lista Billboard 100 en los Estados Unidos ^[141] y el puesto número 2 en la lista Billboard Top Canadian Hit Singles en Canadá. ^[142] "Broken Arrow" también fue interpretada en vivo por Grateful Dead con Phil Lesh en la voz. ^[143]

Villa de cuentos (1991)

Storyville fue lanzado el 30 de septiembre de 1991. ^[144] Robertson se dirigió a Nueva Orleans para colaborar con algunos de los nativos de la ciudad como Aaron e Ivan Neville y la Rebirth Brass Band . Una vez más, Robertson trajo a los ex alumnos de la banda Garth Hudson y Rick Danko como colaboradores. ^[145] El álbum alcanzó el puesto 69 en la lista Billboard 200. ^[146] Storyville recibió numerosas críticas positivas, con Rolling Stone dándole 4 1/2 estrellas de 5, ^[147] y Los Angeles Times otorgándole 3 estrellas de 4. ^[148] Dos canciones del álbum, "What About Now" y "Go Back To Your Woods", se ubicaron en las listas Billboard Mainstream Rock en el puesto 15 y 32 respectivamente. ^[137] El álbum fue nominado a los premios Grammy en las categorías "Mejor interpretación vocal de rock (solista)" y "Mejor ingeniero". ^[138]

Robertson coprodujo la canción "The Best of Everything", que originalmente estaba destinada a la película The King of Comedy pero en cambio se incluyó en el álbum Southern Accents de Tom Petty and the Heartbreakers . ^[149] Robertson también trabajó en los arreglos de trompeta para la canción y trajo a los ex alumnos de Band Richard Manuel y Garth Hudson como invitados. ^{[150] [151]}

En 1986, Robertson apareció como invitado en el álbum Reconciled by the Call , tocando la guitarra en la canción "The Morning". ^[152]

También en 1986, Robertson fue contratado como consultor creativo para Hail! Hail! Rock 'n' Roll (1987), un largometraje en homenaje a Chuck Berry . ^[153] Robertson aparece ante la cámara, entrevistando a Chuck Berry y luego tocando la guitarra mientras Berry recita poesía. ^[154]

En 1988, Robertson colaboró ​​como compositora con la cantante principal de Lone Justice, Maria McKee . Una de las canciones que coescribieron, "Nobody's Child", fue lanzada en el álbum debut homónimo de McKee en 1989. ^{[155] [156]}

En 1989, Robertson grabó y produjo una nueva versión de "Christmas Must Be Tonight" de The Band para la banda sonora de Scrooged . En 1990, Robertson apareció como invitado en el álbum Beauty de Ryuichi Sakamoto , tocando la guitarra en la canción "Romance". También colaboró ​​en la producción del álbum y el video musical One World One Voice . ^{[ cita requerida ]}

En 1992, Robertson produjo la canción "Love in Time" para el álbum póstumo de Roy Orbison, King of Hearts . "Love In Time" era un demo básico que Orbison había grabado y que se creía perdido, pero que había sido redescubierto recientemente. Robertson se propuso aumentar la pista vocal básica de Orbison con nuevos arreglos e instrumentación, con la intención de que sonara como si los arreglos hubieran estado allí desde el principio en lugar de agregados posteriores. ^[157]

Música para los nativos americanos (1994)

En 1994, Robertson volvió a sus raíces, formando un grupo de las Primeras Naciones llamado Red Road Ensemble for Music for the Native Americans , una colección de canciones que acompañaron una serie documental de televisión producida por TBS . Al igual que sus canciones, "The Night They Drove Old Dixie Down" y "Acadian Driftwood", tocó temas históricos que se conectan con su vida y su familia. La Batalla de Wounded Knee y la casi extinción del bisonte se describen en la canción "Ghost Dance". ^[158] Ganó un premio Juno al Productor del Año. ^[139] El éxito internacional de "Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song)" inspiró un concierto en Agrigento , Italia. Encabezó el festival de músicos indígenas y partes aparecieron en un documental de PBS . ^{[ cita requerida ]}

Contacto desde el inframundo de Redboy (1998)

