The Velvet Underground (álbum)

Álbum de estudio de Velvet Underground de 1969
El metro de terciopelo
Álbum de estudio de
El metro de terciopelo
LiberadoMarzo de 1969 ( 1969-03 )
GrabadoNoviembre-diciembre de 1968
EstudioTTG , Hollywood
Género
Longitud43:53​​
EtiquetaMGM
ProductorEl metro de terciopelo
Cronología de Velvet Underground
Luz blanca/calor blanco
(1968)		El metro de terciopelo
(1969)		Cargado
(1970)
Sencillos de The Velvet Underground
  1. " What Goes On " / "Jesús"
    Fecha de lanzamiento: marzo de 1969 [1]

The Velvet Underground es el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Velvet Underground . Lanzado en marzo de 1969 por MGM Records , fue su primer disco con el multiinstrumentista Doug Yule , quien reemplazó al miembro anterior John Cale . Grabado en 1968 en TTG Studios en Los Ángeles, California, el sonido del álbum, que consiste principalmente en baladas y canciones de rock sencillas, marcó un cambio notable en el estilo de las grabaciones anteriores de la banda. El vocalista principal Lou Reed hizo esto intencionalmente como resultado de su abrasivo álbum de estudio anterior White Light/White Heat (1968). [ cita requerida ] Reed quería que otros miembros de la banda cantaran en el álbum; Yule contribuyó con la voz principal en la canción de apertura " Candy Says " y la canción de cierre " After Hours " es cantada por la baterista Maureen Tucker .

En cuanto a la temática, The Velvet Underground habla del amor, en contraste con los lanzamientos anteriores de la banda. Reed ideó el orden de las canciones y basó su composición en las relaciones y la religión. " Pale Blue Eyes " ha sido aclamada como una de sus mejores canciones de amor, [¿ por quién? ] aunque "The Murder Mystery" es conocida por su experimentación en un guiño a White Light/White Heat . Billy Name tomó la fotografía del álbum de la banda sentada en un sofá en la Factory de Andy Warhol . El proceso de grabación comenzó con poca antelación y, aunque la banda tenía la moral alta, finalmente se sintieron decepcionados de que Reed hubiera creado su propia mezcla del producto final.

Las críticas contemporáneas elogiaron el álbum, que fue un punto de inflexión para la banda. Sin embargo, The Velvet Underground no logró entrar en las listas, nuevamente sufriendo la falta de promoción por parte del sello discográfico de la banda. Reed jugó un papel dominante en el proceso de mezcla y su propia mezcla del álbum, denominada "closet mix", se lanzó por primera vez en los Estados Unidos. El director de ingeniería de MGM, Val Valentin, fue acreditado por una mezcla diferente que se ha distribuido más ampliamente desde entonces. Las reseñas retrospectivas lo han etiquetado como uno de los mejores álbumes de la década de 1960 y de todos los tiempos, y muchos críticos destacaron su producción moderada y sus letras personales. En 2020, Rolling Stone lo ubicó en el puesto número 143 en su lista de los " 500 mejores álbumes de todos los tiempos ".

Fondo

Cale fue despedido del grupo en septiembre de 1968, y Yule fue contratado como bajista. Yule fue descubierto por Morrison a través del road manager de la banda, Hans Onsager. [2] Semanas después de que Yule se uniera a Velvet Underground, comenzaron a grabar su tercer álbum de estudio. [3] Lou Reed , el principal compositor de la banda, creía que la banda no debería "hacer otro White Light/White Heat . Pensé que sería un terrible error, y realmente lo creí. Pensé que teníamos que demostrar el otro lado de nosotros. De lo contrario, nos convertiríamos en esta cosa unidimensional, y eso tenía que evitarse a toda costa". [4]

Según Morrison, a principios de 1968, la mayoría del equipo de la banda fue robado en el Aeropuerto Internacional JFK , lo que influyó en el sonido del álbum. Sin embargo, Yule rechaza esta afirmación, explicando que no recuerda tal evento, aclarando que la banda simplemente estaba tocando de manera más melódica (Tucker también dice esto). Reed durante este tiempo tenía un gusto creciente por la música relajante; en una entrevista con Lester Bangs destacó las pistas "Jesus" y "Candy Says", declarando que esta última "probablemente es la mejor canción que he escrito  ..." [3] Reed consideró que White Light/White Heat era lo más lejos que la banda podía llegar con tal producción y, además, llamó a cada álbum que la banda hizo un capítulo. [1] Comenzaron a grabar después de una gira por la Costa Oeste y el mánager de la banda, Steve Sesnick , obtuvo tiempo de estudio con poca antelación, por lo que la banda tuvo poco tiempo para prepararse. [5] En ese momento, Reed estaba manejando las relaciones entre su novia Shelley Albin y Name, lo que influyó en su composición de canciones. [6]

