Rapsodia en azul

Rapsodia en azul
Por George Gershwin
Portada de la partitura original de Rhapsody in Blue
Género	Jazz orquestal
Forma	Rapsodia
Compuesto	Enero de 1924 ( 1924-01 )
Publicado	12 de junio de 1924 Harms, Inc. [1] ( 12 de junio de 1924 )
Estreno
Fecha	12 de febrero de 1924 ( 12 de febrero de 1924 )
Ubicación	Aeolian Hall , Nueva York, Estados Unidos
Conductor	Pablo Whiteman
Artistas	George Gershwin (piano) Ross Gorman (clarinete) Ferde Grofé (orquestador)
Muestra de audio
Interpretación de la versión de banda de jazz de 1924 de la United States Marine Band en 2018, con el pianista Bramwell Tovey archivo ayuda

Rhapsody in Blue es una composición musical de 1924 para piano solo y banda de jazz, que combina elementos de música clásica conefectos de influencia del jazz . Encargada por el director de banda Paul Whiteman y escrita por George Gershwin , la obra se estrenó en un concierto titulado "Un experimento en música moderna" el 12 de febrero de 1924, en el Aeolian Hall de la ciudad de Nueva York. ^{[2] [3]} La banda de Whiteman interpretó la rapsodia con Gershwin tocando el piano. ^[4] El arreglista de Whiteman, Ferde Grofé, orquestó la rapsodia varias veces, incluida la partitura original de 1924, la partitura de orquesta de foso de 1926 y la partitura sinfónica de 1942 .

La rapsodia es una de las creaciones más reconocibles de Gershwin y una composición clave que definió la Era del Jazz . ^{[5] [6] [7]} La ​​pieza de Gershwin inauguró una nueva era en la historia musical de Estados Unidos, ^[8] estableció su reputación como un compositor eminente y se convirtió en una de las obras de concierto más populares de todas. ^[9] En la revista American Heritage , Frederic D. Schwarz postula que el famoso glissando de clarinete de apertura se ha vuelto tan instantáneamente reconocible para el público de conciertos como la apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven . ^[10]

Tras el éxito de un concierto experimental de jazz clásico celebrado con la cantante canadiense Éva Gauthier en la ciudad de Nueva York el 1 de noviembre de 1923, el director de orquesta Paul Whiteman decidió intentar una hazaña más ambiciosa. ^[2] Le pidió al compositor George Gershwin que escribiera una pieza similar a un concierto para un concierto de jazz en honor al cumpleaños de Lincoln que se daría en el Aeolian Hall . ^[11] Whiteman se obsesionó con interpretar una composición tan extensa de Gershwin después de colaborar con él en The Scandals of 1922. [ ^12] Le había impresionado especialmente la "ópera de jazz" de un acto de Gershwin, Blue Monday . ^[13] Gershwin inicialmente rechazó la solicitud de Whiteman con el argumento de que no tendría tiempo suficiente para componer la obra y probablemente sería necesario revisar la partitura. ^[14]

Poco después, en la tarde del 3 de enero, George Gershwin y el letrista Buddy DeSylva jugaron una partida de billar en el Ambassador Billiard Parlor en Broadway y la calle 52 en Manhattan. ^[15] El hermano de George, Ira Gershwin , interrumpió su partida de billar para leer en voz alta la edición del 4 de enero del New-York Tribune . ^[16] Un artículo anónimo del Tribune titulado "¿Qué es la música estadounidense?" sobre un próximo concierto de Whiteman había llamado la atención de Ira. ^[15] El artículo declaraba falsamente que George Gershwin había comenzado a "trabajar en un concierto de jazz" para el concierto de Whiteman. ^[17]

La noticia desconcertó a Gershwin, ya que cortésmente se había negado a componer una obra de ese tipo para Whiteman. ^{[18] [19]} En una conversación telefónica con Whiteman a la mañana siguiente, Whiteman le informó a Gershwin que el archirrival de Whiteman, Vincent Lopez, planeaba robarle la idea de su concierto experimental y que no había tiempo que perder. ^[20] Whiteman finalmente convenció a Gershwin para que compusiera la pieza. ^[20]

A solo cinco semanas del estreno, Gershwin se apresuró a empezar a componer la obra. ^[15] Más tarde afirmó que, durante un viaje en tren a Boston , las semillas temáticas de Rhapsody in Blue comenzaron a germinar en su mente. ^{[21] [20]} En 1931 le dijo al biógrafo Isaac Goldberg :

