Gioacchino Rossini

Gioachino ^{[n 1]} Antonio Rossini ^{[n 2]} (29 de febrero de 1792 - 13 de noviembre de 1868) fue un compositor italiano que alcanzó fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas canciones, algunas piezas de música de cámara y para piano y algo de música sacra . Estableció nuevos estándares tanto para la ópera cómica como para la seria antes de retirarse de la composición a gran escala cuando todavía tenía treinta y tantos años, en el apogeo de su popularidad.

Nacido en Pesaro de padres músicos (su padre trompetista, su madre cantante), Rossini comenzó a componer a los doce años y se educó en la escuela de música de Bolonia . Su primera ópera se representó en Venecia en 1810, cuando tenía 18 años. En 1815 fue contratado para escribir óperas y dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823, escribió 34 óperas para el escenario italiano que se representaron en Venecia, Milán, Ferrara , Nápoles y otros lugares; esta productividad requirió un enfoque casi formulístico para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad de autopréstamos. Durante este período produjo sus obras más populares, entre ellas las óperas cómicas L'italiana in Algeri , Il barbiere di Siviglia (conocida en español como El barbero de Sevilla ) y La Cenerentola , que llevaron a su apogeo la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni Paisiello . También compuso obras de ópera seria como Tancredi , Otello y Semiramide . Todas ellas atrajeron la admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y forma dramática. En 1824 fue contratado por la Ópera de París, para la que produjo una ópera para celebrar la coronación de Carlos X , Il viaggio a Reims (más tarde canibalizada para su primera ópera en francés , Le comte Ory ), revisiones de dos de sus óperas italianas , Le siège de Corinthe y Moïse , y en 1829 su última ópera, Guillermo Tell .

El retiro de Rossini de la ópera durante los últimos 40 años de su vida nunca ha sido completamente explicado; los factores que contribuyeron pueden haber sido la mala salud, la riqueza que su éxito le había traído y el auge de la espectacular gran ópera bajo compositores como Giacomo Meyerbeer . Desde principios de la década de 1830 hasta 1855, cuando dejó París y se estableció en Bolonia, Rossini escribió relativamente poco. A su regreso a París en 1855 se hizo famoso por sus salones musicales de los sábados, a los que asistían regularmente músicos y los círculos artísticos y de moda de París, para los que escribió las entretenidas piezas Péchés de vieillesse . Entre los invitados se encontraban Franz Liszt , Anton Rubinstein , Giuseppe Verdi , Meyerbeer y Joseph Joachim . La última composición importante de Rossini fue su Petite messe solennelle (1863).

Rossini nació el 29 de febrero de 1792 ^[12] en Pesaro , una ciudad en la costa adriática de Italia que entonces formaba parte de los Estados Pontificios . ^[2] Era el único hijo de Giuseppe Rossini, trompetista y trompista, y su esposa Anna, de soltera Guidarini, costurera de profesión, hija de un panadero. ^[13] Giuseppe Rossini era encantador pero impetuoso e incompetente; la carga de mantener a la familia y criar al niño recaía principalmente sobre Anna, con algo de ayuda de su madre y suegra. ^{[14] [15]} Stendhal , que publicó una colorida biografía de Rossini en 1824, ^[16] escribió:

La herencia paterna de Rossini fue la verdadera herencia nativa de un italiano: un poco de música, un poco de religión y un volumen de Ariosto . El resto de su educación quedó en manos de la legítima escuela de la juventud sureña, de la compañía de su madre, de las jóvenes cantantes de la compañía, de las prima donnas en embrión y de las habladurías de todos los pueblos por los que pasaban. Todo ello contó con la ayuda y el perfeccionamiento del barbero músico y del dueño de la cafetería del pueblo papal, amante de las noticias. ^{[17] [n 3]}

Giuseppe fue encarcelado al menos dos veces: primero en 1790 por insubordinación a las autoridades locales en una disputa sobre su empleo como trompetista de la ciudad; y en 1799 y 1800 por activismo republicano y apoyo a las tropas de Napoleón contra los partidarios austriacos del Papa. ^[18] En 1798, cuando Rossini tenía seis años, su madre comenzó una carrera como cantante profesional en ópera cómica, y durante poco más de una década tuvo un éxito considerable en ciudades como Trieste y Bolonia , antes de que su voz sin entrenamiento comenzara a fallar. ^[19]

En 1802 la familia se trasladó a Lugo , cerca de Rávena , donde Rossini recibió una buena educación básica en italiano, latín y aritmética, así como música. ^[19] Estudió trompa con su padre y otras músicas con un sacerdote, Giuseppe Malerbe, cuya extensa biblioteca contenía obras de Haydn y Mozart , ambos poco conocidos en Italia en ese momento, pero inspiradores para el joven Rossini. Aprendió rápido y, a la edad de doce años, había compuesto un conjunto de seis sonatas para cuatro instrumentos de cuerda, que se interpretaron bajo la égida de un rico mecenas en 1804. ^{[n 4]} Dos años más tarde fue admitido en el recientemente inaugurado Liceo Musicale de Bolonia , estudiando inicialmente canto, violonchelo y piano, y uniéndose a la clase de composición poco después. ^[21] Escribió algunas obras importantes mientras era estudiante, incluida una misa y una cantata, y después de dos años fue invitado a continuar sus estudios. Él declinó la oferta: el estricto régimen académico del Liceo le había proporcionado una sólida técnica compositiva, pero como dice su biógrafo Richard Osborne, "su instinto de continuar su educación en el mundo real finalmente se impuso". ^[22]

Mientras aún estaba en el Liceo, Rossini había actuado en público como cantante y trabajado en teatros como repetidor y solista de teclado. ^[23] En 1810, a petición del popular tenor Domenico Mombelli, escribió su primera partitura operística, un drama serio operístico en dos actos , Demetrio e Polibio , con libreto de la esposa de Mombelli. Fue puesta en escena públicamente en 1812, después de los primeros éxitos del compositor. ^[21] Rossini y sus padres concluyeron que su futuro estaba en la composición de óperas. El principal centro operístico en el noreste de Italia era Venecia ; bajo la tutela del compositor Giovanni Morandi , un amigo de la familia, Rossini se mudó allí a fines de 1810, cuando tenía dieciocho años. ^[24]

La primera ópera de Rossini que se representó fue La cambiale di matrimonio , ^{[n. 5]} una comedia de un acto, presentada en el pequeño Teatro San Moisè en noviembre de 1810. La pieza fue un gran éxito y Rossini recibió lo que entonces le pareció una suma considerable: "cuarenta escudos , una cantidad que nunca había visto junta". ^[25] Más tarde describió el San Moisè como un teatro ideal para un joven compositor que aprendiera su oficio: "todo tendía a facilitar el debut de un compositor novato": ^[26] no tenía coro y una pequeña compañía de protagonistas; su repertorio principal consistía en óperas cómicas de un acto ( farsa ), puestas en escena con una escenografía modesta y un ensayo mínimo. ^[27] Rossini siguió el éxito de su primera pieza con tres farsas más para la casa: L'inganno felice (1812), ^{[n 6]} La scala di seta (1812), ^{[n 7]} y Il signor Bruschino (1813). ^[28]

