Hip hop (cultura)

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El hip hop o hip-hop es un movimiento cultural y artístico creado por afroamericanos , ^{[1] [2]} comenzando en el Bronx , Nueva York. ^[a] Surgió de la cultura callejera afroamericana, ^{[4] [5]} que había existido durante años antes de su descubrimiento más generalizado, ^[6] luego llegó a otros grupos como los latinoamericanos y los caribeños . La cultura hip-hop ha sido históricamente moldeada y dominada por hombres afroamericanos, ^[7] aunque las artistas femeninas de hip hop también han contribuido a la forma de arte y la cultura. ^[8] La cultura hip hop se caracteriza por los elementos clave del rap , ^[b] el DJing y el turntablism , y el breakdance ; ^{[9] [10]} otros elementos incluyen el grafiti , el beatboxing , el emprendimiento callejero , el lenguaje hip hop y la moda hip hop . ^{[11] [12]} De la cultura hip hop surgió un nuevo género de música popular, la música hip hop .

La escena hip hop del Bronx surgió en agosto de 1973 cuando el dúo de hermanos DJ Kool Herc y Cindy Campbell organizaron la primera fiesta de hip hop en el Bronx, lo que desencadenó el auge del género. ^[13] La cultura hip hop se ha extendido tanto a comunidades urbanas como suburbanas en todo Estados Unidos y, posteriormente, en todo el mundo. ^[14] Estos elementos se adaptaron y desarrollaron considerablemente, en particular a medida que las formas de arte se extendieron a nuevos continentes y se fusionaron con estilos locales en la década de 1990 y las décadas posteriores. Incluso mientras el movimiento continúa expandiéndose globalmente y explorando una miríada de estilos y formas de arte, incluido el teatro y el cine de hip hop, los cuatro elementos fundamentales proporcionan coherencia y una base sólida para la cultura hip hop. ^[15]

El hip hop es un fenómeno nuevo y antiguo a la vez; la importancia de samplear pistas, ritmos y líneas de bajo de discos antiguos para la forma de arte significa que gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar grabaciones, actitudes y experiencias clásicas para el público moderno. Samplear cultura antigua y reutilizarla en un nuevo contexto o un nuevo formato se llama "flipping" en la cultura hip hop. ^[16] La música hip hop sigue los pasos de géneros musicales latinos y afroamericanos anteriores como el blues , el jazz , el rag-time , el funk , la salsa y el disco para convertirse en uno de los géneros más practicados en todo el mundo.

En la década de 2000, con el surgimiento de nuevas plataformas de medios como los servicios de transmisión de música en línea, los fanáticos descubrieron y descargaron o transmitieron música hip hop a través de sitios de redes sociales, comenzando con Blackplanet y Myspace , así como también de sitios web como YouTube , Worldstarhiphop , SoundCloud y Spotify . ^{[17] [18]}

A Keith "Cowboy" Wiggins , miembro de Grandmaster Flash and the Furious Five , se le atribuye haber acuñado el término ^[19] en 1978 mientras bromeaba con un amigo que acababa de unirse al ejército de los EE. UU. cantando scat , en alternancia, las palabras inventadas "hip" y "hop" de una manera que imitaba la cadencia rítmica de los soldados marchando. Cowboy más tarde trabajó la cadencia del "hip hop" en su actuación en el escenario. ^{[20] [21]} El grupo actuaba con frecuencia con artistas de disco que se referían a este nuevo tipo de música llamándolos "hip hoppers". El nombre originalmente fue pensado como una señal de falta de respeto, pero pronto llegó a identificar esta nueva música y su cultura más amplia. ^[22] Por lo tanto, las palabras elegidas probablemente no estén relacionadas con las definiciones contemporáneas de " hip " o " hop ", aunque ese par de palabras en conjunción había estado circulando en el léxico público desde al menos la década de 1950, con gente mayor describiendo las fiestas de los jóvenes como "hippity hops". ^[23]

A medida que el nombre se iba consolidando, las palabras eran una parte distintiva de algunas canciones. La canción " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang , lanzada en 1979, comienza con la frase "Dije un hip, hop, el hippie el hippie al hip hip hop, y no paras" . ^[24] El éxito de 1980 " Rapture " de Blondie contiene una parte de rap con la línea "Y tú hip-hop, y no paras, solo despega, seguro". Lovebug Starski , un DJ del Bronx que lanzó el sencillo "The Positive Life" en 1981, y DJ Hollywood comenzaron a usar el término para referirse a esta nueva música de "rap disco". Bill Alder, un consultor independiente, dijo una vez: "Casi nunca hubo un momento en que la música rap fuera underground , uno de los primeros llamados discos de rap, fue un éxito monstruoso ('Rapper's Delight' de Sugar Hill Gang en Sugarhill Records)". ^[25]

