Cine de Europa

El cine europeo se refiere a las industrias cinematográficas y a las películas producidas en el continente europeo .

Los europeos fueron los pioneros de la industria cinematográfica, con varios ingenieros y artistas innovadores que tuvieron un gran impacto, especialmente a fines del siglo XIX. Louis Le Prince se hizo famoso por su escena del jardín de Roundhay de 1888 , la primera película en celuloide grabada.

Los hermanos Skladanowsky de Berlín utilizaron su "Bioscop" para sorprender al público del teatro Wintergarten con la primera proyección de cine de la historia, del 1 al 31 de noviembre de 1895. Los hermanos Lumière crearon el Cinematograph , que dio inicio a la era del cine mudo , un período en el que el cine europeo alcanzó un gran éxito comercial. Se mantuvo así hasta el entorno hostil al arte de la Segunda Guerra Mundial . ^[2] Estos notables descubrimientos ofrecen una visión del poder del cine europeo temprano y su influencia duradera en el cine actual.

Entre los movimientos cinematográficos europeos más notables se encuentran el expresionismo alemán (década de 1920), el montaje soviético (década de 1920), el cine impresionista francés (década de 1920) y el neorrealismo italiano (década de 1940); fue un período que ahora se considera en retrospectiva como "El otro Hollywood" . La guerra ha desencadenado el nacimiento del arte y, en este caso, el nacimiento del cine.

El expresionismo alemán evocaba emociones a través de visiones y escenarios extraños, de pesadilla, muy estilizados y extremadamente visibles a simple vista. El montaje soviético también compartía similitudes y dio origen a montajes cinematográficos famosos conocidos como el efecto Kino-eye, el efecto Kuleshov y el montaje intelectual.

El cine impresionista francés ha creado la esencia de la cinematografía, ya que Francia fue un país pionero en el cine que mostró el nacimiento del cine utilizando el medio inventado por los hermanos Lumière . El neorrealismo italiano diseñó la realidad vívida a través de una lente humana al crear películas de bajo presupuesto al aire libre directamente en las calles de Italia. Todos los movimientos cinematográficos estuvieron muy influenciados por la guerra, pero eso jugó como un catalizador para impulsar la industria cinematográfica a su máximo potencial en Europa.

Los movimientos cinematográficos más destacados de la primera época europea se caracterizaron por convenciones estilísticas, directores destacados y películas históricas que han influido en el cine moderno hasta la actualidad. A continuación, encontrará una lista de directores, películas, premios cinematográficos, festivales de cine y actores que fueron estrellas nacidas de estos movimientos cinematográficos.

Según un estudio, "en el siglo XX la industria cinematográfica europea estaba en buena forma. Las compañías cinematográficas europeas fueron pioneras tanto en innovaciones tecnológicas como la proyección, los procesos de color y las películas sonoras, como en innovaciones de contenido como el noticiero semanal, los dibujos animados, los seriales y los largometrajes. Tenían una gran cuota del mercado estadounidense, que en ocasiones llegó a alcanzar el 60 por ciento.

Las compañías cinematográficas francesas se apresuraron a establecer filiales extranjeras de producción y distribución en países europeos y en los Estados Unidos y dominaron la distribución internacional de películas antes de mediados de la década de 1910. A principios de la década de 1920, todo esto había cambiado. La industria cinematográfica europea sólo tenía una participación marginal en el mercado estadounidense y una pequeña parte de sus mercados nacionales. La mayoría de las grandes compañías europeas vendieron sus filiales extranjeras y abandonaron la producción cinematográfica en su país, mientras que los estudios emergentes de Hollywood construyeron sus redes de distribución extranjeras. ^[3]

La Academia de Cine Europeo se fundó en 1988 para celebrar el cine europeo a través de los Premios de Cine Europeo que se celebran anualmente.

Fundada en 1992 con la financiación del programa MEDIA Europa Creativa y del CNC, Francia , Europa Cinemas es la primera red de salas de cine centrada en el cine europeo. Su objetivo es proporcionar apoyo operativo y financiero a las salas de cine que se comprometan a proyectar un número significativo de películas europeas no nacionales, ofrecer eventos e iniciativas, así como actividades de promoción dirigidas al público joven. ^[5] Con el apoyo de Eurimages y del Ministerio de Asuntos Exteriores francés, la influencia de Europa Cinemas se extiende a los países de Europa del Este, a los Balcanes , Europa del Este , Rusia y Turquía.