Rossini mantuvo sus vínculos con Bolonia, donde en 1811 tuvo un éxito dirigiendo Las estaciones de Haydn , ^[29] y un fracaso con su primera ópera de larga duración, L'equivoco stravagante . ^{[n 8] [30] [31]} También trabajó para teatros de ópera en Ferrara y Roma. ^[32] A mediados de 1812 recibió un encargo de La Scala , Milán, donde su comedia de dos actos La pietra del paragone ^{[n 9]} se representó durante cincuenta y tres funciones, una carrera considerable para la época, que le trajo no solo beneficios financieros, sino también la exención del servicio militar y el título de maestro di cartello , un compositor cuyo nombre en los carteles publicitarios garantizaba un teatro lleno. ^[27] Al año siguiente, su primera ópera seria , Tancredi , tuvo un buen desempeño en La Fenice en Venecia, e incluso mejor en Ferrara, con un final trágico reescrito. ^[32] El éxito de Tancredi hizo que el nombre de Rossini fuera conocido internacionalmente; Siguieron producciones de la ópera en Londres (1820) y Nueva York (1825). ^[33] A las pocas semanas de Tancredi , Rossini tuvo otro éxito de taquilla con su comedia L'italiana in Algeri , ^{[n.° 10]} compuesta a toda prisa y estrenada en mayo de 1813. ^[34]

1814 fue un año menos destacable para el compositor en ascenso, ya que ni Il turco in Italia ^{[n.° 11]} ni Sigismondo agradaron al público milanés o veneciano, respectivamente. ^{[35] [36]} 1815 marcó una etapa importante en la carrera de Rossini. En mayo se trasladó a Nápoles para asumir el puesto de director musical de los teatros reales, entre ellos el Teatro di San Carlo , ^[32] el teatro de ópera más importante de la ciudad; su director Domenico Barbaia iba a ser una importante influencia en la carrera del compositor allí. ^[37]

El mundo musical de Nápoles no recibió inmediatamente a Rossini, al que consideraban un intruso en sus apreciadas tradiciones operísticas. La ciudad había sido en su día la capital operística de Europa; ^[38] se veneraba el recuerdo de Cimarosa y Paisiello aún vivía, pero no había compositores locales de cierta talla que los sucedieran, y Rossini se ganó rápidamente el apoyo del público y de los críticos. ^[39] La primera obra de Rossini para el San Carlo, Elisabetta, regina d'Inghilterra ^{[n.° 12],} fue un dramma per musica en dos actos, en el que reutilizó partes sustanciales de sus obras anteriores, desconocidas para el público local. Los estudiosos de Rossini Philip Gossett y Patricia Brauner escriben: "Es como si Rossini quisiera presentarse al público napolitano ofreciendo una selección de la mejor música de óperas que es poco probable que se reestablezcan en Nápoles". ^[40] La nueva ópera fue recibida con tremendo entusiasmo, al igual que el estreno napolitano de L'italiana in Algeri , y la posición de Rossini en Nápoles quedó asegurada. ^[41]

Por primera vez, Rossini pudo escribir regularmente para una compañía residente de cantantes de primer nivel y una excelente orquesta, con ensayos adecuados y horarios que hacían innecesario componer a toda prisa para cumplir con los plazos. ^[39] Entre 1815 y 1822 compuso dieciocho óperas más: nueve para Nápoles y nueve para teatros de ópera en otras ciudades. En 1816, para el Teatro Argentina de Roma, compuso la ópera que se convertiría en su obra más conocida: Il barbiere di Siviglia ( El barbero de Sevilla ). Ya existía una ópera popular con ese título de Paisiello , y la versión de Rossini originalmente recibió el mismo título que su héroe, Almaviva . ^{[n 13]} A pesar de una noche de estreno fallida, con contratiempos en el escenario y muchos espectadores pro-Paisiello y anti-Rossini, la ópera rápidamente se convirtió en un éxito, y en el momento de su primera reposición, en Bolonia unos meses más tarde, fue anunciada con su título italiano actual y rápidamente eclipsó la ambientación de Paisiello. ^{[40] [n 14]}

Las óperas de Rossini para el Teatro San Carlo eran piezas sustanciales, principalmente serias. Su Otello (1816) provocó que Lord Byron escribiera: «Han estado crucificando a Otelo para convertirlo en una ópera: buena música, pero lúgubre, ¡pero en cuanto a las palabras!». ^[43] No obstante, la pieza resultó generalmente popular y se mantuvo en el escenario en frecuentes reposiciones hasta que fue eclipsada por la versión de Verdi , siete décadas después. ^[44] Entre sus otras obras para el teatro se encuentran Mosè in Egitto , basada en la historia bíblica de Moisés y el Éxodo de Egipto (1818), y La donna del lago , del poema de Sir Walter Scott La dama del lago (1819). Para La Scala escribió la ópera semiseria La gazza ladra (1817), ^{[n 15]} y para Roma su versión de la historia de Cenicienta , La Cenerentola (1817). ^[45] En 1817 se estrenó una de sus óperas ( L'Italiana ) en el Théâtre-Italien de París; su éxito dio lugar a que se representaran allí otras de sus óperas y, finalmente, a su contrato en París entre 1824 y 1830. ^[46]

Rossini mantuvo su vida personal lo más privada posible, pero era conocido por su susceptibilidad hacia los cantantes de las compañías con las que trabajaba. Entre sus amantes en sus primeros años estaban Ester Mombelli (hija de Domenico) y Maria Marcolini de la compañía de Bolonia. ^[47] Con mucho, la más importante de estas relaciones, tanto personales como profesionales, fue con Isabella Colbran , prima donna del Teatro San Carlo (y antigua amante de Barbaia). Rossini la había escuchado cantar en Bolonia en 1807, y cuando se mudó a Nápoles escribió una sucesión de papeles importantes para ella en opere serie . ^{[48] [49]}

A principios de la década de 1820, Rossini estaba empezando a cansarse de Nápoles. El fracaso de su tragedia operística Ermione el año anterior lo convenció de que él y el público napolitano estaban hartos el uno del otro. ^[50] Una insurrección en Nápoles contra la monarquía, aunque rápidamente aplastada , inquietó a Rossini; ^[51] cuando Barbaia firmó un contrato para llevar a la compañía a Viena, Rossini se alegró de unirse a ellos, pero no le reveló a Barbaia que no tenía intención de regresar a Nápoles después. ^[52] Viajó con Colbran, en marzo de 1822, interrumpiendo su viaje en Bolonia, donde se casaron en presencia de sus padres en una pequeña iglesia en Castenaso a unas pocas millas de la ciudad. ^[53] La novia tenía treinta y siete años, el novio treinta. ^{[n 16]}

En Viena, Rossini recibió una acogida digna de un héroe; sus biógrafos la describen como un «entusiasmo febril sin precedentes», ^[55] «fiebre rossiniana» ^[56] y «casi histeria». ^[57] Al autoritario canciller del Imperio austríaco , Metternich , le gustaba la música de Rossini y pensaba que estaba libre de toda asociación revolucionaria o republicana potencial. Por lo tanto, estaba feliz de permitir que la compañía San Carlo interpretara las óperas del compositor. ^[58] En una temporada de tres meses interpretaron seis de ellas, ante audiencias tan entusiastas que el asistente de Beethoven , Anton Schindler , la describió como «una orgía idólatra». ^[56]

