Orson Welles

Orson Welles
Retrato de 1937 de Carl Van Vechten
Nacido	George Orson Welles (1915-05-06)6 de mayo de 1915 Kenosha, Wisconsin , Estados Unidos
Fallecido	10 de octubre de 1985 (1985-10-10)(70 años) Los Ángeles, California, Estados Unidos
Lugar de descanso	Ronda , Andalucía, España
Ocupaciones	Director actor escritor productor
Años de actividad	1931–1985
Trabajo notable	Ciudadano Kane Los magníficos Ambersons La dama de Shangai Toque del mal Campanadas a medianoche F de falso
Esposas	Virginia Nicolson ​ ​ ( nacido en  1934; divorciado en  1940 ) Rita Hayworth ​ ​ ( nació en  1943; se divorció en  1947 ) Paola Mori ​ ( nacido en  1955 )
Fogonadura	Dolores del Río (1940-1943) Oja Kodar (desde 1966)
Niños	3, incluida Beatriz
Firma

George Orson Welles (6 de mayo de 1915 – 10 de octubre de 1985) fue un director, actor, escritor y productor estadounidense, recordado por su trabajo innovador en cine, radio y teatro. ^{[1] [2]} Se le considera uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos. ^[3]

A los 21 años, Welles dirigía producciones teatrales de alto perfil para el Federal Theatre Project en la ciudad de Nueva York, comenzando con una célebre adaptación de Macbeth en 1936 con un elenco afroamericano y terminando con la controvertida ópera laboral The Cradle Will Rock en 1937. Luego, él y John Houseman fundaron el Mercury Theatre , una compañía de teatro de repertorio independiente que presentó una serie de producciones en Broadway hasta 1941, incluida una moderna y políticamente cargada Caesar (1937). En 1938, su serie de antología radiofónica The Mercury Theatre on the Air le dio a Welles la plataforma para encontrar fama internacional como director y narrador de una adaptación radiofónica de la novela de HG Wells La guerra de los mundos , que hizo que algunos oyentes creyeran que, de hecho, estaba ocurriendo una invasión marciana. El evento catapultó a Welles, de 23 años, a la notoriedad. ^[4]

Su primera película fue Ciudadano Kane (1941), que coescribió , produjo, dirigió y protagonizó como el personaje principal, Charles Foster Kane . Ha sido constantemente clasificada como una de las mejores películas jamás realizadas . Dirigió otras doce películas, las más aclamadas de las cuales incluyen The Magnificent Ambersons (1942), The Stranger (1946), The Lady from Shanghai (1947), Sed de mal (1958), El proceso (1962), Campanadas a medianoche (1966) y F for Fake (1973). ^{[5] [6]} Welles también tuvo papeles en películas de otros directores, en particular Rochester en Jane Eyre (1943), Harry Lime en El tercer hombre (1949) y el cardenal Wolsey en Un hombre para la eternidad (1966).

Su estilo distintivo como director se caracterizó por formas narrativas estratificadas y no lineales , iluminación dramática, ángulos de cámara inusuales, técnicas de sonido tomadas de la radio, tomas de enfoque profundo y tomas largas . Ha sido elogiado como "el autor definitivo " . ^{[7] : 6} Welles era un extraño en el sistema de estudios y luchó por el control creativo de sus proyectos al principio con los principales estudios cinematográficos de Hollywood y más tarde en su vida con una variedad de financieros independientes en toda Europa, donde pasó la mayor parte de su carrera. Muchas de sus películas fueron editadas en gran medida o permanecieron inéditas.

Welles recibió un premio Óscar y tres premios Grammy entre otros numerosos honores como el León de Oro en 1947, la Palma de Oro en 1952, el Premio Honorífico de la Academia en 1970, el Premio a la trayectoria del AFI en 1975 y la Beca del British Film Institute en 1983. En 2002, fue votado como el mejor director de cine de todos los tiempos en dos encuestas del British Film Institute entre directores y críticos. ^{[8] [9]} En 2018, fue incluido en la lista de los 50 mejores actores de Hollywood de todos los tiempos por The Daily Telegraph . ^[10]

Welles tuvo tres matrimonios, incluido uno con Rita Hayworth , y tres hijos.

Micheál Mac Liammóir , que trabajó con Welles, de 16 años, en el escenario en Dublín y más tarde interpretó a Yago en su película Otelo , escribió que "el coraje de Orson, como todo lo demás en él, imaginación, egoísmo, generosidad, crueldad, tolerancia, impaciencia, sensibilidad, grosería y visión es magníficamente desproporcionado". ^{[11] : xxxvii}

George Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Kenosha, Wisconsin , hijo de Richard Head Welles (1872–1930) ^{[12] : 26  [13] [a]} y Beatrice Ives Welles ( de soltera Beatrice Lucy Ives; 1883–1924). ^{[13] [14] : 9  [b]} Recibió su nombre en honor a uno de sus bisabuelos, el influyente abogado de Kenosha Orson S. Head , y su hermano George Head. ^{[12] : 37  [c]}

A pesar de la riqueza de su familia, Welles tuvo que afrontar dificultades en su infancia cuando sus padres se separaron y se mudaron a Chicago en 1919. Su padre, que hizo una fortuna como inventor de una popular lámpara para bicicletas, ^[17] se volvió alcohólico y dejó de trabajar. La madre de Welles era una concertista de piano que había estudiado con el pianista y compositor nacido en Polonia Leopold Godowsky . ^[18] Tocaba durante las conferencias de Dudley Crafts Watson en el Art Institute of Chicago para mantenerse a sí misma y a su hijo. De niño, Welles recibió lecciones de piano y violín organizadas por su madre. El hijo mayor de Welles, "Dickie", fue internado a una edad temprana porque tenía dificultades de aprendizaje. Beatrice murió de hepatitis en un hospital de Chicago el 10 de mayo de 1924, justo después del noveno cumpleaños de Welles. ^{[19] : 3–5  [20] : 326} El Cuarteto de Cuerdas Gordon, predecesor del Cuarteto de Cuerdas Berkshire , que había hecho su primera aparición en su casa en 1921, tocó en el funeral de Beatrice. ^{[21] [22]}

Después de la muerte de su madre, Welles dejó de perseguir una carrera musical. Se decidió que pasaría el verano con la familia Watson en una colonia de arte privada establecida por Lydia Avery Coonley Ward en el pueblo de Wyoming en la región de Finger Lakes de Nueva York. ^{[23] : 8} Allí, tocó y se hizo amigo de los hijos del Aga Khan , incluido el príncipe Aly Khan de 12 años . ^[d] Luego, en lo que Welles más tarde describió como "un período agitado" en su vida, vivió en un apartamento de Chicago con su padre y Maurice Bernstein, un médico de Chicago que había sido amigo cercano de sus padres. Welles asistió brevemente a la escuela pública ^{[24] : 133} antes de que su padre alcohólico dejara el negocio por completo y lo llevara en sus viajes a Jamaica y el Lejano Oriente. Cuando regresaron, se instalaron en un hotel en Grand Detour, Illinois , que era propiedad de su padre. Cuando el hotel se incendió, Welles y su padre tomaron la carretera nuevamente. ^{[23] : 9}

"Durante los tres años que Orson vivió con su padre, algunos observadores se preguntaron quién cuidaba de quién", escribió el biógrafo Frank Brady. ^{[23] : 9}

"En cierto modo, nunca fue realmente un niño pequeño, ¿sabes?", dijo Roger Hill (1895-1990), quien se convirtió en el maestro y amigo de toda la vida de Welles. ^{[25] : 24}

Welles asistió brevemente a la escuela pública en Madison, Wisconsin, inscrito en el cuarto grado. ^{[23] : 9} El 15 de septiembre de 1926, ingresó al Todd Seminary for Boys , ^{[24] : 3} una costosa escuela independiente en Woodstock, Illinois , a la que su hermano mayor, Richard Ives Welles, había asistido diez años antes hasta que fue expulsado por mala conducta. ^{[12] : 48} En la Todd School, Welles estuvo bajo la influencia de Roger Hill, un maestro que más tarde fue el director de Todd. Hill proporcionó a Welles un entorno educativo ad hoc que resultó invaluable para su experiencia creativa, lo que le permitió a Welles concentrarse en temas que le interesaban. Welles realizó y escenificó experimentos y producciones teatrales allí. ^[26]

"Todd le proporcionó a Welles muchas experiencias valiosas", escribió el crítico Richard France. "Pudo explorar y experimentar en una atmósfera de aceptación y estímulo. Además de un teatro, la estación de radio de la escuela estaba a su disposición". ^{[28] : 27} La primera experiencia de radio de Welles fue en la estación de Todd, donde interpretó una adaptación de Sherlock Holmes escrita por él. ^{[19] : 7}

El 28 de diciembre de 1930, cuando Welles tenía 15 años, su padre murió de insuficiencia cardíaca y renal a la edad de 58 años, solo en un hotel de Chicago. Poco antes de esto, Welles le había dicho a su padre que se negaba a verlo hasta que dejara de beber. Welles sufrió una culpa y una desesperación de por vida que no pudo expresar. "Esa fue la última vez que lo vi", le dijo Welles a la biógrafa Barbara Leaming 53 años después. "Nunca, nunca... No quiero perdonarme a mí mismo". ^{[25] : 32–33, 463} El testamento de su padre dejó en manos de Welles el nombramiento de su tutor. Cuando Roger Hill se negó, eligió al Dr. Maurice Bernstein, ^{[29] : 71–72} un médico y amigo de la familia. ^{[30] [31]}

Tras graduarse en Todd en mayo de 1931, ^{[24] : 3} Welles recibió una beca para el Harvard College , mientras que su mentor Roger Hill le recomendó que asistiera al Cornell College en Iowa. ^[32] En cambio, Welles eligió viajar. Estudió durante unas semanas en el Art Institute of Chicago ^{[33] : 117} con Boris Anisfeld , quien lo animó a dedicarse a la pintura. ^{[23] : 18}

Welles volvía ocasionalmente a Woodstock, lugar que finalmente mencionó cuando le preguntaron en una entrevista en 1960: "¿Dónde está su hogar?". Welles respondió: "Supongo que es Woodstock, Illinois, si es que hay algún lugar. Fui a la escuela allí durante cuatro años. Si trato de pensar en un hogar, es ese". ^[34]

Después de la muerte de su padre, Welles viajó a Europa utilizando una pequeña parte de su herencia. Welles dijo que mientras estaba en un viaje a pie y pintando por Irlanda, entró en el Gate Theatre en Dublín y afirmó que era una estrella de Broadway. El gerente del Gate, Hilton Edwards , dijo más tarde que no le había creído, pero que estaba impresionado por su descaro y la apasionada audición que dio. ^{[35] : 134} Welles hizo su debut en el escenario en el Gate Theatre el 13 de octubre de 1931, apareciendo en la adaptación de Ashley Dukes de Jud Süß como el duque Karl Alexander de Württemberg. Interpretó pequeños papeles secundarios en producciones posteriores de Gate, y produjo y diseñó producciones propias en Dublín. En marzo de 1932, Welles actuó en The Circle de W. Somerset Maugham en el Abbey Theatre de Dublín y viajó a Londres para encontrar trabajo adicional en el teatro. Al no poder obtener un permiso de trabajo, regresó a los EE. UU. ^{[20] : 327–330}

Welles encontró que su fama era efímera y se dedicó a un proyecto de escritura en la Todd School que tuvo un éxito inmenso, primero titulado Everybody's Shakespeare , ^{[36] [37]} para los primeros tres volúmenes, ^[38] y posteriormente, The Mercury Shakespeare . En la primavera de 1933, Welles viajó a bordo del SS Exermont , un barco de vapor, escribiendo la introducción de los libros. Después de desembarcar en Marruecos, se quedó como invitado de Thami El Glaoui , en las montañas del Atlas que rodean Tánger , ^[39] mientras trabajaba en miles de ilustraciones para la serie de libros educativos Everybody's Shakespeare , una serie que permaneció impresa durante décadas. ^{[ cita requerida ]}

En 1933, Hortense y Roger Hill invitaron a Welles a una fiesta en Chicago , donde Welles conoció a Thornton Wilder . Wilder organizó que Welles conociera a Alexander Woollcott en Nueva York para que le presentara a Katharine Cornell , que estaba reuniendo una compañía de teatro para una gira de repertorio transcontinental de siete meses . El marido de Cornell, el director Guthrie McClintic , inmediatamente contrató a Welles y lo eligió para tres obras. ^{[23] : 46–49} Romeo y Julieta , Los pasadores de la calle Wimpole y Candida comenzaron a realizar giras de repertorio en noviembre de 1933, y la primera de más de 200 representaciones se llevaron a cabo en Buffalo, Nueva York. ^{[20] : 330–331}

En 1934, Welles consiguió su primer trabajo en la radio, con The American School of the Air , a través del actor y director Paul Stewart , quien le presentó al director Knowles Entrikin. ^{[20] : 331} Ese verano, Welles organizó un festival de teatro con la Todd School en la Ópera de Woodstock, Illinois, invitando a Micheál Mac Liammóir y Hilton Edwards del Gate Theatre de Dublín a aparecer junto con luminarias del teatro de Nueva York en producciones que incluían Trilby , Hamlet , The Drunkard y Tsar Paul . En la antigua estación de bomberos de Woodstock, también filmó su primera película, un corto de ocho minutos titulado The Hearts of Age . ^{[20] : 330–331}

El 14 de noviembre de 1934, Welles se casó con la actriz y socialité de Chicago Virginia Nicolson ^{[20] : 332} (a menudo mal escrita "Nicholson") ^[40] en una ceremonia civil en Nueva York. Para apaciguar a los Nicolson, que estaban furiosos por la fuga de la pareja, se celebró una ceremonia formal el 23 de diciembre de 1934 en la mansión de Nueva Jersey de la madrina de la novia. Welles lució un vestido con escote pronunciado que le había prestado su amigo George Macready . ^{[29] : 182}

El 20 de diciembre de 1934 se estrenó una producción revisada de Romeo y Julieta de Katharine Cornell en el Teatro Martin Beck de Nueva York. ^{[20] : 331–332  [41]} La producción de Broadway atrajo la atención de John Houseman , un productor teatral que estaba buscando el papel principal en la producción debut de una de las obras en verso de Archibald MacLeish , sobre Welles, de 19 años . ^{[42] : 144–158} El 22 de marzo de 1935, Welles hizo su debut en la serie de radio de CBS The March of Time , interpretando una escena de Panic para un reportaje de noticias sobre la producción teatral. ^{[23] : 70–71}