El pionero del hip hop y líder de la comunidad del sur del Bronx, Afrika Bambaataa, también atribuye a Lovebug Starski el mérito de haber sido el primero en utilizar el término "hip hop" en relación con la cultura. Bambaataa, exlíder de los Black Spades , también hizo mucho por popularizar aún más el término. El primer uso del término impreso, refiriéndose específicamente a la cultura y sus elementos, fue en una entrevista de enero de 1982 a Afrika Bambaataa por Michael Holman en el East Village Eye . ^[26] El término ganó más vigencia en septiembre de ese año en The Village Voice , en un perfil de Bambaataa escrito por Steven Hager , quien también publicó la primera historia completa de la cultura con St. Martins' Press . ^{[20] [27]}

En la década de 1970, un movimiento urbano underground conocido como "hip hop" comenzó a formarse en el Bronx, en la ciudad de Nueva York . Se centraba en actuar como maestro de ceremonias en fiestas caseras y fiestas callejeras de barrio, celebradas al aire libre. La música hip hop ha sido un medio poderoso para protestar contra el impacto de las instituciones legales en las minorías, en particular la policía y las prisiones. ^[28] Históricamente, el hip hop surgió de las ruinas de un sur del Bronx posindustrial y devastado, como una forma de expresión de la juventud urbana negra y latina, a quienes el discurso público y político había descartado como comunidades marginadas. ^[28]

El DJ jamaiquino Clive "Kool Herc" Campbell ^[29] fue pionero en el uso de "breaks" de percusión en la música hip hop. El movimiento, que comenzó en la casa de Herc, en un apartamento de gran altura en 1520 Sedgwick Avenue, se extendió más tarde por todo el distrito. ^[30] El 11 de agosto de 1973, la artista de graffiti y breakdancer Cindy Campbell organizó una fiesta de "regreso a la escuela" de hip hop con su hermano como DJ. Kool Herc extendió el ritmo de un disco utilizando dos tocadiscos, aislando los "breaks" de percusión mediante el uso de un mezclador para cambiar entre los dos discos. Cindy produjo y financió esta fiesta que se convirtió en el "Nacimiento del Hip Hop", por lo que se la ha llamado la Madre del Hip Hop y la Primera Dama del Hip Hop. ^{[31] [32]} El estilo de turntablist de Kool Herc se conoció como " breakbeat " ^[33] , un elemento esencial del hip hop moderno. ^[34] El crítico musical Peter Shapiro escribió que la innovación de Herc "sentó las bases para el hip hop", y también señaló que "fue otro DJ, Grandwizard Theodore , quien creó su toque característico en 1977 o 1978": " scratching ". ^[33]

Un segundo elemento musical clave en la música hip hop es el emceeing (también llamado MCing o rap). El emceeing es la presentación rítmica hablada de rimas y juegos de palabras, pronunciados al principio sin acompañamiento y luego realizados sobre un ritmo . Este estilo hablado fue influenciado por el estilo afroamericano de " capping ", una actuación en la que los hombres intentaban superarse unos a otros en la originalidad de su lenguaje y trataban de ganarse el favor de los oyentes. ^[35] Los elementos básicos del hip hop (raps alardes, "posses" (grupos) rivales, "throw-downs" en la zona alta y comentarios políticos y sociales) estuvieron presentes durante mucho tiempo en la música afroamericana.

Los intérpretes de rap y de MC oscilaban entre el predominio de canciones de brindis llenas de una mezcla de fanfarronería, "descuido" e insinuaciones sexuales y un estilo más actual, político y socialmente consciente. El papel del MC originalmente era el de maestro de ceremonias para un evento de baile con DJ. El MC presentaba al DJ e intentaba animar a la audiencia. El MC hablaba entre las canciones del DJ, instando a todos a levantarse y bailar. Los MC también contaban chistes y usaban su lenguaje enérgico y su entusiasmo para animar a la multitud. Con el tiempo, este papel de presentador se convirtió en sesiones más largas de juegos de palabras hablados y rítmicos y rimas, que se convirtieron en rap.

