Arte africano

Arte africano

Arriba: Figura de Nok sentado (siglo V a. C.-siglo V d. C.); Centro: Placa de Benín con guerreros y asistentes (siglos XVI-XVII); Abajo: Kuba n'dop , rey Mishe miShyaang maMbul (siglo XVIII) [1]

El arte africano describe pinturas, esculturas, instalaciones y otras manifestaciones culturales visuales modernas e históricas de los africanos nativos o indígenas y del continente africano . La definición también puede incluir el arte de las diásporas africanas , como el arte afroamericano , caribeño o de las sociedades sudamericanas inspiradas en las tradiciones africanas. A pesar de esta diversidad, hay temas artísticos unificadores presentes cuando se considera la totalidad de la cultura visual del continente africano. ^[2]

La cerámica , la metalistería , la escultura , la arquitectura , el arte textil y el arte con fibras son importantes formas de arte visual en toda África y pueden incluirse en el estudio del arte africano. El término "arte africano" no suele incluir el arte de las zonas del norte de África a lo largo de la costa mediterránea , ya que dichas zonas han formado parte durante mucho tiempo de tradiciones diferentes. Durante más de un milenio, el arte de dichas zonas ha formado parte del arte bereber o islámico , sin embargo, con muchas características locales particulares.

El arte etíope , con una larga tradición cristiana , ^[3] también es diferente del de la mayor parte de África, donde la religión africana tradicional (con el Islam en el norte) fue dominante hasta el siglo XX. ^[4] El arte africano incluye el arte prehistórico y antiguo , el arte islámico de África occidental , el arte cristiano de África oriental y los artefactos tradicionales de estas y otras regiones. Muchas esculturas africanas se hicieron históricamente de madera y otros materiales naturales que no han sobrevivido desde hace unos pocos siglos, aunque se pueden encontrar raras figuras de cerámica y metal más antiguas en algunas áreas. ^[5] Algunos de los primeros objetos decorativos, como cuentas de concha y evidencia de pintura, se han descubierto en África, que datan de la Edad de Piedra Media . ^{[6] [7] [8]} Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchas personas, junto con las figuras humanas, y a menudo están muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen y dependiendo del uso del objeto, pero son evidentes amplias tendencias regionales. La escultura es más común entre los "grupos de cultivadores asentados en las zonas bañadas por los ríos Níger y Congo " en África occidental. ^[9] Las imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular se hacen o se hacían a menudo para ceremonias rituales. Desde finales del siglo XIX, ha habido una cantidad cada vez mayor de arte africano en las colecciones occidentales , cuyas mejores piezas se exhiben como parte de la historia de la colonización.

El arte africano ejerció una importante influencia en el arte modernista europeo , ^[10] que se inspiró en su interés por la representación abstracta. Fue esta apreciación de la escultura africana la que se ha atribuido al concepto mismo de "arte africano", tal como lo ven los artistas e historiadores del arte europeos y estadounidenses. ^[11]

Las culturas de África occidental desarrollaron la fundición de bronce para relieves, como los famosos Bronces de Benín , para decorar palacios y para cabezas reales altamente naturalistas de los alrededores de la ciudad Bini de Benin City, estado de Edo , así como en terracota o metal, de los siglos XII al XIV. Las pesas de oro akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900; algunas representan proverbios , lo que aporta un elemento narrativo poco común en la escultura africana; y las insignias reales incluían elementos esculpidos en oro. ^[12] Muchas figuras de África occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo, se recubren con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mandé de la misma región fabrican piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas con forma de cilindros. En África central , sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que se curvan hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.

• En el arte de África occidental, se hace hincapié en la expresividad y la singularidad, sin dejar de estar influenciado por el arte de quienes lo precedieron. El arte del pueblo dan es un ejemplo de ello, y también se ha extendido a las comunidades de África occidental fuera del continente. ^[13]
• Énfasis en la figura humana: La figura humana siempre ha sido el tema principal de la mayor parte del arte africano, y este énfasis incluso influyó en ciertas tradiciones europeas. ^[10] Por ejemplo, en el siglo XV, Portugal comerciaba con la cultura Sapi cerca de Costa de Marfil en África Occidental, quienes crearon elaborados saleros de marfil que eran híbridos de diseños africanos y europeos, más notablemente en la adición de la figura humana (la figura humana típicamente no aparecía en los saleros portugueses). La figura humana puede simbolizar a los vivos o a los muertos, puede hacer referencia a jefes, bailarines o varios oficios o incluso puede ser una representación antropomórfica de un dios o tener otras funciones votivas. Otro tema común es la intermorfosis de humanos y animales.
• Abstracción visual: las obras de arte africanas tienden a privilegiar la abstracción visual por sobre la representación naturalista. Esto se debe a que muchas obras de arte africanas generalizan normas estilísticas. ^[14]

Hasta hace poco, el estudio del arte africano se centraba en el arte tradicional de ciertos grupos bien conocidos del continente, con especial énfasis en la escultura tradicional, las máscaras y otra cultura visual del África occidental no islámica, África central ^[15] y África meridional, con especial énfasis en los siglos XIX y XX. Sin embargo, recientemente ha habido un movimiento entre los historiadores del arte africano y otros académicos para incluir la cultura visual de otras regiones y períodos de tiempo. La idea es que al incluir todas las culturas africanas y su cultura visual a lo largo del tiempo en el arte africano , habrá una mayor comprensión de la estética visual del continente a través del tiempo. Finalmente, las artes de los pueblos de la diáspora africana, en Brasil , el Caribe y el sureste de los Estados Unidos , también han comenzado a incluirse en el estudio del arte africano.

El arte africano se produce utilizando una amplia gama de materiales y adopta muchas formas distintas. Debido a que la madera es un material muy común, las esculturas de madera constituyen la mayoría del arte africano. Otros materiales utilizados en la creación de arte africano incluyen tierra arcillosa. La joyería es una forma de arte popular y se utiliza para indicar rango, afiliación a un grupo o puramente estética. ^[16] La joyería africana está hecha de materiales tan diversos como piedra de ojo de tigre , hematita , sisal , cáscara de coco, cuentas y madera de ébano . Las esculturas pueden ser de madera, cerámica o talladas en piedra como las famosas esculturas Shona, ^[17] y la cerámica decorada o esculpida proviene de muchas regiones. Se fabrican varias formas de textiles, incluido el chitenge , la tela de barro y la tela kente . Los mosaicos hechos de alas de mariposa o arena de colores son populares en África Occidental. Las primeras esculturas africanas pueden identificarse como hechas de terracota y bronce. ^[18]

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Las religiones africanas tradicionales han tenido una gran influencia en las formas de arte africanas en todo el continente. El arte africano a menudo se deriva de los temas del simbolismo religioso, el funcionalismo y el utilitarismo. Con muchas piezas de arte que se crean con fines espirituales en lugar de puramente creativos. La mayoría de las obras de arte africanas populares pueden entenderse como las herramientas, como las figurillas representativas utilizadas en rituales y ceremonias religiosas. ^[19] Muchas culturas africanas enfatizan la importancia de los antepasados ​​como intermediarios entre los vivos, los dioses y el creador supremo. El arte es visto como una forma de contactar con estos espíritus de los antepasados. El arte también puede usarse para representar a los dioses y se valora por sus fines funcionales. ^[20] Por ejemplo, el dios africano Ogun, que es el dios del hierro, la guerra y la artesanía.

Sin embargo, es importante señalar que la llegada del cristianismo y del islam también han influido enormemente en el arte del continente africano, y las tradiciones de ambos se han integrado en las creencias y obras de arte de la religión tradicional africana. ^[21]

Los orígenes del arte africano se remontan a mucho antes de la historia registrada. Las cuentas más antiguas conocidas de la región se hicieron con conchas de Nassarius y se usaron como adornos personales hace 72.000 años. ^[6] En África, existen evidencias de la fabricación de pinturas mediante un proceso complejo de hace unos 100.000 años ^[7] y del uso de pigmentos de hace unos 320.000 años. ^{[8] [22]} El arte rupestre africano en el Sahara en Níger conserva tallas de 6000 años de antigüedad. ^[23] Junto con el África subsahariana, las artes culturales occidentales, las pinturas y artefactos del antiguo Egipto y las artesanías indígenas del sur también contribuyeron en gran medida al arte africano. A menudo representaban la abundancia de la naturaleza circundante y el arte consistía en interpretaciones abstractas de animales, vida vegetal o diseños y formas naturales. El reino nubio de Kush en el moderno Sudán estaba en contacto cercano y a menudo hostil con Egipto y produjo esculturas monumentales en su mayoría derivadas de estilos que no conducían al norte. En África Occidental, las primeras esculturas conocidas son de la cultura Nok , que prosperó entre 1500 a. C. y 500 d. C. en la actual Nigeria , con figuras de arcilla generalmente de cuerpos alargados y formas angulares. ^[24]

En el África subsahariana se desarrollaron métodos más complejos de producción artística alrededor del siglo X; algunos de los avances más notables incluyen el trabajo en bronce de Igbo Ukwu y la terracota y metalistería de Ile Ife . Las fundiciones de bronce y latón , a menudo ornamentadas con marfil y piedras preciosas , adquirieron gran prestigio en gran parte de África occidental , limitándose a veces al trabajo de los artesanos de la corte e identificándose con la realeza , como ocurre con los Bronces de Benin .

