Cine de los Estados Unidos

Cine de Estados Unidos (Hollywood)
El cartel de Hollywood en Hollywood Hills , a menudo considerado el símbolo de la industria cinematográfica estadounidense.
Número de pantallas	40.393 (2017) [1]
• Per cápita	14 por 100.000 (2017) [1]
Distribuidores principales	Disney Imágenes de Walt Disney Estudios del siglo XX Sony Fotos de Columbia Imágenes de TriStar Comcast Imágenes universales Paramount Global Imágenes Paramount Warner Bros. Descubrimiento Imágenes de Warner Bros. Cine de nueva linea Amazonas MGM
Largometrajes producidos (2016) [2]
Ficticio	646 (98,5%)
Animado	10 (1,5%)
Número de admisiones (2017) [4]
Total	1.239.742.550
• Per cápita	3.9 (2010) [3]
Taquilla bruta (2017) [4]
Total	11.1 mil millones de dólares

Este artículo es parte de una serie sobre el
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El cine de los Estados Unidos, formado principalmente por los grandes estudios cinematográficos (también conocidos metonímicamente como Hollywood ), junto con algunas películas independientes , ha tenido un gran efecto en la industria cinematográfica mundial desde principios del siglo XX.

El cine clásico de Hollywood , que se desarrolló entre 1910 y 1962, sigue siendo típico de la mayoría de las películas que se hacen en Estados Unidos en la actualidad. Si bien a los franceses Auguste y Louis Lumière generalmente se les atribuye el nacimiento del cine moderno, ^[5] el cine estadounidense pronto se convirtió en una fuerza dominante en la industria emergente. Con más de 600 películas en inglés estrenadas en promedio cada año a partir de 2017 ^[update], produjo la cuarta mayor cantidad de películas de cualquier cine nacional , después de India , Japón y China . ^[6] Si bien los cines nacionales del Reino Unido , Canadá , Australia y Nueva Zelanda también producen películas en el mismo idioma, no son parte del sistema de Hollywood. Debido a esto, Hollywood también ha sido considerado un cine transnacional , ^[7] y ha producido versiones en varios idiomas de algunos títulos, a menudo en español o francés. El Hollywood contemporáneo a menudo subcontrata la producción al Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. Los principales estudios cinematográficos de Hollywood son la fuente principal de las películas de mayor éxito comercial y de mayor venta de entradas del mundo. ^{[8] [9]}

Hollywood es considerada la industria cinematográfica más antigua, siendo el lugar donde surgieron los primeros estudios cinematográficos y productoras. Es la cuna de diversos géneros cinematográficos ^[10] —entre ellos la comedia , el drama , la acción , el musical , el romance , el terror , la ciencia ficción , ^{[ dudoso – discutir ]} y la épica— y ha sido el ejemplo para otras industrias cinematográficas nacionales.

En 1878, Eadweard Muybridge demostró el poder de la fotografía para capturar el movimiento. En 1894, se realizó la primera exhibición cinematográfica comercial del mundo en la ciudad de Nueva York, utilizando el kinetoscopio de Thomas Edison . ^[11] En las décadas siguientes, la producción de películas mudas se expandió enormemente, se formaron estudios que migraron a California, y las películas y las historias que contaban se volvieron mucho más largas. Estados Unidos produjo la primera película musical con sonido sincronizado del mundo , The Jazz Singer , en 1927, ^[12] y estuvo a la vanguardia del desarrollo del cine sonoro en las décadas siguientes. Desde principios del siglo XX, la industria cinematográfica estadounidense se ha basado principalmente en la zona de treinta millas centrada en el vecindario de Hollywood del condado de Los Ángeles, California . El director D. W. Griffith fue fundamental para el desarrollo de una gramática cinematográfica . Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles se cita con frecuencia en las encuestas de los críticos como la mejor película de todos los tiempos . ^[13]

Muchas de las películas más taquilleras de Hollywood han generado más ingresos de taquilla y venta de entradas fuera de Estados Unidos que las películas rodadas en otros países. Estados Unidos es un país pionero en ingeniería y tecnología cinematográfica .

El primer ejemplo registrado de fotografías que captan y reproducen el movimiento fue una serie de fotografías de un caballo corriendo de Eadweard Muybridge , que tomó en Palo Alto, California , utilizando un conjunto de cámaras fotográficas colocadas en fila. El logro de Muybridge llevó a inventores de todo el mundo a intentar fabricar dispositivos similares. En los Estados Unidos, Thomas Edison fue uno de los primeros en producir un dispositivo de este tipo, el kinetoscopio . ^{[ cita requerida ]}

La historia del cine en los Estados Unidos se remonta a la Costa Este , donde en su día Fort Lee, Nueva Jersey , fue la capital cinematográfica de Estados Unidos. La industria comenzó a fines del siglo XIX con la construcción de " Black Maria " de Thomas Edison, el primer estudio cinematográfico en West Orange, Nueva Jersey . Las ciudades y pueblos a orillas del río Hudson y Hudson Palisades ofrecían terrenos a costos considerablemente menores que la ciudad de Nueva York al otro lado del río y se beneficiaron enormemente como resultado del crecimiento fenomenal de la industria cinematográfica a principios del siglo XX. ^{[14] [15] [16] [17]}

La industria comenzó a atraer tanto capital como mano de obra innovadora. En 1907, cuando la Kalem Company comenzó a utilizar Fort Lee como lugar de rodaje en la zona, otros cineastas la siguieron rápidamente. En 1909, un precursor de Universal Studios , la Champion Film Company , construyó el primer estudio. ^[18] Otros siguieron rápidamente la misma tendencia y construyeron nuevos estudios o alquilaron instalaciones en Fort Lee. En las décadas de 1910 y 1920 , compañías cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès (Star Films), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company y Selznick Pictures Corporation estaban haciendo películas en Fort Lee. Personas notables como Mary Pickford comenzaron en Biograph Studios. ^{[19] [20] [21]}

En Nueva York, los estudios Kaufman Astoria en Queens , construidos durante la época del cine mudo, fueron utilizados por los hermanos Marx y W. C. Fields . Los estudios Edison estaban ubicados en el Bronx . También se utilizaban con frecuencia los estudios Chelsea, en Manhattan .

Otras ciudades del Este, especialmente Chicago y Cleveland , también sirvieron como centros tempranos de producción cinematográfica. ^{[22] [23]}

En el oeste, California ya estaba emergiendo rápidamente como un importante centro de producción cinematográfica. En Colorado , Denver albergaba la compañía cinematográfica Art-O-Graf , y el primer estudio de animación Laugh-O-Gram de Walt Disney tenía su sede en Kansas City , Missouri .

A partir de 1908, la industria cinematográfica de Jacksonville, Florida, vio a más de 30 compañías de cine mudo establecer estudios en la ciudad, incluidos Kalem Studios , Metro Pictures (más tarde MGM ), Edison Studios , Majestic Films, ^[24] King Bee Film Company , Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Studios y Lubin Manufacturing Company .

Picture City , Florida , fue un sitio planificado para un centro de producción cinematográfica en la década de 1920, pero debido al huracán Okeechobee de 1928 , la idea fracasó y Picture City volvió a su nombre original de Hobe Sound .