En 1979, la música hip hop se había convertido en un género mainstream. Se extendió por todo el mundo en la década de 1990 con el controvertido rap "gangsta". ^[36] Herc también se basó en el break-beat deejaying , ^[37] donde los breaks de las canciones funk (la parte más adecuada para bailar, generalmente basada en percusión) se aislaban y se repetían con el propósito de fiestas de baile que duraban toda la noche. Esta forma de reproducción musical, que utilizaba hard funk y rock, formó la base de la música hip hop. Los anuncios y exhortaciones de Campbell a los bailarines conducirían al acompañamiento hablado sincopado y rimado que ahora se conoce como rap. A sus bailarines los bautizó como "break-boys" y "break-girls", o simplemente b-boys y b-girls. Según Herc, "breaking" también era una jerga callejera para "emocionarse" y "actuar con energía" ^[38]

Los DJ como Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash y Jazzy Jay refinaron y desarrollaron el uso de breakbeats , incluyendo cortes y scratches . ^[39] El enfoque utilizado por Herc pronto fue ampliamente copiado y, a fines de la década de 1970, los DJ lanzaban discos de 12 pulgadas donde rapeaban al ritmo. Las melodías influyentes incluyeron " King Tim III (Personality Jock) " de Fatback Band , " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang y " Christmas Rappin' " de Kurtis Blow , todas lanzadas en 1979. ^{[40] [ enlace muerto ]} Herc y otros DJ conectaban sus equipos a líneas eléctricas y actuaban en lugares como canchas de baloncesto públicas y en 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, Nueva York, ahora oficialmente un edificio histórico. ^[41]

El equipo consistía en numerosos altavoces, platos giratorios y uno o más micrófonos. ^[42] Al utilizar esta técnica, los DJ podían crear una variedad de música, pero según Rap Attack de David Toop "En el peor de los casos, la técnica podía convertir la noche en una canción interminable e inevitablemente aburrida". ^[43] A KC The Prince of Soul, un rapero y letrista de Pete DJ Jones, a menudo se le atribuye ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo "MC". ^[44]

Las pandillas callejeras eran comunes en la pobreza del sur del Bronx , y gran parte de los grafitis, raps y b-boys en estas fiestas eran variaciones artísticas de la competencia y la superioridad de las pandillas callejeras. Al percibir que los impulsos a menudo violentos de los miembros de las pandillas podían convertirse en creativos, Afrika Bambaataa fundó Zulu Nation , una confederación informal de grupos de baile callejero, artistas de grafitis y músicos de rap. A fines de la década de 1970, la cultura había ganado la atención de los medios, y la revista Billboard publicó un artículo titulado "B Beats Bombarding Bronx ", en el que se comentaba el fenómeno local y se mencionaban figuras influyentes como Kool Herc . ^[45]

El apagón de Nueva York de 1977 provocó saqueos generalizados, incendios provocados y otros desórdenes en toda la ciudad, especialmente en el Bronx ^[46], donde varios saqueadores robaron equipos de DJ de tiendas de electrónica. Como resultado, el género hip hop, apenas conocido fuera del Bronx en ese momento, creció a un ritmo asombroso a partir de 1977. ^[47]

Las fiestas caseras de DJ Kool Herc ganaron popularidad y luego se trasladaron a espacios al aire libre para dar cabida a más personas. Organizadas en parques, estas fiestas al aire libre se convirtieron en un medio de expresión y una salida para los adolescentes, donde "en lugar de meterse en problemas en las calles, los adolescentes ahora tenían un lugar para gastar su energía acumulada". ^[48] Tony Tone, miembro de Cold Crush Brothers , afirmó que "el hip hop salvó muchas vidas". ^[48]

Para los jóvenes de los barrios marginales, participar en la cultura hip hop se convirtió en una forma de lidiar con las dificultades de la vida como minorías dentro de los Estados Unidos, y una salida para lidiar con el riesgo de violencia y el auge de la cultura de pandillas. MC Kid Lucky menciona que "la gente solía bailar break dance unos contra otros en lugar de pelearse". ^{[49] [ cita completa requerida ]} Inspirada por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa creó una organización callejera llamada Universal Zulu Nation , centrada en el hip hop, como un medio para alejar a los adolescentes de la vida de pandillas, las drogas y la violencia. ^[48]

