Juan Ford

Juan Ford
Ford en 1946
Nacido	Juan Martín Feeney (1894-02-01)1 de febrero de 1894 Cabo Elizabeth, Maine , Estados Unidos
Fallecido	31 de agosto de 1973 (1973-08-31)(79 años) Palm Desert, California , Estados Unidos
Lugar de descanso	Cementerio de la Santa Cruz, Culver City , California [1]
Ocupaciones	Cineasta productor
Años de actividad	1913–1966
Cónyuge	María McBride Smith ​ ( nacido en  1920 )
Niños	2
Carrera militar
Servicio / sucursal	Marina de los Estados Unidos
Años de servicio	1942–1945 (activo) 1946–1962 (reserva)
Rango	Comandante (activo) Contralmirante (reserva)
Unidad	Oficina de Servicios Estratégicos 11 ° Distrito Naval USS  Philippine Sea  (CV-47)
Batallas / guerras	Segunda Guerra Mundial Batalla de Midway  ( WIA ) Batalla de Normandía Guerra de Corea
Premios	Legión de Mérito con Combate "V" Corazón púrpura Medalla al servicio meritorio Medalla del aire Medalla de la campaña americana Medalla de la campaña de Europa, África y Oriente Medio Medalla de la Campaña Asia-Pacífico Medalla de la victoria de la Segunda Guerra Mundial

John Martin Feeney (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973), conocido profesionalmente como John Ford , fue un director y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes durante la Edad de Oro de Hollywood , ^[2] y fue uno de los primeros directores estadounidenses en ser reconocido como autor . ^{[3] [4]} En una carrera de más de 50 años, dirigió más de 130 películas entre 1917 y 1970 (aunque la mayoría de sus películas mudas ahora se han perdido ), y recibió seis premios Óscar , incluyendo un récord de cuatro victorias al Mejor Director por El delator (1935), Las uvas de la ira (1940), ¡Qué verde era mi valle! (1941) y El hombre tranquilo (1952).

Ford es conocido por sus westerns , como La diligencia (1939), Mi querida Clementina (1946), Fort Apache (1948), Centauros del desierto (1956) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962); aunque trabajó en muchos otros géneros, incluidas comedias , dramas de época y documentales . Hizo uso frecuente de rodajes en exteriores y tomas panorámicas , en las que sus personajes se enmarcaban contra un terreno natural vasto, duro y accidentado. Se le atribuye el lanzamiento de las carreras de algunas de las mayores estrellas de Hollywood durante las décadas de 1930, 1940 y 1950, entre ellas John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara y James Stewart .

El trabajo de Ford fue tenido en alta estima por sus contemporáneos, con Akira Kurosawa , Orson Welles , Frank Capra , ^[5] Andrei Tarkovsky e Ingmar Bergman nombrándolo uno de los mejores directores de todos los tiempos. ^[6] Las generaciones posteriores de directores, incluidas muchas de las principales figuras del movimiento New Hollywood , han citado su influencia. ^{[5] [7]} El Harvard Film Archive escribe que "la amplitud y la medida de las principales contribuciones de Ford a la Edad de Oro del cine de Hollywood, y al lenguaje cinematográfico en general, sigue siendo algo difícil de discernir... Rara vez se reconocen en su totalidad los grandes logros de Ford como consumado estilista visual y maestro narrador de historias". ^[4]

Ford nació como John Martin "Jack" Feeney (aunque más tarde a menudo dio sus nombres de pila como Seán Aloysius, a veces con el apellido O'Feeny u Ó Fearna; un equivalente en lengua irlandesa de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine , hijo de John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran, el 1 de febrero de 1894, ^[8] (aunque ocasionalmente dijo 1895 y esa fecha está inscrita erróneamente en su lápida). ^[9] Su padre, John Augustine, nació en Spiddal , ^[10] Condado de Galway , Irlanda, en 1854. ^[9] Barbara Curran nació en las Islas Aran , en la ciudad de Kilronan en la isla de Inishmore (Inis Mór). ^[9] Se decía que la abuela de John A. Feeney, Barbara Morris, era miembro de una rama empobrecida de una familia de la nobleza irlandesa , los Morris de Spiddal (encabezados actualmente por Lord Killanin ).

John Augustine y Barbara Curran llegaron a Boston y Portland respectivamente en mayo y junio de 1872. Presentaron sus intenciones de casarse el 31 de julio de 1875 y se convirtieron en ciudadanos estadounidenses cinco años después, el 11 de septiembre de 1880. ^[9] La familia de John Augustine Feeney residía en Sheridan Street, en el barrio irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, y su padre trabajaba en una variedad de trabajos ocasionales para mantener a la familia: agricultura, pesca, obrero de la compañía de gas, tabernero y concejal. ^[9] En entrevistas, John Ford dijo que su familia era adinerada, dijo que tenían una granja y que su padre pescaba. John y Barbara tuvieron once hijos: Mamie (Mary Agnes), nacida en 1876; Delia (Edith), 1878-1881; Patrick; Francis Ford , 1881-1953; Bridget, 1883-1884; Barbara, nacida y fallecida en 1888; Edward, nacido en 1889; Josephine, nacida en 1891; Hannah (Joanna), nacida y fallecida en 1892; John Martin, 1894-1973; y Daniel, nacido y fallecido en 1896 (o 1898). ^[9]

Feeney asistió a la Portland High School, Portland, Maine , donde jugó como fullback y tackle defensivo. Se ganó el apodo de "Bull" debido, se dice, a la forma en que bajaba su casco y cargaba contra la línea. Un pub de Portland, llamado "Bull Feeney's" en su honor, estuvo abierto desde 2002 hasta 2023. Más tarde se mudó a California y en 1914 comenzó a trabajar en la producción cinematográfica, además de actuar para su hermano mayor Francis , adoptando "Jack Ford" como nombre profesional. Además de los papeles acreditados, apareció sin acreditar como un miembro del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación de D. W. Griffith de 1915. ^{[11] [12]}

Se casó con Mary McBride Smith el 3 de julio de 1920 y tuvieron dos hijos. Su hija Barbara estuvo casada con el cantante y actor Ken Curtis de 1952 a 1964. El matrimonio entre Ford y Smith duró toda la vida a pesar de varios problemas, uno de ellos fue que Ford era católico ^[13] mientras que ella era una divorciada no católica. ^[14] No está claro qué dificultad causó esto, ya que el nivel de compromiso de Ford con la fe católica es discutido. ^[15] Otra tensión fueron las muchas relaciones extramatrimoniales de Ford. ^[16]

Ford comenzó su carrera en el cine después de mudarse a California en julio de 1914. Siguió los pasos de su talentoso hermano mayor Francis Ford, doce años mayor que él, que había dejado su hogar años antes y había trabajado en vodevil antes de convertirse en actor de cine. Francis actuó en cientos de películas mudas para cineastas como Thomas Edison , Georges Méliès y Thomas Ince , y finalmente progresó hasta convertirse en un destacado actor, escritor y director de Hollywood con su propia compañía de producción (101 Bison) en Universal . ^[17]

Ford comenzó en las películas de su hermano como asistente, operario, especialista y actor ocasional, frecuentemente doblando a su hermano, a quien se parecía mucho. ^[18] Francis le dio a su hermano menor su primer papel como actor en The Mysterious Rose (noviembre de 1914). ^[19] A pesar de una relación a menudo combativa, en tres años Jack había progresado hasta convertirse en el asistente principal de Francis y a menudo trabajaba como su camarógrafo. ^[20] Cuando Jack Ford tuvo su primera oportunidad como director, el perfil de Francis estaba decayendo y dejó de trabajar como director poco después.

Las películas de Ford utilizaron una "compañía de actores de repertorio", mucho más que muchos directores. Muchas estrellas famosas aparecieron en al menos dos o más películas de Ford, incluyendo a Harry Carey Sr. (la estrella de 25 películas mudas de Ford), Will Rogers , John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara , James Stewart , Woody Strode , Richard Widmark , Victor McLaglen , Vera Miles y Jeffrey Hunter . Muchos de sus actores secundarios aparecieron en múltiples películas de Ford, a menudo durante un período de varias décadas, incluyendo a Ben Johnson , Chill Wills , Andy Devine , Ward Bond , Grant Withers , Mae Marsh , Anna Lee , Harry Carey Jr. , Ken Curtis , Frank Baker, Dolores del Río , Pedro Armendáriz , Hank Worden , John Qualen , Barry Fitzgerald , Arthur Shields , John Carradine , OZ Whitehead y Carleton Young . Los miembros principales de esta "tropa" ampliada, entre ellos Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker y Ben Johnson, eran conocidos informalmente como John Ford Stock Company .

Asimismo, Ford disfrutó de extensas relaciones laborales con su equipo de producción, y muchos de sus miembros trabajaron con él durante décadas. Hizo numerosas películas con los mismos colaboradores principales, incluido el productor y socio comercial Merian C. Cooper , los guionistas Nunnally Johnson , Dudley Nichols y Frank S. Nugent , y los directores de fotografía Ben F. Reynolds, John W. Brown y George Schneiderman (quienes entre ellos filmaron la mayoría de las películas mudas de Ford), Joseph H. August , Gregg Toland , Winton Hoch , Charles Lawton Jr., Bert Glennon , Archie Stout y William H. Clothier . La mayoría de las películas de posguerra de Ford fueron editadas por Jack Murray hasta la muerte de este último en 1961. Otho Lovering , que había trabajado por primera vez con Ford en Stagecoach (1939), se convirtió en el editor principal de Ford después de la muerte de Murray.

Durante su primera década como director, Ford trabajó en docenas de largometrajes (incluidos muchos westerns), pero solo diez de las más de sesenta películas mudas que hizo entre 1917 y 1928 aún sobreviven en su totalidad. ^[21] Sin embargo, copias de varias "películas mudas" de Ford que anteriormente se creían perdidas han sido redescubiertas en archivos cinematográficos extranjeros en los últimos años: en 2009, se redescubrió un tesoro de 75 películas mudas de Hollywood en el Archivo Cinematográfico de Nueva Zelanda , entre las que se encontraba la única copia sobreviviente de la comedia muda de Ford de 1927 Upstream . ^[22] La copia fue restaurada en Nueva Zelanda por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas antes de ser devuelta a Estados Unidos, donde se le dio un "reestreno" en el Teatro Samuel Goldwyn en Beverly Hills el 31 de agosto de 2010, con una banda sonora recién encargada por Michael Mortilla. ^[23]

A lo largo de su carrera, Ford fue uno de los directores más ocupados de Hollywood, pero fue extraordinariamente productivo en sus primeros años como director (hizo diez películas en 1917, ocho en 1918 y quince en 1919) y dirigió un total de 62 cortometrajes y largometrajes entre 1917 y 1928, aunque no apareció en los créditos de la pantalla en la mayoría de sus primeras películas.

Existe cierta incertidumbre sobre la identidad de la primera película de Ford como director (el guionista de cine Ephraim Katz señala que Ford podría haber dirigido la película de cuatro partes Lucille the Waitress en 1914 ^[24] ), pero la mayoría de las fuentes citan su debut como director como la película muda de dos rollos The Tornado , estrenada en marzo de 1917. Según la propia historia de Ford, el jefe de Universal, Carl Laemmle, le dio el trabajo y supuestamente le dijo: "Denle el trabajo a Jack Ford, grita bien". A The Tornado le siguieron rápidamente una serie de "rápidos" de dos y tres rollos: The Trail of Hate , The Scrapper , The Soul Herder y Cheyenne's Pal ; estas se hicieron en el espacio de unos pocos meses y cada una de ellas se filmó típicamente en solo dos o tres días; ahora se presume que todas se perdieron. The Soul Herder también es notable por ser el comienzo de la asociación de cuatro años y 25 películas de Ford con el veterano escritor y actor Harry Carey , ^[25] quien (junto con el hermano de Ford, Francis) fue una fuerte influencia temprana en el joven director, además de ser una de las principales influencias en la personalidad cinematográfica del protegido de Ford, John Wayne . El hijo de Carey, Harry "Dobe" Carey Jr. , quien también se convirtió en actor, fue uno de los amigos más cercanos de Ford en años posteriores y apareció en muchos de sus westerns más famosos.

