Animación

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La animación es una técnica cinematográfica mediante la cual se manipulan imágenes fijas para crear imágenes en movimiento . En la animación tradicional , las imágenes se dibujan o pintan a mano en hojas de celuloide transparentes ( celdas ) para fotografiarlas y exhibirlas en película. La animación ha sido reconocida como un medio artístico, específicamente dentro de la industria del entretenimiento . Muchas animaciones son animaciones tradicionales o animaciones por computadora realizadas con imágenes generadas por computadora (CGI). La animación stop motion , en particular la animación con plastilina , ha seguido existiendo junto con estas otras formas.

La animación se contrasta con el cine de acción real , aunque no existen de forma aislada. Muchos cineastas han producido películas que son un híbrido de las dos . A medida que la CGI se aproxima cada vez más a las imágenes fotográficas , los cineastas pueden incorporar fácilmente animaciones 3D en sus películas en lugar de utilizar efectos prácticos para efectos visuales llamativos (VFX).

La animación por computadora puede ser una animación 3D muy detallada , mientras que la animación por computadora 2D (que puede tener el aspecto de la animación tradicional) se puede utilizar por razones de estilo, bajo ancho de banda o representaciones más rápidas en tiempo real . Otros métodos de animación comunes aplican una técnica de stop motion a objetos bidimensionales y tridimensionales como recortes de papel , marionetas o figuras de arcilla .

Una caricatura en el sentido de animación es una película animada, generalmente corta, que presenta un estilo visual exagerado. El estilo se inspira en las tiras cómicas , a menudo con animales antropomórficos , superhéroes o las aventuras de protagonistas humanos. Especialmente con animales que forman una relación natural depredador/presa (por ejemplo, gatos y ratones, coyotes y pájaros), la acción a menudo se centra en caídas violentas como caídas, colisiones y explosiones que serían letales en la vida real. Una caricatura también puede ser un dibujo humorístico, a menudo con los mismos elementos que las caricaturas animadas pero con versiones estáticas.

La ilusión de animación, como en las películas en general, se ha atribuido tradicionalmente a la persistencia de la visión y, más tarde, al fenómeno phi y al movimiento beta , pero las causas neurológicas exactas aún son inciertas. La ilusión de movimiento causada por una rápida sucesión de imágenes que difieren mínimamente entre sí, con interrupciones imperceptibles, es un efecto estroboscópico . Mientras que los animadores solían dibujar tradicionalmente cada parte de los movimientos y cambios de las figuras en celdas transparentes que podían moverse sobre un fondo separado, la animación por computadora generalmente se basa en rutas de programación entre fotogramas clave para maniobrar figuras creadas digitalmente a lo largo de un entorno creado digitalmente.

Los medios de animación mecánica analógica que se basan en la visualización rápida de imágenes secuenciales incluyen el fenaquistiscopio , el zootropo , el flip book , el praxinoscopio y el cine. La televisión y el vídeo son medios de animación electrónica populares que originalmente eran analógicos y ahora funcionan digitalmente . Para la visualización en ordenadores, se desarrollaron tecnologías como el GIF animado y la animación Flash .

Además de los cortometrajes , largometrajes , series de televisión , GIF animados y otros medios dedicados a la visualización de imágenes en movimiento, la animación también prevalece en los videojuegos , los gráficos en movimiento , las interfaces de usuario y los efectos visuales . ^[1]

El movimiento físico de partes de imágenes mediante mecanismos simples (por ejemplo, imágenes en movimiento en espectáculos de linternas mágicas ) también puede considerarse animación. La manipulación mecánica de marionetas y objetos tridimensionales para emular seres vivos tiene una larga historia en los autómatas . Los autómatas electrónicos fueron popularizados por Disney como animatronics .

La palabra animación proviene del latín animātiōn , raíz de animātiō , que significa 'otorgamiento de vida'. ^[2] El significado anterior de la palabra inglesa es 'vivacidad' y ha estado en uso mucho más tiempo que el significado de 'medio de imagen en movimiento'.

Mucho antes de que comenzara la animación moderna, el público de todo el mundo estaba cautivado por la magia de los personajes en movimiento. Durante siglos, maestros artistas y artesanos han dado vida a marionetas, autómatas , marionetas de sombras y linternas fantásticas , inspirando la imaginación a través de maravillas manipuladas físicamente. ^[3]

En 1833, el disco estroboscópico (más conocido como fenaquistiscopio ) introdujo el principio de la animación moderna, que también se aplicaría en el zoótropo (introducido en 1866), el flip book (1868), el praxinoscopio (1877) y el cine .