Mientras estuvo en Viena, Rossini escuchó la sinfonía Heroica de Beethoven y se sintió tan conmovido que decidió conocer al solitario compositor. Finalmente logró hacerlo y más tarde describió el encuentro a muchas personas, entre ellas Eduard Hanslick y Richard Wagner . Recordó que, aunque la conversación se vio obstaculizada por la sordera de Beethoven y la ignorancia de Rossini del alemán, Beethoven dejó en claro que pensaba que los talentos de Rossini no eran para la ópera seria, ^[59] y que "sobre todo" debería "hacer más Barbiere " (Barberos) . ^{[60] [n 17]}

Después de la temporada de Viena, Rossini regresó a Castenaso para trabajar con su libretista, Gaetano Rossi , en Semiramide , un encargo de La Fenice. Se estrenó en febrero de 1823, su último trabajo para el teatro italiano. Colbran protagonizó la obra, pero estaba claro para todos que su voz estaba en serio declive, y Semiramide terminó su carrera en Italia. ^[62] La obra sobrevivió a esa gran desventaja y entró en el repertorio operístico internacional, manteniéndose popular durante todo el siglo XIX; ^[63] en palabras de Richard Osborne, llevó "la carrera italiana [de Rossini] a un final espectacular". ^[64]

En noviembre de 1823, Rossini y Colbran partieron hacia Londres, donde les habían ofrecido un lucrativo contrato. Hicieron escala durante cuatro semanas en París. Aunque no fue aclamado tan febrilmente por los parisinos como en Viena, tuvo una recepción excepcionalmente cálida por parte de la comunidad musical y del público. Cuando asistió a una representación de Il barbiere en el Théâtre-Italien, fue aplaudido, arrastrado al escenario y los músicos le dieron una serenata. Se ofreció un banquete para él y su esposa, al que asistieron destacados compositores y artistas franceses, y el clima cultural de París le resultó agradable. ^[65]

A finales de año, Rossini llegó a Londres, donde fue recibido y elogiado por el rey Jorge IV , aunque el compositor ya no estaba impresionado por la realeza y la aristocracia. ^[66] Rossini y Colbran habían firmado contratos para una temporada de ópera en el King's Theatre en Haymarket . Sus deficiencias vocales eran un serio problema y se retiró de las actuaciones a regañadientes. La opinión pública no mejoró con el fracaso de Rossini en proporcionar una nueva ópera, como había prometido. ^[67] El empresario Vincenzo Benelli incumplió su contrato con el compositor, pero esto no fue conocido por la prensa y el público de Londres, que culparon a Rossini. ^{[67] [68]}

En una biografía del compositor de 2003, Gaia Servadio comenta que Rossini e Inglaterra no estaban hechos el uno para el otro. Se sintió postrado por el cruce del Canal y era poco probable que se sintiera entusiasmado por el clima inglés o la cocina inglesa. ^[69] Aunque su estadía en Londres fue económicamente gratificante (la prensa británica informó con desaprobación que había ganado más de £30,000 ^{[n 18]} ), se sintió feliz de firmar un contrato en la embajada francesa en Londres para regresar a París, donde se había sentido mucho más a gusto. ^{[70] [71]}

El nuevo y altamente remunerativo contrato de Rossini con el gobierno francés fue negociado bajo Luis XVIII , quien murió en septiembre de 1824, poco después de la llegada de Rossini a París. Se había acordado que el compositor produciría una gran ópera para la Académie Royale de Musique y una ópera bufa o una ópera semiseria para el Théâtre-Italien. ^[72] También debía ayudar a administrar este último teatro y revisar una de sus primeras obras para su reestreno allí. ^[73] La muerte del rey y la llegada al trono de Carlos X cambiaron los planes de Rossini, y su primera obra nueva para París fue Il viaggio a Reims , ^{[n.º 19]} un espectáculo operístico que se presentó en junio de 1825 para celebrar la coronación de Carlos. Fue la última ópera de Rossini con libreto en italiano. ^[74] Permitió sólo cuatro interpretaciones de la pieza, ^{[75] [n.° 20]} con la intención de reutilizar lo mejor de la música en una ópera menos efímera. ^[77] Aproximadamente la mitad de la partitura de Le comte Ory (1828) es de la obra anterior. ^[78]

El retiro forzoso de Colbran puso en tensión el matrimonio de los Rossini, dejándola desocupada mientras él continuaba siendo el centro de atención musical y constantemente solicitado. ^[62] Ella se consolaba con lo que Servadio describe como "un nuevo placer en las compras"; ^[79] para Rossini, París ofrecía continuos deleites gourmet, a medida que su figura cada vez más rotunda comenzaba a reflejarse. ^{[79] [n 21]}

Las primeras de las cuatro óperas que Rossini escribió con libreto en francés fueron Le siège de Corinthe ^{[n.° 22]} (1826) y Moïse et Pharaon ^{[n.° 23]} (1827). Ambas eran reelaboraciones sustanciales de piezas escritas para Nápoles: Maometto II y Mosè in Egitto . Rossini tuvo mucho cuidado antes de comenzar a trabajar en la primera, aprendiendo a hablar francés y familiarizándose con las formas tradicionales de declamación de la lengua operística francesa. Además de eliminar parte de la música original que tenía un estilo ornamentado que no estaba de moda en París, Rossini se adaptó a las preferencias locales al agregar danzas, números tipo himno y un papel más importante para el coro. ^[81]

La madre de Rossini, Anna, murió en 1827; él se había dedicado a ella y sintió profundamente su pérdida. Ella y Colbran nunca se llevaron bien, y Servadio sugiere que después de la muerte de Anna, Rossini comenzó a resentirse con la mujer que sobrevivió en su vida. ^[82]

En 1828 Rossini escribió Le comte Ory , su única ópera cómica en lengua francesa. Su determinación de reutilizar la música de Il viaggio a Reims causó problemas a sus libretistas, que tuvieron que adaptar su trama original y escribir palabras en francés para que encajaran en los números italianos existentes, pero la ópera fue un éxito y se vio en Londres a los seis meses del estreno en París, y en Nueva York en 1831. ^[78] Al año siguiente, Rossini escribió su esperada gran ópera francesa, Guillermo Tell , basada en la obra de Friedrich Schiller de 1804 que se basó en la leyenda de Guillermo Tell . ^[83]

Guillermo Tell tuvo una buena acogida. La orquesta y los cantantes se reunieron fuera de la casa de Rossini después del estreno e interpretaron el emocionante final del segundo acto en su honor. El periódico Le Globe comentó que había comenzado una nueva era en la música. ^[84] Gaetano Donizetti remarcó que el primer y el último acto de la ópera fueron escritos por Rossini, pero el acto intermedio fue escrito por Dios. ^[85] La obra fue un éxito indudable, sin ser un éxito rotundo; el público tardó un tiempo en asimilarla y algunos cantantes la encontraron demasiado exigente. ^[86] No obstante, se representó en el extranjero a los pocos meses del estreno, ^{[n. 24]} y no hubo sospechas de que sería la última ópera del compositor. ^[88]