En 1935, Welles complementaba sus ganancias en el teatro como actor de radio en Manhattan , trabajando con muchos actores que luego formaron el núcleo de su Mercury Theatre en programas como America's Hour , Cavalcade of America , Columbia Workshop y The March of Time . ^{[20] : 331–332} "Un año después de su debut, Welles podía reclamar su membresía en esa élite de actores de radio que cobraban salarios solo superados por las estrellas de cine mejor pagadas", escribió el crítico Richard France . ^{[28] : 172}

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  Macbeth (1936)
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  El caballo se come el sombrero (1936)
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  Fausto (1937)
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  La cuna se balanceará (1937)

Parte de la Works Progress Administration , el Federal Theatre Project (1935-1939) fue un programa del New Deal para financiar el teatro y otras representaciones artísticas en vivo y programas de entretenimiento en los Estados Unidos durante la Gran Depresión . Fue creado como una medida de alivio para emplear a artistas, escritores, directores y trabajadores del teatro. Bajo la dirección nacional de Hallie Flanagan, se convirtió en un teatro verdaderamente nacional que creó arte relevante, alentó la experimentación y la innovación e hizo posible que millones de estadounidenses vieran teatro en vivo por primera vez. ^[43]

John Houseman , director de la Unidad de Teatro Negro de Nueva York, invitó a Welles a unirse al Proyecto de Teatro Federal en 1935. Lejos de estar desempleado —"Estaba tan ocupado que me olvidé de cómo dormir"—, Welles invirtió una gran parte de sus ingresos de 1.500 dólares semanales en la radio en sus producciones teatrales, evitando los trámites administrativos y montando los proyectos de forma más rápida y profesional. " Roosevelt dijo una vez que yo era el único operador en la historia que alguna vez desvió dinero ilegalmente a un proyecto de Washington", dijo Welles. ^{[20] : 11–13}

El Federal Theatre Project era el entorno ideal en el que Welles podía desarrollar su arte. Su finalidad era el empleo, por lo que pudo contratar a cualquier cantidad de artistas, artesanos y técnicos, y llenó el escenario de intérpretes. ^{[44] : 3} La compañía para la primera producción, una adaptación de Macbeth de William Shakespeare con un elenco enteramente afroamericano, contaba con 150 integrantes. ^[45] La producción se hizo conocida como Voodoo Macbeth porque Welles cambió el escenario a una isla mítica que sugería la corte haitiana del rey Henri Christophe , ^{[46] : 179–180} con el vudú haitiano cumpliendo el papel de la brujería escocesa . ^{[47] : 86} La obra se estrenó el 14 de abril de 1936 en el Teatro Lafayette de Harlem y fue recibida con entusiasmo. A los 20 años, Welles fue aclamado como un prodigio. ^[48] ​​La producción luego realizó una gira nacional de 4.000 millas ^{[20] : 333  [49]} que incluyó dos semanas en la Exposición del Centenario de Texas en Dallas. ^[50]

A continuación se montó la farsa Horse Eats Hat , una adaptación de Welles y Edwin Denby de The Italian Straw Hat , una farsa de cinco actos de 1851 de Eugène Marin Labiche y Marc-Michel . ^{[25] : 114} La obra se presentó del 26 de septiembre al 5 de diciembre de 1936 en el Maxine Elliott's Theatre de Nueva York, ^{[20] : 334} y contó con Joseph Cotten en su primer papel protagonista. ^{[51] : 34} Le siguió una adaptación de Dr. Faustus que utilizó la luz como un elemento escénico unificador principal en un escenario casi negro, presentada del 8 de enero al 9 de mayo de 1937 en el Maxine Elliott's Theatre. ^{[20] : 335}

Fuera del ámbito del Proyecto Federal de Teatro, ^{[28] : 100} El compositor estadounidense Aaron Copland eligió a Welles para dirigir The Second Hurricane (1937), una opereta con libreto de Edwin Denby. Presentada en la Henry Street Settlement Music School de Nueva York para beneficio de los estudiantes de secundaria, la producción se estrenó el 21 de abril de 1937 y tuvo sus tres funciones programadas. ^{[20] : 337}

En 1937, Welles ensayó la ópera política de Marc Blitzstein , The Cradle Will Rock . ^[52] Originalmente estaba previsto que se estrenara el 16 de junio de 1937, en su primer preestreno público. Debido a los recortes en los proyectos de la WPA, el estreno del espectáculo en el Teatro Maxine Elliott se canceló. El teatro fue cerrado y vigilado para evitar que cualquier material comprado por el gobierno se utilizara para una producción comercial de la obra. En un movimiento de último momento, Welles anunció a los poseedores de entradas que esperaban que el espectáculo se trasladaría al Venice , a 20 cuadras de distancia. Algunos actores, y algunos miembros del equipo y la audiencia, caminaron la distancia a pie. Los músicos sindicalizados se negaron a actuar en un teatro comercial por salarios gubernamentales no sindicalizados más bajos. El sindicato de actores declaró que la producción pertenecía al Proyecto Federal de Teatro y no podía representarse fuera de ese contexto sin permiso. A falta de la participación de los miembros del sindicato, The Cradle Will Rock comenzó con Blitzstein presentando el espectáculo y tocando el piano en el escenario con algunos miembros del elenco actuando desde el público. Esta actuación improvisada fue bien recibida por el público.

En 1937, tras romper con el Federal Theatre Project , Welles y Houseman fundaron su propia compañía de repertorio, a la que llamaron Mercury Theatre. El nombre se inspiró en el título de la revista iconoclasta The American Mercury . ^{[23] : 119–120} Welles fue el productor ejecutivo y la compañía original incluyó a actores como Joseph Cotten , George Coulouris , Geraldine Fitzgerald , Arlene Francis , Martin Gabel , John Hoyt , Norman Lloyd , Vincent Price , Stefan Schnabel e Hiram Sherman .

"Creo que fue el director con mayor talento que hemos tenido en el teatro [estadounidense]", dijo Lloyd sobre Welles en una entrevista de 2014. "Cuando veías una producción de Welles, veías que el texto había sido manipulado, la puesta en escena era notable, los decorados eran inusuales, la música, el sonido, la iluminación, una totalidad de todo. Nunca habíamos tenido un hombre así en nuestro teatro. Fue el primero y sigue siendo el más grande". ^[53]

El Mercury Theatre abrió el 11 de noviembre de 1937 con Caesar , la adaptación de Welles con vestuario moderno de la tragedia de Shakespeare Julio César , simplificada hasta convertirse en un tour de force antifascista que Joseph Cotten describió más tarde como "tan vigoroso, tan contemporáneo que puso a Broadway patas arriba". ^{[51] : 108} El decorado estaba completamente abierto sin telón, y la pared de ladrillo del escenario estaba pintada de rojo oscuro. Los cambios de escena se consiguieron solo con la iluminación. ^{[54] : 165} En el escenario había una serie de gradas; los cuadrados se cortaron en uno a intervalos y las luces, diseñadas por Jean Rosenthal , se colocaron debajo de ellas, apuntando hacia arriba para evocar la " catedral de la luz " de los mítines de Núremberg . ^[55] "Lo puso en escena como un melodrama político que sucedió la noche anterior", dijo Lloyd. ^[53]

A partir del 1 de enero de 1938, Caesar se representó en repertorio con The Shoemaker's Holiday ; ambas producciones se trasladaron al National Theatre , de mayor tamaño . Les siguieron Heartbreak House (29 de abril de 1938) y Danton's Death (5 de noviembre de 1938). ^{[44] : 344} Además de presentarse en una versión oratoria reducida en el Mercury Theatre los domingos por la noche en diciembre de 1937, The Cradle Will Rock estuvo en el Windsor Theatre durante 13 semanas (del 4 de enero al 2 de abril de 1938). ^{[20] : 340} Tal fue el éxito del Mercury Theatre que Welles apareció en la portada de la revista Time , con el maquillaje completo como el capitán Shotover en Heartbreak House , en la edición del 9 de mayo de 1938, tres días después de su 23.º cumpleaños. ^[56]

Simultáneamente con su trabajo en el teatro, Welles trabajó extensamente en la radio como actor, escritor, director y productor, a menudo sin crédito. ^{[44] : 77} Entre 1935 y 1937 ganaba hasta $ 2,000 por semana, yendo y viniendo entre estudios de radio a tal ritmo que llegaba apenas a tiempo para un escaneo rápido de sus líneas antes de estar en el aire. Mientras dirigía Voodoo Macbeth, Welles viajaba entre Harlem y el centro de Manhattan tres veces al día para cumplir con sus compromisos de radio. ^{[28] : 172} Además de continuar como intérprete de repertorio en The March of Time , en el otoño de 1936 Welles adaptó e interpretó Hamlet en uno de los primeros episodios de dos partes del Columbia Workshop de CBS Radio . Su actuación como locutor en la presentación de la serie en abril de 1937 del drama en verso de Archibald MacLeish La caída de la ciudad fue un avance importante en su carrera radial ^{[44] : 78} y convirtió a Welles, de 21 años, en una estrella de la noche a la mañana. ^{[57] : 46}

En julio de 1937, la Mutual Network le dio a Welles una serie de siete semanas para adaptar Los miserables . Fue su primer trabajo como guionista y director de radio, ^{[20] : 338} el debut del Mercury Theatre y uno de los primeros y mejores logros de Welles. ^{[58] : 160} Inventó el uso de la narración en la radio. ^{[20] : 88}

"Al convertirse en el centro del proceso narrativo, Welles fomentó la impresión de autoadulación que perseguiría su carrera hasta el día de su muerte", escribió el crítico Andrew Sarris . "Sin embargo, en general, Welles fue singularmente generoso con los demás miembros de su elenco e inspiró en ellos una lealtad que iba más allá de lo que exige el profesionalismo". ^{[57] : 8}

Ese mismo mes de septiembre, Mutual eligió a Welles para interpretar a Lamont Cranston, también conocido como The Shadow . Interpretó el papel hasta mediados de septiembre de 1938. ^{[44] : 83  [59]}

Tras los éxitos teatrales del Mercury Theatre , CBS Radio invitó a Orson Welles a crear un programa de verano durante 13 semanas. La serie comenzó el 11 de julio de 1938 con la fórmula de que Welles interpretaría el papel principal en cada programa. ^[57] El programa semanal de una hora de duración presentaba obras de radio basadas en obras literarias clásicas, con música original compuesta y dirigida por Bernard Herrmann .

La adaptación radiofónica de La guerra de los mundos de HG Wells para el Mercury Theatre el 30 de octubre de 1938 le dio fama instantánea. Más tarde se informó que la combinación de la forma de boletín de noticias de la representación con los hábitos de los oyentes de girar el dial entre los descansos creó una confusión generalizada entre los oyentes que no escucharon la introducción, aunque se ha puesto en duda el alcance de esta confusión. ^{[4] [60] [61] [62]} Se dice que se extendió el pánico entre los oyentes que creyeron las noticias ficticias sobre una invasión marciana. ^[63] El mito del resultado creado por la combinación fue reportado como un hecho en todo el mundo y Adolf Hitler lo mencionó despectivamente en un discurso público. ^[64]

La creciente fama de Welles atrajo ofertas de Hollywood , tentaciones a las que Welles, de espíritu independiente, se resistió al principio. The Mercury Theatre on the Air , que había sido un programa sostenible (sin patrocinio), fue retomado por Campbell Soup y rebautizado como The Campbell Playhouse . ^[65] The Mercury Theatre on the Air hizo su última emisión el 4 de diciembre de 1938, y The Campbell Playhouse comenzó cinco días después.

Welles comenzó a viajar de California a Nueva York para las dos transmisiones dominicales de The Campbell Playhouse después de firmar un contrato cinematográfico con RKO Pictures en agosto de 1939. En noviembre de 1939, la producción del programa se trasladó de Nueva York a Los Ángeles. ^{[20] : 353}

Después de 20 programas, Campbell comenzó a ejercer un mayor control creativo y tenía control total sobre la selección de historias. Cuando su contrato con Campbell llegó a su fin, Welles decidió no firmar para otra temporada. Después de la transmisión del 31 de marzo de 1940, Welles y Campbell se separaron amistosamente. ^{[23] : 221–226}

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  Ciudadano Kane (1941)
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  Los magníficos Ambersons (1942)
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  Viaje al miedo (1943)
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  El extranjero (1946)
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  La dama de Shangai (1947)
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  Macbeth (1948)

El presidente de RKO Radio Pictures, George Schaefer, finalmente le ofreció a Welles lo que generalmente se considera el mejor contrato ofrecido a un cineasta, y mucho más a uno que no tenía experiencia. Al comprometerlo a escribir, producir, dirigir y actuar en dos películas, el contrato subordinaba los intereses financieros del estudio al control creativo de Welles y rompía todos los precedentes al otorgarle a Welles el derecho de corte final. ^{[66] : 1–2} Después de firmar un acuerdo sumario con RKO el 22 de julio, Welles firmó un contrato completo de 63 páginas el 21 de agosto de 1939. ^{[20] : 353} El acuerdo fue resentido amargamente por los estudios de Hollywood y persistentemente ridiculizado en la prensa especializada. ^{[66] : 2}

RKO rechazó las dos primeras propuestas cinematográficas de Welles, ^{[66] : 3–15} pero aceptó la tercera oferta: Ciudadano Kane . Welles coescribió, produjo y dirigió la película, y desempeñó el papel principal. ^[67] Welles concibió el proyecto con el guionista Herman J. Mankiewicz , que estaba escribiendo obras de radio para The Campbell Playhouse . ^{[66] : 16} Mankiewicz basó el esquema original del guion de la película en la vida de William Randolph Hearst , a quien conoció y llegó a odiar después de ser exiliado del círculo de Hearst. ^{[68] : 231}

Después de llegar a un acuerdo sobre la trama y los personajes, Welles le entregó a Mankiewicz 300 páginas de notas y lo contrató para escribir el primer borrador del guion bajo la supervisión de John Houseman . Welles escribió su propio borrador, ^{[20] : 54} luego condensó y reorganizó drásticamente ambas versiones y agregó escenas propias. La industria acusó a Welles de restar importancia a la contribución de Mankiewicz al guion, pero Welles contrarrestó los ataques diciendo: "Al final, naturalmente, fui yo quien hizo la película, después de todo, quien tuvo que tomar las decisiones. Usé lo que quería de Mankiewicz y, correcta o incorrectamente, me quedé con lo que me gustaba de lo mío". ^{[20] : 54}

