Art Decó
20th-century architectural and art style

Art Decó
De arriba a abajo: edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York (1930); cartel de la Feria Mundial de Chicago (1933); y adorno de capó Victoire de René Lalique (1928)
Años de actividadC.  Década de 1910-1950
UbicaciónGlobal

El art déco , abreviatura de arts décoratifs ( literalmente , « artes decorativas » ), [1] es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos que apareció por primera vez en París en la década de 1910 (justo antes de la Primera Guerra Mundial ), [2] y floreció en los Estados Unidos y Europa durante la década de 1920 hasta principios de la de 1930. A través del estilo y el diseño del exterior y el interior de cualquier cosa, desde grandes estructuras hasta pequeños objetos, incluida la apariencia de las personas (ropa, moda y joyas), el art déco ha influido en puentes, edificios (desde rascacielos hasta cines), barcos, transatlánticos , trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos, incluidas radios y aspiradoras. [3] 

El art déco debe su nombre a la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas ( Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes ) celebrada en París en 1925. [4] El art déco tiene su origen en las formas geométricas audaces de la Secesión vienesa y el cubismo . Desde sus inicios, estuvo influenciado por los colores brillantes del fauvismo y de los Ballets Rusos , y los estilos exotizados del arte de China , Japón , India , Persia , el antiguo Egipto y los mayas .

Durante su apogeo, el Art Déco representaba el lujo, el glamour, la exuberancia y la fe en el progreso social y tecnológico. El movimiento se caracterizó por el uso de materiales raros y caros, como el ébano y el marfil, y por una artesanía exquisita. También introdujo nuevos materiales, como el cromado , el acero inoxidable y el plástico. En Nueva York, el Empire State Building , el Chrysler Building y otros edificios de las décadas de 1920 y 1930 son monumentos a este estilo.

En la década de 1930, durante la Gran Depresión , el Art Déco se fue suavizando gradualmente. En esa misma década apareció una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne , que presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. [5] El Art Déco fue un estilo verdaderamente internacional, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna y el estilo arquitectónico internacional que le siguió. [6] [7]

Etimología

El Art Déco tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs , de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, [4] aunque los diversos estilos que lo caracterizaron ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial .

El término Arts décoratifs se utilizó por primera vez en Francia en 1858 en el Bulletin de la Société française de photographie . [8] En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objets d'art décoratifs para los objetos de escenografía creados para el Théâtre de l'Opéra . [9] [10] [11] En 1875, el gobierno francés otorgó oficialmente el estatus de artistas a los diseñadores de muebles, textiles, joyeros, trabajadores del vidrio y otros artesanos. En respuesta, la École royale gratuite de dessin (Real Escuela Libre de Diseño), fundada en 1766 bajo el reinado de Luis XVI para formar a artistas y artesanos en oficios relacionados con las bellas artes, pasó a llamarse École nationale des arts décoratifs ( Escuela Nacional de Artes Decorativas). Tomó su nombre actual, ENSAD ( École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs ), en 1920.

El término art déco no apareció impreso hasta 1966, en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, celebrada por el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , que abarcó una variedad de estilos importantes en las décadas de 1920 y 1930. [12] El término se utilizó luego en un artículo de periódico de 1966 de Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), que describía los diferentes estilos de la exposición. [13]

El art déco ganó popularidad como una etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968 cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre él, Art déco de los años 20 y 30. [ 3] Señaló que el término ya estaba siendo utilizado por los comerciantes de arte, y cita a The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo llamado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos. [14] En 1971, organizó una exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis , que detalla en su libro El mundo del art déco . [15] [16]

En su época, el Art Déco fue etiquetado con otros nombres, como estilo moderno , moderno , modernista o estilo contemporáneo , y no fue reconocido como un estilo distinto y homogéneo. [7]

Orígenes

Nuevos materiales y tecnologías

Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado , fueron clave para el desarrollo y la aparición del Art Déco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en los suburbios de París por François Coignet. En 1877 Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893, Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y, finalmente, en 1913, el Théâtre des Champs-Élysées . El teatro fue denunciado por un crítico como el "Zeppelin de la Avenida Montaigne", una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión vienesa . A partir de entonces, la mayoría de los edificios Art Déco se hicieron de hormigón armado, lo que dio una mayor libertad de forma y menos necesidad de reforzar pilares y columnas. Perret también fue pionero en cubrir el hormigón con baldosas de cerámica , tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier aprendió por primera vez los usos del hormigón armado trabajando como dibujante en el estudio de Perret. [17]

Otras nuevas tecnologías que fueron importantes para el Art Déco fueron los nuevos métodos de producción de vidrio , que era menos costoso y permitía ventanas mucho más grandes y resistentes, y la producción en masa de aluminio , que se utilizó para la construcción y los marcos de las ventanas y, más tarde, por Corbusier, Warren McArthur y otros, para muebles ligeros.