Junto con Semiramide , Guillermo Tell es la ópera más larga de Rossini, con tres horas y cuarenta y cinco minutos, ^[89] y el esfuerzo de componerla lo dejó exhausto. Aunque al cabo de un año estaba planeando un tratamiento operístico de la historia de Fausto , ^[84] los acontecimientos y la mala salud lo superaron. Después del estreno de Guillermo Tell, los Rossini habían abandonado París y se alojaban en Castenaso. Al cabo de un año, los acontecimientos en París hicieron que Rossini se apresurara a regresar. Carlos X fue derrocado en una revolución en julio de 1830, y la nueva administración, encabezada por Luis Felipe I , anunció recortes radicales en el gasto gubernamental. Entre los recortes estaba la renta vitalicia de Rossini, obtenida después de una dura negociación con el régimen anterior. ^[90] Intentar restaurar la renta vitalicia fue una de las razones de Rossini para regresar. La otra era estar con su nueva amante, Olympe Pélissier . Dejó a Colbran en Castenaso; Ella nunca regresó a París y nunca volvieron a vivir juntos. ^[91]

Las razones de la retirada de Rossini de la ópera han sido continuamente discutidas durante y después de su vida. ^{[92] [93]} Algunos han supuesto que, a los treinta y siete años y con una salud inestable, tras haber negociado una importante renta vitalicia del gobierno francés y haber escrito treinta y nueve óperas, simplemente planeó retirarse y se mantuvo fiel a ese plan. En un estudio de 1934 sobre el compositor, el crítico Francis Toye acuñó la frase "La Gran Renuncia", y calificó el retiro de Rossini como un "fenómeno único en la historia de la música y difícil de encontrar paralelo en toda la historia del arte":

¿Hay algún otro artista que, tan deliberadamente y en la flor de la vida, renunciara a esa forma de producción artística que lo había hecho famoso en todo el mundo civilizado? ^[94]

El poeta Heine comparó el retiro de Rossini con el retiro de Shakespeare de la escritura: dos genios que reconocieron cuando habían logrado lo insuperable y no buscaron seguirlo. ^{[n 25]} Otros, entonces y más tarde, sugirieron que Rossini se había retirado debido al resentimiento por los éxitos de Giacomo Meyerbeer y Fromental Halévy en el género de la gran ópera. ^{[n 26]} Los estudios modernos sobre Rossini generalmente han descartado tales teorías, sosteniendo que Rossini no tenía intención de renunciar a la composición operística, y que las circunstancias, más que la elección personal, hicieron de Guillermo Tell su última ópera. ^{[100] [101]} Gossett y Richard Osborne sugieren que la enfermedad puede haber sido un factor importante en el retiro de Rossini. Desde aproximadamente esta época, Rossini tuvo mala salud intermitente, tanto física como mental. Había contraído gonorrea en años anteriores, lo que más tarde le provocó efectos secundarios dolorosos, desde uretritis hasta artritis ; ^[102] Sufría episodios de depresión debilitante, que los comentaristas han relacionado con varias causas posibles: ciclotimia , ^[103] o trastorno bipolar , ^[104] o reacción a la muerte de su madre. ^{[n 27]}

Durante los veinticinco años siguientes a Guillermo Tell, Rossini compuso poco, aunque Gossett comenta que sus comparativamente pocas composiciones de las décadas de 1830 y 1840 no muestran ninguna disminución en la inspiración musical. ^[92] Incluyen las Soirées musicales (1830-1835: un conjunto de doce canciones para voces solistas o a dúo y piano) y su Stabat Mater (comenzado en 1831 y completado en 1841). ^{[n 28]} Después de ganar su pelea con el gobierno por su anualidad en 1835, Rossini dejó París y se estableció en Bolonia. Su regreso a París en 1843 para recibir tratamiento médico de Jean Civiale despertó esperanzas de que pudiera producir una nueva gran ópera; se rumoreaba que Eugène Scribe estaba preparando un libreto para él sobre Juana de Arco . La Ópera se vio impulsada a presentar una versión francesa de Otello en 1844 que también incluía material de algunas de las óperas anteriores del compositor. No está claro hasta qué punto, si es que lo hizo, Rossini participó en esta producción, que finalmente tuvo una mala acogida. ^[107] Más controvertida fue la ópera pasticcio de Robert Bruce (1846), en la que Rossini, que ya había regresado a Bolonia, colaboró ​​estrechamente seleccionando música de sus óperas anteriores que aún no se habían interpretado en París, en particular La donna del lago . La Ópera intentó presentar a Robert como una nueva ópera de Rossini. Pero aunque Otelo podía al menos afirmar que era un Rossini genuino y canónico, el historiador Mark Everist señala que los detractores argumentaron que Robert era simplemente "un producto falso, y de una era pasada"; cita a Théophile Gautier lamentando que "la falta de unidad podría haber sido enmascarada por una interpretación superior; desafortunadamente, la tradición de la música de Rossini se perdió en la Ópera hace mucho tiempo". ^[108]

El período posterior a 1835 vio la separación formal de Rossini de su esposa, que permaneció en Castenaso (1837), y la muerte de su padre a la edad de ochenta años (1839). ^[109] En 1845 Colbran enfermó gravemente y en septiembre Rossini viajó a visitarla; un mes después ella murió. ^[110] Al año siguiente, Rossini y Pélissier se casaron en Bolonia. ^[109] Los acontecimientos del Año de la Revolución en 1848 llevaron a Rossini a alejarse de la zona de Bolonia, donde se sentía amenazado por la insurrección, y a hacer de Florencia su base, que permaneció hasta 1855. ^[111]

A principios de la década de 1850, la salud física y mental de Rossini se había deteriorado hasta el punto de que su esposa y sus amigos temían por su cordura o por su vida. A mediados de la década, estaba claro que necesitaba regresar a París para recibir la atención médica más avanzada disponible en ese momento. En abril de 1855, los Rossini emprendieron su último viaje de Italia a Francia. ^[112] Rossini regresó a París a los sesenta y tres años y allí se estableció por el resto de su vida. ^[113]

Gossett observa que, aunque un relato de la vida de Rossini entre 1830 y 1855 es una lectura deprimente, "no es exagerado decir que, en París, Rossini volvió a la vida". Recuperó su salud y su alegría de vivir . Una vez establecido en París, mantuvo dos casas: un piso en la rue de la Chaussée-d'Antin , una elegante zona céntrica, y una villa neoclásica construida para él en Passy , ​​una comuna ahora absorbida por la ciudad, pero entonces semirrural. ^[115] Él y su esposa establecieron un salón que se hizo internacionalmente famoso. ^{[92] [116]} La primera de sus reuniones de los sábados por la noche -las samedi soirs- se celebró en diciembre de 1858, y la última, dos meses antes de que muriera en 1868. ^[117]