En septiembre de 2020 ^[actualizar], Europa Cinemas contaba con 3.131 pantallas en 1.216 cines, ubicados en 738 ciudades y 43 países. ^[5]

El 2 de febrero de 2000 Philippe Binant realizó la primera proyección de cine digital en Europa, con la tecnología DLP Cinema desarrollada por Texas Instruments , en París. ^{[6] [7] [8]}

Hoy en día, las producciones estadounidenses dominan el mercado europeo. En promedio, las películas europeas se distribuyen en solo dos o tres países; las producciones estadounidenses en casi diez. ^{[9] [10]} Las diez películas más vistas en Europa entre 1996 y 2016 fueron todas producciones o coproducciones estadounidenses. Excluyendo las producciones estadounidenses, la película más vista en ese período fue Intouchables , una producción francesa, como la mayoría de las otras películas en el top ten. ^[4] En 2016-2017, la única película (parcialmente) europea en el top ten de las películas más vistas en Europa fue Dunkerque . Excluyéndola (que fue una coproducción de los Países Bajos, el Reino Unido, Francia y los EE. UU. ^[11] ), la película europea con mejores resultados fue Paddington 2 , que vendió 9,1 millones de entradas. ^[12]

El expresionismo alemán surgió como un movimiento artístico alemán a principios del siglo XX. El enfoque de este movimiento se centraba en las ideas y sentimientos internos de los artistas, más que en la reproducción de hechos. Algunos de los rasgos característicos del expresionismo alemán eran los colores brillantes y las formas simplificadas, las pinceladas y las marcas gestuales. Las dos inspiraciones diferentes del estilo cinematográfico de las que se nutre el expresionismo alemán son las películas de terror y el cine negro .

• Robert Wiene
• Fritz Lang
• Frente Marino Murnau
• Arthur Robison
• Pablo Leni

Películas famosas del expresionismo alemán:

• El gabinete del Dr. Caligari (1920) dirigida por Robert Wienne
• Nosferatu (1922) dirigida por F. W. Murnau
• El doctor Mabuse, el jugador (1922), dirigida por Fritz Lang
• Figuras de cera (1924) dirigida por Paul Leni

La industria cinematográfica alemana no estaba preparada cuando estalló la Primera Guerra Mundial . En los primeros días del estallido de la guerra, casi todos los que trabajaban en ella estaban en peligro. Las primeras victorias conseguidas en Occidente cambiaron el ánimo de los alemanes y se volvieron más patrióticos.

Como resultado de esto, los propietarios de salas de cine en Alemania decidieron eliminar todas las películas inglesas y francesas del repertorio de películas alemanas . Casi al mismo tiempo, como las fronteras sufrieron una separación debido a la guerra y el comercio internacional se cerró, los alemanes no pudieron realmente conectarse con el cine internacional durante casi una década. Alrededor de la fecha de julio de 1914, había muchas películas en el mercado alemán. ^[13]

Sin embargo, cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, muchos estados enemigos prohibieron temporalmente las películas y se promulgaron decretos de censura. Todos estos factores provocaron una grave escasez de largometrajes. Los productores cinematográficos alemanes comenzaron a apoyar programas de guerra de carácter patriótico a finales de agosto de 1914.

Las películas comenzaron a incluir escenas que ilustraban ideas relacionadas con la guerra moldeadas por la historia, y se consideraba que las escenas eran una representación históricamente fiel de la realidad. Esta representación de la guerra satisfacía todas las necesidades de los criterios de comunicación clásicos, por lo que tuvo éxito económico. Los productores comenzaron a hacer películas sobre muchos otros temas a principios de 1915. Un tema común de todas esas películas era el exitoso viaje del protagonista a través de la guerra que se presenta como una prueba en el camino hacia el destino final. ^[13]

Si bien existían fuertes regulaciones sobre los comunicados de prensa, no existían reglas uniformes para la censura de imágenes. Durante la Primera Guerra Mundial , las nuevas medidas de censura también prohibieron las películas que ya habían sido aprobadas para su producción por considerarse inadecuadas para la guerra. La censura en esa época estaba muy descentralizada y disuadió el surgimiento de un mercado cinematográfico concertado en Alemania. ^[14]

