Lo que el viento se llevó (película)

Lo que el viento se llevó
Afiche de estreno en cines
Dirigido por	Víctor Fleming
Guión de	Sydney Howard
Residencia en	Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell
Producido por	David O. Selznick
Protagonizada por	Clark Gable Vivien Leigh Leslie Howard Olivia de Havilland
Cinematografía	Ernesto Haller
Editado por	Hal C. Kern James E. Newcom
Música de	Max Steiner
Empresas productoras	Imágenes internacionales de Selznick Metro-Goldwyn-Mayer
Distribuido por	Loew's Inc. [1] [número 1]
Fecha de lanzamiento	15 de diciembre de 1939 ( estreno en Atlanta ) ( 15 de diciembre de 1939 )
Duración del programa	221 minutos 234–238 minutos (con obertura , intermedio , entreacto y música de salida)
País	Estados Unidos
Idioma	Inglés
Presupuesto	3,85 millones de dólares
Taquillas	>$390 millones

Lo que el viento se llevó es una película romántica histórica épica estadounidense de 1939 adaptada de la novela de 1936 de Margaret Mitchell . La película fue producida por David O. Selznick de Selznick International Pictures y dirigida por Victor Fleming . Ambientada en el sur de Estados Unidos con el telón de fondo de la Guerra Civil estadounidense y la era de la Reconstrucción , la película cuenta la historia de Scarlett O'Hara ( Vivien Leigh ), la hija de carácter fuerte de un propietario de una plantación de Georgia, después de su búsqueda romántica de Ashley Wilkes ( Leslie Howard ), quien está casado con su prima, Melanie Hamilton ( Olivia de Havilland ), y su posterior matrimonio con Rhett Butler ( Clark Gable ).

La película tuvo una producción problemática. El inicio del rodaje se retrasó dos años hasta enero de 1939 porque Selznick estaba decidido a conseguir a Gable para el papel de Rhett, y el rodaje concluyó en julio. El papel de Scarlett fue un desafío para el reparto, y se entrevistó a 1.400 mujeres desconocidas para el papel. El guion original de Sidney Howard sufrió muchas revisiones por parte de varios escritores para reducirlo a una duración adecuada. El director original, George Cukor , fue despedido poco después de que comenzara el rodaje y fue reemplazado por Fleming, quien a su vez fue reemplazado brevemente por Sam Wood mientras se tomaba un tiempo libre debido al agotamiento. La posproducción concluyó en noviembre de 1939, solo un mes antes de su estreno.

Recibió críticas generalmente positivas tras su estreno el 15 de diciembre de 1939. Si bien el reparto fue ampliamente elogiado, la larga duración recibió críticas. En la 12.ª edición de los Premios Óscar , Lo que el viento se llevó recibió diez premios Óscar (ocho competitivos, dos honorarios) de trece nominaciones, incluidas las victorias a Mejor película , Mejor director (Fleming), Mejor guion adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard), Mejor actriz (Leigh) y Mejor actriz de reparto ( Hattie McDaniel , convirtiéndose en la primera afroamericana en ganar un premio Óscar). Estableció récords por el número total de victorias y nominaciones en ese momento.

Lo que el viento se llevó fue inmensamente popular cuando se estrenó. Se convirtió en la película con mayores ingresos realizada hasta ese momento y mantuvo el récord durante más de un cuarto de siglo. Cuando se ajusta a la inflación monetaria , sigue siendo la película más taquillera de la historia . Se reestrenó periódicamente a lo largo del siglo XX y se arraigó en la cultura popular. Aunque la película ha sido criticada por negacionismo histórico , glorificando la esclavitud y el mito de la Causa Perdida de la Confederación , se le atribuye el mérito de desencadenar cambios en la forma en que se representaba a los afroamericanos cinematográficamente. Lo que el viento se llevó está considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos y, en 1989, se convirtió en una de las veinticinco películas inaugurales seleccionadas para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos .

En 1861, en vísperas de la Guerra Civil estadounidense , Scarlett O'Hara vive en Tara , la plantación de algodón de su familia en Georgia, con sus padres, dos hermanas y sus esclavos negros. Scarlett se siente profundamente atraída por Ashley Wilkes y se entera de que se casará con su prima , Melanie Hamilton . En una fiesta de compromiso al día siguiente en la casa de Ashley, Twelve Oaks , una plantación cercana, Scarlett se acerca a Ashley pero es rechazada; sin embargo, llama la atención de otro invitado, Rhett Butler . La fiesta se ve interrumpida por la noticia del llamado del presidente Lincoln a voluntarios para luchar en el Sur , y los hombres del Sur se apresuran a alistarse. Scarlett se casa con el hermano menor de Melanie, Charles, para despertar celos en Ashley antes de que se vaya a luchar. Después de la muerte de Charles mientras servía en el Ejército de los Estados Confederados , la madre de Scarlett la envía a la casa de Hamilton en Atlanta. Ella crea una escena al asistir a un bazar benéfico vestida de luto y bailando un vals con Rhett, ahora un corredor de bloqueo para la Confederación .

La marea de la guerra se vuelve contra la Confederación después de la Batalla de Gettysburg . Muchos de los hombres del pueblo de Scarlett mueren. Ocho meses después, mientras el Ejército de la Unión asedia la ciudad en la campaña de Atlanta , Melanie da a luz con la ayuda de Scarlett, y Rhett las ayuda a huir de la ciudad. Rhett decide irse a luchar, dejando a Scarlett para que vuelva sola a Tara. Encuentra a Tara abandonada, a excepción de su padre, hermanas y antiguos esclavos, Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre ha perdido la cabeza. Con Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett jura asegurar su supervivencia y la de su familia.

Tras la derrota de la Confederación, los O'Hara trabajan en los campos de algodón. Ashley regresa, pero descubre que no es de mucha ayuda para Tara. Cuando Scarlett le ruega que huya con ella, él confiesa su deseo por ella y la besa apasionadamente, pero dice que no puede dejar a Melanie. El padre de Scarlett intenta ahuyentar a un oportunista de su tierra, pero es arrojado de su caballo y asesinado. Incapaz de pagar los impuestos reconstruccionistas impuestos a Tara, Scarlett apela sin éxito a Rhett, luego engaña al prometido de su hermana menor Suellen, el rico y de mediana edad dueño de una tienda general, Frank Kennedy, para que se case con ella. Frank, Ashley, Rhett y varios otros cómplices hacen una incursión nocturna en un barrio de chabolas después de que Scarlett es atacada mientras conduce sola por él, lo que resulta en la muerte de Frank. Poco después del funeral de Frank, Rhett le propone matrimonio a Scarlett, y ella acepta.

Rhett y Scarlett tienen una hija a la que Rhett apoda Bonnie Blue, pero Scarlett todavía añora a Ashley y, disgustada por la supuesta ruina de su figura, se niega a tener más hijos o a compartir la cama con Rhett. Un día, en el molino de Frank, la hermana de Ashley, India, ve a Scarlett y Ashley abrazándose. India, que alberga una intensa aversión hacia Scarlett, difunde rumores con entusiasmo. Más tarde esa noche, Rhett, habiendo oído los rumores, obliga a Scarlett a asistir a la fiesta de cumpleaños de Ashley. Sin embargo, Melanie apoya a Scarlett. Después de regresar a casa, Scarlett encuentra a Rhett borracho abajo y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett contra su voluntad, declarando su intención de tener relaciones sexuales con ella esa noche, y lleva a la luchadora Scarlett al dormitorio.

Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una desgracia. Cuando Rhett regresa de un largo viaje a Londres, Inglaterra, Scarlett le informa que está embarazada, pero se produce una discusión, lo que resulta en que se caiga por un tramo de escaleras y sufra un aborto espontáneo . Mientras se recupera, la tragedia ataca de nuevo cuando Bonnie muere al intentar saltar una valla con su poni. Scarlett y Rhett visitan a Melanie, que ha sufrido complicaciones por un nuevo embarazo, en su lecho de muerte. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett se prepara para dejar Atlanta. Al darse cuenta de que era Rhett, y no Ashley, a quien realmente amaba todo el tiempo, Scarlett le ruega a Rhett que se quede, pero él la rechaza y se aleja en la niebla de la mañana. Una angustiada Scarlett decide regresar a su casa en Tara, prometiendo algún día recuperar a Rhett.

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood se negaron a crear una película basada en ella, incluidos Louis B. Mayer e Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro S. Berman de RKO Radio Pictures y David O. Selznick de Selznick International Pictures . Jack L. Warner de Warner Bros. consideró comprar los derechos después de leer la sinopsis, pero su mayor estrella Bette Davis no estaba interesada en ese momento, y Darryl F. Zanuck de 20th Century-Fox no había ofrecido suficiente dinero. Sin embargo, Selznick cambió de opinión después de que su editora de historias Kay Brown y su socio comercial John Hay Whitney lo instaran a comprar los derechos cinematográficos. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por $ 50,000. ^{[3] [4] [5]}

El casting de los dos papeles principales se convirtió en una tarea compleja que duró dos años. Para el papel de Rhett Butler, Selznick quería desde el principio a Clark Gable , pero Gable tenía contrato con MGM, que nunca lo prestó a otros estudios. ^[3] Se consideró a Gary Cooper , pero Samuel Goldwyn —con quien Cooper tenía contrato— se negó a prestarlo. ^[6] Warner ofreció un paquete con Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para los papeles principales a cambio de los derechos de distribución. ^[7] En ese momento, Selznick estaba decidido a conseguir a Gable, y en agosto de 1938 finalmente llegó a un acuerdo con su suegro, el jefe de MGM Louis B. Mayer: MGM proporcionaría a Gable y 1.250.000 dólares por la mitad del presupuesto de la película y, a cambio, Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable; La mitad de las ganancias irían a MGM mientras que Loew's, Inc —la empresa matriz de MGM— estrenaría la película. ^{[3] [6]}

El acuerdo para estrenar a través de MGM significó retrasar el inicio de la producción hasta finales de 1938, cuando concluyó el acuerdo de distribución de Selznick con United Artists . ^[6] Selznick aprovechó el retraso para seguir revisando el guion y, lo que es más importante, generar publicidad para la película a través de sus esfuerzos por conseguir el papel de Scarlett . Selznick inició un casting a nivel nacional entrevistando a 1400 desconocidos. El esfuerzo costó 100 000 dólares y resultó inútil para el objetivo principal de elegir el papel, pero creó una publicidad "inestimable". ^[3] Entre las primeras candidatas estaban Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead , que Selznick consideraba posibilidades antes de la compra de los derechos cinematográficos; Joan Crawford , que había firmado con MGM, también fue considerada como una posible pareja con Gable. Después de llegar a un acuerdo con MGM, Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer —que era la principal estrella femenina de MGM en ese momento— pero ella se retiró de la consideración después de los comentarios negativos de los fanáticos del cine. Katharine Hepburn presionó mucho para el papel con el apoyo de su amigo, George Cukor, que había sido contratado para dirigir, pero Selznick la vetó, ya que sintió que no era la adecuada para el papel. ^{[6] [7] [8]}

Muchas actrices, tanto conocidas como desconocidas, fueron consideradas, pero solo treinta, además de la elegida finalmente, Vivien Leigh, fueron realmente probadas para el papel, incluidas Ardis Ankerson ( Brenda Marshall ), Jean Arthur , Tallulah Bankhead, Diana Barrymore , Joan Bennett , Nancy Coleman , Frances Dee , Terry Ray ( Ellen Drew ), Paulette Goddard , Edythe Marrenner ( Susan Hayward ), Anita Louise , Haila Stoddard , Margaret Tallichet , Lana Turner y Linda Watkins . ^[9] Aunque Margaret Mitchell se negó a nombrar públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su aprobación fue Miriam Hopkins, a quien Mitchell sintió que era el tipo de actriz adecuada para interpretar a Scarlett como está escrito en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía unos treinta y tantos años en ese momento y se la consideró demasiado mayor para el papel. ^{[6] [7] [8]} Cuatro actrices, incluidas Jean Arthur y Joan Bennett, todavía estaban bajo consideración en diciembre de 1938; Sin embargo, solo dos finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, fueron probadas en Technicolor , ambas el 20 de diciembre. ^[10] Goddard casi ganó el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charlie Chaplin hizo que Selznick cambiara de opinión. ^[3]

Selznick había estado considerando discretamente a Vivien Leigh, una joven actriz inglesa que todavía era poco conocida en Estados Unidos, para el papel de Scarlett desde febrero de 1938, cuando Selznick la vio en Fire Over England y A Yank at Oxford . El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos Myron Selznick (dirigida por el hermano de David Selznick, uno de los propietarios de Selznick International), y ella había solicitado en febrero que su nombre fuera presentado para su consideración como Scarlett. En el verano de 1938, los Selznick estaban negociando con Alexander Korda , con quien Leigh tenía contrato, para sus servicios más tarde ese año. ^[11] El hermano de Selznick organizó que se conocieran por primera vez la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se filmó el incendio de Atlanta. En una carta a su esposa dos días después, Selznick admitió que Leigh era "la candidata sorpresa de Scarlett", y después de una serie de pruebas de pantalla, su elección fue anunciada el 13 de enero de 1939. ^[12] Justo antes del rodaje de la película, Selznick informó al columnista del periódico Ed Sullivan : "Los padres de Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. De manera idéntica, los padres de la señorita Leigh son franceses e irlandeses". ^[13]

Un problema acuciante para Selznick durante el casting fue el fracaso persistente de Hollywood para representar con precisión los acentos sureños . El estudio creía que si el acento no se representaba con precisión, podría resultar perjudicial para el éxito de la película. Selznick contrató a Susan Myrick (una experta en el habla, los modales y las costumbres sureñas que le recomendó Mitchell) y a Will A. Price para que entrenaran a los actores a hablar con acento sureño . Mitchell elogió el trabajo vocal del elenco y destacó la falta de críticas cuando se estrenó la película. ^{[14] [15]}

La historiadora de cine Joanne Yeck escribe sobre el guionista original, Sidney Howard , que «reducir las complejidades de las dimensiones épicas de Lo que el viento se llevó fue una tarea hercúlea... y la primera propuesta de Howard era demasiado larga y habría requerido al menos seis horas de película;... [el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el set para hacer revisiones... pero Howard se negó a abandonar Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones fueron manejadas por una gran cantidad de escritores locales». ^[16] Selznick despidió al director George Cukor a las tres semanas de rodaje y buscó a Victor Fleming, que dirigía El mago de Oz en ese momento. Fleming no estaba satisfecho con el guion, por lo que Selznick trajo al guionista Ben Hecht para reescribir todo el guion en cinco días. Hecht volvió al borrador original de Howard y, al final de la semana, había logrado revisar toda la primera mitad del guion. Selznick se comprometió a reescribir la segunda mitad él mismo, pero se retrasó en el cronograma, por lo que Howard volvió a trabajar en el guión durante una semana, retrabajando varias escenas clave en la segunda parte. ^[17]