Fue en el tren, con sus ritmos acerados, su traqueteo, que tan a menudo resulta tan estimulante para un compositor... Con frecuencia oigo música en el corazón mismo del ruido. Y allí, de repente, oí —e incluso vi en el papel— la construcción completa de la rapsodia, de principio a fin. No se me ocurrieron temas nuevos, pero trabajé sobre el material temático que ya tenía en mente y traté de concebir la composición como un todo. La escuché como una especie de caleidoscopio musical de Estados Unidos, de nuestro vasto crisol de culturas , de nuestro entusiasmo nacional sin duplicación, de nuestra locura metropolitana. Cuando llegué a Boston, tenía una trama definida de la pieza, que la distinguía de su sustancia real. ^[21]

Gershwin comenzó a componer el 7 de enero, como figuraba en el manuscrito original para dos pianos. ^[2] Tituló tentativamente la pieza como American Rhapsody durante su composición. ^[22] Ira Gershwin sugirió el título revisado de Rhapsody in Blue después de su visita a una exposición en una galería de pinturas de James McNeill Whistler , que tenían títulos como Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket y Arrangement in Grey and Black . ^{[22] [23]} Después de unas semanas, Gershwin terminó su composición y le pasó la partitura, titulada A Rhapsody in Blue , a Ferde Grofé , el arreglista de Whiteman. ^[24] Grofé terminó de orquestar la pieza el 4 de febrero, apenas ocho días antes del estreno. ^[24]

Rhapsody in Blue se estrenó durante una nevada tarde de martes, el 12 de febrero de 1924, en el Aeolian Hall de Manhattan . ^{[4] [25]} Titulado "Un experimento en música moderna", ^[3] el esperado concierto realizado por Paul Whiteman y su Orquesta del Palais Royal atrajo a un teatro lleno. ^{[4] [26]} La emocionada audiencia estaba formada por " artistas de vodevil , directores de conciertos que venían a echar un vistazo a la novedad, gente de Tin Pan Alley , compositores, estrellas de la sinfónica y la ópera, flappers , comedores de pasteles, todos mezclados al azar". ^[25] Estuvieron presentes varias figuras influyentes de la época, entre ellas Carl Van Vechten , ^[8] Marguerite d'Alvarez , ^[8] Victor Herbert , ^[27] Walter Damrosch , ^[27] y Willie "el León" Smith . ^[28]

En una conferencia previa al concierto, el representante de Whiteman, Hugh C. Ernst, proclamó que el propósito del concierto era "puramente educativo". ^{[29] [30]} Whiteman había seleccionado la música para ejemplificar las "melodías, la armonía y los ritmos que agitan los palpitantes recursos emocionales de esta joven e inquieta edad ". ^[31] El extenso programa del concierto enumeraba 26 movimientos musicales separados, divididos en 2 partes y 11 secciones, con títulos como "La verdadera forma del jazz" y "Contraste: partitura legítima frente a jazz". ^[32] El programa incluía la rapsodia de Gershwin como la penúltima pieza que precedió a la Marcha de pompa y circunstancia n.º 1 de Elgar . ^[33]

Muchos de los primeros números del programa decepcionaron al público y el sistema de ventilación de la sala de conciertos no funcionó. ^[34] Algunos miembros de la audiencia ya habían abandonado el lugar cuando Gershwin hizo su discreta entrada para la rapsodia. ^[34] Se dice que el público estaba irritable, impaciente e inquieto hasta que el inquietante glissando del clarinete tocó las notas iniciales de Rhapsody in Blue . ^{[3] [35]} El distintivo glissando se había creado por pura casualidad durante los ensayos:

Como broma a Gershwin... [Ross] Gorman [el clarinetista virtuoso de Whiteman] tocó el compás inicial con un glissando notable, "estirando" las notas y añadiendo lo que él consideraba un toque jazzístico y humorístico al pasaje. Gershwin reaccionó favorablemente a la extravagancia de Gorman y le pidió que interpretara el compás inicial de esa manera... y que añadiera tanto " lamento " como fuera posible. ^[36]

La orquesta de Whiteman interpretó la rapsodia con "veintitrés músicos en el conjunto" y George Gershwin al piano. ^{[37] [38]} En su estilo característico, Gershwin eligió improvisar parcialmente su solo de piano. ^[38] La orquesta esperó ansiosamente el gesto de Gershwin que señalaba el final de su solo de piano y la señal para que el conjunto reanudara la interpretación. ^[38] Como Gershwin no escribió la sección de piano solo hasta después del concierto, sigue sin saberse exactamente cómo sonaba la rapsodia original en el estreno. ^[39]