La primera producción de largometraje de Ford fue Straight Shooting (agosto de 1917), que también es su primera película completa que sobrevive como director, y una de las dos únicas sobrevivientes de su colaboración en veinticinco películas con Harry Carey. Al hacer la película, Ford y Carey ignoraron las órdenes del estudio y entregaron cinco rollos en lugar de dos, y fue solo gracias a la intervención de Carl Laemmle que la película evitó ser cortada para su primer lanzamiento, aunque posteriormente se editó a dos rollos para su reestreno a fines de la década de 1920. ^[26] La última película de Ford de 1917, Bucking Broadway , se pensó durante mucho tiempo que se había perdido, pero en 2002 se descubrió la única copia sobreviviente conocida en los archivos del Centro Nacional Francés de Cinematografía ^[27] y desde entonces ha sido restaurada y digitalizada.

Ford dirigió alrededor de 36 películas durante tres años para Universal antes de mudarse al estudio William Fox en 1920; su primera película para ellos fue Just Pals (1920). Su largometraje de 1923 Cameo Kirby , protagonizado por el ídolo de la pantalla John Gilbert (otra de las pocas películas mudas de Ford que sobreviven) marcó su primer crédito como director bajo el nombre de "John Ford", en lugar de "Jack Ford", como se le había acreditado anteriormente.

El primer gran éxito de Ford como director fue el drama histórico The Iron Horse (1924), un relato épico de la construcción del primer ferrocarril transcontinental . Fue una producción grande, larga y difícil, filmada en locaciones de Sierra Nevada . La logística fue enorme: se construyeron dos pueblos enteros, hubo 5000 extras, 100 cocineros, 2000 colocadores de rieles, un regimiento de caballería, 800 nativos americanos, 1300 bisontes, 2000 caballos, 10 000 cabezas de ganado y 50 000 propiedades, incluida la diligencia original utilizada por Horace Greeley , la pistola derringer de Wild Bill Hickok y réplicas de las locomotoras " Jupiter " y " 119 " que se encontraron en Promontory Summit cuando se unieron los dos extremos de la línea el 10 de mayo de 1869. ^[28]

El hermano de Ford, Eddie, era miembro del equipo y peleaban constantemente; en una ocasión, según se dice, Eddie "persiguió al anciano con el mango de un pico". Solo había una breve sinopsis escrita cuando comenzó el rodaje y Ford escribió y filmó la película día a día. La producción se retrasó debido al mal tiempo constante y al frío intenso, y los ejecutivos de Fox exigieron repetidamente resultados, pero Ford rompía los telegramas o los sostenía y hacía que el pistolero Edward "Pardner" Jones disparara agujeros en el nombre del remitente. ^[30] A pesar de la presión para detener la producción, el jefe del estudio William Fox finalmente respaldó a Ford y le permitió terminar la película y su apuesta dio buenos resultados: The Iron Horse se convirtió en una de las películas más taquilleras de la década, recaudando más de 2 millones de dólares en todo el mundo, con un presupuesto de 280.000 dólares. ^[28]

Ford hizo una amplia gama de películas en este período, y se hizo muy conocido por sus películas del Oeste y de la "frontera", pero el género perdió rápidamente su atractivo para los grandes estudios a finales de la década de 1920. El último western mudo de Ford fue 3 Bad Men (1926), ambientado durante la fiebre del oro de Dakota y filmado en Jackson Hole , Wyoming y en el desierto de Mojave . Pasarían trece años antes de que hiciera su siguiente western, Stagecoach , en 1939.

Durante la década de 1920, Ford también se desempeñó como presidente de la Asociación de Directores de Películas , precursora del actual Gremio de Directores de Estados Unidos .

Ford fue uno de los directores pioneros del cine sonoro; filmó la primera canción de Fox cantada en pantalla, para su película Mother Machree (1928), de la que solo sobreviven cuatro de los siete rollos originales; esta película también es notable por ser la primera película de Ford en la que aparece el joven John Wayne (como extra no acreditado) y apareció como extra en varias de las películas de Ford durante los siguientes dos años. Además, Hangman's House (1928) es notable porque presenta la primera aparición confirmada de John Wayne en pantalla en una película de Ford, interpretando a un espectador excitado durante la secuencia de la carrera de caballos. [2]

Justo antes de que el estudio se convirtiera al cine sonoro, Fox le dio un contrato al director alemán F. W. Murnau , y su película Sunrise: A Song of Two Humans (1927), todavía muy apreciada por los críticos, tuvo un poderoso efecto en Ford. ^[31] La influencia de Murnau se puede ver en muchas de las películas de Ford de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930: Four Sons (1928), se filmó en algunos de los lujosos sets que quedaron de la producción de Murnau.

En noviembre de ese año, Ford dirigió el primer largometraje dramático hablado de Fox, Napoleon's Barber (1928), un largometraje de 3 bobinas que ahora se considera una película perdida. ^[32] Napoleon's Barber fue seguido por sus dos últimos largometrajes mudos Riley the Cop (1928) y Strong Boy (1929), protagonizada por Victor McLaglen ; que se lanzaron con bandas sonoras sincronizadas y efectos de sonido, el último ahora está perdido (aunque el libro de Tag Gallagher registra que se rumoreaba que la única copia sobreviviente de Strong Boy , una copia de nitrato de 35 mm, se encontraba en una colección privada en Australia ^[33] ). The Black Watch (1929), una aventura del ejército colonial ambientada en el Paso de Khyber protagonizada por Victor McLaglen y Myrna Loy es el primer largometraje hablado de Ford; fue rehecho en 1954 por Henry King como King of the Khyber Rifles .

La producción de Ford fue bastante constante desde 1928 hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial; hizo cinco largometrajes en 1928 y luego hizo dos o tres películas cada año desde 1929 hasta 1942, inclusive. Tres películas se estrenaron en 1929: Strong Boy , The Black Watch y Salute . Sus tres películas de 1930 fueron Men Without Women , Born Reckless y Up the River , que es notable por ser la película debut de Spencer Tracy y Humphrey Bogart , quienes fueron contratados por Fox por recomendación de Ford (pero posteriormente abandonaron). Las películas de Ford en 1931 fueron Seas Beneath , The Brat y Arrowsmith ; la última nombrada, adaptada de la novela de Sinclair Lewis y protagonizada por Ronald Colman y Helen Hayes , marcó el primer reconocimiento de Ford a los Premios de la Academia , con cinco nominaciones, incluida la de Mejor Película.

La eficiencia de Ford y su habilidad para crear películas que combinaban ingenio con un fuerte atractivo comercial le granjearon un creciente renombre. En 1940, ya era reconocido como uno de los directores de cine más importantes del mundo. ^{[ cita requerida ]} Su creciente prestigio se reflejó en su remuneración: en 1920, cuando se trasladó a Fox, le pagaban entre 300 y 600 dólares semanales. A medida que su carrera despegaba a mediados de los años veinte, sus ingresos anuales aumentaron significativamente. Ganó casi 134.000 dólares en 1929, y ganó más de 100.000 dólares por año cada año desde 1934 hasta 1941, ganando unos asombrosos 220.068 dólares en 1938 ^[34] —más del doble del salario del presidente de Estados Unidos en ese momento (aunque esto todavía era menos de la mitad de los ingresos de Carole Lombard , la estrella mejor pagada de Hollywood de la década de 1930, que ganaba alrededor de 500.000 dólares por año en ese momento).

Con la producción cinematográfica afectada por la Depresión, Ford hizo dos películas en 1932 y 1933: Air Mail (realizada para Universal) con un joven Ralph Bellamy y Flesh (para MGM) con Wallace Beery . En 1933, regresó a Fox para Pilgrimage y Doctor Bull , la primera de sus tres películas con Will Rogers .

El drama sobre el desierto de la Primera Guerra Mundial The Lost Patrol (1934), basado en el libro Patrol de Philip MacDonald , fue una nueva versión superior de la película muda de 1929 Lost Patrol . Fue protagonizada por Victor McLaglen como El Sargento, el papel interpretado por su hermano Cyril McLaglen en la versión anterior, con Boris Karloff , Wallace Ford , Alan Hale y Reginald Denny (quien luego fundó una compañía que fabricaba aviones objetivo controlados por radio durante la Segunda Guerra Mundial). Fue uno de los primeros grandes éxitos de Ford de la era del sonido: fue calificada tanto por la National Board of Review como por The New York Times como una de las 10 mejores películas de ese año y ganó una nominación al Oscar por su conmovedora banda sonora de Max Steiner . ^[35] Fue seguida más tarde ese año por The World Moves On con Madeleine Carroll y Franchot Tone , y la muy exitosa Judge Priest , su segunda película con Will Rogers, que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año.

La primera película de Ford de 1935 (realizada para Columbia ) fue la comedia de identidad equivocada The Whole Town's Talking con Edward G. Robinson y Jean Arthur , estrenada en el Reino Unido como Passport to Fame , y recibió elogios de la crítica. Steamboat Round The Bend fue su tercera y última película con Will Rogers; es probable que hubieran seguido trabajando juntos, pero su colaboración se vio interrumpida por la prematura muerte de Rogers en un accidente aéreo en mayo de 1935, que devastó a Ford.

Ford confirmó su posición en la cima de los directores estadounidenses con el drama sobre el Ejército Republicano Irlandés, The Informer (1935), con influencia de Murnau y protagonizado por Victor McLaglen. Recibió grandes elogios de la crítica, fue nominada a Mejor Película, le valió a Ford su primer Premio de la Academia al Mejor Director y fue aclamada en su momento como una de las mejores películas jamás realizadas, aunque su reputación ha disminuido considerablemente en comparación con otras contendientes como Ciudadano Kane o la posterior The Searchers (1956) del propio Ford.

La película políticamente cargada El prisionero de la isla del tiburón (1936), que marcó el debut con Ford del veterano actor de la "Stock Company" John Carradine , exploró la historia poco conocida de Samuel Mudd , un médico que se vio envuelto en la conspiración del asesinato de Abraham Lincoln y enviado a una prisión en alta mar por tratar al herido John Wilkes Booth . Otras películas de este período incluyen el melodrama de los mares del sur The Hurricane (1937) y la desenfadada película de Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), cada una de las cuales tuvo una recaudación en Estados Unidos en su primer año de más de un millón de dólares. Durante el rodaje de Wee Willie Winkie , Ford hizo construir decorados elaborados en el Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , un rancho de locaciones filmadas profusamente y estrechamente asociado con seriales y westerns de serie B, que se convertiría, junto con Monument Valley , en uno de los lugares de rodaje preferidos del director, y un sitio al que Ford regresaría en los años siguientes para Stagecoach y Las uvas de la ira .

La versión revisada más larga de Dirigida por John Ford que se mostró en Turner Classic Movies en noviembre de 2006 presenta a los directores Steven Spielberg , Clint Eastwood y Martin Scorsese , quienes sugieren que la serie de películas clásicas que Ford dirigió entre 1936 y 1941 se debió en parte a una intensa relación extramatrimonial de seis meses con Katharine Hepburn , la estrella de María de Escocia (1936), un drama de época isabelino.

La diligencia (1939) fue el primer western de Ford desde Tres hombres malos en 1926, y fue el primero con sonido. Orson Welles afirmó que vio La diligencia cuarenta veces como preparación para hacer Ciudadano Kane . Sigue siendo una de las películas de Hollywood más admiradas e imitadas, sobre todo por su culminante persecución en diligencia y la espeluznante escena del salto del caballo, interpretada por el especialista Yakima Canutt .

El guion de Dudley Nichols y Ben Hecht se basó en una historia de Ernest Haycox que Ford había visto en la revista Collier's y compró los derechos cinematográficos por solo 2500 dólares. El jefe de producción, Walter Wanger, instó a Ford a contratar a Gary Cooper y Marlene Dietrich para los papeles principales, pero finalmente aceptó la decisión de Ford de elegir a Claire Trevor como Dallas y a un virtual desconocido, su amigo John Wayne , como Ringo; Wanger, según se informa, tuvo poca influencia adicional sobre la producción. ^[36]

Al hacer Stagecoach , Ford se enfrentó a los prejuicios arraigados de la industria sobre el género ahora trillado que él había ayudado a hacer tan popular. Aunque los estudios de " Poverty Row " todavía producían en grandes cantidades películas y series western de bajo presupuesto , el género había caído en desgracia entre los grandes estudios durante la década de 1930 y se consideraban películas pulp de clase B en el mejor de los casos. Como resultado, Ford ofreció el proyecto en Hollywood durante casi un año, sin éxito, tanto a Joseph Kennedy como a David O. Selznick antes de finalmente vincularse con Walter Wanger, un productor independiente que trabajaba a través de United Artists .