Un intento de establecer un centro de producción cinematográfica en Detroit también resultó infructuoso. ^[25]

Las guerras de patentes cinematográficas de principios del siglo XX ayudaron a que las compañías cinematográficas se extendieran a otras partes de Estados Unidos, fuera de Nueva York. Muchos cineastas trabajaban con equipos para los que no poseían los derechos de uso. Por lo tanto, filmar en Nueva York podía ser peligroso, ya que estaba cerca de la sede de la compañía de Edison y de los agentes que la compañía se encargaba de confiscar las cámaras.

Una alternativa era Los Ángeles , que tenía inviernos suaves, una gran selección de lugares para filmar y, lo más importante, estaba a solo 90 millas de la frontera con México , en caso de que necesitaran correr si los agentes de control de Edison los encontraban. En 1912, la mayoría de las principales compañías cinematográficas habían establecido instalaciones de producción en el sur de California, cerca o en Los Ángeles, debido al clima favorable de la región durante todo el año. ^[26]

La producción de 1908 de la Selig Polyscope Company de El conde de Monte Cristo dirigida por Francis Boggs y protagonizada por Hobart Bosworth fue reivindicada como la primera en ser filmada en Los Ángeles , en 1907, con una placa develada por la ciudad en 1957 en la tienda insignia de Dearden en la esquina de Main Street y 7th Street, para marcar la filmación en el sitio cuando había sido una lavandería china. ^[27] La ​​viuda de Bosworth sugirió que la ciudad se había equivocado en la fecha y el lugar, y que la película en realidad se filmó en la cercana Venecia , que en ese momento era una ciudad independiente. ^[28] In the Sultan's Power de Boggs para Selig Polyscope, también protagonizada por Bosworth, se considera la primera película filmada íntegramente en Los Ángeles, con un rodaje en 7th y Olive Streets en 1909. ^{[29] [28]}

A principios de 1910, el director D. W. Griffith fue enviado por la Biograph Company a la costa oeste con su grupo de actores, formado por los actores Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street en el centro de Los Ángeles. Mientras estaban allí, la compañía decidió explorar nuevos territorios, viajando varias millas al norte hasta Hollywood, un pequeño pueblo que era amigable y disfrutaba de la compañía cinematográfica que filmaba allí. Griffith filmó entonces la primera película jamás filmada en Hollywood, In Old California , un melodrama de Biograph sobre California en el siglo XIX, cuando pertenecía a México. Griffith se quedó allí durante meses e hizo varias películas antes de regresar a Nueva York. También en 1910, Selig Polyscope de Chicago estableció el primer estudio cinematográfico en el área de Los Ángeles en Edendale ^[27] y el primer estudio en Hollywood abrió en 1912. ^{[30] : 447} Después de enterarse del éxito de Griffith en Hollywood, en 1913, muchos cineastas se dirigieron al oeste para evitar las tarifas impuestas por Thomas Edison , que poseía patentes sobre el proceso de realización de películas. ^[31] Nestor Studios de Bayonne, Nueva Jersey , construyó el primer estudio en el vecindario de Hollywood en 1911. ^{[ dudoso - discutir ]} Nestor Studios, propiedad de David y William Horsley, luego se fusionó con Universal Studios; y la otra compañía de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, es ahora la compañía más antigua existente en Hollywood, ahora llamada Hollywood Digital Laboratory. El clima más hospitalario y rentable de California condujo al eventual traslado de prácticamente toda la producción cinematográfica a la Costa Oeste en la década de 1930. En ese momento, Thomas Edison poseía casi todas las patentes relevantes para la producción cinematográfica, y los productores de películas de la Costa Este que actuaban independientemente de la Motion Picture Patents Company de Edison a menudo eran demandados o prohibidos por Edison y sus agentes, mientras que los cineastas que trabajaban en la Costa Oeste podían hacerlo independientemente del control de Edison. ^[32]

En Los Ángeles, los estudios y Hollywood crecieron. Antes de la Primera Guerra Mundial , las películas se hacían en varias ciudades estadounidenses, pero los cineastas tendían a gravitar hacia el sur de California a medida que se desarrollaba la industria. Se sentían atraídos por el clima cálido y la luz solar confiable, que permitía filmar sus películas al aire libre durante todo el año y por los variados paisajes que estaban disponibles. ^{[ cita requerida ]} Los daños de la guerra contribuyeron al declive de la entonces dominante industria cinematográfica europea, a favor de los Estados Unidos, donde la infraestructura todavía estaba intacta. ^[33] La respuesta temprana de salud pública más fuerte a la epidemia de gripe de 1918 por parte de Los Ángeles ^[34] en comparación con otras ciudades estadounidenses redujo el número de casos allí y resultó en una recuperación más rápida, lo que contribuyó al creciente dominio de Hollywood sobre la ciudad de Nueva York. ^[33] Durante la pandemia, los funcionarios de salud pública cerraron temporalmente las salas de cine en algunas jurisdicciones, los grandes estudios suspendieron la producción durante semanas seguidas y algunos actores contrajeron gripe. Esto provocó importantes pérdidas financieras y graves dificultades para los pequeños estudios, pero la industria en su conjunto se recuperó con creces durante los locos años veinte . ^[35]

A principios del siglo XX, cuando el medio era nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron empleo en la industria cinematográfica estadounidense. Pudieron dejar su huella en un negocio completamente nuevo: la exhibición de cortometrajes en salas de cine llamadas nickelodeons , por el precio de la entrada de cinco centavos . En pocos años, hombres ambiciosos como Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer y los Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel y Jack) se habían pasado al lado de la producción del negocio. Pronto se convirtieron en los jefes de un nuevo tipo de empresa: el estudio cinematográfico . Estados Unidos tenía al menos dos directoras, productoras y directoras de estudio en estos primeros años: Lois Weber y la francesa Alice Guy-Blaché . También prepararon el terreno para el internacionalismo de la industria; a la industria a menudo se la acusa de provincialismo centrado en Amero .

Después de la Primera Guerra Mundial llegaron otros cineastas de Europa: directores como Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang y Jean Renoir ; y actores como Rodolfo Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman y Charles Boyer . Se unieron a una oferta local de actores, atraídos al oeste desde los escenarios de la ciudad de Nueva York después de la introducción de las películas sonoras, para formar una de las industrias de crecimiento más notables del siglo XX. En el apogeo de la popularidad del cine a mediados de la década de 1940, los estudios producían un total de aproximadamente 400 películas al año, vistas por una audiencia de 90 millones de estadounidenses por semana. ^[36]

El sonido también se hizo ampliamente utilizado en Hollywood a finales de la década de 1920. ^[37] Después de que The Jazz Singer , la primera película con voces sincronizadas, se estrenara con éxito como una película sonora Vitaphone en 1927, las compañías cinematográficas de Hollywood responderían a Warner Bros. y comenzarían a utilizar el sonido Vitaphone (que Warner Bros. poseyó hasta 1928) en futuras películas. En mayo de 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), una subsidiaria de la compañía Western Electric, obtuvo el monopolio de la distribución de sonido para películas. ^[36]

Un efecto secundario del cine sonoro fue que muchos actores que habían hecho carrera en el cine mudo se encontraron de repente sin trabajo, ya que a menudo tenían mala voz o no podían recordar sus líneas. Mientras tanto, en 1922, el político estadounidense Will H. Hays dejó la política y formó la organización de jefes de estudios cinematográficos conocida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). ^[38] La organización se convirtió en la Motion Picture Association of America después de que Hays se jubilara en 1945.