Al concluir la rapsodia, el público aplaudió tumultuosamente la composición de Gershwin, ^{[4] [40]} y, de manera bastante inesperada, "el concierto, en todos los aspectos excepto el financiero, ^[a] se convirtió en un 'éxito'". ^[42] El concierto pronto adquirió importancia histórica debido al estreno de la rapsodia, y su programa "se convertiría no solo en un documento histórico, que encontraría su lugar en las monografías extranjeras sobre jazz, sino también en una rareza". ^[25]

Tras el éxito del estreno de la rapsodia, se sucedieron representaciones posteriores. La primera interpretación británica de Rhapsody in Blue tuvo lugar en el Savoy Hotel de Londres el 15 de junio de 1925. ^[43] La BBC retransmitió la interpretación en directo. Debroy Somers dirigió a los Savoy Orpheans con el propio Gershwin al piano. ^[43] El público volvió a escuchar la pieza en el Reino Unido durante la segunda gira europea de la Orquesta Paul Whiteman, sobre todo el 11 de abril de 1926 en el Royal Albert Hall , con Gershwin entre el público. La Gramophone Company / HMV grabó esta interpretación. ^[44]

A finales de 1927, la banda de Whiteman había interpretado Rhapsody in Blue aproximadamente 84 veces, y su grabación vendió un millón de copias. ^[10] Para que la pieza entera cupiera en dos caras de un disco de 12 pulgadas , la rapsodia tuvo que ser tocada a una velocidad más rápida de lo habitual en un concierto, lo que le dio a la grabación una sensación apresurada con un rubato notablemente perdido. Whiteman luego adoptó la pieza como tema principal de su banda y abrió sus programas de radio con el eslogan "Todo nuevo menos Rhapsody in Blue ". ^[45]

En contraste con la cálida recepción por parte del público del concierto, ^{[4] [42]} los críticos musicales dieron a la rapsodia críticas mixtas. ^[46] Samuel Chotzinoff, crítico musical del New York World , admitió que la composición de Gershwin había "hecho del jazz una mujer honesta", ^[27] mientras que Henrietta Strauss de The Nation opinó que Gershwin había "agregado un nuevo capítulo a nuestra historia musical". ^[8] Olin Downes , al reseñar el concierto en The New York Times , destacó favorablemente la rapsodia como "una "forma altamente original", y al compositor como un "nuevo talento que encuentra su voz". ^[4]

Sin embargo, otros críticos fueron menos positivos. Pitts Sanborn declaró que la rapsodia "comienza con un tema prometedor bien planteado" pero "pronto se desvía hacia pasajes vacíos y repeticiones sin sentido". ^[40] Varias críticas fueron particularmente negativas. Lawrence Gilman , un entusiasta de Richard Wagner que luego escribiría una crítica devastadora de Porgy and Bess de Gershwin , criticó duramente la rapsodia como "derivada", "vieja" e "inexpresiva" en una reseña del New York Tribune del 13 de febrero de 1924. ^{[47] [48]}

En general, los críticos musicales profesionales criticaron recurrentemente la pieza de Gershwin por ser esencialmente informe y afirmaron que el compositor había pegado segmentos melódicos al azar. ^[49]

Años después de su estreno, Rhapsody in Blue continuó dividiendo a los críticos musicales principalmente debido a su incoherencia melódica percibida. ^{[50] [51] [52]} Constant Lambert , un compositor británico cuya obra a menudo incorporaba elementos de jazz, desestimó abiertamente la obra:

El compositor [George Gershwin], al intentar escribir un concierto lisztiano en estilo jazz, ha utilizado únicamente los elementos no bárbaros de la música de baile, y el resultado no es ni buen jazz ni buen Liszt, y en ningún sentido de la palabra un buen concierto. ^[50]

En un artículo de The Atlantic Monthly de 1955, Leonard Bernstein , quien sin embargo admitió que adoraba la pieza, ^[51] afirmó:

Rhapsody in Blue no es una composición real en el sentido de que todo lo que sucede en ella debe parecer inevitable, o incluso bastante inevitable. Se pueden cortar partes de ella sin afectar al conjunto de ninguna manera, excepto para hacerla más corta. Se puede eliminar cualquiera de estas secciones pegadas y la pieza sigue funcionando tan valientemente como antes. Incluso se pueden intercambiar estas secciones entre sí y no pasa nada. Se pueden hacer cortes dentro de una sección, o agregar nuevas cadencias, o tocarla con cualquier combinación de instrumentos o solo con el piano; puede ser una pieza de cinco minutos, de seis minutos o de doce minutos. Y, de hecho, todas estas cosas se le hacen todos los días. Sigue siendo Rhapsody in Blue . ^{[51] [52]}

Como Gershwin no tenía suficientes conocimientos de orquestación en 1924, ^[53] el pianista y arreglista principal de Whiteman, Ferde Grofé, jugó un papel clave en el éxito meteórico de la rapsodia, ^[54] y los académicos han sostenido que los arreglos de Grofé de la Rapsodia aseguraron su lugar en la cultura estadounidense . ^[55] El biógrafo de Gershwin, Isaac Goldberg, señaló en 1931 que Grofé jugó un papel crucial en el triunfo del estreno:

En el calor de la ocasión, se pasó por alto o se ignoró la contribución de Ferdie Grofé, el arreglista del equipo de Whiteman que había compuesto la partitura de la Rapsodia en diez días. Es cierto que Gershwin había indicado una parte apreciable de la partitura; sin embargo, la contribución de Grofé fue de suma importancia, no sólo para la composición, sino para la partitura de jazz del futuro inmediato. ^[54]

Grofé arregló apresuradamente la famosa partitura de 1924 para aprovechar al máximo las fortalezas particulares de la orquesta de Whiteman. ^[56] Desarrolló esta orquestación para piano solo y los veintitrés músicos de Whiteman. ^[57] Para la sección de lengüetas, Ross Gorman (Reed I) tocó un oboe, un heckelphone , un clarinete en si bemol , saxofones sopranino en mi bemol y si bemol , un saxofón alto , un clarinete soprano en mi bemol y clarinetes alto y bajo ; Donald Clark (Reed II) tocó un saxofón soprano en si bemol , saxofones alto y barítono , y Hale Byers (Reed III) tocó un saxofón soprano en si bemol , un saxofón tenor , un saxofón barítono y una flauta . ^[57]

Para la sección de metales, dos trompetas en si bemol fueron tocadas por Henry Busse y Frank Siegrist; dos trompas en fa fueron tocadas por Arturo Cerino y Al Corrado; dos trombones fueron tocados por Roy Maxon y James Casseday, y una tuba y un contrabajo tocados por Guss Helleburg y Alus Armer respectivamente. ^{[57] [58] [59] [42]} La sección de percusión incluyó una batería , timbales y un glockenspiel tocados por George Marsh; un piano tocado típicamente por Ferde Grofé o Henry Lange; un banjo tenor tocado por Michael Pingatore, y un complemento de violines. ^[60]

Los musicólogos ignoraron en gran medida este arreglo original, con sus requisitos instrumentales únicos, hasta su resurgimiento en reconstrucciones que comenzaron a mediados de la década de 1980, debido a la popularidad y utilidad de las partituras posteriores. ^[61] Después del estreno de 1924, Grofé revisó la partitura e hizo nuevas orquestaciones en 1926 y 1942, cada vez para orquestas más grandes. ^[61] Publicó su arreglo para una orquesta de teatro en 1926. ^{[62] Grofé orquestó esta adaptación para una "} orquesta de foso " más estándar , que incluía una flauta, un oboe, dos clarinetes, un fagot, tres saxofones; dos trompas, dos trompetas y dos trombones; así como el mismo complemento de percusión y cuerdas que la versión posterior de 1942. ^[63]

Grofé produjo más tarde en 1942 un arreglo para orquesta sinfónica completa . Está escrita para piano solo y una orquesta que consta de dos flautas, dos oboes, dos clarinetes en si bemol y la , un clarinete bajo , dos fagotes, dos saxofones altos en mi bemol , un saxofón tenor en si bemol ; tres trompas en fa, tres trompetas en si bemol , tres trombones, una tuba; una sección de percusión que incluye timbales, un platillo suspendido , una caja , un bombo , un tam-tam , un triángulo , un glockenspiel y platillos ; un banjo tenor; y cuerdas . Desde mediados del siglo XX, el arreglo de 1942 se convirtió en un elemento básico del repertorio de conciertos hasta 1976, cuando Michael Tilson Thomas grabó la versión original para banda de jazz por primera vez, empleando el rollo de piano real de Gershwin de 1925 con una orquesta de jazz completa. ^[61]