Cuando la cinematografía finalmente se abrió paso en la década de 1890, la maravilla de los detalles realistas en el nuevo medio se consideró su mayor logro. Pasaron años antes de que la animación encontrara su camino hacia los cines. El exitoso cortometraje The Haunted Hotel (1907) de J. Stuart Blackton popularizó la animación stop motion y, según se dice, inspiró a Émile Cohl para crear Fantasmagorie (1908), considerado como el ejemplo más antiguo conocido de una animación tradicional completa (dibujada a mano) en película cinematográfica estándar. Otros grandes cortometrajes artísticos y muy influyentes fueron creados por Ladislas Starevich con sus animaciones de marionetas desde 1910 y por Winsor McCay con animación detallada dibujada a mano en películas como Little Nemo (1911) y Gertie the Dinosaur (1914). ^[4]

Durante la década de 1910, la producción de " dibujos animados " animados se convirtió en una industria en los EE. UU. ^[5] El exitoso productor John Randolph Bray y el animador Earl Hurd patentaron el proceso de animación de celuloide que dominó la industria de la animación durante el resto del siglo. ^{[6] [7]} Félix el Gato , que debutó en 1919, se convirtió en el primer personaje animal completamente realizado en la historia de la animación estadounidense. ^[8]

En 1928, Steamboat Willie , con Mickey Mouse y Minnie Mouse , popularizó las películas con sonido sincronizado y puso al estudio de Walt Disney a la vanguardia de la industria de la animación. Aunque la producción real de Disney Animation en relación con la producción total mundial de animación siempre ha sido muy pequeña, el estudio ha dominado abrumadoramente las "normas estéticas" de la animación desde entonces. ^[9]

El enorme éxito de Mickey Mouse se considera el inicio de la época dorada de la animación estadounidense que duraría hasta la década de 1960. Estados Unidos dominaba el mercado mundial de la animación con una plétora de cortometrajes cinematográficos animados. ^[10] Varios estudios introducirían personajes que se volverían muy populares y tendrían carreras duraderas, incluyendo Goofy (1932) y Donald Duck (1934) de Walt Disney Productions , Out of the Inkwell de Fleischer Studios / Paramount Cartoon Studios, Koko the Clown (1918), Bimbo and Betty Boop (1930), Popeye (1933) y Casper the Friendly Ghost (1945), Porky Pig ( 1935 ) de Warner Bros. Cartoon Studios , Daffy Duck (1937), Elmer Fudd (1937-1940), Bugs Bunny (1938-1940), Tweety (1942), Sylvester the Cat (1945), Wile E. Coyote and the Road Runner (1949) , Tom and Jerry (1940) y Droopy de Universal Cartoon Studios , Woody Woodpecker (1942) de Universal Cartoon Studios. (1940), Terrytoons / Mighty Mouse de 20th Century Fox (1942) y La Pantera Rosa de United Artists (1963).

En 1917, el director ítalo-argentino Quirino Cristiani realizó el primer largometraje, El Apóstol (hoy perdido ), que se convirtió en un éxito de crítica y público. Le siguió Sin dejar rastros , de Cristiani , en 1918, pero un día después de su estreno, la película fue confiscada por el gobierno. ^[12]

Después de trabajar en él durante tres años, Lotte Reiniger lanzó el largometraje de animación de siluetas alemán Die Abenteuer des Prinzen Achmed en 1926, el largometraje de animación más antiguo que se conserva. ^[13]

En 1937, Walt Disney Studios estrenó su primer largometraje animado (utilizando la técnica Rotoscopio inventada por Max Fleischer en 1915) Blancanieves y los siete enanitos , todavía uno de los largometrajes de animación tradicional más taquilleros a mayo de 2020. ^[actualizar][ ^{14] [15]} Los estudios Fleischer siguieron este ejemplo en 1939 con Los viajes de Gulliver con cierto éxito. En parte debido a que los mercados extranjeros se vieron cortados por la Segunda Guerra Mundial, los siguientes largometrajes de Disney Pinocho , Fantasía (ambos de 1940), el segundo largometraje animado de Fleischer Studios Mr. Bug Goes to Town (1941-1942) y los largometrajes de Disney Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951) y La dama y el vagabundo (1955) fracasaron en taquilla. Durante décadas, Disney sería el único estudio estadounidense que producía películas animadas de forma regular, hasta que Ralph Bakshi se convirtió en el primero en lanzar también más de un puñado de películas. Sullivan-Bluth Studios comenzó a producir películas animadas de forma regular a partir de An American Tail en 1986. ^[16]

Aunque relativamente pocos títulos tuvieron tanto éxito como los largometrajes de Disney, otros países desarrollaron sus propias industrias de animación que produjeron animaciones teatrales tanto cortas como de largometraje en una amplia variedad de estilos, que incluían con relativa frecuencia técnicas de animación stop motion y recortes . El estudio de animación soviético Soyuzmultfilm , fundado en 1936, produjo 20 películas (incluidos cortometrajes) por año en promedio y alcanzó los 1.582 títulos en 2018. China, Checoslovaquia / República Checa, Italia, Francia y Bélgica fueron otros países que lanzaron largometrajes más que ocasionalmente, mientras que Japón se convirtió en una verdadera potencia de la producción de animación, con su propio estilo de anime reconocible e influyente de animación limitada efectiva . ^{[ cita requerida ]}