La primera compañía cinematográfica alemana a la que se le permitió rodar escenas de guerra oficialmente fue EIKO-film. El permiso se concedió el 2 de septiembre de 1914. ^[14] Sin embargo, las primeras películas de guerra realizadas por EIKO-film fueron confiscadas por la policía de Berlín el 12 de septiembre de 1914 debido a las dudas sobre la vigilancia. Este tipo de confiscaciones también se habían observado en otras zonas del país. Fue en octubre de 1914 cuando los cines obtuvieron su primer noticiero de guerra. ^[14] Pero la participación de los operadores de salas de cine en el servicio militar de los territorios ocupados limitó la visualización de películas. El efecto colectivo de estas limitaciones y la censura provocó una disminución de la cinematografía de guerra.

A diferencia de las películas de guerra que se hicieron en las fases iniciales de la guerra, el enfoque de los directores y productores después de la guerra se desplazó cada vez más hacia los largometrajes. Esto sentó las bases para una producción cinematográfica más profesional. Junto con eso, comenzó a expresarse una cultura cinematográfica nacional después de la guerra. Con el aumento de la demanda de películas alemanas, surgieron muchas nuevas empresas cinematográficas. ^[14] Fue una época de expansión continua de la industria cinematográfica de Berlín.

A partir de mediados de 1915, los productores alemanes comenzaron a realizar series de películas policiacas, pero no lograron satisfacer la demanda, a pesar de que también estaban realizando producciones en serie relacionadas con otros géneros. Debido a las leyes de censura y las restricciones legales, las películas francesas y británicas obtenidas antes de la Primera Guerra Mundial continuaron exhibiéndose en la mayoría de los cines de Alemania en 1915 hasta que se impuso una prohibición sobre ellas. Por lo tanto, los operadores de cines buscaron películas realizadas por productores de países neutrales. ^[14]

Durante la primera mitad de la guerra, el gobierno alemán había hecho una propaganda oficial por un solo motivo. En 1916, el significado y la importancia de la guerra se habían vuelto bastante cuestionables, con el inicio de una reevaluación de las películas. Los directores y productores comenzaron a considerar diseños adecuados para el período posterior al fin de la guerra.

Debido al creciente descontento de la gente con la situación militar y la creciente escasez de alimentos, los militares y el estado decidieron fundar la Universum-Film AG (Ufa) el 18 de diciembre de 1917. ^[14] Era una nueva compañía cinematográfica orientada comercialmente que se fundó con el propósito de hacer largometrajes con propaganda encubierta. ^[14] El propósito que se pretendía lograr con estos largometrajes era estabilizar la moral en tiempos de guerra y estimularla.

Los fundadores querían incluir en las películas material civil, no bélico e inofensivo para contribuir a la victoria y desviar la atención del público de la guerra. La Primera Guerra Mundial desempeñó un papel importante en el crecimiento y los cambios técnicos en las leyes y el funcionamiento del cine en Alemania. Los productores alemanes hicieron muchas contribuciones artísticas y técnicas a la tecnología cinematográfica temprana.

El cine de la Unión Soviética estaba formado por películas creadas por las repúblicas constituyentes de la Unión Soviética. Producidas predominantemente en idioma ruso , las películas reflejan elementos presoviéticos, como la historia, el idioma y la cultura de la Unión. Es diferente del cine ruso, aunque el gobierno central de Moscú regulaba las películas.

Entre sus películas republicanas, Georgia , Armenia , Ucrania y Azerbaiyán fueron las más productivas. Moldavia , Bielorrusia y Lituania también han sido prominentes, pero en menor medida. La industria cinematográfica estuvo completamente nacionalizada durante gran parte de la historia del país. Se regía por las leyes y filosofías defendidas por el Partido Comunista Soviético que trajo una perspectiva revolucionaria del cine en forma de "realismo social" que contrastaba con la visión que estaba en vigor antes de la Unión Soviética o incluso después de ella. ^[15]

Los rusos tenían un instinto cinematográfico desde el principio. La primera película dramatizada por los rusos se realizó en el año 1908, lo que le da a la cinematografía rusa el estatus de una de las industrias más antiguas del mundo. Había más de 1300 cines en Rusia hasta el año 1913 y el país había producido más de 100 películas que tuvieron una profunda influencia en la producción cinematográfica de origen americano y europeo. ^[16]

Las películas en la Unión Soviética comenzaron a ser censuradas especialmente a partir de noviembre de 1917, cuando se creó el Comisariado del Pueblo para la Educación. ^[17] Esto ocurrió casi un mes después de que se estableciera el propio Estado soviético. Después de que los bolcheviques ganaran fuerza en la Unión Soviética en el año 1917, tenían un gran déficit de legitimidad política. Las bases políticas eran inestables y el cine jugó un papel importante en la protección de la existencia de la URSS.

