Estudios de animación de Walt Disney

Estudios de animación de Walt Disney

Logotipo utilizado desde 2007
La sede del estudio en el edificio Roy E. Disney Animation en Burbank , fotografiada en 2007
Antes	Estudio de dibujos animados de los hermanos Disney (1923-1925) Estudio Walt Disney (1926-1928) Producciones Walt Disney (1929–1985) Largometrajes de animación de Walt Disney (1986-2005)
Tipo de empresa	División
Industria	Películas en movimiento Animación
Predecesor	Estudio Laugh-O-Gram
Fundado	16 de octubre de 1923 ; hace 101 años (como Disney Brothers Cartoon Studio) (1923-10-16)
Fundadores	Walt Disney Roy O. Disney
Sede	2100 West Riverside Drive , Burbank , California , A NOSOTROS
Personas clave	Clark Spencer ( presidente ) Jared Bush ( director comercial )
Productos	Películas animadas Serie animada Cortometrajes de animación
Padre	Estudios Walt Disney
Sitio web	disneyanimation.com
Notas a pie de página / referencias [1] [2] [3] [4] [5]

Walt Disney Animation Studios ( WDAS ), ^[6] a veces abreviado como Disney Animation , es un estudio de animación estadounidense que crea largometrajes animados y cortometrajes para The Walt Disney Company . El logotipo de producción actual del estudio presenta una escena de su primer dibujo animado con sonido sincronizado, Steamboat Willie (1928). Fundado el 16 de octubre de 1923 por los hermanos Walt Disney y Roy O. Disney después del cierre de Laugh-O-Gram Studio , ^[1] es el estudio de animación de mayor duración en el mundo. Actualmente está organizado como una división de Walt Disney Studios y tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en el lote de Walt Disney Studios en Burbank, California . ^[7] Desde su fundación, el estudio ha producido 62 largometrajes , desde Blancanieves y los siete enanitos (1937) hasta Wish (2023), ^[8] y cientos de cortometrajes .

Fundado como Disney Brothers Cartoon Studio ( DBCS ) en 1923, renombrado Walt Disney Studio ( WDS ) en 1926 e incorporado como Walt Disney Productions ( WDP ) en 1929, el estudio se dedicó a producir cortometrajes hasta que entró en la producción de largometrajes en 1934, lo que resultó en Blancanieves y los siete enanitos de 1937 , uno de los primeros largometrajes de animación y el primero con sede en Estados Unidos. En 1986, durante una gran reestructuración corporativa, Walt Disney Productions, que había pasado de ser un único estudio de animación a un conglomerado internacional de medios , pasó a llamarse The Walt Disney Company y el estudio de animación se convirtió en Walt Disney Feature Animation ( WDFA ) para diferenciarlo de las otras divisiones de la empresa. Su nombre actual fue adoptado en 2006 después de que Pixar Animation Studios fuera adquirida por Disney.

Para muchas personas, Disney Animation es sinónimo de animación, ya que "en ningún otro medio las prácticas de una sola compañía han sido capaces de dominar las normas estéticas" de forma tan abrumadora. ^[9] El estudio fue reconocido como el principal estudio de animación estadounidense durante gran parte de su existencia ^[10] y fue "durante muchas décadas el líder mundial indiscutible en largometrajes animados"; ^[11] desarrolló muchas de las técnicas, conceptos y principios que se convirtieron en prácticas estándar de la animación tradicional . ^[12] El estudio también fue pionero en el arte del storyboard , que ahora es una técnica estándar utilizada tanto en la realización de películas animadas como de acción real. ^[13] El catálogo de largometrajes animados del estudio se encuentra entre los activos más notables de Disney, y las estrellas de sus cortos animados ( Mickey Mouse , Minnie Mouse , Donald Duck , Daisy Duck , Goofy y Pluto) se convirtieron en figuras reconocibles de la cultura popular y en mascotas de la Walt Disney Company en su conjunto.

Tres de las películas del estudio, Frozen (2013), Zootopia (2016) y Frozen II (2019), se encuentran entre las 50 películas más taquilleras de todos los tiempos , y la última se convirtió en el tercer largometraje animado más taquillero de todos los tiempos . También tuvo el estreno mundial más taquillero de todos los tiempos para un largometraje animado hasta el estreno de The Super Mario Bros. Movie (2023) de Nintendo e Illumination .

En 2013, el estudio no tenía largometrajes animados dibujados a mano en desarrollo como resultado de que sus películas animadas por computadora en 3D tenían un mejor desempeño en taquilla, y había despedido a una gran parte de sus animadores dibujados a mano. ^{[14] [15]} Sin embargo, el estudio declaró en 2019 y 2023 que están abiertos a propuestas de cineastas para futuros proyectos de largometrajes dibujados a mano. ^{[16] [17]} Además, en abril de 2022, Eric Goldberg , uno de los animadores dibujados a mano del estudio que ha estado trabajando con el estudio desde 1992 y también había trabajado en algunos proyectos con 20th Century Fox (actualmente conocida como 20th Century Studios ), confirmó los planes dentro del estudio de Disney para volver una vez más a la animación dibujada a mano. ^[18]

Los nativos de Kansas City, Missouri , Walt Disney y Roy O. Disney fundaron Disney Brothers Cartoon Studio en Los Ángeles en 1923 y comenzaron a producir una serie de cortometrajes mudos de Alice Comedies ^{con una actriz infantil de acción real en un mundo animado. [20]} Las comedias de Alice fueron distribuidas por Winkler Pictures de Margaret J. Winkler , que más tarde también distribuyó una segunda serie de cortometrajes de Disney, Oswald the Lucky Rabbit , totalmente animado , a través de Universal Pictures a partir de 1927. ^{[20] [21]} Al mudarse a California, los hermanos Disney inicialmente comenzaron a trabajar en el garaje de su tío Robert Disney en 4406 Kingswell Avenue en el vecindario Los Feliz de Los Ángeles, luego, en octubre de 1923, lanzaron formalmente su estudio en una pequeña oficina en la parte trasera de la oficina de una agencia inmobiliaria en 4651 Kingswell Avenue. En febrero de 1924, el estudio se mudó al lado de un espacio de oficina propio en 4649 Kingswell Avenue. En 1925, Disney hizo un depósito para una nueva ubicación en 2719 Hyperion Avenue en el cercano vecindario de Silver Lake , que llegó a ser conocido como Hyperion Studio para distinguirlo de las otras ubicaciones del estudio y, en enero de 1926, el estudio se mudó allí y tomó el nombre de Walt Disney Studio . ^[22]

Mientras tanto, después del primer año de Oswalds , Walt Disney intentó renovar su contrato con Winkler Pictures, pero Charles Mintz , que se había hecho cargo del negocio de Margaret Winkler después de casarse con ella, quería obligar a Disney a aceptar un pago por adelantado menor por cada corto de Oswald . Disney se negó y, como Universal poseía los derechos de Oswald en lugar de Disney, Mintz montó su propio estudio de animación para producir dibujos animados de Oswald . La mayoría del personal de Disney fue contratado por Mintz para mudarse una vez que el contrato de Disney con Oswald expiró a mediados de 1928. ^[23]

Mientras el resto del personal terminaba los Oswalds restantes bajo contrato, Disney y su animador jefe Ub Iwerks lideraron a un pequeño grupo de empleados leales en la producción de dibujos animados protagonizados por un nuevo personaje llamado Mickey Mouse . ^[24] Los dos primeros dibujos animados de Mickey Mouse , Plane Crazy y The Galloping Gaucho , se preestrenaron en presentaciones limitadas durante el verano de 1928. Sin embargo, para el tercer dibujo animado de Mickey , Disney produjo una banda sonora, colaborando con el músico Carl Stalling y el empresario Pat Powers , quien proporcionó a Disney su proceso pirata de sonido en película "Cinephone". Posteriormente, el tercer dibujo animado de Mickey Mouse , Steamboat Willie , se convirtió en el primer dibujo animado de Disney con sonido sincronizado y fue un gran éxito en su debut en noviembre de 1928 en el West 57th Theatre de la ciudad de Nueva York. ^[25] La serie de dibujos animados con sonido de Mickey Mouse , distribuida por Powers a través de Celebrity Productions, rápidamente se convirtió en la serie de dibujos animados más popular en los Estados Unidos. ^{[26] [27]} Una segunda serie de dibujos animados sonoros de Disney, Silly Symphonies , debutó en 1929 con The Skeleton Dance . ^[28]

En 1929, las disputas sobre las finanzas entre Disney y Powers llevaron a que la compañía de producción de animación de Disney, reincorporada el 16 de diciembre de 1929 como Walt Disney Productions , firmara un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures . ^{[29] [30] [31]} Powers, a cambio, despidió a Ub Iwerks, quien comenzó a producir dibujos animados en su propio estudio, aunque regresaría a Disney en 1940. ^[32]

Columbia distribuyó los cortometrajes de Disney durante dos años antes de que el estudio Disney firmara un nuevo acuerdo de distribución con United Artists en 1932. El mismo año, Disney firmó un acuerdo exclusivo de dos años con Technicolor para utilizar su nuevo proceso de película en color de 3 tiras , ^[33] que permitió una reproducción de color más completa donde los procesadores de película en color anteriores no podían. ^[34] El resultado fue la caricatura de Silly Symphony Flowers and Trees , la primera película lanzada comercialmente en Technicolor completo. ^{[34] [35]} Flowers and Trees fue un gran éxito ^{[34] [36]} y todas las Silly Symphonies se produjeron posteriormente en Technicolor. ^{[37] [38]}

A principios de la década de 1930, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente atrapantes que atraparan a la audiencia y no la soltaran, ^{[39] [40]} y esta comprensión lo llevó a crear un "departamento de historias" separado con artistas de guiones gráficos dedicados al desarrollo de la historia. ^[41] Con personajes bien desarrollados y una historia interesante, la caricatura Technicolor Silly Symphony de 1933 Los tres cerditos se convirtió en un gran éxito de taquilla y de cultura pop, ^{[34] [42]} con su canción principal " ¿Quién le teme al lobo feroz? " convirtiéndose en un éxito popular en las listas. ^[43]