Grabación

The Velvet Underground se grabó durante noviembre y diciembre de 1968 en los estudios TTG de Los Ángeles. La banda se alojó en el hotel Chateau Marmont y realizó giras con frecuencia mientras grababa. [3] Escribieron y ensayaron en el hotel por la tarde, grabando canciones por la noche. [7] Reed y Morrison tocaron guitarras de 12 cuerdas de Fender . [3] [7] La ​​moral en el estudio era generalmente alta: Yule dijo que grabar el álbum "fue muy divertido. Las sesiones fueron constructivas, felices y creativas, todos trabajaron juntos". [4] Según Yule, tomó "un par de semanas para las pistas básicas", y además lo describió como un "álbum de estudio en vivo". Reed intentó intencionalmente poner a Yule en el centro de atención, y los miembros de la banda sospecharon que esto podría haber inflado su ego. En general, las sesiones tuvieron una atmósfera feliz; [8] Tucker dijo que estaba "satisfecha con la dirección que estábamos tomando y con la nueva calma en el grupo, y pensando en un buen futuro, esperando que la gente se espabilara y alguna compañía discográfica nos contratara y nos hiciera justicia". [4]

"The Murder Mystery" incluye las voces de los cuatro miembros. Yule afirma que la canción fue grabada en un estudio de MGM en la Sexta Avenida de Nueva York, aunque esto contradice las notas del álbum. [3] La canción de cierre del álbum, "After Hours", tiene una rara voz solista de Tucker, solicitada por Reed ya que sintió que la dulce e inocente calidad de su voz encajaba mejor con el estado de ánimo de la canción que la suya. [9] Tucker estaba nerviosa mientras grababa la pista, y después de ocho tomas hizo que todos se fueran excepto ella misma, Reed y el ingeniero. Después de terminar su toma, dijo que no la cantaría en vivo a menos que alguien se lo pidiera. Reed grabó múltiples solos de guitarra para "What Goes On"; cuando el ingeniero comentó que se estaban quedando sin espacio en la pista, la banda finalmente decidió mantenerlos todos, [3] ya que Reed no podía decidir cuál sonaba mejor. [10] Cuando Reed hizo su propia mezcla para el álbum, que ahogó otras partes de acompañamiento excepto su voz, Morrison y Tucker se enojaron. [7] Morrison describió el producto final como "anti-producción". [10]

Música y letras

La moderación y sutileza del álbum fue un cambio significativo con respecto a la abrasividad directa de White Light/White Heat . [11] [12] Redujo las referencias sexuales explícitas, el horror y las referencias a las drogas de su trabajo anterior, reemplazándolos con discusiones sobre religión, amor y soledad. [8] El crítico musical Greg Kot del Chicago Tribune lo caracterizó como folk rock , [13] y Troy Carpenter de la revista Rolling Stone dijo que se enfocaba en un rock suave y melódico . [11] Según el periodista musical Steve Taylor, The Velvet Underground es un álbum pop debido a sus canciones más accesibles y "se lo ha llamado Lou Reed con una banda de acompañamiento debido al énfasis puesto en las canciones en lugar del trabajo de sonido experimental". [14] El biógrafo Richie Unterberger comentó sobre su dramático cambio de sonido: "Después de haber hecho quizás el álbum más ruidoso de todos los tiempos, es casi como si ahora hubieran decidido hacer el LP más silencioso del mundo". [3] Reed dijo que todas las canciones del álbum estaban en orden y se complementaban entre sí, y lo explicó en una entrevista con Howard Smith : [1]

Había ciertas preguntas planteadas en la canción de apertura  ... y luego se delineó, ya sabes, a través de varias fases  ... terminó con 'Jesús', diciendo ahora ayúdame a hacer esto, hombre  ... Y luego, después de pasar por todo  ... de aquí a aquí, que es como lo que pasa una persona promedio, te enfrentas a algo así como 'El misterio del asesinato', que es una inversión total de todo. Porque no deberías enfrentarte a eso, pero lo hiciste.

Al igual que en los otros álbumes  ... la gente no captó [el orden de las canciones]. Y en este, sentí que era obvio. Pero tal vez no lo era.  ... Y finalmente resume, dice: "Esa es la historia de mi vida". Pero luego se enfrentó a algo más, que es que una vez que superas tu pasado, te resuelves, de modo que no existes  ... Pero lo que realmente está sucediendo fuera de ti es "The Murder Mystery"  ... luego de eso, fue como, bueno, "After Hours". ¿Qué podría decir después de "The Murder Mystery"? Excepto que "cierras la puerta, la noche podría durar para siempre". Lo cual es cierto.

