Teatro

El teatro o teatro ^[a] es una forma colaborativa de arte escénico que utiliza intérpretes en vivo, generalmente actores o actrices , para presentar experiencias de un evento real o imaginario ante una audiencia en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario . Los intérpretes pueden comunicar esta experiencia a la audiencia a través de combinaciones de gestos , habla, canciones, música y danza . Es la forma más antigua de drama , aunque al teatro en vivo ahora se le han unido formas grabadas modernas. Se utilizan elementos de arte, como paisajes pintados y escenografía como la iluminación, para realzar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia. ^[1] Los lugares, normalmente edificios, donde se realizan representaciones regularmente también se denominan "teatros" (o "teatros"), que deriva del griego antiguo θέατρον (théatron, "un lugar para ver"), que a su vez proviene de θεάομαι (theáomai, "ver", "mirar", "observar"). ^[2]

El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia , del que toma prestada la terminología técnica, la clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes estereotipados y elementos de la trama. El artista teatral Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral , la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimas que diferencian al teatro de las demás artes escénicas , la literatura y las artes en general. ^{[3] [b]}

Una compañía de teatro es una organización que produce representaciones teatrales, ^[4] a diferencia de una troupe de teatro (o compañía de actuación), que es un grupo de artistas teatrales que trabajan juntos. ^{[5] [6]}

El teatro moderno incluye representaciones de obras de teatro y teatro musical . Las formas de arte del ballet y la ópera también son teatro y utilizan muchas convenciones como la actuación , el vestuario y la puesta en escena. Tuvieron influencia en el desarrollo del teatro musical .

La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. ^{[7] [8] [9] [c]} Fue parte de una cultura más amplia de teatralidad y representación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . ^{[10] [9] [11] [12] [d]}

La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado -y la asistencia obligatoria a las Dionisías de la ciudad como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular- era una parte importante de la ciudadanía . ^[14] La participación cívica también implicaba la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en las actuaciones en el tribunal de justicia o la asamblea política , ambas entendidas como análogas al teatro y cada vez más llegaron a absorber su vocabulario dramático. ^{[15] [16]} Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. ^{[17] [18] [19] [ verificación fallida ]} Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. ^[20] El teatro de la antigua Grecia consistía en tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y la obra satírica . ^[21]

Los orígenes del teatro en la antigua Grecia, según Aristóteles (384-322 a. C.), el primer teórico del teatro, se encuentran en las fiestas en honor a Dioniso. Las representaciones se realizaban en auditorios semicirculares excavados en la ladera de una colina, con capacidad para entre 10.000 y 20.000 personas. El escenario estaba formado por una pista de baile (orquesta), un camerino y una zona de construcción de la escena (skene). Como las palabras eran la parte más importante, la buena acústica y la claridad en la interpretación eran primordiales. Los actores (siempre hombres) llevaban máscaras adecuadas a los personajes que representaban, y cada uno podía interpretar varios papeles. ^[22]

La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza -drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. ^{[7] [8] [9] [23] [24] [e]} Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego), y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . ^{[26] [27] [8] [f]}

No hay tragedias del siglo VI a. C. y solo han sobrevivido 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V a. C. ^{[29] [30] [g]} Tenemos textos completos existentes de Esquilo , Sófocles y Eurípides . ^{[31] [h]} Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizó en competiciones ( agon ) celebradas como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). ^{[32] [33]} Como concursantes en la competición de las Dionisias de la ciudad (el más prestigioso de los festivales para representar drama) los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra satírica. ^{[34] [35] [i]} La representación de tragedias en las Dionisías de la ciudad puede haber comenzado ya en el año 534 a. C.; los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el año 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. ^{[36] [34] [j]}

La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas —que escenifica la respuesta persa a las noticias de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C.— es la notable excepción en el drama sobreviviente. ^{[34] [k]} Cuando Esquilo ganó el primer premio por ello en las Dionisías de la ciudad en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, pero su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que sobrevive. ^{[34] [38]} Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua sobreviviente de teoría dramática : su Poética ( c.  335 a. C. ).