En 1934, Walt Disney reunió a varios miembros clave del personal y anunció sus planes de hacer su primer largometraje animado. A pesar de las burlas de la mayor parte de la industria cinematográfica, que apodó la producción "La locura de Disney", Disney procedió impávido a la producción de Blancanieves y los siete enanitos , ^[44] que se convertiría en el primer largometraje animado en inglés y Technicolor. Se dedicó una formación y un desarrollo considerables a la producción de Blancanieves y los siete enanitos y el estudio se expandió enormemente, con animadores establecidos, artistas de otros campos y graduados universitarios recientes que se unieron al estudio para trabajar en la película. Las clases de formación, supervisadas por animadores principales como Les Clark , Norm Ferguson y Art Babbit e impartidas por Donald W. Graham , un profesor de arte del cercano Instituto de Arte Chouinard , ^{[12] [44]} habían comenzado en el estudio en 1932 y se expandieron en gran medida a la formación de orientación y las clases de educación continua. ^{[12] [44]} En el transcurso de la enseñanza de las clases, Graham y los animadores crearon o formalizaron muchas de las técnicas y procesos que se convirtieron en los principios y postulados clave de la animación tradicional. ^[12] Sinfonías tontas como La diosa de la primavera (1934) y El viejo molino (1937) sirvieron como terrenos de experimentación para nuevas técnicas como la animación de figuras humanas realistas, la animación de efectos especiales y el uso de la cámara multiplano , ^[45] una invención que dividía las capas de las ilustraciones de animación en varios planos, lo que permitía que la cámara pareciera moverse dimensionalmente a través de una escena animada. ^[46]

Blancanieves y los siete enanitos le costó a Disney una suma entonces costosa de 1,4 millones de dólares para completarla (incluidos 100.000 dólares solo en el desarrollo de la historia) y fue un éxito sin precedentes cuando se estrenó en febrero de 1938 por RKO Radio Pictures , que había asumido la distribución del producto Disney de United Artists en 1937. Fue brevemente la película más taquillera de todos los tiempos antes del éxito sin precedentes de Lo que el viento se llevó dos años después, ^{[47] [48]} recaudando más de 8 millones de dólares en su estreno inicial, el equivalente a 173.163.120 dólares en dólares de 1999. ^[48]

Durante la producción de Blancanieves , se continuó trabajando en la serie de cortos Mickey Mouse y Silly Symphonies . Mickey Mouse cambió a Technicolor en 1935, momento en el que la serie había agregado varios personajes secundarios importantes, entre ellos el perro de Mickey, Pluto , y sus amigos Donald Duck y Goofy . Donald, Goofy y Pluto aparecerían en series propias en 1940, y las caricaturas de Donald Duck eclipsaron a la serie de Mickey Mouse en popularidad. ^[49] Silly Symphonies , que cosechó siete premios de la Academia , cesó en 1939, hasta que los cortos regresaron a los cines con algunas reediciones y relanzamientos. ^[50]

El éxito de Blancanieves le permitió a Disney construir un nuevo estudio más grande en Buena Vista Street en Burbank, donde The Walt Disney Company sigue teniendo su sede hasta el día de hoy. Walt Disney Productions tuvo su oferta pública inicial el 2 de abril de 1940, con Walt Disney como presidente y Roy Disney como director ejecutivo. ^[51]

El estudio se lanzó a la producción de nuevos largometrajes animados, el primero de los cuales fue Pinocho , estrenado en febrero de 1940. Pinocho no fue inicialmente un éxito de taquilla. ^[52] Los ingresos de taquilla del estreno inicial de la película estuvieron por debajo del éxito sin precedentes de Blancanieves y de las expectativas del estudio. ^{[52] [53]} Del coste de la película de 2289 millones de dólares (el doble de Blancanieves  ), Disney solo recuperó 1 millón a finales de 1940, y los informes del estudio sobre la recaudación final de taquilla original de la película variaban entre 1,4 y 1,9 millones de dólares. ^[54] Sin embargo, Pinocho fue un éxito de crítica, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y a la Mejor Banda Sonora Original , lo que la convirtió en la primera película del estudio en ganar no solo uno de los Óscar, sino ambos al mismo tiempo. ^[55]

Fantasía , una película experimental producida con un arreglo orquestal de acompañamiento dirigido por Leopold Stokowski , fue estrenada en noviembre de 1940 por el propio Disney en una serie de presentaciones itinerantes con asientos limitados . La película costó 2 millones de dólares producirla y, aunque ganó 1,4 millones de dólares en sus presentaciones itinerantes, ^[56] el alto costo ($85,000 por sala) ^[56] de instalar Fantasound colocó a Fantasía en una pérdida incluso mayor que Pinocho . ^[57] RKO asumió la distribución de Fantasía en 1941, ^[58] luego reeditándola en versiones severamente editadas a lo largo de los años. ^{[59] [60]} A pesar de su fracaso financiero, Fantasía fue objeto de dos Premios Honorarios de la Academia el 26 de febrero de 1942: uno por el desarrollo del innovador sistema Fantasound utilizado para crear la banda sonora estereoscópica de la película , y el otro por Stokowski y sus contribuciones a la película. ^[61] Fantasía fue la última película animada de Disney que se completó en el Hyperion Studio de Walt Disney Studios (Walt Disney Productions) en Los Ángeles.

Gran parte de la animación de personajes en estas producciones y en todos los largometrajes posteriores hasta finales de los años 1970 fue supervisada por un grupo de animadores a los que Walt Disney denominó los " Nueve Viejos ", muchos de los cuales también se desempeñaron como directores y más tarde productores en los largometrajes de Disney: Frank Thomas , Ollie Johnston , Woolie Reitherman , Les Clark, Ward Kimball , Eric Larson , John Lounsbery , Milt Kahl y Marc Davis . ^[62] Otros animadores jefes de Disney durante este período incluyeron a Norm Ferguson, Bill Tytla y Fred Moore . El desarrollo del departamento de animación de largometrajes creó un sistema de castas en el estudio Disney: los animadores menores (y los animadores de largometrajes entre asignaciones) fueron asignados para trabajar en los temas cortos, mientras que los animadores de mayor estatus, como los Nueve Viejos, trabajaron en los largometrajes. La preocupación por que Walt Disney aceptara el crédito por el trabajo de los artistas, así como los debates sobre la compensación, llevaron a muchos de los animadores más nuevos y de menor rango a buscar sindicalizarse en el estudio Disney. ^[63]

En mayo de 1941 comenzó una amarga huelga sindical , que se resolvió sin la intervención del enojado Walt Disney en julio y agosto de ese año. ^[63] Mientras Walt Disney Productions se estaba estableciendo como una tienda sindical, ^[63] Walt Disney y varios empleados del estudio fueron enviados por el gobierno de los EE. UU. a un viaje de política de Buen Vecino a América Central y del Sur. ^[64] La huelga de Disney y sus consecuencias llevaron a un éxodo de varios profesionales de la animación del estudio, desde animadores de alto nivel como Art Babbitt y Bill Tytla hasta artistas más conocidos por su trabajo fuera del estudio Disney, como Frank Tashlin , Maurice Noble , Walt Kelly , Bill Melendez y John Hubley . ^[63] Hubley, junto con varios otros huelguistas de Disney, fundó el estudio United Productions of America , el principal rival de animación de Disney en la década de 1950. ^[63]

Dumbo , en producción durante el apogeo de la huelga de animadores, se estrenó en octubre de 1941 y resultó ser un éxito financiero. La sencilla película costó solo 950.000 dólares para producir, la mitad del costo de Blancanieves y los siete enanitos , menos de un tercio del costo de Pinocho y dos quintas partes del costo de Fantasía . Dumbo finalmente recaudó 1,6 millones de dólares durante su lanzamiento original. ^[65] Dumbo fue la primera película animada de Disney que se completó en el edificio de animación original de Walt Disney Studios (Walt Disney Productions) en Burbank, California . En agosto de 1942,se estrenó Bambi y, al igual que Pinocho y Fantasía , no tuvo un buen desempeño en taquilla. De su presupuesto de 1,7 millones de dólares, recaudó 1,64 millones. ^[66]

La producción de largometrajes animados de larga duración se suspendió temporalmente después del estreno de Bambi . Dados los fracasos financieros de algunos de los largometrajes recientes y la Segunda Guerra Mundial que cortó gran parte del mercado cinematográfico extranjero, los financistas del estudio en el Bank of America solo prestaron capital de trabajo al estudio si se restringía temporalmente a la producción de cortometrajes. ^[67] Por lo tanto , los largometrajes que se estaban produciendo en ese momento, como Peter Pan , Alicia en el país de las maravillas y La dama y el vagabundo , se suspendieron hasta después de la guerra. ^[67] Después de la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial después del ataque a Pearl Harbor , el estudio albergó a más de 500 soldados del ejército estadounidense que eran responsables de proteger las fábricas de aviones cercanas de los bombarderos enemigos. Además, varios animadores de Disney fueron reclutados para luchar en la guerra y el estudio fue contratado para producir contenido de guerra para cada rama del ejército estadounidense , en particular entrenamiento militar y películas de propaganda civil. De 1942 a 1943, el 95 por ciento de la producción de animación del estudio fue para el ejército. ^[68] Durante la guerra, Disney produjo el largometraje de propaganda militar animado y de acción real Victory Through Air Power (1943), ^[69] y una serie de cortos con temas de cultura latina resultantes del viaje de Good Neighbor de 1941 se compilaron en dos largometrajes, Saludos Amigos (1942) y Los tres caballeros (1944). ^[69]

Saludos y Caballeros establecieron el modelo para varios otros lanzamientos de Disney de la década de 1940 de "películas de paquete": películas de bajo presupuesto compuestas de temas cortos animados con material de puente animado o de acción en vivo. ^{[70] [71]} Estas películas fueron Make Mine Music (1946), Fun and Fancy Free (1947), Melody Time (1948) y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). El estudio también produjo dos largometrajes, Song of the South (1946) y So Dear to My Heart (1948), que usaban historias de acción en vivo más expansivas que aún incluían secuencias animadas y secuencias que combinaban personajes de acción en vivo y animados. La producción de cortometrajes también continuó durante este período, con los dibujos animados de Donald Duck , Goofy y Pluto siendo la producción principal acompañada de dibujos animados protagonizados por Mickey Mouse, Figaro y, en la década de 1950, Chip 'n' Dale y Humphrey the Bear . ^[72]

Además, Disney comenzó a reeditar las películas anteriores, comenzando con los relanzamientos de Blancanieves en 1944, ^[73] Pinocho en 1945 y Fantasía en 1946. ^[74] Esto condujo a una tradición de reeditar las películas de Disney cada siete años, que duró hasta la década de 1990 antes de traducirse en el manejo por parte del estudio de los lanzamientos de videos domésticos . ^[73]

En 1948, Disney volvió a la producción de largometrajes con La Cenicienta , un largometraje basado en el cuento de hadas de Charles Perrault . Con un coste de casi 3 millones de dólares, el futuro del estudio dependía del éxito de esta película. ^[75] Tras su estreno en 1950, La Cenicienta resultó ser un éxito de taquilla, y las ganancias del estreno de la película permitieron a Disney seguir produciendo largometrajes animados durante la década de 1950. ^[76] Tras su éxito, se reanudó la producción de los largometrajes Alicia en el país de las maravillas , Peter Pan y La dama y el vagabundo . Además, se inició un nuevo y ambicioso proyecto, una adaptación del cuento de hadas de los hermanos Grimm La bella durmiente con la banda sonora clásica de Chaikovski , pero tardó gran parte del resto de la década en completarse. ^[77]