"Cuando se estrenó la película en 1939, había algunas dudas sobre quién debía aparecer en los créditos", escribe Yeck. "Pero a pesar de la cantidad de escritores y cambios, el guión final era sorprendentemente parecido a la versión de Howard. El hecho de que el nombre de Howard aparezca solo en los créditos puede haber sido tanto un gesto hacia su memoria como hacia su escritura, ya que en 1939, Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente con un tractor agrícola, y antes del estreno de la película". ^[16] Selznick, en un memorando escrito en octubre de 1939, habló sobre los créditos de escritura de la película: "[P]uede decir francamente que de la comparativamente pequeña cantidad de material en la película que no es del libro, la mayor parte es de mi autoría personal, y las únicas líneas de diálogo originales que no son mías son unas pocas de Sidney Howard y unas pocas de Ben Hecht y un par más de John Van Druten . De entrada, dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en todo el guión. En cuanto a la construcción, esto es aproximadamente el ochenta por ciento mío, y el resto dividido entre Jo Swerling y Sidney Howard, con Hecht habiendo contribuido materialmente a la construcción de una secuencia". ^[18]

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams, "Al amanecer del domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick... y el director Victor Fleming despertaron a Hecht para informarle que estaba cedido por MGM y que debía ir con ellos inmediatamente y ponerse a trabajar en Lo que el viento se llevó , que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas antes. Le costaba a Selznick 50.000 dólares cada día que la película estaba en suspenso, a la espera de una reescritura final del guión, y el tiempo era esencial. Hecht estaba en medio del trabajo en la película En el circo para los Hermanos Marx . Al recordar el episodio en una carta a su amigo guionista Gene Fowler , dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director Fleming no podían esperar a que la leyera. Actuaron en escenas basadas en el guión original de Sidney Howard, que necesitaba ser reescrito a toda prisa. Hecht escribió: "Después de que se hubiera representado y discutido cada escena, me senté en la "Cogí la máquina de escribir y la escribí. Selznick y Fleming, ansiosos por seguir actuando, me apuraban constantemente. Trabajamos de esta manera durante siete días, dedicándoles entre dieciocho y veinte horas diarias. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos haría más lentos. Nos proporcionó plátanos y cacahuetes salados... así que el séptimo día había terminado, ileso, los primeros nueve rollos de la epopeya de la Guerra Civil".

MacAdams escribe: "Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht en el guión... En los créditos oficiales presentados ante el Screen Writers Guild , por supuesto, a Sidney Howard se le concedió el crédito exclusivo en pantalla, pero se agregaron otros cuatro escritores... Jo Swerling por contribuir al tratamiento, Oliver HP Garrett y Barbara Keon por la construcción del guión, y Hecht, por el diálogo..." ^[19]

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1 de julio, y el trabajo de posproducción continuó hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor , con quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y que había pasado casi dos años en la preproducción de Lo que el viento se llevó , fue reemplazado después de menos de tres semanas de rodaje. ^{[7] [nb 4]} Selznick y Cukor ya habían estado en desacuerdo sobre el ritmo de filmación y el guion, ^{[7] [20]} pero otras explicaciones achacan la marcha de Cukor a la incomodidad de Gable al trabajar con él. Emanuel Levy , biógrafo de Cukor, afirmó que Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood como estafador y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable utilizó su influencia para que lo despidieran. ^[22] Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la escena del bazar de Atlanta, y la pareja fue a la oficina de Selznick vestidas de gala y le imploraron que cambiara de opinión. Victor Fleming , que estaba dirigiendo El mago de Oz , fue llamado desde MGM para completar la película. Sin embargo, Cukor continuó entrenando en privado a Leigh y De Havilland. ^[17] Otro director de MGM, Sam Wood , trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar más tarde, Selznick estimó que "tres carretes sólidos" de su trabajo quedaron en el corte final. Al final de la fotografía principal, Cukor había realizado dieciocho días de filmación, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro. ^[7]

El director de fotografía Lee Garmes comenzó la producción, pero el 11 de marzo de 1939, después de un mes de filmar imágenes que Selznick y sus asociados consideraron "demasiado oscuras", fue reemplazado por Ernest Haller , quien trabajó con el director de fotografía en Technicolor Ray Rennahan . Garmes completó el primer tercio de la película (casi todo lo anterior a que Melanie tuviera al bebé), pero no recibió un crédito. ^[23]

La mayor parte del rodaje se realizó en " los cuarenta traseros " de Selznick International y todas las escenas de locación se fotografiaron en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o el vecino condado de Ventura . ^[24] Tara, la casa de plantación sureña ficticia, existía solo como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en el lote del estudio de Selznick. ^[25] Para el incendio de Atlanta, se construyeron nuevas fachadas falsas frente a los muchos decorados abandonados del backlot de Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los quemaron. ^[3] Las fuentes de la época estimaron los costos de producción en $ 3,85 millones, lo que la convirtió en la segunda película más cara realizada hasta ese momento, solo con Ben-Hur (1925) que costó más. ^{[26] [nb 5]}

Aunque persiste la leyenda de que la Oficina Hays multó a Selznick con 5.000 dólares por utilizar la palabra "maldición" en la línea de salida de Butler , de hecho, la junta de la Asociación Cinematográfica aprobó una enmienda al Código de Producción el 1 de noviembre de 1939, que prohibía el uso de las palabras "infierno" o "maldición" excepto cuando su uso "sea esencial y requerido para la representación, en el contexto histórico adecuado, de cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o folclore... o una cita de una obra literaria, siempre que no se permita ningún uso que sea intrínsecamente objetable u ofenda el buen gusto". Con esa enmienda, la Administración del Código de Producción no tuvo más objeciones a la línea de cierre de Rhett. ^[28]

Selznick eligió a Max Steiner para componer la banda sonora, con quien había trabajado en RKO Pictures a principios de los años 30. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, accedió a prestárselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la banda sonora, el período más prolongado que había pasado escribiendo una, y con dos horas y treinta y seis minutos de duración, también fue la más larga que había escrito nunca. Se contrataron cinco orquestadores: Hugo Friedhofer , Maurice de Packh, Bernhard Kaun , Adolph Deutsch y Reginald Bassett.

La banda sonora se caracteriza por dos temas de amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley, aunque notablemente, no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó considerablemente en música folclórica y patriótica, que incluía melodías de Stephen Foster como "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", " Beautiful Dreamer ", " Old Folks at Home " y "Katie Belle", que formaron la base del tema de Scarlett; otras melodías que aparecen de forma destacada son: "Marching through Georgia" de Henry Clay Work , " Dixie ", " Garryowen " y " The Bonnie Blue Flag ". El tema que más se asocia con la película hoy en día es la melodía que acompaña a Tara, la plantación O'Hara; a principios de la década de 1940, "Tara's Theme" formó la base musical de la canción "My Own True Love" de Mack David . En total, hay noventa y nueve piezas musicales independientes incluidas en la partitura.