El proyecto de Welles atrajo a algunos de los mejores técnicos de Hollywood, incluido el director de fotografía Gregg Toland . ^[67] Para el reparto, Welles utilizó principalmente actores de su Mercury Theatre. El rodaje de Ciudadano Kane duró diez semanas. ^[67] Welles llamó a Toland "el mayor don que cualquier director, joven o viejo, podría tener jamás. Y nunca intentó convencernos de que estaba haciendo milagros. Simplemente siguió adelante y los hizo. Le pedí que hiciera cosas que solo un principiante podría ser lo suficientemente ignorante como para pensar que alguien podría hacer, y allí estaba, haciéndolas ". ^[69]

La banda sonora de la película estuvo a cargo de Bernard Herrmann , que había trabajado con Welles en la radio. Welles dijo que trabajó con Hermann en la banda sonora "muy íntimamente". ^[70]

Los periódicos de Hearst prohibieron toda referencia a Ciudadano Kane y ejercieron una enorme presión sobre la comunidad cinematográfica de Hollywood para obligar a RKO a archivar la película. ^{[66] : 111} El jefe de RKO, George Schaefer, recibió una oferta en efectivo de Louis B. Mayer de MGM y otros ejecutivos de estudios importantes si destruía los negativos y las copias existentes de la película. ^{[66] : 112}

Mientras esperaba el estreno de Ciudadano Kane , Welles produjo y dirigió la producción original de Broadway de Hijo nativo , un drama escrito por Paul Green y Richard Wright basado en la novela de Wright . Protagonizada por Canada Lee , el espectáculo se representó del 24 de marzo al 28 de junio de 1941 en el Teatro St. James . La producción de Mercury fue la última vez que Welles y Houseman trabajaron juntos. ^{[44] : 12}

Ciudadano Kane tuvo un estreno limitado y la película recibió elogios abrumadores de la crítica. Fue votada como la mejor película de 1941 por la National Board of Review y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York . La película obtuvo nueve nominaciones al Oscar, pero solo ganó por Mejor guion original , compartido por Mankiewicz y Welles. Variety informó que la votación en bloque de los extras de pantalla privó a Ciudadano Kane de los Oscar a Mejor película y Mejor actor (Welles), y es probable que prejuicios similares hayan sido responsables de que la película no recibiera premios técnicos. ^{[66] : 117}

El retraso en el estreno de la película y su distribución desigual contribuyeron a los mediocres resultados en taquilla. Después de que siguió su curso en los cines, Ciudadano Kane fue retirado a la bóveda en 1942. Sin embargo, en la Francia de posguerra, la reputación de la película creció después de que se vio allí por primera vez en 1946. ^{[66] : 117–118} En los Estados Unidos, comenzó a ser reevaluada después de que apareció en televisión en 1956. Ese año también se volvió a estrenar en los cines, ^{[66] : 119} y el crítico de cine Andrew Sarris la describió como "la gran película estadounidense" y "la obra que influyó en el cine más profundamente que cualquier película estadounidense desde El nacimiento de una nación ". ^[71] Ciudadano Kane es ahora ampliamente aclamada como una de las mejores películas jamás realizadas. ^[72] De 1962 a 2012, encabezó la encuesta decenal Sight and Sound de las mejores películas de todos los tiempos. ^[73]

"El destino de The Magnificent Ambersons es una de las grandes tragedias de la historia del cine", escribió el historiador de cine Robert L. Carringer. ^{[74] : 1} Fue la segunda película de Welles para RKO, adaptada por Welles de la novela de Booth Tarkington ganadora del premio Pulitzer de 1918 sobre las fortunas en declive de una familia adinerada del Medio Oeste y los cambios sociales provocados por la era del automóvil . Toland no estaba disponible, por lo que Stanley Cortez fue nombrado director de fotografía. El meticuloso Cortez trabajó lentamente y la película se retrasó con respecto al cronograma y superó el presupuesto. En las renegociaciones del contrato con RKO sobre una película que estaba obligado a dirigir, Welles había concedido su derecho a controlar el corte final. ^[75]

The Magnificent Ambersons estuvo en producción del 28 de octubre de 1941 al 22 de enero de 1942, ^[76] con un elenco que incluía a Joseph Cotten , Dolores Costello , Anne Baxter , Tim Holt , Agnes Moorehead y Ray Collins . ^[76] El jefe de RKO, George Schaefer, entendió que presentar una película de época deprimente sin estrellas de marquesina era un riesgo para el estudio, pero se tranquilizó con una proyección especial de la película en progreso que Welles organizó para él el 28 de noviembre. Schaefer era un experto en distribución de películas y se ocupó personalmente de la estrategia de marketing. ^{[74] : 1}

A principios de febrero de 1942, Welles tuvo que empezar a filmar el segmento "Carnaval" de It's All True y se apresuró a editar The Magnificent Ambersons y a terminar sus escenas de actuación en Journey into Fear . Terminó su lucrativo programa de radio de la CBS ^{[77] : 189} el 2 de febrero, voló a Washington, DC, para una reunión informativa y luego montó un borrador de Ambersons en Miami con el editor Robert Wise . ^{[20] : 369–370}

El 17 de marzo de 1942, en Pomona, se estrenó una versión final de la película de 131 minutos, editada según las instrucciones detalladas de Welles. Schaefer estuvo presente y quedó desconcertado por la respuesta del público: el 75 por ciento de las tarjetas de preestreno fueron negativas. La película fue recibida más favorablemente por el público que preestrenó en la elegante Pasadena el 19 de marzo, con solo el 25 por ciento de las tarjetas de preestreno negativas. Pero la experiencia llevó a Schaefer a autorizar al estudio a realizar los cambios necesarios para que The Magnificent Ambersons fuera un éxito comercial. ^{[74] : 1–2}

Wise, a quien Welles había dejado a cargo de la posproducción, eliminó casi 50 minutos de metraje del corte de Welles, y varias escenas, incluido el final, fueron reescritas y filmadas nuevamente. A pesar de la oposición de Welles , The Magnificent Ambersons fue recortada para durar 88 minutos. ^{[74] : 2  [76]} Al igual que la película en sí, la banda sonora de Bernard Herrmann fue editada en gran medida por RKO. Cuando más de la mitad de su banda sonora fue eliminada de la banda sonora y reemplazada por música de Roy Webb , Herrmann cortó amargamente sus vínculos con la película y prometió acciones legales si su nombre no era eliminado de los créditos. ^[78]

Incluso en su forma de estreno, The Magnificent Ambersons es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. ^[79] La película fue nominada a cuatro premios Óscar , incluida Mejor Película , y se agregó al Registro Nacional de Cine en 1991.

A petición de la RKO, Welles trabajó en una adaptación del thriller de espías Journey into Fear de Eric Ambler , coescrito con Joseph Cotten . Además de actuar en la película, Welles fue el productor. La dirección fue acreditada a Norman Foster . Welles dijo más tarde que tenían tanta prisa que el director de cada escena lo determinaba quien estuviera más cerca de la cámara. ^{[20] : 165} Journey into Fear estuvo en producción del 6 de enero al 12 de marzo de 1942. ^[80]

A fines de noviembre de 1941, Welles fue designado embajador de buena voluntad en América Latina por Nelson Rockefeller , Coordinador de Asuntos Interamericanos de los Estados Unidos y accionista principal de RKO Radio Pictures. ^{[81] : 244} La misión de la OCIAA era la diplomacia cultural , promoviendo la solidaridad hemisférica y contrarrestando la creciente influencia de las potencias del Eje en América Latina . ^{[81] : 10–11} El gobierno brasileño le pidió a John Hay Whitney , jefe de la División de Cine de la agencia, que produjera un documental de la celebración anual del Carnaval de Río que tuvo lugar a principios de febrero de 1942. ^{[81] : 40–41} En un telegrama del 20 de diciembre de 1941, Whitney le escribió a Welles: "Personalmente creo que haría una gran contribución a la solidaridad hemisférica con este proyecto". ^{[82] : 65}

La OCIAA patrocinó viajes culturales a América Latina y nombró embajadores de buena voluntad, entre ellos George Balanchine y el American Ballet , Bing Crosby , Aaron Copland , Walt Disney , John Ford y Rita Hayworth . Welles fue informado exhaustivamente en Washington, DC, inmediatamente antes de su partida a Brasil, y la estudiosa de cine Catherine L. Benamou, especialista en asuntos latinoamericanos, considera "no improbable" que estuviera entre los embajadores de buena voluntad a los que se les pidió que reunieran información para el gobierno de los EE. UU. además de sus deberes culturales. Ella concluye que la aceptación de Welles de la solicitud de Whitney fue "una elección lógica y patentemente patriótica". ^{[81] : 245–247}

Además de trabajar en su desafortunada película It's All True , Welles fue responsable de programas de radio, conferencias, entrevistas y charlas informales como parte de su misión cultural patrocinada por la OCIAA, que se consideró un éxito. ^{[77] : 192} Habló sobre temas que iban desde Shakespeare hasta el arte visual en reuniones de la élite de Brasil, y sus dos transmisiones de radio intercontinentales en abril de 1942 tenían la intención particular de decirle a las audiencias estadounidenses que el presidente Vargas era un socio de los Aliados. La misión de embajador de Welles se extendió para permitirle viajar a otras naciones, entre ellas Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Guatemala, México, Perú y Uruguay. ^{[81] : 247–249, 328} Welles trabajó durante más de medio año sin compensación. ^{[81] : 41, 328  [77] : 189}

Las expectativas del propio Welles para la película eran modestas. " It's All True no iba a hacer historia en el cine, ni era su intención", dijo más tarde. "Se pretendía que fuera una ejecución perfectamente honorable de mi trabajo como embajador de buena voluntad, llevando entretenimiento al hemisferio norte que les mostrara algo sobre el hemisferio sur". ^{[25] : 253}

En julio de 1941, Welles concibió It's All True como una película ómnibus que mezclaba documental y docuficción ^{[25] : 221  [81] : 27} en un proyecto que enfatizaba la dignidad del trabajo y celebraba la diversidad cultural y étnica de América del Norte. Iba a ser su tercera película para RKO, después de Citizen Kane (1941) y The Magnificent Ambersons (1942). ^{[83] : 109} Duke Ellington fue contratado para musicalizar un segmento con el título provisional, "La historia del jazz", extraído de la autobiografía de Louis Armstrong de 1936, Swing That Music . ^{[84] : 232–233} Armstrong fue elegido para interpretarse a sí mismo en la breve dramatización de la historia de la interpretación del jazz, desde sus raíces hasta su lugar en la cultura estadounidense en la década de 1940. ^{[83] : 109} "La historia del jazz" debía entrar en producción en diciembre de 1941. ^{[81] : 119–120}

Mercury Productions compró las historias de otros dos segmentos, "My Friend Bonito" y "The Captain's Chair", al cineasta documental Robert J. Flaherty . ^{[81] : 33, 326} Adaptada por Norman Foster y John Fante , "My Friend Bonito" fue el único segmento de la original It's All True que entró en producción. ^{[83] : 109} La filmación tuvo lugar en México entre septiembre y diciembre de 1941, con Norman Foster dirigiendo bajo la supervisión de Welles. ^{[81] : 311}

En diciembre de 1941, la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos le pidió a Welles que hiciera una película en Brasil que mostrara el Carnaval de Río de Janeiro. ^{[82] : 65} Con la filmación de "My Friend Bonito" completada en aproximadamente dos tercios, Welles decidió que podía cambiar la geografía de It's All True e incorporar la historia de Flaherty en una película ómnibus sobre América Latina, apoyando la política del Buen Vecino de la administración Roosevelt , que Welles defendía firmemente. ^{[81] : 41, 246} En este concepto revisado, "La historia del jazz" fue reemplazada por la historia de la samba , una forma musical con una historia comparable y que llegó a fascinar a Welles. También decidió hacer un episodio arrancado de los titulares sobre el viaje épico de cuatro pescadores brasileños pobres, los jangadeiros , que se habían convertido en héroes nacionales. Welles dijo más tarde que esta era la historia más valiosa. ^{[20] : 158–159  [44] : 15}

Welles, que tenía que filmar el Carnaval de Río de Janeiro a principios de febrero de 1942, se apresuró a editar The Magnificent Ambersons y a terminar sus escenas de actuación en Journey into Fear . Terminó su lucrativo programa de radio en la CBS ^{[77] : 189} el 2 de febrero, voló a Washington, DC, para una reunión informativa y luego montó un borrador de Ambersons en Miami con el editor Robert Wise . ^{[20] : 369–370} Welles grabó la narración de la película la noche antes de partir hacia Sudamérica: "Fui a la sala de proyección alrededor de las cuatro de la mañana, hice todo y luego me subí al avión y partí hacia Río, y al fin de la civilización tal como la conocemos". ^{[20] : 115}

Welles partió hacia Brasil el 4 de febrero y comenzó a filmar en Río el 8 de febrero de 1942. ^{[20] : 369–370} En ese momento no parecía que los otros proyectos cinematográficos de Welles se verían interrumpidos, pero como escribió la historiadora de cine Catherine L. Benamou, "el nombramiento de embajador sería el primero de una serie de puntos de inflexión que conducirían, en 'zigs' y 'zags', en lugar de en línea recta, a la pérdida de Welles del control total como director de The Magnificent Ambersons y It's All True , la cancelación de su contrato en RKO Radio Studio, la expulsión de su compañía Mercury Productions del lote de RKO y, en última instancia, la suspensión total de It's All True ". ^{[81] : 46}

En 1942, RKO Pictures experimentó cambios importantes bajo una nueva administración. Nelson Rockefeller , el principal patrocinador del proyecto de Brasil, dejó su junta directiva y el principal patrocinador de Welles en RKO, el presidente del estudio George Schaefer, renunció. RKO tomó el control de Ambersons y editó la película en lo que el estudio consideró un formato comercial. Los intentos de Welles de proteger su versión finalmente fracasaron. ^{[76] [85]} En América del Sur, Welles solicitó recursos para terminar It's All True . Dada una cantidad limitada de película en blanco y negro y una cámara muda, pudo terminar de filmar el episodio sobre los jangadeiros , pero RKO se negó a apoyar una mayor producción de la película.