Alicia en el país de las maravillas , estrenada en 1951, tuvo una respuesta tibia en taquilla y fue una gran decepción crítica en su lanzamiento inicial. ^[78] Peter Pan , estrenada en 1953, por otro lado, fue un éxito comercial y la sexta película más taquillera del año . En 1955, La dama y el vagabundo se estrenó con mayor éxito de taquilla que cualquier otra película animada de Disney desde Blancanieves y los siete enanitos , ^[79] recaudando un estimado de $6.5 millones en alquileres en la taquilla norteamericana en 1955. ^[80] La dama y el vagabundo es significativa como el primer largometraje animado de pantalla ancha de Disney , producido en el proceso CinemaScope , ^[79] y fue el primer largometraje animado de Disney en ser lanzado por la propia compañía de distribución de Disney, Buena Vista Distribution . ^[81]

A mediados de la década de 1950, con la atención de Walt Disney centrada principalmente en nuevos proyectos como películas de acción real, televisión y el parque temático Disneyland , ^[62] la producción de las películas animadas quedó principalmente en manos del consorcio "Nine Old Men" de animadores y directores jefes. Esto provocó varios retrasos en las aprobaciones durante la producción de La bella durmiente , ^[62] que finalmente se estrenó en 1959. Con un coste de 6 millones de dólares, ^[82] fue la película más cara de Disney hasta la fecha, producida en un estilo artístico muy estilizado ideado por el artista Eyvind Earle ^{[82] y presentada en} Super Technirama 70 de gran formato con sonido estereofónico de seis pistas. ^[82] Sin embargo, a pesar de ser la película animada más taquillera del estudio desde Blancanieves y los siete enanitos , los altos costos de producción de la película y el bajo rendimiento de taquilla de la otra producción de Disney de 1959 dieron como resultado que el estudio registrara su primera pérdida anual en una década para el año fiscal 1960, ^[83] lo que llevó a despidos masivos en todo el estudio. ^[84]

A finales de la década, los cortometrajes de Disney ya no se producían de forma regular, y muchos de los miembros del personal de las divisiones de cortometrajes abandonaron la empresa o fueron reasignados para trabajar en programas de televisión de Disney como The Mickey Mouse Club y Disneyland . Si bien los cortos de Silly Symphonies habían dominado el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (Dibujos Animados) durante la década de 1930, su reinado sobre la mayoría de los premios había terminado con los dibujos animados de Tom y Jerry de MGM , los Looney Tunes y Merrie Melodies de Warner Bros , y las obras de United Productions of America (UPA), cuyo estilo de arte plano y técnicas de animación estilizadas fueron elogiadas como alternativas más modernas al antiguo estilo de Disney. ^[85] Durante la década de 1950, solo un corto de Disney, el estilizado Toot, Whistle, Plunk and Boom , ganó el Oscar al Mejor Cortometraje (Dibujos Animados). ^[86]

Los cortos de Mickey Mouse , Pluto y Goofy habían cesado su producción regular en 1953, y los de Donald Duck y Humphrey continuaron y se convirtieron a formato panorámico CinemaScope antes de que la división de cortos se cerrara en 1956. Después de eso, todos los cortos futuros fueron producidos por la división de largometrajes hasta 1969. El último corto de Disney de la época dorada de la animación fue It's Tough to Be a Bird . Los cortos de Disney solo se producirían de forma esporádica a partir de este momento, ^[72] con cortos posteriores notables que incluyen ^[87] Runaway Brain (1995, protagonizado por Mickey Mouse) ^[88] y Paperman (2012). ^[89]

A pesar de los despidos de 1959 y la competencia por la atención de Walt Disney por parte de los departamentos ampliados de películas de acción real, televisión y parques temáticos de la compañía, la producción continuó con producciones de animación a un nivel reducido. ^[77]

En 1961, el estudio lanzó Cien y un dálmatas , un largometraje animado que popularizó el uso de la xerografía durante el proceso de entintado y pintado de cels de animación tradicionales . ^[90] Usando la xerografía, los dibujos de animación podrían ser transferidos fotoquímicamente en lugar de ser trazados desde dibujos en papel a las hojas de acetato transparente (" cels ") utilizadas en la producción de animación final. ^[90] El estilo artístico resultante -una línea más rayada que revelaba las líneas de construcción en los dibujos de los animadores- tipificó las películas de Disney hasta la década de 1980. ^[90] La película fue un éxito, siendo la décima película más taquillera de 1961 con alquileres de $6,4 millones. ^[91]

El programa de formación en animación de Disney comenzó en el estudio en 1932 antes de que el desarrollo de Blancanieves condujera finalmente a que Walt Disney ayudara a fundar el Instituto de las Artes de California (CalArts) . ^[92] Esta universidad se formó a través de la fusión del Instituto de Arte Chouinard y el Conservatorio de Música de Los Ángeles. Incluía un programa de estudio de animación desarrollado por Disney entre sus ofertas de títulos. CalArts se convirtió en el alma mater de muchos de los animadores que trabajarían en Disney y otros estudios de animación desde la década de 1970 hasta la actualidad. ^[92]

La espada en la piedra se estrenó en 1963 y fue la sexta película más taquillera del año en América del Norte, con un estimado de 4,75 millones de dólares en rentas. ^[93] Una adaptación en formato featurette de una de las historias de Winnie-the-Pooh de AA Milne , Winnie the Pooh and the Honey Tree , se estrenó en 1966, ^[94] a la que le siguieron varios featurettes más de Pooh a lo largo de los años y un largometraje recopilatorio, The Many Adventures of Winnie the Pooh , que se estrenó en 1977. ^[94]

Walt Disney murió en diciembre de 1966, diez meses antes de que se completara y estrenara la siguiente película del estudio , El libro de la selva ^{. [95]} La película fue un éxito, ^[96] terminando 1967 como la cuarta película más taquillera del año. ^[97]

Tras la muerte de Walt Disney, Wolfgang Reitherman continuó como productor y director de las películas del estudio. ^{[98] [99]} Fue Reitherman el responsable de una notable suavización de los villanos de Disney, y durante las siguientes dos décadas, casi todos los villanos de Disney eran más cómicos o lamentables que aterradores. ^[100] La principal prioridad de Reitherman era asegurar que el estudio siguiera obteniendo ganancias y, con ese fin, enfatizó la importancia de hacer películas aptas para toda la familia. ^[100] Según Andreas Deja , Reitherman dijo que "si perdemos a los niños, lo perdemos todo". ^[100]

El estudio comenzó la década de 1970 con el lanzamiento de Los Aristogatos , el último proyecto cinematográfico aprobado por Walt Disney. ^[99] En 1971, Roy O. Disney, el cofundador del estudio, murió y Walt Disney Productions quedó en manos de Donn Tatum y Card Walker , quienes se alternaron como presidente y director ejecutivo en términos superpuestos hasta 1978. ^[101] El siguiente largometraje, Robin Hood (1973), se produjo con un presupuesto significativamente reducido y una animación reutilizada de largometrajes anteriores. ^[98] Tanto Los Aristogatos como Robin Hood fueron éxitos menores de taquilla y crítica. ^{[98] [99]}

The Rescuers , estrenada en 1977, fue un éxito que superó los logros de las dos películas anteriores de Disney. ^[99] Recibió críticas positivas, altos retornos comerciales y una nominación al premio de la Academia, terminó siendo la tercera película más taquillera del año y la película animada de Disney más exitosa y mejor reseñada desde El libro de la selva . ^{[98] [99]} La película fue reeditada en 1983, acompañada de un nuevo featurette de Disney, Mickey's Christmas Carol . ^[102]

La producción de The Rescuers marcó el comienzo de un proceso de cambio de guardia en el personal del estudio de animación de Disney, ^[99] ya que veteranos como Milt Kahl y Les Clark se retiraron; fueron reemplazados gradualmente por nuevos talentos como Don Bluth , Ron Clements , John Musker y Glen Keane . ^{[99] [103]} Los nuevos animadores, seleccionados del programa de animación de CalArts y entrenados por Eric Larson, Frank Thomas, Ollie Johnston y Woolie Reitherman, ^{[99] [103]} tuvieron su primera oportunidad de demostrar su valía como grupo con las secuencias animadas en el largometraje híbrido de acción en vivo/animación de Disney Pete's Dragon (1977), ^[104] cuya animación fue dirigida por Bluth. ^[98] En septiembre de 1979, insatisfechos con lo que sentían que era un estancamiento en el desarrollo del arte de la animación en Disney, ^[105] Bluth y varios de los otros animadores de la nueva guardia renunciaron para comenzar su propio estudio, Don Bluth Productions , ^[105] que se convirtió en el principal competidor de Disney en el campo de la animación durante la década de 1980. ^[103]

Retrasada medio año por la deserción del grupo Bluth, ^[103] The Fox and the Hound se estrenó en 1981 después de cuatro años de producción. La película fue considerada un éxito financiero por el estudio, y el desarrollo continuó en The Black Cauldron , una adaptación de larga gestación de la serie de novelas Chronicles of Prydain de Lloyd Alexander ^[103] producida en Super Technirama 70. ^[106]

El caldero mágico tenía como objetivo ampliar el atractivo de las películas animadas de Disney a audiencias mayores y mostrar los talentos de la nueva generación de animadores de Disney de CalArts. Además de Keane, Musker y Clements, este nuevo grupo de artistas incluía a otros animadores prometedores como Andreas Deja , Mike Gabriel , John Lasseter , Brad Bird y Tim Burton . Lasseter fue despedido de Disney en 1983 por presionar al estudio para que explorara la producción de animación por computadora , ^{[107] [108]} pero se convirtió en el jefe creativo de Pixar , un estudio pionero de animación por computadora que comenzaría una estrecha asociación con Disney a fines de la década de 1980. ^{[107] [109] [110]} De manera similar, Burton fue despedido en 1984 después de producir un corto de acción en vivo archivado por el estudio, Frankenweenie , luego se convirtió en un productor y director de alto perfil de funciones de acción en vivo y stop-motion para Disney y otros estudios. Algunos de los proyectos de alto perfil de Burton para Disney incluirían la película stop-motion Pesadilla antes de Navidad (1993), una adaptación de acción real de Alicia en el país de las maravillas (2010) y una nueva versión en stop-motion de Frankenweenie (2012). ^{[111] [112]} Bird también fue despedido después de unos años trabajando en la empresa por criticar a la alta gerencia de Disney, ya que sentía que estaban jugando a lo seguro y no asumiendo riesgos en la animación. Posteriormente se convirtió en director de animación en otros estudios, incluidos Warner Bros. Animation y Pixar. ^[113]