Stagecoach es importante por varias razones: rompió los prejuicios de la industria al convertirse en un éxito tanto crítico como comercial, recaudando más de un millón de dólares en su primer año (contra un presupuesto de poco menos de 400.000 dólares), y su éxito (junto con los westerns de 1939 Destry Rides Again con James Stewart y Marlene Dietrich , Union Pacific de Cecil B. DeMille con Joel McCrea y Dodge City de Michael Curtiz con Erroll Flynn), revitalizó el moribundo género, mostrando que los westerns podían ser "inteligentes, ingeniosos, un gran entretenimiento y rentables". ^[37] Fue nominada a siete premios Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y ganó dos Óscar, a Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell) y Mejor Banda Sonora. Stagecoach se convirtió en la primera de una serie de siete westerns clásicos de Ford filmados en Monument Valley , ^[38] con material adicional filmado en otro de los lugares de rodaje favoritos de Ford, el Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , donde había filmado gran parte de Wee Willie Winkie dos años antes. Ford combinó hábilmente Iverson y Monument Valley para crear las imágenes icónicas de la película del Oeste americano.

John Wayne tenía buenas razones para estar agradecido por el apoyo de Ford; Stagecoach le proporcionó al actor el gran salto en su carrera que lo elevó al estrellato internacional. Durante más de 35 años, Wayne apareció en 24 películas de Ford y en tres episodios de televisión. A Ford se le atribuye un papel importante en la formación de la imagen cinematográfica de Wayne. La miembro del reparto Louise Platt, en una carta en la que relata la experiencia de la producción de la película, citó a Ford diciendo sobre el futuro de Wayne en el cine: "Será la estrella más grande de la historia porque es el 'hombre común' perfecto". ^[39]

La diligencia marcó el comienzo de la fase más exitosa de la carrera de Ford: en sólo dos años entre 1939 y 1941 creó una serie de películas clásicas que ganaron numerosos premios de la Academia. La siguiente película de Ford, la película biográfica El joven Lincoln (1939) protagonizada por Henry Fonda , tuvo menos éxito que La diligencia , atrayendo poca atención de la crítica y no ganando ningún premio. No fue un gran éxito de taquilla, aunque tuvo una recaudación respetable en el primer año de 750.000 dólares, pero el estudioso de Ford Tag Gallagher la describe como "una obra más profunda y de más múltiples niveles que La diligencia  ... (que) parece en retrospectiva una de las mejores películas de antes de la guerra". ^[40]

Drums Along the Mohawk (1939) fue un suntuoso drama fronterizo coprotagonizado por Henry Fonda, Claudette Colbert y John Carradine; también fue la primera película de Ford en color e incluyó contribuciones de guion no acreditadas de William Faulkner . Fue un gran éxito de taquilla, recaudando $1.25 millones en su primer año en los EE. UU. y valiendo a Edna May Oliver una nominación al Oscar a Mejor Actriz de Reparto por su actuación.

A pesar de su postura humanista y política intransigente, la adaptación cinematográfica de Ford de Las uvas de la ira de John Steinbeck (con guion de Nunnally Johnson y fotografía de Gregg Toland ) fue un gran éxito de taquilla y un gran éxito de crítica, y todavía se la considera una de las mejores películas de Hollywood de la época. El destacado crítico Andrew Sarris la describió como la película que transformó a Ford de "un narrador de historias de la pantalla al poeta laureado cinematográfico de Estados Unidos". ^[41] La tercera película de Ford en un año y su tercera película consecutiva con Fonda, recaudó $1.1 millones en los EE. UU. en su primer año ^[42] y ganó dos premios de la Academia: el segundo Oscar a "Mejor Director" de Ford y el de "Mejor Actriz de Reparto" por la interpretación magistral de Jane Darwell de Ma Joad. Durante la producción, Ford regresó al Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , para filmar una serie de tomas clave, incluida la imagen fundamental que muestra la primera vista completa de la familia migrante de las fértiles tierras de cultivo de California , que estaba representada por el Valle de San Fernando visto desde el Iverson Ranch.

A Las uvas de la ira le siguieron dos películas menos exitosas y menos conocidas. El largo viaje a casa (1940) fue, como La diligencia , realizada con Walter Wanger a través de United Artists. Adaptada de cuatro obras de teatro de Eugene O'Neill , fue escrita por Dudley Nichols y Ford, en consulta con O'Neill. Aunque no fue un éxito de taquilla significativo (recaudó solo $600,000 en su primer año), fue elogiada por la crítica y fue nominada a siete premios Oscar: Mejor Película, Mejor Guion (Nichols), Mejor Música, Banda Sonora Original ( Richard Hageman ), Mejor Fotografía ( Gregg Toland ), Mejor Montaje (Sherman Todd), Mejores Efectos (Ray Binger y RT Layton) y Mejor Sonido ( Robert Parrish ). Era una de las favoritas personales de Ford; fotogramas de la película decoraban su casa y O'Neill también supuestamente amaba la película y la proyectaba periódicamente. ^[43]

Tobacco Road (1941) fue una comedia rural con guion de Nunnally Johnson , adaptada de la versión teatral de larga duración de Jack Kirkland de la novela de Erskine Caldwell . Fue protagonizada por el veterano actor Charley Grapewin y el reparto secundario incluyó a los habituales de Ford Ward Bond y Mae Marsh , con Francis Ford en un pequeño papel no acreditado; también es notable por las apariciones tempranas en pantalla de las futuras estrellas Gene Tierney y Dana Andrews . Aunque no es muy apreciada por algunos críticos (Tag Gallagher le dedica solo un breve párrafo en su libro sobre Ford ^[44] ), fue bastante exitosa en taquilla, recaudando $ 900,000 en su primer año. La película fue prohibida en Australia. ^[45]

El último largometraje de Ford antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue su adaptación cinematográfica de Qué verde era mi valle (1941), protagonizada por Walter Pidgeon , Maureen O'Hara y Roddy McDowall en su papel de Huw, que le dio el impulso a su carrera. El guion fue escrito por Philip Dunne a partir de la novela superventas de Richard Llewellyn . Originalmente se planeó como una epopeya de cuatro horas para rivalizar con Lo que el viento se llevó (solo los derechos de pantalla le costaron a Fox 300.000 dólares) y se iba a filmar en locaciones de Gales, pero esto se abandonó debido al fuerte bombardeo alemán de Gran Bretaña. Una búsqueda de locaciones en el sur de California resultó en que el set para el pueblo se construyera en los terrenos del Crags Country Club (más tarde el rancho Fox, ahora el núcleo del Parque Estatal Malibu Creek). ^[46] Otro factor reportado fue el nerviosismo de los ejecutivos de Fox sobre el tono pro-sindical de la historia. ^{[ cita requerida ]} William Wyler fue contratado originalmente para dirigir, pero abandonó el proyecto cuando Fox decidió filmarlo en California; Ford fue contratado en su lugar y la producción se pospuso durante varios meses hasta que estuvo disponible. El productor Darryl F. Zanuck tuvo una fuerte influencia sobre la película y tomó varias decisiones clave, incluida la idea de que el personaje de Huw narrara la película en voz en off (en aquel entonces un concepto novedoso) y la decisión de que el personaje de Huw no envejeciera ( Tyrone Power originalmente estaba previsto que interpretara al Huw adulto). ^[47]

¡Qué verde era mi valle! se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1941. Fue nominada a diez premios de la Academia, incluyendo Mejor Actriz de Reparto ( Sara Allgood ), Mejor Montaje, Mejor Guion, Mejor Música y Mejor Sonido, y ganó cinco Oscars: Mejor Director, Mejor Película, Mejor Actor de Reparto ( Donald Crisp ), Mejor Fotografía en Blanco y Negro ( Arthur C. Miller ) y Mejor Dirección Artística/Decoración de Interiores. Fue un gran éxito de público, quedando detrás de El Sargento York como la segunda película más taquillera del año en los EE. UU. y recaudando casi $3 millones frente a su considerable presupuesto de $1,250,000. ^[42] Ford también fue nombrado Mejor Director por los Críticos de Cine de Nueva York, y este fue uno de los pocos premios de su carrera que recogió en persona (generalmente evitaba la ceremonia de los Oscar). ^[48]

Durante la Segunda Guerra Mundial , Ford sirvió como jefe de la unidad fotográfica de la Oficina de Servicios Estratégicos y realizó documentales para el Departamento de la Marina. Fue comisionado como comandante en la Reserva de la Marina de los Estados Unidos . Según Searching for John Ford, "Ford y sus hombres se concentraron en gran medida en misiones fotográficas secretas para la OSS". ^[49] En 1961, Ford le dijo a una revista: "Nuestro trabajo era fotografiar tanto para los registros como para nuestra evaluación de inteligencia, el trabajo de guerrilleros, saboteadores, grupos de la Resistencia". ^[49] Ganó dos premios Óscar más durante este tiempo, uno por el semidocumental The Battle of Midway (1942), y otro por la película de propaganda December 7: The Movie (1943). Ford filmó el ataque japonés a Midway desde la planta de energía de Sand Island y fue herido en el brazo izquierdo por una bala de ametralladora . ^{[50] [51] [52]}

Ford también estuvo presente en la playa de Omaha el Día D. Cruzó el Canal de la Mancha en el USS  Plunkett  (DD-431) , que ancló frente a la playa de Omaha a las 06:00. Observó la primera ola aterrizar en la playa desde el barco, desembarcando en la playa él mismo más tarde con un equipo de camarógrafos de la Guardia Costera que filmaron la batalla desde detrás de los obstáculos de la playa, con Ford dirigiendo las operaciones. La película se editó en Londres, pero muy poco se publicó. Ford explicó en una entrevista de 1964 que el gobierno de los EE. UU. tenía "miedo de mostrar tantas bajas estadounidenses en la pantalla", y agregó que toda la película del Día D "todavía existe en color almacenada en Anacostia cerca de Washington, DC" ^[53] Treinta años después, el historiador Stephen E. Ambrose informó que el Centro Eisenhower no había podido encontrar la película. ^[54] En 2014, los Archivos Nacionales de Estados Unidos descubrieron una película que coincide parcialmente con la descripción de Ford. ^[55] Otros investigadores afirman que Ford no desembarcó personalmente en la playa de Omaha el Día D (sino que llegó uno o dos días después) y que las imágenes del Día D de John Ford son, en general, un "cuento chino". ^[56]

Ford llegó a ser asesor principal del jefe de la OSS, William Joseph Donovan . Según los registros publicados en 2008, sus superiores citaron a Ford por su valentía, al tomar la posición de filmar una misión que era "un objetivo obvio y claro". Sobrevivió a un "ataque continuo y resultó herido" mientras continuaba filmando, según una recomendación en su expediente. ^[57] En 1945, Ford realizó declaraciones juradas que testificaban sobre la integridad de las películas tomadas para documentar las condiciones en los campos de concentración nazis. ^[58]

Su última película en tiempos de guerra fue They Were Expendable (MGM, 1945), un relato de la desastrosa derrota de Estados Unidos en Filipinas, contada desde el punto de vista de un escuadrón de lanchas PT y su comandante. Ford creó un papel para Ward Bond , que se recuperaba y necesitaba dinero. Aunque se lo vio durante toda la película, nunca caminó hasta que pusieron un papel en el que le dispararon en la pierna. Durante el resto de la película, pudo usar una muleta en la marcha final. Ford declaró repetidamente que no le gustaba la película y que nunca la había visto, quejándose de que se había visto obligado a hacerla, ^[59] aunque fue fuertemente defendida por el cineasta Lindsay Anderson . ^[60] Estrenada varios meses después del final de la guerra, estuvo entre las 20 principales películas de taquilla del año, aunque Tag Gallagher señala que muchos críticos han afirmado incorrectamente que perdió dinero. ^[61]

Después de la guerra, Ford permaneció como oficial en la Reserva de la Marina de los Estados Unidos . Regresó al servicio activo durante la Guerra de Corea y fue ascendido a contralmirante el día que dejó el servicio.

