René Leibowitz

René Leibowitz ( en francés: [ʁəne lɛbɔwits] ; 17 de febrero de 1913 – 29 de agosto de 1972) fue un compositor, director de orquesta, teórico musical y profesor polaco-francés. Desempeñó un papel destacado en la promoción de la música de la Segunda Escuela de Viena en París después de la Segunda Guerra Mundial y en la enseñanza de una nueva generación de compositores serialistas .

Leibowitz permaneció firmemente comprometido con la estética musical de Arnold Schoenberg , y hasta cierto punto fue marginado entre la vanguardia francesa en la década de 1950, cuando, bajo la influencia del antiguo alumno de Leibowitz, Pierre Boulez y otros, la música del alumno de Schoenberg, Anton Webern, fue adoptada como modelo ortodoxo por compositores más jóvenes.

Aunque sus ideas compositivas siguieron siendo estrictamente serialistas, como director Leibowitz tenía amplias simpatías, interpretando obras de compositores tan diversos como Gluck , Beethoven , Brahms , Offenbach y Ravel , y su repertorio se amplió para incluir piezas de Gershwin , Puccini , Sullivan y Johann Strauss .

Los hechos sobre los primeros años de Leibowitz son problemáticos, complicados por su práctica de reinventar su historia, ^{[1] [n 1]} pero se sabe que nació en Varsovia. ^[3] Según su alumno y traductor, Jan Maguire , que escribió dos estudios sobre él para la revista Tempo a finales de los años 1970, Leibowitz era de ascendencia judía rusa; su padre era historiador del arte. ^[4] Durante la Primera Guerra Mundial la familia se vio obligada a mudarse de Varsovia a Berlín, donde, escribe Maguire, Leibowitz comenzó una carrera como violinista de concierto a la edad de diez años. ^[4] Esa carrera se interrumpió cuando la familia se mudó a París tres años después. Según el relato de Maguire, Leibowitz aprendió por sí mismo "los fundamentos de la armonía, el contrapunto y la lectura de partituras" mientras estaba en la escuela secundaria, y obtuvo su bachillerato cuando tenía diecisiete años. ^[4] En este punto, su historia se vuelve confusa. Según su propio relato, acreditado por Maguire y otros, luego fue a Viena para estudiar con Anton Webern . ^[4] Según otros relatos, estudió con Arnold Schoenberg . ^[5] Ahora no se cree que ninguno de los dos sea correcto: Sabine Meine escribió en el Grove Dictionary of Music and Musicians en 2001, "las afirmaciones de Leibowitz de haber conocido a Schoenberg y haber estudiado con Webern a principios de la década de 1930 siguen sin fundamento", ^[3] y en 2012 Nicole Gagné escribió en el Historical Dictionary of Modern and Contemporary Classical Music , "a pesar de sus afirmaciones de lo contrario, nunca estudió con Arnold Schoenberg o Anton Webern". ^[6] Otros autores del siglo XX han desestimado otras afirmaciones sobre los profesores de Leibowitz (que estudió composición con Maurice Ravel y dirección con Pierre Monteux ), ^[1] aunque tan recientemente como en 2010, en un estudio centrado principalmente en compositores estadounidenses, Deborah Fillerup Weagel repitió la afirmación de que Leibowitz fue alumno de Webern y Ravel. ^[7] No hay mención de Leibowitz en las biografías de Ravel de Arbie Orenstein (1991) y Roger Nichols (2011) ni de Monteux de John Canarina (2003). ^[8]

En París, según Maguire, Leibowitz se ganaba la vida como pianista de jazz y componía constantemente. A los veinte años se casó con una artista de una ilustre familia francesa y se estableció en París, adoptando finalmente la nacionalidad francesa. ^[4] A principios de la década de 1930 , el pianista y compositor alemán Erich Itor Kahn le presentó la técnica de doce notas de Schoenberg . Maguire escribe que Leibowitz encajó fácilmente en "el efervescente clima intelectual y artístico de París en los años de preguerra". Sus intereses estéticos no se limitaron a la música, y se hizo amigo de figuras destacadas del mundo del arte moderno, en particular André Masson y Pablo Picasso , y de figuras literarias como Jean-Paul Sartre , Simone de Beauvoir y Albert Camus . ^[9] Para Leibowitz, según Maguire, componer era su actividad más habitual, y la que consideraba más importante, aunque era más conocido por sus comentarios, sus escritos críticos y analíticos, su dirección y su enseñanza, todo lo cual consideraba secundario. ^[9]