Ron Miller , yerno de Walt Disney, se convirtió en presidente de Walt Disney Productions en 1980 y director ejecutivo en 1983. ^[114] Ese año, amplió las divisiones de producción de cine y televisión de la compañía, creando el estandarte de Walt Disney Pictures bajo el cual se estrenarían futuras películas del departamento de animación de largometrajes. ^[114]

Después de una serie de intentos de adquisición corporativa en 1984, Roy E. Disney , hijo de Roy O. y sobrino de Walt, renunció a la junta directiva de la compañía y lanzó una campaña llamada "SaveDisney", convenciendo con éxito a la junta para que despidiera a Miller. Roy E. Disney trajo a Michael Eisner como nuevo director ejecutivo de Disney y a Frank Wells como presidente. ^{[101] [115]} Eisner, a su vez, nombró a Jeffrey Katzenberg presidente de la división cinematográfica, The Walt Disney Studios. ^[103] Casi terminada cuando el régimen de Eisner se hizo cargo de Disney, The Black Cauldron (1985) llegó a representar lo que más tarde se denominaría el punto "más bajo" de la animación de Disney. ^[103] La película más cara del estudio hasta ese momento, con 44 millones de dólares, The Black Cauldron fue un fracaso crítico y comercial. ^[103] La recaudación de taquilla de 21 millones de dólares de la película provocó una pérdida para el estudio, poniendo en peligro el futuro de la división de animación. ^[103]

Entre los años 1950 y 1980, la importancia de la animación para los resultados de Disney se redujo significativamente a medida que la compañía se expandía hacia más producción de acción en vivo, televisión y parques temáticos. ^[103] Como nuevo director ejecutivo, Michael Eisner consideró seriamente cerrar el estudio de animación de largometrajes y externalizar la animación futura. Roy E. Disney intervino, ofreciendo dirigir la división de animación de largometrajes y cambiar su suerte, ^[103] mientras que Eisner estableció el Walt Disney Pictures Television Animation Group para producir animación de menor costo para televisión. ^[101] Nombrado presidente de animación de largometrajes por Eisner, Roy E. Disney nombró a Peter Schneider presidente de animación para dirigir las operaciones diarias en 1985. ^[116]

El 6 de febrero de 1986, los ejecutivos de Disney trasladaron la división de animación del estudio de Disney en Burbank a una variedad de almacenes, hangares y remolques ubicados aproximadamente a dos millas al este (3,2 kilómetros) en 1420 Flower Street en la cercana Glendale, California . Aproximadamente un año después, el creciente grupo de gráficos por computadora (CG) también se mudaría allí. ^{[103] [117]} La ​​primera animación de largometraje de la división de animación en su nueva ubicación fue The Great Mouse Detective (1986), iniciada por John Musker y Ron Clements como Basil of Baker Street después de que ambos abandonaran la producción de The Black Cauldron . ^[118] La película fue un éxito comercial y de crítica suficiente para infundir confianza ejecutiva en el estudio de animación. ^[103] Más tarde, ese mismo año, sin embargo, Universal Pictures y Amblin Entertainment de Steven Spielberg lanzaron An American Tail de Don Bluth , que superó a The Great Mouse Detective en taquilla y se convirtió en la película animada de primer número con mayor recaudación hasta ese momento. ^[119]

Katzenberg, Schneider y Roy Disney se propusieron cambiar la cultura del estudio, aumentando el personal y la producción para que se estrenara un nuevo largometraje animado cada año en lugar de cada dos o cuatro. ^[103] El primero de los lanzamientos en el programa de producción acelerada fue Oliver & Company (1988), que contó con un elenco estelar que incluía a Billy Joel y Bette Midler y un énfasis en una banda sonora pop moderna. ^[103] Oliver & Company se estrenó en los cines el mismo día que otra película animada de Bluth/Amblin/Universal, En busca del valle encantado ; sin embargo, Oliver & Company superó a En busca del valle encantado en los EE. UU. y se convirtió en el largometraje animado de mayor éxito en los EE. UU. hasta esa fecha, aunque la recaudación de taquilla mundial de esta última fue mayor que la de la primera. ^[103]

Al mismo tiempo, en 1988, Disney comenzó a ingresar a la industria de animación de larga data de Australia al comprar el estudio australiano de Hanna-Barbera para iniciar Disney Animation Australia . ^[120]

Mientras Oliver & Company y la siguiente película, La Sirenita, estaban en producción, Disney colaboró ​​con Amblin Entertainment de Steven Spielberg y el maestro animador Richard Williams para producir ¿Quién engañó a Roger Rabbit ?, un innovador híbrido de acción en vivo y animación dirigido por Robert Zemeckis , que presentaba personajes animados con licencia de otros estudios (como Warner Bros., MGM y Universal). ^{[121] [122]} Disney estableció un nuevo estudio de animación bajo la supervisión de Williams en Londres para crear los personajes de dibujos animados de Roger Rabbit , y muchos de los artistas del estudio de California viajaron a Inglaterra para trabajar en la película. ^{[103] [123]} Un éxito comercial y crítico significativo, ^[123] Roger Rabbit ganó tres premios de la Academia por logros técnicos. ^[124] y fue clave para renovar el interés general en la animación estadounidense. ^[103] Además de la película en sí, el estudio también produjo tres cortos de Roger Rabbit a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. ^{[125] [126]}

Un segundo estudio satélite, Walt Disney Feature Animation Florida , abrió en 1989 con 40 empleados. Sus oficinas estaban ubicadas dentro del parque temático Disney-MGM Studios en Walt Disney World en Bay Lake, Florida , y a los visitantes se les permitía recorrer el estudio y observar a los animadores en el trabajo. ^[127] Ese mismo año, el estudio lanzó La Sirenita , que se convirtió en un logro clave en la historia de Disney como su mayor éxito crítico y comercial en décadas. Dirigida por John Musker y Ron Clements, quienes habían sido codirectores de The Great Mouse Detective , La Sirenita recaudó $84 millones en la taquilla norteamericana, un récord para el estudio. La película se construyó alrededor de una banda sonora de los compositores de Broadway Alan Menken y Howard Ashman , quien también fue coproductor y consultor de historia en la película. ^[103] La Sirenita ganó dos premios Óscar, por Mejor Canción Original y Mejor Banda Sonora Original . ^[128]

La Sirenita relanzó vigorosamente un nuevo y profundo interés en los géneros de animación y películas musicales. ^{[103] [129]} La película también fue la primera en presentar el uso del Sistema de Producción de Animación por Computadora (CAPS) de Disney. Desarrollado para Disney por Pixar, ^[103] que se había convertido en una empresa de desarrollo de tecnología y animación por computadora comercial, CAPS/tinta y pintura se volvería importante al permitir que las futuras películas de Disney integraran de manera más fluida las imágenes generadas por computadora y lograran valores de producción más altos con tinta y pintura digitales y técnicas de composición . ^[103] La Sirenita fue la primera de una serie de éxitos de taquilla que serían lanzados durante la siguiente década por Walt Disney Feature Animation, un período designado más tarde con el término Renacimiento de Disney . ^[130] La era del Renacimiento también vio al estudio volver a hacer películas con temas más oscuros y villanos más aterradores, similares a las películas que había hecho cuando Walt Disney todavía estaba vivo. ^[100]

Acompañada en los cines por el featurette de Mickey Mouse El príncipe y el mendigo , The Rescuers Down Under (1990) fue la primera secuela de largometraje animado de Disney y la primera película del estudio en ser completamente coloreada y compuesta por computadora utilizando el sistema CAPS/tinta y pintura. ^[103] Sin embargo, la película no duplicó el éxito de La Sirenita . ^[103] El siguiente largometraje animado de Disney, La bella y la bestia , había comenzado su producción en Londres, pero se trasladó de nuevo a Burbank después de que Disney decidiera cerrar la oficina satélite de Londres y reorientar la película en un formato de comedia musical similar a La Sirenita . ^[103] Alan Menken y Howard Ashman fueron contratados para escribir las canciones y la banda sonora, aunque Ashman murió antes de que se completara la producción. ^[103]

Debutando primero en una versión en progreso en el Festival de Cine de Nueva York de 1991 antes de su estreno general en noviembre de 1991, La Bella y la Bestia , dirigida por Kirk Wise y Gary Trousdale , fue un éxito crítico y comercial sin precedentes y más tarde sería considerada como una de las mejores películas del estudio. ^[131] La película obtuvo seis nominaciones al Premio de la Academia, incluida una a Mejor Película , la primera para una obra animada, ganando a Mejor Canción y Mejor Banda Sonora Original. ^[132] Su recaudación de taquilla de $145 millones estableció nuevos récords, y la comercialización de la película, incluidos juguetes, promociones cruzadas y ventas de bandas sonoras, también fue lucrativa. ^[133]

Los éxitos de La Sirenita y La Bella y la Bestia establecieron el modelo para los futuros lanzamientos de Disney durante la década de 1990: un formato de comedia musical con canciones al estilo de Broadway y secuencias de acción de gran éxito, impulsadas por marketing y comercialización de promoción cruzada, todo cuidadosamente diseñado para atraer a audiencias de todas las edades y tipos a los cines. ^[133] Además de John Musker, Ron Clements, Kirk Wise y Gary Trousdale, la nueva guardia de artistas de Disney que crearon estas películas incluía a los artistas/directores de la historia Roger Allers , Rob Minkoff , Chris Sanders y Brenda Chapman , y los animadores principales Glen Keane, Andreas Deja, Eric Goldberg , Nik Ranieri , Will Finn y muchos otros. ^[133]

Aladdin , estrenada en noviembre de 1992, continuó la tendencia ascendente en el éxito de animación de Disney, ganando 504 millones de dólares en taquilla en todo el mundo, ^[134] y dos Oscar más a Mejor Canción y Mejor Banda Sonora. ^[135] Con canciones de Menken, Ashman y Tim Rice (quien reemplazó a Ashman después de su muerte) ^[136] y protagonizada por la voz de Robin Williams , ^[137] Aladdin también estableció la tendencia de contratar actores y actrices famosos para proporcionar las voces de los personajes de Disney, ^[137] que se había explorado hasta cierto punto con El libro de la selva y Oliver & Company , pero que ahora se convirtió en una práctica estándar. ^[137]

En junio de 1994, Disney estrenó El rey león , dirigida por Roger Allers y Rob Minkoff. Una historia de animales ambientada en África, El rey león contó con un elenco de voces estelares que incluía a James Earl Jones , Matthew Broderick y Jeremy Irons , con canciones escritas por Tim Rice y la estrella del pop Elton John . El rey león recaudó 768 millones de dólares en la taquilla mundial, ^[138] hasta la fecha un récord para una película de animación tradicional, ^[139] ganando millones más en merchandising, promociones y ventas récord por su banda sonora. ^[133]