Otros arreglos que Grofé hizo de la pieza de Gershwin incluyen los que hizo para la película de Whiteman de 1930, King of Jazz , ^[64] y la versión para banda de concierto (que se puede tocar sin piano) que se completó en 1938 y se publicó en 1942. La prominencia de los saxofones en las orquestaciones posteriores se reduce un poco, y se puede prescindir de la parte del banjo, ya que su contribución principalmente rítmica la proporcionan las cuerdas internas. ^[65]

El propio Gershwin hizo versiones de la pieza para piano solo, así como para dos pianos. ^[66] La versión para piano solo se destaca por omitir varias secciones de la pieza. ^[b] La intención de Gershwin de eventualmente hacer una orquestación propia está documentada en la correspondencia de 1936-37 del editor Harms . ^[67]

Después de la cálida recepción de Rhapsody in Blue por parte del público en el Aeolian Hall, Gershwin grabó varias versiones abreviadas de su composición en diferentes formatos. ^[68] El 10 de junio de 1924, la orquesta de Gershwin y Whiteman creó una grabación acústica de 8 minutos y 59 segundos y publicada por la Victor Talking Machine Company . ^{[c] [70]} Un año después, Gershwin grabó su interpretación en un rollo de piano de 1925 para una versión para dos pianos. ^[71] Más tarde, el 21 de abril de 1927, hizo una grabación eléctrica con la orquesta de Whiteman de 9 minutos y 1 segundo y grabada nuevamente por Victor. ^{[d] [72]} Nathaniel Shilkret supuestamente dirigió la grabación eléctrica después de una disputa entre Gershwin y Whiteman. ^[73] La orquesta de Whiteman interpretó más tarde una versión truncada de la pieza en la película de 1930 The King of Jazz con Roy Bargy al piano. ^[74]

Debido a las limitaciones de longitud de los primeros formatos de grabación, la primera grabación completa e íntegra de la composición de Gershwin no se produjo hasta la Gran Depresión . En julio de 1935, después de varios años de interpretar la rapsodia para audiencias con entradas agotadas en Massachusetts , ^[75] el director Arthur Fiedler y la Boston Pops Orchestra grabaron la primera versión íntegra (de casi catorce minutos de duración) con el pianista puertorriqueño Jesús María Sanromá para RCA Victor . ^{[e] [76]} Para esta primera grabación íntegra, Fiedler descartó el arreglo original de Ferde Grofé de 1924 y adaptó la pieza para una sinfonía convencional. ^[77] En ese momento, los críticos contemporáneos elogiaron a Fiedler por deshacerse del llamado "sentimentalismo jazzístico" del arreglo anterior de Grofé y agregar una "mayor riqueza y autoridad sinfónica". ^[78]

Durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial , en medio del éxito de taquilla de la película biográfica de Gershwin Rhapsody in Blue (1945), el pianista Oscar Levant grabó la ahora icónica composición con la Orquesta de Filadelfia de Eugene Ormandy el 21 de agosto de 1945. ^[79] Levant había sido un amigo íntimo del compositor fallecido, ^{[80] [81]} y buscó replicar el estilo de interpretación idiomático de Gershwin en su interpretación. ^[82] El homenaje de Levant, etiquetado como Columbia Masterworks 251, recibió críticas entusiastas y se convirtió en uno de los álbumes de discos más vendidos del año. ^[83] Como resultado de la grabación de Levant y la película biográfica de 1945 sobre la vida de Gershwin, se produjo un "renacimiento de Gershwin".

En las décadas de 1960 y 1970, la rapsodia de Gershwin se había convertido en un elemento básico predecible tanto de las presentaciones en vivo como de las grabaciones de orquesta; en consecuencia, con el tiempo aparecieron interpretaciones más diversas e irreverentes. En el verano de 1973, el artista brasileño de jazz-rock Eumir Deodato reinterpretó la rapsodia de Gershwin en una versión abreviada que presentaba ritmos de neo- samba de ritmo rápido . ^[84] Aunque los críticos musicales ridiculizaron la interpretación de Deodato como "destrozada" y apenas reconocible, ^[85] su sencillo alcanzó el puesto número 41 en el "Hot 100" y el número 10 en "Easy Listening" en las listas de Billboard , ^[86] y el número 48 y el número 13 respectivamente en Canadá. ^{[87] [88]} A raíz de la reinterpretación anterior de Deodato, el pianista francés Richard Clayderman grabó un arreglo discográfico abreviado de manera similar en 1978 que se convirtió en una de sus piezas emblemáticas. ^{[89] [90]}