"Así que me despidieron de la RKO", recordó Welles más tarde. "Y le dieron mucha publicidad al hecho de que me había ido a Sudamérica sin un guión y había tirado todo ese dinero a la basura. Nunca me recuperé de ese ataque". ^{[86] : 188} Más tarde, en 1942, cuando RKO Pictures comenzó a promocionar su nuevo lema corporativo, "Showmanship In Place of Genius: A New Deal at RKO", ^[87] Welles lo entendió como una referencia a él. ^{[86] : 188}

Welles regresó a los Estados Unidos el 22 de agosto de 1942, después de más de seis meses en Sudamérica. ^{[20] : 372} Una semana después de su regreso ^{[88] [89]} produjo y presentó las primeras dos horas de una transmisión de siete horas de costa a costa de una campaña de bonos de guerra titulada I Pledge America . El programa, que se emitió el 29 de agosto de 1942 en Blue Network , se presentó en cooperación con el Departamento del Tesoro de los Estados Unidos , Western Union (que envió suscripciones a bonos sin cargo) y los Servicios Voluntarios de Mujeres Estadounidenses . Con 21 bandas de baile y una veintena de estrellas de teatro, cine y radio, la transmisión recaudó más de $ 10 millones, más de $ 146 millones en la actualidad ^[90] —para el esfuerzo de guerra. ^{[91] [92] [93] [94] [95] [96]}

El 12 de octubre de 1942, Cavalcade of America presentó la obra de radio de Welles, Admiral of the Ocean Sea , una mirada entretenida y objetiva a la leyenda de Cristóbal Colón .

"Esto corresponde a un período en el que la unidad hemisférica era un asunto crucial y muchos programas se dedicaban al patrimonio común de las Américas", escribió el historiador de la radiodifusión Erik Barnouw . "Muchos de esos programas se traducían al español y al portugués y se transmitían a América Latina, para contrarrestar muchos años de propaganda exitosa del Eje en esa zona. El Eje, tratando de agitar a América Latina contra Angloamérica, había enfatizado constantemente las diferencias entre los dos. Se convirtió en tarea de la radio estadounidense enfatizar su experiencia común y su unidad esencial". ^{[97] : 3}

Admiral of the Ocean Sea , también conocido como Columbus Day , comienza con las palabras "Hola estadounidenses", el título que Welles elegiría para su propia serie cinco semanas después. ^{[20] : 373}

Hello Americans , una serie de radio de CBS transmitida entre el 15 de noviembre de 1942 y el 31 de enero de 1943, fue producida, dirigida y presentada por Welles bajo los auspicios de la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos. El programa semanal de 30 minutos promovía el entendimiento y la amistad interamericanos, basándose en la investigación acumulada para la desafortunada película It's All True . ^[98] La serie se produjo simultáneamente con la otra serie de CBS de Welles, Ceiling Unlimited (9 de noviembre de 1942 - 1 de febrero de 1943), patrocinada por Lockheed - Vega Corporation. El programa fue concebido para glorificar la industria de la aviación y dramatizar su papel en la Segunda Guerra Mundial . Los programas de Welles fueron considerados contribuciones significativas al esfuerzo bélico. ^{[57] : 64} Durante la guerra, Welles trabajó en programas de radio patrióticos, incluidos Command Performance , GI Journal , Mail Call , Nazi Eyes on Canada , Stage Door Canteen y Treasury Star Parade .

A principios de 1943, las dos series de radio simultáneas ( Techo ilimitado , Hello Americans ) que Orson Welles creó para CBS para apoyar el esfuerzo bélico habían terminado. También había finalizado el rodaje de la adaptación cinematográfica de 1943 de Jane Eyre y esa tarifa, además de los ingresos por sus papeles habituales como estrella invitada en la radio, hicieron posible que Welles cumpliera un sueño de toda la vida. Se acercó a la War Assistance League of Southern California y propuso un espectáculo que se convirtió en un espectáculo de carpa, mitad circo y mitad espectáculo de magia . Ofreció sus servicios como mago y director, ^{[99] : 40} e invirtió unos 40.000 dólares de su propio dinero en una extravagancia que coprodujo con su amigo Joseph Cotten : The Mercury Wonder Show for Service Men . Los miembros de las fuerzas armadas estadounidenses entraban gratis, mientras que el público en general tenía que pagar. ^{[100] : 26} El espectáculo entretuvo a más de 1.000 militares cada noche, y las ganancias se destinaron a la War Assistance League, una organización benéfica para el personal de servicio militar. ^[101]

El desarrollo del programa coincidió con la resolución del cambiante estatus de reclutamiento de Welles en mayo de 1943, cuando finalmente fue declarado 4-F (no apto para el servicio militar) por una variedad de razones médicas. "Me sentí culpable por la guerra", le dijo Welles a la biógrafa Barbara Leaming . "Me sentía culpable por mi condición de civil". ^{[102] : 86} Había sido acosado públicamente por su patriotismo desde Ciudadano Kane , cuando la prensa de Hearst comenzó a indagar persistentemente sobre por qué Welles no había sido reclutado. ^{[82] : 66–67  [103] [104]}

El Mercury Wonder Show se presentó del 3 de agosto al 9 de septiembre de 1943 en una carpa de 80 por 120 pies ^[101] ubicada en 900 Cahuenga Boulevard , en el corazón de Hollywood . ^{[20] : 377  [100] : 26} En el intermedio del 7 de septiembre de 1943, la radio KMPC entrevistó a la audiencia y a los miembros del elenco de The Mercury Wonder Show , incluidos Welles y Rita Hayworth , quienes se casaron ese mismo día. Welles comentó que The Mercury Wonder Show se había realizado para aproximadamente 48,000 miembros de las fuerzas armadas de los EE. UU. ^{[20] : 378  [44] : 129}

La idea de hacer un programa de variedades de radio se le ocurrió a Welles después de su éxito como presentador sustituto de cuatro episodios consecutivos (14 de marzo - 4 de abril de 1943) de The Jack Benny Program , el programa de radio más popular, cuando Benny contrajo neumonía en una gira de presentaciones por bases militares. ^{[23] : 368  [105]} Un programa de variedades de media hora transmitido del 26 de enero al 19 de julio de 1944 en Columbia Pacific Network, The Orson Welles Almanac presentó comedia de sketches, magia, lectura de mentes, música y lecturas de obras clásicas. Muchos de los programas se originaron en campamentos militares estadounidenses, donde Welles y su compañía de repertorio e invitados entretuvieron a las tropas con una versión reducida de The Mercury Wonder Show . ^{[57] : 64  [106] [107]} Las actuaciones del grupo de jazz estelar que Welles reunió para el programa fueron tan populares que la banda se convirtió en una característica habitual y fue una fuerza importante para revivir el interés en el jazz tradicional de Nueva Orleans . ^{[108] : 85}

Welles fue incluido en la nómina del Tesoro de los Estados Unidos el 15 de mayo de 1944, como consultor experto durante la guerra, con un anticipo de $1 por año. ^[109] Por recomendación del presidente Franklin D. Roosevelt , el secretario del Tesoro Henry Morgenthau le pidió a Welles que liderara la Quinta Campaña de Préstamos de Guerra, que se inauguró el 12 de junio con un programa de radio de una hora en las cuatro cadenas, transmitido desde Texarkana, Texas. Incluyendo una declaración del presidente, ^[110] el programa definió las causas de la guerra y alentó a los estadounidenses a comprar $16 mil millones en bonos para financiar el desembarco de Normandía y la fase más violenta de la Segunda Guerra Mundial. Welles produjo transmisiones adicionales de la campaña de préstamos de guerra el 14 de junio desde el Hollywood Bowl y el 16 de junio desde Soldier Field , Chicago. ^{[23] : 371–373} Los estadounidenses compraron 20.600 millones de dólares en bonos de guerra durante la quinta campaña de préstamos de guerra, que finalizó el 8 de julio de 1944. ^[111]

Welles hizo una ferviente campaña por Roosevelt en 1944. Partidario y orador de campaña de FDR desde hacía mucho tiempo, enviaba ocasionalmente al presidente ideas y frases que a veces se incorporaban a lo que Welles caracterizaba como "discursos menos importantes". ^{[23] : 372, 374} Una de estas ideas fue la broma en lo que llegó a llamarse el discurso de Fala , el discurso de Roosevelt transmitido a nivel nacional el 23 de septiembre ante la Unión Internacional de Camioneros que abrió la campaña presidencial de 1944. [ ^{25] : 292–293  [112]}

Welles hizo campaña para la candidatura de Roosevelt-Truman casi a tiempo completo en el otoño de 1944, viajando a casi todos los estados ^{[23] : 373–374} en detrimento de su propia salud ^{[25] : 293–294} y a sus propias expensas. ^{[12] : 219} Además de sus discursos de radio, reemplazó a Roosevelt, frente al candidato presidencial republicano Thomas E. Dewey , en el Foro del New York Herald Tribune transmitido el 18 de octubre en la Blue Network. ^{[20] : 386  [25] : 292} Welles acompañó a FDR a su último mitin de campaña, hablando en un evento el 4 de noviembre en el Fenway Park de Boston ante 40.000 personas, ^{[25] : 294  [113]} y participó en una histórica campaña en vísperas de las elecciones transmitida el 6 de noviembre en las cuatro redes de radio. ^{[20] : 387  [114] : 166–167}

El 21 de noviembre de 1944, Welles comenzó su asociación con This Is My Best , una serie de radio de CBS que produciría, dirigiría, escribiría y presentaría brevemente (del 13 de marzo al 24 de abril de 1945). ^{[115] [116]} Escribió una columna política llamada Orson Welles' Almanac (más tarde titulada Orson Welles Today ) para The New York Post de enero a noviembre de 1945, y abogó por la continuación de las políticas del New Deal de FDR y su visión internacional, particularmente el establecimiento de las Naciones Unidas y la causa de la paz mundial. ^{[82] : 84}

El 12 de abril de 1945, el día en que murió Franklin D. Roosevelt, la cadena Blue-ABC reunió a todo su personal ejecutivo y a los líderes nacionales para rendir homenaje al difunto presidente. "Entre los programas destacados que atrajeron una amplia atención se encontraba un homenaje especial pronunciado por Orson Welles", informó la revista Broadcasting . ^[117] Welles habló a las 10:10 pm, hora de la costa este, desde Hollywood, y destacó la importancia de continuar con el trabajo de FDR: "No necesita homenaje y nosotros, que lo amamos, no tenemos tiempo para las lágrimas... Nuestros hijos y hermanos que luchan no pueden detenerse esta noche para recordar la muerte de aquel cuyo nombre será dado a la era en la que vivimos". ^[118]

Welles presentó otra emisión especial sobre la muerte de Roosevelt la noche siguiente: "Debemos avanzar más allá de la mera muerte hacia ese mundo libre que fue la esperanza y el trabajo de su vida". ^{[20] : 390  [58] : 242}

Dedicó el episodio del 17 de abril de This Is My Best a Roosevelt y al futuro de Estados Unidos en vísperas de la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Organización Internacional . ^{[20] : 390  [115] [116]} Welles fue asesor y corresponsal de la cobertura de la cadena de radio Blue-ABC de la conferencia de San Francisco que formó la ONU, que tuvo lugar del 24 de abril al 23 de junio de 1945. Presentó un programa dramático de media hora escrito por Ben Hecht el día de apertura de la conferencia, y los domingos por la tarde (del 29 de abril al 10 de junio) dirigió una discusión semanal desde el Auditorio Cívico de San Francisco . ^{[119] [120]}

En el otoño de 1945, Welles comenzó a trabajar en The Stranger (1946), un drama de cine negro sobre un investigador de crímenes de guerra que sigue la pista de un fugitivo nazi de alto rango hasta un idílico pueblo de Nueva Inglaterra . Edward G. Robinson , Loretta Young y Welles protagonizan la película. ^[121]

El productor Sam Spiegel inicialmente planeó contratar al director John Huston , quien había reescrito el guion de Anthony Veiller . Cuando Huston ingresó al ejército, Welles recibió la oportunidad de dirigir y demostrar que era capaz de hacer una película en el plazo previsto y con un presupuesto ajustado ^{[44] : 19} , algo que estaba tan ansioso por hacer que aceptó un contrato desventajoso. Una de sus concesiones fue que se sometería al estudio en cualquier disputa creativa. ^{[23] : 379  [25] : 309–310}

The Stranger fue el primer trabajo de Welles como director de cine en cuatro años. ^{[20] : 391} Le dijeron que si la película tenía éxito podría firmar un contrato de cuatro películas con International Pictures, haciendo películas de su propia elección. ^{[23] : 379} Welles recibió cierto grado de control creativo, ^{[44] : 19} y se esforzó por personalizar la película y desarrollar un tono de pesadilla. ^{[122] : 2:30} Trabajó en la reescritura general del guion y escribió escenas al comienzo de la película que se filmaron pero que luego fueron cortadas por los productores. ^{[20] : 186} Filmó en tomas largas que frustraron en gran medida el control otorgado al editor Ernest J. Nims según los términos del contrato. ^{[122] : 15:45}

The Stranger fue la primera película comercial en utilizar imágenes documentales de los campos de concentración nazis. ^{[20] : 189  [123]} Welles había visto las imágenes a principios de mayo de 1945 ^{[122] : 102:03} en San Francisco, ^{[124] : 56} como corresponsal y moderador de debates en la Conferencia de las Naciones Unidas sobre Organización Internacional. ^{[25] : 304} Escribió sobre las imágenes del Holocausto en su columna sindicada del New York Post el 7 de mayo de 1945. ^{[124] : 56–57}

Terminada un día antes de lo previsto y por debajo del presupuesto, ^{[23] : 379–380} The Stranger fue la única película realizada por Welles que fue un auténtico éxito de taquilla tras su estreno. Su coste fue de 1,034 millones de dólares; 15 meses después de su estreno había recaudado 3,216 millones de dólares. ^[125] A las pocas semanas de finalizar la película, International Pictures se echó atrás en su prometido acuerdo de cuatro películas con Welles. No se dio ninguna razón, pero quedó la impresión de que The Stranger no generaría dinero. ^{[23] : 381}

