Música clásica

La música clásica generalmente se refiere a la música artística del mundo occidental , considerada distinta de la música folclórica occidental o las tradiciones musicales populares . A veces se distingue como música clásica occidental , ya que el término "música clásica" también se puede aplicar a las músicas artísticas no occidentales . La música clásica a menudo se caracteriza por la formalidad y la complejidad en su forma musical y organización armónica , ^[1] particularmente con el uso de la polifonía . ^[2] Desde al menos el siglo IX ha sido principalmente una tradición escrita, ^[2] generando un sistema de notación sofisticado , así como literatura acompañante en prácticas analíticas , críticas , historiográficas , musicológicas y filosóficas . Un componente fundamental de la cultura occidental , la música clásica se ve con frecuencia desde la perspectiva de compositores individuales o grupos de compositores , cuyas composiciones, personalidades y creencias han dado forma fundamental a su historia.

Enraizada en el mecenazgo de las iglesias y cortes reales en Europa occidental , ^[1] la música medieval temprana que sobrevive es principalmente religiosa , monofónica y vocal, con la música de la antigua Grecia y Roma influyendo en su pensamiento y teoría. Los manuscritos musicales existentes más antiguos datan del Imperio carolingio (800-888), ^[3] alrededor de la época en la que el canto llano occidental se unificó gradualmente en lo que se denomina canto gregoriano . ^[4] Los centros musicales existían en la Abadía de Saint Gall , la Abadía de Saint Martial y la Abadía de Saint Emmeram , mientras que el siglo XI vio el desarrollo de la notación de pentagrama y el aumento de la producción de los teóricos de la música medieval . A mediados del siglo XII, Francia se convirtió en el principal centro musical europeo: ^[3] La escuela religiosa de Notre-Dame exploró por primera vez los ritmos organizados y la polifonía , mientras que la música secular floreció con las tradiciones de trovadores y trouvères lideradas por nobles poetas-músicos. ^[5] Esto culminó en el ars nova francés patrocinado por la corte y el Trecento italiano , que evolucionó en ars subtilior , un movimiento estilístico de extrema diversidad rítmica. ^[5] A principios del siglo XV, los compositores renacentistas de la influyente Escuela franco-flamenca se basaron en los principios armónicos del contenance angloise inglés , llevando la música coral a nuevos estándares, en particular la misa y el motete . ^[6] El norte de Italia pronto emergió como la región musical central, donde la Escuela Romana se dedicó a métodos altamente sofisticados de polifonía en géneros como el madrigal , ^[6] que inspiró la breve Escuela del Madrigal inglesa .

El período barroco (1580-1750) vio la estandarización relativa de la tonalidad de práctica común , ^[7] así como la creciente importancia de los instrumentos musicales , que crecieron hasta convertirse en conjuntos de tamaño considerable. Italia siguió siendo dominante, siendo la cuna de la ópera , el género de concierto centrado en el solista, la forma de sonata organizada, así como los géneros de gran escala centrados en la voz del oratorio y la cantata . La técnica de fuga defendida por Johann Sebastian Bach ejemplificó la tendencia barroca a la complejidad, y como reacción se desarrollaron los estilos más simples y parecidos a canciones de música galante y empfindsamkeit . En el período clásico más corto pero fundamental (1730-1820), compositores como Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven crearon representantes ampliamente admirados de la música absoluta , ^{[8] [9]} incluyendo sinfonías , cuartetos de cuerda y conciertos. La música romántica posterior (1800-1910) se centró en cambio en la música programática , para la que la canción de arte , el poema sinfónico y varios géneros de piano fueron recipientes importantes. Durante este tiempo se celebró el virtuosismo , se alentó la inmensidad, mientras que la filosofía y el nacionalismo se incorporaron, todos aspectos que convergieron en las óperas de Richard Wagner . En el siglo XX, la unificación estilística se disipó gradualmente mientras que la prominencia de la música popular aumentó enormemente. Muchos compositores evitaron activamente las técnicas y géneros pasados ​​​​en la lente del modernismo , y algunos abandonaron la tonalidad en lugar del serialismo , mientras que otros encontraron nueva inspiración en melodías populares o sentimientos impresionistas . Después de la Segunda Guerra Mundial, por primera vez los miembros de la audiencia valoraron la música antigua sobre las obras contemporáneas , una preferencia que se ha atendido con el surgimiento y la disponibilidad generalizada de grabaciones comerciales. ^[10] Las tendencias de mediados del siglo XX hasta la actualidad incluyen la Nueva Simplicidad , la Nueva Complejidad , el Minimalismo , la Música Espectral y, más recientemente, la Música Posmoderna y el Posminimalismo.Cada vez más globalizados, los profesionales de las Américas, África y Asia han obtenido papeles cruciales, ^[3] mientras que las orquestas sinfónicas y los teatros de ópera aparecen ahora en todo el mundo.