Al mismo tiempo que surgían estas interpretaciones más diversas, se reavivó el interés académico por el arreglo original de 1924 de Ferde Grofé, que no se había interpretado desde el final de la era del jazz. El 14 de febrero de 1973, el director Kenneth Kiesler y el pianista Paul Verrette interpretaron el arreglo original de Grofé en el campus de la Universidad de New Hampshire . ^[91] Poco después, el director Michael Tilson Thomas y la Columbia Jazz Band grabaron el arreglo de Grofé en 1976, al igual que el director Maurice Peress con el pianista Ivan Davis en 1984 como parte de una reconstrucción del 60.º aniversario del concierto completo de 1924. ^[92]

Cien años después del debut de la rapsodia de Gershwin en 1924, decenas de miles de orquestas, así como pianistas solistas, han grabado la pieza, tanto en forma abreviada como íntegra. Varias de estas grabaciones han obtenido el reconocimiento de la crítica, como la versión del pianista Michel Camilo de 2006, que ganó un premio Grammy Latino . ^[93]

Como concierto de jazz, Rhapsody in Blue está escrita para piano solo con orquesta. ^[94] Una rapsodia se diferencia de un concierto en que presenta un movimiento extenso en lugar de movimientos separados. Las rapsodias a menudo incorporan pasajes de naturaleza improvisada, aunque escritos en una partitura, y son irregulares en su forma, con contrastes acentuados y exuberancia emocional. La música varía desde solos de piano intensamente rítmicos hasta secciones lentas, amplias y ricamente orquestadas. En consecuencia, la Rhapsody "puede considerarse como una fantasía , sin una estricta fidelidad a la forma". ^[95]

La apertura de Rhapsody in Blue está escrita como un trino de clarinete seguido de un legato, 17 notas en una escala diatónica. Durante un ensayo, el clarinetista virtuoso de Whiteman, Ross Gorman, interpretó la parte superior de la escala como un glissando cautivador y parecido al del trombón . ^[96] Gershwin lo escuchó e insistió en que se repitiera en la interpretación. ^[96] El efecto se produce utilizando los músculos de la lengua y la garganta para cambiar la resonancia de la cavidad oral, controlando así el tono en continuo ascenso. ^[97] Muchos clarinetistas abren gradualmente los orificios tonales de la mano izquierda de su instrumento durante el paso del último fa de concierto al si bemol de concierto superior . Este efecto se ha convertido en una práctica de interpretación estándar para la obra. ^[97]

Rhapsody in Blue presenta tanto invención rítmica como inspiración melódica, y demuestra la capacidad de Gershwin para escribir una pieza con una estructura armónica y melódica a gran escala. La pieza se caracteriza por una fuerte interrelación motívica . ^[98] Gran parte del material motívico se introduce en los primeros 14 compases . ^[98] El musicólogo David Schiff ha identificado cinco temas principales más una sexta "etiqueta". ^[22] Dos temas aparecen en los primeros 14 compases, y la etiqueta aparece en el compás 19. ^[22] Dos de los tres temas restantes están relacionados rítmicamente con el primer tema del compás 2, que a veces se llama el "tema Glissando" (después del glissando de apertura en el solo de clarinete) o el "tema Ritornello". ^{[22] [99]} El tema restante es el "tema del tren", ^{[22] [100]} que es el primero en aparecer en el ensayo 9 después del material de apertura. ^[100] Todos estos temas se basan en la escala de blues , ^[101] que incluye séptimas reducidas y una mezcla de terceras mayores y menores. ^[101] Cada tema aparece tanto en forma orquestada como en forma de solo de piano. Existen diferencias considerables en el estilo de presentación de cada tema.

"Rapsodia en azul" (Portada)

Una versión para piano solo de 2018 de Rhapsody in Blue de Gershwin

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La estructura armónica de la rapsodia es más difícil de analizar. ^[102] La pieza comienza y termina en si bemol mayor , pero modula hacia la dirección subdominante y regresa abruptamente a si bemol mayor al final. ^[103] La apertura modula "hacia abajo" a través de las tonalidades si bemol , mi bemol , la bemol , re bemol , sol bemol , si, mi y finalmente a la mayor. ^[103] La modulación a través del círculo de quintas en la dirección inversa invierte las relaciones tonales clásicas, pero no las abandona. Toda la sección central reside principalmente en do mayor, con incursiones en sol mayor (la relación dominante). ^[104] Tales modulaciones ocurren libremente, aunque no siempre con dirección armónica. Gershwin usa frecuentemente una progresión armónica recursiva de terceras menores para dar la ilusión de movimiento cuando de hecho un pasaje no cambia de tonalidad de principio a fin. ^[102] La modulación por terceras es una característica común de la música de Tin Pan Alley .