Cuando los alemanes invadieron Francia en la Segunda Guerra Mundial, Leibowitz fue internado como extranjero durante un tiempo. No logró emigrar, pero, como dice el musicólogo Reinhard Kapp , "logró sobrevivir de alguna manera, en parte escondido por [Georges] Bataille en París, en otras ocasiones con su familia en la Zona No Ocupada". ^[2] Durante su estancia en París en tiempos de guerra, dio clases clandestinamente a estudiantes del Conservatorio de París . ^[10] En 1944, justo antes de la liberación de París, hubo una fiesta en el apartamento de la margen izquierda del artista suizo Balthus a la que asistieron opositores artísticos de los nazis, como Picasso y otros; Leibowitz puso la música. ^[4]

Después de la liberación, Leibowitz reanudó su carrera interrumpida, enseñando, dirigiendo y escribiendo, basándose en el extenso material que había producido durante su reclusión forzada en tiempos de guerra. ^[2] En 1947-48 y nuevamente en 1950 visitó Los Ángeles para conocer a Schoenberg, cuya cantata Un superviviente de Varsovia transcribió a partitura completa. ^[2] Muchas de las obras de la Segunda Escuela de Viena se escucharon por primera vez en Francia en el Festival Internacional de Música de Cámara establecido por Leibowitz en París en 1947. Leibowitz fue muy influyente en la promoción de la reputación de la Escuela, tanto a través de la enseñanza en París después de la guerra como a través de su libro Schoenberg et son école , publicado en 1947 y traducido por Dika Newlin como Schoenberg y su escuela (ediciones de EE. UU. y Reino Unido de 1949). El libro fue uno de los primeros tratados teóricos sobre el método de composición dodecafónica de Schoenberg ; Leibowitz (al igual que Humphrey Searle ) fue uno de los primeros teóricos en promulgar el término "serialismo". El libro atrajo críticas hostiles de los compositores sobre varios puntos del continuo modernista. Aaron Copland condenó su tono "dogmático y fanático", y Milton Babbitt consideró que sus discusiones musicales eran superficiales, con analogías engañosas entre la música tonal y la dodecafónica, pero fue bien recibido por el público musical. ^[11]

La defensa de Leibowitz de la escuela de Schoenberg fue llevada más lejos por dos de sus alumnos, Pierre Boulez y Jacques-Louis Monod , cada uno tomando caminos diferentes en la promoción de la música de Schoenberg, Webern y el desarrollo del serialismo. Meine escribe en Grove que durante la década de 1950 los escritos de Leibowitz fueron atacados por algunos de los jóvenes de la generación: Boulez y otros lo acusaron de "ortodoxia dogmática y academicismo". ^[3] En opinión de otro alumno, Maguire, Boulez, habiendo aprendido la técnica dodecafónica de Leibowitz, "procedió a aplicarla indiscriminadamente a cada elemento musical, haciendo caso omiso de las cualidades más fundamentales, la esencia de la música". Leibowitz advirtió a su antiguo alumno: "Pero el público aún no ha asimilado a Schoenberg", e intentó, sin éxito, evitar una pelea rencorosa. ^[4]

Aunque Leibowitz compuso continuamente, rara vez presionó para que se interpretaran sus obras. Cuando murió, dejando una obra de casi cien piezas, la revista Esprit comentó: "Modesto, quizás demasiado modesto, nunca habló de sus obras, a menos que se viera obligado a hacerlo, no haciendo nada para que se tocaran. Ciertamente no es una exageración decir que al menos tres cuartas partes de sus partituras nunca se han escuchado". ^[12] Desde su muerte, se ha grabado una muestra representativa de sus obras. Un conjunto de CD de 2013 del sello Divox contiene grabaciones de 22 de las obras de Leibowitz: 6 Mélodies, Op. 6; Sonata para flauta, Op. 12b; Explicación de metáforas , Op. 15; Dúo para violonchelo y piano, Op. 23; 5 Piezas para clarinete y piano, Op. 29; Sérénade, Op. 38; 3 Poèmes, Op. 46; Concierto para violín, Op. 50; Variaciones de marihuana non sérieuses , op. 54; Tocata, op. 62; 3 Caprichos, op. 70; 2 Ajustes, op. 71; 3 poemas, op. 73; Motivos , op. 74; Pequeña suite, op. 75; 2 poemas, op. 76a; Canción dada , op. 76b; Suite, op. 81; 4 Lieder, op. 86; 3 Intermezzi, op. 87; Laboratorio central , op. 88; y 3 poemas, op. 92. ^[13]