En el verano de 1946, Welles se mudó a Nueva York para dirigir el musical de Broadway La vuelta al mundo , una adaptación teatral de la novela de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días con un libreto de Welles y música de Cole Porter . El productor Mike Todd , que más tarde produciría la exitosa adaptación cinematográfica de 1956 , se retiró de la lujosa y costosa producción, dejando a Welles para que se hiciera cargo de las finanzas. Cuando Welles se quedó sin dinero, convenció al presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, de que enviara suficiente dinero para continuar con el espectáculo y, a cambio, Welles prometió escribir, producir, dirigir y protagonizar una película para Cohn sin honorarios adicionales. El espectáculo teatral pronto fracasó debido a la mala taquilla, y Welles no pudo reclamar las pérdidas en sus impuestos. ^[126] Inspirado por el mago y pionero del cine Georges Méliès , el espectáculo requirió 55 tramoyistas y utilizó películas para unir escenas. Welles dijo que era su favorita de sus producciones teatrales. En cuanto a su extravagancia, el crítico Robert Garland dijo que tenía "todo menos el fregadero de la cocina". La noche siguiente, Welles sacó un fregadero de cocina. ^[127]

En 1946, Welles comenzó dos nuevas series de radio: The Mercury Summer Theatre of the Air para CBS y Orson Welles Commentaries para ABC. Mientras que Mercury Summer Theatre presentó adaptaciones de media hora de algunos programas de radio clásicos de Mercury de la década de 1930, el primer episodio fue una condensación de su obra de teatro Around the World , y es el único registro de la música de Cole Porter para el proyecto. Varios actores originales de Mercury regresaron para la serie, así como Bernard Herrmann. Welles invirtió sus ganancias en su obra de teatro en decadencia. Commentaries fue un vehículo político para él, continuando los temas de su columna del New York Post . Una vez más, Welles carecía de un enfoque claro, hasta que la NAACP le llamó la atención sobre el caso de Isaac Woodard . Welles atrajo una atención significativa a la causa de Woodard. ^[128]

La última emisión de los Comentarios de Orson Welles, el 6 de octubre de 1946, marcó el final de los programas de radio del propio Welles. ^{[20] : 401}

La película que Welles se vio obligado a hacer a cambio de la ayuda de Harry Cohn para financiar la producción teatral La vuelta al mundo fue La dama de Shanghai , filmada en 1947 para Columbia Pictures . Welles pretendía que fuera un thriller modesto, pero el presupuesto se disparó después de que Cohn sugiriera que la entonces esposa de Welles, Rita Hayworth, la protagonizara.

A Cohn no le gustó el primer corte de Welles , en particular la trama confusa y la falta de primeros planos, y no simpatizaba con el uso brechtiano de la ironía y la comedia negra por parte de Welles , especialmente en una escena de tribunal absurda. Cohn ordenó una edición extensa y nuevas tomas. Después de una edición intensa por parte del estudio, se eliminó aproximadamente una hora del primer corte de Welles, incluida gran parte de una escena de confrontación climática en una casa de la risa de un parque de diversiones. Si bien expresó su desagrado por los cortes, Welles se mostró particularmente horrorizado con la banda sonora. La película fue considerada un desastre en Estados Unidos en el momento de su estreno, aunque el tiroteo final en una sala de espejos (el uso de espejos es un motivo recurrente en Welles, comenzando con Kane ) se ha convertido desde entonces en una piedra de toque del cine negro . No mucho después del estreno, Welles y Hayworth finalizaron su divorcio. ^{[ cita requerida ]}

Aunque La dama de Shanghai fue aclamada en Europa, no fue aceptada hasta décadas después en Estados Unidos, donde ahora se la considera a menudo un clásico del cine negro. ^[129]

Antes de 1948, Welles convenció a Republic Pictures para que le permitiera dirigir una versión de bajo presupuesto de Macbeth , con decorados y vestuario muy estilizados y un elenco de actores que hacían playback de una banda sonora pregrabada, una de las muchas técnicas innovadoras de reducción de costos que Welles desplegó en un intento de hacer una película épica a partir de recursos de películas de clase B. El guion, adaptado por Welles, es una reelaboración violenta del original de Shakespeare, cortando y pegando libremente líneas en nuevos contextos mediante una técnica de collage y reformulando Macbeth como un choque de ideologías paganas y protocristianas. Se pueden ver algunos elementos vudú de la famosa adaptación teatral de Welles/Houseman Negro Theatre , especialmente en la caracterización de la película de las Weird Sisters , que crean una efigie de Macbeth como amuleto para encantarlo. De todas las producciones de Hollywood de Welles posteriores a Kane , Macbeth es estilísticamente más cercana a Kane en sus tomas largas y fotografía de enfoque profundo. ^{[ cita requerida ]}

En un principio, Republic promocionó la película como una obra importante, pero decidió que no le importaban los acentos escoceses y retrasó el estreno general durante casi un año después de la reacción negativa inicial de la prensa, incluido el comentario de Life de que la película de Welles "masacró vilmente a Shakespeare". ^[130] Welles se fue a Europa, mientras que el coproductor y partidario de toda la vida Richard Wilson reelaboró ​​la banda sonora. Welles regresó y cortó 20 minutos de la película a pedido de Republic y grabó la narración para cubrir algunos huecos. La película fue criticada como un desastre. Macbeth tenía fanáticos influyentes en Europa, especialmente el poeta y cineasta francés Jean Cocteau , quien elogió el "poder crudo e irreverente" de la película y el cuidadoso diseño de las tomas, y describió a los personajes como rondando "los pasillos de un metro de ensueño, una mina de carbón abandonada y sótanos en ruinas rezumando agua". ^[131]

En Italia, protagonizó el papel de Cagliostro en la película Black Magic de 1949. Su coprotagonista, Akim Tamiroff , impresionó tanto a Welles que Tamiroff aparecería en cuatro producciones de Welles durante las décadas de 1950 y 1960.

Al año siguiente, Welles protagonizó a Harry Lime en El tercer hombre de Carol Reed , junto a Joseph Cotten , su amigo y coprotagonista de Ciudadano Kane , con un guion de Graham Greene y una memorable banda sonora de Anton Karas . En ella, Welles hace lo que Roger Ebert llamó "la entrada más famosa en las películas, y uno de los discursos más famosos". Greene atribuyó el discurso a Welles. ^[132]

Unos años más tarde, el productor de radio británico Harry Alan Towers resucitaría a Lime en la serie de radio Las aventuras de Harry Lime .

Welles apareció como César Borgia en la película italiana de 1949 El príncipe de los zorros , con Tyrone Power y el ex alumno del Mercury Theatre Everett Sloane , y como el guerrero mongol Bayan en la versión cinematográfica de 1950 de la novela La rosa negra (nuevamente con Tyrone Power). ^[133]

Durante esta época, Welles estaba canalizando su dinero de trabajos de actuación hacia una versión cinematográfica autofinanciada de Otelo de Shakespeare . De 1949 a 1951, Welles trabajó en Otelo , filmando en locaciones de Italia y Marruecos. La película contó con los amigos de Welles, Micheál Mac Liammóir como Yago y Hilton Edwards como el padre de Desdemona, Brabantio . Suzanne Cloutier protagonizó el papel de Desdemona y el ex alumno de Campbell Playhouse, Robert Coote, apareció como el socio de Yago, Roderigo.

El rodaje se suspendió varias veces cuando Welles se quedó sin fondos y se fue a trabajar como actor, como se detalla en las memorias de MacLiammóir, Put Money in Thy Purse . Las copias para el estreno en Estados Unidos tenían una banda sonora técnicamente defectuosa, que sufría de una pérdida de sonido en cada momento de silencio. La hija de Welles, Beatrice Welles-Smith, restauró Otelo en 1992 para un relanzamiento general. La restauración incluyó la reconstrucción de la banda sonora original de Angelo Francesco Lavagnino , que originalmente era inaudible, y la adición de efectos de sonido estéreo ambientales, que no estaban en la película original. La restauración se estrenó con éxito en los cines de Estados Unidos. David Thomson escribe sobre Otelo de Welles : "la poesía flota en el aire, como la niebla del mar o el incienso". Anthony Lane escribe que "parte de la acción se filmó en Venecia, y a veces me pregunto qué se coló en la carcasa de la cámara; la película parece ennegrecida y plateada, como un espejo envejecido, o como si la emulsión de la copia ya estuviera a punto de decaer. No se puede decir qué es o no es Shakespeare, dónde comienza y termina su influencia". ^[134] La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes , donde ganó el Gran Premio (precursor de la Palma de Oro ). ^[135]

En 1952, Welles siguió encontrando trabajo en Inglaterra tras el éxito del programa de radio de Harry Lime . Harry Alan Towers le ofreció a Welles otra serie, The Black Museum , que se emitió durante 52 semanas con Welles como presentador y narrador. El director Herbert Wilcox le ofreció a Welles el papel de la víctima en Trent's Last Case , basada en la novela de Edmund Clerihew Bentley . En 1953, la BBC contrató a Welles para leer una hora de selecciones de Song of Myself de Walt Whitman . Towers contrató a Welles de nuevo, para interpretar al profesor Moriarty en la serie de radio Las aventuras de Sherlock Holmes protagonizada por John Gielgud y Ralph Richardson .

Welles regresó brevemente a Estados Unidos para hacer su primera aparición en televisión, protagonizando la presentación ómnibus de El rey Lear , transmitida en vivo por CBS el 18 de octubre de 1953. Dirigida por Peter Brook , la producción fue coprotagonizada por Natasha Parry , Beatrice Straight y Arnold Moss . ^[136]

En 1954, el director George More O'Ferrall le ofreció a Welles el papel principal en el segmento "Lord Mountdrago" de Tres casos de asesinato , coprotagonizado por Alan Badel . Herbert Wilcox eligió a Welles como antagonista en Trouble in the Glen junto a Margaret Lockwood , Forrest Tucker y Victor McLaglen . Su viejo amigo John Huston lo eligió como el padre Mapple en su adaptación cinematográfica de 1956 de Moby-Dick de Herman Melville , protagonizada por Gregory Peck .

El siguiente turno de Welles como director fue la película Mr. Arkadin (1955), que fue producida por su mentor político de la década de 1940, Louis Dolivet . Se filmó en Francia, Alemania, España e Italia con un presupuesto muy limitado. Basada libremente en varios episodios del programa de radio Harry Lime, está protagonizada por Welles como un multimillonario que contrata a un hombre para ahondar en los secretos de su pasado. La película está protagonizada por Robert Arden , que había trabajado en la serie Harry Lime; la tercera esposa de Welles, Paola Mori , cuya voz fue doblada por la actriz Billie Whitelaw ; y las estrellas invitadas Akim Tamiroff , Michael Redgrave , Katina Paxinou y Mischa Auer . Frustrado por su lento progreso en la sala de edición, el productor Dolivet sacó a Welles del proyecto y terminó la película sin él. Finalmente, se estrenarían cinco versiones diferentes de la película, dos en español y tres en inglés. La versión que completó Dolivet fue retitulada Informe confidencial . En 2005, Stefan Droessler, del Museo de Cine de Múnich, supervisó la reconstrucción de los elementos cinematográficos supervivientes.

En 1955, Welles también dirigió dos series de televisión para la BBC. La primera fue Orson Welles' Sketch Book , una serie de seis programas de 15 minutos en los que Welles dibujaba en un cuaderno de bocetos para ilustrar sus recuerdos, incluidos temas como el rodaje de It's All True y el caso de Isaac Woodard. La segunda fue Around the World with Orson Welles , una serie de seis diarios de viajes ambientados en diferentes lugares de Europa (como Viena , el País Vasco entre Francia y España e Inglaterra). Welles actuó como presentador y entrevistador, y sus comentarios incluían hechos documentales y sus propias observaciones personales (una técnica que seguiría explorando en trabajos posteriores).

Durante el episodio 3 de Sketchbook , Welles hace un ataque deliberado al abuso de los poderes policiales en todo el mundo. El episodio comienza con él contando la historia de Isaac Woodard , un veterano afroamericano del Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial, que es acusado falsamente por un conductor de autobús de estar borracho y alterar el orden público, quien luego hace que un policía saque al hombre del autobús. Woodard no es arrestado de inmediato, sino que es golpeado hasta quedar inconsciente casi al punto de la muerte y cuando finalmente recupera el conocimiento, queda ciego de forma permanente. Cuando los médicos del ejército de los EE. UU. lo localizaron tres semanas después, no había nada que se pudiera hacer. Welles asegura a la audiencia que él personalmente se encargó de que se hiciera justicia con este policía, aunque no menciona qué tipo de justicia se administró. Welles luego continúa dando otros ejemplos de policías a los que se les da más poder y autoridad de lo necesario. El título de este episodio es "La policía".

En 1956, Welles terminó Retrato de Gina . Dejó la única copia de la película en su habitación del Hotel Ritz de París. Las latas de película permanecerían en un armario de objetos perdidos del hotel durante varias décadas, donde fueron descubiertas en 1986, tras la muerte de Welles.

En 1956, Welles regresó a Hollywood. ^[137] Comenzó a filmar un piloto proyectado para Desilu , propiedad de Lucille Ball y su esposo Desi Arnaz , quienes recientemente habían comprado los antiguos estudios RKO. La película fue The Fountain of Youth , basada en una historia de John Collier . Originalmente considerada no viable como piloto, la película no se emitió hasta 1958 y ganó el Premio Peabody a la excelencia.

Welles apareció como estrella invitada en programas de televisión, incluido I Love Lucy . ^[138] En la radio, fue narrador de Tomorrow (17 de octubre de 1956), un drama sobre el holocausto nuclear producido y distribuido por ABC y la Administración Federal de Defensa Civil . ^{[139] [140]} El siguiente papel cinematográfico de Welles fue en Man in the Shadow para Universal Pictures en 1957, protagonizada por Jeff Chandler .

Welles se quedó en Universal para coprotagonizar con Charlton Heston Sed de mal , basada en la novela de Whit Masterson Badge of Evil . Originalmente contratado como actor, Welles fue ascendido a director por Universal Studios por insistencia de Heston. ^{[141] : 154} La película reunió a muchos actores y técnicos con los que Welles había trabajado en Hollywood en la década de 1940, incluido el camarógrafo Russell Metty ( The Stranger ), el maquillador Maurice Seiderman ( Ciudadano Kane ) y los actores Joseph Cotten , Marlene Dietrich y Akim Tamiroff . El rodaje se desarrolló sin problemas, Welles terminó a tiempo y dentro del presupuesto, y los jefes del estudio elogiaron los rushes diarios. Sin embargo, después del final de la producción, el estudio reeditó la película, volvió a filmar escenas y filmó nuevas escenas de exposición para aclarar la trama. ^{[141] : 175–176} Welles escribió un memorando de 58 páginas describiendo sugerencias y objeciones, afirmando que la película ya no era su versión, era la del estudio, pero como tal, todavía estaba dispuesto a ayudar con ella. ^{[141] : 175–176  [142]} La película se mostró en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 , donde ganó el gran premio. ^[143] François Truffaut vio la película en Bruselas e influyó en su debut Los 400 golpes , una de las películas fundamentales de la Nouvelle Vague francesa .

