Banjo

Banjo

Un banjo de cinco cuerdas
Instrumento de cuerda
Clasificación de Hornbostel-Sachs	321.312 (resonador) o 321.314 (abierto) ( cordófono compuesto con un mástil que pasa diametralmente a través del resonador, que suena con púa, púas o con los dedos desnudos )
Desarrollado	Siglo XVIII, Estados Unidos
Muestra de sonido
Elote Canción que utiliza un estilo moderno de punteo de banjo con púas de dedo. ¿Tiene problemas para reproducir este archivo? Consulte la ayuda multimedia . El trapo de búfalo La composición de Tom Turpin de 1904 The Buffalo Rag , interpretada en 1906 por Vess Ossman . Aunque se trata de una pieza de ragtime, Ossman tocó con el estilo clásico del banjo. Tocó con los dedos cuerdas de tripa utilizando una técnica similar a la de los guitarristas clásicos. ¿Tiene problemas para reproducir este archivo? Consulte la ayuda multimedia .

El banjo es un instrumento de cuerda con una membrana fina estirada sobre un marco o cavidad para formar un resonador. La membrana es típicamente circular y, en las formas modernas, suele estar hecha de plástico, originalmente de piel de animal.

Las primeras formas del instrumento fueron creadas por afroamericanos y tenían antecedentes africanos. ^{[1] [2]} En el siglo XIX, el interés por el instrumento se extendió por los Estados Unidos y el Reino Unido mediante espectáculos itinerantes de la moda de los espectáculos de juglares del siglo XIX , seguidos de la producción en masa y las ventas por correo, incluidos los libros de métodos de instrucción. El banjo económico o casero siguió siendo parte de la cultura popular rural, pero los banjos de 5 y 4 cuerdas también se hicieron populares para el entretenimiento musical de salón en el hogar , los clubes de música universitarios y las bandas de jazz de principios del siglo XX . A principios del siglo XXI, el banjo se asociaba con mayor frecuencia con la música folk , bluegrass y country , pero también se usaba en algo de música rock , pop e incluso hip-hop . ^[3] Entre las bandas de rock , los Eagles , Led Zeppelin y Grateful Dead han usado el banjo de cinco cuerdas en algunas de sus canciones. Algunos músicos famosos que tocan el banjo son Ralph Stanley y Earl Scruggs .

Históricamente, el banjo ocupó un lugar central en la música tradicional afroamericana y la cultura popular rural antes de ingresar a la corriente principal a través de los espectáculos de juglares del siglo XIX. ^{[4] [5] [6] [7]} Junto con el violín , el banjo es un pilar de los estilos musicales estadounidenses, como el bluegrass y la música antigua . También se usa con mucha frecuencia en el jazz Dixieland , así como en géneros caribeños como el biguine , el calipso , el mento y el trovador .

El banjo moderno deriva de instrumentos que se ha documentado que se utilizaban en América del Norte y el Caribe desde el siglo XVII por personas esclavizadas que fueron sacadas de África occidental y central. Sus instrumentos de estilo africano se fabricaban a partir de calabazas partidas con pieles de animales estiradas sobre ellas. Las cuerdas, de tripa o fibras vegetales, se sujetaban a un mástil de madera. ^[8] Las referencias escritas al banjo en América del Norte y el Caribe aparecen en los siglos XVII y XVIII. ^[8]

La primera indicación escrita de un instrumento parecido al banjo se remonta al siglo XVII: Richard Jobson (1621), al describir Gambia , escribió sobre un instrumento parecido al banjo, al que llamó bandore . ^[8]

El término banjo tiene varias reivindicaciones etimológicas, una de las cuales es de la lengua mandinga que da el nombre de Banjul , capital de Gambia. Otra afirmación es una conexión con el akonting de África occidental : está hecho con un cuello largo de bambú llamado bangoe . El material para el cuello, llamado ban julo en lengua mandinga, nuevamente da banjul . En esta interpretación, banjul se convirtió en una especie de epónimo para el akonting cuando cruzó el Atlántico. El nombre del instrumento también podría derivar de la palabra kimbundu mbanza , ^[9] que es una palabra prestada a la lengua portuguesa que resulta en el término banza , ^[8] que fue utilizado por los primeros viajeros franceses en las Américas. ^[10] Su primer uso registrado fue en 1678 ^[8] por el Consejo Soberano de Martinica que restableció un decreto de 1654 que imponía prohibiciones y restricciones a los "bailes y reuniones de negros" considerados kalenda , que se definía como la reunión de africanos esclavizados que bailaban al son de un tambor y un instrumento llamado banza. ^{[8] [11]}

El OED afirma que el término banjo proviene de una pronunciación dialectal del portugués bandore o de una anglicización temprana del español bandurria . ^[12] La evidencia contraria muestra que los términos bandore y bandurria se usaron cuando los europeos encontraron el instrumento o sus variedades afines en uso por personas de ascendencia africana, que usaban nombres para el instrumento como banza , ^[8] como se le llamaba en lugares como Haití , variedades que se construían alrededor de un cuerpo de calabaza con una tabla de madera para el cuello. François Richard de Tussac , un ex plantador de Saint-Domingue , detalla su construcción en el libro Le Cri des Colons , publicado en 1810, afirmando: ^{[13] [14]}

En cuanto a las guitarras, que los negros llaman banzas , consisten en lo siguiente: cortan a lo largo, por la mitad, una calabaza fresca [fruto de un árbol llamado callebassier ]. Este fruto tiene a veces veinte centímetros o más de diámetro. Pasan por encima una piel de cabra, que fijan en los bordes con clavitos; hacen dos o tres agujeritos en esta superficie, y luego una especie de tabla o trozo de madera toscamente aplastado hace el mástil del instrumento; pasan por encima tres cuerdas de pitre [una especie de cuerda extraída de la planta del agave , comúnmente conocida como pitre]; y así queda construido el instrumento. En este instrumento tocan aires compuestos de tres o cuatro notas, que repiten constantemente. ^{[13] [14]}

Michel Étienne Descourtilz , un naturalista que visitó Haití a principios del siglo XIX, lo describió como banzas , un instrumento negro que los nativos preparan aserrando una de las calabazas o una calabaza grande a lo largo, a la que le colocan un cuello y cuerdas sonoras hechas de "filamento" de plantas de aloe. ^[15] Se tocaba en cualquier ocasión, desde el aburrimiento hasta las fiestas alegres y las calendas hasta las ceremonias funerarias. Era costumbre combinar también este sonido con el más ruidoso bamboula , un tipo de tambor hecho con un palo de bambú cubierto por ambos lados con una piel que se tocaba con los dedos y los nudillos mientras se estaba sentado a horcajadas. ^{[16] [14]}

Varios instrumentos en África, el principal de ellos la kora , tienen un parche de piel y un cuerpo de calabaza (o concha similar). ^[17] Estos instrumentos se diferencian de los primeros banjos afroamericanos en que los mástiles no poseen un diapasón de estilo occidental ni clavijas de afinación; en cambio, tienen mástiles de palo, con cuerdas unidas al mástil con bucles para afinar. ^[17]

Otro pariente probable del banjo es el akonting antes mencionado , un laúd popular de punta que se construye utilizando un cuerpo de calabaza, un mástil largo de madera y tres cuerdas ^[18] tocado por la tribu Jola de Senegambia y el ubaw-akwala de los Igbo . ^[19] Instrumentos similares incluyen el xalam de Senegal ^[20] y el ngoni de la región de Wassoulou que incluye partes de Mali , Guinea y Costa de Marfil , así como una variación más grande del ngoni , conocida como gimbri , desarrollada en Marruecos por africanos subsaharianos ( Gnawa o Haratin ).