Las películas desempeñaron un papel central en esa época, ya que sirvieron para convencer a las masas sobre la legitimidad del régimen y su condición de portadoras de hechos históricos. Algunas de las películas más destacadas de la época incluyen El gran ciudadano y Circo . En marzo de 1919 se creó un comité cinematográfico para establecer una escuela con vistas a capacitar a los técnicos y actores para que pudiera comenzar un modesto programa de producción cinematográfica. El comité estaba encabezado por un miembro veterano del partido bolchevique, DI Leshchenko. Además de cuidar y garantizar la corrección de los géneros y temas de las compañías cinematográficas, Leshchenko también trabajó para disuadir el estallido de la propaganda cinematográfica antisoviética. Fue particularmente importante debido al comunismo de guerra en esa época.

Los documentales y largometrajes del cine soviético alcanzaron su máximo apogeo en la década de 1920. Los cineastas se involucraron con entusiasmo en el desarrollo del primer estado socialista del mundo. En lugar de tener que crear dinero para la industria cinematográfica de Hollywood, los cineastas vieron esto como una oportunidad para centrarse en la educación de la gente del nuevo Soviet. El primer líder del país que se convirtió en la URSS y fundador de la Revolución bolchevique de 1917, Vladimir Ilich Lenin, visualizó el cine como un arte tecnológico que se adaptaba mejor a un estado establecido sobre la base de la conversión de la humanidad por medio de la tecnología y la industria. ^[18] El cine asumió la posición del medio de producción y propagación de arte más valioso entre las masas. La década es conocida por la experimentación con diferentes estilos de realización cinematográfica.

Durante la década de 1920, la URSS estaba adoptando una nueva política económica . Fue una década en la que ciertas industrias tenían un control estatal relajado que proporcionaba a la gente una sensación de minicapitalismo dentro de la economía comunista. Fue una época de prosperidad para las salas de cine privadas y, junto con ellas, prosperó toda la industria cinematográfica soviética. Las películas estadounidenses tuvieron una gran influencia en los rusos, a diferencia de las producciones soviéticas. Muchas estrellas de Hollywood, como Mary Pickford y Douglas Fairbanks, fueron idolatradas como héroes.

El heroico Fairbanks se convirtió en un símbolo sexual y el star system contemporáneo ganó popularidad con Pickford. La reacción soviética a la influencia de Hollywood fue una mezcla de repulsión y admiración. A finales de 1924 se fundaron Sovkino y ARK, dos organizaciones que más influyeron en el cine de la Unión Soviética durante la década. ^[15] Era una época en la que los ambiciosos, entusiastas y jóvenes miembros de la comunidad cinematográfica tenían brillantes planes para la industria cinematográfica. Sus esfuerzos se dirigían a hacer más efectivos y organizados los procesos de producción y distribución y a elevar el estatus de los trabajadores de la industria. En otras palabras, intentaron dar publicidad al cine.

• Mijail Chiaureli
• Grigori Aleksandrov
• Serguéi Fedorovich Bondarchuk
• Aleksandr Dovzhenko
• Serguéi Eisenstein
• Dziga Vertov
• Tarkovski

• El acorazado Potemkin (1925) de Sergei Eisenstein
• Jolly Fellows (1934) dirigida por Grigori Aleksandrov
• El hombre de la cámara (1929) de Dziga Vertov
• Tierra (1930) dirigida por Alexander Dovzhenko

Al igual que las demás formas de arte, el cine cinematográfico retrata la autenticidad que enfrentan varias personas. Francia puede considerarse uno de los principales pioneros de toda la industria cinematográfica mundial. Prueba de ello es que entre 1895 y 1905 Francia inventó el concepto de cine cuando los hermanos Lumière proyectaron su primera película el 28 de diciembre de 1895, titulada La llegada de un tren a la estación de La Ciotat , en París. ^[19]