El contenido lírico de muchos de los primeros grupos de rap se centraba en cuestiones sociales, sobre todo en la canción seminal "The Message" (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five , que analizaba las realidades de la vida en los proyectos de vivienda. ^[50] "Los jóvenes afroamericanos que salieron del movimiento por los derechos civiles han utilizado la cultura hip hop en los años 1980 y 1990 para mostrar las limitaciones del movimiento". ^[51] El hip hop dio a los jóvenes afroamericanos una voz para que sus problemas se escucharan; "Al igual que el rock and roll, los conservadores se oponen vigorosamente al hip hop porque romantiza la violencia, la infracción de la ley y las pandillas". ^[51] También dio a la gente la oportunidad de obtener ganancias financieras al "reducir al resto del mundo a consumidores de sus preocupaciones sociales". ^[51]

A finales de 1979, Debbie Harry de Blondie llevó a Nile Rodgers de Chic a un evento de este tipo, ya que la principal pista de acompañamiento utilizada fue el corte de " Good Times " de Chic. ^[40] El nuevo estilo influyó en Harry, y el sencillo de éxito posterior de Blondie de 1981, " Rapture ", se convirtió en el primer sencillo importante que contenía elementos de hip hop de un grupo o artista blanco en alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 de EE. UU . La canción en sí suele considerarse new wave y fusiona elementos pesados ​​de la música pop, pero hay un rap extendido de Harry cerca del final.

En 1980, Kurtis Blow lanzó su álbum debut homónimo con el sencillo " The Breaks ", que se convirtió en la primera canción de rap certificada con disco de oro. ^[52] En 1982, Afrika Bambaataa y Soulsonic Force lanzaron la pista de electro-funk " Planet Rock ". En lugar de simplemente rapear sobre ritmos disco, Bambaataa y el productor Arthur Baker crearon un sonido electrónico utilizando la caja de ritmos Roland TR-808 y samples de Kraftwerk . ^[53] "Planet Rock" es ampliamente considerado como un punto de inflexión; fusionando electro con hip hop, fue "como una luz que se enciende", lo que resultó en un nuevo género. ^[54]

La canción también ayudó a popularizar el 808, que se convirtió en una piedra angular de la música hip hop; ^[55] Wired y Slate describieron la máquina como el equivalente del hip hop a la Fender Stratocaster , que había influido dramáticamente en el desarrollo de la música rock. ^{[56] [57]} Lanzado en 1986, Licensed to Ill de los Beastie Boys se convirtió en el primer LP de rap en encabezar la lista de álbumes de Billboard . ^[58] Beastie Boys también fue uno de los primeros artistas blancos de hip hop y una banda muy influyente en la historia del hip hop, clasificada como la banda número 12 más influyente por Spin Magazine . ^[59]

Otros discos innovadores lanzados en 1982 incluyen " The Message " de Grandmaster Flash and the Furious Five , " Nunk " de Warp 9 , "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish , "Magic Wand" de Whodini y " Buffalo Gals " de Malcolm McLaren . En 1983, Hashim creó la influyente melodía electro funk " Al-Naafiysh (The Soul) ", mientras que " Light Years Away " (1983) de Warp 9 , "una piedra angular del afrofuturismo beat box de principios de los 80 ", introdujo temas de conciencia social desde una perspectiva de ciencia ficción, rindiendo homenaje al pionero de la música Sun Ra . ^[60]

El hip hop, que abarcaba el arte del grafiti, el rap, el DJ y el b-boying, se convirtió en el movimiento cultural dominante de las comunidades urbanas pobladas por minorías en la década de 1980. ^[61] La década de 1980 también vio a muchos artistas hacer declaraciones sociales a través del hip hop. En 1982, Melle Mel y Duke Bootee grabaron " The Message " (atribuida oficialmente a Grandmaster Flash y The Furious Five), ^[62] una canción que presagiaba las declaraciones de conciencia social de " It's like That " de Run-DMC y " Black Steel in the Hour of Chaos " de Public Enemy . ^[63]

Durante la década de 1980, el hip hop también adoptó la creación de ritmos mediante el uso del cuerpo humano, a través de la técnica de percusión vocal del beatboxing . Pioneros como Doug E. Fresh , ^[64] Biz Markie y Buffy de los Fat Boys crearon ritmos y sonidos musicales utilizando su boca, labios, lengua, voz y otras partes del cuerpo. Los artistas de "Human Beatbox" también cantaban o imitaban el turntablismo haciendo scratching u otros sonidos de instrumentos.