La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos: "Comedia antigua", "Comedia media" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en día en gran parte en forma de las once obras supervivientes de Aristófanes , mientras que la comedia media se ha perdido en gran parte (preservada solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Náucratis ). La comedia nueva se conoce principalmente a partir de los importantes fragmentos de papiro de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que implica algún tipo de error o fealdad que no causa dolor o desastre. ^[l]

Además de las categorías de comedia y tragedia en las Dionisías de la ciudad, el festival también incluía la obra satírica . Encontrando sus orígenes en los rituales rurales y agrícolas dedicados a Dioniso, la obra satírica finalmente encontró su camino a Atenas en su forma más conocida. Los propios sátiros estaban vinculados al dios Dioniso como sus leales compañeros del bosque, a menudo participando en juergas y travesuras borrachas a su lado. La obra satírica en sí misma fue clasificada como tragicomedia, errando del lado de las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las tramas de las obras generalmente se ocupaban de los tratos del panteón de dioses y su participación en los asuntos humanos, respaldados por el coro de sátiros . Sin embargo, según Webster , los actores satíricos no siempre realizaban acciones satíricas típicas y rompían con las tradiciones de actuación asignadas al tipo de personaje de una criatura mítica del bosque. ^[39]

El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . ^[40] Beacham sostiene que habían estado familiarizados con las "prácticas preteatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto registrado. ^[41] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que abarcaba desde representaciones de festivales de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias , hasta la puesta en escena de las comedias de situación de gran atractivo de Plauto , hasta las tragedias de gran estilo y verbalmente elaboradas de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición nativa de actuación, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y energizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario. Las únicas obras de teatro que se conservan del Imperio romano son diez dramas atribuidos a Lucio Anneo Séneca (4 a. C.-65 d. C.), el filósofo estoico nacido en Corduba y tutor de Nerón. ^[42] Estas tragedias son conocidas por sus temas filosóficos, personajes complejos y estilo retórico. Si bien las obras de Séneca brindan información valiosa sobre el teatro romano, representan solo una pequeña fracción del repertorio dramático que existía en la antigua Roma.

La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito , ^[43] cuyos fragmentos más antiguos que se conservan datan del siglo I d. C. ^{[44] [45]} Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. ^[43] Surgió en algún momento entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. y floreció entre el siglo I d. C. y el siglo X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras. ^{[46] [47]} La ​​riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece ninguna indicación de la existencia de una tradición teatral. ^[47] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura del mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en forma de diálogo ) y los rituales del período védico no parecen haberse desarrollado hasta convertirse en teatro. ^[47] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pueden haber sido las semillas del drama sánscrito. ^[48] Este tratado sobre gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los inicios del teatro en la India . ^[48]

La principal fuente de evidencia sobre el teatro sánscrito es el Tratado sobre el teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. hasta el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra más completa de dramaturgia del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de compañías, la audiencia, las competiciones y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. ^[48] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se realizaba en suelo sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.

Bajo el patrocinio de las cortes reales, los intérpretes pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también podía haber actuado. ^{[44] [48]} Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero : el significado literal de " sutradhara " es "sostenedor de los hilos o cuerdas". ^[48] Los intérpretes eran entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. ^[49] No había prohibiciones contra las intérpretes femeninas; las compañías estaban formadas exclusivamente por hombres, exclusivamente por mujeres y de género mixto. Sin embargo, se consideraba que ciertos sentimientos no eran apropiados para que los representaran los hombres y se pensaba que eran más adecuados para las mujeres. Algunos intérpretes interpretaban personajes de su misma edad, mientras que otros interpretaban edades diferentes a la suya (ya fueran más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal se centra en este último. ^{[49] [m]}

Su drama es considerado como el logro más alto de la literatura sánscrita . ^[44] Utilizaba personajes estereotipados , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C., es posiblemente considerado el mayor dramaturgo sánscrito de la antigua India . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). La última se inspiró en una historia del Mahabharata y es la más famosa. Fue la primera en ser traducida al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). ^[44]

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti ( c.  siglo VII d. C. ). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estas tres, las dos últimas abarcan en conjunto toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .

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La dinastía Tang se conoce a veces como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta era, Ming Huang formó una escuela de actuación conocida como El jardín de las peras para producir una forma de drama que era principalmente musical. Es por eso que a los actores se les suele llamar "Niños del jardín de las peras". Durante la dinastía de la emperatriz Ling, el teatro de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de teatro de sombras, pequinés (norteño) y cantonés (sur). Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la posición de las varillas en los títeres , a diferencia del tipo de obra representada por los títeres. Ambos estilos generalmente representaban obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizó esta forma muy estilizada de teatro para propaganda política.

Las formas japonesas de Kabuki , Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII d. C. ^[50]

Las marionetas de sombras cantonesas eran las más grandes de las dos. Se construían con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente: una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas que se usaban para controlar las marionetas cantonesas se sujetaban perpendicularmente a las cabezas de las marionetas. De esta manera, el público no las veía cuando se creaba la sombra. Las marionetas pequinesas eran más delicadas y más pequeñas. Se creaban con cuero fino y translúcido (generalmente tomado del vientre de un burro). Se pintaban con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas se sujetan en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un cuerpo. Cuando no se utilizaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto se hacía en consonancia con la antigua superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaban al extremo de guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar las marionetas. Se dice que el teatro de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI, antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música. Estas evolucionaron en la dinastía Yuan hasta convertirse en una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama Yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas de las cuales es la Ópera de Pekín , que sigue siendo popular hoy en día.

Xiangsheng es una especie de representación cómica tradicional china en forma de monólogo o diálogo.

En Indonesia , las representaciones teatrales se han convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante miles de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los teatros de marionetas más destacados , wayang golek (obra de títeres de varilla de madera) de los sundaneses y wayang kulit (obra de títeres de sombras de cuero) de los javaneses y balineses, extraen gran parte de su repertorio de versiones indigenizadas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de origen para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Sin embargo, algunas representaciones de wayang golek también presentan historias musulmanas, llamadas menak . ^{[51] [52]} Wayang es una antigua forma de narración que es famosa por sus elaborados estilos musicales de títeres/humanos. ^[53] La evidencia más antigua es de finales del primer milenio d.C., en textos de la era medieval y sitios arqueológicos. ^[54] El registro más antiguo conocido que concierne al wayang es del siglo IX. Alrededor del año 840 d.C., una inscripción en javanés antiguo (kawi) llamada Inscripciones Jaha emitida por Maharaja Sri Lokapala del Reino Mataram en Java Central menciona tres tipos de artistas: atapukan, aringgit y abanol. Aringgit significa espectáculo de marionetas wayang, Atapukan significa espectáculo de danza con máscaras y abanwal significa arte de broma. El ringgit se describe en un poema javanés del siglo XI como una figura de sombra de cuero.

El teatro en el mundo islámico medieval incluía el teatro de títeres (que incluía títeres de mano, obras de sombras y producciones de marionetas ) y obras de la Pasión en vivo conocidas como ta'ziyeh , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al istishhād (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que el teatro de títeres y el teatro ta'ziya . ^[55]

El teatro adoptó muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluida la commedia dell'arte del teatro italiano y el melodrama . La tendencia general se alejó del drama poético de los griegos y el Renacimiento y se dirigió hacia un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial . ^[56]

El teatro tuvo una gran pausa durante 1642 y 1660 en Inglaterra debido al Interregno Puritano . ^[57] El creciente sentimiento antiteatral entre los puritanos llevó a William Prynne a escribir Histriomastix (1633), el ataque más notorio al teatro antes de la prohibición. ^[57] Al ver el teatro como un pecado, los puritanos ordenaron el cierre de los teatros de Londres en 1642. [ ^58] El 24 de enero de 1643, los actores protestaron contra la prohibición escribiendo un panfleto titulado The Actors remonstrance or complaint for the silencing of their career, and barishment from their severall play-houses . ^[59] Este período de estancamiento terminó una vez que Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración . El teatro (entre otras artes) explotó, con la influencia de la cultura francesa, ya que Carlos había estado exiliado en Francia en los años anteriores a su reinado.