En los primeros tiempos del cine sonoro , los estudios estadounidenses se dieron cuenta de que sus producciones sonoras eran rechazadas en los mercados de habla extranjera e incluso entre los hablantes de otros dialectos del inglés. La tecnología de sincronización era todavía demasiado primitiva para el doblaje . Una de las soluciones fue crear versiones paralelas en lengua extranjera de las películas de Hollywood. Alrededor de 1930, las compañías estadounidenses ^{[ ¿cuál? ]} abrieron un estudio en Joinville-le-Pont , Francia, donde se utilizaron los mismos decorados y vestuario e incluso escenas de masas para diferentes equipos de tiempo compartido .

Además, se eligieron actores extranjeros desempleados, dramaturgos y ganadores de concursos de fotogenia y se los llevó a Hollywood, donde filmaron versiones paralelas de las películas en inglés. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto menor, se filmaban de noche y estaban dirigidas por directores estadounidenses de segunda línea que no hablaban el idioma extranjero. Los equipos de habla hispana incluían a personas como Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat y Edgar Neville . Las producciones no tuvieron mucho éxito en los mercados a los que estaban destinadas, debido a las siguientes razones:

• Los presupuestos más bajos fueron evidentes.
• Muchos actores de teatro no tenían experiencia previa en cine.
• Las películas originales eran a menudo de segunda categoría, ya que los estudios esperaban que las mejores producciones se vendieran por sí solas.
• La mezcla de acentos extranjeros (castellano, mexicano y chileno por ejemplo en el caso español) resultó extraña para el público.
• En algunos mercados no había salas equipadas con sonido.

El cine clásico de Hollywood, o la Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo característico del cine estadounidense de 1913 a 1962, durante el cual se emitieron miles de películas desde los estudios de Hollywood. El estilo clásico comenzó a surgir en 1913, se aceleró en 1917 después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial y finalmente se consolidó cuando se estrenó la película El cantante de jazz en 1927, poniendo fin a la era del cine mudo y aumentando las ganancias de taquilla para la industria cinematográfica al introducir el sonido en los largometrajes.

La mayoría de las películas de Hollywood se ciñeron estrictamente a una fórmula ( western , comedia física , musical , dibujo animado , biográfica  ) y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM , Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años, las películas de Cecil B. De Mille se hicieron casi todas en Paramount y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para 20th Century Fox .

Al mismo tiempo, era posible adivinar qué estudio había hecho cada película, en gran medida por los actores que aparecían en ella; por ejemplo, MGM afirmaba haber contratado a "más estrellas que las que hay en el cielo". Cada estudio tenía su propio estilo y toques característicos que permitían saberlo, algo que hoy en día es poco frecuente.

Por ejemplo, Tener y no tener (1944) es notable no solo por ser la primera pareja de actores que aparece junta, Humphrey Bogart (1899-1957) y Lauren Bacall (1924-2014), sino porque fue escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel de Literatura : Ernest Hemingway (1899-1961), el autor de la novela en la que se basó nominalmente el guion, y William Faulkner (1897-1962), quien trabajó en la adaptación cinematográfica.

Después de que The Jazz Singer se estrenara en 1927, Warner Bros. obtuvo un gran éxito y pudo adquirir su propia cadena de salas de cine después de comprar Stanley Theaters y First National Productions en 1928. Por el contrario, los cines Loews eran dueños de MGM desde su formación en 1924, mientras que Fox Film Corporation era dueña del Fox Theatre . RKO (una fusión de 1928 entre Keith-Orpheum Theaters y Radio Corporation of America ^[39] ) también respondió al monopolio de Western Electric/ERPI sobre el sonido en las películas y desarrolló su propio método, conocido como Photophone , para poner sonido en las películas. ^[36]

Paramount, que adquirió Balaban y Katz en 1926, respondería al éxito de Warner Bros. y RKO, y compraría también una serie de cines a finales de la década de 1920, y tendría el monopolio de los cines de Detroit, Michigan . ^[40] En la década de 1930, casi todos los cines metropolitanos de estreno en los Estados Unidos eran propiedad de los cinco grandes estudios: MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. y 20th Century Fox . ^[41]

Las compañías cinematográficas operaban bajo el sistema de estudios . Los grandes estudios tenían a miles de personas a sueldo: actores, productores, directores, guionistas, especialistas en escenas de riesgo, artesanos y técnicos. Poseían o alquilaban ranchos cinematográficos en la zona rural del sur de California para filmar en exteriores westerns y otras películas de género a gran escala, y los grandes estudios poseían cientos de salas de cine en ciudades y pueblos de todo el país en 1920, salas de cine que proyectaban sus películas y que siempre necesitaban material nuevo.

En 1930, el presidente de la MPPDA, Will Hays, creó el Código Hays (de Producción) , que seguía las pautas de censura y entró en vigor después de que las amenazas de censura del gobierno se expandieran en 1930. ^[42] Sin embargo, el código nunca se aplicó hasta 1934, después de que la organización de vigilancia católica The Legion of Decency , horrorizada por algunas de las películas provocativas y la publicidad escabrosa de la época que luego clasificaron como Pre-Code Hollywood, amenazara con boicotear las películas si no entraba en vigor. ^[43] Las películas que no obtuvieron un sello de aprobación de la Administración del Código de Producción tuvieron que pagar una multa de $ 25,000 (equivalente a $ 455,976 en 2023) y no pudieron obtener ganancias en los cines, ya que la MPPDA controlaba todos los cines del país a través de los estudios Big Five.

A lo largo de la década de 1930, así como durante la mayor parte de la edad de oro, MGM dominó la pantalla de cine y tuvo a las principales estrellas de Hollywood, y también se les atribuyó la creación del sistema de estrellas de Hollywood en su conjunto. ^[44] Algunas estrellas de MGM incluyeron al "Rey de Hollywood" Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland y Gene Kelly . ^[44] Pero MGM no estuvo sola. ^{[ aclaración necesaria ]}

Otro gran logro del cine estadounidense durante esta era llegó a través de la compañía de animación de Walt Disney . En 1937, Disney creó la película más exitosa de su tiempo, Blancanieves y los siete enanitos . ^[45] Esta distinción fue rápidamente superada en 1939 cuando Selznick International creó lo que sigue siendo, cuando se ajusta a la inflación, la película más exitosa de todos los tiempos: Lo que el viento se llevó . ^[46]

Muchos historiadores del cine han destacado las numerosas grandes obras cinematográficas que surgieron de este período de producción cinematográfica sumamente reglamentada. Una de las razones por las que esto fue posible es que, al realizarse tantas películas, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podía apostar por una película de presupuesto medio con un buen guion y actores relativamente desconocidos: Ciudadano Kane , dirigida por Orson Welles (1915-1985) y considerada a menudo como la mejor película de todos los tiempos , se ajusta a esta descripción. En otros casos, directores de voluntad fuerte como Howard Hawks (1896-1977), Alfred Hitchcock (1899-1980) y Frank Capra (1897-1991) lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas.

El apogeo del sistema de estudios puede haber sido el año 1939, que vio el estreno de clásicos como El mago de Oz , Lo que el viento se llevó , La diligencia , El señor Smith va a Washington , Cumbres borrascosas , Sólo los ángeles tienen alas , Ninotchka y Medianoche . Entre las otras películas del período de la Edad de Oro que ahora se consideran clásicos: Casablanca , ¡Qué bello es vivir !, Sucedió una noche , el King Kong original , Rebelión a bordo , Sombrero de copa , Luces de la ciudad , Río Rojo , La dama de Shangai , La ventana indiscreta , La ley del silencio , Rebelde sin causa , Con faldas y a lo loco y El mensajero del miedo .