Parece que los instrumentos similares al banjo se inventaron de forma independiente en varios lugares diferentes, además de los numerosos instrumentos africanos mencionados anteriormente, ya que se conocen instrumentos similares al banjo en una gran variedad de países distantes. Por ejemplo, el sanxian chino, el shamisen japonés , el tar persa y el sintir marroquí . ^[19]

Los banjos con diapasón y clavijas de afinación se conocen en el Caribe desde el siglo XVII. ^[17] Algunos escritores de los siglos XVIII y principios del XIX transcribieron el nombre de estos instrumentos de diversas formas: bangie , banza , bonjaw , ^[21] banjer ^[22] y banjar .

El instrumento se volvió cada vez más disponible comercialmente a partir del segundo cuarto del siglo XIX debido a las actuaciones de los juglares . ^[2]

En el Sur antes de la guerra , muchos africanos esclavizados tocaban el banjo, extendiéndolo al resto de la población. ^[8] En sus memorias With Sabre and Scalpel: The Autobiography of a Soldier and Surgeon , el veterano confederado y cirujano John Allan Wyeth recuerda haber aprendido a tocar el banjo cuando era niño de una persona esclavizada en la plantación de su familia. ^[8] Otro hombre que aprendió a tocar de los afroamericanos, probablemente en la década de 1820, fue Joel Walker Sweeney , un intérprete de juglares de Appomattox Court House , Virginia . ^{[23] [24]} A Sweeney se le atribuye la adición de una cuerda al banjo afroamericano de cuatro cuerdas y la popularización del banjo de cinco cuerdas. ^{[23] [24]} Aunque Robert McAlpin Williamson es el primer banjista blanco documentado, ^[25] en la década de 1830 Sweeney se convirtió en el primer intérprete blanco en tocar el banjo en el escenario. ^[23] Las actuaciones musicales de Sweeney se produjeron al principio de la era de los juglares, cuando los banjos dejaron de ser instrumentos folclóricos exclusivamente caseros para convertirse en instrumentos de un estilo más moderno. ^[26] Sweeney participó en esta transición al alentar al fabricante de tambores William Boucher de Baltimore a que fabricara banjos comercialmente para que él los vendiera. ^[24]

Según Arthur Woodward en 1949, Sweeney reemplazó la calabaza con una caja de resonancia hecha de madera y cubierta con piel, y agregó una quinta cuerda corta alrededor de 1831. ^[27] Sin embargo, el erudito moderno Gene Bluestein señaló en 1964 que Sweeney puede no haber originado ni la quinta cuerda ni la caja de resonancia. ^[27] Este nuevo banjo fue inicialmente afinado en re sol re fa sostenido en la, aunque en la década de 1890, esto había sido transpuesto hasta sol do sol re. Los banjos fueron introducidos en Gran Bretaña por el grupo de Sweeney, los American Virginia Minstrels , en la década de 1840, y se volvieron muy populares en los music hall . ^[28]

El instrumento creció en popularidad durante la década de 1840 después de que Sweeney comenzara su espectáculo itinerante de juglares. ^[29] A fines de la década de 1840, el instrumento se había expandido desde la posesión del Caribe para echar raíces en lugares de todo Estados Unidos y al otro lado del Atlántico en Inglaterra. ^{[30] [31]} Se estimó en 1866 que probablemente había 10,000 banjos en la ciudad de Nueva York, en comparación con solo un puñado en 1844. La gente estaba expuesta a los banjos no solo en espectáculos de juglares, sino también en espectáculos de medicina, espectáculos del Salvaje Oeste, espectáculos de variedades y espectáculos de vodevil itinerantes. ^[32] La popularidad del banjo también recibió un impulso con la Guerra Civil, ya que los militares de ambos lados en el Ejército o la Marina estuvieron expuestos al banjo tocado en espectáculos de juglares y por otros militares. ^[33] Un movimiento popular de aspirantes a banjoistas comenzó ya en 1861. ^[34] El entusiasmo por el instrumento fue etiquetado como una "locura del banjo" o "banjomanía". ^[34]

En la década de 1850, los aspirantes a banjistas tenían opciones para ayudarlos a aprender a tocar el instrumento. ^[35] Había más profesores que enseñaban los conceptos básicos del banjo en la década de 1850 que en la de 1840. ^[35] También había manuales de instrucciones y, para aquellos que podían leerlos, música impresa en los manuales. ^[36] El primer libro de música notada fue The Complete Preceptor de Elias Howe, publicado bajo el seudónimo de Gumbo Chaff , que consistía principalmente en melodías de Christy's Minstrels . ^[36] El primer método de banjo fue Briggs' Banjo instructor (1855) de Tom Briggs. ^[36] Otros métodos incluían Howe's New American Banjo School (1857) y Phil Rice's Method for the Banjo, With or Without a Master (1858). ^[36] Estos libros enseñaban el "estilo stroke" o "estilo banjo", similar a los estilos modernos "frailing" o " clawhammer ". ^[36]

En 1868, la música para banjo estaba disponible impresa en una revista, cuando J. K. Buckley escribió y arregló música popular para Buckley's Monthly Banjoist . ^[37] Frank B. Converse también publicó su colección completa de composiciones en The Complete Banjoist en 1868, que incluía "polcas, valses, marchas y gaitas de cuerno". ^[38]

Las oportunidades de trabajo incluían las compañías de juglares y los circos presentes en la década de 1840, pero también los teatros flotantes y los teatros de variedades, precursores del espectáculo de variedades y el vodevil. ^[35]

El término banjo clásico se utiliza hoy en día para referirse a un "estilo de guitarra" con los dedos desnudos que se utilizaba ampliamente entre los banjistas de finales del siglo XIX y principios del XX. ^[39] Los banjistas todavía lo utilizan hoy en día. El término también diferencia ese estilo de interpretación de los estilos de banjo bluegrass con punteo de dedos, como el estilo Scruggs y el estilo Keith . ^[39]

El método Briggs Banjo , considerado el primer método de banjo y que enseñaba el estilo de ejecución por golpes, también mencionaba la existencia de otra forma de tocar, el estilo de guitarra. ^{[40] [41]} Alternativamente conocido como "estilo de dedos", la nueva forma de tocar el banjo desplazó al método por golpes, hasta que en 1870 se convirtió en el estilo dominante. ^[42] Aunque lo mencionó Briggs, no se enseñaba. El primer método de banjo que enseñaba la técnica fue el Nuevo y completo método para el banjo con o sin maestro de Frank B. Converse , publicado en 1865. ^{[43] [44]}

Para tocar con estilo de guitarra, los músicos utilizan el pulgar y dos o tres dedos de la mano derecha para tocar las notas. Samuel Swaim Stewart resumió el estilo en 1888 diciendo:

En el estilo de tocar el banjo con guitarra... el dedo meñique de la mano derecha se apoya sobre la cabeza cerca del puente... [y] sirve como apoyo para la mano y como resistencia al movimiento de tocar las cuerdas... Al principio es mejor adquirir un conocimiento de tocar las cuerdas con el uso del primer y segundo dedos y el pulgar solamente, dejando que el tercer dedo permanezca inactivo hasta que los otros dedos se hayan acostumbrado completamente a su trabajo... los tres dedos se usan casi invariablemente para tocar acordes y acompañamientos de canciones". ^[40]

El banjo, aunque popular, se asociaba con la clase baja por su papel en espectáculos de juglares con cara pintada de negro , espectáculos de medicina, espectáculos de carpas y espectáculos de variedades o vodevil. ^[45] En el siglo XIX hubo un impulso para hacer que el instrumento fuera "respetable". ^[45] Músicos como William A. Huntley hicieron un esfuerzo por "elevar" el instrumento o hacerlo más "artístico", "llevándolo a un nivel más sofisticado de técnica y repertorio basado en estándares europeos". ^[46] Huntley puede haber sido el primer intérprete blanco en hacer con éxito la transición de actuar con la cara pintada de negro a ser él mismo en el escenario, como señaló el Boston Herald en noviembre de 1884. ^[46] Fue apoyado por otro ex intérprete de cara pintada de negro, Samuel Swaim Stewart, en su revista corporativa que popularizó a profesionales de gran talento. ^[47]

A medida que las imitaciones "estridentes" de la vida de las plantaciones disminuyeron en los espectáculos de juglares, el banjo se volvió más aceptable como instrumento de la sociedad de moda, llegando incluso a ser aceptado en los salones de mujeres. ^{[29] [48]} Parte de ese cambio fue un cambio del estilo de tocar el banjo por el estilo de tocar la guitarra. ^{[29] [48] [43]} Un periódico de 1888 dijo: "Todas las doncellas y muchas de las mujeres también tocan el instrumento, las clases de banjo abundan por todos lados y los recitales de banjo se encuentran entre las más nuevas diversiones de la moda... Los jóvenes y los hombres mayores también han contraído la fiebre... los músicos estrella entre los hombres son solicitados en las fiestas más elegantes y pueden elegir entre la sociedad de las chicas más encantadoras". ^[49]

Algunos de esos artistas, como Alfred A. Farland , se especializaron en música clásica. Sin embargo, los músicos que querían entretener a su público y ganarse la vida la mezclaron con la música popular que el público quería. ^[50] El alumno de Farland, Frederick J. Bacon, fue uno de ellos. Bacon, un ex animador de espectáculos médicos, interpretó música clásica junto con canciones populares como Massa's in de cold, cold ground , a Medley of Scotch Airs , a Medley of Southern Airs y West Lawn Polka de Thomas Glynn .

La innovación del banjo que comenzó en la era de los juglares continuó, con un mayor uso de piezas de metal, madera exótica, trastes de metal elevados y un anillo de tono que mejoraba el sonido. ^[51] Los instrumentos fueron diseñados en una variedad de tamaños y rangos de tono, para tocar diferentes partes en orquestas de banjo. ^[51] Los ejemplos que se exhiben en el museo incluyen banjorines y banjos piccolo.

Nuevos estilos de ejecución, una nueva apariencia, instrumentos con una variedad de rangos de tonos para reemplazar a las diferentes secciones de una orquesta: todo esto ayudó a separar el instrumento de la imagen tosca de juglar de los años 50-60 anteriores. ^[51] El instrumento era moderno ahora, una cosa nueva y brillante, con lados de metal pulido. ^[51]

A principios del siglo XX, comenzaron a difundirse nuevos banjos, modelos de cuatro cuerdas, que se tocaban con púa en lugar de con el golpe de martillo de garra del banjo minstrel o el estilo clásico de punteo con los dedos del banjo. Los nuevos banjos fueron el resultado de los gustos musicales cambiantes. La nueva música estimuló la creación de "variaciones evolutivas" del banjo, desde el modelo de cinco cuerdas vigente desde la década de 1830 hasta los banjos de púa y tenor de cuatro cuerdas más nuevos. ^[52]

Los instrumentos se decoraron de forma ornamentada en la década de 1920 para resultar visualmente dinámicos para el público del teatro. ^[52] Los instrumentos se modificaron cada vez más o se fabricaron con un nuevo estilo: cuellos que se acortaron para soportar las cuatro cuerdas de acero (no de fibra como antes), cuerdas que sonaban con una púa en lugar de con los dedos, cuatro cuerdas en lugar de cinco y afinadas de forma diferente. ^[52] Los cambios reflejaban la naturaleza de la música posterior a la Primera Guerra Mundial. ^[52] El país se estaba alejando de los clásicos europeos, prefiriendo la "sensación alegre y despreocupada" del jazz, y los soldados estadounidenses que regresaban de la guerra ayudaron a impulsar este cambio. ^[52]

Sin embargo, el cambio de gustos hacia la música de baile y la necesidad de instrumentos más fuertes comenzaron unos años antes de la guerra, con el ragtime. ^[52] Esa música animó a los músicos a cambiar sus banjos de cinco cuerdas por cuatro, añadir las cuerdas de acero más fuertes y utilizar una púa o plectro, todo ello en un esfuerzo por hacerse oír por encima de los instrumentos de viento metal y de lengüeta que eran habituales en los salones de baile. ^[52] Los banjos de púa de cuatro cuerdas y los banjos tenor no eliminaron la variedad de cinco cuerdas. Eran productos de su época y de sus propósitos musicales: ragtime, jazz y música de baile y música de teatro.

La Gran Depresión es una línea visible que marca el fin de la Era del Jazz . ^[52] La crisis económica afectó las ventas de banjos de cuatro y cinco cuerdas, y para la Segunda Guerra Mundial, los banjos estaban en marcado declive y su mercado estaba muerto. ^[53]

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, el banjo experimentó un resurgimiento, tocado por estrellas de la música como Earl Scruggs (bluegrass), Bela Fleck (jazz, rock, música del mundo), Gerry O'Connor (música celta e irlandesa), Perry Bechtel (jazz, big band), Pete Seeger (folk) y Otis Taylor (raíces afroamericanas, blues, jazz). ^[54]

Pete Seeger "fue una fuerza importante detrás de un nuevo interés nacional en la música folk". ^[24] Aprendiendo a tocar el fingerstyle en los Apalaches de músicos que nunca dejaron de tocar el banjo, escribió el libro, How to Play the Five-String Banjo , que fue el único método de banjo en el mercado durante años. ^[24] Fue seguido por un movimiento de músicos folk, como Dave Guard de The Kingston Trio y Erik Darling de los Weavers and Tarriers . ^[24]

Earl Scruggs era considerado una leyenda y un "innovador musical contemporáneo" que dio su nombre a su estilo de tocar, el Estilo Scruggs . ^[55] Scruggs tocaba el banjo "con una velocidad y destreza hasta entonces inauditas", utilizando una técnica de punteo para el banjo de 5 cuerdas que perfeccionó a partir de técnicas de punteo con 2 y 3 dedos en la zona rural de Carolina del Norte. ^[55] Su forma de tocar llegó a los estadounidenses a través del Grand Ole Opry y a las salas de estar de los estadounidenses que no escuchaban música country o bluegrass, a través de la música temática de la comedia televisiva The Beverly Hillbillies . ^[55]

Durante los últimos cien años, el banjo tenor se ha convertido en una parte intrínseca del mundo de la música tradicional irlandesa. ^[56] Es un recién llegado al género.