La aparición de los videos musicales cambió el entretenimiento: a menudo glorificaban los barrios urbanos. ^[65] El video musical de "Planet Rock" mostró la subcultura de los músicos de hip hop, los artistas del grafiti y los b-boys/b-girls. Muchas películas relacionadas con el hip hop se estrenaron entre 1982 y 1985, entre ellas Wild Style , Beat Street , Krush Groove , Breakin y el documental Style Wars . Estas películas expandieron el atractivo del hip hop más allá de los límites de Nueva York.

En 1984, la juventud de todo el mundo estaba adoptando la cultura del hip hop. Las obras de arte y la jerga del hip hop de las comunidades urbanas estadounidenses encontraron rápidamente su camino hacia Europa, a medida que el atractivo global de la cultura se arraigaba. Esto fue especialmente notable en el Reino Unido, donde el hip hop británico desarrolló su propia voz y estilo a partir de la década de 1980, con raperos como She Rockers , MC Duke y Derek B , seguidos por Silver Bullet , Monie Love , Caveman y London Posse .

Las mujeres artistas también han estado a la vanguardia del movimiento hip hop desde sus inicios en el Bronx. Sin embargo, a medida que el rap gangsta se convirtió en la fuerza dominante en la música hip hop, hubo muchas canciones con letras misóginas (anti-mujeres) y muchos videos musicales mostraban a las mujeres de manera sexualizada. La negación de la voz y la perspectiva femeninas es un problema que ha llegado a definir la música hip hop convencional. La industria discográfica está menos dispuesta a respaldar a las artistas femeninas que a sus contrapartes masculinas, y cuando las respalda, a menudo pone énfasis en su sexualidad por encima de su sustancia musical y habilidades artísticas. ^[66] Desde principios de siglo, las artistas femeninas de hip hop han luchado por obtener la atención general, y solo unas pocas, como artistas más antiguas como el dúo femenino Salt N' Pepa y otras más contemporáneas como Lil' Kim y Nicki Minaj , alcanzaron el estatus de platino. ^[66]

Con el éxito comercial del rap gangsta a principios de los años 1990, el énfasis en las letras se desplazó hacia las drogas, la violencia y la misoginia . Entre los primeros defensores del rap gangsta se encontraban grupos y artistas como Ice-T , que grabó lo que algunos consideran el primer sencillo de rap gangsta, « 6 in the Mornin' », ^[67] y NWA, cuyo segundo álbum Niggaz4Life se convirtió en el primer álbum de rap gangsta en entrar en las listas en el número uno. ^[68]

El rap gangsta también jugó un papel importante en la conversión del hip hop en un producto de consumo masivo. Teniendo en cuenta que álbumes como Straight Outta Compton de NWA , Eazy-Duz-It de Eazy -E y AmeriKKKa 's Most Wanted de Ice Cube se vendían en cantidades tan altas, los adolescentes negros ya no eran el único público comprador de hip hop. ^[69] Como resultado, el rap gangsta se convirtió en una plataforma para artistas que eligieron usar su música para difundir mensajes políticos y sociales a partes del país que anteriormente desconocían las condiciones de los guetos . ^[67] Si bien la música hip hop ahora atrae a un grupo demográfico más amplio, los críticos de los medios argumentan que el hip hop con conciencia social y política ha sido en gran medida ignorado por la corriente principal de Estados Unidos. ^[70]

Con el hip hop empezando a ganar terreno, los primeros años de la década de 2000 fueron un punto de inflexión para el género que influyó en el sonido, el estilo de vida y la moda de la década. ^[71] En ese momento, The Beatles tenían el álbum más vendido de la década de 2000 hasta que Eminem los superó con 32,2 millones en ventas. ^[72] Si bien el sampling siempre ha sido una parte central de la música hip hop, The College Dropout de Kanye West ofreció nuevas innovaciones en el género. El álbum, lanzado en 2004, vendió más de 4 millones de copias en todo el mundo, ^[73] ha sido señalado por los críticos por su manipulación de samples, muchos extraídos de la cultura pop, donde West aceleraba o ralentizaba el ritmo original, una tendencia que se hizo popular como resultado. ^[74] Por ejemplo, el sencillo debut de West " Through the Wire " utilizó un sample acelerado de la canción " Through the Fire " de Chaka Khan . Esta táctica se conoció como el "sonido del soul de las ardillas". ^[74]