Debido a la presión de terminar a tiempo, Steiner recibió algo de ayuda en la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld , y además, dos pistas cortas (de Franz Waxman y William Axt ) fueron tomadas de partituras de la biblioteca de MGM. ^[29]

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa, Irene , el inversor John "Jock" Whitney y el editor de cine Hal Kern se dirigieron a Riverside, California, para ver la película en el Fox Theatre . La película todavía era un corte preliminar en esta etapa, le faltaban títulos completos y necesitaba efectos ópticos especiales. Se exhibió durante cuatro horas y veinticinco minutos; luego se redujo a menos de cuatro horas para su lanzamiento adecuado. Se estaba proyectando un programa doble de Hawaiian Nights y Beau Geste , pero después de la primera función se anunció que, en lugar del segundo programa, el teatro proyectaría un avance de una próxima película sin nombre; se informó a la audiencia que podían irse, pero no se les volvería a permitir el ingreso una vez que la película hubiera comenzado, ni se permitirían llamadas telefónicas una vez que el teatro hubiera sido cerrado. Cuando el título apareció en la pantalla, la audiencia aplaudió y, después de que terminó, la película recibió una ovación de pie. ^{[7] [30]} En su biografía de Selznick, David Thomson escribió que la respuesta del público antes de que la película hubiera comenzado "fue el momento más grandioso de la vida [de Selznick], la mayor victoria y redención de todos sus fracasos", ^[31] y Selznick describió las tarjetas de preestreno como "probablemente las más asombrosas que haya tenido alguna película". ^[32] Cuando la prensa le preguntó a Selznick a principios de septiembre qué pensaba sobre la película, dijo: "Al mediodía creo que es divina, a medianoche creo que es pésima. A veces creo que es la mejor película jamás hecha. Pero si solo es una gran película, igualmente estaré satisfecho". ^[26]

Unas 300.000 personas acudieron a Atlanta para el estreno de la película en el Loew's Grand Theatre el 15 de diciembre de 1939. Fue el punto culminante de tres días de festividades organizadas por el alcalde William B. Hartsfield , que incluyeron un desfile de limusinas con estrellas de la película, recepciones, miles de banderas confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers , el gobernador de Georgia, declaró el 15 de diciembre como feriado estatal. Se estima que 300.000 residentes y visitantes de Atlanta se alinearon en las calles durante siete millas para ver la procesión de limusinas que trajeron a las estrellas desde el aeropuerto. Solo Leslie Howard y Victor Fleming decidieron no asistir: Howard había regresado a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial , y Fleming se había peleado con Selznick y se negó a asistir a ninguno de los estrenos. ^{[26] [32]} Hattie McDaniel también estuvo ausente, ya que a ella y a los otros miembros negros del elenco se les impidió asistir al estreno debido a las leyes de Jim Crow de Georgia , que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que a McDaniel se le había prohibido asistir al estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel lo persuadió para que asistiera. ^[33] El presidente Jimmy Carter lo recordó más tarde como "el evento más grande que sucedió en el Sur en mi vida". ^[34] Siguieron los estrenos en Nueva York y Los Ángeles; a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido consideradas para el papel de Scarlett, entre ellas Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford. ^[32]

Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película se proyectó únicamente en funciones itinerantes con entradas de pago por adelantado en un número limitado de salas a precios superiores a un dólar (más del doble del precio de una película de estreno habitual), y MGM se llevó un 70 por ciento de los ingresos de taquilla, una cifra sin precedentes, en comparación con el 30-35 por ciento típico de la época. Después de alcanzar la saturación como espectáculo itinerante, MGM revisó sus condiciones a un recorte del 50 por ciento y redujo a la mitad los precios antes de que finalmente se estrenara en general en 1941 a precios "populares". ^[35] Incluyendo sus costos de distribución y publicidad, el gasto total en la película fue de hasta 7 millones de dólares. ^{[32] [36]}

En 1942, Selznick liquidó su empresa por razones fiscales y vendió su participación en Lo que el viento se llevó a su socio comercial, John Whitney, por 500.000 dólares. A su vez, Whitney se la vendió a MGM por 2,8 millones de dólares; por lo tanto, el estudio era dueño absoluto de la película. ^[36] MGM reestrenó inmediatamente la película en la primavera de 1942, ^[17] y nuevamente en 1947 y 1954. ^[7] La ​​reedición de 1954 fue la primera vez que la película se mostró en pantalla ancha , comprometiendo la relación original de la Academia y recortando la parte superior e inferior a una relación de aspecto de 1,75:1. Al hacerlo, varias tomas fueron reencuadradas ópticamente y cortadas en los negativos de cámara de tres tiras, alterando para siempre cinco tomas en la película. ^[37]

En 1961 se estrenó la película para conmemorar el centenario del inicio de la Guerra Civil, y también incluyó un "estreno" de gala en el Loew's Grand Theatre. Asistieron Selznick y muchas otras estrellas de la película, incluidas Vivien Leigh y Olivia de Havilland; ^[38] Clark Gable había muerto el año anterior. ^[39] Para su relanzamiento en 1967, la película se amplió a 70 mm , ^[7] y se emitió con un póster actualizado que mostraba a Gable, con su camisa blanca rasgada, sosteniendo a Leigh contra un fondo de llamas anaranjadas. ^[38] Hubo más relanzamientos en 1971, 1974 y 1989; para la reedición del quincuagésimo aniversario en 1989, se le realizó una restauración completa de audio y video. Se estrenó en cines una vez más en los Estados Unidos, en 1998, por New Line Cinema , propiedad de Time Warner . ^{[40] [41]}

En 2013, se lanzó una restauración digital 4K en el Reino Unido para coincidir con el centenario de Vivien Leigh. ^[42] En 2014, se programaron proyecciones especiales durante dos días en cines de los Estados Unidos para coincidir con el 75.° aniversario de la película, ^[43] y nuevamente durante tres días en 2024, para celebrar su 85.° aniversario. ^[44]

La película se estrenó en la televisión estadounidense en la cadena de cable HBO el 11 de junio de 1976, y se emitió en el canal catorce veces durante el resto del mes. ^{[45] [17] [46]} Otros canales de cable también transmitieron la película durante junio. ^[47] Hizo su debut en la televisión en cadena en noviembre de ese año; NBC pagó $ 5 millones por una transmisión única, y se transmitió en dos partes en noches sucesivas. ^[17] Se convirtió en ese momento en el programa de televisión de mayor audiencia presentado en una sola cadena, visto por el 47,5 por ciento de los hogares muestreados en Estados Unidos y el 65 por ciento de los televidentes, todavía el récord de la película de mayor audiencia jamás emitida en televisión. ^{[17] [41]}

En 1978, CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para transmitir la película veinte veces durante la misma cantidad de años. ^[17] Turner Entertainment adquirió la biblioteca de películas de MGM en 1986, pero el acuerdo no incluía los derechos televisivos de Lo que el viento se llevó , que todavía estaban en manos de CBS. Se llegó a un acuerdo en el que los derechos fueron devueltos a Turner Entertainment y se extendieron los derechos de transmisión de CBS de El mago de Oz . ^[17] La ​​película se utilizó para lanzar dos canales de cable propiedad de Turner Broadcasting System : Turner Network Television (1988) y Turner Classic Movies (1994). ^{[48] [49]}

La película debutó en videocasete en marzo de 1985, donde quedó en segundo lugar en las listas de ventas, ^[17] y desde entonces se lanzó en formatos DVD y Blu-ray Disc . ^[38]

Tras su estreno, las revistas y periódicos de consumo en general dieron a Lo que el viento se llevó críticas excelentes; ^[7] sin embargo, aunque sus valores de producción, logros técnicos y escala de ambición fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época encontraron que la película era demasiado larga y dramáticamente poco convincente. Frank S. Nugent para The New York Times resumió mejor el sentimiento general al reconocer que, si bien era la producción cinematográfica más ambiciosa realizada hasta ese momento, probablemente no era la mejor película jamás realizada, pero sin embargo la encontró como una "historia interesante bellamente contada". ^[50] Franz Hoellering de The Nation era de la misma opinión: "El resultado es una película que es un evento importante en la historia de la industria, pero solo un logro menor en el arte cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se encuentran en buenos términos, pero los largos tramos intermedios están llenos de mera eficiencia espectacular". ^[51]