Tanto el término inglés classic como el equivalente alemán Klassik se desarrollaron a partir del francés classique , derivado a su vez de la palabra latina classicus , que originalmente se refería a la clase más alta de los ciudadanos de la Antigua Roma . ^{[11] [n 1]} En el uso romano, el término más tarde se convirtió en un medio para distinguir figuras literarias veneradas; ^[11] el autor romano Aulo Gelio elogió a escritores como Demóstenes y Virgilio como classicus . ^[13] Para el Renacimiento , el adjetivo había adquirido un significado más general: una entrada en A Dictionarie of the French and English Tongues de Randle Cotgrave de 1611 se encuentra entre las primeras definiciones existentes, traduciendo classique como "clásico, formal [ sic ], ordenado, en debido o adecuado rango; también, aprobado, auténtico, jefe, principal". ^{[11] [14]} El musicólogo Daniel Heartz resume esto en dos definiciones: 1) una "disciplina formal" y 2) un "modelo de excelencia". ^[11] Al igual que Gelio, los estudiosos del Renacimiento posterior que escribieron en latín utilizaron el término "classicus" en referencia a los escritores de la antigüedad clásica ; ^{[12] [n. 2]} Sin embargo, este significado sólo se desarrolló gradualmente, y por un tiempo estuvo subordinado a los ideales clásicos más amplios de formalidad y excelencia. ^[15] La literatura y las artes visuales, para las que existían importantes ejemplos de la antigua Grecia y Roma, finalmente adoptaron el término "clásico" en relación con la antigüedad clásica, pero prácticamente no había música de esa época disponible para los músicos del Renacimiento, lo que limitaba la conexión entre la música clásica y el mundo grecorromano . ^{[15] [n. 3]}

Fue en la Inglaterra del siglo XVIII cuando el término «clásico» «comenzó a significar por primera vez un canon particular de obras interpretadas». ^[15] Londres había desarrollado una importante escena de música de concierto pública, sin precedentes ni igual en otras ciudades europeas. ^[11] La corte real había perdido gradualmente su monopolio sobre la música, en gran parte debido a la inestabilidad que la disolución de la Mancomunidad de Inglaterra y la Revolución Gloriosa provocaron en los músicos de la corte. ^{[11] [n 4]} En 1672, el ex músico de la corte John Banister comenzó a dar conciertos públicos populares en una taberna de Londres; ^{[n 5]} su popularidad inauguró rápidamente la prominencia de los conciertos públicos en Londres. ^[19] Surgió la concepción de «clásico» —o más a menudo «música antigua»—, que todavía se basaba en los principios de formalidad y excelencia, y según Heartz «el ritual cívico, la religión y el activismo moral figuraron significativamente en esta novedosa construcción del gusto musical». ^[15] La interpretación de dicha música fue especializada por la Academia de Música Antigua y más tarde en la serie de Conciertos de Música Antigua , donde se presentó el trabajo de compositores selectos de los siglos XVI y XVII, ^[20] especialmente George Frideric Handel . ^{[15] [n 6]} En Francia, el reinado de Luis XIV ( r.  1638-1715 ) vio un renacimiento cultural, al final del cual escritores como Molière , Jean de La Fontaine y Jean Racine fueron considerados como superados los logros de la antigüedad clásica. ^[21] Por lo tanto, se caracterizaron como "clásicos", al igual que la música de Jean-Baptiste Lully (y más tarde Christoph Willibald Gluck ), siendo designados como "l'opéra française classique". ^[21] En el resto de la Europa continental , el abandono de la definición de "clásico" como análogo al mundo grecorromano fue más lento, principalmente porque la formación de repertorios canónicos era mínima o exclusiva de las clases altas. ^[15]

Muchos comentaristas europeos de principios del siglo XIX encontraron una nueva unificación en su definición de música clásica: yuxtaponer a los compositores más antiguos Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y (excluyendo algunas de sus obras posteriores ) Ludwig van Beethoven como "clásicos" contra el estilo emergente de la música romántica . ^{[22] [23] [24]} Estos tres compositores en particular fueron agrupados en la Primera Escuela Vienesa , a veces llamada los "clásicos vieneses", ^{[n 7]} una combinación que sigue siendo problemática debido a que ninguno de los tres nació en Viena y al tiempo mínimo que Haydn y Mozart pasaron en la ciudad. ^[25] Si bien esta fue una caracterización expresada a menudo, no fue estricta. En 1879, el compositor Charles Kensington Salaman definió a los siguientes compositores como clásicos: Bach , Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber , Spohr y Mendelssohn . ^[26] En términos más generales, algunos escritores utilizaron el término "clásico" para elogiar en general las obras bien consideradas de varios compositores, en particular las de aquellos que produjeron muchas obras en un género establecido. ^{[11] [n 8]}