En 1978 se descubrió y estrenó una versión de preestreno más larga de la película. En 1998, Walter Murch reeditó la película según las especificaciones de Welles en su memorando. Murch dijo: "Me quedé estupefacto cuando leí sus memorandos, pensando que estaba escribiendo estas ideas hace cuarenta años, porque, si yo estuviera trabajando en una película ahora y un director viniera con ideas como estas, me sorprendería, me complacería pero me sorprendería, darme cuenta de que alguien estaba pensando tanto en el sonido, lo cual es demasiado raro". ^[144] La película fue influyente en su uso de una cámara en mano, en particular en la escena del ascensor. Murch dice que "estoy seguro de que Godard y Truffaut, que eran grandes fanáticos de Sed de mal , aprendieron de esa escena cómo podían lograr exactamente lo que querían: a la vez un nuevo sentido de la realidad y el ingenio". ^[145]

Mientras Universal reelaboraba Sed de mal , Welles comenzó a filmar su adaptación de Don Quijote de Miguel de Cervantes en México, protagonizada por Mischa Auer como Quijote y Akim Tamiroff como Sancho Panza .

Continuó filmando Don Quijote en España e Italia, pero reemplazó a Mischa Auer por Francisco Reiguera y reanudó sus trabajos como actor. En Italia, en 1959, Welles dirigió sus propias escenas como el rey Saúl en la película David y Goliat de Richard Pottier . En Hong Kong, coprotagonizó con Curt Jürgens la película Ferry to Hong Kong de Lewis Gilbert . En 1960, en París, coprotagonizó la película Crack in the Mirror de Richard Fleischer . En Yugoslavia protagonizó la película Los tártaros de Richard Thorpe y La batalla de Neretva de Veljko Bulajić .

A lo largo de los años 60, el rodaje de Quijote continuó de forma intermitente hasta finales de la década, mientras Welles iba evolucionando el concepto, el tono y el final varias veces. Aunque tenía una versión completa de la película rodada y editada al menos una vez, seguiría jugando con la edición hasta bien entrada la década de 1980; nunca completó una versión de la película con la que estuviera completamente satisfecho y descartaba metraje existente y filmaba nuevo. (En un caso, tenía listo un corte completo en el que Quijote y Sancho Panza terminan yendo a la Luna, pero sintió que el final se había vuelto obsoleto por los alunizajes de 1969 y quemó 10 rollos de esta versión). A medida que avanzaba el proceso, Welles fue poniendo voz a todos los personajes y proporcionando la narración. En 1992, el director Jesús Franco construyó una película a partir de las partes de Quijote que dejó Welles. Parte del material fílmico se había deteriorado mucho. Aunque el material de Welles fue recibido con interés, la postproducción de Franco fue recibida con duras críticas.

En 1961, Welles dirigió En el país de Don Quijote , una serie de ocho episodios de media hora para la cadena de televisión italiana RAI . Al igual que la serie La vuelta al mundo con Orson Welles , presentaban diarios de viajes por España e incluían a la esposa de Welles, Paola, y a su hija, Beatrice. Aunque Welles hablaba italiano con fluidez, la cadena no estaba interesada en que proporcionara narración en italiano debido a su acento, y la serie permaneció inédita hasta 1964, momento en el que la cadena había añadido su propia narración en italiano. Finalmente, se lanzaron versiones de los episodios con la banda sonora original que Welles había aprobado, pero sin la narración.

En 1962, Welles dirigió su adaptación de El proceso , basada en la novela de Franz Kafka y producida por Michael y Alexander Salkind . El reparto incluía a Jeanne Moreau , Romy Schneider , Paola Mori , Akim Tamiroff y Anthony Perkins como Josef K. Mientras filmaba exteriores en Zagreb , Welles fue informado de que los Salkind se habían quedado sin dinero, lo que significaba que no podría haber construcción de sets. Welles, que no era ajeno a filmar en locaciones encontradas, pronto filmó los interiores en la Gare d'Orsay , en ese momento una estación de tren abandonada en París. Welles pensó que la ubicación poseía un " modernismo de Julio Verne " y una melancólica sensación de "espera", ambos adecuados para Kafka. Para permanecer en el espíritu de Kafka, Welles instaló la sala de montaje junto con el editor de películas, Frederick Muller (como Fritz Muller), en la vieja, fría y deprimente oficina del jefe de estación. La película fracasó en taquilla. Peter Bogdanovich observó que Welles encontró la película tremendamente divertida. Welles también le dijo a un entrevistador de la BBC que era su mejor película. ^[146] Mientras filmaba El proceso, Welles conoció a Oja Kodar , quien luego se convirtió en su pareja y colaboradora durante los últimos 20 años de su vida. ^{[20] : 428}

Welles interpretó a un director de cine en La Ricotta (1963), el segmento de Pier Paolo Pasolini de la película Ro.Go.Pa.G. ^{, aunque su reconocida voz fue doblada por el escritor italiano Giorgio Bassani. [20] : 516} Continuó aceptando cualquier trabajo que pudiera encontrar actuando, narrando o presentando el trabajo de otras personas, y comenzó a filmar Chimes at Midnight , que se completó en 1965.

Filmada en España, Campanadas a medianoche se basó en la obra de Welles, Cinco reyes , en la que extrajo material de seis obras de Shakespeare para contar la historia de Sir John Falstaff (Welles) y su relación con el príncipe Hal ( Keith Baxter ). El reparto incluye a John Gielgud , Jeanne Moreau , Fernando Rey y Margaret Rutherford ; la narración de la película, hablada por Ralph Richardson , está tomada del cronista Raphael Holinshed . ^{[44] : 249} Welles tenía la película en alta estima: "Es mi película favorita, sí. Si quisiera entrar al cielo basándome en una película, esa es la que ofrecería". ^{[86] : 203} Anthony Lane escribe que "lo que Welles pretende evocar no es sólo una continuidad histórica —lo mejor de Sir John— sino una sensación de que las Obras completas de Shakespeare constituyen, por así decirlo, un vasto poema, del que sus devotos y audaces intérpretes son libres de citar... la imagen honra a Shakespeare y desdeña la industria, académica y teatral, que lo ha incrustado a lo largo del tiempo". ^[147]

En 1966, Welles dirigió una película para la televisión francesa, una adaptación de La historia inmortal , de Karen Blixen . Estrenada en 1968, está protagonizada por Jeanne Moreau, Roger Coggio y Norman Eshley . La película tuvo un éxito rotundo en los cines franceses. En esa época, Welles se encontró de nuevo con Oja Kodar, y le dio una carta que le había escrito y que había estado guardando durante cuatro años; no volverían a separarse. Inmediatamente comenzaron una colaboración tanto personal como profesional. La primera de ellas fue una adaptación de La heroína de Blixen , destinada a ser una pieza complementaria de La historia inmortal y protagonizada por Kodar. Desafortunadamente, la financiación desapareció después de un día de rodaje. Después de completar esta película, apareció en un breve cameo como el cardenal Wolsey en la adaptación de Fred Zinnemann de Un hombre para la eternidad , un papel por el que ganó un reconocimiento considerable. ^{[ cita requerida ]}

En 1967, Welles comenzó a dirigir The Deep , basada en la novela Dead Calm de Charles Williams y filmada en la costa de Yugoslavia . El elenco incluía a Moreau, Kodar y Laurence Harvey . Financiados personalmente por Welles y Kodar, no pudieron obtener los fondos para completar el proyecto, y fue abandonado unos años más tarde tras la muerte de Harvey. El metraje superviviente fue finalmente editado y publicado por el Filmmuseum München. En 1968, Welles comenzó a filmar un especial de televisión para CBS bajo el título Orson's Bag , que combinaba un diario de viajes, sketches cómicos y una condensación de El mercader de Venecia de Shakespeare con Welles como Shylock . En 1969, Welles llamó de nuevo al editor de cine Frederick Muller para que trabajara con él en la reedición del material y montaron salas de montaje en los estudios Safa Palatino en Roma. La financiación para el programa enviada por CBS a Welles en Suiza fue confiscada por el IRS. Sin financiación, el programa no se completó. Los fragmentos de la película que sobrevivieron fueron finalmente publicados por el Filmmuseum München.

En 1969, Welles autorizó el uso de su nombre para un cine en Cambridge, Massachusetts . El Orson Welles Cinema permaneció en funcionamiento hasta 1986, y Welles hizo una aparición personal allí en 1977. También en 1969, desempeñó un papel secundario en La carta del Kremlin de John Huston . Atraído por las numerosas ofertas que recibió para trabajar en televisión y películas, y molesto por un escándalo sensacionalista que informó sobre su romance con Kodar, Welles abandonó la edición de Don Quijote y regresó a Estados Unidos en 1970.

Welles regresó a Hollywood, donde continuó autofinanciando sus proyectos de cine y televisión. Si bien las ofertas para actuar, narrar y presentar continuaron, Welles también se encontró muy solicitado en programas de entrevistas de televisión. Hizo apariciones frecuentes para Dick Cavett , Johnny Carson , Dean Martin y Merv Griffin . El enfoque principal de Welles durante sus últimos años fue The Other Side of the Wind , un proyecto que se filmó de manera intermitente entre 1970 y 1976. Coescrita por Welles y Oja Kodar, es la historia de un director de cine envejecido ( John Huston ) que busca fondos para completar su última película. El elenco incluye a Peter Bogdanovich , Susan Strasberg , Norman Foster , Edmond O'Brien , Cameron Mitchell y Dennis Hopper . Financiada por patrocinadores iraníes, la propiedad de la película cayó en un atolladero legal después de que el Sha de Irán fuera depuesto. Las disputas legales mantuvieron la película inacabada hasta principios de 2017 y finalmente se estrenó en noviembre de 2018.

Welles interpretó a Luis XVIII de Francia en la película Waterloo de 1970 , y narró las escenas iniciales y finales de la comedia histórica Start the Revolution Without Me (1970).

En 1971, Welles dirigió una adaptación corta de Moby Dick , una actuación unipersonal en un escenario vacío, que recordaba a su producción teatral de 1955 Moby Dick – Rehearsed . Nunca se completó, pero finalmente fue estrenada por el Filmmuseum München. También apareció en Ten Days' Wonder , coprotagonizada por Anthony Perkins y dirigida por Claude Chabrol (quien correspondió con un pequeño papel como él mismo en Other Wind ), basada en una novela policial de Ellery Queen . Ese mismo año, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó un Premio Honorífico de la Academia "por su arte superlativo y versatilidad en la creación de películas cinematográficas". Welles fingió estar fuera de la ciudad y envió a John Huston a reclamar el premio, agradeciendo a la Academia por el cine. En su discurso, Huston criticó a la Academia por entregar el premio mientras se negaba a apoyar los proyectos de Welles. En 1972, Welles actuó como narrador en pantalla para la versión documental cinematográfica del libro de 1970 de Alvin Toffler , Future Shock . Trabajando nuevamente para un productor británico, Welles interpretó a Long John Silver en Treasure Island (1972) del director John Hough , una adaptación de la novela de Robert Louis Stevenson , que había sido la segunda historia transmitida por The Mercury Theatre en vivo en 1938. Esta fue la última vez que interpretó el papel principal en una película importante. Welles también contribuyó al guion, aunque su crédito de escritura se atribuyó al seudónimo 'OW Jeeves'. En algunas versiones de la película, el diálogo grabado original de Welles fue rebautizado por Robert Rietty .

En 1973, Welles completó F for Fake , un ensayo personal sobre el falsificador de arte Elmyr de Hory y el biógrafo Clifford Irving . Basado en un documental existente de François Reichenbach , incluyó nuevo material con Oja Kodar, Joseph Cotten, Paul Stewart y William Alland . Un extracto de la transmisión de La guerra de los mundos de Welles de la década de 1930 fue recreado para esta película; sin embargo, ninguno de los diálogos que se escuchan en la película coincide realmente con lo que se transmitió originalmente. Welles filmó un tráiler de cinco minutos, rechazado en los EE. UU., que presentaba varias tomas de una Kodar en topless. Welles presentó una serie antológica sindicada británica, Los grandes misterios de Orson Welles , durante la temporada televisiva 1973-74. Sus breves introducciones a los 26 episodios de media hora fueron filmadas en julio de 1973 por Gary Graver. ^{[20] : 443} El año 1974 también vio a Welles prestando su voz a Y entonces no quedó ninguno producida por su antiguo socio, Harry Alan Towers y protagonizada por un elenco internacional que incluía a Oliver Reed , Elke Sommer y Herbert Lom . En 1975, Welles narró el documental Bugs Bunny: Superstar , centrado en los dibujos animados de Warner Bros. de la década de 1940. También en 1975, el American Film Institute le entregó a Welles su tercer premio a la trayectoria (los dos primeros fueron para John Ford y James Cagney ). En la ceremonia, Welles proyectó dos escenas de la casi terminada El otro lado del viento .