El sistema de estudios y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a finales de la década de 1940:

• una acción antimonopolio federal que separó la producción de películas de su exhibición; y
• El advenimiento de la televisión .

En 1938, Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney se estrenó durante una serie de películas mediocres de los principales estudios, y rápidamente se convirtió en la película más taquillera estrenada hasta ese momento. Para vergüenza de los estudios, se trataba de una película animada producida de forma independiente que no contaba con ninguna estrella empleada por el estudio. ^[47] Esto avivó la frustración ya generalizada por la práctica de la reserva en bloque , en la que los estudios solo vendían a los cines la programación de películas de un año entero a la vez y usaban el bloqueo para cubrir estrenos de calidad mediocre.

El fiscal general adjunto Thurman Arnold —un conocido " destructor de monopolios " de la administración Roosevelt— aprovechó esta oportunidad para iniciar procedimientos contra los ocho estudios más grandes de Hollywood en julio de 1938 por violaciones de la Ley Antimonopolio Sherman . ^{[48] [49]} La demanda federal dio como resultado que cinco de los ocho estudios (los "Cinco Grandes": Warner Bros. , MGM , Fox , RKO y Paramount ) llegaran a un acuerdo con Arnold en octubre de 1940 y firmaran un decreto de consentimiento acordando, en un plazo de tres años:

• Eliminar la reserva en bloque de temas de cortometrajes, en un formato conocido como reserva en bloque "one shot" o "full force".
• Eliminar la reserva en bloque de más de cinco funciones en sus salas.
• Ya no se debe realizar una compra a ciegas (o la compra de películas por parte de los distritos cinematográficos sin ver las películas de antemano) y en su lugar se deben realizar exhibiciones comerciales , en las que los 31 distritos cinematográficos de los EE. UU. verían películas cada dos semanas antes de exhibirlas en los cines.
• Crear una junta administrativa en cada distrito teatral para hacer cumplir estos requisitos. ^[48]

Los "Tres Pequeños" ( Universal Studios , United Artists y Columbia Pictures ), que no poseían ningún cine, se negaron a participar en el decreto de consentimiento. ^{[48] [49]} Varios productores de cine independientes también estaban descontentos con el compromiso y formaron un sindicato conocido como la Sociedad de Productores Cinematográficos Independientes y demandaron a Paramount por el monopolio que aún tenían sobre los cines de Detroit, ya que Paramount también estaba ganando dominio a través de actores como Bob Hope, Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, el cantante Bing Crosby, Alan Ladd y el actor de mucho tiempo para el estudio Gary Cooper también - en 1942. Los cinco grandes estudios no cumplieron con los requisitos del Decreto de Consentimiento durante la Segunda Guerra Mundial, sin mayores consecuencias, pero después de que terminó la guerra se unieron a Paramount como acusados ​​​​en el caso antimonopolio de Hollywood, al igual que los estudios Little Three. ^[50]

Finalmente, la Corte Suprema de los Estados Unidos dictaminó en el caso Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc. que la propiedad de los cines y la distribución de películas por parte de los grandes estudios constituía una violación de la Ley Antimonopolio Sherman . Como resultado, los estudios comenzaron a liberar a los actores y al personal técnico de sus contratos con los estudios. Esto cambió el paradigma de la realización cinematográfica por parte de los grandes estudios de Hollywood, ya que cada uno podía tener un elenco y un equipo creativo completamente diferentes.

La decisión dio como resultado la pérdida gradual de las características que hicieron que las películas de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures y 20th Century Fox fueran inmediatamente identificables. Ciertas personas del mundo del cine, como Cecil B. DeMille , o bien siguieron siendo artistas contratados hasta el final de sus carreras o utilizaron los mismos equipos creativos en sus películas, de modo que una película de DeMille todavía lucía como tal, independientemente de si se había hecho en 1932 o en 1956.

El cine posclásico es el cambio en los métodos de narración en el Nuevo Hollywood. Se ha argumentado que los nuevos enfoques del drama y la caracterización jugaron con las expectativas del público adquiridas en el período clásico: la cronología puede estar desordenada, las líneas argumentales pueden presentar " finales inesperados " y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden estar borrosas. Las raíces de la narración posclásica se pueden ver en el cine negro , en Rebelde sin causa (1955) y en la revolucionaria Psicosis de Hitchcock .

El Nuevo Hollywood es el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960 como resultado de la Nouvelle Vague francesa; la película Bonnie and Clyde de 1967 también marcó el comienzo del repunte del cine estadounidense, ya que una nueva generación de películas posteriormente también obtendría éxito en las taquillas. ^[51] Cineastas como Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski y William Friedkin llegaron a producir películas que rendían homenaje a la historia del cine y se desarrollaban sobre géneros y técnicas existentes. Inaugurado por el estreno en 1969 de Blue Movie de Andy Warhol , el fenómeno de las películas eróticas para adultos siendo discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ), ^[52] y tomadas en serio por los críticos (como Roger Ebert ), ^{[53] [54]} un desarrollo referido, por Ralph Blumenthal de The New York Times , como " porno chic ", y más tarde conocido como la Edad de Oro del Porno , comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. ^{[52] [55] [56]} Según la galardonada autora Toni Bentley , la película de 1976 de Radley Metzger The Opening of Misty Beethoven , basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady ), y debido a alcanzar un nivel mainstream en la trama y los escenarios, ^[57] se considera la "joya de la corona" de esta " Edad de Oro ". ^{[58] [59]}

En el apogeo de su fama a principios de la década de 1970, Charles Bronson fue la atracción de taquilla número uno del mundo, recaudando un millón de dólares por película. ^[60] En la década de 1970, las películas de los cineastas del Nuevo Hollywood solían ser aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. Si bien las primeras películas del Nuevo Hollywood como Bonnie and Clyde y Easy Rider habían sido asuntos de presupuesto relativamente bajo con héroes amorales y una mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito del que disfrutaron Friedkin con El exorcista , Spielberg con Tiburón , Coppola con El padrino y Apocalipsis ahora , Scorsese con Taxi Driver , Kubrick con 2001: Una odisea del espacio , Polanski con Chinatown y Lucas con American Graffiti y La guerra de las galaxias , respectivamente, ayudaron a dar lugar al " blockbuster " moderno e indujeron a los estudios a centrarse cada vez más en tratar de producir éxitos enormes. ^[61]

La creciente indulgencia de estos jóvenes directores no ayudó. ^{[ cita requerida ]} A menudo, se excedían en el cronograma y el presupuesto, lo que los llevaba a la ruina a ellos mismos o al estudio. ^{[ cita requerida ]} Los tres ejemplos más notables de esto son Apocalipsis ahora y One from the Heart de Coppola y, en particular, La puerta del cielo de Michael Cimino , que por sí sola llevó a la ruina a United Artists . Sin embargo, Apocalipsis ahora finalmente recuperó su dinero y ganó un amplio reconocimiento como una obra maestra, ganando la Palma de Oro en Cannes . ^{[ 62 ]}

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En los EE. UU., la clasificación PG-13 se introdujo en 1984 para dar cabida a películas que se encontraban en la línea entre PG y R, lo que se debió principalmente a las controversias en torno al contenido violento de las películas PG Indiana Jones y el templo maldito y Gremlins (ambas de 1984). ^[63]