Ford dirigió dieciséis largometrajes y varios documentales en la década entre 1946 y 1956. Al igual que en su carrera anterior a la guerra, sus películas alternaron entre fracasos de taquilla (relativos) y grandes éxitos, pero la mayoría de sus películas posteriores obtuvieron ganancias sólidas, y Fort Apache , The Quiet Man , Mogambo y The Searchers se ubicaron entre los 20 mejores éxitos de taquilla de sus respectivos años. ^[62]

La primera película de posguerra de Ford, My Darling Clementine (Fox, 1946), fue una versión romantizada de la leyenda primigenia del Oeste de Wyatt Earp y el tiroteo en el OK Corral , con secuencias exteriores filmadas en el espectacular (pero geográficamente inapropiado) Monument Valley . Reunió a Ford con Henry Fonda (como Earp) y coprotagonizó a Victor Mature en uno de sus mejores papeles como el tísico y amante de Shakespeare Doc Holliday , con Ward Bond y Tim Holt como los hermanos Earp, Linda Darnell como la sensual chica de salón Chihuahua, una sólida actuación de Walter Brennan (en un raro papel de villano) como el venenoso Viejo Clanton, con Jane Darwell y una aparición temprana en la pantalla de John Ireland como Billy Clanton. A diferencia de la serie de éxitos de 1939-1941, no ganó ningún premio estadounidense importante, aunque recibió una cinta de plata como Mejor Película Extranjera en 1948 por parte del Sindicato Nacional de Periodistas de Cine de Italia, y fue un sólido éxito financiero, recaudando 2,75 millones de dólares en los Estados Unidos y 1,75 millones a nivel internacional en su primer año de estreno. ^[42]

Al rechazar un lucrativo contrato ofrecido por Zanuck en 20th Century Fox que le habría garantizado 600.000 dólares al año, ^[63] Ford se lanzó como director-productor independiente e hizo muchas de sus películas en este período con Argosy Pictures Corporation, que era una sociedad entre Ford y su viejo amigo y colega Merian C. Cooper . Ford y Cooper habían estado involucrados previamente con la distinta Argosy Corporation, que se estableció después del éxito de Stagecoach (1939); Argosy Corporation produjo una película, The Long Voyage Home (1940), antes de que interviniera la Segunda Guerra Mundial. ^{[64] [65]} El fugitivo (1947), nuevamente protagonizada por Fonda, fue el primer proyecto de Argosy Pictures. Fue una adaptación libre de El poder y la gloria de Graham Greene , que Ford originalmente tenía la intención de hacer en Fox antes de la guerra, con Thomas Mitchell como el sacerdote. Filmada en locaciones en México, fue fotografiada por el distinguido director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa (quien luego trabajó con Luis Buñuel ). El elenco de reparto incluyó a Dolores del Río , J. Carrol Naish , Ward Bond , Leo Carrillo y Mel Ferrer (haciendo su debut en la pantalla) y un elenco de extras principalmente mexicanos. Según se informa, Ford consideró que esta era su mejor película ^[66] pero le fue relativamente mal en comparación con su predecesora, recaudando solo $ 750,000 en su primer año. También causó una ruptura entre Ford y el guionista Dudley Nichols que provocó el final de su exitosa colaboración. ^[67] El propio Greene tenía una aversión particular por esta adaptación de su obra. ^[67]

Fort Apache (Argosy/RKO, 1948) fue la primera parte de la llamada "Trilogía de la Caballería" de Ford, todas ellas basadas en historias de James Warner Bellah . Incluía a muchos de los actores de su "Compañía de Valores", entre ellos John Wayne, Henry Fonda, Ward Bond, Victor McLaglen, Mae Marsh, Francis Ford (como camarero), Frank Baker, Ben Johnson y también contaba con Shirley Temple , en su última aparición para Ford y una de sus últimas apariciones en cine. También marcó el inicio de la larga asociación entre Ford y el guionista Frank S. Nugent , un ex crítico de cine del New York Times que (como Dudley Nichols) no había escrito un guion de película hasta que fue contratado por Ford. ^[68] Fue un gran éxito comercial, recaudando casi 5 millones de dólares en todo el mundo en su primer año y situándose entre los 20 éxitos de taquilla más importantes de 1948. ^[42]

Durante ese año, Ford también ayudó a su amigo y colega Howard Hawks , que estaba teniendo problemas con su película actual Red River (protagonizada por John Wayne) y, según se informa, Ford hizo numerosas sugerencias de edición, incluido el uso de un narrador. ^[69] A Fort Apache le siguió otro western, 3 Godfathers , una nueva versión de una película muda de 1916 protagonizada por Harry Carey (a quien estaba dedicada la versión de Ford), que Ford ya había rehecho él mismo en 1919 como Marked Men , también con Carey y pensó que se habían perdido. Fue protagonizada por John Wayne, Pedro Armendáriz y Harry "Dobe" Carey Jr (en uno de sus primeros papeles importantes) como tres forajidos que rescatan a un bebé después de que su madre ( Mildred Natwick ) muere al dar a luz, con Ward Bond como el sheriff que los persigue. ^{[70] [71]} El tema recurrente del sacrificio también se puede encontrar en The Outcasts of Poker Flat , Los tres padrinos , The Wallop , Desperate Trails , Hearts of Oak , Bad Men y Men without Women . ^[72]

En 1949, Ford regresó brevemente a Fox para dirigir Pinky . Preparó el proyecto pero trabajó solo un día antes de enfermarse, supuestamente de herpes zóster , y Elia Kazan lo reemplazó (aunque Tag Gallagher sugiere que la enfermedad de Ford fue un pretexto para abandonar la película, lo que a Ford no le gustó. ^[73]

Su única película completada de ese año fue la segunda entrega de su Trilogía de Caballería, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy/RKO, 1949), protagonizada por John Wayne y Joanne Dru , con Victor McLaglen, John Agar , Ben Johnson , Mildred Natwick y Harry Carey Jr. Filmada nuevamente en locaciones en Monument Valley, fue ampliamente aclamada por su impresionante cinematografía en Technicolor (incluida la famosa escena de caballería filmada frente a una tormenta que se aproxima); le valió a Winton Hoch el Premio de la Academia de 1950 a la Mejor Cinematografía en Color e hizo un gran negocio en su primer estreno, recaudando más de $5 millones en todo el mundo. John Wayne, que entonces tenía 41 años, también recibió amplios elogios por su papel como el capitán Nathan Brittles, de 60 años.

La primera película de Ford en 1950 fue la comedia militar poco convencional When Willie Comes Marching Home , protagonizada por Dan Dailey y Corinne Calvet , con William Demarest , de la compañía de valores de Preston Sturges , y apariciones tempranas (sin acreditar) en pantalla de Alan Hale Jr. y Vera Miles . Fue seguida por Wagon Master , protagonizada por Ben Johnson y Harry Carey Jr, que es particularmente notable como la única película de Ford desde 1930 que él mismo escribió. Posteriormente fue adaptada a la serie de televisión de larga duración Wagon Train (con Ward Bond repitiendo el papel principal hasta su repentina muerte en 1960). Aunque tuvo un éxito mucho menor que la mayoría de sus otras películas en este período, Ford citó a Wagon Master como su favorita personal de todas sus películas, diciéndole a Peter Bogdanovich que "se acercó más a lo que esperaba lograr". ^[74]

Río Grande (Republic, 1950), la tercera parte de la 'Trilogía de la Caballería', fue coprotagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara , con el hijo de Wayne, Patrick Wayne, haciendo su debut en la pantalla (apareció en varias películas posteriores de Ford, incluyendo The Searchers ). Se realizó por insistencia de Republic Pictures , que exigía un western rentable como condición para respaldar el siguiente proyecto de Ford, The Quiet Man . Un testimonio de la legendaria eficiencia de Ford, Río Grande se rodó en solo 32 días, con solo 352 tomas de 335 configuraciones de cámara, y fue un éxito rotundo, recaudando 2,25 millones de dólares en su primer año.

La ansiedad de Republic se borró con el rotundo éxito de The Quiet Man (Republic, 1952), un proyecto personal que Ford había querido hacer desde la década de 1930 (y casi lo hizo en 1937 con una cooperativa independiente llamada Renowned Artists Company). Se convirtió en su película más taquillera hasta la fecha, recaudando casi $ 4 millones solo en los EE. UU. en su primer año y clasificándose entre las 10 películas más taquilleras de su año. Fue nominada a siete premios de la Academia y le valió a Ford su cuarto Oscar al Mejor Director, así como un segundo Oscar a la Mejor Fotografía para Winton Hoch . Fue seguida por What Price Glory? (1952), un drama de la Primera Guerra Mundial, la primera de dos películas que Ford hizo con James Cagney ( Mister Roberts fue la otra) que también tuvo buenos resultados en taquilla ($ 2 millones).

The Sun Shines Bright (1953), la primera película de Ford en el Festival de Cine de Cannes , fue una comedia dramática western en la que Charles Winninger revivió el papel del juez Priest que Will Rogers hizo famoso en la década de 1930. Ford se refirió más tarde a ella como una de sus favoritas, pero tuvo una mala recepción y Republic la redujo drásticamente (de 90 minutos a 65 minutos) poco después de su estreno, y algunas escenas eliminadas ahora se presumen perdidas. Tuvo un mal desempeño en taquilla y su fracaso contribuyó al posterior colapso de Argosy Pictures.

La siguiente película de Ford fue la película de aventuras románticas Mogambo (MGM, 1953), una nueva versión de la célebre película de 1932 Red Dust . Filmada en locaciones de África, fue fotografiada por el director de fotografía británico Freddie Young y protagonizada por el viejo amigo de Ford, Clark Gable , con Ava Gardner , Grace Kelly (quien reemplazó a un Gene Tierney enfermo ) y Donald Sinden . Aunque la producción fue difícil (exacerbada por la irritante presencia del entonces esposo de Gardner, Frank Sinatra ), Mogambo se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Ford, con la recaudación nacional más alta en el primer año de cualquiera de sus películas ($5.2 millones); también revitalizó la menguante carrera de Gable y le valió nominaciones al Oscar a Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto para Gardner y Kelly (que se rumoreaba que había tenido un breve romance con Gable durante el rodaje de la película).

En 1955, Ford hizo el drama menos conocido de West Point The Long Gray Line para Columbia Pictures, la primera de las dos películas de Ford en las que aparecía Tyrone Power , que originalmente había sido programado para protagonizar el papel del adulto Huw en How Green Was My Valley en 1941. Más tarde, en 1955, Ford fue contratado por Warner Bros para dirigir la comedia naval Mister Roberts , protagonizada por Henry Fonda , Jack Lemmon , William Powell y James Cagney , pero hubo un conflicto entre Ford y Fonda, que había estado interpretando el papel principal en Broadway durante los últimos siete años y tenía dudas sobre la dirección de Ford. Durante una reunión a tres bandas con el productor Leland Hayward para tratar de resolver los problemas, Ford se enfureció y golpeó a Fonda en la mandíbula, tirándolo al otro lado de la habitación, una acción que creó una ruptura duradera entre ellos. ^{[ cita requerida ]} Después del incidente, Ford se volvió cada vez más malhumorado, bebió mucho y finalmente se retiró a su yate, el Araner , y se negó a comer o ver a nadie. La producción se detuvo durante cinco días y Ford se recuperó, pero poco después sufrió una ruptura de vesícula biliar, lo que requirió una cirugía de emergencia y fue reemplazado por Mervyn LeRoy .

Ford también hizo sus primeras incursiones en la televisión en 1955, dirigiendo dos dramas de media hora para la televisión en cadena. En el verano de 1955 hizo Rookie of the Year (Hal Roach Studios) para la serie de televisión Studio Directors Playhouse ; con guión de Frank S. Nugent, contó con los habituales de Ford John y Pat Wayne, Vera Miles y Ward Bond, con el propio Ford apareciendo en la introducción. En noviembre hizo The Bamboo Cross (Lewman Ltd-Revue, 1955) para la serie Fireside Theater ; protagonizó Jane Wyman con un elenco asiático-americano y los veteranos de la Stock Company Frank Baker y Pat O'Malley en papeles menores.

Ford regresó a la gran pantalla con The Searchers (Warner Bros, 1956), el único western que dirigió entre 1950 y 1959, que ahora es ampliamente considerado no solo como una de sus mejores películas, sino también por muchos como uno de los mejores westerns, y una de las mejores actuaciones de la carrera de John Wayne. Ambientada en Texas en 1868, pero filmada en el Monument Valley de Utah-Arizona, cuenta la historia del amargado veterano de la Guerra Civil Ethan Edwards, que pasa años rastreando a su sobrina, secuestrada por comanches cuando era niña. El elenco de reparto incluía a Jeffrey Hunter , Ward Bond , Vera Miles y la estrella en ascenso Natalie Wood . Fue la primera película de Hunter para Ford. Tuvo mucho éxito en su primer estreno y se convirtió en una de las 20 mejores películas del año, recaudando $ 4,45 millones, aunque no recibió nominaciones al Oscar . Sin embargo, su reputación ha crecido mucho en los años intermedios: fue nombrado el mejor western de todos los tiempos por el American Film Institute en 2008 y también se ubicó en el puesto 12 en la lista de 2007 del instituto de las 100 mejores películas de todos los tiempos. ^[75] The Searchers ha ejercido una amplia influencia en el cine y la cultura popular: ha inspirado (y ha sido citada directamente por) muchos cineastas, incluidos David Lean y George Lucas , la frase del personaje de Wayne "That'll be the day" inspiró a los tejanos Buddy Holly y su baterista Jerry Allison a escribir su famosa canción de éxito del mismo nombre, y el grupo pop británico The Searchers también tomó su nombre de la película.