Secesión de Viena y Wiener Werkstätte (1897-1912)

Los arquitectos de la Secesión vienesa (formada en 1897), especialmente Josef Hoffmann , tuvieron una notable influencia en el art déco. Su Palacio Stoclet , en Bruselas (1905-1911), fue un prototipo del estilo art déco, con volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón cubierto con placas de mármol, ornamentos finamente esculpidos e interiores lujosos, incluidos frisos de mosaico de Gustav Klimt . Hoffmann también fue fundador de la Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajaban en el nuevo estilo. Esto se convirtió en el modelo para la Compagnie des arts français , creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe , los primeros diseñadores y decoradores art déco franceses destacados. [18]

Sociedad de Artistas Decorativos (1901-1945)

El surgimiento del Art Déco estuvo estrechamente relacionado con el ascenso del estatus de los artistas decorativos, quienes hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente artesanos. El término arts décoratifs se había inventado en 1875 [ cita requerida ] , otorgando a los diseñadores de muebles, textiles y otros elementos decorativos un estatus oficial. La Société des artistes décorateurs (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, se fundó en 1901, y los artistas decorativos obtuvieron los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. La primera exposición internacional dedicada enteramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , se celebró en Turín en 1902. Varias nuevas revistas dedicadas a las artes decorativas se fundaron en París, entre ellas Arts et décoration y L'Art décoratif moderne . Se introdujeron secciones de artes decorativas en los salones anuales de la Société des artistes français y, más tarde, en el Salon d'Automne . El nacionalismo francés también influyó en el resurgimiento de las artes decorativas, ya que los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, la SAD propuso una nueva e importante exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos, solo obras modernas. La exposición se pospuso hasta 1914; y luego, debido a la guerra, hasta 1925, cuando dio su nombre a toda la familia de estilos conocida como "déco". [19]

Los grandes almacenes parisinos y los diseñadores de moda también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Déco. Empresas prominentes como la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron comenzaron a diseñar productos en estilos más modernos. [20] [21] A partir de 1900, los grandes almacenes reclutaron artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 fue confiada a los grandes almacenes Printemps , [22] [23] y ese año creó su propio taller, Primavera . [23] En 1920, Primavera empleaba a más de 300 artistas, cuyos estilos iban desde versiones actualizadas de los muebles Luis XIV , Luis XVI y especialmente Luis Felipe fabricados por Louis Süe y el taller Primavera , hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre . Otros diseñadores, entre ellos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa, insistiendo en que cada pieza se hiciera individualmente. El estilo Art Déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano , el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados , en particular cestas y ramos de flores de todos los colores, lo que le daba un aspecto modernista. [24]

Salón de Otoño (1903-1914)

En su nacimiento entre 1910 y 1914, el Art Déco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo contrastantes, frecuentemente en diseños florales, presentados en tapicería de muebles , alfombras, biombos, papel tapiz y telas. Muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot se presentaron en el Salón de los Artistas Decoradores de 1912. En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky hizo una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet . [25] Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exhibición de 1912, bajo el nombre de Atelier français , combinando telas policromáticas con materiales exóticos y costosos, incluidos el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtieron en una de las firmas de diseño de interiores francesas más importantes, produciendo el mobiliario para los salones y camarotes de primera clase de los transatlánticos franceses . [ 26]

Los tonos vivos del Art Déco provienen de muchas fuentes, incluyendo los exóticos diseños de escenarios de Léon Bakst para los Ballets Rusos , que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el movimiento fauvismo anterior liderado por Henri Matisse ; otros en el orfismo de pintores como Sonia Delaunay ; [27] otros en el movimiento conocido como Les Nabis , y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, que diseñó mamparas para chimeneas y otros objetos decorativos. Los tonos brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret , cuyo trabajo influyó tanto en la moda como en el diseño de interiores del Art Déco. [26] [28] [29]

Teatro de los Campos Elíseos (1910-1913)

  • Teatro de los Campos Elíseos de Auguste Perret en el número 15 de la avenida Montaigne, París (1910-1913). El hormigón armado permitió a los arquitectos crear nuevas formas y espacios más grandes.
    Teatro de los Campos Elíseos de Auguste Perret en el número 15 de la avenida Montaigne, París (1910-1913). El hormigón armado permitió a los arquitectos crear nuevas formas y espacios más grandes.
  • La Danse, bajorrelieve en la fachada del Théâtre des Champs-Élysées de Antoine Bourdelle (1912)
    La Danse , bajorrelieve en la fachada del Théâtre des Champs-Élysées de Antoine Bourdelle (1912)
  • Interior del Théâtre des Champs-Élysées, con los bajorrelieves de Bourdelle sobre el escenario
    Interior del Théâtre des Champs-Élysées, con los bajorrelieves de Bourdelle sobre el escenario
  • Cúpula del Teatro, con diseño de rosas Art Déco de Maurice Denis
    Cúpula del Teatro, con diseño de rosas Art Déco de Maurice Denis
Apollon et sa méditation entourée des 9 muses ( Apolo y su meditación rodeado de las 9 musas ), bajorrelieve de la fachada del Teatro de los Campos Elíseos de Bourdelle (1910-1912). Esta obra representa uno de los primeros ejemplos de lo que se conocería como escultura Art Déco.