La comprensión contemporánea del término "música clásica" sigue siendo vaga y multifacética. ^{[30] [31]} Otros términos como "música artística", "música canónica", "música cultivada" y "música seria" son en gran medida sinónimos. ^[32] El término "música clásica" a menudo se indica o implica que concierne únicamente al mundo occidental , ^[33] y, a la inversa, en muchas historias académicas el término "música occidental" excluye la música occidental no clásica. ^{[34] [n 9]} Otra complicación radica en que "música clásica" a veces se usa para describir la música artística no occidental que exhibe características similares de larga duración y complejas; los ejemplos incluyen la música clásica india (es decir, la música carnática , la música indostánica y la música odissi ), la música gamelan y varios estilos de la corte de la China imperial (ver yayue , por ejemplo). ^[1] Así, a finales del siglo XX, términos como "música clásica occidental" y "música artística occidental" comenzaron a usarse para referirse a esto. ^[33] El musicólogo Ralph P. Locke señala que ninguno de estos términos es ideal, ya que crean una "complicación intrigante" al considerar "ciertos practicantes de géneros musicales de arte occidental que provienen de culturas no occidentales". ^{[36] [n 10]}

La complejidad en la forma musical y la organización armónica son rasgos típicos de la música clásica. ^[1] El Oxford English Dictionary ( OED ) ofrece tres definiciones de la palabra "clásica" en relación con la música: ^[27]

1. "de reconocida excelencia"
2. "de, relacionado con, o característico de una tradición musical formal, a diferencia de la música popular o folclórica"
3. y más específicamente, "de o relacionado con la música formal europea de finales del siglo XVIII y principios del XIX, caracterizada por la armonía, el equilibrio y la adherencia a las formas compositivas establecidas".

La última definición se refiere a lo que ahora se denomina el período clásico , una era estilística específica de la música europea desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX. ^[37]

La tradición clásica occidental comienza formalmente con la música creada por y para la Iglesia cristiana primitiva. ^[38] Es probable que la Iglesia primitiva quisiera desvincularse de la música predominante de la antigua Grecia y Roma , ya que era un recordatorio de la religión pagana que había perseguido y por la cual había sido perseguida . ^[38] Como tal, no está claro hasta qué punto la música de la Iglesia cristiana, y por lo tanto la música clásica occidental en su conjunto, fue influenciada por la música antigua precedente . ^[39] La actitud general hacia la música fue adoptada de los teóricos y comentaristas musicales de la antigua Grecia y Roma . ^{[40] [n 11]} Al igual que en la sociedad grecorromana, la música se consideraba central para la educación; junto con la aritmética, la geometría y la astronomía, la música se incluyó en el quadrivium , las cuatro materias de la división superior de una educación estándar en artes liberales en la Edad Media . ^[42] Este alto respeto por la música fue promovido por primera vez por los eruditos Casiodoro , Isidoro de Sevilla , ^[43] y particularmente Boecio , ^[44] cuya transmisión y expansión de las perspectivas de la música de Pitágoras , Aristóteles y Platón fueron cruciales en el desarrollo del pensamiento musical medieval. ^[45] Sin embargo, los eruditos, los teóricos de la música medieval y los compositores regularmente malinterpretaron o entendieron mal los escritos de sus predecesores griegos y romanos. ^[46] Esto se debió a la ausencia total de obras musicales grecorromanas sobrevivientes disponibles para los músicos medievales, ^{[46] [n 12]} hasta el punto de que Isidoro de Sevilla ( c.  559 - 636 ) afirmó que "a menos que los sonidos sean recordados por el hombre, perecen, porque no pueden escribirse", sin ser consciente de las prácticas de notación sistemática de la Antigua Grecia siglos antes. ^{[47] [n 13]} El musicólogo Gustave Reese señala, sin embargo, que muchos textos grecorromanos aún pueden considerarse influyentes en la música clásica occidental, ya que los músicos medievales leían regularmente sus obras, independientemente de si lo hacían correctamente. ^[46]

Sin embargo, hay algunas continuaciones musicales indiscutibles del mundo antiguo . ^[48] Aspectos básicos como la monofonía , la improvisación y el predominio del texto en los entornos musicales son prominentes tanto en la música medieval temprana como en casi todas las civilizaciones antiguas. ^[49] Las influencias griegas en particular incluyen los modos de la iglesia (que eran descendientes de los desarrollos de Aristóxeno y Pitágoras), ^[50] la teoría acústica básica de la afinación pitagórica , ^[39] así como la función central de los tetracordios . ^[51] Los instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de lengüeta ) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña ) eventualmente llevaron a varios instrumentos modernos de una orquesta sinfónica. ^[52] Sin embargo, Donald Jay Grout señala que intentar crear una conexión evolutiva directa de la música antigua a la temprana edad medieval no tiene fundamento, ya que estuvo influenciada casi exclusivamente por la teoría musical grecorromana, no por la interpretación o la práctica. ^[53]