A medida que los europeos exploraban las costas de África occidental, descubrieron una amplia gama de objetos funcionales que los africanos utilizaban con fines culturales, sociales y económicos. Los dispositivos de juramento, por ejemplo, eran esenciales para asegurar las relaciones comerciales durante la era del comercio de esclavos en el Atlántico. Aunque estas obras de artesanía seguían sus propios principios estéticos, los escritores de viajes europeos las consideraban herramientas de brujería y las reducían a una categoría de "fetiche", que se entendía que estaba fuera del ámbito del arte. ^[25]

Durante y después del período colonial de los siglos XIX y XX, los occidentales caracterizaron durante mucho tiempo el arte africano como "primitivo". El término conlleva connotaciones negativas de subdesarrollo y pobreza. La colonización durante el siglo XIX estableció una perspectiva occidental basada en la creencia de que el arte africano carecía de capacidad técnica debido al bajo nivel socioeconómico de África.

A principios del siglo XX, historiadores del arte como Carl Einstein , Michał Sobeski y Leo Frobenius publicaron importantes obras sobre la temática, dando al arte africano el estatus de un objeto estético , no solo de un objeto etnográfico . ^[26] Al mismo tiempo, artistas como Paul Gauguin , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , Henri Matisse , Joseph Csaky y Amedeo Modigliani tomaron conciencia y se inspiraron en el arte africano, entre otras formas de arte. ^[10] En una situación en la que la vanguardia establecida luchaba contra las limitaciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de las formas supremamente bien organizadas; producidas no solo respondiendo a la facultad de la vista, sino también, y a menudo principalmente, a la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección formal y una sofisticación unificadas con un poder expresivo fenomenal. El estudio del arte africano y la respuesta que dieron los artistas a principios del siglo XX propiciaron una explosión de interés por la abstracción, la organización y la reorganización de las formas, así como la exploración de áreas emocionales y psicológicas hasta entonces no vistas en el arte occidental. De esta manera, el estatus del arte visual cambió. El arte dejó de ser meramente y principalmente estético , para convertirse también en un verdadero medio para el discurso filosófico e intelectual, y, por lo tanto, más verdadera y profundamente estético que nunca. ^[27]

El arte tradicional describe las formas de arte africano más populares y estudiadas que normalmente se encuentran en las colecciones de los museos.

Las máscaras de madera , que pueden ser de seres humanos , animales o criaturas legendarias , son una de las formas de arte más comunes en África occidental. En sus contextos originales, las máscaras ceremoniales se utilizan para celebraciones, iniciaciones, cosechas y preparación para la guerra. Las máscaras son usadas por un bailarín elegido o iniciado. Durante la ceremonia de la máscara, el bailarín entra en un trance profundo y durante este estado mental se "comunica" con sus antepasados. Las máscaras se pueden usar de tres maneras diferentes: cubriendo verticalmente la cara: como cascos, cubriendo toda la cabeza, y como cresta, descansando sobre la cabeza, que comúnmente estaba cubierta por material como parte del disfraz. Las máscaras africanas a menudo representan un espíritu y se cree firmemente que el espíritu de los antepasados ​​​​posee al portador. La mayoría de las máscaras africanas están hechas de madera y pueden decorarse con: marfil, pelo de animal, fibras vegetales (como rafia), pigmentos (como caolín ), piedras y gemas semipreciosas también se incluyen en las máscaras.

Las estatuas, generalmente de madera o marfil, suelen tener incrustaciones de conchas de cauri , tachuelas de metal y clavos. La ropa decorativa también es común y constituye otra gran parte del arte africano. Entre los textiles africanos más complejos se encuentra la colorida tela tejida en tiras Kente de Ghana . La tela de barro con estampados llamativos es otra técnica muy conocida.

África es el hogar de una floreciente cultura del arte contemporáneo y de las bellas artes. Esto ha sido poco estudiado hasta hace poco, debido al énfasis de los académicos y coleccionistas de arte en el arte tradicional. Entre los artistas modernos notables se incluyen El Anatsui , Marlene Dumas , William Kentridge , Karel Nel, Kendell Geers , Yinka Shonibare , Zerihun Yetmgeta , Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe , Lubaina Himid , Bili Bidjocka y Henry Tayali . Se celebran bienales de arte en Dakar , Senegal , y Johannesburgo , Sudáfrica . Muchos artistas africanos contemporáneos están representados en colecciones de museos, y su arte puede venderse a precios elevados en subastas de arte . A pesar de esto, muchos artistas africanos contemporáneos tienden a tener dificultades para encontrar un mercado para su trabajo. Muchas artes africanas contemporáneas toman prestado en gran medida de predecesores tradicionales. Irónicamente, este énfasis en la abstracción es visto por los occidentales como una imitación de los artistas cubistas y totémicos europeos y estadounidenses, como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani y Henri Matisse , quienes, a principios del siglo XX, fueron fuertemente influenciados por el arte africano tradicional. Este período fue crítico para la evolución del modernismo occidental en las artes visuales, simbolizado por la pintura revolucionaria de Picasso Les Demoiselles d'Avignon . ^[28]

Hoy en día, Fathi Hassan es considerado un importante representante temprano del arte africano negro contemporáneo. El arte africano contemporáneo fue iniciado en las décadas de 1950 y 1960 en Sudáfrica por artistas como Irma Stern , Cyril Fradan y Walter Battiss y a través de galerías como la Goodman Gallery en Johannesburgo. Más recientemente, galerías europeas como la October Gallery en Londres y coleccionistas como Jean Pigozzi , ^[29] Artur Walther ^[30] y Gianni Baiocchi en Roma han ayudado a expandir el interés en el tema. Numerosas exposiciones en el Museo de Arte Africano de Nueva York y el Pabellón Africano en la Bienal de Venecia de 2007 , que exhibió el arte africano Sindika Dokolo

La Colección de Arte Contemporáneo ha contribuido en gran medida a contrarrestar muchos de los mitos y prejuicios que acechan al arte africano contemporáneo . El nombramiento del nigeriano Okwui Enwezor como director artístico de Documenta 11 y su visión del arte centrada en África impulsaron las carreras de innumerables artistas africanos a la escena internacional.

Se elabora una amplia gama de formas de arte más o menos tradicionales o adaptaciones de estilos tradicionales al gusto contemporáneo para venderlas a los turistas y a otros, incluido el llamado "arte de aeropuerto". Una serie de tradiciones populares vigorosas asimilan influencias occidentales en estilos africanos, como los elaborados ataúdes de fantasía del sur de Ghana, hechos en una variedad de formas diferentes que representan las ocupaciones o intereses del difunto o elevan su estatus. Los Ga creen que un funeral elaborado beneficiará el estatus de sus seres queridos en la otra vida, por lo que las familias a menudo no escatiman gastos al decidir qué ataúd quieren para sus parientes. ^[31] Estos ataúdes pueden tener la forma de automóviles, mazorcas de cacao, pollos o cualquier otra forma que una familia pueda decidir que represente mejor a su ser querido fallecido. ^[32]

El arte utilizado para publicitar negocios locales, incluidas peluquerías, cines y tiendas de electrodomésticos, se ha celebrado internacionalmente en galerías y ha lanzado las carreras de muchos artistas africanos contemporáneos, desde Joseph Bertiers de Kenia hasta varios pintores de carteles de películas en Ghana. ^[33] Los carteles de películas ghaneses pintados a mano sobre lienzo y sacos de harina de los años 1980 y 1990 se han exhibido en museos de todo el mundo y han despertado la atención viral en las redes sociales debido a sus representaciones altamente imaginativas y estilizadas de películas occidentales. ^{[34] [35]} Esta interpretación creativa de la cultura occidental a través de los estilos artísticos africanos también se exhibe con la tradición de los retratos de elogio que representan a celebridades internacionales, que a menudo sirvieron como arte publicitario de escaparates, y desde entonces se han vuelto ampliamente valorados y coleccionados en el mercado del arte global.

Otro artista africano contemporáneo notable es Amir Nour , un artista sudanés que vivió en Chicago. En la década de 1960 creó una escultura de metal llamada Grazing at Shendi (1969) , que consiste en formas geométricas que se conectan con su memoria de su tierra natal. ^[36] La escultura se asemeja a una oveja pastando en la distancia. Valoraba el descubrimiento del arte dentro de la sociedad del artista, incluida la cultura, la tradición y el trasfondo. ^[37]

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En el siglo XVII, la zona de África occidental conocida hoy como Ghana era muy prolífica. Los estados que pertenecían a Ghana estaban conectados a través de redes comerciales y compartían creencias culturales. Sin embargo, cada uno de ellos decidió permanecer políticamente independiente. Esto fue así hasta principios del siglo XVIII, cuando el líder Osei Tutu inició una vasta expansión territorial que finalmente unió a estos estados más pequeños y formó un reino más grande.

La participación del reino en el comercio de oro, telas y esclavos no sólo fue significativa, sino que también generó una inmensa riqueza. Este poder económico sostuvo una floreciente cultura artística, convirtiendo al reino en un centro de actividad cultural y económica.

Ghana es famosa por crear las expresiones y obras africanas más famosas, que van desde tallas de madera hasta trabajos en latón, figuras e incluso gemas.