Aunque la película fue elogiada por su fidelidad a la novela, ^[50] este aspecto también fue señalado como el principal factor que contribuyó a la larga duración de la película. ^[52] John C. Flinn escribió para Variety que Selznick había "dejado demasiado" y que, como entretenimiento, la película se habría beneficiado si se hubieran recortado las escenas y los diálogos repetitivos de la última parte de la historia. ^[52] El Manchester Guardian consideró que el único inconveniente grave de la película era que la historia carecía de la calidad épica para justificar el gasto de tiempo y encontró que la segunda mitad, que se centra en los "matrimonios irrelevantes" y las "peleas domésticas" de Scarlett, era en su mayoría superflua, y la única razón para su inclusión había sido "simplemente porque Margaret Mitchell la escribió de esa manera". El Guardian creía que si "la historia se hubiera acortado y ordenado en el punto marcado por el intervalo, y si el drama personal se hubiera subordinado a un tratamiento cinematográfico del tema central -el colapso y la devastación del Viejo Sur-, entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una película realmente genial". ^[53] Asimismo, Hoellering también encontró que la segunda mitad de la película era más débil que la primera: identificando la Guerra Civil como la fuerza impulsora de la primera parte mientras que los personajes dominan en la segunda parte, concluyó que aquí es donde radica el principal fallo de la película, comentando que "los personajes por sí solos no bastan". A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama era poco convincente y que se había descuidado el "desarrollo psicológico". ^[51]

Gran parte de los elogios se reservaron para el reparto, y Vivien Leigh, en particular, fue destacada por su interpretación de Scarlett. Nugent la describió como el "eje de la película" y creía que estaba "tan perfectamente diseñada para el papel por arte y naturaleza que cualquier otra actriz en el papel sería inconcebible". ^[50] De manera similar, Hoellering la encontró "perfecta" en "apariencia y movimientos"; sintió que actuaba mejor cuando se le permitía "acentuar la doble personalidad que retrata" y pensó que era particularmente efectiva en momentos de caracterización como la mañana después de la escena de la violación marital. ^[51] Flinn también encontró que Leigh se adaptaba físicamente al papel y sintió que era mejor en las escenas en las que muestra coraje y determinación, como el escape de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui. ^[52] Leigh ganó en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1939 . ^[54] De la actuación de Clark Gable como Rhett Butler, Flinn sintió que la caracterización era "tan cercana a la concepción de la señorita Mitchell -y de la audiencia- como se podría imaginar", ^[52] una opinión con la que Nugent coincidió, ^[50] aunque Hoellering sintió que Gable no convenció del todo en las escenas finales, cuando Rhett abandona a Scarlett con disgusto. ^[51] De los otros miembros principales del elenco, tanto Hoellering como Flinn encontraron que Leslie Howard era "convincente" como la débil de voluntad Ashley, y Flinn identificó a Olivia de Havilland como una "destacada" como Melanie; ^{[51] [52]} Nugent también quedó especialmente impresionado con la actuación de de Havilland, describiéndola como una "joya de caracterización graciosa, digna y tierna". ^[50] La actuación de Hattie McDaniel como Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent creyó que ella dio la mejor actuación en la película después de Vivien Leigh, ^[50] mientras que Flinn la colocó en tercer lugar después de las actuaciones de Leigh y Gable. ^[52]

En la 12.ª edición de los Premios Óscar , Lo que el viento se llevó estableció un récord de premios Óscar y nominaciones, al ganar en ocho de las categorías competitivas en las que fue nominada, de un total de trece nominaciones. Ganó a Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Montaje, y recibió otros dos premios honorarios por su uso del equipo y el color (también se convirtió en la primera película en color en ganar el premio a Mejor Película). ^{[55] [56]}

El récord de la película de ocho victorias competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y su récord general de diez fue roto por Ben-Hur (1959) que ganó once. ^[57] Lo que el viento se llevó también tuvo el récord de más nominaciones hasta que Eva al desnudo (1950) consiguió catorce. ^[8] Fue la película sonora estadounidense más larga realizada hasta ese momento, y aún puede tener el récord de la ganadora más larga del premio a la Mejor Película dependiendo de cómo se interprete. ^[58] La duración de Lo que el viento se llevó es de poco menos de 221 minutos, mientras que Lawrence de Arabia (1962) dura poco más de 222 minutos; sin embargo, incluyendo la obertura , el intermedio , el entreacto y la música de salida, Lo que el viento se llevó dura 234 minutos (aunque algunas fuentes sitúan su duración total en 238 minutos) mientras que Lawrence de Arabia es un poco más corta, 232 minutos con sus componentes adicionales. ^{[59] [60]}

Hattie McDaniel se convirtió en la primera afroamericana en ganar un premio de la Academia, superando a su coprotagonista Olivia de Havilland, que también fue nominada en la misma categoría, pero fue segregada racialmente de sus coprotagonistas en la ceremonia de entrega de premios en Coconut Grove ; ella y su acompañante fueron obligados a sentarse en una mesa separada en la parte trasera de la sala. ^[61] Mientras tanto, el guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo del Oscar y Selznick recibió personalmente el premio Irving G. Thalberg Memorial por sus logros profesionales. ^{[8] [55]}

Los comentaristas negros han criticado la película desde su estreno por su representación de la gente negra y su "encubrimiento" de la cuestión de la esclavitud. Sin embargo, inicialmente, los periódicos controlados por estadounidenses blancos no informaron sobre estas críticas. ^[62] Carlton Moss , un dramaturgo negro, observó en una carta abierta que mientras que El nacimiento de una nación era un "ataque frontal a la historia estadounidense y al pueblo negro", Lo que el viento se llevó era un "ataque trasero a la misma". Continuó caracterizándola como una "súplica nostálgica de simpatía por una causa aún viva de la reacción sureña". Moss también criticó las caracterizaciones estereotipadas de los negros, como el "Pork holgazán y torpe", la "Prissy indolente y completamente irresponsable", la "radiante aceptación de la esclavitud" de Big Sam, y Mammy con su "constante sermoneo y devoción por cada deseo de Scarlett". ^[63] De manera similar, Melvin B. Tolson , poeta y educador, escribió: " El nacimiento de una nación era una mentira tan descarada que hasta un idiota podía verla. Lo que el viento se llevó es una mentira tan sutil que millones de blancos y negros la aceptarán como verdad". ^[64]

Tras la victoria de Hattie McDaniel en el Oscar, Walter Francis White , líder de la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color , la acusó de ser un Tío Tom . McDaniel respondió que "preferiría ganar setecientos dólares a la semana interpretando a una criada que siete dólares siendo una"; además, cuestionó la cualificación de White para hablar en nombre de la gente negra, ya que era de piel clara y solo un octavo de raza negra. ^[61]