The Searchers estuvo acompañada por uno de los primeros documentales de "making of", un programa promocional de cuatro partes creado para el segmento "Behind the Camera" del programa de televisión semanal Warner Bros. Presents (la primera incursión del estudio en la televisión) que se emitió en la cadena ABC en 1955-56. Presentado por Gig Young , los cuatro segmentos incluyeron entrevistas con Jeffrey Hunter y Natalie Wood y material detrás de escena filmado durante la realización de la película.

The Wings of Eagles (MGM, 1957) fue una biografía ficticia del viejo amigo de Ford, el aviador convertido en guionista Frank "Spig" Wead , que había escrito varios de los primeros guiones de películas sonoras de Ford. Fue protagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara , con Ward Bond como John Dodge (un personaje basado en el propio Ford). Fue seguida por una de las películas menos conocidas de Ford, The Growler Story , un documental dramatizado de 29 minutos sobre el USS Growler . Realizado para la Marina de los EE. UU. y filmado por el Grupo de Cámara de Combate del Comando de la Flota del Pacífico, presentó a Ward Bond y Ken Curtis junto con personal real de la Marina y sus familias.

Las dos siguientes películas de Ford se distinguen un poco del resto de sus películas en términos de producción, y es notable que no haya cobrado ningún salario por ninguno de los dos trabajos. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) fue una película "ómnibus" de tres partes filmada en Irlanda y basada en cuentos cortos irlandeses. Fue realizada por Four Province Productions, una compañía fundada por el magnate irlandés Lord Killanin , que recientemente se había convertido en presidente del Comité Olímpico Internacional , y con quien Ford era pariente lejano. Killanin también fue el productor real (pero no acreditado) de The Quiet Man . ^{[ cita requerida ]} La película no recuperó sus costos, ganando menos de la mitad ($100,000) de su costo negativo de poco más de $256,000 y provocó cierta controversia en Irlanda.

Las dos películas de Ford de 1958 fueron realizadas para Columbia Pictures y ambas se desviaron significativamente de la norma de Ford. Gideon's Day (titulada Gideon of Scotland Yard en los EE. UU.) fue adaptada de la novela del escritor británico John Creasey . Es la única película de género policial de Ford, y una de las pocas películas de Ford ambientadas en la actualidad de la década de 1950. Se rodó en Inglaterra con un elenco británico encabezado por Jack Hawkins , a quien Ford (inusualmente) elogió como "el mejor actor dramático con el que he trabajado". ^[76] Fue mal promocionada por Columbia, que solo la distribuyó en blanco y negro, aunque se rodó en color, ^[76] y tampoco logró obtener ganancias en su primer año, ganando solo $ 400,000 contra su presupuesto de $ 453,000.

The Last Hurrah (Columbia, 1958), ambientada nuevamente en la actualidad de los años 50, fue protagonizada por Spencer Tracy , quien había hecho su primera aparición cinematográfica en Up the River de Ford en 1930. Tracy interpreta a un político envejecido que lucha en su última campaña, con Jeffrey Hunter como su sobrino. Katharine Hepburn supuestamente facilitó un acercamiento entre los dos hombres, poniendo fin a una disputa de larga data, y convenció a Tracy para que aceptara el papel principal, que originalmente se le había ofrecido a Orson Welles (pero que el agente de Welles rechazó sin su conocimiento, para su disgusto). Tuvo un éxito considerablemente mejor que cualquiera de las dos películas anteriores de Ford, recaudando $950,000 en su primer año ^[77] aunque la miembro del elenco Anna Lee declaró que Ford estaba "decepcionado con la película" y que Columbia no le había permitido supervisar la edición.

Corea: campo de batalla por la libertad (1959), el segundo documental de Ford sobre la Guerra de Corea , fue realizado para el Departamento de Defensa de los EE. UU. como una película de orientación para los soldados estadounidenses estacionados allí.

A esta película le siguió su último largometraje de la década, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), una historia de la Guerra Civil muy ficticia protagonizada por John Wayne, William Holden y Constance Towers . Aunque Ford manifestó su descontento con el proyecto, fue un éxito comercial, debutando en el puesto número 1 y clasificándose entre los 20 éxitos de taquilla más importantes del año, recaudando 3,6 millones de dólares en su primer año y ganándole a Ford su honorario más alto: 375.000 dólares, más el 10% de los ingresos brutos. ^[77] Según se informa, la producción fue difícil para el director y el elenco, e incurrió en sobrecostes significativos, exacerbados por los salarios sin precedentes otorgados a Holden y Wayne (750.000 dólares, más el 20% de las ganancias generales, cada uno). Reflejando las tensiones en pantalla entre los personajes de Wayne y Holden, los dos actores discutían constantemente; Wayne también luchaba por ayudar a su esposa Pilar a superar una adicción a los barbitúricos, que llegó a su clímax con su intento de suicidio mientras la pareja se encontraba en un rodaje en Luisiana. Los problemas de Ford llegaron a su punto álgido con la trágica muerte del especialista Fred Kennedy, que sufrió una fractura de cuello fatal mientras ejecutaba una caída de caballo durante la secuencia culminante de la batalla. Ford quedó devastado por el accidente y perdió el interés en la película, trasladando la producción de nuevo a Hollywood. También descartó el final planeado, que mostraba la entrada triunfal de Marlowe en Baton Rouge, y en su lugar concluyó la película con la despedida de Marlowe a Hannah Hunter y el cruce y demolición del puente.

En sus últimos años, Ford sufrió un deterioro de la salud, en gran medida como resultado de décadas de consumo excesivo de alcohol y tabaco, y agravado por las heridas que sufrió durante la Batalla de Midway. Su visión, en particular, comenzó a deteriorarse rápidamente y en un momento dado perdió la vista por completo durante un breve período; su prodigiosa memoria también comenzó a fallar, lo que le obligó a depender cada vez más de asistentes. Su trabajo también se vio limitado por el nuevo régimen en Hollywood, y le resultó difícil realizar muchos proyectos. En la década de 1960, ya lo habían encasillado como director de películas del Oeste y se quejaba de que ahora le resultaba casi imposible obtener apoyo para proyectos de otros géneros.

Sergeant Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) fue la última película de caballería de Ford. Ambientada en la década de 1880, cuenta la historia de un soldado de caballería afroamericano (interpretado por Woody Strode ) que es acusado injustamente de violar y asesinar a una niña blanca. Warners la comercializó erróneamente como una película de suspenso y no fue un éxito comercial. Durante 1960, Ford hizo su tercera producción televisiva, The Colter Craven Story , un episodio de una hora del programa de televisión de la cadena Wagon Train , que incluía imágenes del Wagon Master de Ford (en el que se basó la serie). También visitó el set de El Álamo , producida, dirigida y protagonizada por John Wayne, donde su interferencia hizo que Wayne lo enviara a filmar escenas de la segunda unidad que nunca se usaron (ni se pretendía que se usaran) en la película. ^[78]

Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) fue coprotagonizada por James Stewart y Richard Widmark , con Shirley Jones y los habituales de Stock Company Andy Devine , Henry Brandon , Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh y Frank Baker, con una temprana aparición en pantalla de Linda Cristal , quien luego protagonizó la serie de televisión Western The High Chaparral . Fue un éxito comercial justo, recaudando $1.6 millones en su primer año.

El hombre que mató a Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) se cita con frecuencia como la última gran película de la carrera de Ford. Protagonizada por John Wayne y James Stewart , el reparto secundario incluye a la protagonista femenina Vera Miles , Edmond O'Brien como un editor de periódico locuaz, Andy Devine como el inepto alguacil Appleyard, Denver Pyle , John Carradine y Lee Marvin en un papel importante como el brutal Valance, con Lee Van Cleef y Strother Martin como sus secuaces. También es notable por ser la película en la que Wayne usó con más frecuencia su frase característica "Pilgrim" (su apodo para el personaje de James Stewart). La película tuvo mucho éxito y recaudó más de 3 millones de dólares en su primer año, aunque el reparto principal puso a prueba la credibilidad: se podía suponer que los personajes interpretados por Stewart (que entonces tenía 53 años) y Wayne (que entonces tenía 54) tenían poco más de 20 años dadas las circunstancias, y Ford, según se dice, consideró contratar a un actor más joven para el papel de Stewart, pero temía que eso resaltara la edad de Wayne. Aunque a menudo se afirma que las limitaciones presupuestarias obligaron a rodar la mayor parte de la película en platós de Paramount, los registros contables del estudio muestran que esto era parte del concepto artístico original de la película, según el biógrafo de Ford, Joseph McBride. Según Lee Marvin en una entrevista filmada, Ford había luchado mucho para rodar la película en blanco y negro para acentuar su uso de las sombras. Aun así, fue una de las películas más caras de Ford, con 3,2 millones de dólares.

Después de completar Liberty Valance , Ford fue contratado para dirigir la sección de la Guerra Civil de la épica de MGM La conquista del Oeste , la primera película no documental en utilizar el proceso de pantalla ancha Cinerama . El segmento de Ford contó con George Peppard , con Andy Devine , Russ Tamblyn , Harry Morgan como Ulysses S. Grant y John Wayne como William Tecumseh Sherman . Wayne ya había interpretado a Sherman en un episodio de 1960 de la serie de televisión Wagon Train que Ford dirigió en apoyo de la estrella de la serie Ward Bond , " The Coulter Craven Story ", para la que trajo a la mayor parte de su compañía de valores. También en 1962, Ford dirigió su cuarta y última producción televisiva, Flashing Spikes, una historia de béisbol realizada para la serie Alcoa Premiere y protagonizada por James Stewart, Jack Warden , Patrick Wayne y Tige Andrews , con Harry Carey Jr. y una larga aparición sorpresa de John Wayne, facturado en los créditos como "Michael Morris", como también lo había sido para el episodio de Wagon Train dirigido por Ford.

Donovan's Reef (Paramount, 1963) fue la última película de Ford con John Wayne. Filmada en la isla hawaiana de Kauai (que hacía las veces de isla ficticia en la Polinesia Francesa ), era una obra moral disfrazada de comedia de acción, que abordaba de manera sutil pero aguda cuestiones de intolerancia racial, connivencia corporativa, avaricia y creencias estadounidenses de superioridad social. El reparto secundario incluía a Lee Marvin , Elizabeth Allen , Jack Warden , Dorothy Lamour y Cesar Romero . También fue el último éxito comercial de Ford, recaudando 3,3 millones de dólares frente a un presupuesto de 2,6 millones.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) fue la épica despedida de Ford al Oeste, que declaró públicamente como una elegía a los nativos americanos. Fue su último western, su película más larga y la más cara de su carrera (4,2 millones de dólares), pero no logró recuperar sus costos en taquilla y perdió alrededor de un millón de dólares en su primer estreno. El elenco estelar estaba encabezado por Richard Widmark , con Carroll Baker , Karl Malden , Dolores del Río , Ricardo Montalbán , Gilbert Roland , Sal Mineo , James Stewart como Wyatt Earp, Arthur Kennedy como Doc Holliday, Edward G. Robinson , Patrick Wayne , Elizabeth Allen , Mike Mazurki y muchos de los fieles de la Compañía Stock de Ford, incluidos John Carradine , Ken Curtis , Willis Bouchey , James Flavin , Danny Borzage, Harry Carey Jr. , Chuck Hayward , Ben Johnson , Mae Marsh y Denver Pyle . William Clothier fue nominado al Oscar a Mejor Fotografía y Gilbert Roland fue nominado al Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del anciano cheyenne Dull Knife .

En 1965, Ford comenzó a trabajar en Young Cassidy (MGM), un drama biográfico basado en la vida del dramaturgo irlandés Seán O'Casey , pero enfermó al principio de la producción y fue reemplazado por Jack Cardiff .