El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , fue el primer edificio emblemático de estilo art déco que se terminó de construir en París. Hasta entonces, el hormigón armado solo se había utilizado en edificios industriales y de apartamentos; Perret había construido el primer edificio de apartamentos moderno de hormigón armado de París en la rue Benjamin Franklin en 1903-04. Henri Sauvage , otro importante arquitecto futuro del estilo art déco, construyó otro en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en la oficina de Perret, donde aprendió las técnicas de construcción con hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, una decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas registradas del art déco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; La fachada estaba decorada con altos relieves de Antoine Bourdelle , una cúpula de Maurice Denis , pinturas de Édouard Vuillard y un telón Art Déco de Ker-Xavier Roussel . El teatro se convirtió en el escenario de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Rusos . [30] Perret y Sauvage se convirtieron en los arquitectos Art Déco más importantes de París en la década de 1920. [31] [32]

Cubismo

Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche) de Joseph Csaky (1912), yeso original, expuesta en el Salon d'Automne de 1912 y en el Salon des Indépendants de 1914 , una escultura proto-Art Déco

El movimiento artístico conocido como cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Decó. [30] [27] [28] En Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s Alastair Duncan escribe "El cubismo, en una forma bastarda u otra, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época". [28] [33] Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne , estaban interesados ​​en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono. [34] [35]

En 1912, los artistas de la Section d'Or expusieron obras considerablemente más accesibles al público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba destinado a atraer a los diseñadores de moda, muebles e interiores. [27] [29] [35] [36]

En la sección Art Décoratif del Salon d'Automne de 1912, se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste . [37] [38] La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon . La decoración de la casa fue de André Mare . [39] [40] La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar: el Salon Bourgeois , donde se colgaron pinturas de Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye . [41] [42] [43] Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real. [44]

La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical para los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada se parecía a una casa corriente de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel pintado, que presentaba rosas estilizadas y patrones florales, junto con la tapicería, los muebles y las alfombras, todos con motivos extravagantes y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió la obra de Mare en la revista Art et Décoration : "No se avergüenza de la simplicidad, ya que multiplica las flores dondequiera que se puedan poner. El efecto que busca es obviamente de pintoresquismo y alegría. Lo consigue". [45] El elemento cubista lo aportaron las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. [46] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. [27] [35] [47] [48] [49] Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a cualquier cosa moderna, desde cortes de pelo de mujeres hasta ropa y representaciones teatrales". [46]

La influencia cubista continuó dentro del Art Déco, incluso cuando el Deco se diversificó en muchas otras direcciones. [27] [28]

La geometría esbozada del cubismo se convirtió en moneda corriente en la década de 1920. El desarrollo de la geometría selectiva del cubismo por parte del Art Déco en una gama más amplia de formas llevó el cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y a un mayor atractivo. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte) [50]

Influencias

Estilos europeos anteriores a la Primera Guerra Mundial

El art déco no fue un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, el art déco fue el sucesor (y la reacción) del art nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y coexistió con las bellas artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y estadounidense. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, [52] en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de los elementos geométricos, las formas, los motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una desviación de) el estilo art nouveau ondulante de Hector Guimard , tan popular en París unos años antes. Grasset destacó el principio de que varias formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. [53]

Civilizaciones antiguas y no europeas

En cuanto a la decoración, el art déco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Incluían arte premoderno de todo el mundo, que se puede observar en el Museo del Louvre , el Museo del Hombre y el Museo Nacional de Artes de África y Oceanía . También hubo un interés popular por la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII dinastía . Los artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , África , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de la era de las máquinas . [57] [58] [59] [60] [61] [62]