Rossini comenzó a componer de nuevo. Su música de su última década no estaba generalmente destinada a ser interpretada en público, y no solía poner fechas de composición en los manuscritos. En consecuencia, a los musicólogos les ha resultado difícil dar fechas definitivas para sus últimas obras, pero la primera, o una de las primeras, fue el ciclo de canciones Musique anodine , dedicado a su esposa y presentado a ella en abril de 1857. ^[118] Para sus salones semanales produjo más de 150 piezas, incluyendo canciones, piezas para piano solo y obras de cámara para muchas combinaciones diferentes de instrumentos. Se refería a ellos como sus Péchés de vieillesse - "pecados de la vejez". ^[92] Los salones se celebraban tanto en Beau Séjour -la villa de Passy- como, en invierno, en el apartamento de París. Tales reuniones eran una característica habitual de la vida parisina –el escritor James Penrose ha observado que las personas bien relacionadas podían asistir fácilmente a diferentes salones casi todas las noches de la semana–, pero las veladas de los Rossini en forma de samedi se convirtieron rápidamente en las más solicitadas: «una invitación era el premio social más alto de la ciudad». ^[119] La música, cuidadosamente elegida por Rossini, no solo era suya, sino que incluía obras de Pergolesi , Haydn y Mozart y piezas modernas de algunos de sus invitados. Entre los compositores que asistían a los salones, y a veces actuaban, estaban Auber , Gounod , Liszt , Rubinstein , Meyerbeer y Verdi . A Rossini le gustaba llamarse a sí mismo un pianista de cuarta clase, pero los muchos pianistas famosos que asistían a las veladas de los samedi estaban deslumbrados por su forma de tocar. ^[120] Violinistas como Pablo Sarasate y Joseph Joachim y los principales cantantes de la época eran invitados habituales. ^[121] En 1860, Wagner visitó a Rossini a través de una presentación de su amigo Edmond Michotte , quien unos cuarenta y cinco años después escribió su relato de la genial conversación entre los dos compositores. ^{[122] [n 29]}

Una de las pocas obras tardías de Rossini destinadas a ser interpretadas en público fue su Petite messe solennelle , estrenada en 1864. ^[124] Ese mismo año, Rossini fue nombrado gran oficial de la Legión de Honor por Napoleón III. ^[125]

Después de una corta enfermedad y una operación fallida para tratar el cáncer colorrectal , Rossini murió en Passy el 13 de noviembre de 1868 a la edad de setenta y seis años. ^[126] Dejó a Olympe un interés vitalicio en su patrimonio, que después de su muerte, diez años más tarde, pasó a la Comuna de Pesaro para el establecimiento de un Liceo Musicale y financió un hogar para cantantes de ópera retirados en París. ^[127] Después de un funeral al que asistieron más de cuatro mil personas en la iglesia de Sainte-Trinité , París, el cuerpo de Rossini fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise . ^[128] En 1887 sus restos fueron trasladados a la basílica de Santa Croce , Florencia. ^[129]

El escritor Julian Budden , al observar las fórmulas adoptadas por Rossini al principio de su carrera y seguidas sistemáticamente por él a partir de entonces en lo que respecta a oberturas, arias , estructuras y conjuntos, las ha llamado "el Código Rossini" en referencia al Código Napoleón , el sistema legal establecido por el emperador francés. ^[131] El estilo general de Rossini puede haber sido influenciado más directamente por los franceses: el historiador John Rosselli sugiere que el gobierno francés en Italia a principios del siglo XIX significó que "la música había adquirido nuevas cualidades militares de ataque, ruido y velocidad, que se escuchan en Rossini". ^[132] El enfoque de Rossini hacia la ópera se vio inevitablemente atenuado por los gustos cambiantes y las demandas de la audiencia. Los libretos "clasicistas" formales de Metastasio que habían sustentado la ópera seria de finales del siglo XVIII fueron reemplazados por temas más del gusto de la era del Romanticismo , con historias que exigían una caracterización más fuerte y una acción más rápida; un compositor a destajo necesitaba satisfacer estas demandas o fracasar. ^[133] Las estrategias de Rossini se enfrentaron a esta realidad. Un enfoque formalista fue logísticamente indispensable para la carrera de Rossini, al menos al principio: en los siete años que van de 1812 a 1819, escribió 27 óperas, ^[134] a menudo con muy poco tiempo de antelación. Para La Cenerentola (1817), por ejemplo, tuvo apenas tres semanas para escribir la música antes del estreno. ^[135]

Tales presiones llevaron a otro elemento significativo de los procedimientos compositivos de Rossini, no incluido en el "Código" de Budden, a saber, el reciclaje. El compositor a menudo transfirió una obertura exitosa a óperas posteriores: así, la obertura de La pietra del paragone se utilizó más tarde para la ópera seria Tancredi (1813), y (en la otra dirección) la obertura de Aureliano en Palmira (1813) terminó como (y hoy se conoce como) la obertura de la comedia Il barbiere di Siviglia (El barbero de Sevilla) . ^{[133] [136]} También reempleó liberalmente arias y otras secuencias en obras posteriores. Spike Hughes señala que de los veintiséis números de Eduardo e Cristina , producidos en Venecia en 1817, diecinueve fueron tomados de obras anteriores. "El público ... estaba notablemente de buen humor ... y preguntó astutamente por qué se había cambiado el libreto desde la última representación". ^[137] Rossini expresó su disgusto cuando el editor Giovanni Ricordi publicó una edición completa de sus obras en la década de 1850: "Las mismas piezas se encontrarán varias veces, porque pensé que tenía el derecho de eliminar de mis fiascos aquellas piezas que parecían mejores, para rescatarlas del naufragio... Un fiasco parecía bueno y muerto, ¡y ahora mira que los han resucitado todos!" ^[45]

Philip Gossett señala que Rossini "fue desde el principio un consumado compositor de oberturas ". Su fórmula básica para éstas se mantuvo constante a lo largo de su carrera: Gossett las caracteriza como " movimientos de sonata sin secciones de desarrollo , generalmente precedidos por una introducción lenta" con "melodías claras, ritmos exuberantes [y] estructura armónica simple" y un clímax en crescendo . ^[133] Richard Taruskin también señala que el segundo tema siempre se anuncia en un solo de instrumentos de viento de madera, cuyo "poder pegadizo" "graba un perfil distintivo en la memoria auditiva", y que la riqueza e inventiva de su manejo de la orquesta, incluso en estas primeras obras, marca el comienzo de "[e]l gran florecimiento de la orquestación del siglo XIX ". ^[138]