El último largometraje de Ford que terminó fue 7 Women (MGM, 1966), un drama ambientado en 1935, sobre mujeres misioneras en China que intentan protegerse de los avances de un bárbaro señor de la guerra mongol. Anne Bancroft asumió el papel principal de Patricia Neal , quien sufrió un derrame cerebral casi fatal dos días después de comenzar el rodaje. El elenco de reparto incluía a Margaret Leighton , Flora Robson , Sue Lyon , Mildred Dunnock , Anna Lee , Eddie Albert , Mike Mazurki y Woody Strode , con música de Elmer Bernstein . Desafortunadamente, fue un fracaso comercial, recaudando solo la mitad de su presupuesto de $ 2.3 millones. Inusual para Ford, se filmó en continuidad por el bien de las actuaciones y, por lo tanto, expuso aproximadamente cuatro veces más película de lo que solía filmar. Anna Lee recordó que Ford fue "absolutamente encantador" con todos y que el único gran estallido se produjo cuando Flora Robson se quejó de que el cartel en la puerta de su camerino no incluía su título ("Dama") y, como resultado, Robson fue "absolutamente destrozada" por Ford frente al elenco y el equipo.

El siguiente proyecto de Ford, The Miracle of Merriford , fue cancelado por MGM menos de una semana antes de que comenzara el rodaje. Su último trabajo completado fue Chesty: A Tribute to a Legend , un documental sobre el marine estadounidense más condecorado, el general Lewis B. Puller , con narración de John Wayne, que se realizó en 1970 pero no se estrenó hasta 1976, tres años después de la muerte de Ford.

La salud de Ford se deterioró rápidamente a principios de la década de 1970; sufrió una fractura de cadera en 1970 que lo dejó en silla de ruedas. Tuvo que mudarse de su casa de Bel Air a una casa de un solo nivel en Palm Desert, California , cerca del Centro Médico Eisenhower , donde estaba siendo tratado por cáncer de estómago. El Screen Directors Guild organizó un homenaje a Ford en octubre de 1972, y en marzo de 1973 el American Film Institute lo honró con su primer premio a la trayectoria en una ceremonia que se transmitió por televisión a todo el país, con el presidente Richard Nixon promoviendo a Ford a almirante y entregándole la Medalla Presidencial de la Libertad .

Según John Wayne , socio y amigo de Ford desde hacía mucho tiempo , Ford podría haber seguido dirigiendo películas. En 1976, le dijo a Roger Ebert :

Hasta los últimos años de su vida... Pappy podría haber dirigido otra película, y una muy buena. Pero decían que Pappy era demasiado viejo. ¡Diablos! Nunca fue demasiado viejo. En Hollywood hoy en día, no apoyan a un tipo. Prefieren convertirlo en una maldita leyenda y acabar con él. ^[79]

Ford murió el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert ^[9] y su funeral se celebró el 5 de septiembre en la Iglesia del Santísimo Sacramento de Hollywood. Fue enterrado en el cementerio Holy Cross de Culver City, California . ^[80]

Ford era famoso por su personalidad distintiva y enérgica, y por sus muchas idiosincrasias y excentricidades. Desde principios de los años treinta en adelante, siempre llevaba gafas oscuras y un parche sobre el ojo izquierdo, que sólo era en parte para proteger su mala vista. Era un fumador empedernido de pipa y mientras rodaba masticaba un pañuelo de lino; cada mañana su mujer le daba una docena de pañuelos nuevos, pero al final de un día de rodaje las esquinas de todos ellos estaban masticadas hasta quedar hechas trizas. Siempre tenía música puesta en el plató y rutinariamente hacía una pausa para tomar el té ( Earl Grey ) a media tarde todos los días durante el rodaje. Desaconsejaba la charla y no le gustaba decir palabrotas en el plató; su uso, especialmente delante de una mujer, normalmente daba como resultado que el infractor fuera expulsado de la producción. Bebía muy pocas veces durante el rodaje de una película, pero cuando terminaba una producción solía encerrarse en su estudio, envuelto sólo en una sábana, y se daba una borrachera solitaria durante varios días, seguida de un arrepentimiento rutinario y un voto de no volver a beber nunca más. Era extremadamente sensible a las críticas y siempre le enojaba especialmente cualquier comparación entre su trabajo y el de su hermano mayor Francis. Rara vez asistía a estrenos o ceremonias de premios, aunque sus Oscars y otros premios se exhibían con orgullo en la repisa de la chimenea de su casa.

Hubo rumores ocasionales sobre sus preferencias sexuales, ^[81] y en su autobiografía de 2004 'Tis Herself' , Maureen O'Hara recordó haber visto a Ford besando a un famoso actor masculino (a quien no nombró) en su oficina en Columbia Studios. ^[82]

Era un tipo desordenado y su estudio siempre estaba lleno de libros, papeles y ropa. Compró un Rolls-Royce flamante en los años treinta, pero nunca lo conducía porque su mujer, Mary, no le dejaba fumar en él. Su propio coche, un Ford Roadster destartalado, estaba tan destartalado y desordenado que una vez llegó tarde a una reunión en el estudio porque el guardia de la puerta del estudio no creía que el verdadero John Ford pudiera conducir un coche así y se negó a dejarle entrar.

Ford sentía antipatía por los ejecutivos de los estudios. En una de sus primeras películas para Fox, se dice que ordenó a un guardia que mantuviera al jefe del estudio Darryl F. Zanuck fuera del plató, y en otra ocasión, llevó a un ejecutivo frente al equipo, lo puso de perfil y anunció: "Este es un productor asociado; mírenlo bien, porque no lo verán en esta película nuevamente". Mientras filmaban Río Grande en 1950, el productor Herbert Yates y el ejecutivo de Republic Rudy Ralston visitaron el lugar y cuando Yates señaló la hora (eran las 10 a. m.) y preguntó a qué hora pensaba Ford comenzar a filmar, Ford gritó: "¡En cuanto salgas de mi set!". Durante la cena, se dice que Ford reclutó al miembro del elenco Alberto Morin para que se hiciera pasar por un camarero francés inepto, quien procedió a derramar sopa sobre ellos, romper platos y causar un caos general, pero los dos ejecutivos aparentemente no se dieron cuenta de que eran víctimas de una de las bromas de Ford.

Disfrutaba mucho de pasar tiempo en su yate, Araner , que compró en 1934 y en el que gastó cientos de miles de dólares en reparaciones y mejoras a lo largo de los años; se convirtió en su principal refugio entre películas y en un lugar de encuentro para su círculo de amigos cercanos, entre ellos John Wayne y Ward Bond.

Ford era muy inteligente, erudito, sensible y sentimental, pero para protegerse en la atmósfera despiadada de Hollywood cultivó la imagen de un "hijo de puta irlandés duro, de dos puños y bebedor empedernido". ^[81] Un famoso suceso, presenciado por el amigo de Ford, el actor Frank Baker, ilustra de forma sorprendente la tensión entre la personalidad pública y la privada. Durante la Depresión, Ford —por entonces un hombre muy rico— fue abordado fuera de su oficina por un ex actor de Universal que estaba indigente y necesitaba 200 dólares para una operación para su esposa. Mientras el hombre contaba sus desgracias, Ford pareció enfurecerse y luego, para horror de los espectadores, se abalanzó sobre el hombre, lo tiró al suelo y gritó: "¿Cómo te atreves a venir aquí así? ¿Quién te crees que eres para hablarme de esta manera?" antes de salir furioso de la habitación. Sin embargo, cuando el anciano, consternado, salió del edificio, Frank Baker vio que el gerente comercial de Ford, Fred Totman, lo esperaba en la puerta, le entregó un cheque por 1.000 dólares y le ordenó al chofer de Ford que lo llevara a casa. Allí, una ambulancia lo esperaba para llevar a la esposa del hombre al hospital, donde un especialista, que llegó en avión desde San Francisco a expensas de Ford, realizó la operación. Algún tiempo después, Ford compró una casa para la pareja y les dio una pensión de por vida. Cuando Baker le contó la historia a Francis Ford, declaró que el incidente ilustraba muy bien la personalidad de su hermano:

En cualquier momento, si ese viejo actor hubiera seguido hablando, la gente se habría dado cuenta de lo blando que es Jack. No habría podido soportar esa triste historia sin derrumbarse. Ha construido toda una leyenda de dureza a su alrededor para proteger su blandura. ^[83]

En el libro Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero de Nancy Schoenberger, la autora disecciona el impacto cultural de la masculinidad retratada en las películas de Ford. En una entrevista con Portland Magazine , Schoenberger afirma: "En cuanto a Ford y Wayne "modificando las convenciones de lo que es un 'hombre' hoy en día", creo que Ford, habiendo crecido con hermanos a los que idolatraba, en un mundo rudo de boxeadores, bebedores y peones, encontró su tema más profundo en la camaradería masculina, especialmente en el ejército, uno de los pocos lugares donde los hombres pueden expresar su amor por otros hombres. Pero le preocupaba que los hombres actuaran heroicamente, por lo que el tipo más macho no siempre era el más heroico. McLaglen a menudo presentaba el lado cómico de la masculinidad tempestuosa. Ford sacó a relucir la ternura de Wayne, así como su dureza, especialmente en Stagecoach ". ^[84]

Ford tenía muchas señas de identidad estilísticas distintivas y una serie de preocupaciones temáticas y motivos visuales y auditivos que se repiten a lo largo de su trabajo como director. El periodista de cine Ephraim Katz resumió algunas de las características principales de la obra de Ford en su entrada de la Enciclopedia de Cine Collins :

De todos los directores norteamericanos, Ford probablemente fue el que tuvo la visión personal más clara y el estilo visual más coherente. Sus ideas y sus personajes son, como muchas cosas etiquetadas como "norteamericanas", engañosamente simples. Sus héroes... pueden parecer simplemente solitarios, ajenos a la sociedad establecida, que generalmente hablan a través de acciones más que de palabras. Pero su conflicto con la sociedad encarna temas más amplios de la experiencia norteamericana.

Las películas de Ford, en particular los westerns, expresan una profunda sensibilidad estética por el pasado americano y el espíritu de la frontera... sus composiciones tienen una fuerza clásica en la que se yuxtaponen de forma hermosa masas de gente y su entorno natural, a menudo en planos generales impresionantes. El movimiento de hombres y caballos en sus westerns rara vez ha sido superado en cuanto a serenidad majestuosa y poder evocador. La banda sonora, a menudo variaciones sobre temas folclóricos, desempeña un papel más importante que el diálogo en muchas películas de Ford.

Ford también defendió el valor y la fuerza del grupo, como se evidencia en sus muchos dramas militares... [él] expresó un sentimiento similar de camaradería a través de su uso repetido de ciertos actores en los papeles principales y secundarios... también sintió una lealtad a los lugares... ^[85]

A diferencia de su contemporáneo Alfred Hitchcock , Ford nunca utilizó guiones gráficos, componiendo sus imágenes completamente en su cabeza, sin ningún esquema escrito o gráfico de las tomas que usaría. ^[86] El desarrollo del guion podía ser intenso pero, una vez aprobado, sus guiones rara vez se reescribían; también fue uno de los primeros cineastas en alentar a sus escritores y actores a preparar una historia completa de sus personajes. Odiaba las escenas expositivas largas y era famoso por arrancar páginas de un guion para cortar el diálogo. Durante la realización de Mogambo , cuando el productor de la película, Sam Zimbalist, lo desafió por retrasarse tres días con respecto al cronograma, Ford respondió arrancando tres páginas del guion y declarando "Estamos a tiempo" y, de hecho, nunca filmó esas páginas. ^[87] Mientras hacía Drums Along the Mohawk , Ford eludió hábilmente el desafío de filmar una escena de batalla grande y costosa: hizo que Henry Fonda improvisara un monólogo mientras disparaba preguntas desde detrás de la cámara sobre el curso de la batalla (un tema en el que Fonda era muy versado) y luego simplemente editó las preguntas.

Fue relativamente parco en su uso de movimientos de cámara y primeros planos, prefiriendo planos medios o largos estáticos, con sus actores encuadrados contra paisajes dramáticos o interiores iluminados en un estilo expresionista , aunque a menudo usó tomas panorámicas y, a veces, usó un dramático dolly en (por ejemplo, la primera aparición de John Wayne en Stagecoach ). Ford es famoso por sus emocionantes planos de seguimiento, como la secuencia de persecución de los apaches en Stagecoach o el ataque al campamento comanche en The Searchers .