Movimientos de vanguardia de principios del siglo XX

Otros estilos tomados fueron el futurismo , el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. El cubismo descubre su potencial decorativo dentro de la estética art déco, cuando se traslada del lienzo a un material textil o papel pintado. Sonia Delaunay concibe sus modelos de vestidos en un estilo abstracto y geométrico, "como pinturas vivas o esculturas de formas vivas". Louis Barrilet crea diseños de estilo cubista en las vidrieras del bar americano del Atrium Casino de Dax (1926), pero también incluye nombres de cócteles de moda. En arquitectura, el claro contraste entre volúmenes horizontales y verticales, específico tanto del constructivismo ruso como de la línea Frank Lloyd Wright - Willem Marinus Dudok , se convierte en un recurso común para articular fachadas art déco, desde casas individuales y edificios de viviendas hasta cines o estaciones de servicio. [69] [35] [57] [70] [71] El Art Déco también utilizó los colores y diseños contrastantes del fauvismo, en particular en la obra de Henri Matisse y André Derain , inspiró los diseños de textiles, papel tapiz y cerámica pintada del Art Déco. [35] Tomó ideas del vocabulario de alta moda de la época, que incluía diseños geométricos, chevrones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por los descubrimientos en egiptología y el creciente interés en Oriente y en el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en una pasión por las nuevas máquinas, como dirigibles, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia resultó en el estilo llamado Streamline Moderne . [72]

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)

El evento que marcó el cenit del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Fue patrocinada oficialmente por el gobierno francés y abarcó un sitio en París de 55 acres, que se extendía desde el Grand Palais en la orilla derecha hasta Les Invalides en la orilla izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala más grande de la ciudad, estaba lleno de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes, incluidos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, Gran Bretaña, Italia, Japón, los Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la nueva Unión Soviética . Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra; Estados Unidos, al no comprender el propósito de la exhibición, se negó a participar. El evento fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de duración. Las reglas de la exposición exigían que todas las obras fueran modernas; no se permitían estilos históricos. El objetivo principal de la exposición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, cristal, metalistería, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los grandes almacenes de París y los principales diseñadores tenían sus propios pabellones. La exposición tenía un objetivo secundario: promover los productos de las colonias francesas en África y Asia, incluidos el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibió los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Decó, alfombras y una pintura de Jean Dupas . El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferenciaban del Art Nouveau, y colores brillantes, artesanía fina, materiales raros y caros que lo diferenciaban de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban profusamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, los de la Unión Soviética y el Pabellón de L'Esprit Nouveau , construidos por la revista del mismo nombre dirigida por Le Corbusier, fueron construidos en un estilo austero con paredes blancas sencillas y sin decoración; fueron uno de los primeros ejemplos de arquitectura modernista . [73]

Art Déco tardío

En 1925, dos escuelas diferentes en competencia coexistieron dentro del Art Déco: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; incluía al diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand , el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaban formas modernas con artesanía tradicional y materiales caros. Por otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances en nuevas tecnologías, la simplicidad, la falta de decoración, los materiales baratos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Entre sus miembros se encontraban los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Le Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray; la diseñadora francesa Sonia Delaunay; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el estilo Art Déco tradicional, que según ellos había sido creado sólo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos debían estar al alcance de todos y que la forma debía seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si era perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa, no a mano. [74] [75] [ página necesaria ]

El diseñador de interiores art déco Paul Follot defendió el art déco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se conforma con lo indispensable y que siempre se necesita lo superfluo... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y los perfumes..." [76] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el art déco era el pasado y el modernismo era el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura, y la estética del art déco fue abandonada. Las mismas características que hicieron popular al art déco en un principio, su artesanía, sus ricos materiales y su ornamentación, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en los Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida el número de clientes ricos que podían pagar los muebles y los objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban dispuestas a construir nuevos rascacielos. [35] Incluso la firma Ruhlmann recurrió a la producción de piezas de mobiliario en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París en el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora el Consejo Económico, Social y Medioambiental de Francia ), el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y ​​el Palacio de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; miraban hacia el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que estaba frente al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el Estilo Internacional iniciado por Le Corbusier y Mies van der Rohe . Se construyeron un puñado de hoteles Art Decó en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó utilizándose en el diseño de automóviles y productos como las máquinas de discos. En la década de 1960, experimentó un modesto resurgimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970 se hicieron esfuerzos en los Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Decó, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. La arquitectura posmoderna , que apareció por primera vez en la década de 1980, como el Art Decó, a menudo incluye características puramente decorativas. [35] [57] [77] [78] El Decó continúa inspirando a los diseñadores y a menudo se utiliza en la moda contemporánea, la joyería y los artículos de tocador. [79]

Cuadro

En la Exposición de 1925 no había ninguna sección reservada para la pintura. La pintura art déco era por definición decorativa, diseñada para decorar una habitación o una obra de arquitectura, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en el estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el art déco. Jean Dupas pintó murales art déco para el pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exhibición de la Maison du Collectionneur en la Exposición de 1925, que presentó muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores art déco. Sus murales también fueron prominentes en la decoración del transatlántico francés SS Normandie . Su trabajo era puramente decorativo, diseñado como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración. [80]