La música medieval incluye la música de Europa occidental desde después de la caída del Imperio Romano de Occidente en 476 hasta aproximadamente 1400. El canto monofónico , también llamado canto llano o canto gregoriano , fue la forma dominante hasta aproximadamente 1100. ^[54] Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia. ^{[55] [56] La música} polifónica (multivoz) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y hasta el Renacimiento , incluidas las voces más complejas de los motetes . Durante el período medieval temprano , la música vocal del género litúrgico , predominantemente el canto gregoriano , era monofónica , utilizando una única línea melódica vocal sin acompañamiento. ^{[57] Los géneros vocales} polifónicos , que utilizaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval , volviéndose frecuentes a finales del siglo XIII y principios del XIV. Entre los compositores medievales notables se incluyen Hildegarda de Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini y Johannes Ciconia .

Muchos instrumentos musicales medievales todavía existen, pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta , la flauta dulce y los instrumentos de cuerda pulsada como el laúd . También existían versiones tempranas del órgano y el violín (o vielle ). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado con mayor frecuencia de forma individual, a menudo acompañados de una nota de zumbido , o en ocasiones en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de instrumentos en haut (instrumentos ruidosos, estridentes, para exteriores) y bas (instrumentos más silenciosos, más íntimos). ^[58] Varios instrumentos tienen raíces en predecesores orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval . ^[59] Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos de cuerda frotada europeos , incluida la lira , el rabel y el violín . ^{[60] [61]}

La era del Renacimiento musical duró desde 1400 hasta 1600. Se caracterizó por un mayor uso de la instrumentación , múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de formas anteriores de instrumentos bajos . El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar el baile comenzaron a estandarizarse. Es en esta época cuando la notación de la música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical comenzaron a tomar forma. ^[62] Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical , una obra musical podía interpretarse sin la presencia del compositor. ^{[63] La invención de la} imprenta de tipos móviles en el siglo XV tuvo consecuencias de largo alcance en la preservación y transmisión de la música. ^[64]

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido previamente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados para interpretar música en instrumentos de la época. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse como metales, cuerdas, percusión y viento madera. Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tocados tradicionalmente por profesionales que eran miembros de gremios e incluían la trompeta de varas , la corneta de madera , la trompeta sin válvulas y el sacabuche . Los instrumentos de cuerda incluían la viola , el rabel , la lira similar al arpa , la zanfona , el laúd , la guitarra , la cítara , la bandora y el orfarión . Los instrumentos de teclado con cuerdas incluían el clavicémbalo y el clavicordio . Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo , el arpa judía , la pandereta , las campanas, el tamboril y varios tipos de tambores. Los instrumentos de viento de madera incluían la chirimía de lengüeta doble (un miembro temprano de la familia del oboe ), la flauta de lengüeta , la gaita , la flauta traversa , la flauta dulce , el dulcian y el crumhorn . Existían órganos de tubos simples , pero estaban confinados en gran medida a las iglesias, aunque había variedades portátiles. ^[65] La impresión permitió la estandarización de las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso. ^[66]

La música vocal en el Renacimiento se caracteriza por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado . Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal ) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio . Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , la primera obra que se llama ópera en la actualidad. También compuso Eurídice , la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.

Los compositores notables del Renacimiento incluyen a Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore .

El período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de práctica común . ^{[ cita requerida ]} El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los períodos barroco, clásico y romántico.

La música barroca se caracteriza por el uso de un contrapunto tonal complejo y el uso de un bajo continuo , una línea de bajo continua. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. ^[67] Los comienzos de la forma sonata tomaron forma en la canzona , al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones . Las tonalidades de mayor y menor como medios para manejar la disonancia y el cromatismo en la música tomaron forma completa. ^[68]

Durante la época barroca, la música para teclado interpretada con clavicémbalo y órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia del violín, un instrumento de cuerda, adoptó la forma que generalmente se ve hoy en día. La ópera, como drama musical escenificado, comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. ^[69] Por primera vez, los vocalistas comenzaron a añadir elementos ornamentales a la música. ^[67]

Las teorías en torno al temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica de forma más amplia, ya que permitían una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque JS Bach no utilizó el temperamento igual, los cambios en los temperamentos desde el sistema de tonos medios, entonces común, a varios temperamentos que hicieron que la modulación entre todas las tonalidades fuera musicalmente aceptable hicieron posible su Clave bien temperada . ^[70]