Reed consideraba que cada canción era una "pequeña obra de teatro" impersonal. [3] Aparte de los rockeros enérgicos " What Goes On " y "Beginning to See the Light", el álbum contiene canciones reflexivas y melódicas que tratan sobre diversas formas de amor, [12] como "Pale Blue Eyes", "Some Kinda Love", "Jesus", "I'm Set Free" y "That's the Story of My Life". La interpretación de guitarras gemelas de Reed y Morrison se convirtió en el sonido más destacado de la banda, [12] y el álbum tenía arreglos sobrios que carecían de distorsión. La única canción que exhibió las raíces vanguardistas de la banda es "The Murder Mystery". [12] La canción tardó dos sesiones en grabarse, y su poema fue incluido más tarde en The Paris Review . [10]

Lado uno

La canción de apertura " Candy Says " está basada en la actriz transgénero Candy Darling , que fue miembro de la Factory de Warhol . [9] [3] Yule canta una historia sobre Darling, que odia su cuerpo y sufre emocionalmente. [8] Hace referencia a los pensamientos de Darling al afirmar ambiguamente "He llegado a odiar mi cuerpo/y todo lo que requiere en este mundo". [15] Darling reaparece en la canción de Reed de 1972 " Walk on the Wild Side ". [16] Morrison dice que la elección de que Yule cantara la canción fue porque Reed estaba agotado por las giras. Yule está respaldada por armonías doo wop y coros. Esta fue la primera vez que Yule cantó en un estudio, [3] y la canción fue cantada por Yule por insistencia de Reed. [16]

"What Goes On" es una canción animada que combina varias partes de guitarra principal contra un órgano; este órgano, tocado por Yule, está presente en más canciones del disco. [3] Kory Grow de Rolling Stone describió el solo de guitarra de Reed en la canción como "de gaita". [10] Descrita como la "anomalía" del lado uno por Rob Jovanovic , se completa con un "ritmo nervioso", su sonido es el resultado de que Reed aumenta el volumen de su guitarra durante la grabación. [8] RC Baker de The Village Voice etiquetó esta canción como "uno de los mayores himnos existenciales del rock 'n' roll". [17]

"Some Kinda Love" contiene letras lascivas, que contrastan con el disco, pero aún tiene elementos tenues: Tucker solo usa un cencerro y un bombo. [3] Describe ambiguamente el amor, específicamente el amor religioso. [8] Reed hace referencia a " The Hollow Men " de TS Eliot . [9] Escribe sobre dos personajes, Tom y Marguerita, detallando una conversación seductora entre ellos. [18] Victor Bockris cita esto como otro ejemplo "donde [Reed] hace que las letras de rock funcionen como literatura". [19] Grow dijo que la canción explica cómo el amor es uniforme, mientras que "Pale Blue Eyes" simplemente discutía "otro tipo de amor", específicamente el adulterio, según Reed. [10]

"Pale Blue Eyes" ha sido llamada una de las mejores canciones de amor de Reed [ ¿según quién? ] —Morrison la destacó del álbum en una entrevista de 1981. [ cita requerida ] La composición de la misma se remonta a 1966; [3] se había interpretado en vivo desde mediados de 1966. [20] Describe el adulterio y el pecado como una extensión de las referencias religiosas del álbum. [8] Fue inspirada por la novia de Reed en ese momento, Shelley Albin. [21] Según Reed, la escribió para alguien a quien extrañaba que tenía ojos color avellana; hace referencia a "I'll Be Your Mirror" y Been Down So Long It Looks Like Up To Me de Richard Fariña. [9] Además, Sesnick especula que algunas líneas son sobre el despido de Cale. [22] Tucker toca una pandereta. [18] Reed elogió el solo de guitarra de Morrison en la canción: [3]

Tenía ese hermoso tartamudeo. Yo nunca podría hacer eso. Siempre me pregunté cómo diablos lo hacía. Pero era simplemente su forma de tocar: intuitiva, pero intuitiva combinada con el cerebro.

Según Reed, "Jesús" no tiene nada que ver con la religión, aunque la describió como una canción de búsqueda. Sin embargo, en la balada popular , Reed le pide a Jesús la redención en forma de un sermón alegre . [3] Reed tenía poco interés en la religión; el mensaje de la canción es generalmente secular. [18] Durante el transcurso de la canción, el bajo de Yule asume un papel principal en el acompañamiento instrumental. [8]

Lado dos

"Beginning to See the Light" utiliza una frase asociada con la redención religiosa. En la canción, Reed habla de su revelación imaginaria [3] y afirma su distinción de ser amado, [19] esta vez describiéndola en relación con la religión. [10] Se dirige al movimiento del amor libre con las líneas "Here we go again/I thought you were my friend" (Aquí vamos otra vez/Pensé que eras mi amigo), y luego comenta "¿Cómo se siente ser amado?" [23]