Los cineastas  de la década de 1990 tuvieron acceso a innovaciones tecnológicas, políticas y económicas que no habían estado disponibles en décadas anteriores. Dick Tracy (1990) se convirtió en el primer largometraje de 35 mm con una banda sonora digital . Batman Returns (1992) fue la primera película en hacer uso del sonido estéreo de seis canales Dolby Digital que desde entonces se ha convertido en el estándar de la industria. Las imágenes generadas por computadora se facilitaron enormemente cuando se hizo posible transferir imágenes de películas a una computadora y manipularlas digitalmente. Las posibilidades se hicieron evidentes en Terminator 2: Judgment Day (1991) del director James Cameron , en imágenes del personaje T-1000 que cambia de forma . Los gráficos por computadora o CG avanzaron hasta un punto en el que Jurassic Park (1993) pudo usar las técnicas para crear animales de apariencia realista. Jackpot (2001) se convirtió en la primera película que se filmó completamente en formato digital. ^[64] En la película Titanic , Cameron quería ampliar los límites de los efectos especiales con su película y contrató a Digital Domain y Pacific Data Images para continuar con los desarrollos en tecnología digital que el director fue pionero mientras trabajaba en The Abyss y Terminator 2: Judgment Day . Muchas películas anteriores sobre el RMS Titanic filmaron agua en cámara lenta , lo que no parecía del todo convincente. ^{[65] Cameron animó a su equipo a filmar su} miniatura de 45 pies de largo (14 m) del barco como si "estuviéramos haciendo un comercial para la White Star Line".

Incluso El proyecto de la bruja de Blair (1999), una película de terror independiente de bajo presupuesto de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick , fue un gran éxito financiero. Filmada con un presupuesto de solo 35.000 dólares, sin grandes estrellas ni efectos especiales, la película recaudó 248 millones de dólares con el uso de técnicas de marketing modernas y promoción en línea. Aunque no está en la escala de la precuela de mil millones de dólares de George Lucas a la trilogía de Star Wars , El proyecto de la bruja de Blair se ganó la distinción de ser la película más rentable de todos los tiempos, en términos de porcentaje de recaudación. ^[64]

Sin embargo, el éxito de Blair Witch como proyecto independiente sigue siendo una de las pocas excepciones, y el control de los cinco grandes estudios sobre  la realización de películas continuó aumentando durante la década de 1990. Las seis grandes compañías disfrutaron de un período de expansión en la década de 1990. Cada una desarrolló diferentes formas de adaptarse a los crecientes costos en la industria cinematográfica, especialmente los crecientes salarios de las estrellas de cine, impulsados ​​​​por agentes poderosos. Las estrellas más grandes como Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson , Kevin Bacon y Julia Roberts recibieron entre $ 15 y $ 20 millones por película y, en algunos casos, incluso recibieron una parte de las ganancias de la película. ^[64]

Por otra parte, los guionistas generalmente cobraban menos que los actores o directores más importantes, normalmente menos de un millón de dólares por película. Sin embargo, el factor más importante que impulsaba el aumento de los costos eran los efectos especiales. En 1999, el costo promedio de una película exitosa era de 60 millones de dólares antes de la comercialización y la promoción, que costaban otros 80 millones de dólares. ^[64]

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Desde principios del siglo XXI, el género de superhéroes ha ido dominando poco a poco el mercado teatral . A partir de 2022 ^[update], son las producciones mejor pagadas para los actores, porque los salarios en otros géneros se han reducido incluso para los mejores actores. ^[67] Sin embargo, en 2023 y 2024, los expertos de Hollywood señalaron la "fatiga de los superhéroes" como una tendencia emergente. ^[68] Actores como Paul Dano y directores como Matthew Vaughn han presentado argumentos similares. ^{[69] [70]}

En 2021, a pesar de la pandemia de COVID-19 en los Estados Unidos , películas taquilleras como Black Widow , F9 , Death on the Nile y West Side Story se estrenaron en los cines después de haber sido pospuestas desde sus fechas de estreno iniciales de 2020. ^[71]

Varios estudios respondieron a la crisis con decisiones controvertidas de renunciar a la ventana de exhibición en salas de cine y dar a sus películas estrenos el mismo día . NBCUniversal lanzó Trolls World Tour directamente para alquiler de video a pedido el 10 de abril, ^[74] mientras que simultáneamente recibió proyecciones limitadas en salas de cine nacionales a través de autocines; ^[75] El director ejecutivo Jeff Shell afirma que la película había alcanzado casi $ 100 millones en ingresos en las primeras tres semanas. ^{[76] [77]} AMC Theatres se opuso a la decisión , que luego anunció que sus proyecciones de películas de Universal Pictures cesarían de inmediato, aunque las dos compañías eventualmente acordarían una ventana de exhibición en salas de cine de 2 semanas. ^{[78] [79] [80] [81] [82]} En diciembre de 2020, Warner Bros. Pictures anunció su decisión de lanzar simultáneamente su lista de películas de 2021 en salas de cine y en su sitio de transmisión HBO Max por un período de un mes para maximizar la audiencia. ^[83] La medida fue vehementemente criticada por varias figuras de la industria, muchas de las cuales, al parecer, no estaban informadas de la decisión antes del anuncio y se sintieron engañadas por el estudio. ^[84]

A partir de 2019, se ha visto el auge de las plataformas de streaming estadounidenses, como Netflix , Disney+ , Paramount+ y Apple TV+ , que llegaron a rivalizar con el cine tradicional. ^{[85] [86]} Los comentaristas de la industria han notado el creciente tratamiento de las películas como " contenido " por parte de las corporaciones que se correlaciona con la creciente popularidad de las plataformas de streaming. ^[87] Esto implica la difuminación de los límites entre películas, televisión y otras formas de medios a medida que más personas los consumen juntos de diversas formas, y las películas individuales se definen más por su identidad de marca y potencial comercial que por su medio, historias y arte. ^{[85] [88]} El crítico Matt Zoller Seitz ha descrito el estreno de Avengers: Endgame en 2019 como "representando la derrota decisiva del 'cine' por el 'contenido ' " debido a su gran éxito como una "pieza de entretenimiento" definida por la marca Marvel que culmina una serie de películas de gran éxito que tiene rasgos de televisión en serie. ^[85]

Las películas Space Jam: A New Legacy y Red Notice han sido citadas como ejemplos de este tratamiento, siendo la primera descrita por muchos críticos como "un extenso infomercial para HBO Max", con escenas y personajes que recuerdan a varias propiedades de Warner Bros. como Casablanca , Matrix y Austin Powers , ^{[89] [90] [91] [92]} mientras que la última es una película de atraco de 200 millones de dólares de Netflix que los críticos describieron como "una película que se siente más procesada por una máquina [...] en lugar de algo que se acerque a una intención artística o incluso a un deseo honesto de entretener". ^{[93] [94] [95]} Algunos han expresado que Space Jam demuestra el tratamiento cada vez más cínico de la industria de las películas como mera propiedad intelectual (PI) para ser explotada, un enfoque que el crítico Scott Mendelson llamó "PI por el bien de la PI". ^{[90] [96] [97] [91]}