En 1660, dos compañías obtuvieron licencia para actuar, la Duke's Company y la King's Company . Las representaciones se realizaban en edificios reconvertidos, como la Lisle's Tennis Court . El primer teatro del West End , conocido como Theatre Royal en Covent Garden , Londres, fue diseñado por Thomas Killigrew y construido en el sitio del actual Theatre Royal, Drury Lane . ^[60]

Uno de los grandes cambios fue el nuevo teatro. En lugar del tipo de la época isabelina, como el Globe Theatre , circular, sin lugar para que los actores se prepararan para el siguiente acto y sin "modales teatrales", el teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un escenario al frente y asientos tipo estadio frente a él. Como los asientos ya no estaban en todo el perímetro del escenario, se priorizó su ubicación; algunos asientos eran obviamente mejores que otros. El rey tendría el mejor asiento del teatro: el centro del teatro, desde donde se obtenía la vista más amplia del escenario, así como la mejor manera de ver el punto de vista y el punto de fuga alrededor del cual se construía el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los escenógrafos más influyentes de la época debido a su uso del espacio del suelo y la escenografía.

Debido a la agitación que se vivió antes de esa época, todavía existía cierta controversia sobre lo que se debía y no se debía poner en escena. Jeremy Collier , un predicador, fue uno de los líderes de este movimiento a través de su obra A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage (Una breve visión de la inmoralidad y la profanación del escenario inglés) . Las creencias de este artículo eran sostenidas principalmente por personas que no asistían al teatro y por el resto de los puritanos y muy religiosos de la época. La cuestión principal era si ver algo inmoral en el escenario afectaba el comportamiento en la vida de quienes lo veían, una controversia que todavía se está desarrollando en la actualidad. ^[61]

El siglo XVII también había introducido a las mujeres en el escenario, lo que antes se consideraba inapropiado. Estas mujeres eran consideradas celebridades (también un concepto más nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo que surgieron a raíz del Humanismo renacentista ), pero, por otro lado, todavía era muy nuevo y revolucionario que estuvieran en el escenario, y algunos decían que no eran propias de una dama y las miraban con desprecio. A Carlos II no le gustaba que los hombres jóvenes interpretaran papeles de mujeres jóvenes, por lo que pidió que las mujeres interpretaran sus propios papeles. ^[62] Debido a que se permitía a las mujeres subir al escenario, los dramaturgos tenían más margen de maniobra con los giros de la trama, como las mujeres vestidas de hombres y las escapadas por los pelos de situaciones moralmente complicadas como formas de comedia.

Las comedias estaban llenas de jóvenes y estaban muy de moda, con la historia siguiendo sus vidas amorosas: comúnmente un héroe joven y pícaro profesando su amor a la heroína casta y de mente libre cerca del final de la obra, muy parecido a La escuela del escándalo de Sheridan . Muchas de las comedias estaban diseñadas según la tradición francesa, principalmente Molière, nuevamente recuperando la influencia francesa traída de regreso por el Rey y la realeza después de su exilio. Molière fue uno de los mejores dramaturgos cómicos de la época, revolucionando la forma en que se escribía y se representaba la comedia al combinar la commedia dell'arte italiana y la comedia francesa neoclásica para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. ^[63] Las tragedias fueron igualmente victoriosas en su sentido de enderezar el poder político, especialmente conmovedoras debido a la reciente Restauración de la Corona. ^[64] También eran imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una distinción más amplia entre comedia y tragedia, mientras que los ingleses modificaban las líneas ocasionalmente y agregaban algunas partes cómicas a sus tragedias. Las formas comunes de obras no cómicas eran las comedias sentimentales, así como algo que más tarde se llamaría tragédie bourgeoise o tragedia doméstica , es decir, la tragedia de la vida común, que eran más populares en Inglaterra porque apelaban más a las sensibilidades inglesas. ^[65]