"I'm Set Free" es ambigua, aunque saluda a Phil Spector ; las despedidas al final de la canción imitan las de " You've Lost That Lovin' Feelin' " de la banda de Spector, los Righteous Brothers . Unterberger elogia el solo de guitarra de la canción como "uno de los más subestimados del grupo". [3] En la canción, Reed afirma que está libre de una relación, [10] aunque finalmente descubre que esto no es cierto. [19]

"That's the Story of My Life" tiene una instrumentación mínima. Originalmente, Cale tocaba la viola en las versiones en vivo, aunque no se incluyó viola en esta versión de estudio. [3] Durante la canción se repiten cuatro líneas de la letra y hacen referencia a Billy Name. [8] El título y la letra se inspiraron en un comentario de Name, quien presentó a Reed a una de sus mayores influencias, Alice Bailey . [18] Bockris resume el tema de esta canción: "La diferencia entre el bien y el mal es la historia de la vida de [Reed]". [19]

"The Murder Mystery" es una pista de palabra hablada. [3] Incorpora un ritmo de raga , un órgano murmurante , pasajes de palabra hablada superpuestos y voces de contrapunto cadenciosas. [12] Durante los versos, Lou Reed y el guitarrista Sterling Morrison recitan diferentes versos de poesía simultáneamente, con las voces posicionadas estrictamente a la izquierda y la derecha. Para los coros, Tucker y Yule cantan diferentes letras y melodías al mismo tiempo, también separadas a la izquierda y la derecha. [3] Unterberger señaló que tiene "poca melodía" y su narrativa es repetitiva, comparándola con "discos de 78 rpm y 16 rpm tocados simultáneamente", la pista cierra con un piano "progresivamente enloquecido". De la canción, Reed hizo referencia a "Sister Ray", explicando que la canción "es parte de la novela que es un misterio de asesinato". Nunca se interpretó en vivo en su totalidad; Morrison explicó que sería demasiado difícil de tocar. [3] Jovanovic lo describió como una "mezcla incomprensible" y un homenaje a White Light/White Heat ; Reed lo etiquetó como un fracaso, ya que quería que "una voz dijera lo opuesto [lírico] de la otra". [8]

"After Hours" fue el único lanzamiento de la banda en ese momento con Tucker cantando como voz principal. No toca la percusión y solo está acompañada por una guitarra y un bajo. Tucker cuenta diciendo "uno, dos, tres"; un disco de grabación más antiguo tituló la canción "If You Close the Door (Moe's Song)". [3] En general, la canción habla del aislamiento intencional. [10]

Ilustración de portada

La portada fue tomada por Billy Name , fotógrafo y archivista de la Factory de Warhol , [24] mostrando a la banda sentada tranquilamente en un sofá en The Factory. Name recibió 300 dólares por la fotografía, que era lo máximo que le habían pagado en ese momento por una imagen. [1] Yule y Tucker están mirando a Reed, y Morrison está mirando hacia otro lado; según Tucker, esto se debe a que Reed estaba hablando de la portada de la revista. [19] La contraportada es una imagen de Reed fumando, dividida en dos mitades con una de ellas al revés, ambas mostrando solo el lado izquierdo de su rostro. Cada lado incluye la lista de canciones y los créditos del disco, que también están al revés en esa parte de la imagen. [1] Reed sostenía un ejemplar de Harper's Bazaar que fue borrado con aerógrafo. [8] La portada llevó a que el disco fuera apodado "The Grey Album". [23]

Liberar

El anuncio de página completa que MGM utilizó para promocionar "What Goes On"

La fecha de lanzamiento del "tercer álbum" de la banda se dio en un artículo de noviembre de 1968 en Los Angeles Free Press como enero de 1969; [25] el álbum completo fue presentado por la revista danesa Superlove  [da] en enero de 1969. Phil Morris de MGM le dijo a Record World el 22 de febrero de 1969 que el álbum estaba listo para su lanzamiento. Cuando el álbum fue lanzado en marzo de 1969, los créditos de composición enumeraban a toda la banda como su compositor, a pesar de que Reed escribió todas sus canciones. Lanzamientos posteriores en cambio etiquetarían a Reed como el único compositor. La banda cambió de Verve Records al sello matriz MGM por razones desconocidas: Sesnick dice que la división de rock de Verve estaba cerca de cerrar, mientras que Morrison dice que esto simplemente fue "un cambio administrativo". [1] En última instancia, la decisión de mudarse a MGM fue de Sesnick. [19]

Se lanzaron dos mezclas del álbum. La mezcla inicial es la de Reed, que realza su voz y baja sus instrumentos, que fue la primera mezcla vendida en los Estados Unidos. Morrison notó que suena como si hubiera sido grabada en un armario, lo que llevó a que se la etiquetara como la "mezcla de armario". Valentin produjo una mezcla más convencional, de la que Yule diría más tarde que no estaba al tanto. [1] La mezcla más distribuida es la que se le atribuye a Valentin, [8] que se distribuyó por toda Europa. [18] Las dos versiones utilizan interpretaciones completamente diferentes de "Some Kinda Love", ambas tomadas de las mismas sesiones de grabación. La mezcla de armario fue elegida para su inclusión en el box set Peel Slowly and See . [21]