La animación se hizo muy popular en la televisión desde la década de 1950, cuando los televisores comenzaron a ser comunes en la mayoría de los países desarrollados. Los dibujos animados se programaban principalmente para niños, en franjas horarias convenientes, y especialmente los jóvenes estadounidenses pasaban muchas horas viendo dibujos animados los sábados por la mañana . Muchos dibujos animados clásicos encontraron una nueva vida en la pantalla chica y, a finales de la década de 1950, la producción de nuevos dibujos animados comenzó a pasar de los estrenos en salas a las series de televisión. Hanna-Barbera Productions fue especialmente prolífica y tuvo series de gran éxito, como Los Picapiedra (1960-1966) (la primera serie animada en horario de máxima audiencia ), Scooby-Doo (desde 1969) y la coproducción belga Los Pitufos (1981-1989). Las limitaciones de la programación televisiva estadounidense y la demanda de una enorme cantidad dieron como resultado métodos de animación limitados más baratos y rápidos y guiones mucho más formales. La calidad disminuyó hasta que aparecieron animaciones más atrevidas a finales de los años 1980 y principios de los años 1990 con series exitosas, la primera caricatura de Los Simpsons (1987), que luego se convirtió en su propio programa (en 1989) y Bob Esponja (desde 1999) como parte de un "renacimiento" de la animación estadounidense. ^{[ cita requerida ]}

Aunque las series animadas estadounidenses también tuvieron éxito a nivel internacional, muchos otros países produjeron su propia programación orientada a los niños, prefiriendo con relativa frecuencia el stop motion y el uso de títeres en lugar de la animación en celuloide. Las series de televisión de anime japonesas tuvieron mucho éxito a nivel internacional desde la década de 1960, y los productores europeos que buscaban animadores de celuloide asequibles con relativa frecuencia iniciaron coproducciones con estudios japoneses, lo que dio como resultado series exitosas como Barbapapa (Países Bajos/Japón/Francia 1973-1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky el vikingo) (Austria/Alemania/Japón 1974), Maya the Honey Bee (Japón/Alemania 1975) y El libro de la selva (Italia/Japón 1989). ^{[ cita requerida ]}

La animación por computadora se desarrolló gradualmente desde la década de 1940. La animación en alambre en 3D comenzó a aparecer en el público general en la década de 1970, con una aparición temprana (corta) en el thriller de ciencia ficción Futureworld (1976). ^[17]

The Rescuers Down Under fue el primer largometraje creado completamente digitalmente sin una cámara. ^[18] Se produjo utilizando el Computer Animation Production System (CAPS), desarrollado por Pixar en colaboración con The Walt Disney Company a fines de la década de 1980, en un estilo similar a la animación tradicional en celuloide. ^{[19] [20] [21]}

El llamado estilo 3D, más a menudo asociado con la animación por computadora, se convirtió en la técnica dominante luego del éxito de Toy Story (1995) de Pixar, el primer largometraje animado por computadora en este estilo. ^[22]

La mayoría de los estudios de animación por celuloide pasaron a producir películas animadas principalmente por ordenador alrededor de los años 90, ya que resultó más barato y rentable. No sólo el muy popular estilo de animación en 3D se generó con ordenadores, sino también la mayoría de las películas y series con una apariencia más tradicional hecha a mano, en la que las encantadoras características de la animación por celuloide se podían emular con software, mientras que las nuevas herramientas digitales ayudaron a desarrollar nuevos estilos y efectos. ^{[23] [24] [25] [26] [27] [28]}

En 2010, se estimó que el mercado de la animación valía alrededor de 80 mil millones de dólares estadounidenses. ^[29] Para 2021, el valor había aumentado a un estimado de 370 mil millones de dólares estadounidenses. ^[30] Los largometrajes animados arrojaron los márgenes brutos más altos (alrededor del 52%) de todos los géneros cinematográficos entre 2004 y 2013. ^[31] La animación como arte e industria sigue prosperando a principios de la década de 2020. ^{[32] [33] [34]}

La claridad de la animación la convierte en una poderosa herramienta de enseñanza, mientras que su total maleabilidad también permite la exageración, que puede emplearse para transmitir emociones fuertes y contradecir la realidad. Por ello, se ha utilizado ampliamente para otros fines que no sean el mero entretenimiento. ^[35]

Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación fue ampliamente explotada con fines propagandísticos. Muchos estudios estadounidenses , incluidos Warner Bros. y Disney, prestaron su talento y sus personajes de dibujos animados para transmitir al público ciertos valores bélicos. Algunos países, incluidos China, Japón y el Reino Unido, produjeron su primera animación de largometraje para sus esfuerzos bélicos. ^{[ cita requerida ]}

La animación ha sido muy popular en los anuncios de televisión, tanto por su atractivo gráfico como por el humor que puede aportar. Algunos personajes animados en anuncios han sobrevivido durante décadas, como Snap, Crackle y Pop en los anuncios de cereales de Kellogg's. ^[36] Tex Avery fue el productor de los primeros anuncios de Raid " Kills Bugs Dead " en 1966, que tuvieron mucho éxito para la empresa. ^[37]

Además de su éxito en las salas de cine y en las series de televisión, muchos personajes de dibujos animados también resultarían lucrativos al obtener licencias para todo tipo de mercancías y otros medios.