Los instrumentos barrocos incluían algunos instrumentos de los períodos anteriores (por ejemplo, la zanfona y la flauta dulce) y una serie de instrumentos nuevos (por ejemplo, el oboe, el fagot, el violonchelo, el contrabajo y el pianoforte). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como la chirimía, la cítara , la raqueta y la corneta de madera. Los instrumentos barrocos clave para cuerdas incluían el violín , la viola , la viola d'amore , el violonchelo , el contrabajo , el laúd , la tiorba (que a menudo tocaba las partes del bajo continuo ), la mandolina , la guitarra barroca , el arpa y la zanfona. Los instrumentos de viento de madera incluían la flauta barroca , el oboe barroco , la flauta dulce y el fagot . Los instrumentos de viento de metal incluían la corneta , el cuerno natural , la trompeta natural , el serpentón y el trombón . Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio , el piano tangente , el clavicémbalo , el órgano de tubos y, más adelante en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano). Los instrumentos de percusión incluían los timbales , el tambor , la pandereta y las castañuelas .

Una diferencia importante entre la música barroca y la era clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podía incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (por ejemplo, órgano de tubos o clavicémbalo), ^[71] instrumentos de cuerda adicionales (por ejemplo, un laúd), instrumentos de cuerda frotada, instrumentos de viento de madera y de metal, y un número no especificado de instrumentos bajos que interpretaban el bajo continuo (por ejemplo, un violonchelo, un contrabajo, una viola, un fagot, un serpentón, etc.).

Las obras vocales de la época barroca incluían suites como oratorios y cantatas . ^{[72] [73]} La música profana era menos común y se caracterizaba típicamente solo por la música instrumental. Al igual que el arte barroco , ^[74] los temas eran generalmente sagrados y con el propósito de un entorno católico.

Compositores importantes de esta época incluyen a Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz .

Aunque el término "música clásica" incluye toda la música artística occidental desde la era medieval hasta principios de la década de 2010, la era clásica fue el período de la música artística occidental desde la década de 1750 hasta principios de la década de 1820 ^[75] —la era de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven .

La era clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante, las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron en cierta medida (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8-10 intérpretes para serenatas . La ópera continuó desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y tierras de habla alemana. La ópera buffa , una forma de ópera cómica, ganó popularidad. La sinfonía se convirtió en una forma musical propia y el concierto se desarrolló como un vehículo para exhibiciones de habilidad virtuosa al tocar. Las orquestas ya no necesitaban un clavicémbalo y a menudo eran dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino ). ^[76]

Los músicos de la era clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la era barroca, como el violonchelo, el contrabajo, la flauta dulce, el trombón, los timbales, el fortepiano (el precursor del piano moderno ) y el órgano. Si bien algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso, por ejemplo, la tiorba y la raqueta, muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía se usan hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en el violín ), el oboe barroco (que se convirtió en el oboe ) y la trompeta barroca, que pasó a ser la trompeta de válvulas regular. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en orquesta y música de cámara , como los cuartetos de cuerda , se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman la sección de cuerdas de la orquesta: el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Los instrumentos de cuerda de la era barroca, como las violas con trastes y de arco, fueron eliminados gradualmente. Los instrumentos de viento de madera incluían el clarinete bajo , el corno di bassetto , la clarinete d'amour , el clarinete clásico , el chalumeau , la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano . Si bien el clavicémbalo todavía se usaba en el acompañamiento del bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, cayó en desuso a fines de siglo. Los instrumentos de viento de metal incluían el buccin , el oficleido (un reemplazo para la serpiente de bajo , que fue el precursor de la tuba ) y la trompa natural .

Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la era clásica. Mientras que los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron en cierta medida en el barroco, la familia de clarinetes de lengüeta simple no se usó ampliamente hasta que Mozart amplió su papel en los escenarios orquestales, de cámara y de concierto. ^[77]

La música de la era romántica , desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, en paralelo al romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a separarse de las formas de la era clásica (incluso cuando estas se estaban codificando), con piezas de forma libre como nocturnos , fantasías y preludios escritos donde las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de los temas fueron ignoradas o minimizadas. ^[78] La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre las armaduras de clave en aumento. ^[79] La canción de arte (o Lied ) llegó a la madurez en esta era, al igual que las escalas épicas de la gran ópera , finalmente trascendidas por el ciclo del Anillo de Richard Wagner . ^[80]