En 1976, Paramount Television compró los derechos de todo el corpus de historias de Nero Wolfe para Welles. ^{[e] [151] [152] [153]} Welles había querido alguna vez hacer una serie de películas de Nero Wolfe, pero el autor Rex Stout , que desconfiaba de las adaptaciones de Hollywood durante su vida después de dos películas decepcionantes de la década de 1930, lo rechazó. ^[152] Paramount planeó comenzar con una película de ABC-TV y esperaba persuadir a Welles para que continuara con el papel en una miniserie. ^[151] Frank D. Gilroy fue contratado para escribir el guion de televisión y dirigir la película para televisión con la garantía de que Welles protagonizaría, pero en abril de 1977 Welles se había retirado. ^[154] En 1980, Associated Press informó sobre "la clara posibilidad" de que Welles protagonizara una serie de televisión de Nero Wolfe para la televisión NBC . ^[155] Una vez más, Welles abandonó el proyecto debido a diferencias creativas con Paramount. William Conrad fue elegido para el papel. ^{[156] [157] : 87–88}

En 1979, Welles completó su documental Filming Othello , con Michael MacLiammoir y Hilton Edwards. Hecho para la televisión de Alemania Occidental, también se estrenó en los cines. Ese mismo año, Welles completó su piloto autoproducido para The Orson Welles Show , con entrevistas a Burt Reynolds , Jim Henson y Frank Oz y con los Muppets y Angie Dickinson como estrellas invitadas . Incapaz de encontrar interés en la red, el piloto nunca se emitió. También en 1979, Welles apareció en la película biográfica El secreto de Nikola Tesla , e hizo un cameo en La película de los Muppets . A partir de finales de la década de 1970, Welles participó en una serie de famosos anuncios comerciales de televisión. Durante dos años fue portavoz ante la cámara de Paul Masson Vineyards, ^[f] y las ventas crecieron en un tercio durante el tiempo en que Welles entonó lo que se convirtió en un eslogan popular: "No venderemos ningún vino antes de tiempo". ^[159] También fue la voz detrás de la campaña de larga duración de Carlsberg "Probablemente la mejor cerveza del mundo", ^[160] promocionó el jerez Domecq en la televisión británica ^[161] y proporcionó narración en anuncios para Findus , aunque los anuncios reales han sido eclipsados ​​por un famoso carrete de errores de grabación de voz, conocido como el carrete Frozen Peas . También hizo comerciales para el Servicio de Televisión por Suscripción Preview que se vieron en estaciones de todo el país, incluidas WCLQ/Cleveland, KNDL/St. Louis y WSMW/Boston.

En 1981, Welles presentó el documental The Man Who Saw Tomorrow , sobre Nostradamus . En 1982, la BBC transmitió The Orson Welles Story en la serie Arena . Entrevistado por Leslie Megahey, Welles examinó su pasado con gran detalle, y también se entrevistó a varias personas de su pasado profesional. Se reeditó en 1990 como With Orson Welles: Stories of a Life in Film . Welles proporcionó la narración para un documental de 1982 en la televisión pública estadounidense, ^[162] las pistas "Defender" del álbum de 1987 de Manowar Fighting the World y "Dark Avenger" en su álbum de 1982, Battle Hymns . También grabó la introducción del concierto para las presentaciones en vivo de Manowar que dice: "Damas y caballeros, desde los Estados Unidos de América, todos saluden a Manowar". Manowar ha estado usando esta introducción para todos sus conciertos desde entonces. ^{[ cita requerida ]} Durante la década de 1980, Welles trabajó en proyectos cinematográficos como The Dreamers , basada en dos historias de Isak Dinesen y protagonizada por Oja Kodar, y Magic Show de Orson Welles , que reutilizó material de su piloto de televisión fallido. Otro proyecto en el que trabajó fue Filming the Trial , el segundo de una serie de documentales propuestos que examinan sus largometrajes. Si bien se filmó gran parte de estos proyectos, ninguno de ellos se completó. Todos ellos fueron finalmente estrenados por el Filmmuseum München.

A mediados de los años 1980, Henry Jaglom grabó conversaciones con Welles durante el almuerzo en Ma Maison, en Los Ángeles, así como en Nueva York. Las grabaciones de estas sesiones fueron editadas por Peter Biskind y publicadas en el libro de 2013 My Lunches With Orson . ^[163]

En 1984, Welles narró la serie de televisión de corta duración Scene of the Crime . Durante los primeros años de Magnum, PI , Welles fue la voz del personaje invisible Robin Masters, un famoso escritor y playboy . La muerte de Welles obligó a que este personaje secundario fuera eliminado en gran medida de la serie. En un homenaje oblicuo a Welles, los productores de Magnum, PI concluyeron ambiguamente ese arco argumental al hacer que un personaje acusara a otro de haber contratado a un actor para interpretar a Robin Masters. ^[164] También, en este penúltimo año, lanzó un sencillo musical, titulado "I Know What It Is to Be Young (But You Don't Know What It Is to Be Old)", que grabó bajo el sello italiano Compagnia Generale del Disco . La canción fue interpretada con la orquesta de Nick Perito y los Ray Charles Singers y producida por Jerry Abbott (padre del guitarrista " Dimebag Darrell " Abbott). ^[165]

Los últimos papeles cinematográficos antes de la muerte de Welles incluyeron el trabajo de voz en las películas animadas Enchanted Journey (1984) y The Transformers: The Movie (1986), en la que prestó su voz al supervillano devorador de planetas Unicron . Su última aparición en una película fue en la película independiente Someone to Love de Henry Jaglom de 1987 , estrenada dos años después de su muerte pero producida antes de su voz en off en Transformers: The Movie . Su última aparición en televisión fue en Moonlighting . Grabó una introducción a un episodio titulado "The Dream Sequence Always Rings Twice", que fue filmado parcialmente en blanco y negro. El episodio se emitió cinco días después de su muerte y estuvo dedicado a su memoria.

Orson Welles y la actriz y socialité nacida en Chicago Virginia Nicolson (1916-1996) se casaron el 14 de noviembre de 1934. ^{[20] : 332} "Independientemente de sus comentarios posteriores, los dos estaban muy enamorados", escribió el biógrafo Patrick McGilligan, "y ella fue su salvación". ^{[166] [g]} La pareja se separó en diciembre de 1939 ^{[23] : 226} y se divorciaron el 1 de febrero de 1940. ^{[167] [168]} Unos meses más tarde, el 18 de mayo de 1940, se casó con el sobrino de Marion Davies, Charles Lederer .

Después de soportar los romances de Welles en Nueva York, Virginia se enteró de que Welles se había enamorado de la actriz mexicana Dolores del Río . ^{[23] : 227}

Encaprichado con ella desde la adolescencia, Welles conoció a del Río en el rancho de Darryl Zanuck ^{[25] : 206} poco después de que él se mudara a Hollywood en 1939. ^{[23] : 227  [25] : 168} Su relación se mantuvo en secreto hasta 1941, cuando del Río solicitó el divorcio de su segundo marido. Aparecieron juntos abiertamente en Nueva York mientras Welles dirigía la producción teatral de Mercury Native Son . ^{[25] : 212} Actuaron juntos en la película Journey into Fear (1943). Su relación llegó a su fin debido, entre otras cosas, a las infidelidades de Welles. Del Río regresó a México en 1943, poco antes de que Welles se casara con Rita Hayworth . ^[169]

Welles se casó con Hayworth el 7 de septiembre de 1943. ^{[25] : 278} Se divorciaron el 10 de noviembre de 1947. ^{[102] : 142} Durante su última entrevista, grabada para The Merv Griffin Show la noche antes de su muerte, Welles llamó a Hayworth "una de las mujeres más queridas y dulces que jamás haya vivido... y estuvimos mucho tiempo juntos; tuve la suerte de haber estado con ella más tiempo que con cualquiera de los otros hombres en su vida". ^[170]

En 1955, Welles se casó con la actriz Paola Mori (de soltera condesa Paola di Gerfalco), una aristócrata italiana que interpretó a Raina Arkadin en su película de 1955 Mr. Arkadin . La pareja comenzó una relación apasionada y se casaron por insistencia de los padres de ella. ^{[29] : 168} Se casaron en Londres el 8 de mayo de 1955, ^{[20] : 417, 419} y nunca se divorciaron.

La artista y actriz croata Oja Kodar se convirtió en la compañera personal y profesional de Welles durante mucho tiempo a partir de 1966. Vivieron juntos durante algunos de los últimos 20 años de su vida. ^{[29] : 255–258}

Welles tuvo tres hijas de sus matrimonios: Christopher Welles Feder (nacido en 1938, con Virginia Nicolson); ^{[h] [25] : 148} Rebecca Welles Manning (1944–2004, ^[171] con Rita Hayworth); y Beatrice Welles (nacida en 1955, con Paola Mori). ^{[20] : 419}

Se cree que Welles tuvo un hijo, el director británico Michael Lindsay-Hogg (nacido en 1940), con la actriz irlandesa Geraldine Fitzgerald , entonces esposa de Sir Edward Lindsay-Hogg, cuarto baronet . ^{[40] [172]} Cuando Lindsay-Hogg tenía 16 años, su madre divulgó a regañadientes rumores generalizados de que su padre era Welles, y ella los negó, pero con tanto detalle que él dudó de su veracidad. ^{[173] [174] : 15} Fitzgerald evadió el tema por el resto de su vida. Lindsay-Hogg conocía a Welles, trabajó con él en el teatro y lo conoció a intervalos a lo largo de la vida de Welles. ^[172] Después de enterarse de que la hija mayor de Welles, Chris, su compañero de juegos de la infancia, había sospechado durante mucho tiempo que él era su hermano, ^[175] Lindsay-Hogg inició una prueba de ADN que resultó no concluyente. En su autobiografía de 2011, Lindsay-Hogg informó que sus preguntas fueron resueltas por la amiga íntima de su madre, Gloria Vanderbilt , quien escribió que Fitzgerald le había dicho que Welles era su padre. ^{[174] : 265–267} Sin embargo, una biografía de Welles de 2015 por Patrick McGilligan informa la imposibilidad de la paternidad de Welles: Fitzgerald dejó los EE. UU. para Irlanda en mayo de 1939, y su hijo fue concebido antes de su regreso a fines de octubre, mientras que Welles no viajó al extranjero durante ese período. ^{[14] : 602}

Después de la muerte de Rebecca Welles Manning, se reveló que un hombre llamado Marc McKerrow era su hijo, y por lo tanto un descendiente directo de Orson Welles y Rita Hayworth, después de que solicitó que se revelaran sus registros de adopción. Si bien McKerrow y Rebecca nunca pudieron reunirse debido al cáncer de ella, estuvieron en contacto antes de su muerte y él asistió a su funeral. Las reacciones de McKerrow a la revelación y su reunión con Oja Kodar están documentadas en la película de 2008 Prodigal Sons , producida y dirigida por su hermana Kimberly Reed . ^[176] McKerrow murió el 18 de junio de 2010, repentinamente mientras dormía a la edad de 44 años. Su muerte se atribuyó a complicaciones de una convulsión relacionada con las lesiones que recibió en un accidente automovilístico cuando era más joven. ^{[177] [178]}

En la década de 1940, Welles tuvo una breve relación con Maila Nurmi . Según la biografía Glamour Ghoul: The Passions and Pain of the Real Vampira, Maila Nurmi , ella quedó embarazada; dado que Welles estaba casado entonces con Hayworth, Nurmi dio al niño en adopción. ^[179] Sin embargo, el niño mencionado en el libro nació en 1944. Nurmi reveló en una entrevista semanas antes de su muerte en enero de 2008 que conoció a Welles en una oficina de casting de Nueva York en la primavera de 1946. ^[180]

A pesar de una leyenda urbana promovida por Welles, ^{[i] [j]} no está relacionado con el Secretario de Marina en tiempos de guerra de Abraham Lincoln , Gideon Welles . El mito se remonta al primer artículo de periódico escrito sobre Welles: "Dibujante, actor, poeta y solo 10" - en la edición del 19 de febrero de 1926 de The Capital Times . El artículo afirma falsamente que descendía de "Gideon Welles, quien fue miembro del gabinete del presidente Lincoln". ^{[12] : 47–48  [82] : 311} Como lo presenta Charles Higham en un cuadro genealógico que introduce su biografía de Welles de 1985, el padre de Orson Welles fue Richard Head Welles (nacido Wells), hijo de Richard Jones Wells, hijo de Henry Hill Wells (que tenía un tío llamado Gideon Wells ), hijo de William Hill Wells , hijo de Richard Wells (1734–1801). ^[12]

La biografía de Peter Noble de 1956 describe a Welles como "una figura magnífica de hombre, de más de seis pies de altura, apuesto, con ojos brillantes y una voz gloriosamente resonante". ^{[183] ​​: 19} Welles dijo que un especialista en voz le dijo una vez que había nacido para ser un heldentenor , un tenor heroico, pero que cuando era joven y trabajaba en el Gate Theatre de Dublín, forzó su voz a bajar a un bajo-barítono . ^{[24] : 144}

Ya de bebé, Welles era propenso a enfermedades, entre ellas la difteria , el sarampión , la tos ferina y la malaria . Desde la infancia sufrió asma , dolores de cabeza sinusales y de espalda ^{[23] : 8} que más tarde se descubrió que eran causados ​​por anomalías congénitas de la columna vertebral. Los problemas de pies y tobillos que sufrió a lo largo de su vida fueron el resultado de los pies planos . ^{[184] : 560} "A medida que fue creciendo", escribió Brady, "su mala salud se vio agravada por las largas horas que se le permitía mantener [y] una temprana inclinación por el alcohol y el tabaco". ^{[23] : 8}

En 1928, a los 13 años, Welles ya medía más de seis pies de alto (1,83 metros) y pesaba más de 180 libras (82 kg). ^{[12] : 50} Su pasaporte registraba su altura como seis pies y tres pulgadas (191 cm), con cabello castaño y ojos verdes. ^{[29] : 229}

"Las dietas estrictas, los fármacos y los corsés lo habían adelgazado para sus primeros papeles cinematográficos", escribió el biógrafo Barton Whaley. "Luego volvió a un consumo desmesurado de alimentos hipercalóricos y alcohol. En el verano de 1949, cuando tenía 34 años, su peso había aumentado hasta unos robustos 100 kg. En 1953, pasó de 113 a 125 kg. Después de 1960, siguió siendo obeso de forma permanente". ^{[185] : 329}

Cuando Peter Bogdanovich una vez le preguntó sobre su religión, Welles respondió bruscamente que no era asunto suyo, luego le informó erróneamente que fue criado como católico . ^{[20] : xxx  [185] : 12} Aunque la familia Welles ya no era devota, era episcopaliana de cuarta generación y antes de eso, cuáquera y puritana . ^{[185] : 12} El funeral del padre de Welles, Richard H. Welles, fue episcopaliano. ^{[185] : 12  [186]}

En abril de 1982, cuando el entrevistador Merv Griffin le preguntó sobre sus creencias religiosas, Welles respondió: "Trato de ser cristiano. En realidad no rezo, porque no quiero aburrir a Dios". ^{[23] : 576}