La animación ha estado tradicionalmente muy relacionada con los cómics . Si bien muchos personajes de cómics llegaron a la pantalla (lo que suele suceder en Japón, donde muchos mangas se adaptan al anime ), los personajes animados originales también suelen aparecer en cómics y revistas. De manera similar, los personajes y las tramas de los videojuegos (una forma interactiva de animación que se convirtió en su propio medio) se han derivado de películas y viceversa. ^[38]

Algunos de los contenidos originales producidos para la pantalla se pueden utilizar y comercializar en otros medios. Las historias y las imágenes se pueden adaptar fácilmente a libros infantiles y otros medios impresos. Las canciones y la música han aparecido en discos y como medios de transmisión continua. ^{[ cita requerida ]}

Aunque muchas compañías de animación explotan comercialmente sus creaciones fuera de los medios de imágenes en movimiento, The Walt Disney Company es el ejemplo más conocido y extremo. Desde que obtuvo la licencia por primera vez para una tableta de escritura para niños en 1929, su mascota Mickey Mouse ha sido representada en una enorme cantidad de productos , al igual que muchos otros personajes de Disney. Esto puede haber influido en algún uso peyorativo del nombre de Mickey , pero los productos Disney con licencia se venden bien, y la llamada Disneyana tiene muchos coleccionistas ávidos, e incluso un Club de Fans de Disneyana dedicado (desde 1984). ^[39]

Disneyland abrió en 1955 y cuenta con muchas atracciones basadas en los personajes de dibujos animados de Disney. Su enorme éxito dio lugar a varios otros parques temáticos y complejos turísticos de Disney . Las ganancias de Disney provenientes de los parques temáticos han sido relativamente más altas que las de sus películas.

Al igual que cualquier otra forma de medios de comunicación, la animación ha instituido premios a la excelencia en el campo. Muchos forman parte de programas de premios cinematográficos generales o regionales, como el Golden Rooster Award de China a la mejor animación (desde 1981). Los programas de premios dedicados a la animación, con muchas categorías, incluyen los premios Annie de ASIFA-Hollywood , los premios Emile en Europa y los premios Anima Mundi en Brasil. ^{[40] [41] [42]}

Además de los Premios de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación (desde 1932) y al Mejor Largometraje de Animación (desde 2002), las películas animadas han sido nominadas y premiadas en otras categorías, relativamente a menudo por Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora Original .

La Bella y la Bestia fue la primera película animada nominada a Mejor Película , en 1991. Up (2009) y Toy Story 3 (2010) también recibieron nominaciones a Mejor Película, después de que la academia ampliara el número de nominados de cinco a diez. ^[43]

La creación de obras de animación no triviales (es decir, de más de unos pocos segundos) se ha desarrollado como una forma de realización cinematográfica , con ciertos aspectos únicos. ^{[44] Los rasgos comunes tanto a} las películas de acción en vivo como a las animadas son la intensidad de la mano de obra y los altos costos de producción. ^[45]

La diferencia más importante es que una vez que una película está en la fase de producción, el costo marginal de una toma más es más alto para las películas animadas que para las películas de acción real. ^[46] Es relativamente fácil para un director pedir una toma más durante la fotografía principal de una película de acción real, pero cada toma de una película animada debe ser renderizada manualmente por animadores (aunque la tarea de renderizar tomas ligeramente diferentes se ha vuelto menos tediosa gracias a la animación por computadora moderna). ^[47] No tiene sentido que un estudio pague los salarios de docenas de animadores para que pasen semanas creando una escena visualmente deslumbrante de cinco minutos si esa escena no logra avanzar efectivamente la trama de la película. ^[48] Por lo tanto, los estudios de animación comenzando con Disney comenzaron la práctica en la década de 1930 de mantener departamentos de historia donde los artistas del guión gráfico desarrollan cada escena a través de guiones gráficos , y luego entregan la película a los animadores solo después de que el equipo de producción está satisfecho de que todas las escenas tienen sentido en su conjunto. ^[49] Si bien las películas de acción en vivo ahora también tienen guiones gráficos, disfrutan de mayor libertad para alejarse de los guiones gráficos (es decir, improvisación en tiempo real). ^{[ cita requerida ] [50]}

Otro problema exclusivo de la animación es la necesidad de mantener la coherencia de la película de principio a fin, incluso a medida que las películas se hacen más largas y los equipos se hacen más grandes. Los animadores, como todos los artistas, necesariamente tienen estilos individuales, pero deben subordinar su individualidad de manera consistente al estilo que se emplee en una película en particular. ^[51] Desde principios de la década de 1980, equipos de aproximadamente 500 a 600 personas, de las cuales entre 50 y 70 son animadores, generalmente han creado películas animadas de larga duración. Es relativamente fácil que dos o tres artistas combinen sus estilos; sincronizar los de docenas de artistas es más difícil. ^[52]

Este problema suele solucionarse si un grupo independiente de artistas de desarrollo visual desarrolla una apariencia y una paleta generales para cada película antes de que comience la animación. Los diseñadores de personajes del equipo de desarrollo visual dibujan hojas modelo para mostrar cómo debería verse cada personaje con diferentes expresiones faciales, posando en diferentes posiciones y visto desde diferentes ángulos. ^{[53] [54]} En los proyectos animados tradicionalmente, a menudo se esculpían maquetas para ayudar a los animadores a ver cómo se verían los personajes desde diferentes ángulos. ^{[55] [53]}