Aunque antes las compañías de teatro solían viajar con frecuencia, la idea del teatro nacional ganó adeptos en el siglo XVIII, inspirada por Ludwig Holberg . El principal promotor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas del Sturm und Drang , fue Abel Seyler , propietario de la Hamburgische Entreprise y de la Seyler Theatre Company . ^[66]

A lo largo del siglo XIX , las formas teatrales populares del Romanticismo , el melodrama , el burlesco victoriano y las obras bien hechas de Scribe y Sardou dieron paso a las obras problemáticas del naturalismo y el realismo ; las farsas de Feydeau ; la obra de arte total operística de Wagner ; el teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan ); las comedias de salón de FC Burnand , WS Gilbert y Oscar Wilde ; el simbolismo ; el protoexpresionismo en las últimas obras de August Strindberg y Henrik Ibsen ; ^[68] y la comedia musical eduardiana .

Estas tendencias continuaron a lo largo del siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg , el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht , el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckett y Eugène Ionesco , los musicales estadounidenses y británicos, las creaciones colectivas de compañías de actores y directores como el Theatre Workshop de Joan Littlewood , el teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage , el teatro poscolonial de August Wilson o Tomson Highway , y el Teatro del Oprimido de Augusto Boal .

El drama es el modo específico de ficción representado en una representación teatral . ^[69] El término proviene de una palabra griega que significa " acción ", que se deriva del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La representación del drama en el teatro, interpretado por actores en un escenario ante un público , presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. ^[70] La tragedia moderna temprana Hamlet (1601) de Shakespeare y la tragedia clásica ateniense Edipo rey ( c.  429 a. C. ) de Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte del drama. ^[71] Un ejemplo moderno es Largo viaje hacia la noche de Eugene O'Neill (1956). ^[72]

Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático ha sido contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles ( c.  335 a. C. ); la obra más temprana de teoría dramática . ^[n] El uso de "drama" en sentido estricto para designar un tipo específico de obra data del siglo XIX . Drama en este sentido se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia, por ejemplo, Thérèse Raquin (1873) de Zola o Ivanov (1887) de Chéjov . Sin embargo, en la Antigua Grecia, la palabra drama abarcaba todas las obras teatrales, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.

El drama se combina a menudo con música y danza : el drama en la ópera generalmente se canta durante toda la obra; los musicales generalmente incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( melodrama y Nō japonés , por ejemplo). ^[o] En ciertos períodos de la historia (la antigua Roma y el Romanticismo moderno ) algunos dramas se han escrito para ser leídos en lugar de representados. ^[p] En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; los intérpretes idean un guión dramático espontáneamente ante una audiencia. ^[q]

La música y el teatro han tenido una estrecha relación desde la antigüedad : la tragedia ateniense , por ejemplo, era una forma de danza - drama que empleaba un coro cuyas partes se cantaban (con el acompañamiento de un aulos , un instrumento comparable al oboe moderno ), al igual que algunas de las respuestas de los actores y sus "canciones solistas" ( monodias ). ^[73] El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de los géneros de ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan ), variedades , vodevil y music hall de finales del siglo XIX y principios del XX . ^[74] Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales del Princess Theatre de principios del siglo XX y las comedias de las décadas de 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein ), con Oklahoma! (1943), los musicales se movieron en una dirección más dramática. ^[r] Entre los musicales famosos de las décadas siguientes se incluyen My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Los Miserables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) y El fantasma de la ópera (1986), ^[75] así como éxitos más contemporáneos como Rent (1994), El rey león (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) y Frozen (2018).

El teatro musical puede producirse en una escala íntima en el Off-Broadway , en teatros regionales y en otros lugares, pero a menudo incluye espectáculo. Por ejemplo, los musicales de Broadway y del West End suelen incluir vestuario y decorados suntuosos financiados con presupuestos multimillonarios.