Aladdin y El Rey León habían sido las películas más taquilleras del mundo en cada uno de sus respectivos años de estreno. ^{[140] [141]} Entre estas producciones internas, Disney se diversificó en métodos de animación y produjo Pesadilla antes de Navidad con el ex animador de Disney Tim Burton ; Walt Disney Feature Animation contribuyó proporcionando la animación tradicional de segunda capa de la película. ^[142] Con la animación volviendo a ser una parte cada vez más importante y lucrativa del negocio de Disney, la compañía comenzó a expandir sus operaciones. El estudio insignia de California se dividió en dos unidades y se expandió, ^[133] y se inició la construcción de un nuevo edificio de Disney Feature Animation adyacente al lote principal de Disney en Burbank, que se inauguró en 1995. ^{[103] [133]} también uno de los estudios de animación televisiva de Disney en el suburbio de París, Francia, Montreuil ^[143]  - el antiguo estudio de los hermanos Brizzi ^[143]  - se convirtió en Walt Disney Feature Animation Paris, donde se produjeron A Goofy Movie (1995) y partes significativas de películas posteriores de Disney. ^[103] Disney también comenzó a producir secuelas y precuelas directas a video de menor costo para sus exitosas películas animadas utilizando los servicios de sus estudios de animación televisiva bajo el nombre de Disney MovieToons . El regreso de Jafar (1994), una secuela de Aladdin y un piloto para el spin-off del programa de televisión Aladdin , fue la primera de estas producciones. ^[144] Walt Disney Feature Animation también estuvo muy involucrado en las adaptaciones de La Bella y la Bestia en 1994 y El Rey León en 1997 en musicales de Broadway . ^[133]

Jeffrey Katzenberg y el equipo de historia de Disney estuvieron muy involucrados en el desarrollo y producción de Toy Story , ^[145] el primer largometraje completamente animado por computadora jamás producido. ^[145] Toy Story fue producida para Disney por Pixar y dirigida por el ex animador de Disney John Lasseter , ^[145] a quien Peter Schneider había intentado sin éxito volver a contratar después de su éxito con cortos de Pixar como Tin Toy (1988). ^[103] Estrenada en 1995, Toy Story se estrenó con elogios de la crítica ^{[145] [146] [147]} y éxito comercial, ^{[145] [148]} lo que llevó a Pixar a firmar un contrato de cinco películas con Disney, que dio lugar a películas animadas por computadora exitosas crítica y financieramente como A Bug's Life (1998), Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001), ^[149] Buscando a Nemo (2003) y Los Increíbles (2004).

Además, los éxitos de Aladdin y El rey león impulsaron un aumento significativo en el número de largometrajes de animación producidos en Estados Unidos durante el resto de la década, con los principales estudios cinematográficos estableciendo nuevas divisiones de animación como Fox Animation Studios , Sullivan Bluth Studios (ambos fundados por Don Bluth ), Amblimation , Rich Animation Studios , Turner Feature Animation y Warner Bros. Feature Animation que se formaron para producir películas en un formato de comedia musical al estilo de Disney, como We're Back! A Dinosaur's Story (1993), Thumbelina (1994), The Swan Princess (1994), A Troll in Central Park (1994), The Pebble and the Penguin (1995), Cats Don't Dance (1997), Anastasia (1997), Quest for Camelot (1998) y The King and I (1999). ^{[150] [151]} De estos largometrajes animados que no son de Disney, solo Anastasia fue un éxito de taquilla, y luego terminó siendo adquirida por Disney a través de la adquisición de 21st Century Fox por parte de la compañía en 2019. [ ^152]

En el estudio Disney surgieron inquietudes internas, particularmente de Roy E. Disney, sobre que el jefe del estudio Jeffrey Katzenberg se atribuyera demasiado crédito por el éxito de los estrenos de Disney a principios de los años 1990. ^[103] El presidente de Disney Company, Frank Wells, murió en un accidente de helicóptero en 1994, y Katzenberg presionó al director ejecutivo Michael Eisner para que ocupara el puesto vacante de presidente. En cambio, las tensiones entre Katzenberg, Eisner y Disney dieron como resultado que Katzenberg se viera obligado a dimitir de la empresa el 24 de agosto de ese año, ^[153] con Joe Roth ocupando su lugar. ^[153] El 12 de octubre de 1994, Katzenberg se convirtió en uno de los fundadores de DreamWorks SKG , cuya división de animación se convirtió en el rival clave de Disney en la animación de largometrajes, ^{[133] [154]} con películas animadas por computadora como Antz (1998) y películas animadas tradicionalmente como El príncipe de Egipto (1998). ^[152] En diciembre de 1994, se completó el edificio de animación en Burbank para la división de animación. ^[155]

A diferencia de las producciones de principios de los años 1990, no todas las películas de la segunda mitad del renacimiento tuvieron éxito. Pocahontas , estrenada en el verano de 1995, fue la primera película del renacimiento en recibir críticas mixtas de los críticos, pero aun así fue popular entre el público y tuvo éxito comercial, recaudando 346 millones de dólares en todo el mundo, ^[156] y ganó dos premios de la Academia por su música de Alan Menken y Stephen Schwartz . ^[157] La ​​siguiente película, El jorobado de Notre Dame (1996) fue producida parcialmente en el estudio de París ^[143] y, aunque se considera la película más oscura de Disney, El jorobado de Notre Dame tuvo un mejor desempeño de la crítica que Pocahontas y recaudó 325 millones de dólares en todo el mundo. ^[158] El verano siguiente, Hércules (1997) tuvo un buen desempeño en taquilla, recaudando 252 millones de dólares en todo el mundo, pero tuvo un rendimiento inferior en comparación con las películas anteriores de Disney. ^[159] Recibió críticas positivas por su actuación, pero la animación y la música fueron mixtas. ^[160] Hércules fue responsable de iniciar el declive de las películas de animación tradicional. El declive del éxito de taquilla se volvió doblemente preocupante dentro del estudio, ya que la competencia salarial de DreamWorks había aumentado significativamente los gastos generales del estudio, ^{[115] [133]} con los costos de producción aumentando de $ 79 millones en costos totales (producción, marketing y gastos generales) para El Rey León en 1994 a $ 179 millones para Hércules tres años después. ^[154] Además, Disney dependía de la popularidad de sus nuevas funciones para desarrollar merchandising, atracciones de parques temáticos, secuelas directas a video y programación de televisión en sus otras divisiones. ^[133] El cronograma de producción se redujo ^[154] y se contrató a un mayor número de ejecutivos creativos para supervisar más de cerca la producción, una medida que no fue popular entre el personal de animación. ^{[133] [161] [162]}

Mulan (1998), la primera película producida principalmente en el estudio de Florida , ^[163] se estrenó con críticas positivas del público y los críticos y recaudó 305 millones de dólares en la taquilla mundial, restaurando tanto el éxito crítico como comercial del estudio. La siguiente película, Tarzán (1999), dirigida por Kevin Lima y Chris Buck , tuvo un alto costo de producción de 130 millones de dólares, ^[154] nuevamente recibió críticas positivas y recaudó 448 millones de dólares en taquilla. ^[164] La banda sonora de Tarzán de la estrella del pop Phil Collins resultó en importantes ventas de discos y un Premio de la Academia a la Mejor Canción. ^[165]

Fantasía 2000 , una secuela de la película de 1940 que había sido un proyecto personal de Roy E. Disney desde 1990, ^{[166] [167]} se estrenó el 17 de diciembre de 1999 en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York como parte de una gira de conciertos que también visitó Londres, París, Tokio y Pasadena, California. La película se estrenó luego en 75 cines IMAX en todo el mundo del 1 de enero al 30 de abril de 2000, lo que la convirtió en el primer largometraje animado que se estrenó en el formato; un estreno en cines estándar siguió el 15 de junio de 2000. Producida en piezas cuando los artistas estaban disponibles entre producciones, ^[166] Fantasía 2000 fue el primer largometraje animado producido y estrenado en formato IMAX. ^[168] El total de taquilla mundial de $90 millones de la película contra su costo de producción de $90 millones ^[167] resultó en una pérdida de $100 millones para el estudio. ^{[167] [169]} Peter Schneider dejó su puesto como presidente de Walt Disney Feature Animation en 1999 para convertirse en presidente de The Walt Disney Studios bajo la dirección de Joe Roth. ^[170] Thomas Schumacher , que había sido vicepresidente de animación de Schneider durante varios años, se convirtió en el nuevo presidente de Walt Disney Feature Animation. ^[170] En ese momento, la competencia de otros estudios había llevado los ingresos de los animadores a máximos históricos, ^[133] haciendo que las películas animadas tradicionalmente fueran aún más costosas de producir. ^[154] Schumacher recibió la tarea de reducir los costos, y los despidos masivos comenzaron a reducir los salarios y reducir el personal del estudio, que alcanzó un máximo de 2200 personas en 1999, a aproximadamente 1200 empleados. ^{[171] [172]}

En octubre de 1999, Dream Quest Images , un estudio de efectos especiales previamente adquirido por The Walt Disney Company en abril de 1996 para reemplazar a Buena Vista Visual Effects, ^[173] se fusionó con la operación de gráficos por computadora de Walt Disney Feature Animation para formar una división llamada The Secret Lab . ^[174] The Secret Lab produjo un largometraje, Dinosaur , que se estrenó en mayo de 2000 ^[175] y presentó criaturas prehistóricas CGI contra fondos de acción en vivo filmados. ^[176] La producción de $ 128 millones ganó $ 349 millones en todo el mundo, por debajo de las expectativas del estudio, ^[176] y The Secret Lab se cerró en 2001. ^[177]

En diciembre de 2000 se estrenó El emperador y sus locuras, una epopeya musical llamada Kingdom of the Sun que, a mitad de producción, se convirtió en una comedia más pequeña. ^{[178] [179]} La película recaudó 169 millones de dólares en todo el mundo en su estreno, ^[180] aunque tuvo buenas críticas y tuvo un mejor desempeño en video; ^{[181] [182]} Atlantis: El imperio perdido (2001), un intento de romper la fórmula de Disney al pasar al género de acción y aventuras, recibió críticas mixtas y recaudó 186 millones de dólares en todo el mundo frente a los 120 millones de dólares que costó la producción. ^{[171] [183] ​​[184]}

En 2001 y principios de 2002, los notables éxitos de las películas animadas por computadora de Pixar (gracias a su acuerdo de distribución con Disney), junto con Shrek de DreamWorks y La era de hielo de Blue Sky Studios , respectivamente, frente a los menores retornos de Disney por El emperador y sus locuras y Atlantis: El imperio perdido llevaron a la especulación de que la animación dibujada a mano se estaba volviendo obsoleta. ^{[133] [185] [186]} Disney despidió a la mayoría de los empleados del estudio Feature Animation en Burbank, reduciéndolo a una unidad y comenzando los planes para mudarse a películas completamente animadas por computadora. ^{[133] [187]} A un puñado de empleados se les ofrecieron puestos haciendo animación por computadora. La moral cayó a un mínimo no visto desde el comienzo del exilio de diez años del estudio en Glendale en 1985. ^{[133] [188]} El estudio de París también cerró en 2003. ^[189]