El banjo también se ha utilizado más recientemente en la escena hardcore punk , más notablemente por Show Me the Body en su álbum debut, Body War .

Dos técnicas estrechamente asociadas con el banjo de cinco cuerdas son los redobles y los drones . Los redobles son patrones de digitación de acompañamiento de la mano derecha que consisten en ocho notas (corcheas) que subdividen cada compás . ^[57] Las notas de drone son pequeñas notas rápidas [normalmente corcheas], normalmente tocadas en la quinta cuerda (corta) para rellenar alrededor de las notas de la melodía [normalmente corcheas]. ^[58] Estas técnicas son idiomáticas para el banjo en todos los estilos, y su sonido es característico del bluegrass.

Históricamente, el banjo se tocaba con el estilo claw-hammer por los africanos que trajeron su versión del banjo con ellos. ^[59] Varios otros estilos de ejecución se desarrollaron a partir de este. El clawhammer consiste en golpear hacia abajo una o más de las cuatro cuerdas principales con el índice, el medio o ambos dedos mientras el zumbido o quinta cuerda se toca con un movimiento de "elevación" (en lugar de punteo hacia abajo) del pulgar. Las notas que normalmente suenan con el pulgar de esta manera son, por lo general, en el contratiempo. Las melodías pueden ser bastante intrincadas añadiendo técnicas como el doble pulgar y el pulgar caído. En la música antigua de los Apalaches, también se utiliza un estilo llamado dos dedos hacia arriba, y una versión de tres dedos que Earl Scruggs desarrolló en el estilo de punteo "Scruggs" se emitió a nivel nacional en 1945 en el Grand Ole Opry . ^[60] En este estilo, el instrumento se toca punteando notas individuales. El estilo moderno de tocar con los dedos se suele hacer con púas , aunque los primeros intérpretes y algunos intérpretes modernos tocan con las uñas o con una técnica conocida como "on the flesh" (en la carne). En este estilo, las cuerdas se tocan directamente con los dedos, en lugar de con una púa o un intermediario. ^[61]

Mientras que los banjos de cinco cuerdas se tocan tradicionalmente con púa o con los propios dedos, los banjos tenor y los banjos de púa se tocan con una púa, ya sea para rasguear acordes completos o, más comúnmente en la música tradicional irlandesa , para tocar melodías de una sola nota.

El banjo moderno se presenta en una variedad de formas, incluidas versiones de cuatro y cinco cuerdas. Una versión de seis cuerdas, afinada y tocada de manera similar a una guitarra, ha ganado popularidad. En casi todas sus formas, la interpretación del banjo se caracteriza por un punteo rápido con arpegios , aunque existen muchos estilos de interpretación diferentes.

El cuerpo, o "bote", de un banjo moderno consta típicamente de un borde circular (generalmente de madera, aunque el metal también era común en los banjos más antiguos) y un parche tensado, similar a un parche de tambor. Tradicionalmente, el parche estaba hecho de piel de animal, pero hoy en día suele estar hecho de varios materiales sintéticos. La mayoría de los banjos modernos también tienen un conjunto de "anillo de tono" de metal que ayuda a aclarar y proyectar aún más el sonido, pero muchos banjos más antiguos no incluyen un anillo de tono.

El banjo suele afinarse con clavijas de fricción o afinadores de engranajes planetarios , en lugar del clavijero de engranajes helicoidales que se utiliza en las guitarras. Los trastes se han convertido en un estándar desde finales del siglo XIX, aunque los banjos sin trastes todavía se fabrican y tocan por aquellos que desean ejecutar glissando , tocar cuartos de tono o lograr de alguna otra manera el sonido y la sensación de los primeros estilos de interpretación.

Los banjos modernos suelen tener cuerdas de metal. Normalmente, la cuarta cuerda está encordada con acero o una aleación de bronce y fósforo. Algunos músicos pueden encordar sus banjos con cuerdas de nailon o tripa para lograr un sonido más suave y antiguo.

Algunos banjos tienen una placa resonadora separada en la parte posterior del potenciómetro para proyectar el sonido hacia adelante y darle más volumen al instrumento. Este tipo de banjo se usa generalmente en la música bluegrass, aunque los banjos resonadores son tocados por músicos de todos los estilos y también se usan en la música antigua, a veces como sustituto de la amplificación eléctrica cuando se toca en lugares grandes.

Los banjos abiertos suelen tener un sonido más suave y pesan menos que los banjos resonadores. Suelen tener una configuración diferente a la de un banjo resonador, a menudo con una acción de cuerdas más alta . ^[62]

El banjo moderno de cinco cuerdas es una variación del diseño original de Sweeney. La quinta cuerda suele tener el mismo calibre que la primera, pero empieza en el quinto traste, con tres cuartas partes de la longitud de las otras cuerdas. Esto permite afinar la cuerda a un tono abierto más alto que el que es posible para las cuerdas de longitud completa. Debido a que la quinta cuerda es corta, el banjo de cinco cuerdas utiliza una afinación reentrante : los tonos de las cuerdas no se suceden de la más grave a la más aguda a lo largo del diapasón, sino que la cuarta cuerda es la más grave, luego la tercera, la segunda, la primera y la quinta la más aguda.

La quinta cuerda corta presenta problemas especiales para el uso de un capo . Para cambios pequeños (subir o bajar uno o dos semitonos, por ejemplo), es posible simplemente reafinar la quinta cuerda. De lo contrario, existen diversos dispositivos llamados "capos de quinta cuerda" que acortan eficazmente la parte vibrante de la cuerda. Muchos banjistas utilizan púas de ferrocarril o púas de titanio (generalmente instaladas en el séptimo traste y, a veces, en otros), debajo de las cuales enganchan la cuerda para presionarla sobre el traste .

Los banjistas de cinco cuerdas utilizan muchas afinaciones (las afinaciones se dan en orden de izquierda a derecha, como se ve desde la parte delantera del instrumento con el mástil hacia arriba para un instrumento diestro. Los instrumentos para zurdos invierten el orden de las cuerdas). Probablemente la más común, particularmente en bluegrass, es la afinación G4 D3 G3 B3 D4. En épocas anteriores, la afinación G4 C3 G3 B3 D4 se usaba comúnmente en su lugar, y esta sigue siendo la afinación preferida para algunos tipos de música folclórica y para el banjo clásico . Otras afinaciones que se encuentran en la música antigua incluyen doble C (G4 C3 G3 C4 D4), "aserradero" (G4 D3 G3 C4 D4) también llamada "modal de montaña" y D abierto (F#4 D3 F#3 A3 D4). Estas afinaciones a menudo se toman un tono más arriba, ya sea afinando hacia arriba o usando un capo. Por ejemplo, la afinación "doble re" (A4 D3 A3 D4 E4) –que se alcanza habitualmente subiendo de tono desde el doble do– se suele tocar para acompañar melodías de violín en la tonalidad de re, y la afinación abierta (A4 E3 A3 C#4 E4) se suele utilizar para tocar melodías en la tonalidad de la. Se utilizan docenas de otras afinaciones de banjo, sobre todo en la música antigua. Estas afinaciones se utilizan para facilitar la interpretación de melodías específicas, normalmente melodías de violín o grupos de melodías de violín.