La otra pintora estrechamente asociada con el estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote , y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Déco realista, dinámico y colorido. [81]

En la década de 1930, apareció en Estados Unidos una nueva forma dramática de pintura Art Déco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto de Arte Federal de la Works Progress Administration para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les dio la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No se utilizó un estilo Art Déco específico en los murales; los artistas contratados para pintar murales en edificios gubernamentales provenían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; incluían a Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera . Los murales eran Art Déco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades del edificio o la ciudad donde estaban pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. UU. y mostraron a empleados postales en el trabajo, mientras que Diego Rivera representó a trabajadores de fábricas de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera Hombre en la encrucijada (1933) para 30 Rockefeller Plaza presentó un retrato no autorizado de Lenin . [82] [83] Cuando Rivera se negó a retirar a Lenin, el cuadro fue destruido y se pintó un nuevo mural obra del artista español Josep Maria Sert . [84] [85] [86]

Escultura

Escultura monumental y pública

La escultura fue una característica muy común e integral de la arquitectura Art Déco. En Francia, los bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer monumento Art Déco en París, el Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. La Exposición de 1925 tuvo importantes obras escultóricas colocadas alrededor del sitio, los pabellones estaban decorados con frisos escultóricos y varios pabellones dedicados a esculturas de estudio más pequeñas. En la década de 1930, un gran grupo de escultores destacados realizó obras para la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot hizo las esculturas en relieve en la fachada del Palais de Tokyo. El Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la explanada frente al Palais de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaban abarrotados de nuevas estatuas de Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. [87]

La escultura pública Art Déco era casi siempre figurativa, por lo general de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o la sala. Los temas eran generalmente seleccionados por los mecenas, no por el artista. La escultura abstracta para decoración era extremadamente rara. [88] [89]

En Estados Unidos, el escultor Art Déco más destacado para el arte público fue Paul Manship , que actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Déco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Otras obras importantes para el Rockefeller Center fueron realizadas por Lee Lawrie , incluida la fachada escultórica y la estatua de Atlas .

Durante la Gran Depresión en Estados Unidos, muchos escultores recibieron encargos para realizar obras para la decoración de los edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA, o Works Progress Administration . Entre ellos se encontraba el escultor Sidney Biehler Waugh, que creó imágenes estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus tareas para los edificios de oficinas del gobierno federal. [90] En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó esculturas para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco . En Washington DC, Michael Lantz realizó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .

En Gran Bretaña, las estatuas públicas de estilo Decó fueron realizadas por Eric Gill para la BBC Broadcasting House , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio del Daily Express en Londres (1932).

Una de las esculturas Art Decó públicas más conocidas y sin duda la más grande es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , completado entre 1922 y 1931, ubicado en la cima de una montaña con vista a Río de Janeiro , Brasil.

Escultura de estudio

Muchas de las primeras esculturas del estilo Art Déco eran pequeñas y estaban diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se denominaba estatuilla criselefantina , llamada así por un estilo de estatuas de los templos griegos antiguos hechas de oro y marfil. A veces se hacían de bronce o, a veces, con materiales mucho más suntuosos, como marfil, ónice , alabastro y pan de oro.

Uno de los escultores de salón más conocidos del estilo Art Déco fue el rumano Demétre Chiparus , que produjo pequeñas y coloridas esculturas de bailarinas. Otros escultores de salón notables fueron Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. [91] Otra escultora estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , que había estudiado con Auguste Rodin en París.

Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Déco, cuyo trabajo se exhibió en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónix, oro, alabastro y otros materiales preciosos. [92]

François Pompon fue un pionero de la escultura animalista moderna estilizada . Sus logros artísticos no fueron plenamente reconocidos hasta los 67 años, en el Salón de Otoño de 1922, con la obra Ours blanc , también conocida como El oso blanco , que se encuentra actualmente en el Museo de Orsay de París. [93]

Paralelamente a estos escultores art déco, en París y Nueva York trabajaban escultores modernistas más vanguardistas y abstractos. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo . [94]

Artes gráficas

El estilo Art Déco apareció tempranamente en las artes gráficas, en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en los carteles y los diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos, y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. [95] Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton capturaron perfectamente la elegancia y sensualidad del estilo. En la década de 1920, el aspecto cambió; las modas enfatizadas eran más casuales, deportivas y atrevidas, y las modelos femeninas generalmente fumaban cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue , Vanity Fair y Harper's Bazaar recogieron rápidamente el nuevo estilo y lo popularizaron en los Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el artista de carteles más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein , que creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi. [96]

Durante el periodo Art Nouveau, los carteles solían anunciar productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes, realizados para líneas navieras y aerolíneas, se hicieron muy populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anunciaba. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaban sobre un fondo de un solo color. En Francia, los diseñadores Art Déco populares incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin , que se hizo famoso por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker . Jean Carlu diseñó carteles para películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a fines de la década de 1930 emigró a los Estados Unidos, donde, durante la Guerra Mundial, diseñó carteles para alentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso haciendo carteles para la cantante Mistinguett y para Air France . Entre los diseñadores de carteles Art Déco franceses más conocidos se encontraba Cassandre , que realizó el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935. [96]

En la década de 1930, durante la Gran Depresión, apareció un nuevo género de carteles en Estados Unidos. El Proyecto Federal de Arte contrató a artistas estadounidenses para crear carteles destinados a promocionar el turismo y los eventos culturales.