En Contact from the Underworld of Redboy , Robertson se apartó de su estilo de producción típico y se adentró en una mezcla de rock, música nativa y electrónica. Contrató los servicios de Howie B , DJ Premier y el productor Marius de Vries (Björk, Massive Attack). A través de las canciones del álbum, examinó de cerca las tradiciones nativas como la curación con peyote de la Iglesia Nativa Americana . ^[159] La canción de apertura del álbum, "The Sound Is Fading", muestra una grabación de un joven cantante nativo americano de la década de 1940 que Robertson obtuvo de la Biblioteca del Congreso , y la canción "Sacrifice" incluye partes de una entrevista desde la prisión con Leonard Peltier con un paisaje sonoro producido por Robertson y de Vries. El epíteto racial en el título del álbum proviene de una experiencia que tuvo Robertson cuando algunos acosadores se refirieron a él como "Red Boy" mientras jugaba con sus primos. ^{[ cita requerida ]} La revista Rolling Stone le dio al álbum 4 de 5 estrellas, ^[160] y Robertson recibió un premio Juno a la Mejor Grabación de Música Aborigen de Canadá. ^[139]

Cómo convertirse en clarividente (2011)

Lanzado el 5 de abril de 2011, How to Become Clairvoyant fue el quinto lanzamiento en solitario de Robertson. Surgió de sesiones de demostración improvisadas en Los Ángeles con Eric Clapton ^[161] y cuenta con él, Steve Winwood , Trent Reznor , Tom Morello , Robert Randolph , Rocco Deluca , Angela McCluskey y Taylor Goldsmith de Dawes . Robertson interpretó "He Don't Live Here No More" en Late Show with David Letterman y Later... with Jools Holland , luego "Straight Down The Line" con Robert Randolph and the Roots en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon . ^[162] How to Become Clairvoyant también se lanzó como una edición de lujo que contiene cinco pistas adicionales (cuatro demos y la pista exclusiva "Houdini", llamada así por el mago Harry Houdini ). Debutó en el n.º 13 en el Billboard 200, marcando el debut más alto y la posición más alta en las listas para su trabajo en solitario. Se asoció con el pintor y fotógrafo Richard Prince para producir una edición limitada para coleccionistas. Las cajas de 2500 LP venían con un libro de arte, un juego numerado de cinco litografías (incluidas piezas de Prince y el fotógrafo Anton Corbijn ), un juego de cartas de tarot originales, las pistas originales y diez bonificaciones. ^[163]

Sinemática (2019)

Lanzado el 20 de septiembre de 2019, Sinematic fue el sexto álbum en solitario de Robertson. Presenta a Van Morrison uniéndose a Robertson como sicarios en duelo en la canción "I Hear You Paint Houses", así como otras alusiones al mundo de las películas de Scorsese. Citizen Cope , Derek Trucks y Frédéric Yonnet hacen apariciones especiales en el álbum. ^[164]

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En Roma, encabezó el festival anual de conciertos del Día del Trabajo de 1995 con actuaciones de apoyo de Andrea Bocelli , Elvis Costello y Radiohead . ^{[ cita requerida ]}

En 1996, como productor ejecutivo de la banda sonora, Robertson escuchó una demo de « Change the World » y se la envió a Clapton como sugerencia para la banda sonora de Phenomenon , protagonizada por John Travolta . Babyface produjo la canción. Change the World ganó los premios Grammy de 1997 a la Canción del año y a la Grabación del año . En 1999, Robertson contribuyó con canciones para la película de Oliver Stone , Un domingo cualquiera . ^[165]

En 2000, David Geffen y Mo Ostin convencieron a Robertson para que se uniera a DreamWorks Records como ejecutivo creativo. Robertson, quien convenció a Nelly Furtado para que firmara con la compañía, participó activamente en proyectos cinematográficos y en el desarrollo de nuevos talentos artísticos, incluidos los fichajes de Ai , Boomkat , eastmountainsouth y Dana Glover . El 9 de febrero de 2002, Robertson interpretó "Stomp Dance (Unity)" como parte de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, Utah . En 2004, contribuyó con la canción "Shine Your Light" a la banda sonora de Ladder 49. ^{[ cita requerida ]}

En 2005, Robertson fue productor ejecutivo del box set definitivo para The Band, titulado A Musical History . En 2006, grabó con Jerry Lee Lewis la canción "Twilight", una composición de Robertson, para el álbum de Lewis Last Man Standing . ^{[ cita requerida ]} El 28 de julio de 2007, en el Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton en Bridgeview, Illinois , Robertson hizo una rara aparición en vivo. También en 2007, Robertson aceptó una invitación para participar en Goin' Home: A Tribute to Fats Domino ( Vanguard ). Con el grupo Galactic , Robertson contribuyó con una versión de "Goin' to the River" de Domino. ^{[ cita requerida ]}