El tamaño del banjo de cinco cuerdas está en gran medida estandarizado, con una longitud de escala de 26,25 pulgadas (667 mm), pero existen tamaños más pequeños y más grandes, incluida la variación de mástil largo o "mástil Seeger" diseñada por Pete Seeger . Las variaciones pequeñas del banjo de cinco cuerdas han estado disponibles desde la década de 1890. SS Stewart introdujo el banjo banjeaurine , afinado una cuarta por encima de un banjo estándar de cinco cuerdas. Los banjos piccolo son más pequeños y están afinados una octava por encima de un banjo estándar. Entre estos tamaños y el estándar se encuentra el banjo de escala A, que es dos trastes más corto y generalmente está afinado un tono completo por encima de las afinaciones estándar. Muchos fabricantes han producido banjos de otras longitudes de escala y con varias innovaciones.

La música antigua estadounidense suele utilizar el banjo de cinco cuerdas y parte trasera abierta. Se toca en varios estilos diferentes, siendo el más común el clawhammer o frailing, que se caracteriza por el uso de un golpe hacia abajo en lugar de hacia arriba al golpear las cuerdas con una uña. Las técnicas de frailing utilizan el pulgar para atrapar la quinta cuerda para un zumbido después de la mayoría de los rasgueos o después de cada golpe ("double thumbing"), o para seleccionar notas de melodía adicionales en lo que se conoce como drop-thumb. Pete Seeger popularizó un estilo folk al combinar el clawhammer con el up picking, generalmente sin el uso de púas de dedo . Otro estilo común de tocar el banjo antiguo es el fingerpicking banjo o banjo clásico. Este estilo se basa en la guitarra de estilo parlor . ^[63]

La música bluegrass, que utiliza el banjo resonador de cinco cuerdas casi exclusivamente, se toca en varios estilos comunes. Estos incluyen el estilo Scruggs, llamado así por Earl Scruggs; el estilo melódico o estilo Keith , llamado así por Bill Keith ; y el estilo de tres dedos con trabajo de una sola cuerda, también llamado estilo Reno en honor a Don Reno . En estos estilos, el énfasis está en las figuras arpegiadas tocadas en un ritmo continuo de corcheas, conocido como rolls . Todos estos estilos se tocan típicamente con púas.

El primer banjo eléctrico de cinco cuerdas y cuerpo sólido fue desarrollado por Charles Wilburn (Buck) Trent , Harold "Shot" Jackson y David Jackson en 1960.

El banjo de cinco cuerdas se ha utilizado en la música clásica desde antes del cambio de siglo XX. Obras contemporáneas y modernas han sido escritas o arregladas para el instrumento por Don Vappie, Jerry Garcia , Buck Trent, Béla Fleck , Tony Trischka , Ralph Stanley , George Gibson, Steve Martin , Clifton Hicks, George Crumb , Tim Lake , Modest Mouse , Jo Kondo , Paul Elwood , Hans Werner Henze (notablemente en su Sexta Sinfonía ), Daniel Mason, Beck , los Water Tower Bucket Boys , Todd Taylor , JP Pickens , Peggy Honeywell, Norfolk & Western , Putnam Smith, Iron & Wine , The Avett Brothers , The Well Pennies , Punch Brothers , Julian Koster , Sufjan Stevens y Sarah Jarosz .

George Gershwin incluye un banjo en su ópera Porgy and Bess

Frederick Delius escribió para banjo su ópera Koanga .

Ernst Krenek incluye dos banjos en su Kleine Symphonie ( Pequeña Sinfonía ).

Kurt Weill tiene un banjo en su ópera El ascenso y la caída de la ciudad de Mahagonny .

Viktor Ullmann incluyó una parte de banjo tenor en su Concierto para piano (op. 25).

Virgil Thomson incluye un banjo en su música orquestal para acompañar la película The Plow That Broke the Plains (1936).

Esta sección necesita citas adicionales para su verificación . Por favor, ayude a mejorar este artículo añadiendo citas de fuentes confiables en esta sección. El material sin fuentes puede ser cuestionado y eliminado. ( Mayo de 2014 ) ( Aprenda cómo y cuándo eliminar este mensaje )

El banjo de púa de cuatro cuerdas es un banjo estándar sin la cuerda de bordón corta. Por lo general, tiene 22 trastes en el mástil y una longitud de escala de 26 a 28 pulgadas, y originalmente estaba afinado C3 G3 B3 D4. También se puede afinar como las cuatro cuerdas superiores de una guitarra, lo que se conoce como "afinación Chicago". ^[64] Como sugiere el nombre, generalmente se toca con una púa de estilo de guitarra (es decir, una sola sostenida entre el pulgar y el índice), a diferencia del banjo de cinco cuerdas, que se toca con una púa de pulgar y dos púas de dedo, o con los dedos desnudos. El banjo de púa evolucionó a partir del banjo de cinco cuerdas, para atender estilos de música que involucraban acordes rasgueados. La púa también aparece en muchas grabaciones y arreglos de jazz tempranos. ^[65]

Los banjos de cuatro cuerdas se pueden utilizar para acompañamiento de acordes (como en el jazz temprano), para tocar melodías de una sola cuerda (como en la música tradicional irlandesa), en estilo de "melodía de acordes" (una sucesión de acordes en la que las notas más altas llevan la melodía), en estilo de trémolo (tanto en acordes como en cuerdas simples) y en una técnica mixta llamada estilo dúo que combina trémolo de una sola cuerda y acordes rítmicos. ^[66]

Los banjos de cuatro cuerdas se utilizan de vez en cuando en el teatro musical. Algunos ejemplos incluyen: Hello, Dolly!, Mame , Chicago , Cabaret , Oklahoma !, Half a Sixpence , Annie , Barnum , The Threepenny Opera , Monty Python's Spamalot y muchos otros. Joe Raposo lo había utilizado de forma variable en la imaginativa orquestación de siete piezas para el programa de televisión de larga duración Barrio Sésamo , y en ocasiones lo había doblado con él mismo o con una guitarra eléctrica. El banjo todavía se utiliza (aunque raramente) en los arreglos del programa en la actualidad.