Las influencias del jazz y otros estilos contemporáneos están presentes en Rhapsody in Blue . Los ritmos ragtime son abundantes, ^[101] al igual que el ritmo cubano de la " clave ", que se dobla como un ritmo de baile en el baile de jazz de Charleston . ^[46] Las propias intenciones de Gershwin eran corregir la creencia de que el jazz tenía que ser tocado estrictamente en el tiempo para que uno pudiera bailarlo. ^[105] Los tempos de la rapsodia varían ampliamente, y hay un uso casi extremo del rubato en muchos lugares a lo largo de la misma. La influencia más clara del jazz es el uso de notas azules , y la exploración de su relación de semitonos juega un papel clave en la rapsodia. ^[106] El uso de los llamados instrumentos "vernáculos", como el acordeón , el banjo y los saxofones en la orquesta, contribuyen a su estilo jazzístico o popular, y los dos últimos de estos instrumentos han seguido siendo parte de la partitura orquestal "estándar" de Grofé. ^[65]

Gershwin incorporó diferentes estilos de piano en su obra. Utilizó las técnicas del piano stride , el piano novelty , el piano cómico y el estilo de piano song-plugger . El estilo rítmico e improvisado del piano stride es evidente en la sección "agitato e misterioso", que comienza cuatro compases después del ensayo 33, así como en otras secciones, muchas de las cuales incluyen la orquesta. ^[100] El piano novelty se puede escuchar en el ensayo 9 con la revelación del tema del tren. Las vacilaciones y el estilo desenfadado del piano cómico, un enfoque vodevilesco del piano que se hizo conocido por Chico Marx , son evidentes en el ensayo 22. ^[107]

Con el debut de Rhapsody in Blue , Gershwin inauguró una nueva era en la historia musical de Estados Unidos. ^[8] Estableció su reputación como uno de los compositores eminentes de la Era del Jazz , y su composición eventualmente se convirtió en una de las obras de concierto más populares de todas. ^[9] En la revista American Heritage , Frederic D. Schwarz postula que el famoso glissando de clarinete de apertura se ha vuelto tan instantáneamente reconocible para el público de conciertos como la apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven . ^[10]

Según el crítico Orrin Howard de la Filarmónica de Los Ángeles , la rapsodia de Gershwin dejó una marca indeleble "en la fraternidad de compositores e intérpretes serios, muchos de los cuales estuvieron presentes en el estreno, y en el propio Gershwin, porque su recepción entusiasta lo alentó a otros proyectos más serios". ^{[7] Howard postula que el legado de la obra se entiende mejor como la encarnación del} espíritu cultural de la era del jazz:

Comenzando con ese incomparable y extravagante solo de clarinete, Rhapsody es irresistible todavía, con su vibración rítmica sincopada, su estilo abandonado e insolente que dice más sobre los locos años veinte de lo que podrían decir mil palabras, y su genuina belleza melódica coloreada de un azul profundo y jazzístico por las séptimas y terceras bemoles que tuvieron su origen en las canciones de esclavos afroamericanos . ^[7]

Aunque la rapsodia de Gershwin no es "de ninguna manera un ejemplo definitivo del jazz en la Era del Jazz", ^[108] historiadores de la música como James Ciment y Floyd Levin han coincidido de manera similar en que es la composición clave que encapsula el espíritu de la era. ^{[5] [109]} Ya en 1927, el escritor F. Scott Fitzgerald opinó que Rhapsody in Blue idealizaba el espíritu juvenil de la era del jazz. ^[110] En décadas posteriores, tanto la última era como las obras literarias relacionadas de Fitzgerald han sido a menudo vinculadas culturalmente por críticos y académicos con la composición de Gershwin. ^[111] En 1941, el historiador social Peter Quennell opinó que la novela de Fitzgerald El gran Gatsby encarnaba "la tristeza y la remota alegría de una melodía de Gershwin". ^[112] En consecuencia, el director Baz Luhrmann utilizó Rhapsody in Blue como leitmotiv dramático para el personaje de Jay Gatsby en su película de 2013 El gran Gatsby , una adaptación cinematográfica de la novela de Fitzgerald de 1925. ^{[59] [113]}