A diferencia de las películas de acción real, las películas animadas se desarrollaban tradicionalmente más allá de la etapa de sinopsis a través del formato de guión gráfico; los artistas del guión gráfico luego recibían crédito por escribir la película. ^[56] A principios de la década de 1960, los estudios de animación comenzaron a contratar guionistas profesionales para escribir guiones (mientras que también continuaban utilizando departamentos de historia) y los guiones se habían vuelto algo común para las películas animadas a fines de la década de 1980. ^{[ cita requerida ]}

La animación tradicional (también llamada animación de celuloide o animación dibujada a mano) es el proceso que se utilizó para la mayoría de las películas animadas del siglo XX. ^[57] Los fotogramas individuales de una película animada tradicionalmente son fotografías de dibujos, primero dibujados en papel. ^[58] Para crear la ilusión de movimiento, cada dibujo difiere ligeramente del anterior. Los dibujos de los animadores se trazan o fotocopian en hojas de acetato transparente llamadas celuloide , ^[59] que se rellenan con pinturas en colores o tonos asignados en el lado opuesto a los dibujos lineales. ^[60] Las celuloide de los personajes completadas se fotografían una por una contra un fondo pintado con una cámara de tribuna en una película cinematográfica. ^[61]

El proceso tradicional de animación en celuloide se volvió obsoleto a principios del siglo XXI. En las películas modernas animadas tradicionalmente, los dibujos de los animadores y los fondos se escanean o se dibujan directamente en un sistema informático. ^{[1] [62]} Se utilizan varios programas de software para colorear los dibujos y simular el movimiento y los efectos de la cámara. ^[63] La pieza animada final se envía a uno de varios medios de entrega, incluida la película tradicional de 35 mm y los medios más nuevos con video digital . ^{[64] [1]} El "aspecto" de la animación tradicional en celuloide todavía se conserva, y el trabajo de los animadores de personajes se ha mantenido esencialmente igual durante los últimos 90 años. ^[55] Algunos productores de animación han utilizado el término "tradigital" (un juego de palabras entre "tradicional" y "digital") para describir la animación en celuloide que utiliza una importante tecnología informática.

Entre los largometrajes de animación tradicional destacan Pinocho (Estados Unidos, 1940), ^[65] Rebelión en la granja (Reino Unido, 1954), Lucky y Zorba (Italia, 1998) y El ilusionista (británico-francés, 2010). Entre las películas de animación tradicional producidas con la ayuda de la tecnología informática se encuentran El rey león (EE. UU., 1994), Anastasia (EE. UU., 1997), El príncipe de Egipto (EE. UU., 1998), Akira (Japón, 1988), ^[66] El viaje de Chihiro (Japón, 2001), Las trillizas de Belleville (Francia, 2003) y El secreto de Kells (irlandés-francés-belga, 2009).

La animación completa es el proceso de producir películas animadas tradicionalmente de alta calidad que regularmente utilizan dibujos detallados y movimientos plausibles, ^[67] teniendo una animación fluida. ^[68] Las películas completamente animadas se pueden hacer en una variedad de estilos, desde obras animadas de manera más realista como las producidas por el estudio Walt Disney ( La Sirenita , La Bella y la Bestia , Aladino , El Rey León ) hasta los estilos más "animados" del estudio de animación Warner Bros. Muchas de las funciones animadas de Disney son ejemplos de animación completa, al igual que las obras que no son de Disney, El secreto de NIMH (EE. UU., 1982), El gigante de hierro (EE. UU., 1999) y Nocturna (España, 2007). Las películas completamente animadas a menudo se animan en "doses", a veces en "unos", lo que significa que se requieren de 12 a 24 dibujos para un solo segundo de película. ^[69]

La animación limitada implica el uso de dibujos menos detallados o más estilizados y métodos de movimiento generalmente una animación de movimiento entrecortado o "salteado". ^[70] La animación limitada utiliza menos dibujos por segundo, lo que limita la fluidez de la animación. Esta es una técnica más económica. Iniciada por los artistas del estudio estadounidense United Productions of America , ^[71] la animación limitada se puede utilizar como un método de expresión artística estilizada, como en Gerald McBoing-Boing (EE. UU., 1951), Yellow Submarine (Reino Unido, 1968) y ciertos anime producidos en Japón. ^[72] Sin embargo, su uso principal ha sido en la producción de contenido animado rentable para medios de televisión (el trabajo de Hanna-Barbera, ^[73] Filmation , ^[74] y otros estudios de animación de televisión ^[75] ) y más tarde Internet ( dibujos animados web ).

La rotoscopia es una técnica patentada por Max Fleischer en 1917, en la que los animadores trazan el movimiento de una imagen en vivo, cuadro por cuadro. ^[76] La película original puede copiarse directamente de los contornos de los actores en dibujos animados, ^[77] como en El Señor de los Anillos (EE. UU., 1978), o usarse de manera estilizada y expresiva, como en Waking Life (EE. UU., 2001) y A Scanner Darkly (EE. UU., 2006). Otros ejemplos son Fire and Ice (EE. UU., 1983), Heavy Metal (1981) y Aku no Hana (Japón, 2013). ^{[ cita requerida ]}