El kente es una tela tradicional, multicolor, tejida a mano y acolchada. También es una especie de textura de seda y algodón hecha de tiras de tela entrelazadas. La tela es fundamental en la cultura ghanesa y también se usa tradicionalmente como abrigo tanto para hombres como para mujeres, con variaciones ligeramente diferentes para ambos. Esta tela la usan casi todos los miembros de las tribus ghanesas.

Colores y significado

Existen diferentes variaciones de color para el kente, cada color tiene un significado diferente. A continuación se muestran algunos ejemplos:

Negro: maduración

Blanco: purificación

Amarillo: preciosidad

Azul: tranquilidad

Rojo: derramamiento de sangre ^[38]

El arte Akan se originó entre el pueblo Akan . El arte Akan es conocido por sus vibrantes tradiciones artísticas, que incluyen textiles, esculturas, pesas de oro Akan, así como joyas de oro y plata . El pueblo Akan es conocido por su fuerte conexión entre las expresiones visuales y verbales y una mezcla distintiva de arte y filosofía. La cultura Akan valora el oro por encima de todos los demás metales y cree que puede representar los elementos sobrenaturales detrás de muchas cosas, incluida la autoridad real y los valores culturales. Los Asante, una cultura dominante de habla Akan en Ghana, remontan sus orígenes a la llegada de un taburete de oro, que ahora se dice que contiene el alma de la nación Asante en su interior. El oro se consideraba una contraparte terrenal del sol y a menudo se utilizaba en el arte para mostrar la importancia del rey, lo que lo convierte en una representación esencial de sus valores culturales y sociales. ^[39] La tela Kente es otra tradición artística extremadamente importante de la cultura Akan. La tradición afirma que la tela Kente se originó cuando los tejedores intentaron copiar las habilidades de tejido de las arañas con sus redes. La tela kente es famosa en todo el mundo por sus colores y patrones. Su propósito original era representar el poder y la autoridad real, pero ahora se ha convertido en un símbolo de tradición y ha sido adoptada por varias otras culturas. ^[40]

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  Cabeza de trofeo ashanti ; alrededor de 1870; oro puro ; Colección Wallace (Londres). Esta obra de arte representa a un jefe enemigo muerto en batalla. Con un peso de 1,5 kg (3,3 lb), estaba unida a la espada estatal del rey asante
• 
  Muñeca (Akuaba); siglo XX; 27,3 x 11,4 x 3,8 cm (10 3 ⁄ 4 x 4 1 ⁄ 2 x 1 1 ⁄ 2 pulgadas); Museo de Brooklyn (Nueva York)
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  Insignia de lavador de almas (Akrafokonmu); siglos XVIII y XIX; oro; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• 
  Sellos adinkra de calabaza tallados en Ntonso (Ghana)

La cultura nigeriana se ilustra a través del arte y el folclore. Nigeria se inspira en el patrimonio folclórico tradicional de la región para su arte. Existen diferentes tipos de obras de arte de la cultura nigeriana. Algunas de estas obras de arte pueden ser tallas de piedra, cerámica, trabajos en vidrio, tallas de madera y trabajos en bronce. Benin y Awka se consideran los lugares centrales para la talla de madera. Los talladores de madera han prosperado en todo el sur de Nigeria desde tiempos inmemoriales.

Ejemplos de arte tradicional nigeriano

Máscaras

Las máscaras son parte de la confesión animista de los yorubas . Los velos están pintados y los fanáticos los usan en los servicios conmemorativos y en diferentes funciones para apaciguar los espíritus.

Cerámica

La alfarería es una tradición muy antigua en Nigeria. La alfarería era conocida desde el año 100 a. C. En la actualidad, Suleja, Abuja e Ilorin se consideran figuras importantes de la cerámica tradicional. Los alfareros de Nigeria suelen ser mujeres y suelen practicar técnicas que se transmiten de generación en generación.

Textiles

Los yorubas utilizan un arbusto para hacer telas batik de color índigo. Las mujeres suelen ser las que se encargan del teñido, mientras que en el norte, la técnica la realizan sólo los hombres. Los tejedores de todo el país producen una espléndida textura con estructuras de cintas. El estado de Oyo es conocido por sus finos tejidos de telar, mientras que los tejidos del estado de Abia utilizan una técnica de telar ancho.

La cultura Nok es una población de la Edad de Hierro temprana cuyos restos materiales reciben el nombre de la aldea Ham de Nok en el estado de Kaduna de Nigeria , donde sus famosas esculturas de terracota se descubrieron por primera vez en 1928. La cultura Nok apareció en el norte de Nigeria alrededor de 1500 a. C. ^[24] y desapareció en circunstancias desconocidas alrededor de 500 d. C., por lo que duró aproximadamente 2000 años. ^[41]

La función de las esculturas de terracota de Nok sigue siendo desconocida. En su mayor parte, la terracota se conserva en forma de fragmentos dispersos. Es por eso que el arte Nok es más conocido hoy en día solo por las cabezas, tanto masculinas como femeninas, cuyos peinados son particularmente detallados y refinados. Las estatuas están en fragmentos porque los descubrimientos generalmente se hacen a partir de lodo aluvial , ^{[42] [43] [44]} en terrenos hechos por la erosión del agua. Las estatuas de terracota encontradas allí están ocultas, enrolladas, pulidas y rotas. Rara vez se conservan intactas obras de gran tamaño, lo que las hace muy valoradas en el mercado de arte internacional. Las figuras de terracota son cabezas y cuerpos humanos huecos, construidos en espiral, casi de tamaño natural que se representan con rasgos muy estilizados, abundante joyería y posturas variadas.

Se sabe poco sobre la función original de las piezas, pero las teorías incluyen la representación de antepasados, marcadores de tumbas y amuletos para prevenir el fracaso de las cosechas, la infertilidad y las enfermedades. Además, según las bases en forma de cúpula encontradas en varias figuras, podrían haber sido utilizadas como remates para los techos de estructuras antiguas. Margaret Young-Sanchez, curadora asociada de arte de las Américas, África y Oceanía en el Museo de Arte de Cleveland , explica que la mayoría de las cerámicas Nok fueron moldeadas a mano a partir de arcilla de grano grueso y esculpidas sustractivamente de una manera que sugiere una influencia de la talla de madera. Después de un tiempo de secado, las esculturas se cubrieron con engobe y se pulieron para producir una superficie lisa y brillante. Las figuras son huecas, con varias aberturas para facilitar el secado y la cocción completos. El proceso de cocción probablemente se parecía al que se usa hoy en Nigeria, en el que las piezas se cubren con hierba, ramitas y hojas y se queman durante varias horas.

Como resultado de la erosión y la deposición naturales, las terracotas Nok se dispersaron a distintas profundidades por las praderas del Sahel, lo que dificultó la datación y clasificación de los misteriosos artefactos. Se encontraron dos sitios arqueológicos, Samun Dukiya y Taruga , que contenían arte Nok que había permanecido inalterado. Las pruebas de radiocarbono y termoluminiscencia redujeron la edad de las esculturas a entre 2000 y 2500 años atrás, lo que las convierte en algunas de las más antiguas de África occidental. Se recuperaron muchas más fechas en el curso de nuevas excavaciones arqueológicas, lo que extiende los inicios de la tradición Nok aún más atrás en el tiempo. ^[45]

Debido a las similitudes entre los dos sitios, el arqueólogo Graham Connah cree que "las obras de arte de Nok representan un estilo que fue adoptado por una variedad de sociedades agrícolas que utilizaban hierro de diferentes culturas, en lugar de ser la característica diagnóstica de un grupo humano en particular, como a menudo se ha afirmado".

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  Figura sentada de Nok ; siglo V a. C. – siglo V d. C.; terracota; 38 cm (1 pie 3 pulgadas); Museo del Quai Branly (París). En esta obra de Nok, la cabeza es considerablemente más grande que el cuerpo que la sostiene, pero la figura posee detalles elegantes y un enfoque poderoso. La protuberancia nítida de la barbilla representa una barba. Los collares forman un cono alrededor del cuello y mantienen el enfoque en el rostro.
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  Fragmento de relieve con cabezas y figuras; siglo V a. C. – siglo V d. C.; longitud: 50 cm (20 in), altura: 54 cm (21 in), anchura: 50 cm (20 in); terracota; Museo del Quai Branly. Como la mayoría de los estilos artísticos africanos, el estilo Nok se centra principalmente en las personas, rara vez en los animales. Todas las estatuas Nok son muy estilizadas y similares en el sentido de que tienen este ojo de forma triangular con una pupila perforada y cejas arqueadas.
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  Cabeza masculina; 550–50 a. C.; terracota; Museo de Brooklyn ( Nueva York , EE. UU.). La boca de esta cabeza está ligeramente abierta. Tal vez sugiera que habla, que la figura tiene algo que decirnos. Se trata de una figura que parece estar en medio de una conversación. Los ojos y las cejas sugieren una calma interior o una serenidad interior.
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  Figura masculina; terracota; Instituto de Arte de Detroit ( Michigan , EE. UU.)

El arte de Benín es el arte del Reino de Benín o Imperio Edo (1440–1897), un estado africano precolonial ubicado en lo que ahora se conoce como la región Sur-Sur de Nigeria. Los Bronces de Benín son un grupo de más de mil placas de metal y esculturas que decoraban el palacio real del Reino de Benín en lo que hoy es Nigeria. ^[a] En conjunto, los objetos forman los ejemplos más conocidos del arte de Benín , creado a partir del siglo XIII en adelante, por el pueblo Edo , que también incluía otras esculturas en latón o bronce, incluidas algunas famosas cabezas de retratos y piezas más pequeñas.