Duró sólo 50 segundos, pero fue el inicio y el nacimiento de un nuevo medio de expresión en la industria cinematográfica. Lumiére , de Francia, ha sido reconocido desde 1895 como el descubridor de la cámara de movimiento. ^[19] Sin embargo, a pesar de que otros inventores lo precedieron, su logro se considera a menudo en la perspectiva de esta era creativa. ^[18]

La cinematografía de Lumière, del tamaño de una maleta y que era portátil, servía como unidad de dispensación de películas, cámara y proyector, todo en uno. Durante la década de 1890, las salas de cine empezaron a tener una duración de unos pocos minutos y a constar también de varias tomas. ^[20] Otros pioneros también fueron franceses, entre ellos Niépce , Daguerre y Marey , que durante la década de 1880 pudieron combinar la ciencia y el arte para lanzar la industria cinematográfica. ^[19]

Los pioneros del cine francés se vieron influenciados por su herencia histórica derivada de la necesidad de expresar la narrativa de una nación. El siglo XIX en Francia fue un período de nacionalismo iniciado por la Revolución Francesa (1789-1792). ^[21] Marey (1830-1904) inventó la pistola fotográfica (1882) que fue desarrollada para funcionar y poder tener un papel fotográfico de 150 imágenes en movimiento. ^[21] Emile Reynaud 1844-1918 fue el padre fundador de la animación.

El cortometraje de animación Pantomimes Lumineuses , exhibido en 1892 en el Museo Grevin , fue el resultado de su invención, el proyector Praxinoscopio . Esta invención combinaba el color con los dibujos hechos a mano. ^[21] Film Company fue fundada por Gaumont (1864-1946) como el primer estudio cinematográfico de Francia antes de Pathe Film Studio . ^[19] En 1907, Gaumont era el estudio cinematográfico más grande del mundo y también impulsó el trabajo de la primera cineasta, Guy-Blaché, quien creó la película L'enfant de la barricade. ^[19]

Cine francés anterior y posterior a la Primera Guerra Mundial

El período anterior a la Primera Guerra Mundial marcó las influencias del pasado histórico de Francia con el cine no solo galvanizando un período de avances en ciencia e ingeniería, sino también la necesidad de que una película se convirtiera en una plataforma para explorar la narrativa de su cultura y, al hacerlo, creó una plataforma narcisista. ^[21] Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine francés e italiano dominaba el cine europeo. Zecca , el director general de Pathé Frères perfeccionó la versión cómica de la película de persecución que se inspiró en Keystone Kops . ^[22] Además, Max Linder creó un personaje cómico que influyó profundamente en el trabajo de Charlie Chaplin . ^[22]

Otras películas que comenzaron a filmarse en Francia antes de la guerra fueron El asesinato del duque de Guisa y el movimiento de cine de arte de 1908. ^[23] Estas películas retrataban las realidades de la vida humana, especialmente en la sociedad europea. [23] Además, el cine francés produjo espectáculos de época que llamaron la atención y le dieron prominencia mundial antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. [ ^{23 ]}

Antes de la guerra, aproximadamente el 70% de las películas mundiales se importaban de los estudios parisinos Éclair, Gaumont y Pathe. ^[24] Sin embargo, cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, la industria cinematográfica francesa decayó durante la guerra porque perdió muchos de sus recursos, que se destinaron a financiar la guerra. Además, la Primera Guerra Mundial bloqueó la exportación de películas francesas, lo que obligó a reducir las grandes producciones para prestar atención a la producción cinematográfica de bajo presupuesto. ^[20]

Sin embargo, en los años posteriores a la guerra, las películas estadounidenses entraron cada vez más en el mercado francés porque la industria cinematográfica estadounidense no se vio tan afectada por la guerra. Esto significó que un total del 70% de las películas de Hollywood se proyectaron en Francia. ^[20] Durante este período, la industria cinematográfica francesa enfrentó una crisis a medida que el número de sus largometrajes producidos disminuyó y fue superada por sus competidores, incluidos los Estados Unidos de América y Alemania. ^[19]