Las producciones teatrales que utilizan el humor como vehículo para contar una historia se consideran comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como Como gustéis . El teatro que expresa temas sombríos, controvertidos o tabú de una manera deliberadamente humorística se conoce como comedia negra . La comedia negra puede tener varios géneros, como el humor físico, la comedia oscura y la comedia sarcástica.

La tragedia, entonces, es una imitación de una acción seria, completa y de cierta magnitud: en un lenguaje embellecido con todo tipo de ornamentos artísticos, encontrándose los diversos tipos en partes separadas de la obra; en forma de acción, no de narrativa; a través de la piedad y el miedo se efectúa la purgación adecuada de estas emociones.

—  Aristóteles , Poética ^[76]

La frase de Aristóteles "en las distintas partes de la obra se encuentran varios tipos de obras" es una referencia a los orígenes estructurales del drama. En él, las partes habladas se escribían en dialecto ático, mientras que las corales (recitadas o cantadas) se escribían en dialecto dórico . Estas discrepancias reflejan los diferentes orígenes religiosos y metros poéticos de las partes que se fusionaron en una nueva entidad, el drama teatral .

La tragedia se refiere a una tradición específica de drama que ha jugado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . ^{[77] [78]} Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, pero el término se ha utilizado a menudo para invocar un poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; los helenos y los cristianos , en una actividad común", como dice Raymond Williams . ^[79] Desde sus oscuros orígenes en los teatros de Atenas hace 2.500 años, de los que sólo sobrevive una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , pasando por sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine y Schiller , hasta la más reciente tragedia naturalista de Strindberg , las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento, y las reelaboraciones posmodernistas de Müller del canon trágico, la tragedia ha seguido siendo un sitio importante de experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. ^{[80] [81]} A raíz de la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género , ya sea a escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide contra la épica y la lírica ) o a escala del drama (donde la tragedia se opone a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido frente al drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . ^[s]

La improvisación ha sido una característica constante del teatro, y la Commedia dell'arte del siglo XVI fue reconocida como la primera forma de improvisación. Popularizada por el Premio Nobel de Literatura de 1997, Dario Fo , y grupos como la Upright Citizens Brigade, el teatro de improvisación sigue evolucionando con muchas corrientes y filosofías diferentes.

Keith Johnstone y Viola Spolin son reconocidos como los primeros profesores de improvisación en los tiempos modernos. Johnstone exploró la improvisación como una alternativa al teatro con guión, mientras que Spolin y sus sucesores exploraron la improvisación principalmente como una herramienta para desarrollar el trabajo o las habilidades dramáticas o como una forma de comedia situacional. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación era aplicable al desarrollo del potencial humano. ^[82]

El hijo de Spolin, Paul Sills, popularizó el teatro improvisado como forma de arte teatral cuando fundó, como su primer director, The Second City en Chicago.

El teatro, que ha sido una parte importante de la cultura humana durante más de 2500 años, ha desarrollado una amplia gama de teorías y prácticas diferentes. Algunas están relacionadas con ideologías políticas o espirituales, mientras que otras se basan puramente en preocupaciones "artísticas". Algunos procesos se centran en una historia, algunos en el teatro como evento y algunos en el teatro como catalizador del cambio social. El filósofo griego clásico Aristóteles , en su tratado seminal Poética ( c.  335 a. C. ) es el ejemplo más antiguo que sobrevive y sus argumentos han influido en las teorías del teatro desde entonces. ^{[17] [18]} En él, ofrece un relato de lo que él llama "poesía" (un término que en griego significa literalmente "hacer" y en este contexto incluye el drama -comedia , tragedia y la obra satírica- así como la poesía lírica , la poesía épica y el ditirambo ). Examina sus "primeros principios" e identifica sus géneros y elementos básicos; su análisis de la tragedia constituye el núcleo de la discusión. ^[83]

Aristóteles sostiene que la tragedia consta de seis partes cualitativas, que son (en orden de importancia) mythos o "trama", ethos o "carácter", dianoia o "pensamiento", lexis o "dicción", melos o "canción", y opsis o "espectáculo". ^{[84] [85] "Aunque} la Poética de Aristóteles es universalmente reconocida en la tradición crítica occidental ", explica Marvin Carlson , "casi cada detalle sobre su obra seminal ha despertado opiniones divergentes". ^{[86] Entre} los practicantes de teatro importantes del siglo XX se incluyen Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone y Robert Wilson (director) .