En 1897, la mayoría de las placas y otros objetos de la colección fueron tomados por una fuerza británica durante la Expedición a Benín de 1897 , que tuvo lugar mientras se consolidaba el control británico en el sur de Nigeria . ^[48] Doscientas de las piezas fueron llevadas al Museo Británico , mientras que el resto fueron adquiridas por otros museos de Europa. ^[49] Hoy en día, una gran cantidad se encuentran en el Museo Británico, ^[48] así como en otras colecciones notables en museos alemanes y estadounidenses. ^[50]

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  Placa con guerreros y asistentes; siglos XVI-XVII; latón; altura: 47,6 cm (18 3 ⁄ 4 in.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Placa ecuestre que representa a un Oba a caballo con sus asistentes; entre 1550 y 1680; latón; altura: 49,5 cm (19 7 ⁄ 16 in.), ancho: 41,9 (16 1 ⁄ 2 in.), diámetro: 11,4 cm (4 1 ⁄ 2 in.); Museo Metropolitano de Arte
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  Placa que probablemente representa a un músico; siglo XVII; bronce; 48,26 cm (19 in.) x 18,42 (7 1 ⁄ 4 in.) x 8,89 cm (3 1 ⁄ 2 in.), irregular; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
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  Figura de gallo; siglo XVIII; latón; tamaño total: 45,4 cm (17 7 ⁄ 8 in.); Museo Metropolitano de Arte
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  Cabeza de bronce de la reina Idia ; principios del siglo XVI; bronce; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Se conocen cuatro cabezas de bronce fundido de la reina que actualmente se encuentran en las colecciones del Museo Británico , el Museo Mundial ( Liverpool ), el Museo Nacional de Nigeria ( Lagos ) y el Museo Etnológico de Berlín.
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  Leopardo de aguamanil; siglo XVII; latón; Museo Etnológico de Berlín. Los leopardos de bronce se utilizaban para decorar el altar del oba. El leopardo, símbolo de poder, aparece en numerosas placas de bronce procedentes del palacio del oba.
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  Figura de un músico que toca un cuerno; 1504–1550; aleación de cobre; 62,2 x 21,6 x 15,2 cm (24 1 ⁄ 2 x 8 1 ⁄ 2 x 6 in.); Museo de Brooklyn (Nueva York). Toca un cuerno o una flauta con la mano derecha, pero su brazo izquierdo está truncado. También lleva una gorra de red con un diseño de chevrones decorada con una pluma.
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  Máscara de marfil de Benín de la reina madre Idia ; siglo XVI; marfil, hierro y cobre; Museo Metropolitano de Arte. Una de las cuatro máscaras colgantes de marfil relacionadas entre las preciadas insignias del Oba de Benín ; tomada durante la Expedición a Benín de 1897 en el Protectorado del Sur de Nigeria

Los igbo producen una amplia variedad de arte, incluidas figuras tradicionales, máscaras, artefactos y textiles, además de obras en metales como el bronce. Se han encontrado obras de arte de los igbo que datan del siglo IX, como los artefactos de bronce encontrados en Igbo Ukwu . Sus máscaras son similares a las de los fang , ya que comparten una combinación de colores blanco y negro en aproximadamente las mismas áreas.

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  Máscara de espíritu de doncella; principios del siglo XX; madera y pigmento; Museo de Brooklyn ( Nueva York , EE. UU.)
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  Máscara conocida como la Reina de las Mujeres ( Eze Nwanyi ); finales del siglo XIX-principios del XX; madera y pigmento; Museo de Arte de Birmingham ( Alabama , EE. UU.)
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  Vasija ceremonial de bronce en forma de concha de caracol; siglo IX; Igbo-Ukwu ; Museo Nacional de Nigeria ( Lagos , Nigeria)
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  Cabeza de bastón ornamental de bronce; siglo IX; Igbo-Ukwu ; Museo Nacional de Nigeria
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  Figura femenina para un pequeño templo; siglo XX; Museo de Arte de Indianápolis

El arte yoruba es más conocido por las cabezas de Ife , hechas de cerámica, latón y otros materiales. Gran parte de su arte está asociado con las cortes reales. También produjeron máscaras y puertas elaboradas, llenas de detalles y pintadas en colores brillantes, como azul, amarillo, rojo y blanco.

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  Cabeza de un rey o dignatario; siglos XII-XV d. C.; terracota; Museo Etnológico de Berlín (Alemania); descubierta en Ife (Nigeria)
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  Máscara de Obalufon II ; alrededor de 1300 d. C.; cobre; altura: 29,2 cm; descubierta en Ife ; Museo de Antigüedades de Ife ( Ife , Nigeria) ^[51]
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  Cabeza de bronce de Ife ; siglos XII-XV; latón ; Museo Británico (Londres)
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  máscara gelede; alrededor de 1900-1915; Instituto de Artes de Detroit (EE.UU.)
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  Par de paneles de puerta y dintel; circa 1910-1914; obra de Olowe de Ise ; ( Museo Británico , Londres)

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  Puerta tallada; circa 1920–1940; madera con grapas de hierro; obra del pueblo Nupe ; Museo de Arte Hood ( Hanover , New Hampshire , EE. UU.)
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  Tocado; principios del siglo XX; madera, piel de antílope, cestería, caña, metal; del pueblo Ejagham ; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
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  Tocado; principios del siglo XX; madera, pelo; pueblo Idoma ; Museo de Arte de Cleveland
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  Máscara de otobo (hipopótamo); del pueblo Kalabari ; Museo Británico (Londres)

Los principales grupos étnicos de Mali son los bambara (también conocidos como bamana) y los dogones. Otros grupos étnicos más pequeños son los marka y los bozos, pescadores del río Níger . Las civilizaciones antiguas florecieron en zonas como Djene y Tombuctú, donde se han desenterrado una gran variedad de figuras antiguas de bronce y terracota.

Djenné-Djenno es famosa por sus figurillas que representan a seres humanos y animales, como serpientes y caballos. Están hechas de terracota, un material que se utiliza en África occidental desde hace unos diez mil años.

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  Figura sentada de terracota; siglo XIII; loza; 29,9 cm (11 3 ⁄ 4  in.) de alto; Museo Metropolitano de Arte ( Nueva York , EE. UU.) Las marcas y hendiduras en relieve en la espalda de esta figura encorvada de Djenné pueden representar una enfermedad o, más probablemente, patrones de sacrificio. La expresión facial y la pose podrían representar a un individuo de luto o dolorido
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  Figura femenina; siglos XIII-XV; terracota recubierta de ocre rojo; altura: 37,5 cm (14,8 in), anchura: 31 cm (12 in), profundidad: 24 cm (9,4 in); Museo del Quai Branly (París)
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  Figura ecuestre; siglos XIII-XV; altura: 70,5 cm; Museo Nacional de Arte Africano ( Washington DC , EE. UU.)
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  Figura masculina; siglos XIV-XVII; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)

El pueblo bambara ( bambara : bamanankaw ) adaptó muchas tradiciones artísticas y comenzó a crear piezas de exhibición. Antes de que el dinero fuera el principal impulso para la creación de sus obras de arte, utilizaban sus habilidades únicamente como un oficio sagrado para exhibir orgullo espiritual, creencias religiosas y exhibir costumbres. Entre los ejemplos de obras de arte se incluye la máscara bamana n'tomo . Se crearon otras estatuas para personas como cazadores y agricultores para que otros pudieran dejar ofrendas después de largas temporadas agrícolas o cacerías en grupo. Las variaciones estilísticas en el arte bambara son esculturas extremas, máscaras y tocados que muestran rasgos estilizados o realistas y pátinas desgastadas o incrustadas. Hasta hace muy poco, la función de las piezas bambara estaba envuelta en misterio, pero en los últimos veinte años, los estudios de campo han revelado que ciertos tipos de figuras y tocados estaban asociados con varias de las sociedades que estructuran la vida bambara. Durante la década de 1970 se identificó un grupo de aproximadamente veinte figuras, máscaras y tocados TjiWara pertenecientes al llamado "estilo Segou". El estilo es distintivo y reconocible por sus típicas caras planas, narices en forma de flecha, escarificaciones triangulares por todo el cuerpo y, en las figuras, manos abiertas.

Máscaras

Existen tres tipos principales y uno secundario de máscaras bambara . El primer tipo, utilizado por la sociedad N'tomo, tiene una estructura típica en forma de peine sobre la cara, se usa durante las danzas y puede estar cubierto con conchas de cauri. El segundo tipo de máscara, asociado con la sociedad Komo, tiene una cabeza esférica con dos cuernos de antílope en la parte superior y una boca agrandada y aplanada. Se utilizan durante las danzas, pero algunas tienen una pátina incrustada espesa adquirida durante otras ceremonias en las que se vierten libaciones sobre ellas.