La animación en vivo es una técnica que combina personajes dibujados a mano en tomas de acción en vivo o actores de acción en vivo en tomas animadas. ^[78] Uno de los primeros usos fue en Koko the Clown , cuando Koko fue dibujada sobre imágenes de acción en vivo. ^[79] Walt Disney y Ub Iwerks crearon una serie de comedias de Alicia (1923-1927), en las que una niña de acción en vivo ingresa a un mundo animado. Otros ejemplos incluyen Allegro Non Troppo (Italia, 1976), Who Framed Roger Rabbit (EE. UU., 1988), Volere volare (Italia, 1991), Space Jam (EE. UU., 1996) y Osmosis Jones (EE. UU., 2001). ^{[ cita requerida ]}

El stop motion se utiliza para describir la animación creada mediante la manipulación física de objetos del mundo real y su fotografía fotograma a fotograma para crear la ilusión de movimiento. ^[80] Existen muchos tipos diferentes de animación stop-motion, que suelen recibir su nombre de acuerdo con los materiales utilizados para crear la animación. ^[81] Hay un amplio acceso a software informático para crear este tipo de animación; la animación stop-motion tradicional suele ser menos costosa, pero requiere más tiempo de producción que la animación informática actual. ^[81]

Movimiento stop

Por lo general, implica figuras de títeres en stop-motion que interactúan en un entorno construido, en contraste con la interacción del mundo real en la animación de modelos. ^[82] Los títeres generalmente tienen una armadura dentro de ellos para mantenerlos quietos y firmes para restringir su movimiento a articulaciones particulares. ^[83] Los ejemplos incluyen El cuento del zorro (Francia, 1937), Pesadilla antes de Navidad (EE. UU., 1993), La novia cadáver (EE. UU., 2005), Coraline (EE. UU., 2009), las películas de Jiří Trnka y la serie de televisión de comedia animada para adultos Robot Chicken (EE. UU., 2005-presente).

Marionetas

Creadas utilizando técnicas desarrolladas por George Pal , ^[84] son ​​películas animadas con títeres que normalmente utilizan una versión diferente de un títere para diferentes cuadros, en lugar de manipular un títere existente. ^[85]

Animación con arcilla o animación con plastilina

(A menudo llamado claymation , que, sin embargo, es un nombre registrado ). Utiliza figuras hechas de arcilla o un material maleable similar para crear animación stop-motion. ^{[80] [86]} Las figuras pueden tener una armadura o marco de alambre en el interior, similar a la animación de marionetas relacionada (abajo), que se puede manipular para posar las figuras. ^[87] Alternativamente, las figuras pueden estar hechas completamente de arcilla, en las películas de Bruce Bickford , donde las criaturas de arcilla se transforman en una variedad de formas diferentes. Ejemplos de obras animadas con arcilla incluyen The Gumby Show (EE. UU., 1957-1967), Mio Mao (Italia, 1974-2005), Morph shorts (Reino Unido, 1977-2000), Wallace & Gromit shorts (Reino Unido, a partir de 1989), Dimensions of Dialogue de Jan Švankmajer ( Checoslovaquia , 1982), The Trap Door (Reino Unido, 1984). Las películas incluyen Wallace y Gromit: La maldición del hombre-conejo , Chicken Run y ​​Las aventuras de Mark Twain . ^[88]

Animación de corte de estratos

Más comúnmente, se trata de una forma de animación con arcilla en la que un "pan" largo de arcilla, compacto en su interior y cargado con imágenes variadas, se corta en láminas finas, y la cámara de animación toma un fotograma del extremo del pan en cada corte, revelando finalmente el movimiento de las imágenes internas. ^[89]

Animación de recorte

Un tipo de animación stop-motion producida moviendo piezas bidimensionales de papel o tela. ^[90] Los ejemplos incluyen las secuencias animadas de Terry Gilliam de Monty Python's Flying Circus (Reino Unido, 1969-1974); Fantastic Planet (Francia/Checoslovaquia, 1973); Tale of Tales (Rusia, 1979), la primera animación recortada de Matt Stone y Trey Parker South Park (1992), el episodio piloto de la serie de comedia de televisión para adultos (y a veces en episodios) de South Park (EE. UU., 1997) y el video musical Live for the moment, de la banda Verona Riots (producido por Alberto Serrano y Nívola Uyá, España 2014).

Animación de silueta

Una variante de animación recortada en la que los personajes están retroiluminados y solo son visibles como siluetas. ^[91] Los ejemplos incluyen Las aventuras del príncipe Achmed ( República de Weimar , 1926) y Príncipes y princesas (Francia, 2000).

Animación de modelos

Animación stop-motion creada para interactuar y existir como parte de un mundo de acción en vivo. ^[92] Los cortes intercalados, los efectos mate y las pantallas divididas se emplean a menudo para mezclar personajes u objetos stop-motion con actores y escenarios en vivo. ^[93] Los ejemplos incluyen el trabajo de Ray Harryhausen , como se ve en las películas, Jason y los Argonautas (1963), ^[94] y el trabajo de Willis H. O'Brien en las películas, King Kong (1933).