El banjo tenor de mástil más corto, con 17 ("escala corta") o 19 trastes, también se toca típicamente con púa. Se convirtió en un instrumento popular después de aproximadamente 1910. Los primeros modelos utilizados para punteo melódico generalmente tenían 17 trastes en el mástil y una longitud de escala de 19 1 ⁄ 2 a 21 1 ⁄ 2  pulgadas. A mediados de la década de 1920, cuando el instrumento se usaba principalmente para acompañamiento de acordes rasgueados, los mástiles de 19 trastes con una longitud de escala de 21 3 ⁄ 4 a 23 pulgadas se convirtieron en estándar. La afinación habitual es la afinación de quintas C3 G3 D4 A4, en la que ocurren exactamente siete semitonos (una quinta perfecta ) entre las notas al aire de cuerdas consecutivas ; esto es idéntico a la afinación de una viola . Otros músicos (particularmente en la música tradicional irlandesa) afinan el banjo G2 D3 A3 E4 como una mandolina de octava , lo que permite al banjista duplicar la digitación del violín y la mandolina. ^[67] La ​​popularización de esta afinación generalmente se atribuye al fallecido Barney McKenna , banjista de The Dubliners . ^[68]

El banjo tenor era un instrumento rítmico común en las bandas de baile de principios del siglo XX. Su volumen y timbre se adaptaban al jazz primitivo (y a los estilos de música popular con influencia del jazz) y podían competir con otros instrumentos (como los instrumentos de viento metal y los saxofones) y escucharse claramente en grabaciones acústicas. Rhapsody in Blue de George Gershwin , en el arreglo original para orquesta de jazz de Ferde Grofe , incluye banjo tenor, con acordes muy espaciados que no son fáciles de tocar en un banjo de púa en sus afinaciones convencionales. Con el desarrollo de la guitarra archtop y la guitarra eléctrica, el banjo tenor desapareció en gran medida del jazz y la música popular, aunque mantuvo su lugar en el jazz tradicional "Dixieland".

Algunos banjistas irlandeses de la década de 1920 tocaron las melodías de jigs, reels y hornpipes en banjos tenores, decorando las melodías con elegantes adornos de tresillos. El banjista irlandés más importante de esta época fue Mike Flanagan de los Flanagan Brothers , con sede en Nueva York , uno de los grupos irlandeses-estadounidenses más populares de la época. Otros banjistas irlandeses de antes de la Segunda Guerra Mundial fueron Neil Nolan, que grabó con la Shamrock Band de Dan Sullivan en Boston, y Jimmy McDade, que grabó con la Four Provinces Orchestra en Filadelfia. Mientras tanto, en Irlanda, el auge de las bandas de ceili proporcionó un nuevo mercado para un instrumento ruidoso como el banjo tenor. El uso del banjo tenor en la música irlandesa ha aumentado enormemente desde el resurgimiento del folk en la década de 1960. ^[68]

El banjo de seis cuerdas comenzó como una innovación británica de William Temlett, uno de los primeros fabricantes de banjos de Inglaterra. Abrió una tienda en Londres en 1846 y vendió banjos de siete cuerdas que comercializó como banjos "cítara" a partir de su patente de 1869. ^[69] Un banjo cítara generalmente tiene una parte posterior y laterales cerrados con el cuerpo del tambor y el sistema de tensión de la piel suspendidos dentro del borde de madera, el mástil y el cordal de cuerdas montados en el exterior del borde y la cuerda del bordón conducida a través de un tubo en el mástil para que la clavija de afinación pueda montarse en la cabeza. A menudo eran fabricados por constructores que usaban afinadores de guitarra que venían en bancos de tres, por lo que los instrumentos de cinco cuerdas tenían un afinador redundante; estos banjos podrían convertirse con cierta facilidad en un banjo de seis cuerdas.

El estadounidense Alfred Davis Cammeyer (1862-1949), un joven violinista que se convirtió en banjista de concierto, ideó el banjo de cítara de seis cuerdas alrededor de 1880. La diva de la ópera británica Adelina Patti le aconsejó a Cammeyer que el banjo de cítara podría ser popular entre el público inglés, ya que había sido inventado allí, y Cammeyer viajó a Londres en 1888. Con su forma de tocar virtuosa, ayudó a demostrar que los banjos podían hacer música más sofisticada que la que normalmente tocaban los trovadores de cara pintada de negro . Pronto actuó para la sociedad londinense, donde conoció a Sir Arthur Sullivan , quien le recomendó que pasara de arreglar la música de otros para banjo a componer su propia música.

Se han fabricado banjos bluegrass modernos de seis cuerdas. Estos añaden una cuerda grave entre la cuerda más baja y la cuerda del zumbido en un banjo de cinco cuerdas, y suelen estar afinados en G4 G2 D3 G3 B3 D4. Sonny Osborne tocó uno de estos instrumentos durante varios años. Fue modificado por el luthier Rual Yarbrough a partir de un modelo Vega de cinco cuerdas. Una foto de Sonny con este banjo aparece en el libro de métodos Bluegrass Banjo de Pete Wernick . ^[70]

Los banjos de seis cuerdas, conocidos como guitarras banjo, consisten básicamente en un mástil de guitarra de seis cuerdas unido a un cuerpo de banjo de bluegrass o púa, lo que permite a los intérpretes que han aprendido a tocar la guitarra tocar un sonido de banjo sin tener que volver a aprender las digitaciones. Este fue el instrumento del gran jazz temprano Johnny St. Cyr , los jazzistas Django Reinhardt , Danny Barker , Papa Charlie Jackson y Clancy Hayes , así como del cantante de blues y gospel Reverendo Gary Davis . Hoy en día, músicos tan diversos como Keith Urban , Rod Stewart , Taj Mahal , Joe Satriani , David Hidalgo , Larry Lalonde y Doc Watson tocan el banjo de guitarra de seis cuerdas. Se han vuelto cada vez más populares desde mediados de la década de 1990.

A finales del siglo XIX y principios del XX, lo que estaba de moda en los conjuntos de instrumentos de cuerda pulsada (orquestas de guitarras, orquestas de mandolinas , orquestas de banjos) era que la instrumentación se equiparara a la de la sección de cuerdas de las orquestas sinfónicas. Así, "violín, viola, violonchelo, bajo" se convirtió en "mandolina, mandola, mandocello, mandobass" o, en el caso de los banjos, "banjolín, banjola, banjo cello, banjo bajo". Debido a que el rango de los instrumentos de cuerda pulsada generalmente no es tan grande como el de los instrumentos de cuerda frotada de tamaño comparable, a menudo se añadían otros instrumentos a estas orquestas de cuerda pulsada para ampliar el rango del conjunto hacia arriba y hacia abajo. ^{[ cita requerida ]}

El banjo violonchelo se afinaba normalmente en C2-G2-D3-A3, una octava por debajo del banjo tenor, como el violonchelo y el mandocello. La compañía Goldtone ha producido un banjo violonchelo de cinco cuerdas, configurado como un banjo bluegrass (con la quinta cuerda corta), pero afinado una octava más abajo. ^[71]

Los banjos bajos se han producido tanto en formatos de contrabajo vertical como con cuerpos de banjo estándar, de porte horizontal. También se han fabricado banjos contrabajo de tres o cuatro cuerdas; algunos de ellos tenían clavijeros similares a los de los violines bajos. La afinación varía en estos grandes instrumentos, y los modelos de cuatro cuerdas a veces se afinan en cuartas, como un violín bajo (mi1-la1-re2-sol2) y, a veces, en quintas, como un banjo de violonchelo de cuatro cuerdas, una octava más baja (do1-sol1-re2-la2). ^[72]

Existen varios instrumentos híbridos que combinan el banjo con otros instrumentos de cuerda. La mayoría de ellos utilizan el cuerpo de un banjo, a menudo con un resonador, y el mástil del otro instrumento. Algunos ejemplos son la mandolina del banjo (patentada por primera vez en 1882) ^[73] y el ukelele del banjo , interpretado por el comediante inglés George Formby ^[74] . Estos instrumentos fueron especialmente populares en las primeras décadas del siglo XX y probablemente fueron el resultado de un deseo de permitir que los intérpretes de otros instrumentos se subieran al carro del banjo en el apogeo de su popularidad o de obtener los beneficios naturales de amplificación del resonador del banjo en una época anterior a la amplificación eléctrica.