En el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de los mecenas ricos, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las crecientes clases medias en toda Europa occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, la interpretación y la preservación de la música. El piano, que alcanzó su construcción moderna en esta era (en parte debido a los avances industriales en metalurgia ), se volvió muy popular entre la clase media, cuyas demandas del instrumento estimularon a muchos constructores de pianos. Muchas orquestas sinfónicas datan su fundación en esta era. ^[79] Algunos músicos y compositores fueron las estrellas de la época; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini , cumplieron ambos roles. ^[81]

Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial hacia otras partes del mundo. También hubo un auge, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciendo eco, en algunos casos, de los sentimientos políticos de la época), ya que compositores como Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional de sus países de origen en sus composiciones. ^[82]

En la era romántica, el piano moderno , con un tono más potente y sostenido y un rango más amplio, reemplazó al fortepiano, de sonido más delicado. En la orquesta, se conservaron los instrumentos y secciones clásicas existentes ( sección de cuerdas , instrumentos de viento, metales y percusión), pero estas secciones se ampliaron para lograr un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar simplemente no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos". ^[83]

Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, se fueron haciendo más numerosas, proceso que culminó a principios del siglo XX con las orquestas muy grandes utilizadas por compositores modernistas y románticos tardíos. Comenzó a aparecer una gama más amplia de instrumentos de percusión. Los instrumentos de viento metal asumieron papeles más importantes, ya que la introducción de válvulas rotativas les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (normalmente alrededor de 40 en la era clásica) creció hasta superar los 100. ^[79] La Sinfonía n.º 8 de Gustav Mahler de 1906 , por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400. ^[84] Se añadieron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrafagot , el clarinete bajo y el flautín , y se añadieron nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos , tambores , celestas (un instrumento de teclado similar a una campana), campanas y triángulos , ^[83] grandes arpas orquestales e incluso máquinas de viento para efectos de sonido . Los saxofones aparecen en algunas partituras desde finales del siglo XIX en adelante, normalmente como instrumento solista en lugar de como parte integral de la orquesta.

La tuba wagneriana , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo de Richard Wagner El anillo del nibelungo . También tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner y también se utiliza en varias obras románticas tardías y modernistas de Richard Strauss, Béla Bartók y otros ^[85]. Las cornetas aparecen regularmente en las partituras del siglo XIX, junto con las trompetas, que se consideraban menos ágiles, al menos hasta finales de siglo.

Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Ludwig van Beethoven , Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Alexander Scriabin , Nikolai Medtner , Edvard Grieg y Johann Strauss II . Gustav Mahler y Richard Strauss son considerados comúnmente como compositores de transición cuya música combina elementos tanto del romanticismo tardío como del modernismo temprano.

A finales del siglo XIX, la música se caracterizaba por su estilo romántico tardío , con sus melodías expresivas, armonías complejas y formas expansivas. Esta era estuvo marcada por las obras de varios compositores que impulsaron la escritura sinfónica posromántica . Compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss continuaron desarrollando la tradición clásica occidental con sinfonías y óperas expansivas, mientras que compositores como Jean Sibelius y Vaughan Williams infundieron elementos nacionalistas e influencias de canciones populares en sus composiciones. Sergei Prokofiev comenzó en esta tradición, pero pronto se aventuró en territorios modernistas. Al mismo tiempo, el movimiento impresionista, encabezado por Claude Debussy , se estaba desarrollando en Francia, con Maurice Ravel como otro pionero notable. ^[86]

La música clásica modernista abarca muchos estilos de composición que pueden caracterizarse como posrománticos, impresionistas, expresionistas y neoclásicos. El modernismo marcó una era en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. ^[87] Algunos historiadores de la música consideran que el modernismo musical fue una era que se extendió desde aproximadamente 1890 hasta 1930. ^{[88] [89]} Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. ^[90] Otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna era histórica, sino que es más bien "una actitud del compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos". ^[91] A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, a finales del siglo quedaba un núcleo activo de compositores que seguían impulsando las ideas y formas del modernismo, como Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson y Ralph Shapey . ^[92]

Dos movimientos musicales que dominaron durante esta época fueron el impresionismo, que comenzó alrededor de 1890, y el expresionismo , que comenzó alrededor de 1908. Fue un período de reacciones diversas que cuestionaron y reinterpretaron categorías musicales más antiguas, innovaciones que condujeron a nuevas formas de organizar y abordar los aspectos armónicos, melódicos, sonoros y rítmicos de la música, y cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período más amplio identificable del modernismo en las artes de la época. La palabra clave que más se asocia con este período es "innovación". ^[93] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", es decir, ningún género musical asumió nunca una posición dominante. ^[94]

La orquesta continuó creciendo durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron solo en raras ocasiones durante el siglo XIX se utilizaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros principales de la orquesta. Si bien aparecen solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón está incluido en otras obras como las Suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones, como el Boléro de Ravel , se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las otras secciones de la orquesta. El bombardino aparece en algunas obras del Romanticismo tardío y del siglo XX , generalmente tocando partes marcadas como "tuba tenor", incluyendo Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss .

Entre los compositores destacados de principios del siglo XX se incluyen Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Nikos Skalkottas , Heitor Villa-Lobos , Karol Szymanowski , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók y Dmitri Shostakovich , junto con los mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición que se transmitieron desde el siglo XIX.

La música posmoderna es un período de la música que comenzó ya en 1930 según algunas autoridades. ^{[88] [89]} Comparte características con el arte posmodernista , es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo .

Algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. ^{[95] [96]} Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna/contemporánea incluyen el neorromántico, el neomedieval, el minimalista y el posminimalista.

A principios del siglo XXI se solía considerar que la música clásica contemporánea incluía todas las formas musicales posteriores a 1945. ^[97] Una generación más tarde, este término ahora se refiere apropiadamente a la música de hoy escrita por compositores que aún están vivos; música que cobró importancia a mediados de la década de 1970. Incluye diferentes variaciones de música modernista , posmoderna , neorromántica y pluralista . ^[92]

Se dice que los intérpretes que han estudiado música clásica en profundidad tienen "formación clásica". Esta formación puede provenir de clases particulares impartidas por profesores de instrumento o de canto o de la finalización de un programa formal ofrecido por un conservatorio, colegio o universidad, como una licenciatura en música o una maestría en música (que incluye clases individuales impartidas por profesores). En música clásica, se requiere "...una amplia educación y formación musical formal, a menudo hasta el nivel de posgrado [maestría]". ^[98]

La interpretación del repertorio de música clásica requiere habilidad en la lectura a primera vista y la interpretación en conjunto , principios armónicos , un fuerte entrenamiento auditivo (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica interpretativa (por ejemplo, ornamentación barroca) y una familiaridad con el estilo/idioma musical esperado para un compositor o una obra musical determinados (por ejemplo, una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart). ^{[ cita requerida ]}

La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular , la música folclórica y algunas otras tradiciones de música clásica como la música clásica india , es que el repertorio tiende a estar escrito en notación musical , creando una parte musical o partitura . Esta partitura generalmente determina detalles de ritmo, tono y, cuando participan dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas), cómo se coordinan las distintas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad dentro de ellas: las fugas , por ejemplo, logran una notable unión de líneas melódicas audazmente distintivas que se tejen en contrapunto pero crean una lógica armónica coherente . El uso de la notación escrita también preserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de muchos siglos atrás.

Aunque la música clásica en la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical , desde la era barroca hasta la era romántica, hay ejemplos de intérpretes que podían improvisar al estilo de su época. En la era barroca, los intérpretes de órgano improvisaban preludios , los intérpretes de teclado que tocaban el clavicémbalo improvisaban acordes a partir de los símbolos de bajo cifrado debajo de las notas graves de la parte de bajo continuo y los intérpretes vocales e instrumentales improvisaban adornos musicales . ^[99] Johann Sebastian Bach fue particularmente conocido por sus improvisaciones complejas. ^[100] Durante la era clásica, el compositor e intérprete Wolfgang Amadeus Mozart fue conocido por su capacidad para improvisar melodías en diferentes estilos. ^[101] Durante la era clásica, algunos solistas virtuosos improvisaban las secciones de cadencia de un concierto. Durante la era romántica, Ludwig van Beethoven improvisaba al piano. ^[102]

Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto de música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio estándar de concierto son compositores masculinos, a pesar de que ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras a lo largo de la historia de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron se ha preguntado "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal al repertorio 'clásico' estándar?" ^[103] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Sostiene que en el siglo XIX, las mujeres compositoras solían escribir canciones de arte para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una gran sala, y que estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se las consideraba no notables como compositoras. ^[103] En la "... Concise Oxford History of Music , Clara S[c]humann es una de las únicas compositoras mencionadas". ^[104] Abbey Philips afirma que "durante el siglo XX las mujeres que componían o tocaban recibieron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". ^[104]

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado mayoritariamente o totalmente compuestas por músicos hombres. Uno de los primeros casos de mujeres contratadas en orquestas profesionales fue en el puesto de arpista . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. ^{[105] [n 14]} La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . ^[109] En febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionale Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". ^[110] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las licencias de maternidad esperadas" sería un problema. ^[111]

En 2013, un artículo en Mother Jones afirmó que si bien "muchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit y la Orquesta de Minnesota, están dirigidos por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas "... siguen siendo predominantemente masculinas". ^[112] Un artículo de la BBC de 2014 afirmó que la "... introducción de audiciones 'a ciegas' , donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios de género o raciales, ha visto cambiar gradualmente el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres". ^[113]

La música clásica a menudo ha incorporado elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen música ocasional como el uso de canciones estudiantiles para beber por parte de Brahms en su Obertura del Festival Académico , géneros ejemplificados por La ópera de tres centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en compositores de principios y mediados del siglo XX, incluido Maurice Ravel , ejemplificado por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. ^[114] Algunos compositores clásicos posmodernos , minimalistas y posminimalistas reconocen una deuda con la música popular. ^{[115] [ verificación fallida ]}

La composición orquestal de George Gershwin de 1924 , Rhapsody in Blue, ha sido descrita como jazz orquestal o jazz sinfónico . La composición combina elementos de música clásica con efectos de influencia jazzística.