Los motivos visuales recurrentes incluyen trenes y vagones (muchas películas de Ford comienzan y terminan con un vehículo de enlace, como un tren o un vagón que llega y sale), puertas, caminos, flores, ríos, reuniones (desfiles, bailes, reuniones, escenas de bar, etc.); también empleó motivos gestuales en muchas películas, en particular el lanzamiento de objetos y el encendido de lámparas, cerillas o cigarrillos. ^[88] Si se mostraba a un personaje condenado jugando al póquer (como Liberty Valance o el pistolero Tom Tyler en Stagecoach ), la última mano que juega es la " mano de la muerte ": dos ochos y dos ases, uno de ellos el as de espadas, llamada así porque se dice que Wild Bill Hickok tenía esta mano cuando fue asesinado. Muchas de sus películas sonoras incluyen interpretaciones o citas de su himno favorito, " Shall We Gather at the River? ", como su uso paródico para subrayar las escenas iniciales de Stagecoach , cuando la prostituta Dallas está siendo expulsada de la ciudad por las matronas locales. Los nombres de los personajes también se repiten en muchas películas de Ford: el nombre Quincannon, por ejemplo, se usa en varias películas, incluidas The Lost Patrol , Rio Grande , She Wore A Yellow Ribbon y Fort Apache ; el personaje de John Wayne se llama "Kirby Yorke" tanto en Fort Apache como en Rio Grande , y los nombres Tyree y Boone también se repiten en varias películas de Ford.

En trabajos recientes sobre las representaciones de los nativos americanos por parte de Ford se ha argumentado que, contrariamente a la creencia popular, sus personajes indígenas abarcaban una gama de imágenes hostiles a simpáticas, desde El caballo de hierro hasta Otoño cheyenne . Su representación de los navajos en Wagon Master incluía a sus personajes hablando el idioma navajo . La marca distintiva de los westerns de temática india de Ford es que sus personajes nativos siempre se mantuvieron separados y apartados de la sociedad blanca. ^[89]

Ford era legendario por su disciplina y eficiencia en el set ^[90] y era conocido por ser extremadamente duro con sus actores, burlándose, gritándoles y acosándolos con frecuencia; también era famoso por sus bromas prácticas a veces sádicas. Cualquier actor lo suficientemente tonto como para exigir un trato de estrella recibiría toda la fuerza de su implacable desprecio y sarcasmo. Una vez se refirió a John Wayne como un "gran idiota" e incluso golpeó a Henry Fonda. Henry Brandon (que interpretó al jefe Scar en The Searchers ) una vez se refirió a Ford como "el único hombre que podía hacer llorar a John Wayne". ^{[ cita requerida ]} Asimismo, menospreció a Victor McLaglen, en una ocasión supuestamente gritando a través del megáfono: "¿Sabes, McLaglen, que Fox te paga $ 1200 por semana para hacer cosas que yo podría hacer que cualquier niño de la calle hiciera mejor?". ^[91] Se dice que el veterano de Stock Company, Ward Bond, fue uno de los pocos actores que eran inmunes a las burlas y sarcasmos de Ford. Sir Donald Sinden , que en aquel momento trabajaba como estrella de la Organización Rank en los estudios Pinewood cuando protagonizó Mogambo , no fue la única persona que sufrió las consecuencias de la conducta notoria de John Ford. Recuerda que "diez cazadores blancos fueron enviados a nuestra unidad para protegernos y proporcionarnos carne fresca. Entre ellos estaba Marcus, Lord Wallscourt, un hombre encantador al que Ford trataba de forma abismal, a veces con mucho sadismo. A ojos de Ford, el pobre hombre no podía hacer nada bien y lo regañaban continuamente delante de toda la unidad (de alguna manera, a veces me quitaba la presión). Ninguno de nosotros podía entender la razón de ese trato atroz, que el querido y amable hombre no merecía en absoluto. Él mismo estaba bastante desconcertado. Varias semanas después descubrimos la causa por el cuñado de Ford: antes de emigrar a Estados Unidos, el abuelo de Ford había sido trabajador en la finca en Irlanda del entonces Lord Wallscourt: Ford ahora se estaba vengando de su descendiente. No era un espectáculo encantador". ^[92] "Ahora teníamos que regresar a los estudios británicos de la MGM en Londres para filmar todas las escenas de interiores. Alguien debe haberle señalado a Ford que había sido completamente grosero conmigo durante todo el rodaje en exteriores y cuando llegué para mi primer día de trabajo, descubrí que había hecho pintar un gran cartel en la entrada de nuestro estudio de sonido en letras mayúsculas que decía SÉ AMABLE CON DONALD WEEK. Cumplió su palabra, exactamente durante siete días. Al octavo día, arrancó el cartel y volvió a su comportamiento intimidatorio habitual". ^[93]

Ford solía dar pocas instrucciones explícitas a sus actores, aunque en ocasiones él mismo recorría la escena con naturalidad, y se esperaba que los actores notaran cada acción o gesto sutil; si no lo hacían, Ford les hacía repetir la escena hasta que lo hicieran bien, y a menudo reprendía y menospreciaba a aquellos que no conseguían la interpretación deseada. En El hombre que mató a Liberty Valance , Ford repasó una escena con Edmond O'Brien y terminó dejando caer su mano sobre una barandilla. O'Brien se dio cuenta de esto, pero lo ignoró deliberadamente, colocando su mano sobre la barandilla en su lugar; Ford no lo corrigió explícitamente y, según se dice, hizo que O'Brien representara la escena cuarenta y dos veces antes de que el actor cediera y lo hiciera a la manera de Ford.

A pesar de su personalidad a menudo difícil y exigente, muchos actores que trabajaron con Ford reconocieron que él sacaba lo mejor de ellos. John Wayne comentó que "Nadie podía manejar a los actores y al equipo como Jack". ^[94] Dobe Carey afirmó que "Tenía una cualidad que hacía que todos casi se mataran para complacerlo. Al llegar al set, sentías de inmediato que algo especial iba a suceder. Te sentías espiritualmente despierto de repente". ^[95] Carey atribuye a Ford la inspiración de la última película de Carey, Comanche Stallion ( 2005 ).

El lugar favorito de Ford para sus películas del Oeste era el Monument Valley, en el sur de Utah . Aunque no suele ser el lugar geográfico más apropiado para sus tramas, el impacto visual expresivo de la zona le permitió definir imágenes del Oeste americano con algunas de las cinematografías más hermosas y poderosas jamás filmadas, en películas como La diligencia , Centauros del desierto y Fort Apache . ^{[ ¿Según quién? ]} Un ejemplo notable es la famosa escena de La chica que llevaba la cinta amarilla en la que la tropa de caballería es fotografiada contra una tormenta que se aproxima. Se ha examinado la influencia en las películas de artistas clásicos del Oeste como Frederic Remington y otros. ^[96] El uso evocador que Ford hace del territorio para sus películas del Oeste ha definido las imágenes del Oeste americano de manera tan poderosa que Orson Welles dijo una vez que otros cineastas se negaban a rodar en la región por miedo al plagio. ^[97]

Ford solía filmar sólo el metraje que necesitaba y a menudo filmaba en secuencia, minimizando el trabajo de sus editores de películas. ^[98] En opinión de Joseph McBride, ^[49] la técnica de Ford de cortar en la cámara le permitió mantener el control creativo en una época en la que los directores a menudo tenían poca voz en la edición final de sus películas. Ford señaló:

No les doy mucha película para que jueguen. De hecho, Eastman solía quejarse de que yo exponía muy poca película. Yo hago cortes en la cámara. De lo contrario, si les das mucha película, "el comité" toma el control. Comienzan a hacer malabarismos con las escenas y a sacar esto y poner aquello. No pueden hacer eso con mis fotografías. Yo hago cortes en la cámara y eso es todo. No queda mucha película en el suelo cuando termino. ^[99]

Ford ganó un total de cuatro premios Óscar , todos ellos al mejor director , por las películas The Informer (1935), Las uvas de la ira (1940), ¡Qué verde era mi valle! (1941) y El hombre tranquilo (1952), ninguna de ellas western (en las dos últimas también protagonizó Maureen O'Hara , "su actriz favorita"). También fue nominado como mejor director por La diligencia (1939). Más tarde dirigió dos documentales, La batalla de Midway y El 7 de diciembre , que ganaron ambos el premio al mejor documental , aunque el premio no lo ganó él. Hasta el día de hoy, Ford tiene el récord de haber ganado la mayor cantidad de premios Óscar al mejor director, habiendo ganado el premio en cuatro ocasiones. William Wyler y Frank Capra ocupan el segundo lugar habiendo ganado el premio tres veces. Ford fue el primer director en ganar premios consecutivos a Mejor Director, en 1940 y 1941. Esta hazaña fue luego igualada por Joseph L. Mankiewicz exactamente diez años después, cuando ganó premios consecutivos a Mejor Director en 1950 y 1951. Como productor, también recibió una nominación a Mejor Película por El hombre tranquilo . En 1955 y 1957, Ford fue galardonado con el Premio George Eastman, otorgado por George Eastman House por su destacada contribución al arte del cine. Fue el primer destinatario del Premio a la trayectoria del American Film Institute en 1973. También en ese año, Ford recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de manos del presidente Richard Nixon .

Ford dirigió a 10 actores diferentes en actuaciones nominadas al Oscar: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly y Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp y Lemmon ganaron un Oscar por uno de sus papeles en una de las películas de Ford.

En 1998, se inauguró una estatua de Ford en Portland, Maine , frente a la calle donde su padre alguna vez fue dueño de un pub. La estatua, esculpida por el artista George Kelly, está rodeada por un monumento conmemorativo que contiene datos sobre la vida de Ford y sus películas. ^[100]

El 5 de diciembre de 1971 se emitió en la cadena CBS un especial de televisión protagonizado por Ford, John Wayne, James Stewart y Henry Fonda, llamado The American West of John Ford , que incluía clips de la carrera de Ford intercalados con entrevistas realizadas por Wayne, Stewart y Fonda, quienes también se turnaron para narrar el documental de una hora de duración .

En 2007, Twentieth Century Fox lanzó Ford at Fox , una caja de DVD con 24 películas de Ford. Richard Corliss, de la revista Time , la nombró uno de los "10 mejores DVD de 2007", ubicándola en el puesto número 1. ^[101]

En 2019, Jean-Christophe Klotz estrenó el documental John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique ("el hombre que inventó América"), sobre su influencia en la leyenda del Oeste americano en películas como La diligencia (1939), Las uvas de la ira (1940), El hombre que mató a Liberty Valance (1962) y Otoño Cheyenne (1964). ^[102]

El Archivo de Cine de la Academia ha conservado varias películas de John Ford, entre ellas How Green Was My Valley , The Battle of Midway , Drums Along the Mohawk , Sex Hygiene , Torpedo Squadron 8 y Four Sons . ^[103]

Al principio de su vida, la política de Ford era convencionalmente progresista; sus presidentes favoritos eran los demócratas Franklin D. Roosevelt , John F. Kennedy y el republicano Abraham Lincoln . ^[104] Pero a pesar de estas inclinaciones, muchos pensaban ^{[105] [106]} que era republicano debido a su larga asociación con los actores John Wayne , James Stewart , Maureen O'Hara y Ward Bond .

La actitud de Ford hacia el macartismo en Hollywood se expresa en una historia contada por Joseph L. Mankiewicz . Una facción del Sindicato de Directores de Estados Unidos , liderada por Cecil B. DeMille , había intentado hacer obligatorio que todos los miembros firmaran un juramento de lealtad . Se estaba llevando a cabo una campaña de rumores contra Mankiewicz, entonces presidente del sindicato, alegando que tenía simpatías comunistas. En una reunión crucial del sindicato, la facción de DeMille habló durante cuatro horas hasta que Ford habló en contra de DeMille y propuso un voto de confianza a Mankiewicz, que fue aprobado. Sus palabras fueron registradas por un taquígrafo:

Me llamo John Ford. Hago películas del Oeste. No creo que haya nadie en esta sala que sepa más sobre lo que quiere el público estadounidense que Cecil B. DeMille , y sin duda sabe cómo dárselo... [mirando a DeMille] Pero no me gustas, CB. No me gusta lo que representas y no me gusta lo que has estado diciendo aquí esta noche. ^[107]

La versión de los hechos de Mankiewicz fue cuestionada en 2016, con el descubrimiento de la transcripción del tribunal, que se publicó como parte de los archivos de Mankiewicz. El relato de Mankiewicz le da crédito exclusivo a Ford por hundir a DeMille. El relato tiene varios adornos. La decisión de DeMille de despedir a Mankiewicz había provocado una tormenta de protestas. DeMille fue básicamente el blanco de un torrente de ataques de muchos oradores durante la reunión y en un momento pareció que simplemente lo iban a expulsar de la junta directiva del gremio.