El tercer tipo tiene conexiones con la sociedad Nama y está tallado en forma de una cabeza de pájaro articulada, mientras que el cuarto tipo, de menor importancia, representa una cabeza de animal estilizada y es utilizado por la sociedad Kore. Se sabe que existen otras máscaras Bambara, pero a diferencia de las descritas anteriormente, no se las puede vincular a sociedades o ceremonias específicas. Los talladores Bambara se han ganado una reputación por los tocados zoomorfos que usan los miembros de la sociedad Tji-Wara. Aunque todos son diferentes, todos muestran un cuerpo muy abstracto, que a menudo incorpora un motivo en zigzag, que representa el curso del sol de este a oeste, y una cabeza con dos grandes cuernos. Los miembros Bambara de la sociedad Tji-Wara usan el tocado mientras bailan en sus campos en la época de la siembra, con la esperanza de aumentar el rendimiento de la cosecha.

Estatuillas

Las estatuillas bambara se utilizan principalmente durante las ceremonias anuales de la sociedad Guan. Durante estas ceremonias, un grupo de hasta siete figuras, que miden entre 80 y 130 cm de altura, son retiradas de sus santuarios por los miembros más ancianos de la sociedad. Las esculturas son lavadas, reengrasadas y se les ofrecen sacrificios en sus santuarios. Estas figuras, algunas de las cuales datan de entre los siglos XIV y XVI, suelen mostrar un típico peinado con cresta, a menudo adornado con un talismán.

Dos de estas figuras tenían un gran significado: una figura de maternidad sentada o de pie llamada Guandousou –conocida en Occidente como la «reina bambara»– y una figura masculina llamada Guantigui, que suele aparecer sosteniendo un cuchillo. Las dos figuras estaban rodeadas por figuras de asistentes guannyeni de pie o sentadas en diversas posiciones, sosteniendo un recipiente, un instrumento musical o sus pechos. Durante la década de 1970, entraron en el mercado numerosas falsificaciones de Bamako basadas en estas esculturas. Se produjeron en Bamako.

Se cree que otras figuras bambara, llamadas Dyonyeni, están asociadas a la sociedad Dyo del sur o a la sociedad Kwore. Estas figuras femeninas o hermafroditas suelen aparecer con rasgos geométricos como grandes pechos cónicos y miden entre 40 y 85 cm de altura. Los miembros herreros de la sociedad Dyo las utilizaban durante las danzas para celebrar el final de sus ceremonias de iniciación. Eran manipuladas, sostenidas por bailarines y colocadas en el centro del círculo ceremonial.

Entre el corpus de figuras bambara, las esculturas boh son quizás las más conocidas. Estas estatuas representan una figura animal o humana muy estilizada y están hechas de madera que se recubre repetidamente con gruesas capas de tierra impregnadas de materiales sacrificiales como mijo, sangre de pollo o de cabra, nueces de cola y bebidas alcohólicas. Eran empleadas por las sociedades kono y komo y servían como receptáculos para fuerzas espirituales, y podían, a su vez, usarse con fines apotropaicos.

Cada rasgo creativo especial que obtenía una persona era visto como una forma diferente de complacer a los espíritus superiores.

El arte dogón consiste principalmente en esculturas. Su arte gira en torno a los valores religiosos , ideales y libertades dogones (Laude, 19). Las esculturas dogones no están hechas para ser vistas en público y, por lo general, se ocultan de la vista del público en las casas de las familias, santuarios o se guardan en casa de los hogones (Laude, 20). La importancia del secreto se debe al significado simbólico que hay detrás de las piezas y al proceso mediante el cual se realizan.

Los temas que se encuentran en toda la escultura dogon consisten en figuras con los brazos levantados, figuras barbudas superpuestas, jinetes, taburetes con cariátides, mujeres con niños, figuras que se cubren el rostro, mujeres moliendo mijo perlado, mujeres que llevan vasijas sobre sus cabezas, burros que llevan copas, músicos, perros, abrevaderos o bancos con forma de cuadrúpedo, figuras que se inclinan desde la cintura, imágenes especulares, figuras con delantal y figuras de pie (Laude, 46-52). En el arte dogon son evidentes los signos de otros contactos y orígenes. El pueblo dogon no fue el primer habitante de los acantilados de Bandiagara. La influencia del arte tellem es evidente en el arte dogon debido a sus diseños rectilíneos (Laude, 24).

El arte dogón es extremadamente versátil, aunque en las estatuas se aprecian características estilísticas comunes, como la tendencia a la estilización. Su arte trata de los mitos cuyo complejo conjunto regula la vida del individuo. Las esculturas se conservan en innumerables lugares de culto, altares personales o familiares, altares para la lluvia, altares para proteger a los cazadores, en el mercado. Como caracterización general de las estatuas dogones, se podría decir que representan el cuerpo humano de forma simplificada, reduciéndolo a lo esencial. Algunas son extremadamente alargadas, con énfasis en las formas geométricas. La impresión subjetiva es de inmovilidad con un sentido misterioso de gravedad solemne y majestuosidad serena, aunque transmite al mismo tiempo un movimiento latente. La escultura dogón recrea las siluetas hermafroditas de los Tellem, con los brazos en alto y una gruesa pátina hecha de sangre y cerveza de mijo. Las cuatro parejas Nommo, los antepasados ​​míticos nacidos del dios Amma, adornan taburetes, pilares o casas de reunión de hombres, cerraduras de puertas y puertas de graneros. La pareja primigenia está representada sentada en un taburete cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; ambos están conectados entre sí por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto de la fertilidad, encarnando al primer antepasado fallecido en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de las mujeres que esperan un hijo.

Las estatuas arrodilladas de espíritus protectores se colocan a la cabeza de los muertos para absorber su fuerza espiritual y ser sus intermediarios con el mundo de los muertos, al que acompañan al difunto antes de ser colocados de nuevo en los santuarios de los antepasados. Los jinetes recuerdan el hecho de que, según el mito, el caballo fue el primer animal presente en la tierra. El estilo dogón ha evolucionado hacia una especie de cubismo: cabeza ovoide, hombros cuadrados, extremidades afiladas, pechos, antebrazos y muslos puntiagudos en un plano paralelo, peinados estilizados por tres o cuatro líneas incisas. Las esculturas dogones sirven como médium físico en las iniciaciones y como explicación del mundo. Sirven para transmitir una comprensión a los iniciados, que descifrarán la estatua según su nivel de conocimiento. Figuras de animales talladas, como perros y avestruces, se colocan en los altares de las fundaciones de las aldeas para conmemorar a los animales sacrificados, mientras que las puertas de los graneros, los taburetes y los postes de las casas también están adornados con figuras y símbolos.

Existen cerca de ochenta estilos de máscaras, pero su característica básica es la gran audacia en el uso de formas geométricas, independientemente de los diversos animales que se supone que representan. La estructura de un gran número de máscaras se basa en la interacción de líneas y formas verticales y horizontales. Otro gran grupo tiene formas triangulares y cónicas. Todas las máscaras tienen grandes ojos geométricos y rasgos estilizados. Las máscaras suelen ser policromadas, pero en muchas se ha perdido el color; después de las ceremonias se dejaban en el suelo y se deterioraban rápidamente debido a las termitas y otras condiciones. Los dogones continúan una antigua tradición de mascaradas, que conmemora el origen de la muerte. Según sus mitos, la muerte llegó al mundo como resultado de las transgresiones del hombre primitivo contra el orden divino. Las ceremonias memoriales de Dama se celebran para acompañar a los muertos al reino ancestral y restablecer el orden en el universo. La actuación de mascaradas, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de las dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales suelen ser específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un hombre dogón . Las máscaras dogón evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros del culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.

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  Persona que lleva una máscara de Satimbe
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  Figura de una mujer arrodillada; alrededor de 1500; madera; altura: 35,2 cm (13 7 ⁄ 8 in.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Figura ecuestre; siglos XVI-XVII; madera; altura: 68,9 cm (27 1 ⁄ 8 in.); Museo Metropolitano de Arte
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  Taburete; posiblemente de finales del siglo XIX o principios del XX; madera y pigmento; Museo Nacional de Arte Africano ( Washington DC , EE. UU.)

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  Imagen en blanco y negro de una figura femenina con el brazo levantado; siglos XV-XVII; madera (ficus, moraceae), materiales de sacrificio; altura: 44,8 cm (17 5 ⁄ 8 in.); del pueblo Tellem ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Figura zoomorfa; Siglo XII-XVI; por la cultura Tennenkou; Museo de Arte Africano Arellano Alonso ( Valladolid , España)
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  Figurilla ecuestre; por la cultura Bankoni; Museo de Arte Africano Arellano Alonso

Burkina Faso es un pequeño país sin salida al mar situado al norte de Ghana y al sur de Malí y Níger. Económicamente, es uno de los cuatro o cinco países más pobres del mundo. Culturalmente, es extremadamente rico. En parte, esto se debe a que muy pocos burkineses se han convertido al islam o al cristianismo. ^[52] Muchas de las antiguas tradiciones artísticas por las que África es tan conocida se han conservado en Burkina Faso porque mucha gente sigue honrando a los espíritus ancestrales y a los espíritus de la naturaleza. En gran parte, honran a los espíritus mediante el uso de máscaras y figuras talladas. Muchos de los países al norte de Burkina Faso se han vuelto predominantemente musulmanes, mientras que muchos de los países al sur de Burkina Faso son predominantemente cristianos. En contraste, muchos de los habitantes de Burkina Faso siguen ofreciendo oraciones y sacrificios a los espíritus de la naturaleza y a los espíritus de sus antepasados. El resultado es que siguen utilizando el tipo de arte que vemos en los museos de Europa y América. ^[53]

Uno de los principales obstáculos para comprender el arte de Burkina Faso, incluido el de los bwa, ha sido la confusión entre los estilos de los bwa, "gurunsi", y los mossi, y la confusión de los bwa con sus vecinos del oeste, los bobo. Esta confusión fue el resultado de la utilización por parte de los oficiales coloniales franceses de intérpretes jula a principios del siglo. Estos intérpretes consideraban que los dos pueblos eran el mismo y por eso se referían a los bobo como "bobo-fing" y a los bwa como "bobo-oule". De hecho, estos dos pueblos no están relacionados en absoluto. Sus lenguas son bastante diferentes, sus sistemas sociales son bastante diferentes y, sin duda, su arte es bastante diferente. En términos de estilos artísticos, la confusión surge del hecho de que los bwa, "gurunsi'" y los mossi hacen máscaras que están cubiertas de patrones gráficos geométricos de color rojo, blanco y negro. Este es simplemente el estilo de los pueblos voltaicos o gur, y también incluye a los dogones y otros pueblos que hablan lenguas voltaicas. ^[54]

Los pueblos baoulé , senoufo y dan son expertos en tallar madera y cada cultura produce máscaras de madera en una gran variedad. Los marfileños utilizan máscaras para representar animales en caricaturas , para representar a deidades o para representar las almas de los difuntos.