Ir en movimiento

Una variante de la animación de modelos que utiliza varias técnicas para crear un desenfoque de movimiento entre fotogramas de la película, que no está presente en el stop motion tradicional. ^[95] La técnica fue inventada por Industrial Light & Magic y Phil Tippett para crear escenas de efectos especiales para la película Star Wars: Episodio V - El Imperio Contraataca (1980). ^[96] Otro ejemplo es el dragón llamado "Vermithrax" de la película Dragonslayer de 1981. ^[97]

Animación de objetos

El uso de objetos inanimados regulares en la animación stop-motion, en lugar de elementos creados especialmente. ^[98]

Animación gráfica

Utiliza material gráfico visual plano no dibujado (fotografías, recortes de periódicos, revistas, etc.), que a veces se manipulan cuadro por cuadro para crear movimiento. ^[99] En otras ocasiones, los gráficos permanecen estacionarios, mientras que la cámara stop-motion se mueve para crear acción en pantalla.

Película de ladrillo

Un subgénero de animación de objetos que implica el uso de Lego u otros juguetes de ladrillos similares para hacer una animación. ^{[100] [101]} Estos han tenido un reciente aumento en popularidad con la llegada de los sitios para compartir videos, YouTube y la disponibilidad de cámaras baratas y software de animación . ^[102]

Pixilación

Implica el uso de humanos vivos como personajes en stop-motion. ^[103] Esto permite una serie de efectos surrealistas, incluyendo desapariciones y reapariciones, permitiendo que la gente parezca deslizarse por el suelo y otros efectos. ^[103] Ejemplos de pixelación incluyen Las aventuras secretas de Tom Thumb y los cortos Angry Kid , y la película ganadora del premio de la Academia Neighbours de Norman McLaren .

La animación por computadora abarca una variedad de técnicas, siendo el factor unificador el hecho de que la animación se crea digitalmente en una computadora. ^{[63] [104]} Las técnicas de animación 2D tienden a centrarse en la manipulación de imágenes, mientras que las técnicas 3D suelen construir mundos virtuales en los que los personajes y los objetos se mueven e interactúan. ^[105] La animación 3D puede crear imágenes que parecen reales para el espectador. ^[106]

Las figuras de animación 2D se crean o editan en la computadora utilizando gráficos de mapa de bits 2D y gráficos vectoriales 2D . ^[107] Esto incluye versiones computarizadas automatizadas de técnicas de animación tradicionales, morphing interpolado , ^[108] recubrimiento de cebolla ^[109] y rotoscopia interpolada. La animación 2D tiene muchas aplicaciones, incluyendo After Effects Animation, animación por computadora analógica , animación Flash y animación de PowerPoint . Los cinemagraphs son fotografías fijas en forma de un archivo GIF animado del cual una parte está animada. ^[110]

La animación por convección de línea final es una técnica utilizada en la animación 2D, ^[111] para dar a los artistas y animadores más influencia y control sobre el producto final, ya que todo se hace dentro del mismo departamento. ^[112] Hablando sobre el uso de este enfoque en Paperman , John Kahrs dijo que "nuestros animadores pueden cambiar cosas, incluso borrar la capa subyacente de CG si lo desean, y cambiar el perfil del brazo". ^[113]

Al trabajar con animaciones de juegos, las animaciones 2D esqueléticas se crean comúnmente utilizando herramientas como Spine, DragonBones, Blender COA Tools, Rive y el editor integrado de Unity. El principal beneficio de este enfoque es la capacidad de reutilizar imágenes, lo que reduce la cantidad de gráficos almacenados en la RAM. Este principio de maximizar la eficiencia de los recursos significa que al reutilizar elementos existentes, puede mejorar el atractivo visual de las animaciones sin necesidad de crear gráficos adicionales. ^[114]

La animación 3D es modelada y manipulada digitalmente por un animador. El creador de modelos 3D generalmente comienza creando una malla poligonal 3D para que el animador la manipule. ^[115] Una malla generalmente incluye muchos vértices que están conectados por bordes y caras, que dan la apariencia visual de forma a un objeto 3D o un entorno 3D. ^[115] A veces, a la malla se le da una estructura esquelética digital interna llamada armadura que se puede usar para controlar la malla ponderando los vértices. ^{[116] [117]} Este proceso se llama rigging y se puede usar junto con fotogramas clave para crear movimiento. ^[118]

Se pueden aplicar otras técnicas, funciones matemáticas (por ejemplo, gravedad, simulaciones de partículas), simulación de pelo o piel, y efectos, simulaciones de fuego y agua . ^[119] Estas técnicas caen dentro de la categoría de dinámica 3D. ^[120]

• El sombreado de celdas se utiliza para imitar la animación tradicional mediante software de computadora. ^[121] El sombreado se ve marcado, con menos mezcla de colores. Algunos ejemplos incluyen Skyland (2007, Francia), El gigante de hierro (1999, EE. UU.), Futurama (1999, EE. UU.) , Appleseed Ex Machina (2007, Japón), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japón), The Legend of Zelda: Breath of the Wild (2017, Japón)
• Machinima : películas creadas mediante capturas de pantalla en videojuegos y mundos virtuales. El término se originó a partir de la introducción del software en la escena de demostración de los años 80 , así como de las grabaciones de los años 90 delvideojuego de disparos en primera persona Quake .
• La captura de movimiento se utiliza cuando los actores de acción en vivo usan trajes especiales que permiten a las computadoras copiar sus movimientos en personajes generados por computadora. ^{[122] [123]} Los ejemplos incluyen Polar Express (2004, EE. UU.), Beowulf (2007, EE. UU.), A Christmas Carol (2009, EE. UU.), Las aventuras de Tintín (2011, EE. UU.) kochadiiyan (2014, India)
• La animación por computadora se utiliza principalmente para la animación que intenta parecerse a la vida real mientras tiene una apariencia de dibujos animados estilizada, utilizando una representación avanzada que imita en detalle la piel, las plantas, el agua, el fuego, las nubes, etc. ^[124] Los ejemplos incluyen Up (2009, EE. UU.), Cómo entrenar a tu dragón (2010, EE. UU.)
• La animación basada en la física es una animación que utiliza simulaciones por computadora . ^[125]