El manejo que Rossini hacía de las arias (y los dúos) en estilo cavatina marcaba un cambio con respecto a la práctica habitual del siglo XVIII del recitativo y el aria. En palabras de Rosselli, en manos de Rossini, "el aria se convirtió en un motor para liberar emociones". ^[139] La estructura típica de las arias de Rossini implicaba una introducción lírica ( "cantabile" ) y una conclusión más intensa y brillante ( "cabaletta" ). Este modelo podía adaptarse de diversas maneras para hacer avanzar la trama (a diferencia del manejo típico del siglo XVIII que hacía que la acción se detuviera cuando se realizaban las repeticiones obligatorias del aria da capo ). Por ejemplo, podían ir puntuadas por comentarios de otros personajes (una convención conocida como "pertichini" ), o el coro podía intervenir entre el cantabile y la cabaletta para encender al solista. Si bien estos desarrollos no eran necesariamente una invención propia de Rossini, los hizo suyos con su manejo experto de los mismos. ^[140] Un hito en este contexto es la cavatina "Di tanti palpiti" de Tancredi , que tanto Taruskin como Gossett (entre otros) destacan como transformadora, "la aria más famosa que Rossini haya escrito jamás", ^[141] con una "melodía que parece capturar la belleza melódica y la inocencia características de la ópera italiana". ^{[45] [n 31]} Ambos escritores señalan el toque rossiniano típico de evitar una cadencia "esperada" en el aria mediante un cambio repentino de la tonalidad de origen de fa a la de la bemol (véase el ejemplo); Taruskin nota el juego de palabras implícito, ya que las palabras hablan de regresar, pero la música se mueve en una nueva dirección. ^[142] La influencia fue duradera; Gossett señala cómo el estilo de cabaletta rossiniano continuó informando la ópera italiana hasta Aida (1871) de Giuseppe Verdi . ^[45]

Esta integración estructural de las formas de la música vocal con el desarrollo dramático de la ópera significó un cambio radical respecto de la primacía metastásica del aria; en las obras de Rossini, las arias solistas progresivamente ocupan una proporción menor de las óperas, en favor de los dúos (también típicamente en formato cantabile-caballetta ) y los conjuntos. ^[45]

A finales del siglo XVIII, los creadores de ópera bufa habían desarrollado cada vez más la integración dramática de los finales de cada acto. Los finales comenzaron a "extenderse hacia atrás", ocupando una proporción cada vez mayor del acto, tomando la estructura de una cadena musicalmente continua, acompañada en todo momento por una orquesta, de una serie de secciones, cada una con sus propias características de velocidad y estilo, que se van montando hasta una escena final clamorosa y vigorosa. ^[143] En sus óperas cómicas, Rossini llevó esta técnica a su punto máximo y extendió su alcance mucho más allá de sus predecesores. Sobre el final del primer acto de L'italiana in Algeri , Taruskin escribe que "[l]ejecutando casi cien páginas de partitura vocal en un tiempo récord, es la dosis única más concentrada de Rossini que existe". ^[144]

De mayor importancia para la historia de la ópera fue la capacidad de Rossini para desarrollar esta técnica en el género de la ópera seria . Gossett, en un análisis muy detallado del final del primer acto de Tancredi , identifica varios elementos en la práctica de Rossini. Entre ellos se incluyen el contraste de secuencias de acción "cinéticas", a menudo caracterizadas por motivos orquestales, con expresiones "estáticas" de emoción, la sección "estática" final en forma de caballetta, con todos los personajes uniéndose en las cadencias finales. Gossett afirma que es "a partir de la época de Tancredi que la caballetta ... se convierte en la sección de cierre obligatoria de cada unidad musical en las óperas de Rossini y sus contemporáneos". ^[145]

Con muy pocas excepciones, todas las composiciones de Rossini anteriores a los Péchés de vieillesse de su retiro involucran la voz humana. Su primera obra sobreviviente (aparte de una sola canción) es, sin embargo, un conjunto de sonatas de cuerda para dos violines, violonchelo y contrabajo, escritas a la edad de 12 años cuando apenas había comenzado la instrucción en composición. Melódicas y atractivas, indican cuán alejado estaba el talentoso niño de la influencia de los avances en la forma musical desarrollados por Mozart, Haydn y Beethoven; el acento está en la melodía cantabile , el color, la variación y el virtuosismo más que en el desarrollo transformacional . ^[146] Estas cualidades también son evidentes en las primeras óperas de Rossini, especialmente sus farsas (farsas de un acto), más que en sus opere serie más formales . Gossett señala que estas primeras obras fueron escritas en una época en la que "los mantos depositados de Cimarosa y Paisiello estaban vacíos"; estos fueron los primeros pasos de Rossini, cada vez más apreciados, para probarlos. El Teatro San Moisè de Venecia, donde se representó por primera vez su farsa , y el Teatro La Scala de Milán, que estrenó su ópera de dos actos La pietra del paragone (1812), buscaban obras de esa tradición; Gossett señala que en estas óperas "la personalidad musical de Rossini comenzó a tomar forma... emergen muchos elementos que permanecen a lo largo de su carrera", incluido "[un] amor por el sonido puro, por los ritmos agudos y efectivos". El efecto inusual empleado en la obertura de Il signor Bruschino (1813), desplegando arcos de violín que marcan ritmos en atriles , es un ejemplo de esa ingeniosa originalidad. ^{[133] [n 32]}

El gran éxito en Venecia de los estrenos tanto de Tancredi como de la ópera cómica L'italiana in Algeri con pocas semanas de diferencia (el 6 de febrero de 1813 y el 22 de mayo de 1813 respectivamente) selló la reputación de Rossini como el compositor de ópera en ascenso de su generación. Desde finales de 1813 hasta mediados de 1814 estuvo en Milán creando dos nuevas óperas para La Scala, Aureliano in Palmira y Il Turco in Italia . Arsace en Aureliano fue cantado por el castrato Giambattista Velluti ; este fue el último papel de ópera que Rossini escribió para un cantante castrato ya que la norma se convirtió en usar voces de contralto , otra señal de cambio en el gusto operístico. Se rumoreaba que a Rossini le desagradaba la ornamentación de Velluti en su música; Pero, de hecho, a lo largo de su período italiano, hasta Semiramide (1823), las líneas vocales escritas de Rossini se vuelven cada vez más floridas, y esto se atribuye más apropiadamente al estilo cambiante del propio compositor. ^{[45] [n 33]}

El trabajo de Rossini en Nápoles contribuyó a este desarrollo estilístico. La ciudad, cuna de las óperas de Cimarosa y Paisiello, había tardado en reconocer al compositor de Pesaro, pero Domenico Barbaia lo invitó en 1815 con un contrato de siete años para que se encargara de sus teatros y compusiera óperas. Por primera vez, Rossini pudo trabajar durante un largo periodo con una compañía de músicos y cantantes, entre los que se encontraban Isabella Colbran , Andrea Nozzari , Giovanni David y otros, quienes, como señala Gossett, "todos ellos especializados en el canto florido" y "cuyo talento vocal dejó una marca indeleble y no del todo positiva en el estilo de Rossini". Las primeras óperas de Rossini para Nápoles, Elisabetta, regina d'Inghilterra y La gazzetta, fueron en gran parte recicladas de obras anteriores, pero Otello (1816) se caracteriza no sólo por sus líneas vocales virtuosas, sino por su último acto magistralmente integrado, con su drama subrayado por la melodía, la orquestación y el color tonal; aquí, en opinión de Gossett, "Rossini alcanzó la mayoría de edad como artista dramático". ^[39] Además, comenta:

El crecimiento del estilo de Rossini desde Elisabetta, Regina d'Inghilterra hasta Zelmira y, finalmente, Semiramide , es una consecuencia directa de la continuidad [que experimentó en Nápoles]. Rossini no sólo compuso algunas de sus mejores óperas para Nápoles, sino que estas óperas afectaron profundamente la composición operística en Italia y posibilitaron los desarrollos que llevarían a Verdi. ^[39]