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el cine francés comenzó a formar su imagen moderna y a reconocer sus efectos posteriores. Tras el establecimiento y el crecimiento de las industrias cinematográficas estadounidense y alemana durante la era posterior a la Primera Guerra Mundial, así como durante la Gran Depresión , ^[20] muchas películas alemanas y estadounidenses habían llegado al escenario del mercado francés y mundial. [ ^20] Además, durante la Segunda Guerra Mundial, la industria cinematográfica francesa se centró principalmente en la producción de películas antinazis, especialmente a fines de la década de 1940, cuando la guerra estaba llegando a su fin. ^[19]

Después de esta era, los directores de la industria cinematográfica francesa comenzaron a abordar los problemas que afectaban al humanismo y se centraron en la producción de películas de entretenimiento de alta eminencia. ^[23] Además, la proyección de clásicos literarios franceses como La Charterhouse y Rouge et le Noir alcanzaron una gran fama en todo el mundo. Además, Nowell-Smith (2017) afirma que una de las principales obras cinematográficas que ganó popularidad durante ese período fue la película dirigida por Resnais , Mon Amour . ^[20] Esto llevó a que Cannes albergara su primer festival de cine internacional que recibió el estatus anual.

La Nouvelle Vague francesa, acompañada de sus formas cinematográficas, dio lugar a una nueva perspectiva del cine francés. El cine tenía diálogos improvisados, cambios de escena rápidos y tomas que iban más allá del eje estándar de 180 grados. Además, la cámara no se utilizaba para cautivar a la audiencia con una narrativa detallada y efectos visuales extremos, sino que se utilizaba para jugar con las expectativas del cine. ^[22] Clásicamente, las convenciones destacaban el control tenso sobre el procedimiento de realización de la película. Además, la Nouvelle Vague evitó esto intencionalmente. Las películas se filmaban generalmente en lugares públicos con diálogos inventados y tramas construidas sobre la marcha. ^[23]

En muchos sentidos, parecía descuidado, pero también capturaba un entusiasmo y una impulsividad que ninguna película famosa podría esperar igualar. ^[23] Además, los cineastas de la Nouvelle Vague francesa generalmente abandonaron el uso de remezclas de su sonido. ^[18] En su lugar, utilizaron una banda sonora naturalista grabada durante la grabación e ilustrada sin alteraciones a pesar de que incluía intrusiones y errores. Además, le dio a la película una sensación de frescura y energía como sus otras habilidades que no estaban en películas anteriores. ^[18] Utilizaron cámaras de mano que podían filmar bien en espacios reducidos generando una familiaridad con la que cámaras más costosas y pesadas no podían rivalizar. ^[18] La mayoría de las películas de la Nouvelle Vague utilizaron tomas largas y extendidas que fueron facilitadas por este tipo de cámaras. ^[20] Por último, las películas francesas utilizaron cortes de salto que sacaron a los espectadores del drama en pantalla, a diferencia de la realización cinematográfica tradicional.

Este fue el cine impresionista francés , que designa a un grupo de películas y cineastas franceses de la década de 1920. Sin embargo, se cree que estos cineastas fueron los responsables de producir películas que definieron el cine. ^[25] El movimiento ocurrió entre 1918 y 1930, un período en el que se produjo un rápido crecimiento y cambio del cine francés y mundial. Uno de los principales estímulos detrás de la vanguardia impresionista francesa fue descubrir la impresión del "cine puro" y convertir el cine en una forma de arte, y como un enfoque de simbolismo y demostración en lugar de simplemente contar una historia. ^[26]

Esta vanguardia puso de relieve la asociación entre el realismo y la cámara. Esto fue resultado de la "fotogenia", la concepción de Epstein de descubrir la impresión de realidad específicamente a través de la cámara, enfatizando el hecho de que retrata la personalidad en el cine. ^[26] Las técnicas cinematográficas obvias utilizadas por la vanguardia impresionista francesa son la cámara lenta, el enfoque suave, los fundidos y la alteración de la imagen para desarrollar la expresión creativa. ^[26]

• Luis Delluc
• Marcel L’Herbier
• Germaine Dulac
• Jean Epstein
• Jean Renoir
• Abel Gance