En general, la opinión en la comunidad negra estaba dividida tras su estreno, y algunos calificaron la película de «arma de terror contra los negros estadounidenses» y de insulto al público negro, por lo que se celebraron manifestaciones en varias ciudades. ^[61] Malcolm X recordó más tarde que «cuando Butterfly McQueen entró en escena, sentí ganas de meterme debajo de la alfombra». ^[65] Aun así, algunos sectores de la comunidad negra reconocieron que los logros de McDaniel eran representativos del progreso: algunos afroamericanos cruzaron las líneas de piquete y elogiaron la cálida e ingeniosa caracterización de McDaniel, y otros esperaban que el reconocimiento de la industria a su trabajo condujera a una mayor visibilidad en la pantalla para otros actores negros. En su editorial de felicitación a McDaniel por ganar su premio de la Academia, Opportunity: A Journal of Negro Life utilizó la película como un recordatorio del «límite» que los viejos prejuicios ponían a las aspiraciones negras. ^{[61] [63]}

Tras su estreno, Lo que el viento se llevó batió récords de asistencia en todas partes. Sólo en el Capitol Theatre de Nueva York, consiguió un promedio de once mil entradas diarias a finales de diciembre, ^[35] y en los cuatro años siguientes a su estreno había vendido unos sesenta millones de entradas en todo Estados Unidos, unas ventas equivalentes a poco menos de la mitad de la población de la época . ^{[66] [67]} Repitió su éxito en el extranjero y fue un éxito sensacional durante los bombardeos de Londres, estrenándose en abril de 1940 y representándose durante cuatro años en el Little Ritz de Leicester Square . ^[68] Cuando MGM la retiró de circulación, a finales de 1943, su distribución mundial había devuelto un alquiler bruto (la parte del estudio de la recaudación de taquilla) de 32 millones de dólares, lo que la convirtió en la película más rentable jamás realizada hasta ese momento . ^{[8] [17]} Finalmente se estrenó en Japón en septiembre de 1952 y se convirtió en la película extranjera más taquillera allí. ^{[69] [70]}

Aunque sus inversores ganaron aproximadamente el doble que la anterior película que ostentaba el récord, El nacimiento de una nación , ^{[71] [72]} los resultados de taquilla de las dos películas fueron probablemente mucho más parecidos. La mayor parte de las ganancias de Lo que el viento se llevó provino de su gira de presentaciones y de sus compromisos de estreno, donde el distribuidor recibió el 70 y el 50 por ciento de la recaudación de taquilla, respectivamente, en lugar de su estreno general, que en ese momento normalmente veía la participación del distribuidor fijada en el 30-35 por ciento de la recaudación. ^[35] En el caso de El nacimiento de una nación , su distribuidor, Epoch, vendió muchos de sus territorios de distribución sobre la base de "derechos estatales", que normalmente ascendían al 10 por ciento de la recaudación de taquilla, y las cuentas de Epoch son solo indicativas de sus propias ganancias de la película, y no de los distribuidores locales. Carl E. Milliken , secretario de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas , estimó que cincuenta millones de personas habían visto El nacimiento de una nación en 1930. ^{[73] [74]}

Cuando se relanzó en 1947, recaudó 5 millones de dólares en alquiler en Estados Unidos y Canadá y fue uno de los diez estrenos más taquilleros del año. ^{[36] [71]} Los relanzamientos exitosos en 1954 y 1961 le permitieron conservar su posición como la película con mayores ingresos de la industria, a pesar de los desafíos sustanciales de películas más recientes como Ben-Hur , ^[75] pero finalmente fue superada por The Sound of Music en 1966. ^[76]

La reedición de 1967 fue inusual porque MGM decidió hacer un roadshow, lo que la convirtió en el relanzamiento más exitoso en la historia de la industria. Generó una recaudación de taquilla de $68 millones, lo que la convirtió en la película más lucrativa de MGM después de Doctor Zhivago de la segunda mitad de la década. ^[77] MGM ganó un alquiler de $41 millones por el lanzamiento, ^[78] con la participación de EE. UU. y Canadá que ascendió a más de $30 millones, colocándola en segundo lugar solo después de El graduado para ese año. ^{[71] [78]} Incluyendo su alquiler de $6.7 millones de la reedición de 1961, ^[79] fue la cuarta película con mayores ingresos de la década en el mercado norteamericano, con solo The Sound of Music , El graduado y Doctor Zhivago generando más para sus distribuidores. ^[71] Una nueva reedición en 1971 le permitió recuperar brevemente el disco de The Sound of Music , lo que elevó su renta bruta mundial total a aproximadamente $ 116 millones para fines de 1971, más del triple de sus ganancias desde su lanzamiento inicial, antes de perder el disco nuevamente al año siguiente ante El Padrino . ^{[41] [80]}

En todos los estrenos, se estima que Lo que el viento se llevó ha vendido más de 200 millones de entradas en los Estados Unidos y Canadá , ^[66] generando más entradas de cine en ese territorio que cualquier otra película. ^[81] La película también tuvo un éxito fenomenal en Europa occidental , generando aproximadamente 35 millones de entradas en el Reino Unido y más de 16 millones en Francia , convirtiéndose respectivamente en la mayor y la sexta mayor empresa vendedora de entradas en esos mercados. ^{[82] [83] [84]} El atractivo de la película ha perdurado en el extranjero, manteniendo una popularidad similar a su longevidad nacional; en 1975 se presentó ante un público repleto todas las noches durante las primeras tres semanas de su presentación en el Teatro Plaza 2 de Londres, y en Japón generó más de medio millón de entradas en veinte salas durante un compromiso de cinco semanas. ^[85] En total, Lo que el viento se llevó ha recaudado más de 390 millones de dólares a nivel mundial en taquilla; ^[86] En 2007, Turner Entertainment estimó que la recaudación bruta equivaldría aproximadamente a 3.300 millones de dólares cuando se ajustara a la inflación a los precios actuales; ^[8] Guinness World Records llegó a una cifra de 3.440 millones de dólares en 2014, lo que la convirtió en la película más exitosa en la historia del cine . ^[87]

La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI, habiendo sido votada como la película más popular en dos encuestas nacionales de estadounidenses realizadas por Harris Interactive en 2008 y nuevamente en 2014. La empresa de investigación de mercado encuestó a más de dos mil adultos estadounidenses, y los resultados se ponderaron por edad, sexo, raza/etnia, educación, región e ingresos familiares, de modo que sus proporciones coincidieran con la composición de la población adulta. ^{[88] [89]}

Al volver a ver la película en los años 70, Arthur M. Schlesinger Jr. creía que las películas de Hollywood generalmente envejecen bien, revelando una profundidad o integridad inesperadas, pero en el caso de Lo que el viento se llevó el tiempo no la ha tratado con amabilidad. ^[91] Richard Schickel argumentó que una medida de la calidad de una película es preguntar qué puede recordar el espectador de ella, y la película falla en este sentido: las imágenes y los diálogos inolvidables simplemente no están presentes. ^[92] Stanley Kauffmann , del mismo modo, también encontró que la película era una experiencia en gran parte olvidable, afirmando que solo podía recordar vívidamente dos escenas. ^[93] Tanto Schickel como Schlesinger lo atribuyeron a que estaba "mal escrita", describiendo a su vez el diálogo como "florido" y que poseía una sensibilidad de "postal". ^{[91] [92]} Schickel también cree que la película falla como arte popular en el sentido de que tiene un valor limitado para ser vista nuevamente, un sentimiento con el que Kauffmann también está de acuerdo, afirmando que, después de haberla visto dos veces, espera "no volver a verla nunca más: dos veces es el doble de lo que necesita cualquier vida". ^{[92] [93]} Tanto Schickel como Andrew Sarris identifican que el principal defecto de la película es poseer la sensibilidad de un productor en lugar de una artística: después de haber pasado por tantos directores y escritores, la película no transmite la sensación de haber sido "creada" o "dirigida", sino más bien de haber surgido "humeante de una cocina abarrotada", donde la principal fuerza creativa fue la obsesión de un productor por hacer que la película fuera lo más fiel posible a la novela. ^{[92] [94]}