Para entonces, la carrera de Rossini estaba despertando interés en toda Europa. Otros llegaron a Italia para estudiar el renacimiento de la ópera italiana y utilizaron sus lecciones para avanzar; entre ellos estaba Giacomo Meyerbeer, nacido en Berlín , que llegó a Italia en 1816, un año después de que Rossini se estableciera en Nápoles, y vivió y trabajó allí hasta seguirlo a París en 1825; utilizó a uno de los libretistas de Rossini, Gaetano Rossi , para cinco de sus siete óperas italianas, que se produjeron en Turín, Venecia y Milán. ^[149] En una carta a su hermano de septiembre de 1818, incluye una crítica detallada de Otello desde el punto de vista de un observador informado no italiano. Se muestra mordaz con los préstamos que se hacen a sí mismos en los dos primeros actos, pero admite que el tercer acto "consolidó tan firmemente la reputación de Rossini en Venecia que ni siquiera mil locuras podrían robársela. Pero este acto es divinamente hermoso, y lo que es tan extraño es que [sus] bellezas... son descaradamente anti-rossinianas: recitativos sobresalientes, incluso apasionados, acompañamientos misteriosos, mucho color local". ^[150]

El contrato de Rossini no le impidió realizar otros encargos y, antes de Otello, se había estrenado en Roma (febrero de 1816) Il barbiere di Siviglia , gran culminación de la tradición de la ópera bufa . Richard Osborne cataloga sus excelencias:

Más allá del impacto físico de Largo al factotum de Fígaro , Rossini tiene un oído especial para los timbres vocales e instrumentales de una astringencia y brillantez peculiares, una ingeniosa composición de palabras y un dominio de las grandes formas musicales con sus variaciones internas a menudo brillantes y explosivas. Si a todo esto añadimos lo que Verdi llamó la "abundancia de verdaderas ideas musicales" de la ópera, no es difícil encontrar las razones de que la obra haya seguido siendo la ópera bufa más popular de Rossini a largo plazo. ^[136]

Aparte de La Cenerentola (Roma, 1817) y el "boceto a pluma y tinta" farsa Adina (1818, no representada hasta 1826), ^[151] las demás obras de Rossini durante su contrato con Nápoles se inscribieron en la tradición de la ópera seria . Entre las más notables, todas con papeles de canto virtuoso, se encuentran Mosè in Egitto (1818), La donna del lago (1819), Maometto II (1820), todas representadas en Nápoles, y Semiramide , su última ópera escrita para Italia, representada en La Fenice de Venecia en 1823. Las tres versiones de la ópera semiseria Matilde di Shabran fueron escritas en 1821/1822. Tanto Mosè como Maometto II fueron posteriormente sometidas a una importante reconstrucción en París (véase más adelante). ^[39]

Ya en 1818, Meyerbeer había oído rumores de que Rossini buscaba un lucrativo puesto en la Ópera de París : "Si [sus propuestas] son ​​aceptadas, irá a la capital francesa y tal vez experimentemos cosas curiosas". ^[153] Pasarían unos seis años antes de que esta profecía se hiciera realidad.

En 1824, Rossini, bajo contrato con el gobierno francés, se convirtió en director del Théâtre-Italien de París, donde presentó la ópera de Meyerbeer Il crociato in Egitto , y para la que escribió Il viaggio a Reims para celebrar la coronación de Carlos X (1825). Esta fue su última ópera con libreto en italiano, y más tarde fue canibalizada para crear su primera ópera francesa, Le comte Ory (1828). Un nuevo contrato en 1826 le permitió concentrarse en producciones en la Ópera y con este fin revisó sustancialmente Maometto II como Le siège de Corinthe (1826) y Mosé como Moïse et Pharaon (1827). Para satisfacer el gusto francés, las obras se amplían (cada una con un acto), las líneas vocales en las revisiones son menos floridas y la estructura dramática se realza, con la proporción de arias reducida. ^[154] Una de las adiciones más llamativas fue el coro al final del Acto III de Moïse , con una repetición en crescendo de una línea de bajo diatónica ascendente, subiendo primero en una tercera menor , luego en una tercera mayor , en cada aparición, y una línea superior cromática descendente, que despertó la emoción del público. ^[155]

El contrato gubernamental de Rossini le exigía crear al menos una nueva «grand opėra» , y Rossini se decidió por la historia de Guillermo Tell , trabajando en estrecha colaboración con el libretista Étienne de Jouy . La historia en particular le permitió disfrutar de «un interés subyacente en los géneros relacionados de la música folclórica, pastoral y pintoresca». Esto se hace evidente en la obertura, que es explícitamente programática al describir el clima, el paisaje y la acción, y presenta una versión del Ranz des Vaches , el llamado del pastor suizo, que «sufre una serie de transformaciones durante la ópera» y le da, en opinión de Richard Osborne, «algo del carácter de un leitmotiv ». ^{[156] [n 36]} En opinión del historiador musical Benjamin Walton, Rossini «satura la obra con color local hasta tal punto que queda poco espacio para más». De este modo, el papel de los solistas se reduce significativamente en comparación con otras óperas de Rossini, ya que el héroe ni siquiera tiene un aria propia, mientras que el coro del pueblo suizo está constantemente en el primer plano musical y dramático. ^{[158] [159]}

Guillermo Tell se estrenó en agosto de 1829. Rossini también proporcionó para la Ópera una versión más corta, en tres actos, que incorporaba la sección final de la obertura, pas redoublé (marcha rápida), en su final; se representó por primera vez en 1831 y se convirtió en la base de las futuras producciones de la Ópera. ^[156] Tell tuvo mucho éxito desde el principio y fue reestrenada con frecuencia: en 1868, el compositor estuvo presente en su 500.ª representación en la Ópera. El Globe había informado con entusiasmo en su inauguración que "se ha abierto una nueva época no solo para la ópera francesa, sino también para la música dramática en otras partes". ^[160] Se supo que ésta era una era en la que Rossini no iba a participar.

El contrato de Rossini le exigía que proporcionara cinco obras nuevas para la Ópera en un plazo de diez años. Tras el estreno de Tell ya estaba considerando algunos temas operísticos, incluido el Fausto de Goethe , pero las únicas obras significativas que completó antes de abandonar París en 1836 fueron el Stabat Mater , escrito para un encargo privado en 1831 (más tarde completado y publicado en 1841), y la colección de música vocal de salón Soirées musicales publicada en 1835. Viviendo en Bolonia, se dedicó a enseñar canto en el Liceo Musicale, y también creó un pasticcio de Tell , Rodolfo di Sterlinga , para el cantante Nicola Ivanoff  [it] , para el que Giuseppe Verdi proporcionó algunas arias nuevas. ^[92] La continua demanda en París dio como resultado la producción de una "nueva" versión francesa de Otello en 1844 (en la que Rossini no participó) y una "nueva" ópera Robert Bruce, para la que Rossini colaboró ​​con Louis Niedermeyer y otros para reformular la música de La donna del lago y otras de sus obras que eran poco conocidas en París para que encajaran en un nuevo libreto. El éxito de ambas fue limitado, por decir lo menos. ^[161]