Por el contrario, las guitarras tenor y de púa utilizan los respectivos mástiles de banjo en los cuerpos de la guitarra. Surgieron a principios del siglo XX como una forma de que los banjistas pudieran tocar la guitarra sin tener que volver a aprender a tocar el instrumento por completo. ^[75]

También se han fabricado instrumentos que tienen un mástil de banjo de cinco cuerdas sobre un cuerpo de madera (por ejemplo, una guitarra, un bouzouki o un cuerpo de dobro ), como la banjola. Un instrumento turco del siglo XX similar al banjo se llama cümbüş , que combina un resonador similar al del banjo con un mástil derivado de un oud . A finales del siglo XX, un desarrollo del banjo de cinco cuerdas fue el BanSitar. ^[76] Este presenta un puente de hueso, lo que le da al instrumento una resonancia similar a la del sitar .

El banjo de samba brasileño es básicamente un mástil de cavaquinho sobre un cuerpo de banjo, lo que produce un sonido más fuerte que el cavaquinho. Está afinado de la misma manera que las 4 cuerdas superiores de un banjo de 5 cuerdas, una octava más arriba (o cualquier afinación de cavaquinho).

• Joel Sweeney (1810-1860), también conocido como Joe Sweeney, fue un músico y uno de los primeros intérpretes de trovadores de cara pintada de negro . Es conocido por popularizar la interpretación del banjo y a menudo se le atribuye el avance del desarrollo físico del banjo moderno de cinco cuerdas.
• Vess Ossman (1868-1923) fue un destacado banjista de cinco cuerdas que empezó a tocar el banjo a los 12 años. Fue un artista de grabación popular y, de hecho, uno de los primeros artistas de grabación de la historia , cuando la grabación de audio se hizo comercial por primera vez. Formó varios grupos de grabación, siendo el más popular el trío Ossman-Dudley. ^{[77] [78]}
• Clifford Essex (1869-1946), banjista británico que también fue fabricante de instrumentos musicales.
• El tío Dave Macon (1870–1952) fue un banjista y comediante de Tennessee conocido por su "sombrero con orejetas, dientes de oro, patillas, cuello de puertas entreabiertas y esa sonrisa de Tennessee de un millón de dólares".
• Fred Van Eps (1878-1960) fue un destacado músico de cinco cuerdas y fabricante de banjos que aprendió a tocar escuchando grabaciones en cilindro de Vess Ossman. Grabó para la compañía de Edison y produjo algunas de las primeras grabaciones en disco, así como las primeras grabaciones de ragtime en cualquier medio que no fuera el piano mecánico. ^[79]
• Frank Lawes (1894-1970), del Reino Unido, desarrolló una técnica única de fingerstyle en el instrumento de púa de cuatro cuerdas y fue un prolífico compositor de música para banjo de cuatro cuerdas, gran parte de la cual todavía se interpreta y graba hoy en día.
• Pasquale Troise (1895-1957), emigrante italiano al Reino Unido en la década de 1920. Formó Troise and his Banjoliers en 1933, que grabó con Decca y actuó regularmente en la serie de larga duración de la BBC Music While You Work . ^[80]
• Harry Reser (1896-1965), banjo tenor y de púa, fue considerado por algunos como el mejor banjista tenor de la década de 1920. Escribió una gran cantidad de obras para banjo tenor, así como material didáctico, incluidos numerosos libros de métodos para banjo, ^[81] más de una docena de otros libros de métodos instrumentales (para guitarra, ukelele, mandolina, etc.), y era muy conocido en la comunidad del banjo. La técnica de Reser de tocar una sola cuerda y la "melodía de acordes" establecieron un "alto nivel" que muchos intérpretes de tenor posteriores aún se esfuerzan por alcanzar.
• Eddie Peabody (1902-1970) fue un gran defensor del banjo de púa que actuó durante casi cinco décadas (1920-1968) y dejó un legado considerable de grabaciones. ^[82] Un crítico de los primeros tiempos lo apodó "el rey del banjo", y su nombre fue muy conocido durante décadas. Continuó desarrollando nuevos instrumentos, produciendo discos y apareciendo en películas.
• Ola Belle Reed (1916–2002) fue una cantante de folk, compositora y banjista estadounidense.
• Pete Seeger (1919-2014), un cantautor que actuó en solitario y con el grupo folk The Weavers , incluyó el banjo de cinco cuerdas entre sus instrumentos. Su libro de métodos de 1948 How to Play the Five-String Banjo ha sido reconocido por miles de banjistas, incluidos destacados profesionales, como el despertador de su interés por el instrumento. También se le atribuye la invención del banjo de mástil largo (también conocido como "Seeger Banjo"), que añade tres trastes más bajos al mástil del banjo de cinco cuerdas y afina las cuatro cuerdas principales una tercera menor más abajo, para facilitar la interpretación en tonos cantados más cómodos para algunos guitarristas folk.
• Earl Scruggs (1924-2012), cuya carrera se extendió desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta el siglo XXI, es ampliamente considerado como el padre del estilo bluegrass de tocar el banjo. ^[83] El estilo de tocar con tres dedos que desarrolló mientras tocaba con la banda de Bill Monroe se conoce por su nombre: Scruggs Style . ^[84]
• Ralph Stanley (1927–2016) tuvo una larga carrera, tanto con su hermano como los Stanley Brothers y con su banda los Clinch Mountain Boys. Fue galardonado con un doctorado honorario de música por la Lincoln Memorial University , es miembro del Salón de la Fama del Bluegrass y del Grand Ole Opry . Ganó un premio Grammy a la mejor interpretación vocal country masculina en la película O Brother, Where Art Thou ?.
• Roy Clark (1933-2018)
• John Hartford (1937–2001)
• Sonny Osborne (1937-2021)
• Ben Eldridge (1938-2024)
• Barney McKenna (1939–2012) fue un músico irlandés y miembro fundador de The Dubliners. Tocaba el banjo tenor, el violín, la mandolina y el melodeón. Era más conocido como banjista. Barney usaba la afinación GDAE en un banjo tenor de 19 trastes, una octava por debajo de la del violín/mandolina y, según el músico Mick Moloney, fue el único responsable de hacer del banjo tenor afinado con GDAE el banjo estándar en la música irlandesa. Debido a su nivel de habilidad con el banjo, los fans de todo el mundo y otros miembros de The Dubliners lo apodaron "Banjo Barney".
• Bill Keith (1939-2015)
• Pete Wernick (nacido en 1946)
• Tony Trischka (nacido en 1949)
• Béla Fleck (nacido en 1958) es ampliamente reconocido como uno de los banjistas más innovadores y técnicamente competentes del mundo. ^[85] Su trabajo abarca muchos estilos y géneros, incluidos el jazz, el bluegrass, la música clásica, el R&B, la vanguardia y la "música del mundo", y ha producido una importante discografía y videografía. Trabaja extensamente tanto en medios acústicos como eléctricos. Fleck ha sido nominado a los premios Grammy en más categorías que cualquier otro artista, y ha recibido 13 en 2015. ^[actualizar][ ^86]
• Noam Pikelny (nacido en 1981) es un banjista estadounidense que toca estilos eclécticos que incluyen bluegrass tradicional, música clásica, rock y jazz. Ganó el Premio Steve Martin a la Excelencia en Banjo y Bluegrass en 2010. ^[87] Ha sido nominado a ocho premios Grammy y recibió uno con su banda, Punch Brothers, en 2018. ^[88]
• Otros importantes intérpretes de cuatro cuerdas fueron Mike Pingitore , que tocó el tenor en la orquesta Paul Whiteman hasta 1948, y Roy Smeck , pionero de la radio y la grabación, autor de muchos libros instructivos y cuyas influyentes interpretaciones en muchos instrumentos con trastes le valieron el apodo de "Mago de las cuerdas", durante sus años de actividad (1922-1950). Entre los tenoristas destacados de la generación más reciente se encuentra Narvin Kimball (fallecido en 2006) (banjoista zurdo de la famosa Preservation Hall Jazz Band ).
• Entre los músicos de cuatro cuerdas en activo se encuentran los estilistas de ragtime y dixieland Charlie Tagawa (1935-2017) y Bill Lowrey (nacido en 1963). El guitarrista de jazz Howard Alden (nacido en 1958) comenzó su carrera con el banjo tenor y todavía lo toca en eventos de jazz tradicional. Cynthia Sayer (nacida en 1962) es considerada una de las mejores banjistas de púa de jazz. El intérprete de rock y country Winston Marshall (nacido en 1988) toca el banjo (entre otros instrumentos) para el grupo de folk rock británico Mumford and Sons , una banda que ganó el premio Grammy en 2013 al "Mejor álbum del año".