En ese momento, Ford se levantó para hablar. Su primera intervención fue en defensa de la junta directiva. Reivindicó su papel personal en un voto de confianza a favor de Joseph Mankiewicz. Luego pidió que se pusiera fin a la política en el sindicato y que éste se centrara en las condiciones de trabajo. Ford dijo en la reunión que el sindicato se había formado para "protegernos de los productores". Ford se opuso a "publicar información despectiva sobre un director, ya sea comunista, que golpee a su suegra o que golpee a los perros". Ford quería que el debate y la reunión terminaran, ya que su objetivo era la unidad del sindicato. Dijo que Mankiewicz había sido vilipendiado y merecía una disculpa. Su última parte fue apoyar a DeMille contra más pedidos de dimisión. Las palabras de Ford sobre DeMille fueron: "Y creo que algunas de las acusaciones hechas aquí esta noche fueron bastante antiamericanas. Quiero decir que un grupo de hombres se ha metido con probablemente el decano de nuestra profesión. No estoy de acuerdo con CB DeMille. Lo admiro. No me gusta, pero lo admiro. Todo lo que dijo esta noche tenía derecho a decirlo. No me gusta oír acusaciones en su contra". Concluyó "rogando" a los miembros que mantuvieran a DeMille en su puesto.

Ford temía que la salida de DeMille pudiera haber provocado la desintegración del organismo. Su segundo paso fue pedir la dimisión de todo el consejo, lo que salvó la cara de DeMille y permitió resolver el asunto sin dimisiones forzadas. Al día siguiente, Ford escribió una carta de apoyo a DeMille y luego llamó por teléfono, donde describió a DeMille como "una figura magnífica" muy por encima de esa "maldita manada de ratas".

En una reunión acalorada y ardua, Ford salió en defensa de un colega que estaba siendo atacado constantemente por sus pares. Vio los peligros de expulsar a DeMille. Ford se mantuvo firme durante toda la reunión para asegurarse de que DeMille permaneciera en el gremio. Luego presentó su propia renuncia, como parte de la junta directiva, para asegurarse de que el gremio no se desintegrara y permitiera que DeMille se fuera sin perder prestigio. ^[108]

Sin embargo, con el paso del tiempo, Ford se alió más públicamente con el Partido Republicano, declarándose "republicano de Maine" en 1947. Dijo que votó por Barry Goldwater en las elecciones presidenciales de los Estados Unidos de 1964 y apoyó a Richard Nixon en 1968 y se convirtió en partidario de la guerra de Vietnam . En 1973, el presidente Nixon, cuya campaña había apoyado públicamente, le concedió la Medalla de la Libertad. ^[109]

En 1952, Ford esperaba una candidatura presidencial republicana de Robert Taft y Douglas MacArthur . ^[110] Cuando Dwight Eisenhower ganó la nominación, Ford le escribió a Taft diciendo que, como "un millón de otros estadounidenses, estoy naturalmente desconcertado y herido por el resultado de la Convención Republicana en Chicago ". ^[111]

En 1966, apoyó a Ronald Reagan en su carrera como gobernador y nuevamente para su reelección en 1970. [ ^112]

El estudioso de Ford Tag Gallagher afirma que Ford era "esencialmente apolítico", aunque también señala que el director se convirtió en un ardiente partidario del Ejército Republicano Irlandés después de su primera visita a Irlanda en la década de 1920 y que canalizó fondos al IRA durante el resto de su carrera. ^{[113] : 29, 339}

Ford es considerado uno de los cineastas más influyentes de Hollywood. Flickside lo incluyó en la lista como el sexto director más influyente de todos los tiempos. ^[114] A continuación, se enumeran algunas de las personas que fueron influenciadas directamente por Ford o admiraron mucho su trabajo:

• Georgy Avenarius , el crítico de cine, era un mayor soviético a cargo del estudio Babelsberg de la UFA GmbH en el Berlín soviético . Permitió a Budd Schulberg y a los hombres de la División de Fotografía de Campo de la OSS acceder a los noticieros y la propaganda nazis al enterarse de que trabajaban para Ford. ^[115]
• Ingmar Bergman ^[5] – Dijo de Ford, "el mejor director del mundo".
• Bahram Beyzai escribió una reseña crítica elogiosa de las películas más famosas de Ford en 1961, que está incluida en la colección de escritos de y sobre Ford en persa de Massoud Farasati de 2014 ^[116].
• Peter Bogdanovich – Dirigida por John Ford (1971) ^[5]
• Frank Capra ^[5] – Se refirió a Ford como el "rey de los directores"
• Miguel Cimino ^[117]
• Federico Fellini ^[7]
• Jean-Luc Godard ^[118] – Una vez comparó el final de Centauros con "Ulises reencontrándose con Telémaco ".
• Howard Hawks ^[7]
• Alfred Hitchcock ^[7] – “Una película de John Ford era una gratificación visual”
• Elia Kazán ^[119]
• Satoshi Kon se inspiró en Los Tres Padrinos de Ford para su película animada Tokio Godfathers , una versión del western de Ford ambientada en el Tokio contemporáneo.
• Stanley Kubrick ^[120]
• Akira Kurosawa ^[121] – “Respeto a John Ford desde el principio. No hace falta decir que presto mucha atención a sus producciones y creo que me siento influenciado por ellas”.
• David Lean se inspiró en The Searchers para su película Lawrence de Arabia ^{[ cita requerida ]}
• Sergio Leone
• George Lucas
• Sam Peckinpah
• Satyajit Ray ^[122] – “Nunca es fácil describir un sello distintivo, pero la descripción más cercana de Ford sería una combinación de fuerza y ​​simplicidad. El equivalente más cercano que se me ocurre es uno musical: Beethoven del período medio”.
• Jean Renoir ^[5] – Después de ver The Informer , supuestamente le dijo a George Seaton : "Aprendí mucho hoy... Aprendí a no mover mi cámara".
• Martin Scorsese ^[7]
• Steven Spielberg ^[5] – Una vez se encontró con Ford en un estudio en la década de 1960, un evento que dramatizó en la película de 2022 The Fabelmans , con David Lynch como Ford y Gabriel LaBelle como Sammy Fabelman , un personaje basado vagamente en Spielberg que conoce a Ford durante la escena final.
• Jean-Marie Straub elogió a Ford como "el más brechtiano de todos los cineastas"
• Bertrand Tavernier
• Andrei Tarkovsky – Citó a Ford como uno de sus directores de cine favoritos en una entrevista con el crítico Kazuo Yamada. ^[123]
• François Truffaut ^[7]
• John Wayne ^[124]
• Orson Welles ^[5] – Cuando se le pidió que nombrara a los directores que más le atrajeron, respondió: “Me gustan los viejos maestros, con lo que me refiero a John Ford, John Ford y John Ford”.
• Wim Wenders ^[7]
• Pedro Costa – “Me hace soñar y me hace volver. Me sentí muy bien cuando vi una película de John Ford y estuve frente a esa gente. Fue un sueño, fue algo real”.

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En diciembre de 2011, la Academia Irlandesa de Cine y Televisión (IFTA), en asociación con John Ford Estate y el Departamento Irlandés de Artes, Patrimonio y la Gaeltacht, creó "John Ford Ireland", que celebra la obra y el legado de John Ford. La Academia Irlandesa declaró que a través de John Ford Ireland, esperan sentar las bases para honrar, examinar y aprender de la obra y el legado de John Ford, quien es ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación.

El primer Simposio John Ford de Irlanda se celebró en Dublín, Irlanda, del 7 al 10 de junio de 2012. El Simposio, diseñado para inspirarse y celebrar la influencia continua de Ford en el cine contemporáneo, contó con un programa diverso de eventos, incluyendo una serie de proyecciones, clases magistrales, mesas redondas, entrevistas públicas y una proyección al aire libre de The Searchers .

Entre los invitados que asistieron se encontraban Dan Ford, nieto de John Ford; el compositor Christopher Caliendo dirigió la aclamada RTÉ Concert Orchestra interpretando su banda sonora para The Iron Horse de Ford , abriendo el evento de cuatro días; el autor y biógrafo Joseph McBride dio la conferencia inaugural del Simposio; los directores Peter Bogdanovich , Stephen Frears , John Boorman , Jim Sheridan , Brian Kirk , Thaddeus O'Sullivan y Sé Merry Doyle participaron en varios eventos; los escritores irlandeses Patrick McCabe , Colin Bateman , Ian Power y Eoghan Harris examinaron el trabajo de Ford desde la perspectiva de un guionista; Joel Cox impartió una clase magistral de edición; y compositores y músicos, entre los que se encontraban David Holmes y Kyle Eastwood , discutieron sobre música para cine.

El Simposio de Cine John Ford de Irlanda se celebró nuevamente en Dublín en el verano de 2013.

Clint Eastwood recibió el premio inaugural John Ford en diciembre de 2011. Se lo entregaron en una recepción en Burbank, California, Michael Collins, embajador de Irlanda en los Estados Unidos, Dan Ford, nieto de John Ford, y Áine Moriarty, directora ejecutiva de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión (IFTA).

Al aceptar el premio, Eastwood dijo: "Cualquier tipo de asociación con John Ford es el sueño de la mayoría de los directores, ya que fue sin duda un pionero del cine americano y crecí con sus películas. Sus westerns tuvieron una gran influencia en mí, como creo que tuvieron en todo el mundo. Cuando trabajé con Sergio Leone hace años en Italia, su director favorito era John Ford y habló muy abiertamente de esa influencia. Quiero dar las gracias a todos los que están aquí de la Academia Irlandesa, a la familia John Ford y gracias a John Ford Ireland".

Ford fue galardonado con la Legión de Mérito con Combate "V" , ^{[125] [50] [126] [127]} un Corazón Púrpura , ^{[50] [126]} la Medalla de Servicio Meritorio , ^[125] la Medalla Aérea , ^[50] la Medalla de Reconocimiento de la Armada y el Cuerpo de Marines con Combate "V", ^[125] la Cinta de Acción de Combate de la Armada ^[125] la Medalla Presidencial de la Libertad , ^{[128] [126] [129]} la Medalla de Servicio en China ^[125] la Medalla de Servicio de Defensa Estadounidense con estrella de servicio , ^{[125] [126]} la Medalla de Campaña Estadounidense , ^[126] la Medalla de Campaña Europea-África-Medio Oriente con tres estrellas de campaña , ^{[125] [126]} la Medalla de Campaña Asia-Pacífico también con tres estrellas de campaña, ^{[125] [126] [130]} la Medalla de Victoria de la Segunda Guerra Mundial , ^[126] la Medalla de Servicio de Ocupación de la Armada , ^{[125] [130]} la Medalla de Servicio de Defensa Nacional con estrella de servicio, ^{[125] [130]} la Medalla de Servicio Coreano con una estrella de campaña, ^{[125] [130]} la Medalla de Reserva Naval , ^[126] la Medalla Samil del Mérito de la Orden de Seguridad Nacional , ^[125] la Medalla de Corea de las Naciones Unidas , ^{[125] [130]} la Cinta de Disparo de Pistola Distinguido (1952-1959) , ^[125] y la Orden Belga de Leopoldo . ^[125]

• Lista de colaboraciones cinematográficas

• Koszarski, Richard. 1976. Directores de Hollywood: 1914–1940 . Oxford University Press. Número de catálogo de la Biblioteca del Congreso: 76-9262.

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• John Ford en IMDb

Materiales de archivo

• Documentos de John Ford en la Biblioteca Lilly, Universidad de Indiana en Bloomington

Crítica

• La profundidad de Ford de Miguel Marías
• La elocuencia del gesto de Shigehiko Hasumi
• La furia umana/3, invierno 2010, especial sobre John Ford, textos (en francés, italiano, inglés, portugués) de Julio Bressane, Paul Vecchiali, Raymond Bellour, Art Redding, Toni D'Angela, Juan Gorostidi Munguia, Tag Gallagher, Joseph McBride, Jacques Aumont, John Zorn, Barry Gifford, Giulio Giorello, Alberto Abruzzese, Eva Truffaut y otros; en www.lafuriaumana.it
• La influencia de la pintura occidental y la pintura de género en las películas de John Ford Tesis doctoral de William Howze, 1986

Sitios oficiales

• Sitio web de John Ford Irlanda