Cerca del final de su vida, Welles estaba cenando en Ma Maison , su restaurante favorito en Los Ángeles, cuando el propietario Patrick Terrail le transmitió una invitación del líder de la Iglesia Ortodoxa Griega , quien le pidió a Welles que fuera su invitado de honor en la liturgia divina en la Catedral de Santa Sofía . Welles respondió: "Por favor, dígale que realmente aprecio esa oferta, pero soy ateo ". ^{[187] : 104–105}

"Orson nunca bromeó ni se burló de las creencias religiosas de los demás", escribió el biógrafo Barton Whaley. "Las aceptaba como un artefacto cultural, apropiado para los nacimientos, muertes y matrimonios de extraños e incluso de algunos amigos, pero sin significado emocional o intelectual para él mismo". ^{[185] : 12}

Welles fue políticamente activo desde el comienzo de su carrera. Se mantuvo alineado con la política de izquierda y la izquierda estadounidense durante toda su vida, ^[188] y siempre definió su orientación política como " progresista ". Demócrata, fue un crítico abierto del racismo en los Estados Unidos y la práctica de la segregación . ^{[82] : 46} Fue un firme partidario de Franklin D. Roosevelt y el New Deal y a menudo habló en la radio en apoyo de la política progresista. ^[188] Hizo una intensa campaña por Roosevelt en las elecciones de 1944. ^[188]

En una conversación de 1983 con su amigo Roger Hill, Welles recordó: "Durante una cena en la Casa Blanca, cuando yo estaba haciendo campaña por Roosevelt, en un brindis, con bastante ironía, dijo: 'Orson, tú y yo somos los dos mejores actores vivos de la actualidad'. En privado esa noche, y en varias otras ocasiones, me instó a postularme para un escaño en el Senado en California o Wisconsin. No estaba solo". ^{[24] : 115} En la década de 1980, Welles todavía expresaba admiración por Roosevelt, pero también describió su presidencia como "una semidictadura ". ^[189]

Durante una aparición en 1970 en The Dick Cavett Show , Welles afirmó haber conocido a Hitler mientras caminaba por Austria con un profesor que era un " nazi en ciernes ". Dijo que Hitler no le causó ninguna impresión y que no podía recordar nada de él del encuentro. Dijo que no tenía personalidad en absoluto: "Era invisible. No había nada allí hasta que hubo 5.000 personas gritando sieg heil". ^[190]

En 1946, Welles salió a la radio en una serie de emisiones exigiendo justicia para un veterano negro condecorado, Isaac Woodard , que había sido golpeado y cegado por agentes de policía blancos. Welles dedicó su programa del 28 de julio de 1946 a leer la declaración jurada de Woodard y a jurar que llevaría al oficial responsable ante la justicia. Continuó su cruzada en cuatro emisiones posteriores de domingo por la tarde en ABC Radio. "La NAACP consideró que estas emisiones hicieron más que cualquier otra cosa para incitar al Departamento de Justicia a actuar en el caso", afirmó el Museo de la Radiodifusión en su retrospectiva de 1988 Orson Welles on the Air: The Radio Years . ^[191]

Durante varios años, escribió una columna de periódico sobre temas políticos y consideró postularse para el Senado de los EE. UU. en 1946, representando a su estado natal de Wisconsin, un escaño que finalmente ganó Joseph McCarthy . ^[188]

Las actividades políticas de Welles fueron reportadas en las páginas 155-157 de Red Channels , la publicación anticomunista que, en parte, alimentó la ya floreciente Lista Negra de Hollywood . ^[192] Estuvo en Europa durante el auge del Miedo Rojo , agregando así una razón más para que el establishment de Hollywood lo condenara al ostracismo. ^[193]

En 1970, Welles narró (pero no escribió) un relato político satírico sobre el ascenso del presidente Richard Nixon titulado The Begatting of the President . ^[194]

A finales de la década de 1970, Welles se refirió a Josip Tito como "el hombre más grande del mundo hoy" en la televisión yugoslava. ^[195]

Welles habló ante una multitud de 700.000 personas en una manifestación por el desarme nuclear en Central Park el 12 de junio de 1982 y atacó las políticas del presidente Ronald Reagan y del Partido Republicano. ^[196]

American: An Odyssey to 1947 , un documental de Danny Wu que analiza la vida de Welles en el contexto político de las décadas de 1930 y 1940, tuvo su estreno en el Festival de Cine de Newport Beach en octubre de 2022. ^[197]

En la tarde del 9 de octubre de 1985, Welles grabó su entrevista final en el programa de televisión The Merv Griffin Show , apareciendo con la biógrafa Barbara Leaming. "Tanto Welles como Leaming hablaron de la vida de Welles, y el segmento fue un interludio nostálgico", escribió el biógrafo Frank Brady. ^{[23] : 590–591} Welles regresó a su casa en Hollywood y trabajó hasta altas horas de la madrugada escribiendo instrucciones de escena para el proyecto que él y Gary Graver planeaban filmar en UCLA al día siguiente. Welles murió en algún momento de la mañana del 10 de octubre, después de un ataque cardíaco . ^{[20] : 453} Fue encontrado por su chofer alrededor de las 10 am; el primero de los amigos de Welles en llegar fue Paul Stewart . ^{[82] : 295–297} Welles tenía 70 años cuando murió.

Welles fue incinerado por acuerdo previo con el albacea de su patrimonio, Greg Garrison , ^{[23] : 592} cuyo consejo sobre hacer apariciones lucrativas en televisión en la década de 1970 hizo posible que Welles pagara una parte de los impuestos que debía al IRS . ^{[23] : 549–550} A un breve funeral privado asistieron Paola Mori y las tres hijas de Welles, la primera vez que habían estado juntos. Solo fueron invitados unos pocos amigos cercanos: Garrison, Graver, Roger Hill ^{[82] : 298} y el príncipe Alessandro Tasca di Cuto. Chris Welles Feder luego describió el funeral como una experiencia terrible. ^{[29] : 1–9}

El 2 de noviembre de 1985 se celebró un homenaje público en memoria de ^{los fallecidos} en el Teatro del Gremio de Directores de Estados Unidos en Los Ángeles. El presentador Peter Bogdanovich presentó a los oradores, entre ellos Charles Champlin , Geraldine Fitzgerald , Greg Garrison, Charlton Heston , Roger Hill , Henry Jaglom , Arthur Knight , Oja Kodar , Barbara Leaming , Janet Leigh , Norman Lloyd , Dan O'Herlihy , Patrick Terrail y Robert Wise. ^{[23] : 594  [82] : 299–300}

"Sé cuáles eran sus sentimientos con respecto a su muerte", escribió más tarde Joseph Cotten. "No quería un funeral; quería ser enterrado tranquilamente en un pequeño lugar de España. No quería servicios conmemorativos..." Cotten se negó a asistir al programa conmemorativo; en su lugar, envió un breve mensaje, que terminaba con las dos últimas líneas de un soneto de Shakespeare que Welles le había enviado en su último cumpleaños: ^{[51] : 216}

Pero si mientras pienso en ti, querido amigo,
todas las pérdidas se restauran y las penas terminan. ^{[51] : 217}

En 1987 las cenizas de Welles fueron llevadas a Ronda , España, y enterradas en un antiguo pozo cubierto de flores en la finca rural de un viejo amigo, el torero Antonio Ordóñez . ^{[82] : 298–299  [198] [k] [l]}

David Thomson atribuye a Welles "la creación de un estilo visual que es al mismo tiempo barroco y preciso, abrumadoramente emocional e infaliblemente basado en la realidad". ^[199] Peter Bogdanovich , que fue dirigido por Welles en El otro lado del viento , escribió que "ser dirigido por Welles era como respirar oxígeno puro todo el día. Tenía tanto control que nunca tuvo que demostrar nada de ningún tipo. Nunca lo vi enfadarse o impacientarse, o levantar la voz de ninguna manera que no fuera hilarante... A veces, Orson sostenía él mismo la cámara, pero dondequiera que estuviera la cámara, él la había puesto allí, y todas las luces estaban colocadas exactamente donde él dijo que debían estar puestas. No se veía ni se oía nada en ninguna escena que no estuviera allí porque Orson así lo quería, pero nunca fue dictatorial". ^[200] Welles fue un amante de Shakespeare durante toda su vida , y Bogdanovich escribe que Campanadas a medianoche , en la que Welles interpreta a John Falstaff , es "posiblemente su mejor película y su favorita personal"; ^[201] Joseph McBride y Jonathan Rosenbaum la han llamado la obra maestra de Welles, y Vincent Canby escribió "puede ser la mejor película shakespeariana jamás realizada". ^[202]

Después de que Welles fue a Sudamérica para filmar el documental It's All True , RKO cortó más de cuarenta minutos de Ambersons y agregó un final más feliz, en contra de sus deseos. El metraje faltante de Ambersons ha sido llamado un "santo grial" del cine. ^[203] Welles escribió un memorando de 58 páginas a Universal sobre la edición de Sed de mal , que ignoraron. ^[142] En 1998, Walter Murch reeditó la película de acuerdo con las especificaciones de Welles. ^[204] Con un desarrollo que abarcó casi 50 años, la última película de Welles, The Other Side of the Wind , se estrenó póstumamente en 2018.

Conocido por su voz de barítono , ^[205] Welles actuó extensamente en teatro, radio y cine. Fue un mago de toda la vida , conocido por presentar espectáculos de variedades para tropas en los años de guerra. Fue miembro vitalicio de la Hermandad Internacional de Magos y de la Sociedad de Magos Americanos . ^[206]

Welles recibió numerosos galardones, entre ellos un premio de la Academia , un premio Peabody y un premio Grammy , así como nominaciones a los premios BAFTA y Globo de Oro . Entre sus honores se incluyen el premio AFI Life Achievement Award en 1975, la beca del British Film Institute en 1983 y el premio Directors Guild of America Lifetime Achievement Award en 1984. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Asociación Nacional de Radiodifusores en 1979 y en el Salón de la Fama de la Radio Nacional en 1988. Welles recibió la Legión de Honor de Francia en 1982.

Welles es conocido por su trabajo en el cine como director, actor y guionista. La dependencia de Welles de la autoproducción significó que muchos de sus proyectos posteriores se filmaron poco a poco o quedaron incompletos. Financió estos esfuerzos a través de sus propias actividades de recaudación de fondos, a menudo complementando sus ingresos con trabajo adicional para financiar sus películas.

• El director Peter Jackson eligió al actor de Montreal Jean Guérin para interpretar a Welles en su película de 1994, Heavenly Creatures . ^[207]
• Vincent D'Onofrio interpretó a Welles en un cameo en la película de Tim Burton de 1994, Ed Wood , donde aparece brevemente y alienta al cineasta homónimo a luchar por hacer sus películas a su manera a pesar de sus productores. ^[208]
• El actor de doblaje Maurice LaMarche es conocido por su imitación de Welles, escuchada en Ed Wood (en la que dobló el diálogo de Vincent D'Onofrio); la serie animada de horario estelar de 1994-95, The Critic ; un episodio de 2006 de Los Simpson ; y un episodio de 2011 de Futurama por el que LaMarche ganó un premio Emmy . La voz que creó para el personaje Brain de la serie animada Animaniacs y Pinky and the Brain estuvo en gran medida influenciada por Welles. ^[209]
• La película de 1996 The Battle Over Citizen Kane , que narra el conflicto entre Welles y Hearst, fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Largometraje Documental . ^{[210] [211]}
• Welles es un personaje recurrente en la serie Anno Dracula del autor y crítico Kim Newman , que aparece en Dracula Cha Cha Cha (1998) y Johnny Alucard (2013). ^{[212] [213]}
• En 1999, Welles apareció en un sello postal estadounidense en una escena de Ciudadano Kane . Se solicitó al Servicio Postal de los Estados Unidos que honrara a Welles con un sello en 2015, el centenario de su nacimiento, pero el esfuerzo no tuvo éxito. ^[214]
• El docudrama de HBO de 1999, RKO 281 , cuenta la historia de la realización de Ciudadano Kane , protagonizada por Liev Schreiber como Orson Welles. ^[215]
• La película Cradle Will Rock de Tim Robbins de 1999 narra el proceso y los acontecimientos que rodearon la producción de Welles y John Houseman del musical de Marc Blitzstein de 1937. Welles es interpretado por el actor Angus MacFadyen . ^[216]
• La obra de Austin Pendleton de 2000, Orson's Shadow , trata sobre la producción londinense de 1960 de la obra de Eugène Ionesco Rhinoceros dirigida por Welles y protagonizada por Laurence Olivier . Presentada por primera vez por la Steppenwolf Theatre Company en 2000, la obra se estrenó en el off-Broadway en 2005 ^[217] y tuvo su estreno europeo en Londres en 2015. ^[218]
• En la novela Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay , ganadora del premio Pulitzer en 2000, de Michael Chabon , los protagonistas conocen a Orson Welles y asisten al estreno de Ciudadano Kane . ^[219]
• En la película Fade to Black (2006), un thriller ficticio ambientado durante el viaje de Welles a Roma en 1948 para protagonizar la película Black Magic , Danny Huston interpreta a Welles. ^[220]
• Yo y Orson Welles (2009), basada enla novela de Robert Kaplow de 2003, ^[221] está protagonizada por Zac Efron como un adolescente que convence a Welles ( Christian McKay ) de que lo incluya en su producción de 1937 de Julio César . McKay recibió numerosos elogios por su actuación, incluida unanominación al BAFTA . ^[222]
• Welles es el personaje central de "Ian, George y George", una novela corta de Paul Levinson publicada en 2013 en la revista Analog Science Fiction and Fact . ^[223]
• En 2014, el actor cómico Jack Black interpretó a Welles en el programa de comedia de sketches Drunk History . ^[224]
• En 2014 , Chuck Workman lanzó un documental que recibió excelentes críticas, titulado Magician: The Astonishing Life and Work of Orson Welles ^{. [225] [226]}
• El rapero Logic samplea a Orson Welles dos veces en su álbum de 2020 No Pressure , con una parte del episodio "Orson Welles Commentaries" del 11 de agosto de 1946 que aparece como outro del álbum, titulado "Obediently Yours".
• Tom Burke interpretó a Welles en la película de David Fincher de 2020, Mank , que se centra en Herman J. Mankiewicz , el coguionista de Ciudadano Kane .
• Welles es interpretado por tres avatares mientras enfrenta su propia muerte en la ópera cinematográfica de 2020 Orson Rehearsed ^[227] del compositor y director Daron Hagen . ^[228]

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