Las producciones dibujadas a mano restantes del estudio de Burbank, Treasure Planet y Home on the Range , continuaron su producción. Treasure Planet , una versión futurista en el espacio exterior de Treasure Island de Robert Louis Stevenson , fue un proyecto favorito de los guionistas y directores Ron Clements y John Musker. Recibió un lanzamiento en IMAX y críticas generalmente positivas, pero no tuvo éxito financiero en su lanzamiento en noviembre de 2002, lo que resultó en una pérdida de $74 millones para The Walt Disney Company en el año fiscal 2003. ^{[188] [190]} Los departamentos 2D del estudio de Burbank cerraron a fines de 2002 después de completar Home on the Range , ^{[133] [191]} un largometraje en producción durante mucho tiempo que anteriormente se había conocido como Sweating Bullets . ^[192]

Mientras tanto, la producción de animación dibujada a mano continuó en el estudio Feature Animation Florida, donde las películas podían producirse a costos más bajos. ^[187] Lilo & Stitch , una comedia dramática poco convencional escrita y dirigida por Chris Sanders y Dean DeBlois , ^[186] se convirtió en el primer éxito genuino del estudio desde Tarzán en su estreno en el verano de 2002, ^[193] recaudando $ 273 millones en todo el mundo contra un presupuesto de producción de $ 80 millones. ^[194]

En ese momento, la mayoría de las películas de Disney de la década de 1990 se habían convertido en secuelas directas a video, series de televisión o ambas, producidas por la unidad Disney Television Animation . A partir del lanzamiento en febrero de 2002 de Return to Never Land , una secuela de Peter Pan (1953), Disney comenzó a lanzar secuelas de menor presupuesto de películas anteriores, que habían sido pensadas para estrenos en video, en los cines, ^[144] un proceso ridiculizado por parte del personal de animación de Disney y los fanáticos de las películas de Disney. ^{[133] [195]}

En 2003, Tom Schumacher fue nombrado presidente de Buena Vista Theatrical Group , la división de teatro y musicales de Disney , y David Stainton , entonces presidente de Walt Disney Television Animation, fue designado como su reemplazo. Stainton continuó supervisando la división de video directo de Disney, Disneytoon Studios , que había sido parte del departamento de animación televisiva, ^[5] aunque fue transferida en ese momento a la gerencia de Walt Disney Feature Animation. ^[196]

Bajo la dirección de Stainton, el estudio de Florida completó Brother Bear , que no tuvo tan buen desempeño como Lilo & Stitch ni en términos de crítica ni financieros. ^[193] Disney cerró el estudio de Florida el 12 de enero de 2004, ^{[133] [193]} y la película en progreso My Peoples quedó sin terminar cuando el estudio cerró dos meses después. ^{[161] [186] [191] [197]} Home on the Range , lanzada en abril de 2004, tampoco tuvo tanto éxito crítico ni comercial como Lilo & Stitch . ^[198] Disney anunció oficialmente su conversión de Walt Disney Feature Animation en un estudio completamente CGI, un proceso que comenzó dos años antes ^{[185] [199]}  , ahora con una plantilla de 600 personas ^[185] y comenzó a vender todo su equipo de animación tradicional. ^[133]

Poco después del estreno de Brother Bear en noviembre de 2003, el presidente de Feature Animation, Roy E. Disney, renunció a The Walt Disney Company y lanzó con su socio comercial Stanley Gold una segunda campaña externa "SaveDisney" similar a la que había obligado a Ron Miller a dejar la empresa en 1984, esta vez para obligar a Michael Eisner a dejar la empresa. ^[195] Dos de sus puntos de discusión contra Eisner incluían su manejo de Feature Animation y el deterioro de la relación del estudio con Pixar. ^[185] El mismo año, el estudio colaboró ​​con Walt Disney Imagineering en la película del parque temático en 4D Mickey's PhilharMagic . Uno de los primeros intentos del estudio en la animación por computadora, el estudio trajo de vuelta a varios animadores del período del Renacimiento para trabajar en la película; cada animador trabajó en una secuencia en la que había trabajado previamente, como Glen Keane animando a Ariel para la secuencia " Part of Your World ". ^[200]

Las conversaciones entre Eisner y el director ejecutivo de Pixar, Steve Jobs, sobre los términos de renovación del altamente lucrativo acuerdo de distribución Pixar-Disney fracasaron en enero de 2004. ^{[185] [201] [202]} Jobs, en particular, no estuvo de acuerdo con la insistencia de Eisner en que las secuelas como la entonces en desarrollo Toy Story 3 (2010) no contarían para el número de películas requeridas en el nuevo acuerdo del estudio. ^[201] Con ese fin, Disney anunció el lanzamiento de Circle 7 Animation , una división de Feature Animation que habría producido secuelas de las películas de Pixar, mientras que Pixar comenzó a buscar un nuevo acuerdo de distribución. ^[201]

En 2005, Disney estrenó su primer largometraje totalmente animado por computadora, Chicken Little . La película fue un éxito en taquilla, recaudando 315 millones de dólares en todo el mundo, ^[203] pero recibió críticas mixtas y negativas. ^[204] A principios de ese año, después de dos años de la campaña "SaveDisney" de Roy E. Disney, Eisner anunció que renunciaría y nombró a Bob Iger , entonces presidente de Walt Disney Company, su sucesor como presidente y director ejecutivo. ^[195]

Iger dijo más tarde: "Todavía no tenía una idea completa de cuán rota estaba Disney Animation". Describió su historia desde principios de la década de 1990 como "salpicada por una serie de fracasos costosos" como Hércules y Chicken Little ; los "éxitos modestos" como Mulan y Lilo & Stitch todavía fueron críticamente y comercialmente infructuosos en comparación con las películas anteriores del Renacimiento de Disney. ^[202] Después de que Iger se convirtiera en CEO, Jobs reanudó las negociaciones para Pixar con Disney. ^[205] El 24 de enero de 2006, Disney anunció que adquiriría Pixar por $ 7.4 mil millones en un acuerdo de acciones, ^[206] con el cierre del acuerdo en mayo, ^{[205] [207] [208]} y el estudio Circle 7 lanzado para producir Toy Story 3 se cerró, ^{[209] [210]} con la mayoría de sus empleados regresando a Feature Animation y Toy Story 3 volviendo al control de Pixar. ^[211] Iger dijo más tarde que era "un acuerdo que yo quería mucho y que [Disney] necesitaba mucho". Creía que Disney Animation necesitaba un nuevo liderazgo ^[202] y, como parte de la adquisición, Edwin Catmull y John Lasseter fueron nombrados presidente y director creativo , respectivamente, de Feature Animation y Pixar. ^[207]

Aunque los ejecutivos de Disney habían discutido el cierre de Feature Animation por considerarlo redundante, Catmull y Lasseter se negaron y, en cambio, decidieron intentar cambiar las cosas en el estudio. ^[212] Lasseter dijo: "No íbamos a permitir que eso [el cierre] sucediera bajo nuestra supervisión. Estábamos decididos a salvar el legado del increíble estudio de Walt Disney y devolverlo al nivel creativo que tenía que tener. Salvar esta herencia estaba directamente sobre nuestros hombros". ^[213] Lasseter y Catmull se propusieron reconstruir la moral del personal de Feature Animation, ^{[214] [215]} y volvieron a contratar a varios de los animadores estrella de la generación de la "nueva guardia" de los años 80 que habían abandonado el estudio, incluidos Ron Clements, John Musker, Eric Goldberg , ^[108] Mark Henn , Andreas Deja , Bruce W. Smith y Chris Buck . ^[216] Para mantener la separación de Walt Disney Feature Animation y Pixar a pesar de que ahora son propietarios y administradores comunes, Catmull y Lasseter "trazaron una línea dura" según la cual cada estudio era el único responsable de sus propios proyectos y no se le permitiría tomar prestado personal del otro ni prestarle tareas. Catmull dijo que él y Lasseter "se asegurarían de que los estudios fueran muy distintos entre sí. No queremos que se fusionen; eso sería definitivamente un enfoque equivocado. Cada uno debería tener su propia personalidad". ^{[217] [218]}

Catmull y Lasseter también trajeron a Disney Feature Animation el modelo Pixar de un "estudio dirigido por cineastas" en oposición a un "estudio dirigido por ejecutivos"; abolieron el sistema anterior de Disney de requerir que los directores respondieran a notas "obligatorias" de ejecutivos de desarrollo que se ubicaban por encima de los productores a favor de un sistema aproximadamente análogo a la revisión por pares , en el que las notas no obligatorias provienen principalmente de otros productores, directores y escritores. ^{[213] [219] [220]} La mayoría de las capas de "guardianes" (ejecutivos de nivel medio) fueron eliminadas, y Lasseter estableció una rutina de reunirse personalmente semanalmente con los cineastas en todos los proyectos en el último año de producción y entregar comentarios en el acto. ^[221] El equipo de creativos superiores del estudio que trabajan juntos de cerca en el desarrollo de sus películas se conoce como Disney Story Trust; es algo similar al Pixar Braintrust, ^{[219] [222]} pero sus reuniones son, según se informa, "más educadas" que las de su contraparte de Pixar. ^[223]

En 2007, Lasseter cambió el nombre de Walt Disney Feature Animation a Walt Disney Animation Studios [ ^224] y reposicionó el estudio como una casa de animación que producía proyectos tanto tradicionales como animados por computadora. Para mantener bajos los costos en las producciones dibujadas a mano, la animación, el diseño y la maquetación se hicieron internamente en Disney, mientras que la animación de limpieza y la tinta y pintura digitales se subcontrataron a proveedores y autónomos. ^[225]

El estudio estrenó Meet the Robinsons en 2007, su segunda película totalmente CGI, recaudando 169,3 millones de dólares en todo el mundo. ^[226] Ese mismo año, Disneytoon Studios también se reestructuró y comenzó a operar como una unidad separada bajo el control de Lasseter y Catmull. ^[227] La ​​intervención directa de Lasseter con la siguiente película del estudio, American Dog , resultó en la salida del director Chris Sanders , ^[228] quien luego se convirtió en director de DreamWorks Animation. ^[229] La película fue rediseñada por los nuevos directores Byron Howard y Chris Williams como Bolt , que se estrenó en 2008 y tuvo la mejor recepción crítica de cualquier película animada de Disney desde Lilo & Stitch ^[230] y se convirtió en un éxito financiero moderado, recibiendo una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^[231]