• Cuenta
• Banjo (samba)
• Ukelele banjo
• Benju
• Bulbul tarang
• Cuatro (instrumento)
• Guitjo de doble mástil
• Sanshin
• Afinaciones de instrumentos de cuerda

• Castelnero, Gordon y Russell, David L. Earl Scruggs: Banjo Icon. Rowman & Littlefield, 2017

• Conway, Cecelia (1995). Ecos del banjo africano en los Apalaches: un estudio de las tradiciones populares , University of Tennessee Press. Papel: ISBN 0-87049-893-2 ; tela: ISBN 0-87049-892-4 . Un estudio de la influencia de los afroamericanos en la interpretación del banjo a lo largo de la historia de los Estados Unidos.  
• De Smaele G. (1983). "Banjo a cinq cordes". Bruselas: Musée Instrumental (MIM), Bruselas. D 1983-2170-1
• De Smaele G. (2015). "Actitudes del banjo". París: L'Harmattan, 2015.
• De Smaele G. (2019). "Un libro de consulta sobre banjo de cinco cuerdas". París: L'Harmattan, 2019.
• Dubois, Laurent (2016). El banjo: el instrumento africano de Estados Unidos. Cambridge, MA: Harvard University Press, 2016.
• Epstein, Dena (1977). Sinful Tunes and Spirituals: Black Folk Music to the Civil War . University of Illinois Press, 2003. Ganador del Premio Simkins de la Southern Historical Association, 1979. Ganador del Premio de Folklore de Chicago. Edición de aniversario de un estudio clásico de la música de los esclavos negros en Estados Unidos.
• Gaddy, Kristina (2022). Well of Souls: Uncovering the Banjo's Hidden History (El pozo de las almas: descubriendo la historia oculta del banjo) . WW Norton & Company, 2022. ISBN 978-0393866803 . La autora descubre el papel clave del banjo en la espiritualidad, los rituales y la rebelión de los negros. 
• Gibson, George R. (2018). "Black Banjo, Fiddle and Dance in Kentucky and the Amalgamation of African American and Anglo-American Folk Music" ( Banjo Roots and Branches ) (Winans, 2018). University of Illinois Press, 2018. El capítulo historiográfico de Gibson revela mucha información nueva sobre los banjistas y violinistas negros y sobre la danza en Kentucky, y su influencia en los músicos blancos desde la década de 1780.
• Gura, Philip F. y James F. Bollman (1999). America's Instrument: The Banjo in the Nineteenth Century (El instrumento de Estados Unidos: el banjo en el siglo XIX ). The University of North Carolina Press. ISBN 0-8078-2484-4 . La historia definitiva del banjo, centrada en el desarrollo del instrumento en el siglo XIX. 
• Museo de Arte Katonah (2003). El nacimiento del banjo . Museo de Arte Katonah, Katonah, Nueva York. ISBN 0-915171-64-3 . 
• Linn, Karen (1994). That Half-Barbaric Twang: The Banjo in American Popular Culture (Ese acento medio bárbaro: el banjo en la cultura popular estadounidense ). University of Illinois Press. ISBN 0-252-06433-X . Historia cultural académica del banjo, centrada en cómo ha evolucionado su imagen a lo largo de los años. 
• Tsumura, Akira (1984). Banjos: The Tsumura Collection . Kodansha International Ltd. ISBN 0-87011-605-3 . Una historia ilustrada del banjo que incluye la colección más importante del mundo. 
• Webb, Robert Lloyd (1996). Ring the Banjar! (¡Haz sonar el banjo! ). 2.ª edición. Centerstream Publishing. ISBN 1-57424-016-1 . Breve historia del banjo, con fotografías de una exposición en el Museo del MIT. 
• Winans, Robert (2018). Banjo Roots and Branches . University of Illinois Press, 2018. La historia del viaje del banjo desde África hasta el hemisferio occidental combina música, historia y una unión de culturas. En Banjo Roots and Branches, Robert B. Winans presenta estudios de vanguardia que cubren los orígenes del instrumento en África occidental y sus adaptaciones y circulación en el Caribe y los Estados Unidos.

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Banjos .

• "Banjo"  . Enciclopedia Británica . Vol. 3 (11.ª ed.). 1911.
• El banjo en la música tradicional irlandesa
• 200 fabricantes de banjos antes de la Segunda Guerra Mundial
• ACTITUDES DEL BANJO - Le banjo à cinq cordes : son histoire générale, sa documentation, Gérard De Smaele - livre, ebook, epub
• Manuales de instrucciones para banjo del siglo XIX
• Para oír tu banjo, película de Alan Lomax de 1947 (16 minutos)
• Banjo tenor de estilo fingerstyle
• Boletín informativo de Banjo
• Lugar de reunión de banjo
• La Dra. Joan Dickerson, Sparky Rucker y George Gibson, junto con el presentador Michael Johnathon, exploran la historia afroamericana del banjo a través de conversaciones y música en el programa 350 de WoodSongs Old-Time Radio Hour . Se proporcionan audio y video.
• "La física de los banjos: una conversación con David Politzer" Archivado el 4 de noviembre de 2016 en Wayback Machine , Ideas Roadshow , 2016
• Física del banjo 411 https://www.its.caltech.edu/~politzer/