Varios escritores, como el dramaturgo y periodista estadounidense Terry Teachout , han comparado al propio Gershwin con el personaje de Gatsby debido a su intento de trascender su origen de clase baja, su abrupto éxito meteórico y su temprana muerte a los treinta años. ^[111]

Rhapsody in Blue ha sido interpretada como un retrato musical de la ciudad de Nueva York de principios del siglo XX. ^[114] El escritor cultural Darryn King escribió en The Wall Street Journal que "la fusión de jazz y tradiciones clásicas de Gershwin captura el floreciente crisol de la era del jazz en Nueva York". ^[114]

Del mismo modo, el historiador musical Vince Giordano ha opinado que "la síncopa , las notas azules, los ritmos de ragtime y jazz que Gershwin escribió en 1924 eran realmente una sensación de la ciudad de Nueva York en esa era asombrosa. El ritmo de la ciudad parece estar ahí". ^[114] El pianista Lang Lang se hace eco de este sentimiento: "Cuando escucho Rhapsody in Blue , de alguna manera veo el Empire State Building . Veo el horizonte de Nueva York en el centro de Manhattan, y ya veo las cafeterías [en] Times Square ". ^[114]

En consecuencia, el montaje de apertura de la película Manhattan de Woody Allen de 1979 presenta una interpretación de Zubin Mehta en la que las escenas neoyorquinas por excelencia se ambientan con la música del famoso concierto de jazz de Gershwin. ^[115] Veinte años después, Walt Disney Pictures utilizó la composición para el segmento de Nueva York de la película animada Fantasía 2000 de 1999 , en la que la pieza enmarca líricamente un segmento animado dibujado al estilo del ilustrador Al Hirschfeld . ^[116]

La rapsodia de Gershwin ha influido en varios compositores. En 1955, Rhapsody in Blue inspiró al acordeonista John Serry Sr. a componer su obra American Rhapsody de 1957. ^[117] Brian Wilson , líder de The Beach Boys , declaró en varias ocasiones que Rhapsody in Blue es una de sus piezas favoritas. Escuchó la pieza por primera vez cuando tenía dos años y recordó que la adoraba. ^[118] Según el biógrafo Peter Ames Carlin , la rapsodia influyó en el álbum Smile de Wilson . ^[118] Rhapsody in Blue también inspiró una colaboración entre el pianista británico Derek Paravicini y el compositor Matthew King en un nuevo concierto, llamado Blue , estrenado en el South Bank Centre de Londres en 2011. ^[119]

En la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 en Los Ángeles, 84 pianistas tocaron simultáneamente Rhapsody in Blue en una interpretación de conjunto. ^{[62] [120]} Los pianistas Herbie Hancock y Lang Lang interpretaron Rhapsody in Blue en la 50.ª edición de los Premios Grammy el 10 de febrero de 2008. ^[121] Desde 1980, la pieza ha sido utilizada por United Airlines en sus anuncios, en vídeos de seguridad previos al vuelo y en la pasarela subterránea de la Terminal 1 del Aeropuerto Internacional O'Hare de Chicago . ^{[122] [123]} Rhapsody in Blue fue sampleada en " Philosophy " de Ben Folds Five ^{[124] y en "} Birthday " del grupo femenino surcoreano Red Velvet . ^[125]

El 22 de septiembre de 2013, los herederos de Gershwin anunciaron que finalmente se publicaría una edición crítica musicológica de la partitura orquestal completa. La familia Gershwin, en colaboración con la Biblioteca del Congreso y la Universidad de Michigan , está trabajando para poner estas partituras a disposición del público. ^{[126] [127]} Aunque todo el proyecto de Gershwin puede tardar 40 años en completarse, la edición de Rhapsody in Blue será un volumen preliminar. ^{[128] [129]}

Rhapsody in Blue entró en el dominio público el 1 de enero de 2020 , aunque grabaciones individuales de la misma pueden permanecer bajo derechos de autor. ^{[130] [131]}

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Rhapsody in Blue (Gershwin) .

• Rhapsody in Blue: Partituras del Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales
• Rhapsody in Blue: presentación de Yuja Wang en 2016 (video; 16:01) en YouTube
• El manuscrito original de Gershwin para Rhapsody in Blue en la Biblioteca del Congreso