Arquitectura

Estilos

El estilo arquitectónico art déco hizo su debut en París en 1903-04, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, uno por Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y el otro en la rue Trétaigne por Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos utilizaron hormigón armado por primera vez en edificios residenciales de París; los nuevos edificios tenían líneas limpias, formas rectangulares y ninguna decoración en las fachadas; marcaron una ruptura clara con el estilo art nouveau . [97] Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne . Entre 1925 y 1928 Sauvage construyó la nueva fachada art déco de los grandes almacenes La Samaritaine en París. [98]

El estilo Art Déco no se limitó a los edificios en tierra; el transatlántico SS Normandie , cuyo primer viaje fue en 1935, presentó un diseño Art Déco, incluido un comedor cuyo techo y decoración fueron realizados en vidrio por Lalique . [99]

La arquitectura Art Decó a veces se clasifica en tres tipos: Zigzag [Moderne] (también conocido como Jazz Moderne [100] ); Classic Moderne; y Streamline Moderne . [101]

Zigzag moderno

El Zigzag Moderne (también conocido como Jazz Moderne ) fue el primer estilo que llegó a los Estados Unidos. " Zigzag " se refiere al escalonamiento del contorno de un rascacielos para exagerar su altura, [101] [100] y se utilizó principalmente para grandes edificios públicos y comerciales, en particular hoteles, cines, restaurantes, rascacielos y grandes almacenes. [102]

Clásico moderno

El estilo clásico moderno tiene una apariencia más elegante y tiene menos ornamentación. El estilo clásico moderno también se conoce a veces como PWA ( Public Works Administration ) Moderne o Depression Moderne, ya que fue llevado a cabo por la PWA durante la Gran Depresión . [102] [100] [101]

Modernización aerodinámica

A finales de la década de 1930, una nueva variedad de arquitectura Art Decó se hizo común; se llamó Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, Style Paquebot , o estilo Ocean Liner. Los edificios de este estilo tenían esquinas redondeadas y largas líneas horizontales; estaban construidos de hormigón armado y casi siempre eran blancos; y a veces tenían características náuticas, como barandillas y ojos de buey que se parecían a los de un barco. La esquina redondeada no era completamente nueva; había aparecido en Berlín en 1923 en el Mossehaus de Erich Mendelsohn , y más tarde en el Hoover Building , un complejo industrial en el suburbio londinense de Perivale . En los Estados Unidos, se asoció más estrechamente con el transporte; el Streamline moderne era poco común en los edificios de oficinas, pero a menudo se usaba para estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como la terminal del aeropuerto La Guardia en la ciudad de Nueva York que manejaba los primeros vuelos transatlánticos, a través de los hidroaviones PanAm Clipper; y en la arquitectura de carreteras, como gasolineras y cafeterías. A finales de la década de 1930, se produjeron e instalaron en pueblos de Nueva Inglaterra una serie de cafeterías inspiradas en vagones de ferrocarril aerodinámicos; todavía quedan al menos dos ejemplos que ahora están registrados como edificios históricos. [103]

Tipos de edificios

Rascacielos

Los rascacielos estadounidenses marcaron la cumbre del estilo Art Déco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su iluminación dramática por la noche. [104] El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y Decó en el diseño del edificio. El ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) fue seleccionado para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas de ladrillos dorados (que simbolizan el fuego), y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro rascacielos Art Déco temprano fue el Guardian Building de Detroit , que se inauguró en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland , el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.