Martin Scorsese ha advertido de que el cine como forma de arte está "siendo sistemáticamente devaluado, marginado, degradado y reducido" a "contenido" y ha calificado de "repulsivo" el énfasis excesivo de los éxitos de taquilla en los retornos de taquilla. ^{[98] [99]} Quentin Tarantino opinó que la década de 2020 fue una de las "peores" épocas "en la historia de Hollywood" en una entrevista de podcast. ^{[100] [101]} Durante una clase magistral en el Festival de Cine de Sarajevo de 2023 , Charlie Kaufman criticó los éxitos de taquilla convencionales, afirmando que "[e]n este punto, lo único que genera dinero es la basura" y alentó a los profesionales de la industria a "hacer películas fuera del sistema de estudios tanto como sea posible". ^{[102] [103]} James Gray señaló en una entrevista con Deadline : "Cuando haces películas que solo generan un montón de dinero y solo un tipo de película, comienzas a hacer que un gran segmento de la población pierda el hábito de ir al cine", lo que hace que la audiencia disminuya, aunque aclaró que no tiene "ningún problema con una película de cómics". Como solución a la falta de "inversión en el compromiso de base amplia con el producto", sugiere que los estudios "estén dispuestos a perder dinero durante un par de años en las divisiones de películas de arte y, al final, estarán más contentos". ^[104]

En la década de 1930, los demócratas y los republicanos vieron dinero en Hollywood. El presidente Franklin Roosevelt vio una gran alianza con Hollywood. Utilizó el primer potencial real de las estrellas de Hollywood en una campaña nacional. Melvyn Douglas visitó Washington, DC , en 1939 y conoció a los principales partidarios del New Deal. ^{[ cita requerida ]}

Se firmaron cartas de apoyo de los actores principales, se hicieron apariciones en la radio y publicidad impresa. Se utilizaron estrellas de cine para atraer a una gran audiencia hacia la visión política del partido. En la década de 1960, John F. Kennedy era una cara nueva y joven para Washington, y su fuerte amistad con Frank Sinatra ejemplificó esta nueva era de glamour. Los últimos magnates de Hollywood habían desaparecido, y ejecutivos y productores más jóvenes y nuevos comenzaron a promover ideas más liberales . ^{[ cita requerida ]}

Las celebridades y el dinero atrajeron a los políticos al estilo de vida de clase alta y brillante de Hollywood. Como escribió Ron Brownstein en su libro The Power and the Glitter , la televisión en los años 1970 y 1980 fue un nuevo medio enormemente importante en la política y Hollywood ayudó en ese medio con actores que hacían discursos sobre sus creencias políticas, como Jane Fonda contra la guerra de Vietnam. ^[105] A pesar de que la mayoría de las celebridades y productores eran de tendencia izquierdista y tendían a apoyar al Partido Demócrata , ^{[106] [107]} esta era produjo algunos actores y productores republicanos como Clint Eastwood y Jerry Bruckheimer . Se crearon grupos de apoyo como los Amigos de Abe para apoyar las causas conservadoras en Hollywood, que se percibe como parcializado contra los conservadores. ^[108] El ex actor Ronald Reagan se convirtió en gobernador de California y posteriormente se convirtió en el 40º presidente de los Estados Unidos . Continuó con Arnold Schwarzenegger como gobernador de California en 2003. ^{[ cita requerida ]}

Hoy en día, las donaciones de Hollywood ayudan a financiar la política federal. ^[109] El 20 de febrero de 2007, por ejemplo, el entonces candidato presidencial demócrata Barack Obama celebró una gala en Hollywood con un costo de 2.300 dólares por plato, organizada por los fundadores de DreamWorks , David Geffen , Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg , en el Beverly Hilton. ^[109]

La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica . Un ejemplo moderno común en los Estados Unidos es Copa Ganda , en el que los programas de televisión muestran retratos poco realistas y favorecedores de las fuerzas del orden, en parte para pedir prestado equipo y obtener su ayuda para bloquear las calles y filmar más fácilmente en el lugar. ^[110] Otras acusaciones de lavado de reputación se han presentado en la industria del entretenimiento, incluido el pulido de la imagen de la mafia. ^[111]

La colocación de productos también ha sido un punto de crítica, con la industria tabacalera promoviendo el tabaquismo en la pantalla. ^[112] Los Centros para el Control de Enfermedades citan que el 18% de los fumadores adolescentes no comenzarían a fumar si las películas con fumadores recibieran automáticamente una clasificación "R", lo que salvaría un millón de vidas. ^[113]

Los productores de Hollywood generalmente buscan cumplir con los requisitos de censura del gobierno chino en un intento por acceder al restringido y lucrativo mercado cinematográfico del país, ^[114] con la segunda taquilla más grande del mundo en 2016. Esto incluye priorizar representaciones comprensivas de personajes chinos en películas, como cambiar a los villanos de Red Dawn de chinos a norcoreanos. ^[114] Debido a que muchos temas están prohibidos en China, como que Dalai Lama y Winnie-the-Pooh estén involucrados en el episodio de South Park " Band in China ", South Park fue completamente prohibido en China después de la transmisión del episodio. ^[115] A la película de 2018 Christopher Robin , la nueva película de Winnie-the-Pooh, se le negó un estreno en China. ^[115]

Aunque el Tíbet fue anteriormente una causa célebre en Hollywood, apareciendo en películas como Kundun y Siete años en el Tíbet , en el siglo XXI este ya no es el caso. ^[116] En 2016, Marvel Entertainment atrajo críticas por su decisión de elegir a Tilda Swinton como "La Anciano" en la adaptación cinematográfica de Doctor Strange , utilizando a una mujer blanca para interpretar a un personaje tradicionalmente tibetano. ^[117] El actor y destacado partidario del Tíbet, Richard Gere, declaró que ya no era bienvenido a participar en películas convencionales de Hollywood después de criticar al gobierno chino y pedir un boicot a los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Pekín. ^{[116] [118]}

Hollywood también autocensuró cualquier representación negativa de los nazis durante la mayor parte de la década de 1930 para mantener el acceso al público alemán. ^[119] En esa época, la censura económica resultó en la autocensura de contenido para complacer al grupo que ejercía su influencia económica. ^[119] El Código Hays fue un esfuerzo liderado por la industria desde 1930 hasta 1967 para una estricta autocensura con el fin de apaciguar las objeciones religiosas a ciertos contenidos y evitar cualquier censura gubernamental que pudiera haber resultado. ^[119]

Los investigadores de la economía política de la comunicación se han centrado durante mucho tiempo en la presencia internacional o global, el poder, la rentabilidad y la popularidad de las películas de Hollywood. Los libros sobre el Hollywood global de Toby Miller y Richard Maxwell ^[120] , Janet Wasko y Mary Erickson ^[121] , Kerry Segrave ^[122] , John Trump Bour ^[123] y Tanner Mirles ^[124] examinan la economía política internacional del poder de Hollywood.