• La animatrónica es el uso de la mecatrónica para crear máquinas que parecen animadas en lugar de robóticas.
  • Audio-Animatronics es una forma de animación robótica , combinada con animación 3D, creada por Walt Disney Imagineering para espectáculos y atracciones en los parques temáticos de Disney. Se mueven y hacen ruido (generalmente un discurso o canción grabados). ^[126] Están fijados a lo que los sostenga. Pueden sentarse y pararse, y no pueden caminar. Un Audio-Animatron es diferente de un robot tipo androide en que utiliza movimientos y sonidos pregrabados, en lugar de responder a estímulos externos. En 2009, Disney creó una versión interactiva de la tecnología llamada Autonomatronics. ^[127]
  • El generador de animación lineal es una forma de animación que utiliza cuadros de imágenes estáticos instalados en un túnel o un pozo. La ilusión de animación se crea colocando al espectador en un movimiento lineal, paralelo a los cuadros de imágenes instalados. ^[128]
• Chuckimation es un tipo de animación creada por los creadores de la serie de televisión Action League Now! en la que los personajes o accesorios son arrojados o lanzados desde fuera de cámara o se mueven para simular que hablan manos invisibles. ^[129]
• La linterna mágica utilizaba diapositivas mecánicas para proyectar imágenes en movimiento. Se cree que Christiaan Huygens inventó la linterna mágica a mediados del siglo XVII. ^[130]

• Hidrotecnia : técnica que incluye luces, agua, fuego, niebla y láseres, con proyecciones de alta definición sobre pantallas de niebla. ^[131]
• Animación dibujada sobre película : técnica en la que se produce material creando imágenes directamente sobre una película ; por ejemplo, de Norman McLaren , ^[132] Len Lye y Stan Brakhage .
• Animación con pintura sobre vidrio : una técnica para hacer películas animadas mediante la manipulación de pinturas al óleo de secado lento sobre láminas de vidrio, ^[133] por ejemplo, de Aleksandr Petrov . ^[134]
• Animación de borrado : técnica que utiliza medios tradicionales en 2D, fotografiados a lo largo del tiempo mientras el artista manipula la imagen. Por ejemplo, William Kentridge es famoso por suspelículas de borrado con carboncillo ^[135] y Piotr Dumała por su técnica de autor de animación de arañazos en yeso ^{[136] .}
• Animación con pantalla de alfileres : utiliza una pantalla llena de alfileres móviles que se pueden mover hacia adentro o hacia afuera presionando un objeto sobre la pantalla. ^[137] La ​​pantalla se ilumina desde un costado para que los alfileres proyecten sombras. La técnica se ha utilizado para crear películas animadas con una variedad de efectos de textura difíciles de lograr con la animación tradicional de celdas. ^[138]
• Animación con arena : se mueve arena sobre un trozo de vidrio iluminado desde atrás o desde adelante para crear cada fotograma de una película animada. ^[139] Esto crea un efecto interesante cuando se anima debido al contraste de luz . ^[140]
• Flip book : un flip book (a veces, especialmente en inglés británico, llamado flick book) es un libro con una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, de modo que cuando las páginas se pasan rápidamente, las imágenes parecen animarse simulando movimiento o algún otro cambio. ^{[141] [142]} Los flip books son a menudo libros ilustrados para niños, ^[143] también están orientados a los adultos y emplean una serie de fotografías en lugar de dibujos. Los flip books no siempre son libros separados, aparecen como una característica adicional en libros o revistas comunes, a menudo en las esquinas de las páginas. ^[141] También hay paquetes de software y sitios web disponibles que convierten archivos de video digitales en flip books personalizados. ^[144]
• Animación de personajes
• Animación de múltiples bocetos
• Animación de efectos especiales
• Animación 2.5D : Una mezcla de elementos de animación 2D y 3D que enfatizan la ilusión de profundidad utilizando el efecto pseudo-3D. ^[145] Durante la década de 1970, el término "2.5D" comenzó a ganar reconocimiento. ^[146] Pero su origen proviene del anime y el manga durante la década de 1920, donde las producciones teatrales eran populares. ^[147] Las adaptaciones teatrales de series de anime populares presentaban actuaciones en vivo de actores de voz llamados 2.5D. ^[146]

• La realización de un cortometraje de dibujos animados de 8 minutos
• "Animando", una película de 12 minutos que demuestra 10 técnicas de animación diferentes (y enseña cómo usarlas) (archivada el 1 de octubre de 2009).