El horizonte de la ciudad de Nueva York cambió radicalmente con el edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen . Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de altura para los automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable y estaba adornada con "gárgolas" art déco en forma de decoraciones de acero inoxidable en las tapas de los radiadores. La base de la torre, treinta y tres pisos por encima de la calle, estaba decorada con frisos art déco coloridos, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos art déco e imágenes que expresaban modernidad. [105]

El edificio Chrysler fue rápidamente superado en altura por el Empire State Building de William F. Lamb (1931), en un estilo Decó ligeramente menos suntuoso, y el edificio RCA (ahora 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933), que juntos cambiaron por completo el horizonte de la ciudad de Nueva York. Las partes superiores de los edificios estaban decoradas con coronas y agujas Art Decó recubiertas de acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Decó modeladas a partir de adornos de radiadores, mientras que las entradas y los vestíbulos estaban profusamente decorados con esculturas, cerámicas y diseño Art Decó. Pronto aparecieron edificios similares, aunque no tan altos, en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El Rockefeller Center agregó un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el medio. [106]

"Catedrales del Comercio"

Los grandes escaparates del diseño de interiores Art Déco americano fueron los vestíbulos de los edificios gubernamentales, teatros y, en particular, los edificios de oficinas. Los interiores eran extremadamente coloridos y dinámicos, y combinaban esculturas, murales y diseños geométricos ornamentados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano fue el Edificio Fisher en Detroit, de Joseph Nathaniel French ; el vestíbulo estaba profusamente decorado con esculturas y cerámicas. El Edificio Guardian (originalmente el Edificio Union Trust) en Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorado con mármol rojo y negro y cerámicas de colores brillantes, resaltado por las puertas y mostradores de ascensores de acero muy pulido. La decoración escultórica instalada en las paredes ilustraba las virtudes de la industria y el ahorro; el edificio fue inmediatamente denominado la "Catedral del Comercio". El Edificio Médico y Dental llamado 450 Sutter Street en San Francisco por Timothy Pflueger se inspiró en la arquitectura maya , en una forma muy estilizada; utilizó formas piramidales y las paredes interiores estaban cubiertas con filas de jeroglíficos muy estilizados. [107]

En Francia, el mejor ejemplo de un interior Art Déco durante este período fue el Palais de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade , Léon Jaussely y Léon Bazin . El edificio (ahora Museo Nacional de la Inmigración, con un acuario en el sótano) fue construido para la Exposición Colonial de París de 1931, para celebrar a la gente y los productos de las colonias francesas. La fachada exterior estaba completamente cubierta de esculturas, y el vestíbulo creó una armonía Art Déco con un piso de parquet de madera en un patrón geométrico, un mural que representaba a la gente de las colonias francesas; y una composición armoniosa de puertas verticales y balcones horizontales. [107]

Palacios de cine

Muchos de los mejores ejemplos supervivientes del Art Déco son los cines construidos en los años 1920 y 1930. El periodo Art Déco coincidió con la conversión del cine mudo al sonoro, y las compañías cinematográficas construyeron grandes destinos de exhibición en las principales ciudades para captar la enorme audiencia que acudía a ver películas. Los palacios de cine de la década de 1920 a menudo combinaban temas exóticos con el estilo Art Déco; el Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en las antiguas tumbas y pirámides egipcias , mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California, añadió una torre en estilo Misión de California a una sala Art Déco. El más grande de todos es el Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York, que abrió en 1932. Originalmente diseñado como espacio de representaciones teatrales, rápidamente se transformó en un cine, que podía albergar a 6.015 clientes. El diseño interior de Donald Deskey utilizó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un escape visual de la realidad. El Teatro Paramount de Oakland, California, diseñado por Timothy Pflueger, tenía una fachada de cerámica colorida, un vestíbulo de cuatro pisos y salas de fumadores Art Decó separadas para caballeros y damas. Grandes palacios similares aparecieron en Europa. El Grand Rex de París (1932), con su imponente torre, fue el cine más grande de Europa después de las 6.000 butacas del Gaumont-Palace (1931-1973). El Gaumont State Cinema de Londres (1937) tenía una torre inspirada en el Empire State, cubierta con azulejos de cerámica color crema y un interior de estilo Art Decó-renacentista italiano. El Teatro Paramount de Shanghái, China (1933) fue construido originalmente como una sala de baile llamada La puerta de los 100 placeres ; se convirtió en un cine después de la Revolución Comunista en 1949, y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930, arquitectos italianos construyeron un pequeño palacio de cine, el Cinema Impero, en Asmara , en lo que hoy es Eritrea. En la actualidad, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otras han sido restauradas y se utilizan como centros culturales en sus comunidades. [108]

Decoración y motivos

Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colours of the artistic movement known as the Fauves and by the colourful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline modern style. New materials, such as nickel or chrome-plated steel, aluminium and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.[119]

Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the décor expressed the function of the building. Theatres were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.[120]

Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.[121]