La princesa y el sapo , basada libremente en el cuento de hadas El príncipe sapo y la novela de 2002 La princesa sapo , y dirigida por Ron Clements y John Musker, fue la primera película animada dibujada a mano del estudio en cinco años. Un regreso al formato de comedia musical de la década de 1990 con canciones de Randy Newman , ^[232] la película se estrenó en 2009 con una recepción crítica positiva y también fue nominada a tres premios Óscar, incluidos dos a Mejor canción. ^[233] El desempeño de taquilla de La princesa y el sapo  (un total de $267 millones ganados en todo el mundo contra un presupuesto de producción de $105 millones) fue visto como un desempeño inferior debido a la competencia con Avatar . ^[231] El bajo rendimiento también se atribuyó a la palabra "Princesa" en el título, lo que resultó en que las futuras películas de Disney en producción sobre princesas recibieran títulos simbólicos y neutrales en cuanto al género: Rapunzel se convirtió en Enredados y La reina de las nieves se convirtió en Frozen . ^{[214] [234] [235] [236]} En 2014, el ex animador de Disney Tom Sito comparó el desempeño de taquilla de la película con el de The Great Mouse Detective (1986), que fue un paso adelante de la presentación en salas de la película de 1985 The Black Cauldron . ^[237] En 2009, el estudio también produjo el especial de vacaciones animado por computadora Prep & Landing para la cadena de televisión ABC . ^[238]

Después de La princesa y el sapo , el estudio lanzó Enredados , una adaptación musical CGI del cuento de hadas de los hermanos Grimm " Rapunzel " con canciones de Alan Menken y Glenn Slater . En desarrollo activo desde 2002 bajo la dirección de Glen Keane, ^[199] Enredados , dirigida por Byron Howard y Nathan Greno , se estrenó en 2010 y se convirtió en un importante éxito crítico y comercial ^{[239] [240]} y fue nominada a varios galardones . La película recaudó $592 millones en ingresos de taquilla en todo el mundo, convirtiéndose en el tercer lanzamiento más exitoso del estudio hasta la fecha. ^[241]

En 2011 se estrenó el largometraje Winnie the Pooh , un nuevo largometraje basado en las historias homónimas de AA Milne, con críticas positivas; sigue siendo el largometraje dibujado a mano más reciente del estudio. ^[242] La película se estrenó en los cines junto con el cortometraje dibujado a mano The Ballad of Nessie . ^[243] Ralph el Demoledor , dirigida por Rich Moore , se estrenó en 2012 con gran éxito de crítica y comercial. Una comedia de aventuras sobre un villano de videojuego que se redime como héroe, ganó numerosos premios, incluidos los premios Annie , Critics' Choice y Kids' Choice a la mejor película de animación, y recibió nominaciones al Globo de Oro y al premio de la Academia . ^[244] La película recaudó 471 millones de dólares en taquilla a nivel mundial. ^{[245] [246] [247]} Además, el estudio ganó su primer premio de la Academia por un cortometraje en cuarenta y cuatro años con Paperman , que se estrenó en los cines junto con Ralph el Demoledor . ^{[248] [249]} Dirigida por John Kahrs , Paperman utilizó un nuevo software desarrollado internamente en el estudio llamado Meander, que fusiona técnicas de animación a mano y por computadora dentro del mismo personaje para crear un "híbrido" único. Según la productora Kristina Reed, el estudio continúa desarrollando la técnica para proyectos futuros, ^[249] incluido un largometraje animado. ^[242]

En 2013, el estudio despidió a nueve de sus animadores dibujados a mano, incluidos Nik Ranieri y Ruben A. Aquino , ^[250] lo que llevó a especulaciones en los blogs de animación de que el estudio estaba abandonando la animación tradicional, una idea que el estudio descartó. ^[251] Más tarde ese mismo año, en noviembre, Frozen , una película musical CGI inspirada en el cuento de hadas de Hans Christian Andersen " La reina de las nieves ", se estrenó con gran éxito de taquilla. Dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee con canciones del equipo de Broadway de Robert Lopez y Kristen Anderson-Lopez , ^[252] fue la primera película animada de Disney en ganar más de mil millones de dólares en ingresos de taquilla en todo el mundo. ^{[244] [252] [253]} Frozen también se convirtió en la primera película de Walt Disney Animation Studios en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación (una categoría que comenzó en 2001), así como el primer largometraje del estudio en ganar un Premio de la Academia desde Tarzán y el primero en ganar múltiples Premios de la Academia desde Pocahontas . ^[254] Se estrenó en los cines con Get a Horse!, una nueva caricatura de Mickey Mouse que combina animación dibujada a mano en blanco y negro y animación CGI a todo color. ^[255]

El siguiente largometraje del estudio, Big Hero 6 , una película de aventuras y comedia CGI inspirada en la serie de Marvel Comics del mismo nombre , se estrenó en noviembre de 2014. ^[256] Para la película, el estudio desarrolló un nuevo software de renderizado de luz llamado Hyperion, que el estudio continuó usando en todas las películas posteriores. ^[257] Big Hero 6 recibió elogios de la crítica y fue la película animada más taquillera de 2014, ganando también el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^{[258] [259] [260] [261]} La película fue acompañada en los cines por el cortometraje animado Feast , que ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. ^{[262] [263]} En el mismo mes en que se estrenó Big Hero 6 , se anunció que el gerente general, Andrew Millstein, había sido ascendido a presidente de Walt Disney Animation Studios. ^{[208] [264] [265] [266]}

En marzo de 2016, el estudio lanzó Zootopia , una película de comedia de amigos CGI ambientada en un mundo moderno habitado por animales antropomórficos . ^[267] La ​​película fue un éxito crítico y comercial, recaudando más de mil millones de dólares en todo el mundo y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^{[268] [269] [270] [271]}

Moana , una película de aventuras y fantasía CGI, se estrenó en noviembre de 2016. ^[272] La película se mostró en los cines con el cortometraje animado, Inner Workings . ^[273] Moana fue otro éxito comercial y crítico para el estudio, recaudando más de $600 millones en todo el mundo y recibiendo dos nominaciones al Premio de la Academia. ^{[274] [275]}

En noviembre de 2017, John Lasseter anunció que se tomaría una licencia de seis meses después de reconocer lo que llamó "pasos en falso" en su comportamiento con los empleados en un memorando al personal. Según varios medios de comunicación, Lasseter tenía antecedentes de presunta mala conducta sexual hacia los empleados. ^{[276] [277] [278]} El 8 de junio de 2018, se anunció que Lasseter dejaría Disney y Pixar a fin de año después de que la empresa decidiera no renovar su contrato, pero asumiría un papel de consultor hasta que expirara. ^{[279] [280]} Jennifer Lee fue anunciada como la reemplazante de Lasseter como directora creativa de Disney Animation el 19 de junio de 2018. ^{[280] [281]}

El 28 de junio de 2018, la división del estudio Disneytoon Studios se cerró, lo que resultó en el despido de 75 animadores y personal. ^[282] El 23 de octubre de 2018, se anunció que Ed Catmull se jubilaría a fines de año y permanecería en un rol de asesor hasta julio de 2019. ^[283]

En noviembre de 2018, el estudio lanzó una secuela de Ralph el Demoledor , titulada Ralph Breaks the Internet . ^[284] La película recaudó más de $529 millones en todo el mundo y recibió nominaciones a un Globo de Oro y un Premio de la Academia, ambos a Mejor Película de Animación. ^{[285] [286] [287] [288]}

En agosto de 2019, se anunció que Andrew Millstein dejaría su cargo de presidente, antes de pasar a convertirse en copresidente de Blue Sky Studios junto a Robert Baird, mientras que Clark Spencer fue nombrado presidente de Disney Animation, reportando al presidente de Walt Disney Studios, Alan Bergman, y trabajando junto a la directora creativa Jennifer Lee . ^{[3] [4]}

Frozen II , una secuela de Frozen , se estrenó en noviembre de 2019. ^[289] La película recaudó más de mil millones de dólares en todo el mundo y recibió una nominación al Premio de la Academia a Mejor Canción Original. ^{[290] [291]}

De 2020 a 2022, Disney Animation produjo una serie de cortos experimentales llamada Short Circuit para el servicio de transmisión Disney+ . El primer paquete de cortos se lanzó en enero de 2020, ^{[292] [293] [294]} y un segundo paquete se lanzó en agosto de 2021. ^{[295] [296]} Durante ese período, Disney Animation volvió a trabajar en animación dibujada a mano una vez más, habiendo lanzado el corto web dibujado a mano "At Home with Olaf " "Ice", ^[297] así como tres cortos animados de Goofy dibujados a mano para Disney+, ^[298] y un "Short Circuit" animado dibujado a mano titulado "Dinosaur Barbarian". ^[299] En abril de 2022, Eric Goldberg confirmó los planes dentro del estudio para desarrollar películas y series animadas dibujadas a mano. ^[300] Ese año se lanzaron los cortos dibujados a mano Mickey in a Minute , lanzado como parte del documental de Disney+ Mickey: The Story of a Mouse , y Oswald the Lucky Rabbit , que marcó el primer corto animado del personaje principal producido por Disney Animation desde que Disney adquirió los derechos del personaje en 2006. ^{[301] [302]}

En diciembre de 2020, el estudio anunció que se estaba expandiendo a la producción de series de televisión, un negocio que generalmente maneja la división Disney Television Animation . La mayoría de los proyectos en desarrollo son para Disney+. ^[303] Las series CG producidas incluyen Baymax! (un spin-off de Big Hero 6 ), Zootopia+ (una serie antológica ambientada en el universo de Zootopia ) e Iwájú (una serie antológica original de ciencia ficción de formato largo coproducida con la compañía de entretenimiento panafricana con sede en Gran Bretaña Kugali Media). ^[304] Además, los empleados de Disney Animation están involucrados en la serie de Disney Television Animation Monsters at Work , basada en la franquicia Monsters, Inc. de Pixar . ^[305]

Raya y el último dragón , una película de aventuras y fantasía CGI, se estrenó en marzo de 2021. Debido a la pandemia de COVID-19 , se estrenó simultáneamente en cines y en Disney+ con Premier Access . ^[306] La película fue acompañada en los cines con el cortometraje animado Us Again . ^[307] Raya y el último dragón recaudó más de $130 millones en taquilla ^[308] y se convirtió en un éxito en las listas de transmisión después de que expirara su cargo de Premier Access en Disney+ y se convirtió en el tercer título de película más transmitido en 2021. ^{[309] [310] [311]} La película también recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^[312]

En agosto de 2021, se informó que Disney Animation estaba abriendo un nuevo estudio de animación en Vancouver . ^[313] Las operaciones en el estudio de Vancouver comenzaron en 2022, con el exdirector de finanzas de Disney Animation, Amir Nasrabadi, como director del estudio. ^[313] El estudio de Vancouver trabaja en la animación de la serie de formato largo exclusiva de Disney+ y los futuros especiales de Disney+, mientras que las series de formato corto se animan en el estudio de Burbank. ^[313] La preproducción y el guion gráfico de las series de formato largo y los especiales también se llevan a cabo en el estudio de Burbank. ^[313]