• Nana (1926) dirigida por Jean Renoir
• La Femme De Nulle Part (1922) de Louis Delluc
• La sonriente Madame Beudet (1922) de Germaine Dulac
• La Dixiéme Symphonie (1918) dirigida por Abel Gance
• J'Accuse (1919) dirigida por Abel Gance
• La Roue (1923) de Abel Gance
• Coeur Fidéle (1923) de Jean Epstien
• El Dorado (1921) dirigida por Marcel L'Herbier
• Napoleón (1927) de Abel Gance

El nacimiento del neorrealismo italiano , también conocido como la Edad de Oro , se produjo al vivir en una sociedad totalitaria bajo la autoridad de Benito Mussolini , un líder nacionalista, fascista y primer ministro de Italia durante 1922 - 1943. ^[28]

Uno de los puntos de inflexión notables en el cine italiano fue el paso del fascismo al neorrealismo. ^[28] Mussolini había establecido a Italia como un estado totalitario en 1925 después de llegar al poder, pero no afectó a la industria cinematográfica hasta 1926 cuando se hizo cargo de L'Unione Cinematografica Educativa , también conocida como el "Instituto Nacional de la Unión de Cinematografía y Educación". ^[29]

El neorrealismo representa una visión modificada de la realidad, y les dio a los italianos la oportunidad de salir a la calle y retratar los efectos devastadores de la Segunda Guerra Mundial en Italia. Las películas neorrealistas italianas mostraban actores no profesionales a propósito, ya que se consideraban películas de bajo presupuesto, y se filmaban en vivo en locaciones especiales. ^[30] Además, enfatizaban el uso de actores no profesionales para exhibir la belleza artística y el sentido del realismo en las películas. ^[30]

Este movimiento cinematográfico en particular se centró en gran medida en la población de clase trabajadora de Italia, ya que también transmitió sus problemas y su vida diaria para retratar la perspectiva de la vida cotidiana en la Italia fascista anterior y posterior a la Primera Guerra Mundial. ^[30] A pesar del liderazgo, influyó gradualmente en las películas italianas a lo largo de esa era; de hecho, solo el 5% de las películas fascistas se produjeron entre 1930 y 1943. ^[29]

Afortunadamente, el neorrealismo italiano presentó al mundo el primer festival de cine en 1932 en Venecia, conocido como la Primera Exposición Internacional de Arte Cinematográfico. ^[29] Dado que el efecto del fascismo en la industria cinematográfica fue bastante lento, recién en 1933 se aplicó una regla que establecía que se debía proyectar una película italiana por cada tres películas extranjeras presentadas. ^[29]

Antes de la Primera Guerra Mundial, el cine italiano dominaba principalmente a nivel nacional como resultado del destacado apoyo de las exportaciones y del mercado local. ^[31] El cine italiano comenzó esencialmente con la introducción de las imágenes en movimiento a fines de la década de 1890; de hecho, la primera película italiana fue una película producida durante 1896 que mostraba la visita de la Reina y el Rey a Florencia. ^[32]

El movimiento de vanguardia comenzó en 1911 con trabajos experimentales e innovaciones en el cine y solo se han conservado unas pocas películas de esa época, incluida Los últimos días de Pompeya (1913), dirigida por Mario Caserini . ^[32]

Durante 1914, el cine italiano produjo 1027 películas, mientras que un año después, durante 1915, solo se crearon 563 películas, casi la mitad de la cantidad del año anterior. ^[29] En el mismo año, la femme fatale italiana se introdujo en la industria y estableció notables actrices y estrellas de cine. ^[32] Eleonora Duse fue una famosa actriz italiana que fue la primera mujer y también la primera italiana en la portada de la revista Time . ^[33] A lo largo de la década de 1930, Cinecittà , un complejo de estudios cinematográficos, se construyó en Roma y fue el hogar de los directores estrella de Italia. ^[32]

Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial también se conocen como el período neorrealista, ya que en él aparecieron los cineastas, directores y guionistas más destacados y distinguidos. ^[28] El neorrealismo italiano fue el movimiento dominante en el cine mundial después de la guerra; de hecho, fue conocido no solo por su dedicado esfuerzo para resolver y enfrentar los problemas sociales, sino que también proporcionó una visión optimista hacia el futuro y mantuvo el choque entre los individuos y la sociedad. ^[29]