Aunque Onsager no tenía previsto salir de gira hasta después de que se lanzaran dos sencillos comercialmente exitosos, su agenda de giras se mantuvo casi ininterrumpida y solo se lanzó un sencillo fallido. "What Goes On" se lanzó en marzo de 1969, con "Jesus" como lado B. MGM lo promocionó en un anuncio de página completa en Cashbox , pero su distribución fue muy limitada. El álbum sufrió una falta de promoción, aunque se utilizó un anuncio de radio para WNEW-FM en Nueva York, y MGM también incluyó anuncios en publicaciones como Rolling Stone , Creem y Village Voice . En última instancia, no logró ubicarse en la lista Billboard Top LPs , el primer disco de la banda en hacerlo. Tucker lo atribuyó a la falta de promoción, mientras que Yule señaló que, en última instancia, el álbum no fue mainstream. [1] Debido a su fracaso en las listas, MGM no planeaba lanzar otro álbum de la banda. [18]

Recepción crítica

Calificaciones profesionales contemporáneas
Revisar puntuaciones
FuenteClasificación
La voz del puebloA [26]
Espejo de grabación

Unterberger notó que The Velvet Underground sonaba mucho más comercial que cualquiera de los álbumes anteriores de la banda y lo etiquetó como el punto donde la recepción crítica de la banda se volvió más positiva. [1] A pesar de esto, sin embargo, el álbum no logró entrar en las listas y tuvo menos éxito que los dos anteriores del grupo. [10] Al reseñar el álbum para The Village Voice en 1969, Robert Christgau lo consideró como el mejor trabajo de la banda y lo encontró melodioso, bien escrito y excepcionalmente cantado, a pesar de "otro experimento decepcionante" en "The Murder Mystery" y algo de "misterio" con respecto a la mezcla. [26] En su votación para la encuesta anual de críticos de la revista Jazz & Pop , Christgau lo clasificó como el sexto mejor álbum del año. [27] Más tarde lo incluyó en su "Biblioteca básica de discos" de grabaciones de los años 1950 y 1960, publicada en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981). [28]

Lester Bangs , escribiendo en la revista Rolling Stone , sintió que no está a la par con White Light/White Heat y tiene errores con "The Murder Mystery" y "Pale Blue Eyes", pero finalmente dijo que su combinación de música poderosamente expresiva y letras profundamente sentimentales persuadirá a los detractores de la banda a creer que pueden "escribir y tocar cualquier tipo de música que quieran con la misma brillantez". [29] Paul Williams de Crawdaddy declaró que "todo el mundo ama" el nuevo lanzamiento de la banda y lo etiquetó como su favorito personal desde Forever Changes de Love. Bob Stark para Creem observó cómo era "tan 'extremo' como cualquiera de los dos [álbumes anteriores]". Lenny Kaye revisó el disco para Jazz & Pop , etiquetándolo como "casi lírico en su belleza". Otros periódicos como Chicago Seed , Record World , Cashbox y el más convencional Variety elogiaron el álbum, y este último afirmó que es "una contribución importante al avance lírico del rock". Sin embargo, Adrian Ribolla de Oz lamentó que "Velvet Underground realmente no suena unido en este álbum". Además, Broadside de Massachusetts añoraba el sonido más antiguo de la banda. [1] Melody Maker , aunque elogió el álbum, lo desestimó al mismo tiempo comentando que "no es sensacional, pero sí interesante". Retrospectivamente, en octubre de 1969, Richard Williams de la misma revista elaboró ​​​​que "la vieja crueldad todavía estaba allí", etiquetando la antigua reseña de Melody Maker como errónea y elogiando los primeros tres álbumes de la banda como "un cuerpo de trabajo que es fácilmente tan impresionante como cualquier otro en el rock". [30]

Reevaluación

Calificaciones profesionales retrospectivas
Puntuaciones agregadas
FuenteClasificación
Metacrítico98/100
(super lujo) [31]
Revisar puntuaciones
FuenteClasificación
Toda la música[32]
Licuadora[33]
Tribuna de Chicago[13]
Enciclopedia de música popular[34]
Horca10/10 [35]
Q[36]
Piedra rodante[37]
La guía de álbumes de la revista Rolling Stone[38]
Guía de discos alternativos de Spin10/10 [39]

The Velvet Underground no impactó en el Billboard 200 hasta su reedición en 1985, cuando alcanzó el puesto número 197. [40] Según Billboard en 2013, The Velvet Underground ha vendido 201.000 copias desde 1991, cuando Nielsen SoundScan comenzó a rastrear las ventas de discos. [40]