Sarris admite que, a pesar de sus fallos artísticos, la película tiene un mandato en todo el mundo como el "entretenimiento más querido jamás producido". ^[94] Judith Crist observa que, dejando de lado el kitsch, la película es "sin duda todavía la mejor y más duradera pieza de entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood", el producto de un showman con "gusto e inteligencia". ^[95] Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un "alcance y vigor" que aspiran a su tema épico, pero estuvo de acuerdo con las críticas sobre las vidas personales que toman el control en la segunda mitad, y cómo termina perdiendo su tema en un sentimentalismo poco convincente. ^[91] Kauffmann también encuentra interesantes paralelismos con El Padrino , que acababa de reemplazar a Lo que el viento se llevó como la película de mayor recaudación en ese momento: ambas fueron producidas a partir de novelas superventas "ultraamericanas", ambas viven dentro de códigos de honor que están romantizados, y ambas, en esencia, ofrecen una fabricación cultural o revisionismo. ^[93]

La percepción crítica de la película ha cambiado en los años intermedios, lo que resultó en que se ubicara en el puesto 235 en la prestigiosa encuesta de críticos decenal de Sight & Sound ^{en 2012, [96]} y en 2015 sesenta y dos críticos de cine internacionales encuestados por la BBC la votaron como la 97.ª mejor película estadounidense. ^[97] Para conmemorar el vigésimo aniversario de Turner Classic Movies en 2014, el canal eligió nuevamente proyectar Lo que el viento se llevó , la primera película transmitida en TCM. ^[98] Al hablar sobre su relanzamiento en los cines ese año, el historiador de cine y presentador de TCM Robert Osbourne declaró: "Lo sorprendente para mí es que Lo que el viento se llevó haya perdurado y triunfado incluso en un mundo muy cambiado 75 años después. Todavía afecta a las personas de la misma manera que lo hizo entonces". ^[99]

La película ha aparecido en varias encuestas de alto perfil de la industria. Fue seleccionada como la mejor película del último medio siglo en una encuesta de 1950 realizada por Variety a más de 200 profesionales que habían trabajado en la industria cinematográfica durante más de 25 años. ^[100] En 1977 fue votada como la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta a los miembros de la organización; ^[7] el AFI también clasificó a la película en cuarto lugar en su lista de " 100 mejores películas " en 1998, ^[101] y cayó al sexto lugar en la edición del décimo aniversario en 2007. ^[102] Los directores de cine la clasificaron en el puesto 322 en la edición de 2012 de la encuesta decenal Sight & Sound , ^[96] y en 2016 fue seleccionada como el noveno mejor "logro de dirección" en una encuesta de miembros del Directors Guild of America . ^[103] En 2014, quedó en el puesto decimoquinto en una extensa encuesta realizada por The Hollywood Reporter , que entrevistó a todos los estudios, agencias, empresas de publicidad y casas de producción de la región de Hollywood . ^[104]

Lo que el viento se llevó fue una de las veinticinco películas inaugurales seleccionadas para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1989 por ser "cultural, histórica o estéticamente significativas". ^{[105] [106]}

Lo que el viento se llevó ha sido criticada por haber perpetuado mitos de la Guerra Civil y estereotipos negros . ^[107] David Reynolds escribió que "Las mujeres blancas son elegantes, sus hombres son nobles o al menos apuestos. Y, en el fondo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y contentos, claramente incapaces de una existencia independiente". Reynolds comparó Lo que el viento se llevó con El nacimiento de una nación y otras reimaginaciones del Sur durante la era de la segregación, en las que los sureños blancos son retratados como defensores de valores tradicionales, y el tema de la esclavitud es en gran medida ignorado. ^[65] La película ha sido descrita como una "regresión" que promueve tanto el mito del violador negro como el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción, ^[108] y como una película de "propaganda social" que ofrece una visión " supremacista blanca " del pasado. ^[107]

Entre 1972 y 1996, la Sociedad Histórica de Atlanta realizó varias exposiciones de Lo que el viento se llevó , entre ellas una exposición de 1994 titulada "Territorios en disputa: Lo que el viento se llevó y mitos sureños". Una de las preguntas que se exploró en la exposición fue "¿Hasta qué punto eran fieles a la realidad los esclavos en Lo que el viento se llevó?". Esta sección mostró que las experiencias de los esclavos eran diversas y, como resultado, concluyó que el "negrito feliz" era un mito, al igual que la creencia de que todos los esclavos sufrieron violencia y brutalidad. ^[109]

W. Bryan Rommel Ruiz ha sostenido que, a pesar de las inexactitudes fácticas en la descripción del período de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó refleja interpretaciones contemporáneas del mismo que eran comunes a principios del siglo XX. Uno de esos puntos de vista se refleja en una breve escena en la que Mammy se defiende de un liberto lascivo : se puede escuchar a un político que ofrece cuarenta acres y una mula a los esclavos emancipados a cambio de sus votos. Se entiende que la inferencia significa que los libertos son ignorantes en política y no están preparados para la libertad, convirtiéndose sin saberlo en las herramientas de los funcionarios corruptos de la Reconstrucción. Si bien perpetúa algunos mitos de la Causa Perdida , la película hace concesiones con respecto a otros. Después del ataque a Scarlett en el barrio de chabolas, un grupo de hombres, incluido el esposo de Scarlett, Frank, Rhett Butler y Ashley, asaltan el pueblo; En la novela, pertenecen al Ku Klux Klan, lo que representa el tropo común de proteger la virtud de la mujer blanca, pero los realizadores neutralizan conscientemente la presencia del Klan en la película simplemente refiriéndose a él como una "reunión política". ^[110]

Thomas Cripps sostiene que, en algunos aspectos, la película socava los estereotipos raciales; ^[111] en particular, la película creó un mayor compromiso entre Hollywood y el público negro, ^[111] con docenas de películas que hicieron pequeños gestos en reconocimiento de la tendencia emergente. ^[63] Solo unas pocas semanas después de su presentación inicial, un editor de historia de Warner escribió un memorando a Walter Wanger sobre Mississippi Belle , un guion que contenía los peores excesos de las películas de plantaciones, sugiriendo que Lo que el viento se llevó había hecho que la película fuera "improducible". Más que cualquier película desde El nacimiento de una nación , desató una variedad de fuerzas sociales que presagiaron una alianza de liberales blancos y negros que alentaron la expectativa de que los negros algún día lograrían la igualdad. Según Cripps, la película finalmente se convirtió en una plantilla para medir el cambio social. ^[63]

En el siglo XXI, las críticas a las representaciones de la raza y la esclavitud en la película redujeron su disponibilidad. En 2017, Lo que el viento se llevó fue retirada de la programación del Teatro Orpheum en Memphis, Tennessee , después de 34 años de proyecciones anuales. ^{[112] [113]} El 9 de junio de 2020, la película fue eliminada de HBO Max en respuesta a un artículo de opinión escrito por el guionista John Ridley que se publicó en la edición de ese día de Los Angeles Times , que pedía que el servicio de transmisión eliminara temporalmente la película de su biblioteca de contenido. Escribió que "sigue dando cobertura a quienes afirman falsamente que aferrarse a la iconografía de la era de las plantaciones es una cuestión de 'herencia, no de odio'". ^{[114] [115] [116]} Un portavoz de HBO Max dijo que la película era "un producto de su tiempo" y, como resultado, mostraba "prejuicios étnicos y raciales" que "estaban mal entonces y están mal hoy". También se anunció que la película volvería al servicio de transmisión en una fecha posterior, aunque incorporaría "una discusión de su contexto histórico y una denuncia de esas mismas representaciones, pero se presentará como se creó originalmente porque hacer lo contrario sería lo mismo que afirmar que estos prejuicios nunca existieron. Si queremos crear un futuro más justo, equitativo e inclusivo, primero debemos reconocer y comprender nuestra historia". ^[117]