Como se cree que las máscaras tienen un gran poder espiritual, se considera un tabú que cualquier persona que no haya recibido una formación especial o haya sido elegida use o posea ciertas máscaras. Se cree que cada una de estas máscaras ceremoniales tiene un alma o fuerza vital, y se cree que usarlas transforma a quien las usa en la entidad que representa la máscara.

Costa de Marfil también cuenta con pintores e ilustradores modernos. Gilbert G. Groud ^[55] critica las antiguas creencias en la magia negra , tal como se practicaba con las máscaras espirituales mencionadas anteriormente, en su libro ilustrado Magie Noire .

Alrededor del lago Turkana existen antiguos petroglifos que representan figuras humanas y animales. Las tribus bantúes construyen postes funerarios y aún se realizan esculturas de cabezas humanas sobre diseños geométricos. Aunque los postes originales ya no existen, se cree que estas creaciones más recientes son una continuación de la práctica. El pueblo kikuyu también continúa los diseños de la antigua tradición en los diseños pintados en sus escudos. ^[56]

Entre los artistas bantúes contemporáneos de Kenia se encuentra Elimo Njau, fundador del Paa Ya Paa Art Centre, un taller de artistas con sede en Nairobi. ^[57] De la Escuela de Bellas Artes y Diseño de la Universidad de Nairobi vinieron Bulinya Martins y Sarah Shiundu. Las dos, en virtud de haber aprendido muchas técnicas básicas en diseño, son altamente innovadoras tanto en estilo, uso del color y ejecución. A diferencia de la mayoría de los artistas contemporáneos de Kenia, pintan utilizando óleos, acrílicos y acuarelas y/o combinaciones. ^{[58] [59]}

El Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana tiene una gran colección de objetos de arte tradicional de Kenia, incluyendo joyas, recipientes, armas, bastones, reposacabezas, taburetes, utensilios y otros objetos disponibles en línea. ^[60]

El arte etíope desde el siglo IV hasta el siglo XX se puede dividir en dos grandes grupos. En primer lugar, está la tradición distintiva del arte cristiano, principalmente para iglesias, en formas que incluyen pintura , cruces , iconos , manuscritos iluminados y otros trabajos en metal como coronas. En segundo lugar, están las artes y artesanías populares, como los textiles, la cestería y la joyería , en las que las tradiciones etíopes son más cercanas a las de otros pueblos de la región. Su historia se remonta a casi tres mil años, al reino de D'mt . La Iglesia Ortodoxa Etíope Tewahedo ha sido la religión predominante en Etiopía durante más de 1500 años, durante la mayor parte de este período en una relación muy estrecha, o unión, con el cristianismo copto de Egipto , de modo que el arte copto ha sido la principal influencia formativa en el arte de la iglesia etíope.

El arte rupestre prehistórico comparable al de otros sitios africanos sobrevive en varios lugares y, hasta la llegada del cristianismo, se erigieron estelas de piedra , a menudo talladas con relieves simples, como marcadores de tumbas y para otros fines en muchas regiones; Tiya es un sitio importante. La cultura de la Edad de Hierro "pre-Axumita" de aproximadamente el siglo V a. C. al siglo I d. C. estuvo influenciada por el Reino de Kush al norte y los colonos de Arabia , y produjo ciudades con templos simples en piedra, como el en ruinas de Yeha , que es impresionante ^{[ opinión ]} para su fecha en el siglo IV o V a. C.

El poderoso reino de Aksum surgió en el siglo I a. C. y dominó Etiopía hasta el siglo X, habiéndose convertido en gran parte del cristianismo a partir del siglo IV. ^{[61] Aunque existen algunos edificios y grandes} estelas precristianas , no parece que haya sobrevivido arte cristiano etíope del período axumita. Sin embargo, las primeras obras que quedan muestran una clara continuidad con el arte copto de períodos anteriores. Hubo una considerable destrucción de iglesias y sus contenidos en el siglo XVI cuando el país fue invadido por vecinos musulmanes. El resurgimiento del arte posterior estuvo influenciado por el arte católico europeo tanto en la iconografía como en los elementos de estilo, pero mantuvo su carácter etíope. En el siglo XX, el gobierno comenzó a encargar trabajos a artistas y arquitectos occidentales y a formar a estudiantes locales, y se produjo un arte más plenamente occidentalizado junto con la continuación del arte eclesiástico tradicional. ^[61]

Las pinturas eclesiásticas en Etiopía probablemente se produjeron ya en la introducción del cristianismo en el siglo IV d. C., ^[62] aunque los primeros ejemplos supervivientes proceden de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray , que data del siglo XI d. C. ^[63] Sin embargo, los seguidores del profeta islámico Mahoma del siglo VII d. C. que huyeron a Axum en un exilio temporal mencionaron que la Iglesia original de Nuestra Señora María de Sión estaba decorada con pinturas. ^[63] Otras pinturas tempranas incluyen las de las iglesias excavadas en la roca de Lalibela , que datan del siglo XII d. C., y en la cercana Geneta Maryam, que datan del siglo XIII d. C. ^[63] Sin embargo, las pinturas de los manuscritos iluminados son anteriores a las primeras pinturas eclesiásticas supervivientes; por ejemplo, los Evangelios etíopes de Garima de los siglos IV-VI d. C. contienen escenas iluminadas que imitan el estilo bizantino contemporáneo . ^[64]

La pintura etíope, en las paredes, en los libros y en los iconos , ^[65] es muy distintiva, aunque el estilo y la iconografía están estrechamente relacionados con la versión copta simplificada del arte cristiano bizantino y de la Antigüedad Tardía . A partir del siglo XVI, el arte de la iglesia católica romana y el arte europeo en general comenzaron a ejercer cierta influencia. Sin embargo, el arte etíope es muy conservador y conservó gran parte de su carácter distintivo hasta los tiempos modernos. La producción de manuscritos iluminados para su uso continuó hasta la actualidad. ^[66]

Otra forma importante del arte etíope , también relacionada con los estilos coptos, son las cruces hechas de madera y metal. ^{[67] [68]} Suelen ser de aleación de cobre o latón , bañadas (al menos originalmente) con oro o plata. Las cabezas son típicamente placas planas fundidas con una decoración calada elaborada y compleja . El motivo de la cruz emerge de la decoración, y todo el diseño a menudo forma una forma cuadrada o circular rotada, aunque los diseños son muy variados e inventivos. Muchas incorporan motivos curvos que se elevan desde la base, que se denominan "brazos de Adán ". Excepto en ejemplos recientes de influencia occidental, por lo general no tienen cuerpo o figura de Cristo, y el diseño a menudo incorpora numerosas cruces más pequeñas. A veces se han añadido imágenes figurativas grabadas. Las cruces son en su mayoría cruces procesionales , con la cabeza de metal montada en un largo bastón de madera, llevadas en procesiones religiosas y durante la liturgia , o cruces de mano, con un mango de metal más corto en la misma fundición que la cabeza. También son comunes las cruces más pequeñas que se usan como joyería.

Etiopía tiene una gran diversidad étnica y lingüística, y los estilos de artesanía tradicional secular varían enormemente en las distintas partes del país. Existe una variedad de tradiciones en materia de textiles, muchos de ellos con decoración geométrica tejida, aunque muchos tipos también suelen ser sencillos. Las prácticas eclesiásticas etíopes hacen un gran uso de textiles coloridos, y los tipos más elaborados se utilizan ampliamente como vestimentas eclesiásticas y como tapices, cortinas y envolturas en las iglesias, aunque ahora han sido reemplazados en gran medida por telas occidentales. Se pueden ver ejemplos de ambos tipos en la imagen que aparece en la parte superior del artículo. Los iconos normalmente se pueden cubrir con un velo con una tela semitransparente u opaca; la tela de algodón tipo gasa muy fina es una especialidad de Etiopía, aunque generalmente no tiene patrón.

En las zonas rurales de Etiopía es común la cestería colorida con una estructura en espiral. Los productos tienen muchos usos, como almacenar granos, semillas y alimentos y usarse como mesas y cuencos. La ciudad musulmana de Harar es bien conocida por su cestería de alta calidad ^[69] , y muchos productos artesanales de la minoría musulmana se relacionan con tradiciones decorativas islámicas más amplias.