En una reseña de la reedición del álbum en 1985, David Fricke de la revista Rolling Stone comentó que tanto The Velvet Underground como su predecesor carecen de la diversidad del álbum debut de la banda de 1967 y de la accesibilidad precisa de Loaded (1970). Sin embargo, consideró que el álbum sigue siendo edificante como un ciclo de canciones tiernas y sutilmente amplias cuya producción austera revela sorprendentemente la esencia de la composición más expresiva de Reed. Fricke citó la "irónica combinación" de "Pale Blue Eyes" y "Jesus" como el mejor resumen de "la calidez esperanzadora en el centro de la furia de los Velvet". [37]

Los críticos profesionales elogiaron la producción sobria del álbum. Colin Larkin , escribiendo en The Encyclopedia of Popular Music (1998), dijo que el álbum mostraba una nueva sutileza debido al papel más importante de Reed en la banda y que "reveló un enfoque pastoral, más suave y sobrio, conservando el aura escalofriante e inquietante de los lanzamientos anteriores". [41] En The Rolling Stone Album Guide (2004), Rob Sheffield escribió que después de la partida de Cale, la banda se convirtió en "baladeros folk acústicos" y que Reed fue inesperadamente encantador en el álbum, cuya "cada canción es un clásico". [38] La revista Q llamó al álbum "una actuación de banda parpadeante e inolvidable". [36] Greg Kot del Chicago Tribune destacó la contribución sobria de Reed al disco, resumiéndolo como "por primera vez sin John Cale, [Reed] crea un folk-rock tranquilo e imposiblemente hermoso". [13] Mark Deming para AllMusic escribió que las canciones del disco son las más personales y conmovedoras que la banda había grabado. [32] Brian Eno lo declaró su álbum favorito de la banda. [1]

Clasificaciones

The Velvet Underground fue votado como el número 262 en la tercera edición de los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos de Colin Larkin (2000). [42] En 2003, Rolling Stone lo clasificó en el puesto número 314 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . En la edición de 2012 bajó al puesto 316, y en la de 2020 subió al 143. [43] [44] [45] La revista NME lo nombró el 21.º mejor álbum de todos los tiempos en una lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. [46] La lista de 2017 de Pitchfork de los 200 mejores álbumes de la década de 1960 lo ubicó en el puesto número 12, por encima de Electric Ladyland de Jimi Hendrix Experience . [47] Ultimate Classic Rock lo incluyó en su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1960 sin clasificar. [48] ​​Uncut lo colocó en el puesto número 52 de sus 200 mejores álbumes de todos los tiempos, por encima de Third/Sister Lovers de Big Star pero detrás de Tapestry de Carole King . [49]

Robert Dimery incluyó el álbum en la edición de 2018 de su libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die . [50]

Reediciones

Junto con los tres primeros álbumes del grupo, The Velvet Underground recibió una reedición en 1985. [3] [51] Estas reediciones tuvieron un éxito inesperado, lo que llevó a más lanzamientos bajo PolyGram como Another View . El álbum fue incluido en el box set Peel Slowly and See , [51] y luego sería reeditado como una edición Super Deluxe para su 45 aniversario, incluyendo versiones mono de pistas, demos y presentaciones en vivo. [35]

Listado de canciones

Todas las pistas fueron escritas por Lou Reed . Todas las voces principales son de Reed, excepto donde se indique lo contrario. Los tiempos de ejecución que se indican corresponden a la mezcla de Valentin; el primer disco de la edición Super Deluxe del 45.° aniversario es la mezcla de Valentin.

Lado uno
No.TítuloVoz principalLongitud
1." Dulces dice "Navidad4:04
2." Que esta pasando " 4:55
3."Un poco de amor" 4:03
4." Ojos azules pálidos " 5:41
5."Jesús"Junco con Yule3:24
Longitud total:22:07
Lado dos
No.TítuloVoz principalLongitud
1."Empezando a ver la luz" 4:41
2."Soy libre" 4:08
3."Esa es la historia de mi vida" 1:59
4."El misterio del asesinato"Reed, Morrison, Yule y Tucker8:55
5." Después de horas "Fatigar2:07
Longitud total:21:50

Personal

El metro de terciopelo

Personal técnico

  • Dick Smith – dirección de arte
  • Angel Balestier – ingeniero
  • Val Valentin  – Director de Ingeniería
  • Billy Name  – fotografía
  • The Velvet Underground – producción

Certificaciones

RegiónProceso de dar un títuloUnidades certificadas /ventas
Reino Unido ( BPI ) [52]Oro100.000 ‡

‡ Las cifras de ventas y streaming se basan únicamente en la certificación.