La retirada de la película desató un debate sobre la corrección política que iba demasiado lejos, y los críticos de cine e historiadores criticaron a HBO por incurrir en censura . ^[118] Tras su retirada, la película alcanzó la cima de la lista de ventas de los más vendidos de Amazon para televisión y películas, y el quinto lugar en la lista de películas de iTunes Store de Apple . ^[119] HBO Max devolvió la película a su servicio más tarde ese mes, con una nueva introducción de Jacqueline Stewart . ^[120] Stewart describió la película, en un artículo de opinión para CNN , como "un texto excelente para examinar las expresiones de la supremacía blanca en la cultura popular", y dijo que "es precisamente debido a los patrones continuos y dolorosos de injusticia racial y desprecio por las vidas de los negros que Lo que el viento se llevó debería permanecer en circulación y permanecer disponible para su visualización, análisis y debate". Describió la controversia como "una oportunidad para pensar en lo que las películas clásicas pueden enseñarnos". ^[121]

En un mitin político en febrero de 2020, el presidente Donald Trump criticó la ceremonia de los 92.º Premios Óscar , afirmando que Lo que el viento se llevó y Sunset Boulevard (1950) eran más merecedoras del premio a la Mejor Película que la ganadora de ese año, la película surcoreana Parásitos . Sus comentarios provocaron comentarios de los críticos, y un escritor de la revista Entropy opinó que habían provocado una reacción violenta de los expertos de todo el espectro político en las redes sociales . ^[122]

Una de las escenas más notorias y ampliamente condenadas de Lo que el viento se llevó muestra lo que ahora se define legalmente como violación conyugal . ^{[123] [124]} La escena comienza con Scarlett y Rhett al final de la escalera, donde él comienza a besarla, negándose a que Scarlett le diga "no"; ^{[125] [126]} Rhett ignora su resistencia, la regaña y la lleva escaleras arriba hasta el dormitorio, ^{[125] [126]} donde el público no tiene ninguna duda de que ella "recibirá lo que se merece". ^[127] La ​​siguiente escena, a la mañana siguiente, muestra a Scarlett brillando con una satisfacción sexual apenas reprimida; ^{[125] [126] [127]} Rhett se disculpa por su comportamiento, echándole la culpa a su bebida. ^[125] Se ha acusado a la escena de combinar romance y violación al hacerlos indistinguibles entre sí, ^[125] y de reforzar una noción sobre el sexo forzado : que las mujeres lo disfrutan en secreto y es una forma aceptable para que un hombre trate a su esposa. ^[127]

La crítica cinematográfica Molly Haskell ha argumentado que, sin embargo, para las mujeres que no son críticas con la escena, es en general coherente con lo que tienen en mente si fantasean con ser violadas . Sus fantasías giran en torno al amor y el romance en lugar del sexo forzado; asumirán que Scarlett no era una pareja sexual involuntaria y quería que Rhett tomara la iniciativa e insistiera en tener relaciones sexuales. ^[128]

Lo que el viento se llevó y su producción han sido referenciados explícitamente, satirizados, dramatizados y analizados en numerosas ocasiones en una variedad de medios, desde obras contemporáneas como Second Fiddle , una película de 1939 que parodia la "búsqueda de Scarlett", hasta programas de televisión actuales, como Los Simpsons . ^{[107] [129] [130]} The Scarlett O'Hara War (una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett), ^[131] Moonlight and Magnolias (una obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura de cinco días del guion por parte de Ben Hecht), ^[132] y " ¡Lo que el viento se llevó! " (un sketch en The Carol Burnett Show que parodia la película después de su debut televisivo en 1976) se encuentran entre los ejemplos más notables de su presencia perdurable en la cultura popular. ^[17] También fue el tema de un documental de 1988, The Making of a Legend: Gone with the Wind , que detalla la difícil historia de producción de la película. ^[133] En 1990, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello que representa a Clark Gable y Vivien Leigh abrazándose en una escena de la película. ^[134] En 2003, Leigh y Gable (como Scarlett y Rhett) ocuparon el puesto número 95 en la lista de VH1 de los "200 mayores íconos de la cultura pop de todos los tiempos". ^[135]

Tras la publicación de su novela, Margaret Mitchell recibió numerosas solicitudes para una secuela, pero afirmó no tener ni idea de lo que le había sucedido a Scarlett y Rhett, y como resultado, los había "abandonado a su destino final". Hasta su muerte en 1949, Mitchell continuó resistiéndose a la presión de Selznick y MGM para escribir una secuela. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell (que asumió el control de su patrimonio), autorizó una secuela que sería producida conjuntamente por MGM y Universal Studios con un presupuesto de 12 millones de dólares. Anne Edwards recibió el encargo de escribir la secuela como novela, que luego sería adaptada a un guion y publicada junto con el estreno de la película. Edwards presentó un manuscrito de 775 páginas titulado Tara, The Continuation of Gone with the Wind , ambientado entre 1872 y 1882 y centrado en el divorcio de Scarlett de Rhett; MGM no quedó satisfecha con la historia y el acuerdo fracasó. ^[17]

La idea fue revivida en la década de 1990 cuando finalmente se produjo una secuela en 1994 en forma de miniserie de televisión . Scarlett se basó en la novela de Alexandra Ripley , a su vez una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton fueron elegidos para interpretar a Scarlett y Rhett, y la serie sigue la reubicación de Scarlett en Irlanda después de que nuevamente queda embarazada de Rhett. ^[136]

• Lista de películas y programas de televisión sobre la Guerra Civil estadounidense
• Lista de películas que presentan la esclavitud

• Bridges, Herb (1999). Lo que el viento se llevó: estreno en tres días en Atlanta. Mercer University Press . ISBN 978-0-86554-672-1.
• Cameron, Judy; Christman, Paul J (1989). El arte de Lo que el viento se llevó: la creación de una leyenda . Prentice Hall . ISBN 978-0-13-046740-9.
• Harmetz, Aljean (1996). En el camino a Tara: la creación de Lo que el viento se llevó . Nueva York: Harry N. Abrams . ISBN. 978-0-8109-3684-3.
• Lambert, Gavin (1973). Lo que el viento se llevó: La creación de Lo que el viento se llevó. Nueva York: Little, Brown and Company . ISBN 978-0-316-51284-8.
• Vertrees, Alan David (1997). La visión de Selznick: Lo que el viento se llevó y el cine de Hollywood . University of Texas Press . ISBN 978-0-292-78729-2.

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Lo que el viento se llevó (película) .

Wikiquote tiene citas relacionadas con Lo que el viento se llevó (película) .

• Sitio web oficial
• Lo que el viento se llevó en IMDb 
• Lo que el viento se llevó en la base de datos de películas TCM
• Lo que el viento se llevó en Rotten Tomatoes
• 14 y 15 de diciembre de 1939, estreno mundial de eventos en Atlanta y material asociado en el Centro de Historia de Atlanta
• Producción de la exposición web Lo que el viento se llevó en el Centro Harry Ransom
• Serie de artículos Lo que el viento se llevó en The Atlantic