No fue hasta que Rossini regresó a París en 1855 que hubo signos de un renacimiento de su espíritu musical. Una serie de piezas, para voces, coro, piano y conjuntos de cámara, escritas para sus veladas, los Péchés de vieillesse (Pecados de vejez) se publicaron en trece volúmenes entre 1857 y 1868; de ellos, los volúmenes 4 a 8 comprenden "56 piezas para piano semicómicas... dedicadas a pianistas de cuarta clase, a la que tengo el honor de pertenecer". ^{[162] Entre ellas se incluye una} marcha fúnebre simulada , Marche et reminiscences pour mon dernier voyage (Marcha y reminiscencias para mi último viaje). ^[163] Gossett escribe sobre los Péchés : "Su posición histórica aún está por evaluar, pero parece probable que su efecto, directo o indirecto, sobre compositores como Camille Saint-Saëns y Erik Satie fue significativo". ^{[164] [n 37]}

La obra más importante de la última década de Rossini, la Petite messe solennelle (1863), fue escrita para grupos pequeños (originalmente voces, dos pianos y armonio ) y, por lo tanto, no era adecuada para su interpretación en salas de conciertos; y como incluía voces de mujeres, era inaceptable para interpretaciones en iglesias en ese momento. Por estas razones, sugiere Richard Osborne, la pieza ha sido un tanto pasada por alto entre las composiciones de Rossini. ^[124] No es ni especialmente petite (pequeña) ni completamente solennelle (solemne), pero es notable por su gracia, contrapunto y melodía. ^[166] Al final del manuscrito, el compositor escribió:

Dios mío, aquí está terminada esta pobre misa. ¿Es música sacra lo que he escrito o música maldita? Nací para la ópera bufa, como bien sabes. Un poco de técnica, un poco de corazón, eso es todo. Bendito seas, pues, y concédeme el Paraíso. ^[167]

La popularidad de las melodías de Rossini llevó a muchos virtuosos contemporáneos a crear transcripciones para piano o fantasías basadas en ellas. Algunos ejemplos incluyen la fantasía de Sigismond Thalberg sobre temas de Moïse , ^[168] los conjuntos de variaciones sobre "Non più mesta" de La Cenerentola de Henri Herz , Frédéric Chopin , Franz Hünten , Anton Diabelli y Friedrich Burgmüller , ^[169] y las transcripciones de Liszt de la obertura de Guillermo Tell (1838) y las Soirées musicales . ^{[170] [n 38]}

La continua popularidad de sus óperas cómicas (y el declive en la puesta en escena de sus opere serie ), el derrocamiento de los estilos de canto y puesta en escena de su período, y el concepto emergente del compositor como un "artista creativo" en lugar de un artesano, disminuyeron y distorsionaron el lugar de Rossini en la historia de la música, aunque las formas de la ópera italiana continuaron hasta el período del verismo en deuda con sus innovaciones. ^[172] El estatus de Rossini entre sus compositores italianos contemporáneos está indicado por la Messa per Rossini , un proyecto iniciado por Verdi a los pocos días de la muerte de Rossini, que él y una docena de otros compositores crearon en colaboración. ^{[n 39]}

Si el principal legado de Rossini a la ópera italiana fue la de las formas vocales y la estructura dramática para la ópera seria, su legado a la ópera francesa fue el de proporcionar un puente entre la ópera bufa y el desarrollo de la opéra comique (y de allí, a través de las opéras buuffes de Jacques Offenbach , al género de la opereta ). Entre las opéras comiques que muestran una deuda con el estilo de Rossini se encuentran La dame blanche (1825) de François-Adrien Boieldieu y Fra Diavolo (1830) de Daniel Auber , así como obras de Ferdinand Hérold , Adolphe Adam y Fromental Halévy . ^{[174] [175]} Un crítico del estilo de Rossini fue Hector Berlioz , que escribió sobre su "cinismo melódico, su desprecio por el sentido dramático y el buen sentido, su repetición interminable de una única forma de cadencia, su eterno crescendo pueril y su brutal bombo". ^[176]

Tal vez era inevitable que la formidable reputación que Rossini se había labrado durante su vida se desvaneciera con el tiempo. En 1886, menos de veinte años después de la muerte del compositor, Bernard Shaw escribió: "El otrora universal Rossini, cuya Semiramide parecía a nuestros abuelos más verdes una maravilla ninivesca , llegó a dejar de ser considerado un músico serio". ^[177] En una reseña de 1877 de Il barbiere , señaló que Adelina Patti cantó como bis en la escena de la lección " Home, Sweet Home " ^{[n.° 40]} pero que "la ópera resultó tan intolerablemente tediosa que algunos de sus oyentes ya habían demostrado su apreciación del sentimiento de la balada de la manera más práctica". ^[178]

A principios del siglo XX, Rossini recibió homenajes tanto de Ottorino Respighi , que había orquestado extractos de Péchés de viellesse tanto en su ballet La boutique fantasque (1918) como en su suite Rossiniana de 1925 , ^[179] como de Benjamin Britten , que adaptó música de Rossini para dos suites, Soirées musicales (Op. 9) en 1937 y Matinées musicales (Op. 24) en 1941. ^[180] Richard Osborne destaca la biografía de Rossini en tres volúmenes de Giuseppe Radiciotti (1927-1929) como un importante punto de inflexión hacia una apreciación positiva, que también puede haber sido asistida por la tendencia del neoclasicismo en la música. ^[181] La revalorización de la obra de Rossini se inició a finales del siglo XX, a la luz de los estudios y la creación de ediciones críticas de sus obras. Uno de los principales impulsores de estos avances fue la "Fondazione G. Rossini", creada por la ciudad de Pesaro en 1940 con los fondos que el compositor había dejado a la ciudad. ^{[4] [172]} Desde 1980, la "Fondazione" ha apoyado el Festival de Ópera Rossini que se celebra anualmente en Pesaro. ^{[4] [182]}

En el siglo XXI, el repertorio Rossini de los teatros de ópera de todo el mundo sigue dominado por Il barbiere , siendo La Cenerentola la segunda más popular. ^[183] ​​Varias otras óperas se producen regularmente, incluidas Le comte Ory , La donna del lago , La gazza ladra , Guillaume Tell , L'italiana in Algeri , La scala di seta , Il turco in Italia e Il viaggio a Reims . ^[183] ​​Otras piezas de Rossini en el repertorio internacional actual, que se presentan de vez en cuando, incluyen Adina , Armida , Elisabetta regina d'Inghilterra , Ermione , Mosé in Egitto y Tancredi . ^[183] ​​El festival Rossini in Wildbad se especializa en producir obras más raras. ^{[n 41]} El sitio web de listas de representaciones Operabase registra 2319 representaciones de 532 producciones de óperas de Rossini en 255 lugares de todo el mundo en los tres años 2017-2019. ^[183] ​​Se han grabado todas las óperas de Rossini. ^{[n 42]}

• Fondazione Gioachino Rossini, Pesaro (en italiano)
• El Centro de Estudios de la Ópera Italiana: edición crítica de Rossini
• Partituras gratuitas de Rossini en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• Partituras gratuitas de Gioachino Rossini en la Biblioteca de Dominio Público Coral (ChoralWiki)