Furniture

  • Chair by Paul Follot (1912–1914)
    Chair by Paul Follot (1912–1914)
  • Armchair by Louis Süe (1912) and painted screen by André Mare (1920)
    Armchair by Louis Süe (1912) and painted screen by André Mare (1920)
  • Dressing table and chair of marble and encrusted, lacquered, and gilded wood by Follot (1919–20)
    Dressing table and chair of marble and encrusted, lacquered, and gilded wood by Follot (1919–20)
  • Corner cabinet of Mahogany with rose basket design of inlaid ivory by Émile-Jacques Ruhlmann (1923)
    Corner cabinet of Mahogany with rose basket design of inlaid ivory by Émile-Jacques Ruhlmann (1923)
  • Cabinet covered with shagreen or sharkskin by André Groult (1925)
    Cabinet covered with shagreen or sharkskin by André Groult (1925)
  • Cabinet by Ruhlmann (1926)
    Cabinet by Ruhlmann (1926)
  • Cabinet design by Ruhlmann
    Cabinet design by Ruhlmann
  • Furniture by Gio Ponti (1927)
    Furniture by Gio Ponti (1927)
  • Desk of an administrator, by Michel Roux-Spitz for the 1930 Salon of Decorative Artists
    Desk of an administrator, by Michel Roux-Spitz for the 1930 Salon of Decorative Artists
  • Art Deco club chair (1930s)
    Art Deco club chair (1930s)
  • Late Art Deco furniture and rug by Jules Leleu (1930s)
    Late Art Deco furniture and rug by Jules Leleu (1930s)
  • A Waterfall style buffet table
    A Waterfall style buffet table

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.[122]

The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[123]

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[124] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[125]

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered Art Deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[126] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[127]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[128] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.

The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[129]

Design

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[59] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[130][131][132][133]

New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Grand dining room of the ocean liner SS Normandie by Pierre Patout (1935); bas-reliefs by Raymond Delamarre

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[35]

Textiles

  • Abundance textile design by André Mare (1911), Metropolitan Museum of Art, New York City
    Abundance textile design by André Mare (1911), Metropolitan Museum of Art, New York City
  • Design of birds from Les Ateliers de Martine by Paul Iribe (1918)
    Design of birds from Les Ateliers de Martine by Paul Iribe (1918)
  • Rose pattern textiles designed by Mare (c. 1919), Metropolitan Museum of Art
    Rose pattern textiles designed by Mare (c. 1919), Metropolitan Museum of Art
  • Rose Mousse pattern for upholstery, cotton and silk (1920), Metropolitan Museum of Art
    Rose Mousse pattern for upholstery, cotton and silk (1920), Metropolitan Museum of Art

Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[134]

The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[135]

Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.[135]

Fashion

The new woman of pre-WW1 days became the Amazon of the Art Deco era. Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced an important innovation to fashion design, the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.[136] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[136] His styles offered structural simplicity[136] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.[136] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.[137]

A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.[138]

Jewelry

In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:

  • emerald cut, with long step-cut facets;
  • asscher cut, more square-shaped than emerald with a high crown and the first diamond cut to ever be patented;
  • marquise cut, to give the illusion of being bigger and bolder;
  • baguette cut: small, rectangular step-cut shapes often used to outline bolder stones;[139]
  • old European cut, round in shape and cut by hand so sparks of color (called fire) flash from within the stone.[140]

The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[141]

Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[141]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[142]

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[142] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[142]

Glass art

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[144]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[144]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[144]

The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[144] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[145]

Metal art

  • A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
    A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
  • Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
    Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
  • Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)
    Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)
  • Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)
    Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[146]

Animation

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[147] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.

Art Deco architecture around the world

Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.

For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.

Africa

Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.

Asia

Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano, Pablo Antonio and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.

The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the 'Ideal Home Exhibition' held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the 'ideal', or better described as the most 'modern' arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.[149]Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.[149] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.[149]

Mumbai's expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.[150] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city's development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.[151][152]

Australia and New Zealand

Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.

Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.[153][154] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.[155]

North America

In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).

In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.

In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.

Central America and the Caribbean

Art Deco buildings can be found throughout Central America, including in Cuba.

Europe

The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne in Berlin, Fritz Höger's Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower [de] in Hanover and the Borsig Tower [af] in Berlin.[157]

One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.[158]

Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).

During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,[57] as well as the design of various public buildings.[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.[78][159][160]

The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,[161] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.

Bucharest, once known as the "Little Paris" of the 19th century, engaged in a new design after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more Art Deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The Art Deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.[162]

South America

Art Deco in South America is especially present in countries that received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh Building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed and is a notable example of late Art Deco style.

Preservation and neo-Art Deco

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic Art Deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest Art Deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an Art Deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[165] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes Art Deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.[165][166][167][168]

See also

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Bibliography

Further reading

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  • Art Deco Miami Beach
  • Art Deco Mumbai
  • Art Deco Montreal
  • Art Deco Society of Washington
  • living room interior design
  • Art Deco Rio de Janeiro
  • Art Deco Shanghai
  • Art Deco Museum in Moscow
  • Art Deco Society New York
  • Art Deco Society of Los Angeles Archived 17 May 2015 at the Wayback Machine
  • Art Deco Walk in Montreal
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