Stanislavski trató el teatro como una forma de arte autónoma de la literatura y una en la que la contribución del dramaturgo debe ser respetada como la de solo uno de un conjunto de artistas creativos. ^{[87] [88] [89] [90] [t]} Su contribución innovadora a la teoría de la actuación moderna ha permanecido en el núcleo de la formación de interpretación occidental dominante durante gran parte del siglo pasado. ^{[91] [92] [93] [94] [95]} El hecho de que muchos de los preceptos de su sistema de formación de actores parezcan de sentido común y evidentes es un testimonio de su éxito hegemónico. ^[96] Los actores emplean con frecuencia sus conceptos básicos sin saber que lo hacen. ^[96] Gracias a su promoción y elaboración por profesores de actuación que eran antiguos alumnos y a las numerosas traducciones de sus escritos teóricos, el "sistema" de Stanislavski adquirió una capacidad sin precedentes para cruzar fronteras culturales y desarrolló un alcance internacional, dominando los debates sobre la actuación en Europa y los Estados Unidos. ^{[91] [97] [98] [99] Muchos actores comparan rutinariamente su "sistema" con el} Método Norteamericano , aunque las técnicas exclusivamente psicológicas de este último contrastan marcadamente con el enfoque multivariante, holístico y psicofísico de Stanislavski , que explora el personaje y la acción tanto desde "adentro hacia afuera" como desde "afuera hacia adentro" y trata la mente y el cuerpo del actor como partes de un continuo. ^{[100] [101]}

El teatro presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. ^[70] La producción de obras generalmente implica contribuciones de un dramaturgo , director , un elenco de actores y un equipo de producción técnica que incluye un diseñador escénico o de escenografía , diseñador de iluminación , diseñador de vestuario , diseñador de sonido , regidor , director de producción y director técnico. Dependiendo de la producción, este equipo también puede incluir un compositor , dramaturgo , diseñador de video o director de lucha .

El término "arte escénico" hace referencia a los aspectos técnicos de la producción teatral, cinematográfica y de vídeo. Incluye, entre otras cosas, la construcción y montaje de la escenografía, la instalación y el enfoque de la iluminación, el diseño y la adquisición de vestuario, el maquillaje, la adquisición de utilería, la dirección de escena y la grabación y mezcla de sonido. El término "arte escénico" se diferencia del término más amplio de "escenografía". Se considera un campo técnico más que artístico y se relaciona principalmente con la implementación práctica de la visión artística de un diseñador.

En su forma más básica, la escenografía está a cargo de una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que organiza toda la escenografía, el vestuario, la iluminación y el sonido, y organiza al elenco. En un nivel más profesional, por ejemplo en los teatros modernos de Broadway, la escenografía está a cargo de cientos de hábiles carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas, costureras, peluqueros y similares. Esta forma moderna de escenografía es altamente técnica y especializada: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición. La mayor parte de la escenografía se encuentra entre estos dos extremos. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un grupo de diseñadores, cada uno de los cuales tiene una participación directa en sus respectivos diseños.