El 24 de marzo de 1968, Robertson se casó con Dominique Bourgeois, una periodista canadiense. ^[166] Se divorciaron en noviembre de 1977. ^{[ cita requerida ]} Tuvieron tres hijos: dos hijas y un hijo, Sebastian . ^[167]

Robertson se casó con su novia de cuatro años, la empresaria canadiense, restauradora y jueza de Top Chef Canada Janet Zuccarini, el 12 de marzo de 2023, según compartió en su cuenta de Instagram . ^[168]

Robertson era miembro de la organización benéfica canadiense Artistas Contra el Racismo. ^[169]

Robertson murió en Los Ángeles el 9 de agosto de 2023, a la edad de 80 años, después de una batalla de un año contra el cáncer de próstata . Su representante, Jared Levine, informó que Robertson "estaba rodeado de su familia en el momento de su muerte", incluidas Janet Zuccarini y Dominique Robertson, y pidió donaciones a las Seis Naciones del Grand River en lugar de flores. ^{[170] [171]}

En noviembre de 2023, el director Martin Scorsese celebró un concierto homenaje a Robertson en Los Ángeles. Entre los invitados destacados que asistieron se encontraban Joni Mitchell , Leonardo DiCaprio y Lily Gladstone . ^{[172] [173]}

En mayo de 2024, los tres hijos adultos de Robertson demandaron a su esposa Janet Zuccarini, con acusaciones de abuso a ancianos y de que ella “se aprovechó del deterioro de la salud del músico para que firmara documentos que la favorecerían en caso de su muerte”. ^[174]

• Robbie Robertson (1987)
• Villa de cuentos (1991)
• Música para los nativos americanos (banda sonora) (1994)
• Contacto desde el inframundo de Redboy (1998)
• Cómo convertirse en clarividente (2011)
• Sinemática (2019)

En 1989, la banda fue incluida en el Salón de la Fama Juno de Canadá. En 1994, la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. ^[186] En 1997, Robertson recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Compositores . En la ceremonia de graduación de 2003 en la Queen's University en Kingston, Ontario , Robertson pronunció un discurso ante la clase de graduados y recibió un título honorífico de la universidad. En 2003, Robertson recibió el premio Indspire Aboriginal Lifetime Achievement Award. ^[187] En 2003, Robertson fue incluido en el Paseo de la Fama de Canadá . ^[188]

En 2005, Robertson recibió un doctorado honorario de la Universidad de York . ^[189] En 2006, recibió el Premio de Artes Escénicas del Gobernador General por Logros Artísticos de Toda una Vida, el honor más alto de Canadá en las artes escénicas. ^[190] En 2008, Robertson y la Banda recibieron el Premio Grammy a la Trayectoria. ^[186] En 2011, Robertson fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores Canadienses . ^[191] El 27 de mayo de 2011, Robertson fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá por el Gobernador General David Johnston . ^{[192] [193]} En 2014, la Banda fue incluida en el Paseo de la Fama de Canadá . ^[186]

El 14 de octubre de 2017, Robertson recibió el primer premio a la trayectoria de la comunidad de Six Nations. ^[194] En 2019, Robertson recibió una llave de la ciudad de Toronto por parte del alcalde John Tory durante una conferencia de prensa de TIFF para Once Were Brothers: Robbie Robertson and The Band , un documental sobre Robertson. ^{[195] [196]} En 2019, Robertson recibió el premio a la trayectoria en el Salón de la Fama de la Industria Musical Canadiense de la Semana de la Música Canadiense (CMW). ^[197]

Robertson fue coautor de Legends, Icons and Rebels: Music That Changed the World con su hijo, Sebastian Robertson , y sus colegas Jim Guerinot y Jared Levine. ^{[libro 1]} También escribió Hiawatha and the Peacemaker , ilustrado por David Shannon . ^{[libro 2]} Su autobiografía, Testimony , escrita a lo largo de cinco años, fue publicada por Crown Archetype en noviembre de 2016. ^{[libro 3]}

• Personalidades indígenas canadienses

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Robbie Robertson .

• Robbie Robertson en IMDb
• Discografía de Robbie Robertson en Discogs
• Artículo en thecanadianencyclopedia.ca
• Artículo en canadianbands.com
• Entrevista a Robbie Robertson en la Colección de Historia Oral del NAMM (2017)