Aunque Leibowitz era receptivo a una amplia gama de estilos musicales, no podía soportar la música de Sibelius , y publicó un panfleto sobre él bajo el título de Sibelius: el peor compositor del mundo ; ^[14] también criticó severamente a Bartók por escribir música demasiado accesible: Leibowitz sintió que al no adoptar la dodecafonía en sus obras posteriores, Bartók estaba complaciendo el gusto popular en lugar de ayudar a alejar la música de la tonalidad de acuerdo con las nociones de Leibowitz de inevitabilidad histórica y el deber de los compositores. ^[15] Para Leibowitz, escribir una obra popular como el Concierto para orquesta de Bartók era una traición al modernismo. ^[16]

Grove tiene artículos sobre treinta y dos compositores que estudiaron con Leibowitz en París o asistieron a sus sesiones en Darmstadt o en otros lugares: además de Boulez y Monod, incluyen a Vinko Globokar ; Hans Werner Henze ; ​​Diego Masson ; Serge Nigg ; y Bernd Alois Zimmermann . ^{[n 2]} La escritora Joan Peyser resumió la carrera de Leibowitz:

Un largo y espléndido momento de su vida, que se extendió desde París en 1944 hasta Darmstadt en 1948, estuvo dedicado a la promulgación de las ideas de Schoenberg. Cuando, a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, Webern desplazó a Schoenberg como el hombre venerado y los compositores aplicaron la idea serial más allá del tono, el tiempo de Leibowitz había pasado. Se negó a seguir ese camino. ^[10]

El obituario de Leibowitz en Esprit descartó esto como simplista:

Superemos el cliché muy "parisino" (pero falso) de un René Leibowitz abandonado por sus brillantes alumnos y caído en el olvido después de los años cincuenta. Hubo rupturas, sobre todo con Boulez, pero eso no impidió que generaciones posteriores vinieran a apoyarse en él: la generación de Puig , Globokar , etc. También es cierto que circularon muchos mitos sobre él, tanto por parte de los académicos que no le perdonaron haber introducido el virus de lo atonal como por parte de los vanguardistas que lo encontraron demasiado conformista. ^[12]

Leibowitz murió repentinamente en París el 29 de agosto de 1972, a la edad de 59 años. ^[12]

En la era temprana del LP, en la década de 1950, Leibowitz dirigió grabaciones completas de siete óperas, que fueron generalmente bien recibidas y en su mayoría han sido reeditadas en CD. Fueron Les Pêcheurs de perles de Bizet ; Alceste y L'ivrogne corrigé de Gluck ; Zaïde de Mozart ; La Belle Hélène y Orphée aux enfers de Offenbach ; y L'Heure espagnole de Ravel . [ ^18] Un conjunto de obras orquestales de Ravel fue menos bien reseñado, ^{[19] pero Leibowitz recibió elogios calificados por su conjunto de} Gurre-Lieder de Schoenberg ("Leibowitz hace un serio intento de producir una interpretación convincente; sus tempi lentos encuentran justificación en las anotaciones de Schoenberg, pero sus artistas no pueden persuadirnos de que Gurre-Lieder sea algo más que una curiosidad histórica"). ^[20]

En 1961, Leibowitz dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en un conjunto de sinfonías de Beethoven realizado por Decca para Reader's Digest ; ^[21] fue uno de los primeros en intentar seguir las indicaciones del metrónomo de Beethoven , siguiendo el conjunto pionero realizado en Viena tres años antes, dirigido por Hermann Scherchen . ^[22] Los críticos observaron que, aunque Scherchen había logrado tempos más cercanos a las indicaciones del compositor, Leibowitz, a velocidades no mucho más lentas, había asegurado un mejor conjunto que el logrado en el conjunto anterior. ^[22] Inicialmente, el conjunto fue mal recibido. La Stereo Record Guide calificó las interpretaciones de "flojas", "superficiales" e "insensibles"; ^[23] en su reedición en la década de 1980, un crítico de Gramphone pensó que gran parte del conjunto era "liviano" y "carecía de seriedad ", aunque encontró la interpretación de la Séptima Sinfonía "magnífica". ^[24] En 1995, Richard Taruskin , analizando una selección de grabaciones de Beethoven, concluyó que Leibowitz, como Scherchen, ofrecía interpretaciones que eran musical y musicológicamente superiores a los intentos más recientes de directores "auténticos" como Christopher Hogwood . ^[22] En el siglo XXI, las interpretaciones habían llegado a parecer anticuadas, en opinión de un crítico de Fanfare , que las encontró más parecidas a las de Herbert von Karajan que a las de autenticistas especialistas como Roger Norrington y John Eliot Gardiner . ^[25]