Las películas neorrealistas italianas giraban principalmente en torno a temas que describían la vida bajo un régimen autoritario, la pobreza y la clase baja, los efectos de las secuelas de la guerra en la sociedad italiana. ^[34] A pesar de que el cine italiano era considerado de autor, en realidad era tan bueno como las películas de Hollywood de la taquilla con la granulosidad, el tamaño de presupuesto limitado y la calidad de las películas documentales. ^[35] El neorrealismo italiano introdujo una oleada de películas que giraban en torno a conflictos políticos y sociales, pero fueron cautelosos al transmitir doctrinarios o signos contra la autoridad. ^[35] En cambio, las películas estaban fuertemente influenciadas por la literatura, la historia, el arte y la fotografía para ampliar la perspectiva de la audiencia y expandir los horizontes de los entusiastas del cine. ^[35]

Los estilos de películas de propaganda se constituyeron de una variedad de factores con motivos políticos en contribución a las películas que se producían. ^[29] Algunos de los estilos destacados que se presentaron incluyeron películas patrióticas/militares, películas antisoviéticas y la misión de la civilización italiana en África para el mantenimiento de la paz, entre otros estilos. ^[29] En contraste, las películas de género regulares exhibieron melodramas, comedias y dramas históricos de época. ^[29] El término neorrealismo se define como nuevo realismo. ^[36] El significado derivado de la palabra es bastante sofisticado, ya que hace que la audiencia se pregunte hasta qué punto es una película nueva frente a una vieja, así como restringe sus parámetros en relación con la sociedad, la cultura y los períodos de tiempo. ^[36] Por lo tanto, el neorrealismo italiano ha diseñado sus propias características distintivas que se basan en el realismo social, el contenido histórico y la devoción política. ^[31] Las películas provocaron una oleada de emociones crudas entre el actor y la audiencia como resultado de la relación con el humanismo marxista , un concepto que cumplió con el realismo dentro de la película. ^[31]

Para entender mejor el neorrealismo italiano hay que verlo desde una perspectiva que tenga en cuenta la lucha de clases sociales. ^[30] Es esencial distinguir la minoría de la clase trabajadora baja de la población de clase alta y rica y quizás comparar y contrastar sus circunstancias para comprender verdaderamente el realismo social en Italia. ^[30] Después de realizar un análisis general y observar los años 1945-1953, se observó curiosamente que solo el 11% de las 822 películas producidas durante ese período se considerarían películas neorrealistas. ^[31]

A pesar del gran impacto de la Segunda Guerra Mundial en Italia, las películas neorrealistas italianas rechazaron los géneros cinematográficos tradicionales y adoptaron adaptaciones de textos literarios como Cronache Di Poveri Amanti (1954) traducida como Crónica de pobres amantes dirigida por Carlo Lizzani y Senso (1954) dirigida por Luchino Visconti con melodramas románticos y dramas históricos de época. ^[31] Las películas realizadas durante el período neorrealista italiano retrataron una mezcla de rutina y vida cotidiana para enfatizar los elementos realistas como se ve en numerosas películas, incluida Ladrón de bicicletas (1948; también conocida como Ladri di biciclette ) de Vittorio De Sica . La película fue una representación moderna vívida y precisa del sistema socioeconómico (Bondanella, 2009, 86). ^[31] Los efectos de la guerra fueron eternos e incluso han dado forma al cine contemporáneo, ya que les proporcionó historias que vale la pena compartir. ^[31]

• Vittorio De Sica
• Federico Fellini
• Roberto Rossellini
• Luchino Visconti

• Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini
• Lustrabotas (1946) dirigida por Vittorio De Sica
• Paisano (1946) dirigida por Roberto Rossellini
• Alemania Año Cero (1947) dirigida por Roberto Rossellini
• Ladrón de bicicletas (1948) dirigida por Vittorio De Sica
• La Terra Trema (1948) de Luchino Visconti
• Bellísima (1951) de Luchino Visconti
• Milagro en Milán (1951) de Vittorio De Sica
• Umberto D. (1952) dirigida por Vittorio De Sica
• La Strada (1954) de Federico Fellini
• II Posto (1961) de Ermanno Olmi

Los tres grandes festivales de cine son: ^{[38] [39]}

• Berlina
• Cannes
• Venecia

En particular, el Festival de Cine de Venecia es el festival de cine más antiguo del mundo. ^[40]

Otros

• Premios de Cine Europeo
• BAFTA
• Goya
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