Según Tanner Mirles, Hollywood se apoya en cuatro estrategias capitalistas "para atraer e integrar a productores, exhibidores y audiencias cinematográficas no estadounidenses a su ámbito: propiedad, producciones transfronterizas con proveedores de servicios subordinados, acuerdos de licencia de contenidos con exhibidores y superproducciones diseñadas para viajar por todo el mundo". ^[125]

En 1912, las compañías cinematográficas estadounidenses estaban inmersas en gran medida en la competencia por el mercado interno. Era difícil satisfacer la enorme demanda de películas creada por el auge del nickelodeon . Los miembros de la Motion Picture Patents Company , como Edison Studios , también buscaron limitar la competencia de películas francesas, italianas y otras importadas. La exportación de películas, entonces, se volvió lucrativa para estas compañías. Vitagraph Studios fue la primera compañía estadounidense en abrir sus propias oficinas de distribución en Europa, estableciendo una sucursal en Londres en 1906 y una segunda sucursal en París poco después. ^[126]

Otras compañías estadounidenses también se estaban expandiendo a mercados extranjeros, y la distribución estadounidense en el extranjero continuó expandiéndose hasta mediados de la década de 1920. Originalmente, la mayoría de las compañías vendían sus películas indirectamente. Sin embargo, como no tenían experiencia en el comercio exterior, simplemente vendían los derechos extranjeros de sus películas a empresas de distribución extranjeras o agentes de exportación. Poco a poco, Londres se convirtió en un centro para la circulación internacional de películas estadounidenses. ^[126]

Muchas compañías británicas obtuvieron ganancias actuando como agentes de este negocio y, al hacerlo, debilitaron la producción británica al ceder una gran parte del mercado británico a las películas estadounidenses. En 1911, aproximadamente entre el 60 y el 70 por ciento de las películas importadas a Gran Bretaña eran estadounidenses. Estados Unidos también estaba teniendo buenos resultados en Alemania, Australia y Nueva Zelanda. ^[126]

Más recientemente, a medida que la globalización ha comenzado a intensificarse y el gobierno de los Estados Unidos ha promovido activamente agendas de libre comercio y el comercio de productos culturales, Hollywood se ha convertido en una fuente cultural mundial. El éxito de Hollywood en los mercados de exportación se puede reconocer no sólo por el auge de las corporaciones multinacionales de medios estadounidenses en todo el mundo, sino también por su capacidad única para hacer películas de gran presupuesto que atraen poderosamente los gustos populares de muchas culturas diferentes. ^[127]

Con la globalización, la producción cinematográfica se ha concentrado en Hollywood por varias razones: Estados Unidos tiene el mayor mercado interno en términos de dólares, las películas de Hollywood, entretenidas y muy visibles, tienen un atractivo global, y el papel del inglés como lengua universal contribuye a compensar los mayores costos fijos de producción.

Hollywood se ha adentrado más en los mercados chinos, aunque bajo la influencia de la censura china. Las películas hechas en China están censuradas, evitando estrictamente temas como "fantasmas, violencia, asesinatos, horror y demonios". Se corre el riesgo de que se eliminen esos elementos de la trama. Hollywood ha tenido que hacer películas "aprobadas", que se ajusten a los estándares oficiales chinos, pero sacrificando los estándares estéticos en aras de las ganancias de taquilla. Incluso al público chino le resultaba aburrido esperar el estreno de grandes películas estadounidenses dobladas a su lengua materna. ^[128]

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Las mujeres están estadísticamente subrepresentadas en puestos creativos en el centro de la industria cinematográfica estadounidense, Hollywood. Esta subrepresentación se ha denominado " techo de celuloide ", una variante del término de discriminación laboral " techo de cristal ". En 2013, los "actores mejor pagados... hicieron 2+1 ⁄ 2 veces más dinero que las actrices mejor pagadas". ^[129] "Los actores [hombres] mayores ganan más que sus iguales femeninas" en edad, con "las estrellas de cine femeninas ganando más dinero en promedio por película a los 34 años, mientras que las estrellas masculinas ganan más a los 51". ^[130]

El Informe del Techo de Celuloide de 2013 realizado por el Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego recopiló una lista de estadísticas obtenidas de "2.813 personas empleadas por las 250 películas nacionales más taquilleras de 2012". ^[131]

Las mujeres representaron:

• "El 18% de todos los directores, productores ejecutivos, productores, guionistas, directores de fotografía y editores. Esto no reflejó cambios con respecto a 2011 y solo un aumento del 1% con respecto a 1998". ^[131]
• "El 9% de todos los directores." ^[131]
• "El 15% de los escritores." ^[131]
• "El 25% de todos los productores." ^[131]
• "El 20% de todos los editores". ^[131]
• "El 2% de todos los directores de fotografía". ^[131]
• "El 38% de las películas emplearon a 0 o 1 mujer en los papeles considerados, el 23% emplearon a 2 mujeres, el 28% emplearon de 3 a 5 mujeres y el 10% emplearon de 6 a 9 mujeres". ^[131]

Un artículo del New York Times afirmó que sólo el 15% de las películas más taquilleras de 2013 tenían mujeres en papeles protagonistas. ^[132] El autor del estudio señaló que "el porcentaje de papeles con diálogos femeninos no ha aumentado mucho desde los años 1940, cuando rondaba entre el 25 y el 28 por ciento". "Desde 1998, la representación de mujeres en papeles detrás de escena distintos de la dirección ha aumentado sólo un 1 por ciento". Las mujeres "dirigieron el mismo porcentaje de las 250 películas más taquilleras de 2012 (9 por ciento) que en 1998". ^[129]

El 10 de mayo de 2021, NBC anunció que no televisaría la 79.ª edición de los Premios Globo de Oro en 2022 en apoyo a un boicot a la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood por parte de varias empresas de medios por los esfuerzos inadecuados para abordar la falta de diversidad dentro de la membresía de la asociación con personas de color , pero que estaría abierta a televisar la ceremonia en 2023 si la HFPA tuviera éxito en sus esfuerzos de reforma. ^[133] La HFPA se disolvería dos años después como resultado de este y otros escándalos. ^{[134] [135]}

El cine estadounidense a menudo ha reflejado y propagado estereotipos negativos hacia los extranjeros y las minorías étnicas. ^[136] Por ejemplo, los rusos y los ruso-estadounidenses suelen ser retratados como mafiosos brutales, agentes despiadados y villanos. ^{[137] [138] [139]} Según la profesora ruso-estadounidense Nina L. Khrushcheva , "Ni siquiera puedes encender el televisor e ir al cine sin hacer referencia a los rusos como horribles". ^[140] Los italianos y los italoestadounidenses suelen estar asociados con el crimen organizado y la mafia estadounidense . ^{[141] [142] [143]} Los hispanos y latinoamericanos son representados en gran medida como figuras sexualizadas como el macho latino o la zorra latina , miembros de pandillas , inmigrantes (ilegales) o artistas . ^[144] Sin embargo, la representación en Hollywood ha mejorado en los últimos años, ganando terreno en la década de 1990, y ya no enfatiza la opresión, la explotación o la resistencia como temas principales. Según Charles Ramírez Berg, las películas de la tercera ola "no acentúan la opresión o la resistencia chicana ; la etnicidad en estas películas existe como un hecho de varios que dan forma a las vidas de los personajes y marcan sus personalidades". ^[145] Cineastas como Edward James Olmos y Robert Rodríguez pudieron representar la experiencia hispana y latinoamericana como nadie lo había hecho antes en la pantalla, y actores como Hilary Swank , Jordana Brewster , Jessica Alba , Camilla Belle , Al Madrigal , Alexis Bledel , Sofía Vergara , Ana de Armas y Rachel Zegler han tenido éxito. En la última década, a cineastas minoritarios como Chris Weitz , Alfonso Gómez-Rejón y Patricia Riggen se les han dado ^{narrativas más aplicadas} . Las películas que retratan a hispanoamericanos y latinoamericanos incluyen La Bamba (1987), Selena (1997), La máscara del Zorro (1998), Goal II (2007), Overboard (2018), Father of the Bride (2022) y Real Women Have Curves de Josefina López ., originalmente una obra que se estrenó en 1990 y luego se estrenó como película en 2002. ^[145]