El arte de Tanzania es conocido por las pinturas de artistas modernos como Tinga Tinga o George Lilanga , y por las esculturas tradicionales y modernas de Makonde . Al igual que en otras regiones, también existe una tradición diversificada de producción de arte textil . ^[9]

El arte Tinga Tinga tiene sus raíces en la decoración de las paredes de las chozas del centro y sur de Tanzania. Fue en 1968, cuando Edward Said Tingatinga empezó a pintar sobre láminas de madera con colores esmaltados, cuando el arte Tinga Tinga se hizo conocido. El arte de los Makonde debe subdividirse en diferentes áreas. Los Makonde son conocidos como maestros talladores en toda África Oriental, y sus estatuas se pueden encontrar a la venta en mercados turísticos y en museos por igual. Tradicionalmente tallan objetos domésticos, figuras y máscaras. Desde la década de 1950 se ha desarrollado el llamado Arte Makonde Moderno. Un paso esencial fue el paso a las figuras abstractas, en su mayoría espíritus ( Shetani ), que desempeñan un papel especial. Los Makonde también forman parte de los artistas contemporáneos importantes de África en la actualidad. Una posición destacada la ocupa George Lilanga.

El Reino Kuba (también conocido como Reino de los Bakuba, Songora o Bushongo) fue un reino precolonial de África Central . El Reino Kuba floreció entre los siglos XVII y XIX en la región delimitada por los ríos Sankuru , Lulua y Kasai, en el sureste de la actual República Democrática del Congo . Gran parte del arte se creó para las cortes de jefes y reyes y estaba profusamente decorado, incorporando conchas de cauri y pieles de animales (especialmente de leopardo) como símbolos de riqueza, prestigio y poder. Las máscaras también son importantes para los Kuba. Se utilizan tanto en los rituales de la corte como en la iniciación de los niños en la edad adulta, así como en los funerales.

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  Máscara Ngady-Mwash; siglo XIX; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Los colores, rojo, marrón y beige crean una atmósfera cálida de sabana, en contraste con las filas de cuentas azules. Como muchas otras máscaras Kuba, esta está decorada con conchas de cauri . Como muchos tipos de máscaras Kuba, la máscara Ngady-Mwash está profusamente policromada o multicolor.
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  Máscara Mulwalwa; siglo XIX o principios del XX; madera pintada y rafia; Museo Etnológico de Berlín. Esta máscara encarna un poderoso espíritu de la naturaleza. Como no tiene agujeros por los que el artista pueda ver, probablemente estaba montada en una pared en un campo de iniciación, lo que indicaba que la iniciación estaba casi completa
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  Máscara Pwoom Itok; finales del siglo XIX; 39,1 x 28,6 x 29,8 cm (15 3 ⁄ 8 x 11 1 ⁄ 4 x 11 3 ⁄ 4 pulgadas); Museo de Brooklyn (EE. UU.). Esta máscara puede haber representado a un hombre mayor sabio en las iniciaciones de los niños. Una de las principales máscaras de danza kuba se llama pwoom itok. La principal característica de identificación es la forma de los ojos, cuyos centros son conos rodeados de agujeros a través de los cuales el portador ve.
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  Cinturón (aún); posiblemente de principios del siglo XX; cordón, cuero, cuentas de vidrio, conchas; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.). Al igual que algunas de las máscaras, este cinturón está decorado con cuentas de colores
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  Ndop del rey Mishe miShyaang maMbul; 1760–1780; madera; 49,5 x 19,4 x 21,9 cm (19 1 ⁄ 2 x 7 5 ⁄ 8 x 8 5 ⁄ 8 pulgadas); Brooklyn Museum (Nueva York). Los ndops son retratos conmemorativos reales tallados por el pueblo kuba de África central . No son retratos naturalistas, sino que están pensados ​​como representaciones del espíritu del rey y como una encapsulación del principio de la realeza.
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  Copa de cabeza (Mbwoongntey); siglo XIX; madera; Museo de Brooklyn. Tiene un labio cilíndrico de una pulgada con decoración lineal. El cabello está formado por líneas entrecruzadas con un segmento elevado en forma de diamante en la parte posterior de la cabeza. Sus mejillas tienen escarificaciones multilineales curvas.
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  Itoon (instrumento de zahorí, en forma de hipopótamo ); siglo XIX; madera; 7,5 × 26,6 × 6,4 cm (2 15 ⁄ 16 × 10 1 ⁄ 2 × 2 1 ⁄ 2 pulgadas); Museo de Brooklyn
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  Tela; rafia ; 20,3 x 85,7 cm (8 x 33 3 ⁄ 4 in.); Museo de Brooklyn. En la cultura Kuba , los hombres son responsables del cultivo de la palma de rafia y del tejido de la tela de rafia . ^[70] Se producen varios tipos de tela de rafia para diferentes propósitos, la forma más común de los cuales es una tela tejida simple que se utiliza como base para la producción textil decorada.

El Reino de Luba o Imperio Luba (1585–1889) fue un estado centroafricano precolonial que surgió en las praderas pantanosas de la depresión de Upemba en lo que hoy es el sur de la República Democrática del Congo . Hoy en día, el pueblo luba o baLuba es un grupo etnolingüístico indígena de la región centro-sur de la República Democrática del Congo . ^[71] La mayoría de ellos vive en este país, residiendo principalmente en sus provincias de Katanga , Kasai y Maniema .

Al igual que en el reino de Kuba , el reino de Luba tenía en alta estima las artes. Un escultor tenía un estatus relativamente alto, que se demostraba mediante una azuela (hacha) que llevaba sobre su hombro. El arte de Luba no era muy uniforme debido al vasto territorio que controlaba el reino. Sin embargo, algunas características son comunes. El importante papel de la mujer en los mitos de la creación y la sociedad política dio lugar a que muchos objetos de prestigio estuvieran decorados con figuras femeninas.

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  Reposacabezas; siglo XIX; madera; altura: 18,5 cm (7,3 in), anchura: 19 cm (7,5 in), grosor: 8 cm (3,1 in); Museo del Quai Branly (París). Este reposacabezas presenta los peinados de los luba del siglo XIX, así como las extremidades largas, las piernas encorvadas hacia atrás, el torso cilíndrico y la pose dinámica típicas del artista que lo realizó.
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  Figura de una mujer de pie; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 27,9 × 8,3 × 10,2 cm (11 × 3 1 ⁄ 4 × 4 pulgadas); Museo de Brooklyn (Nueva York)
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  Polea de lizo con cabeza femenina; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 20,6 × 5,4 × 4,8 cm (8 1 ⁄ 8 × 2 1 ⁄ 8 × 1 7 ⁄ 8 pulgadas); Museo de Brooklyn
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  Máscara Kifwebe; madera; Museo Real de África Central ( Tervuren , Bélgica)

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  Vasija antropomorfa; principios del siglo XX; cerámica; 40,0 × 24,0 cm (15 3 ⁄ 4 × 9 1 ⁄ 2 pulgadas); del pueblo mangbetu ; Museo de Brooklyn (Nueva York)
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  Máscara de tablón (emangungu); posiblemente de principios del siglo XX; madera; del pueblo Bembe ; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
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  Cabeza de cetro, siglo XIX, del pueblo Yombe
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  Figura femenina; siglo XX; madera; del pueblo Lumbo; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
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  Máscara; principios del siglo XX; madera, rafia y pigmentos de colores; del pueblo Yaka ; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
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  Silla (trono) de un jefe; siglo XIX o principios del XX; madera; del pueblo hemba ; Museo Rietberg
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  Figura funeraria (tumba); siglo XIX; madera; por el pueblo sundi; Museo Rietberg
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  Máscara (kifwebe); madera; por el pueblo Songye ; Museo Real de África Central ( Tervuren , Bélgica )
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  Máscara Mbangu; madera, pigmentos y fibras; altura: 27 cm; obra del pueblo Pende ; Museo Real de África Central. Representando a un hombre perturbado, los ojos encapuchados en forma de V y los elementos artísticos de la máscara (superficies faciales, rasgos distorsionados y color dividido) evocan la experiencia de un conflicto interno personal.
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  Figura de tumba; esteatita ; del pueblo boma ; Museo Real de África Central. Las esculturas de piedra son extremadamente raras en el arte africano
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  Figura de un antepasado guerrero; siglo XIX; madera; 84,1 cm × 26 cm × 23,2 cm (33,1 in × 10,2 in × 9,1 in); del pueblo hemba ; Museo de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas , EE. UU.)
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  Estatuilla de una mujer; siglo XIX o principios del siglo XX; del pueblo Holoholo ; Museo Etnológico de Berlín (Alemania)

La civilización Sao estuvo presente en África central desde aproximadamente el siglo VI a. C. hasta el siglo XVI d. C. y vivió junto al río Chari, alrededor del lago Chad , en un territorio que luego pasó a formar parte de Camerún y Chad . Sus obras de arte más importantes son las figurillas de terracota, que representan a seres humanos y animales. Otros tipos de artefactos muestran que los Sao eran hábiles trabajadores del bronce , el cobre y el hierro . ^[72]

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  Figurilla antropomorfa; terracota ; Siglo IX-XVI; Museo del muelle Branly (París)
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  Figurilla antropomorfa; Siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
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  Figurilla antropomorfa; Siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
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  Figurilla antropomorfa; Siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
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  Cabeza; terracota; Museo de Historia Natural de La Rochelle ( La Rochelle , Francia)
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  Figura zoomorfa; Siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
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  Fragmento de pectoral; Siglo IX-XVI; aleación cuprosa; Museo del muelle Branly

Los fang elaboran máscaras y artículos de cestería, tallas y esculturas. El arte fang se caracteriza por una claridad organizada y líneas y formas definidas. Los bieri, cajas para guardar los restos de los antepasados, están tallados con figuras protectoras. Las máscaras se usan en ceremonias y para cazar. Los rostros están pintados de blanco con rasgos negros. El arte myene se centra en los rituales myene para la muerte. Las antepasadas femeninas están representadas por máscaras pintadas de blanco que usan los parientes masculinos. Los bekota usan latón y cobre para cubrir sus tallas. Usan cestas para guardar los restos ancestrales. El turismo es poco común en Gabón y, a diferencia de otros países africanos, el arte no se ve impulsado por el comercio.