Referencias

  1. ^ abcdefghijk Unterberger 2017, cap. 6.
  2. ^ Hogan 2007, págs. 56–57.
  3. ^ abcdefghijklmnopqrstu vw Unterberger 2017, cap. 5.
  4. ^ abc Hogan, Peter (1997). La guía completa de la música de Velvet Underground . Londres: Omnibus Press . pág. 28. ISBN. 0-7119-5596-4.
  5. ^ Jovanovic 2012, pág. 131.
  6. ^ Bockris 1994, págs. 165-168.
  7. ^ abc Hogan 2007, pág. 58.
  8. ^ abcdefghijk Jovanovic 2012, págs. 133-140.
  9. ^ abcd Hogan 2007, págs.
  10. ^ abcdefghi Grow, Kory (24 de noviembre de 2014). «Velvet Underground Reflect on Most Profound LP». Rolling Stone . Archivado desde el original el 6 de febrero de 2022. Consultado el 6 de febrero de 2022 .
  11. ^ ab Carpenter, Troy (2001). "The Velvet Underground". En George-Warren, Holly (ed.). The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll (3.ª ed.). Simon & Schuster . pág. 1035. ISBN 0-7432-0120-5. Recuperado el 29 de julio de 2013 .
  12. ^ abcde Schinder, Scott; Schwartz, Andy (2008). Íconos del rock: una enciclopedia de las leyendas que cambiaron la música para siempre. Vol. 2. Greenwood Publishing Group . pág. 318. ISBN 978-0-313-33847-2Archivado desde el original el 16 de febrero de 2017 . Consultado el 28 de julio de 2013 .
  13. ^ abc Kot, Greg (12 de enero de 1992). «Lou Reed's Recordings: 25 Years Of Path-Breaking Music». Chicago Tribune . Archivado desde el original el 25 de noviembre de 2018. Consultado el 11 de noviembre de 2020 .
  14. ^ Taylor, Steve (2006). El A a la X de la música alternativa. Continuum International Publishing Group . pág. 272. ISBN 0-8264-8217-1Archivado desde el original el 19 de diciembre de 2016 . Consultado el 28 de julio de 2013 .
  15. ^ Rathbone, Oregano (7 de marzo de 2021). «The Velvet Underground ve la luz en su tercer álbum homónimo». uDiscoverMusic . Archivado desde el original el 7 de febrero de 2022. Consultado el 7 de febrero de 2022 .
  16. ^ ab Lapointe, Andrew. "Entrevista con Doug Yule". PopMatters . Archivado desde el original el 4 de marzo de 2016. Consultado el 3 de diciembre de 2013 .
  17. ^ "Adicta a Lou". The Village Voice . 22 de agosto de 2017. Archivado desde el original el 27 de noviembre de 2021. Consultado el 6 de febrero de 2022 .
  18. ^ abcdef Sounes, Howard (2015). "A New VU: 1967–8". Notas de The Velvet Underground: La vida de Lou Reed . Gran Bretaña: Transworld . ISBN 978-1-4735-0895-8.
  19. ^ abcdef Bockris y Malanga 1996, págs.
  20. ^ Unterberger 2017, capítulo 4.
  21. ^ ab Hogan 2007, págs. 142-144.
  22. ^ Bockris y Malanga 1996, págs. 100-104.
  23. ^ ab "El 'álbum gris' de Velvet Underground y la delimitación de una década, PopMatters". PopMatters . 29 de octubre de 2019. Archivado desde el original el 9 de febrero de 2022 . Consultado el 9 de febrero de 2022 .
  24. ^ Randy Kennedy (8 de enero de 2010). "En busca de un archivo de la era de Warhol". The New York Times . Consultado el 10 de enero de 2010 .
  25. ^ Heylin 2005, pág. 79.
  26. ^ ab Christgau, Robert (10 de julio de 1969). «Guía del consumidor (1)». The Village Voice . Nueva York. Archivado desde el original el 15 de agosto de 2013. Consultado el 29 de julio de 2013 .
  27. ^ Christgau, Robert (1969). «Robert Christgau's 1969 Jazz & Pop Ballot». Jazz & Pop . Archivado desde el original el 19 de abril de 2014. Consultado el 17 de abril de 2014 .
  28. ^ Christgau, Robert (1981). "Una biblioteca básica de discos: los años cincuenta y sesenta". Guía de discos de Christgau: álbumes de rock de los años setenta . Boston: Ticknor and Fields . ISBN 0-89919-026-XArchivado del original el 12 de marzo de 2019. Consultado el 16 de marzo de 2019 en robertchristgau.com.
  29. ^ Bangs, Lester (17 de mayo de 1969). «The Velvet Underground». Rolling Stone . N.º 33. San Francisco. pág. 17. Archivado desde el original el 6 de mayo de 2015. Consultado el 22 de mayo de 2015 .
  30. ^ Heylin 2005, págs. 119-121.
  31. ^ "The Velvet Underground [45th Anniversary Super Deluxe Edition] de The Velvet Underground: reseñas y canciones". Metacritic . Archivado desde el original el 7 de febrero de 2022. Consultado el 6 de febrero de 2022 .