La representación afroamericana en Hollywood mejoró drásticamente hacia finales del siglo XX después de la caída del sistema de estudios. ^{[ cita requerida ]} En el viejo Hollywood, cuando los prejuicios raciales eran socialmente aceptables, no era raro que los actores blancos usaran la cara negra . ^[146] En la película de 2016 Moonlight , la masculinidad se retrata como rígida y agresiva, entre el comportamiento de los jóvenes negros en el grupo de pares adolescentes de Chiron. ^[147] La ​​expresión de hipermasculinidad entre los hombres negros se ha asociado con la aceptación de los pares y la comunidad. ^[148] Ser un hombre gay dentro de la comunidad negra, por otro lado, se ha asociado con la alienación social y el juicio homofóbico por parte de los pares porque los hombres gay negros son vistos como débiles o afeminados. En la película, Chiron se coloca en esta división como un hombre gay negro y altera su presentación de la masculinidad como una estrategia para evitar el ridículo porque la homosexualidad se considera incompatible con las expectativas masculinas negras. De niño, Kevin oculta su sexualidad para evitar que lo señalen como a Chiron. A medida que Chiron crece, reconoce la necesidad de adaptarse a un ideal heteronormativo de masculinidad negra para evitar el abuso y la homofobia. De adulto, Chiron decide adoptar el estereotipo del género masculino negro y se vuelve musculoso y traficante de drogas. ^[147]

Según el actor coreano-estadounidense Daniel Dae Kim , los hombres asiáticos y asiático-estadounidenses "han sido retratados como villanos inescrutables y una especie de eunucos asexualizados". ^[143] La Media Action Network for Asian Americans acusó al director y al estudio de Aloha de blanquear el elenco de la película, y el director, Cameron Crowe, se disculpó por el error de elegir a Emma Stone para un personaje que se supone que tiene un cuarto de ascendencia china y un cuarto de ascendencia hawaiana . ^{[149] [150] [151]} A lo largo del siglo XX, los papeles de actuación en el cine eran relativamente pocos y muchos papeles disponibles eran personajes limitados. En el siglo XXI, los jóvenes comediantes y cineastas asiático-estadounidenses han encontrado una salida en YouTube que les permite ganar una base de fans fuerte y leal entre sus compatriotas asiático-estadounidenses. ^[152] Aunque más recientemente la película Crazy Rich Asians ha sido elogiada en los Estados Unidos por presentar un elenco predominantemente asiático, ^[153] fue criticada en otros lugares por elegir a actores birraciales y no chinos para personajes étnicamente chinos. La película Always Be My Maybe fue elogiada por tomar ritmos familiares de comedia romántica y superponerlos inteligentemente con comentarios sociales. ^[154]

Antes de los ataques del 11 de septiembre , los árabes y los estadounidenses de origen árabe a menudo eran retratados como terroristas . ^[143] La decisión de contratar a Naomi Scott , en la película Aladdin , hija de padre inglés y madre india-ugandesa gujarati , para interpretar el papel principal de Jasmine , también generó críticas, así como acusaciones de colorismo , ya que algunos comentaristas esperaban que el papel fuera para una actriz de origen árabe o del Medio Oriente. ^[155] En enero de 2018, se informó que a los extras blancos se les estaba aplicando maquillaje marrón durante el rodaje para "mezclarse", lo que provocó una protesta y condena entre los fanáticos y los críticos, que calificaron la práctica como "un insulto a toda la industria" mientras acusaban a los productores de no reclutar personas con herencia de Medio Oriente o del norte de África. Disney respondió a la controversia diciendo: "La diversidad de nuestro elenco y actores de fondo era un requisito y solo en un puñado de casos cuando era una cuestión de habilidades especiales, seguridad y control (equipos de efectos especiales, especialistas en acrobacias y manejo de animales) el equipo estaba formado para mimetizarse". ^{[156] [157]}

El flujo de trabajo de Hollywood es único en el sentido de que gran parte de su fuerza laboral no trabaja en la misma fábrica todos los días ni sigue la misma rutina de un día para otro, sino que filma en lugares distantes alrededor del mundo, con un horario dictado por las escenas que se filman en lugar de lo que tiene más sentido para la productividad. Por ejemplo, una película urbana filmada completamente en exteriores de noche requeriría que la mayor parte de sus equipos trabajaran en turnos de noche, mientras que una serie de comedia situacional que se filma principalmente en el escenario con solo uno o dos días a la semana en exteriores seguiría un horario de trabajo más tradicional. Los westerns a menudo se filman en lugares desérticos lejos de las casas del equipo, en áreas con hoteles limitados que requieren largos viajes antes y después de un día de rodaje, que aprovechan la mayor cantidad de horas de luz solar disponible, lo que en última instancia requiere que los trabajadores trabajen 16 o 17 horas al día desde el momento en que salen de su casa hasta el momento en que regresan. ^{[158] [159]}

Aunque el papel de los trabajadores en Estados Unidos ha disminuido en muchas partes del país, los sindicatos han mantenido un control firme en Hollywood desde su inicio durante la Gran Depresión , cuando los trabajadores hacían cola fuera de los prósperos estudios cinematográficos en busca del único empleo de la ciudad. A esos trabajadores les esperaban condiciones terribles, ya que los estudios explotaban a la ansiosa fuerza laboral con salarios exiguos y la amenaza siempre presente de los cientos de otras personas que esperaban justo fuera de las puertas para ocupar su lugar si expresaban alguna queja. ^[160]

Debido a la naturaleza informal del empleo en Hollywood, sólo a través de la negociación colectiva los trabajadores individuales pueden expresar sus derechos a garantías de salario mínimo y acceso a planes de pensión y salud que se trasladan de película a película o de serie a serie, y ofrecen a los estudios acceso a una fuerza laboral capacitada capaz de entrar a un set el primer día con el conocimiento y la experiencia para manejar el equipo altamente técnico que se les pide que operen. ^[161]

La mayoría de los trabajadores de Hollywood están representados por varios sindicatos y gremios. La Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE), con 150.000 miembros, representa a la mayoría de los trabajadores , como los técnicos de cámara, electricistas y montadores, así como a los editores, ingenieros de sonido y peluqueros y maquilladores. El Sindicato de Actores de Cine (SAG) es el siguiente grupo más grande y representa a unos 130.000 actores e intérpretes; el Sindicato de Directores de Estados Unidos (DGA) representa a los directores y gerentes de producción; el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA) representa a los guionistas, y la Hermandad Internacional de Camioneros (IBT) representa a los conductores. ^{[162] [163]}

Los sindicatos y gremios sirven como unidad de negociación colectiva para sus miembros, negociando a intervalos regulares (la mayoría actualmente con contratos de 3 años) con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP), una alianza comercial que representa a los estudios de cine y las cadenas de televisión que contratan a los equipos para crear su contenido.

Si bien la relación entre los trabajadores y la gerencia ha sido generalmente amistosa a lo largo de los años, trabajando junto con el estado para desarrollar protocolos seguros para continuar trabajando durante COVID-19 y presionando juntos a favor de incentivos fiscales , se sabe que las negociaciones contractuales se han vuelto polémicas debido a los cambios en la industria y como respuesta a la creciente desigualdad de ingresos . La relación incluso se volvió sangrienta en 1945 cuando una huelga de seis meses de los decoradores de escenarios se convirtió en una sangrienta pelea en un sofocante día de octubre entre huelguistas, esquiroles, rompehuelgas y seguridad del estudio. ^{[164] [165] [166] [167]}

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