Con el equipo de Decca, Leibowitz grabó once álbumes más entre 1959 y 1962. Incluían obras de gran formato como La consagración de la primavera , sinfonías de Mozart, Schubert, Schumann y conciertos de Grieg, Liszt, Mendelssohn, Prokofiev, así como piezas cortas de más de treinta compositores que iban desde Bach a Gershwin , desde Wagner a Sullivan , Puccini y Johann Strauss . ^[21]

• Bizet : Los pescadores de perlas . Mattiwilda Dobbs , Enzo Seri, Jean Borthayre ; Coro y Orquesta Filarmónica de París. Preiser (CD)
• Gluck : Alceste – Semser, Seri, Demigny, Mollien, Hoffmann, Lindenfelder, Chœur et Orch Phil de Paris, Jean-Pierre Rampal , Orquesta Filarmónica de París (1950)
• Gluck: L'ivrogne corrigé : Jean-Christophe Benoît , Bernard Demigny, Claudine Collart, Freda Betti y Jean Hoffmann. (Nixa, 1951)
• Massenet & Puccini : Un retrato de Manon – Anna Moffo , Giuseppe di Stefano, Flaviano Labo, Robert Kerns – Coro y orquesta de la Ópera Italiana RCA, Testamento (CD)
• Offenbach : La Belle Hélène . Coro y orquesta de la Filarmónica de París. Regis (CD)
• Offenbach: Orphée aux enfers – Coro y Orquesta de la Ópera de París. Regis (CD), también Preiser (CD)
• Ravel: L'Heure espagnole - Janine Linda, André Dran , Jean Mollien, Jean Hoffmann, Lucien Mans, Orch Radio-Symph de Paris (Vox PL7880)
• Rossini: oberturas para L'Italiana en Algeri , La gazza ladra , Guillaume Tell , Semiramide – Pasdeloup Orchestra (Urania-USD-1014)
• Roussel: Le Festin de l'Araignée suite (1912) y Le Marchand de sable qui passe - Orquesta Filarmónica de París (LP 5511 de contrapunto-esotérico)
• Schoenberg: Gurre-Lieder . Ethel Semser, Nell Tangeman , John Riley, Richard Lewis, Ferry Gruber , Morris Gesell, Chœurs et Orchestre de la Nouvelle Association Symphonique de Paris.
• Schoenberg: Concierto para piano op. 42. Claude Helffer (piano), Orquesta Radio Sinfónica de París. Contrapunto (LP)
• Schoenberg: Pierrot lunaire . Ethel Semser, The Virtuoso Chamber Ensemble. Argo/Westminster (LP)

• 1947 Schoenberg y su escuela: la etapa contemporánea del lenguaje musical . [París]: JB Janin. (Edición inglesa, como Schoenberg y su escuela: la etapa contemporánea del lenguaje musical . Traducido por Dika Newlin. Nueva York: Philosophical Library, 1949).
• 1948. Qu'est-ce que la musique de douze sons? El concierto para nuevos instrumentos, op. 24, de Antón Webern . Lieja: Éditions Dynamo.
• 1949. Introducción a la música de douze sons. Les variaciones para orquesta op. 31, d'Arnold Schönberg . París: El Arca.
• 1950. L'artiste et sa conscience: esquisse d'une dialectique de la conscience artisticique . Pref. de Jean-Paul Sartre . París: El Arca.
• 1950. Escenas de la vida musical americana . Lieja: Éditions Dynamo.
• 1950. Arnold Schoenberg o Sísifo en la música contemporánea . Lieja: Éditions Dynamo.
• 1951. La evolución de la música, de Bach à Schoenberg . París: Éditions Correa.
• 1957. Historia de la ópera . París: Buchet Chastel.
• 1969. Schönberg . París: Éditions du Seuil.
• 1971. Le compositeur et son double: ensayos sobre la interpretación musical . París: Gallimard. (Ed. agosto, versión definitiva. París: Gallimard, 1986.)
• 1972. Les fantômes de l'opéra: ensayos sobre el teatro lírico . París: Gallimard.