  32. ^ ab Deming, Mark. «The Velvet Underground – The Velvet Underground». AllMusic . Archivado desde el original el 5 de noviembre de 2013. Consultado el 29 de octubre de 2013 .
  33. ^ "The Velvet Underground: The Velvet Underground". Blender . Nueva York. Archivado desde el original el 30 de septiembre de 2007 . Consultado el 29 de octubre de 2013 .
  34. ^ Larkin, Colin (2011). "Velvet Underground". La enciclopedia de la música popular (quinta edición concisa). Londres: Omnibus Press . ISBN 978-0-85712-595-8.
  35. ^ ab Berman, Stuart (24 de noviembre de 2014). «The Velvet Underground: The Velvet Underground». Pitchfork . Archivado desde el original el 25 de noviembre de 2014. Consultado el 24 de noviembre de 2014 .
  36. ^ ab "The Velvet Underground: The Velvet Underground". Q. No. 191. Londres. Junio ​​de 2002. p. 128.
  37. ^ ab Fricke, David (14 de marzo de 1985). «The Velvet Underground: The Velvet Underground & Nico / White Light/White Heat / The Velvet Underground / VU» Rolling Stone . N.º 443. Nueva York. Archivado desde el original el 7 de septiembre de 2001. Consultado el 8 de octubre de 2020 .
  38. ^ ab Sheffield, Rob (2004). "The Velvet Underground". En Brackett, Nathan ; Hoard, Christian (eds.). The New Rolling Stone Album Guide (4.ª ed.). Nueva York: Simon & Schuster . págs. 847–848. ISBN 0-7432-0169-8Archivado desde el original el 10 de junio de 2021 . Consultado el 22 de noviembre de 2011 .
  39. ^ Weisbard, Eric (1995). "Velvet Underground". En Weisbard, Eric; Marks, Craig (eds.). Spin Alternative Record Guide . Nueva York: Vintage Books . págs. 425–427. ISBN 0-679-75574-8.
  40. ^ ab Gensler, Andy (28 de octubre de 2013). "Lou Reed RIP: ¿Qué pasaría si todos los que compraron el primer álbum de Velvet Underground formaran una banda?". Billboard . Nueva York. Archivado desde el original el 31 de octubre de 2013 . Consultado el 8 de octubre de 2020 .
  41. ^ Larkin, Colin (1998). "Velvet Underground". La enciclopedia de la música popular . Vol. 7 (3.ª ed.). Muze UK . págs. 5626-7. ISBN 1-56159-237-4.
  42. ^ Larkin, Colin (2000). Los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos (3.ª ed.). Virgin Books . pág. 116. ISBN 0-7535-0493-6.
  43. ^ "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". Rolling Stone . Nueva York. 11 de diciembre de 2003.
  44. ^ "500 Greatest Albums of All Time". Rolling Stone . Nueva York. 31 de mayo de 2012. Archivado desde el original el 9 de octubre de 2020 . Consultado el 8 de octubre de 2020 .
  45. ^ "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". Rolling Stone . 22 de septiembre de 2020. Archivado desde el original el 9 de julio de 2021 . Consultado el 9 de marzo de 2021 .
  46. ^ "Los 100 mejores álbumes de todos los tiempos". NME . Londres. Marzo de 2003.
  47. ^ «Los 200 mejores álbumes de los años 1960». Pitchfork . 22 de agosto de 2017. p. 10. Archivado desde el original el 8 de febrero de 2022 . Consultado el 7 de febrero de 2022 .
  48. ^ "Top 100 '60s Rock Albums". Ultimate Classic Rock . 19 de marzo de 2015. Archivado desde el original el 30 de noviembre de 2021. Consultado el 9 de enero de 2022 .
  49. ^ "Los 200 mejores álbumes de todos los tiempos". Sin cortes . 4 de enero de 2016.
  50. ^ Dimery, Robert; Lydon, Michael (2018). 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir: edición revisada y actualizada . Londres: Cassell . ISBN. 978-1-78840-080-0.
  51. ^ ab Unterberger 2017, cap. 9.
  52. ^ "Certificaciones de álbumes británicos – Velvet Underground – The Velvet Underground". Industria fonográfica británica . Consultado el 21 de marzo de 2021 .

Fuentes

Lectura adicional

  • Mauro, JP (13 de abril de 2018). “La oración sincera de The Velvet Underground: “Jesús””. Aleteia .
  • The Velvet Underground en Discogs (lista de lanzamientos)
Obtenido de "https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=The_Velvet_Underground_(álbum)&oldid=1251790744"