En la parte norte de Botswana, las mujeres de los pueblos de Etsha y Gumare ^[73] son ​​conocidas por su habilidad para fabricar cestas de palma mokola y tintes locales . Las cestas se tejen generalmente en tres tipos: cestas grandes con tapa que se usan para almacenar; cestas grandes abiertas para llevar objetos en la cabeza o para aventar el grano trillado, y platos más pequeños para aventar el grano machacado. La artesanía de estas cestas se está mejorando constantemente mediante el uso de colores y diseños mejorados a medida que se producen cada vez más para uso comercial.

Las pruebas más antiguas son pinturas rupestres de Botsuana y Sudáfrica . Las representaciones de caza, tanto de animales como de figuras humanas, fueron realizadas por el pueblo San y datan de hace más de 20.000 años, antes de la civilización, en el desierto de Kalahari .

La cultura del Gran Zimbabwe dejó edificios más impresionantes que esculturas, ^{[ opinión ]} pero las ocho aves de Zimbabwe hechas de esteatita parecen haber tenido un significado especial y presumiblemente estaban montadas sobre monolitos . Los escultores zimbabuenses modernos en esteatita han logrado un éxito internacional considerable . Las figuras de arcilla más antiguas conocidas del sur de África datan del 400 al 600 d. C. y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.

El Reino de Mapungubwe (1075-1220) fue un estado precolonial del sur de África situado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo , al sur del Gran Zimbabue . La obra de arte más famosa de Mapungubwe es un pequeño rinoceronte dorado, conocido como el rinoceronte dorado de Mapungubwe . En otras tumbas de Mapengubwe se encontraron objetos hechos de hierro, oro, cobre, cerámica y cuentas de vidrio.

Los ndebele del sur son famosos por la forma en que pintan sus casas. Las formas geométricas distintivas contra colores fuertes y contrastantes forman la base del estilo ndebele, que abarcaba todo, desde la arquitectura hasta la vestimenta y las herramientas del pueblo. Si bien el color casi siempre ha tenido un papel en la expresión de emociones en el arte, los ndebele fueron una de las primeras tribus del sur de África en utilizar una amplia gama de colores para transmitir un significado específico como parte de sus propias vidas.

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  Murales en lengua ndebele de la Universidad de Maastricht ( Países Bajos )
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  Murales en lengua ndebele de la Universidad de Maastricht
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  Delantal o meputo con cuentas ; finales del siglo XIX y principios del XX; cuero, cuentas de vidrio, cuentas de metal, paja; 46,9 cm × 50,8 cm (18,5 in × 20,0 in); Museo de Arte de Birmingham ( Alabama , EE. UU.)

El arte "oficial" del Antiguo Egipto , que perduró durante 3000 años y treinta dinastías, se centró en la religión estatal de la época. El arte abarcaba desde tallas de piedra de estatuas enormes y pequeñas estatuillas hasta arte mural que representaba tanto la historia como la mitología. En el año 2600 a. C., la madurez de la talla egipcia alcanzó un punto álgido que no se recuperó hasta 1500 años después, durante el reinado de Ramsés II . ^[74]

Gran parte de las obras de arte poseen cierta rigidez, con figuras erguidas y rígidas de manera majestuosa. Las proporciones corporales también parecen derivadas de las matemáticas, lo que da lugar a una sensación de perfección fantástica en las figuras representadas. Es muy probable que esto se utilizara para reforzar la divinidad de la casta gobernante.

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  Ambos lados de la paleta de Narmer ; alrededor del 3100 a. C.; grauvaca ; altura: 63 cm (24 3 ⁄ 4 in.); procedente de Hieráconpolis (Egipto); Museo Egipcio ( El Cairo ). La paleta de Narmer es la declaración por excelencia de la mitología egipcia de la realeza. Es un claro manifiesto del poder real, pero también tiene múltiples capas de simbolismo.
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  Estela de la princesa Nefertiabet comiendo; 2589-2566 a. C.; piedra caliza y pintura; altura: 37,7 cm (14 7 ⁄ 8 in.), longitud: 52,5 cm (20 5 ⁄ 8 in.), profundidad: 8,3 cm (3 1 ⁄ 4 in.); procedente de Giza ; Louvre (París). Este relieve finamente ejecutado representa la garantía más sucinta de ofrenda perpetua para el difunto
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  Busto de Nefertiti ; 1352-1336 a. C.; piedra caliza, yeso y pintura; altura: 48 cm (19 7 ⁄ 8 in.); de Amarna (Egipto); Museo Egipcio de Berlín (Alemania). El busto de Nefertiti , que es quizá la imagen más emblemática de una mujer del mundo antiguo, es difícil de contextualizar porque parece tan excepcional.
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  La máscara de Tutankamón ; alrededor de 1327 a. C.; oro, vidrio y piedras semipreciosas; altura: 54 cm (21 1 ⁄ 4 in.), ancho: 39,3 cm (15 1 ⁄ 2 in.), profundidad: 49 cm (19 1 ⁄ 4 in.); del Valle de los Reyes ( Tebas , Egipto); Museo Egipcio. La máscara de momia de Tutankamón es quizás el objeto más emblemático que sobrevive del antiguo Egipto

Los habitantes de Nubia, que vivían en el sur de Egipto y la región norte de Sudán , desarrollaron estilos artísticos históricos similares a los de sus vecinos egipcios del norte. Sin embargo, el arte nubio no fue simplemente un producto de la colonización del antiguo Egipto, sino más bien debido a un intercambio mutuo de ideas e ideologías a lo largo del valle del Nilo . El arte más antiguo de la región proviene de la cultura Kerma , que fue contemporánea al Antiguo y Medio Reino de Egipto . El arte de este período exhibe loza egipcia junto con cerámica distintiva con tapa negra de origen nubio. En el último período Napatan del Reino de Kush , el arte mostró más influencia de Egipto, ya que la gente de la región adoraba a los dioses egipcios. ^{[75] [76]}

Después de estos períodos históricos, los habitantes de Sudán crearon obras de arte en diferentes estilos, tanto al estilo africano indígena como influenciados por las tradiciones del arte cristiano bizantino , islámico y moderno . ^[77]

Muchos museos de arte y etnográficos tienen una sección dedicada al arte del África subsahariana, por ejemplo, el Museo Británico , el Museo Quai Branly – Jacques Chirac en París, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo Etnológico de Berlín . No muchos museos occidentales están dedicados solo al arte africano, como el Museo de África en Bruselas , el Museo Nacional de Arte Africano en Washington, DC y el Museo de Arte Africano de Maryland en Columbia, Maryland . ^[78] Algunas universidades tienen colecciones de arte africano, por ejemplo, la Universidad Howard en Washington, DC y el Spelman College en Atlanta , Georgia.

Casi todos los países de África tienen al menos un museo nacional que alberga arte africano, a menudo en su mayor parte procedente de ese país, por ejemplo, el Museo Nacional de Sierra Leona y el Museo Nacional de Nigeria en Lagos . También hay muchos museos más pequeños en las provincias.

La exhibición de arte y artefactos africanos en museos europeos ha sido controvertida durante mucho tiempo de diversas maneras, y el " Informe sobre la restitución del patrimonio cultural africano " (2018), encargado por Francia, ha marcado un momento clave, que llevó a un aumento en la devolución de artefactos. Sin embargo, hay otros ejemplos, como el Museo de Arte Africano en Belgrado , que se inauguró en 1977 debido a las relaciones de Yugoslavia con muchos países africanos gracias al Movimiento de Países No Alineados . El museo se abrió con el deseo de familiarizar al pueblo de Yugoslavia con el arte y la cultura de África, ya que existía una noción profundamente arraigada de que Yugoslavia compartía una amistad con los países africanos gracias a sus luchas similares; todos los artículos originales de los museos fueron comprados legalmente por el embajador y periodista yugoslavo Zdravko Pečar y su esposa Veda Zagorac, mientras que las adquisiciones más recientes fueron compradas por el museo, recibidas como obsequios de yugoslavos que vivían en África o fueron obsequios diplomáticos al museo por parte de los embajadores de países africanos. ^[79]

El activista congoleño Mwazulu Diyabanza ha emprendido acciones directas contra museos europeos para recuperar objetos que, según él, pertenecen a África. ^{[80] [81]}

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• African Art Facts By CasildArt
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