En noviembre de 2021, el estudio lanzó Encanto , una película musical de fantasía CGI. ^[314] Debido a la pandemia de COVID-19, la película recibió una presentación exclusiva en cines durante 30 días y se estrenó en Disney+ el 24 de diciembre de 2021. ^[315] Se estrenó en cines con el cortometraje híbrido 2D/CG Far from the Tree . ^[316] Aunque Encanto no pudo alcanzar el punto de equilibrio en taquilla al recaudar 256 millones de dólares frente a su presupuesto de 120-150 millones de dólares, ^{[317] [318] [319] [320] [321]} se volvió viral durante la temporada navideña de 2021 y logró un éxito comercial más amplio después de su lanzamiento digital en Disney+. ^{[322] [323] [324]} La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación y recibió nominaciones al Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y a la Mejor Canción Original . ^[325]

En noviembre de 2022, el estudio lanzó la película de acción y aventuras CGI Strange World . ^[326] Aunque la película recibió críticas positivas, fue un fracaso de taquilla, recaudando $ 73 millones en todo el mundo con un presupuesto de $ 135-180 millones, con una pérdida estimada de $ 100-147 millones. ^{[327] [328]}

En 2023, el estudio había abierto un nuevo programa de aprendizaje para animadores dibujados a mano. ^[329] Ese mismo año, se estrenó el cortometraje de acción real/animado Once Upon a Studio para celebrar el centenario de Disney, que ocurrió en octubre de 2023. ^[330]

La película híbrida musical-fantástica en 2D/CG Wish se estrenó en noviembre de 2023. El tema de la película está inspirado en el centenario de Disney. ^{[331] [332]} Recibió críticas mixtas de los críticos y recaudó aproximadamente 255 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 175-200 millones de dólares, lo que resultó en una pérdida estimada de 131 millones de dólares. ^{[333] [334] [335]} La película fue nominada a varios premios, incluido el Globo de Oro a la Mejor Película de Animación . ^{[336] [337]}

En septiembre de 2024, Lee anunció que dejaría su puesto como directora creativa de Disney Animation para regresar a la realización cinematográfica a tiempo completo en el estudio, específicamente, para dirigir y escribir Frozen 3 y también escribir y producir ejecutivamente Frozen 4. [ ^338] Jared Bush fue nombrado como su sucesor. ^[338]

Extracto del corto de Mickey Mouse Steamboat Willie en el que se basó el logotipo de producción de 2007

Logotipo de Walt Disney Animation Studios

Hasta 2007, Walt Disney Animation Studios no utilizó un logotipo de producción tradicional, sino el logotipo estándar de Walt Disney Pictures . A partir de la película de 2007 Meet the Robinsons , se agregó un logotipo de producción en pantalla basado en Steamboat Willie ^{. [339]} El logotipo ha tenido variantes, como la pixelación de Wreck-It Ralph . ^[340]

Steamboat Willie pasó a ser de dominio público el 1 de enero de 2024, ya que se publicó en 1928. El logotipo sigue en uso. ^[341]

• Jared Bush , director creativo (septiembre de 2024 – presente)
• Clark Spencer , presidente (agosto de 2019 – presente)
• Stacey Snider, directora ejecutiva
• John Nallen, director de operaciones
• Viet Dinh, director jurídico
• Steve Tomsic, director financiero
• John Gelke, vicepresidente de operaciones globales
• J Young, vicepresidente sénior de crecimiento
• Gerard Devan, ejecutivo del grupo APAC
• Stephanie Gruber, directora ejecutiva del grupo de televisión
• Christopher Greavu, vicepresidente de ventas

• Andrew Millstein, presidente (noviembre de 2014 – julio de 2019) ^{[3] [281]}
• Edwin Catmull , presidente (junio de 2007 – julio de 2019) ^[283]
• David Stainton , Presidente (enero de 2003 – enero de 2006) ^{[342] [343]}
• Thomas Schumacher , presidente (enero de 1999 – diciembre de 2002) ^{[344] [342]}
• Peter Schneider , presidente (1985 – enero de 1999) ^[345]
• John Lasseter , director creativo (enero de 2006 – junio de 2018) ^{[346] [347]}
• Jennifer Lee , directora creativa (junio de 2018 – septiembre de 2024) ^{[348] [349]}
• Roy E. Disney , presidente (1984 – 2003) ^[350]

Desde 1995, Walt Disney Animation Studios tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en Burbank, California , al otro lado de Riverside Drive de Walt Disney Studios , donde se encuentra el edificio Animation original (que ahora alberga las oficinas corporativas). El vestíbulo del Disney Animation Building está coronado por una versión grande del famoso sombrero del segmento "El aprendiz de brujo" de Fantasía (1940), y el edificio se llama informalmente "edificio del sombrero" por esa razón. ^[351]

Hasta mediados de los años 1990, Disney Animation operaba en el complejo Air Way, un conjunto de viejos hangares, edificios de oficinas y remolques ^[103] en el Grand Central Business Centre, un parque industrial en el sitio del antiguo Grand Central Airport ^[352] aproximadamente a dos millas (3,2 km) al este en la ciudad de Glendale. La unidad Disneytoon Studios tenía su base en Glendale. El archivo de Disney Animation, anteriormente conocido como "la morgue" (basado en una analogía con un archivo de morgue ) y hoy conocido como la Biblioteca de Investigación de Animación, ^[353] también se encuentra en Glendale. ^[354] A diferencia de los edificios de Burbank, la ARL está ubicada en un edificio de oficinas anodino cerca del Grand Central Creative Campus de Disney. La ARL de 12.000 pies cuadrados alberga más de 64 millones de elementos de obras de arte de animación que datan de 1924; debido a su importancia para la empresa, los visitantes deben aceptar no revelar su ubicación exacta dentro de Glendale. ^[354]

Anteriormente, los estudios satélite de animación de largometrajes estaban ubicados alrededor del mundo en Montreuil, Seine-Saint-Denis , Francia (un suburbio de París), ^[143] y en Bay Lake, Florida (cerca de Orlando , en el parque temático Disney's Hollywood Studios ). ^[186] El estudio de París se cerró en 2002, ^[197] mientras que el estudio de Florida se cerró en 2004. ^[197] El edificio de animación de Florida sobrevive como edificio de oficinas, mientras que la antigua sección Magic of Disney Animation del edificio alberga Star Wars Launch Bay . ^[355]

Tras la muerte de Roy E. Disney en 2009, la sede de Burbank pasó a denominarse Roy E. Disney Animation Building en mayo de 2010. ^{[356] [357]}

En noviembre de 2014, Disney Animation comenzó una renovación de 16 meses del edificio Roy E. Disney Animation, ^{[358] [359]} con el fin de arreglar lo que el entonces presidente del estudio, Edwin Catmull, había llamado su interior "similar a una mazmorra". ^[360] Por ejemplo, el interior era tan estrecho que no podía acomodar fácilmente reuniones de "ayuntamiento" con todos los empleados presentes. ^[359] Debido a la renovación, los empleados del estudio fueron trasladados temporalmente de Burbank al espacio de estudio controlado por Disney más cercano disponible: el edificio Disneytoon Studios en el parque industrial de Glendale y el antiguo almacén de Imagineering en North Hollywood bajo el acceso occidental al aeropuerto Bob Hope (el edificio Tujunga). ^{[222] [361]} La renovación se completó en octubre de 2016. ^[361]

Walt Disney Animation Studios ha producido largometrajes animados en una serie de técnicas de animación, incluyendo animación tradicional , animación por computadora , combinación de ambas y animación combinada con escenas de acción en vivo . La primera película del estudio, Blancanieves y los siete enanitos , se estrenó el 21 de diciembre de 1937, ^[362] y su película más reciente, Wish , se estrenó el 22 de noviembre de 2023.

A partir de Chicken Little (2005), la mayoría de sus películas han costado entre 150 y 175 millones de dólares. Enredados (2010) es la película más cara del estudio, con un presupuesto de 260 millones de dólares. ^{[363] [364] [365]}

El próximo largometraje del estudio será la secuela Moana 2 , cuyo estreno está previsto para el 27 de noviembre de 2024. ^[366] Zootopia 2 se estrenará el 26 de noviembre de 2025. ^[367] Una película no anunciada está prevista para el 25 de noviembre de 2026. ^[368] Frozen III está prevista para el 24 de noviembre de 2027. ^[369]

Desde las Comedias de Alicia en el país de las maravillas en la década de 1920, Walt Disney Animation Studios ha producido una serie de cortometrajes destacados, entre ellos los dibujos animados de Mickey Mouse y la serie Silly Symphonies , hasta que la división de estudios de dibujos animados se cerró en 1956. Muchos de estos cortometrajes proporcionaron un medio para que el estudio experimentara con nuevas tecnologías que utilizarían en su proceso de realización cinematográfica, como la sincronización del sonido en Steamboat Willie (1928), ^[25] la integración del proceso Technicolor de tres tiras en Flowers and Trees (1932), ^[34] la cámara multiplano en The Old Mill (1937), ^[46] el proceso de xerografía en Goliath II (1960), ^[370] y la animación híbrida dibujada a mano/CGI en Off His Rockers (1992), ^[371] Paperman (2012), ^[249] y Get a Horse! (2013). ^[255]

Walt Disney Animation Studios anunció su expansión a la programación televisiva en 2020 y actualmente está produciendo programas originales para Disney+ , incluido Tiana (2024). ^[372]

Esta lista incluye series de películas y/o franquicias que incluyen películas de cine, cortometrajes y series de televisión producidas por Walt Disney Animation Studios o secuelas de ellas realizadas por unidades de video/televisión directa de Disney, como Disney Television Animation o Disneytoon Studios , a lo largo de los años, así como películas de acción real.

• La Compañía Walt Disney
• Los nueve ancianos de Disney
• 12 principios básicos de la animación
• Vídeo casero de Walt Disney (VHS)
• Los tesoros de Walt Disney
• Animación de Disney: La ilusión de la vida
• Animación moderna en Estados Unidos: Disney
• Estudios de animación propiedad de The Walt Disney Company
• Estudios Disneytoon
• Animación del círculo siete
• Pixar
• Pixar Canadá
• Estudios Blue Sky
• Animación del siglo XX
• Lista de películas animadas de Disney estrenadas en cines
• Animación televisiva de Disney
• Lista de estudios de animación

• Un viaje por los estudios Walt Disney (1937, corto)
• El dragón reacio (1941, un falso documental )
• Frank y Ollie (1995)
• Sigue soñando, tonto soñador (2005)
• Despertando a la bella durmiente (2009)