Numerosos ejemplos muestran influencia en la dirección opuesta, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el uso que se le ha dado al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del crossover musical , donde los músicos clásicos han logrado el éxito en el ámbito de la música popular. ^[116] En el heavy metal , varios guitarristas principales (que tocaban guitarra eléctrica ), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads , ^[117] modelaron sus estilos de interpretación en la música instrumental de la era barroca o clásica. ^[118]

Los compositores de música clásica han hecho uso a menudo de la música folclórica (música creada por músicos que no suelen tener formación clásica, a menudo a partir de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana , ^[119] han utilizado temas folclóricos para impartir un sabor nacionalista a su obra, mientras que otros, como Bartók, han utilizado temas específicos extraídos por completo de sus orígenes de música folclórica. ^[120] Khachaturian incorporó ampliamente a su obra la música folclórica de su Armenia natal , pero también de otros grupos étnicos de Oriente Medio y Europa del Este. ^{[121] [122]}

Ciertos elementos básicos de la música clásica se utilizan a menudo con fines comerciales (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los anuncios de televisión, varios pasajes se han convertido en clichés , en particular la apertura de Así habló Zaratustra de Richard Strauss (que se hizo famosa en la película 2001: Una odisea del espacio ) y la sección de apertura " O Fortuna " de Carmina Burana de Carl Orff ; otros ejemplos incluyen el " Dies irae " del Réquiem de Verdi , " En la sala del rey de la montaña " de Edvard Grieg de Peer Gynt , los compases iniciales de la Sinfonía n.º 5 de Beethoven , " La danza del sable " de Aram Khachaturian , " La cabalgata de las valquirias " de Wagner de La valquiria , " El vuelo del moscardón " de Rimski-Kórsakov y fragmentos de Rodeo de Aaron Copland . ^{[ cita requerida ]} Varias obras de la Edad de Oro de la Animación combinaron la acción con la música clásica. Ejemplos notables son Fantasía de Walt Disney , Johann Mouse de Tom y Jerry y El conejo de Sevilla y ¿Qué es la ópera, doctor? de Warner Bros.

De manera similar, las películas y la televisión a menudo utilizan fragmentos estándar y cliché de música clásica para transmitir refinamiento u opulencia: algunas de las piezas más escuchadas en esta categoría incluyen la Suite para violonchelo n.º 1 de Bach , Eine kleine Nachtmusik de Mozart , Las cuatro estaciones de Vivaldi , La noche en el monte pelado de Músorgski (orquestada por Rimski-Kórsakov) y la " Obertura de Guillermo Tell " de Rossini . Shawn Vancour sostiene que la comercialización de la música clásica en la década de 1920 puede haber dañado a la industria musical . ^[123]

Durante la década de 1990, varios artículos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que llegó a llamarse el " efecto Mozart ": una pequeña elevación temporal observada de las puntuaciones en las pruebas de razonamiento espacial como resultado de escuchar la música de Mozart. El enfoque se ha popularizado en un libro de Don Campbell, y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart aumenta temporalmente el coeficiente intelectual de los estudiantes en 8 a 9 puntos. ^[124] Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el columnista musical del New York Times Alex Ross : "los investigadores... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente". ^[125] Los promotores comercializaron CD que afirmaban inducir el efecto. Florida aprobó una ley que obligaba a los niños pequeños de las escuelas estatales a escuchar música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó 105.000 dólares por año para proporcionar a cada niño nacido en Georgia una cinta o CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales sobre el efecto Mozart comentó: "No creo que pueda hacer daño. Estoy totalmente a favor de exponer a los niños a experiencias culturales maravillosas, pero creo que el dinero podría invertirse mejor en programas de educación musical ". ^[126]

• Grove Music Online – versión en línea del Nuevo Diccionario Grove de Música y Músicos .
• MGG Online - versión en línea de Die Musik in Geschichte und Gegenwart
• Grabaciones clásicas históricas del Archivo Sonoro de la Biblioteca Británica
• Sitio web oficial de ClassicalMusicOnly