Existen muchos movimientos teatrales modernos que producen obras de teatro de diversas maneras. Las empresas teatrales varían enormemente en cuanto a sofisticación y propósito. Las personas que participan varían desde novatos y aficionados (en el teatro comunitario) hasta profesionales (en Broadway y producciones similares). El teatro puede realizarse con un presupuesto reducido o a gran escala con presupuestos multimillonarios. Esta diversidad se manifiesta en la abundancia de subcategorías teatrales, que incluyen:

• Teatro Broadway y teatro West End
• Teatro comunitario
• Cena teatro
• Teatro alternativo
• Teatro inmersivo
• Teatro interactivo
• Fuera de Broadway y fuera del West End
• Fuera de Broadway
• Teatro de reproducción
• Teatro regional en Estados Unidos
• Teatro específico para el sitio
• Teatro callejero
• Teatro de verano
• Teatro y discapacidad
• Teatro itinerante

Mientras que la mayoría de las compañías de teatro modernas ensayan una pieza de teatro a la vez, la presentan durante un tiempo determinado, la retiran y comienzan a ensayar un nuevo espectáculo, las compañías de repertorio ensayan varios espectáculos a la vez. Estas compañías pueden presentar estas diversas piezas a pedido y, a menudo, las representan durante años antes de retirarlas. La mayoría de las compañías de danza funcionan con este sistema de repertorio. El Royal National Theatre de Londres actúa con un sistema de repertorio.

El teatro de repertorio generalmente involucra a un grupo de actores con un nivel similar de talento y depende más de la reputación del grupo que de un actor estrella individual. También suele depender menos del control estricto por parte de un director y menos de la adhesión a las convenciones teatrales, ya que los actores que han trabajado juntos en múltiples producciones pueden responderse entre sí sin depender tanto de las convenciones o de la dirección externa. ^[102]

Una compañía de teatro es una organización que produce representaciones teatrales, ^[4] a diferencia de una troupe de teatro (o compañía de actuación), que es un grupo de artistas teatrales que trabajan juntos. ^[5]

Una compañía de gira es una compañía de teatro o danza independiente que viaja, a menudo a nivel internacional, y se presenta en un teatro diferente en cada ciudad. ^{[ cita requerida ]}

Para poder representar una obra de teatro, se necesitan tanto una compañía de teatro como un espacio teatral . Cuando una compañía de teatro es la única compañía residente en un espacio teatral, este teatro (y su compañía de teatro correspondiente) se denominan teatro residente o teatro productor, porque el espacio produce su propia obra. Otras compañías de teatro, así como compañías de danza, que no tienen su propio espacio teatral, actúan en teatros de alquiler o en teatros de presentación. Tanto los teatros de alquiler como los de presentación no tienen compañías residentes a tiempo completo. Sin embargo, a veces tienen una o más compañías residentes a tiempo parcial, además de otras compañías asociadas independientes que se encargan de utilizar el espacio cuando está disponible. Un teatro de alquiler permite a las compañías independientes buscar el espacio, mientras que un teatro de presentación busca a las compañías independientes para apoyar su trabajo presentándolos en su escenario. ^{[ cita requerida ]}

Algunos grupos de performance actúan en espacios no teatrales. Estas actuaciones pueden tener lugar al aire libre o en interiores, en un espacio de actuación no tradicional, e incluyen teatro callejero y teatro en un lugar específico . Los lugares no tradicionales se pueden utilizar para crear entornos más inmersivos o significativos para el público. A veces se pueden modificar más en profundidad que los lugares de teatro tradicionales, o pueden adaptarse a diferentes tipos de equipos, iluminación y decorados. ^[103]

Existen muchos sindicatos de teatro , entre ellos:

• Actors' Equity Association (AEA), para actores y directores de escena en los EE. UU.) ^[104]
• Asociación Canadiense de Actores de Equidad , para actores en Canadá
• Equidad , para muchos tipos de artistas intérpretes o ejecutantes, así como para diseñadores, directores y regidores de escena en el Reino Unido ^[105]
• Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE), para diseñadores y técnicos). ^[104]
• Media, Entertainment and Arts Alliance , un sindicato australiano creado en 1992 como una fusión de los sindicatos que agrupan a actores, periodistas y empleados de la industria del entretenimiento ^[106]
• Sociedad de Directores de Escena y Coreógrafos (SDC) ^[104]

• Proyecto de Archivo de Teatro (Reino Unido) Biblioteca Británica y Universidad de Sheffield.
• Colección de teatro de la Universidad de Bristol
• Historia del teatro y del music hall en Gran Bretaña e Irlanda