Según el Departamento de Estado de los Estados Unidos , el hip hop es "ahora el centro de una mega industria musical y de moda en todo el mundo" que cruza barreras sociales y trasciende líneas raciales. ^[75] National Geographic reconoce al hip hop como "la cultura juvenil favorita del mundo" en la que "casi todos los países del planeta parecen haber desarrollado su propia escena de rap local". ^[76] A través de sus viajes internacionales, el hip hop ahora se considera una "epidemia musical global". ^[77] Según The Village Voice , el hip hop está "hecho a medida para combatir la anomia que se aprovecha de los adolescentes dondequiera que nadie sepa su nombre". ^[78]

Los sonidos y estilos del hip hop difieren de una región a otra, pero también hay casos de fusión de géneros. ^[79] La cultura del hip hop ha pasado de ser un género evitado a un género que millones de fanáticos siguen en todo el mundo. Esto fue posible gracias a la adaptación de la música en diferentes lugares y a la influencia en el estilo de comportamiento y vestimenta. ^[80]

No todos los países han adoptado el hip hop, ya que, "como es de esperar en países con una fuerte cultura local, el estilo salvaje e intrusivo del hip hop no siempre es bien recibido". ^[81] Este es en cierta medida el caso de Jamaica, la patria del padre de la cultura, DJ Kool Herc. Sin embargo, a pesar de que la música hip hop producida en la isla carece de un amplio reconocimiento local e internacional, artistas como Five Steez han desafiado las probabilidades al impresionar a los creadores de tendencias del hip hop en línea e incluso a los críticos de reggae. ^[82]

Hartwig Vens sostiene que el hip hop también puede ser visto como una experiencia de aprendizaje global. ^[83] El autor Jeff Chang sostiene que "la esencia del hip hop es el código , nacido en el Bronx, donde la competencia y la comunidad se retroalimentan mutuamente". ^[84] También agrega: "Miles de organizadores desde Ciudad del Cabo hasta París usan el hip hop en sus comunidades para abordar la justicia ambiental, la policía y las prisiones, la justicia mediática y la educación". ^[85]

Aunque la música hip hop ha sido criticada por ser una música que crea una división entre la música occidental y la música del resto del mundo ^{[¿ por quién? – Discutir ]} , se ha producido una "polinización cruzada" musical que fortalece el poder del hip hop para influir en diferentes comunidades. ^[86] Los mensajes del hip hop permiten que los desfavorecidos y los maltratados sean escuchados. ^[83] Estas traducciones culturales cruzan fronteras. ^[85] Aunque la música puede ser de un país extranjero, el mensaje es algo con lo que muchas personas pueden identificarse, algo que no es "extranjero" en absoluto. ^[87]

Incluso cuando el hip hop se traslada a otros países, a menudo conserva su "agenda progresista vital que desafía el status quo". ^[85] En Gotemburgo , Suecia, las organizaciones no gubernamentales (ONG) incorporan grafitis y baile para atraer a los jóvenes inmigrantes y de clase trabajadora descontentos. El hip hop ha desempeñado un papel pequeño pero distintivo como el rostro musical de la revolución en la Primavera Árabe , un ejemplo de ello es un músico libio anónimo, Ibn Thabit , cuyas canciones antigubernamentales alimentaron la rebelión. ^[88]

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A principios y mediados de los años 1980, no existía una industria musical de hip hop establecida, como la que existe en la década de 2020, con sellos discográficos, productores de discos, representantes y personal de artistas y repertorio . Los políticos y empresarios difamaron e ignoraron el movimiento hip hop. La mayoría de los artistas de hip hop actuaban en sus comunidades locales y grababan en escenas underground. ^[89]

Sin embargo, a finales de los años 1980, los ejecutivos de la industria musical se dieron cuenta de que podían sacar provecho del éxito del "gangsta rap". Crearon una fórmula que creaba "un excitante bufé de hipermasculinidad y violencia glorificada". Este tipo de rap se comercializó para la nueva base de seguidores: los hombres blancos. Ignoraron las representaciones de una dura realidad para centrarse en el sexo y la violencia implicados. ^[89]

En un artículo para The Village Voice , Greg Tate sostiene que la comercialización del hip hop es un fenómeno negativo y generalizado, escribiendo que "lo que llamamos hip hop es ahora inseparable de lo que llamamos la industria del hip hop, en la que los nuevos ricos y los empleadores súper ricos se vuelven más ricos". ^[51] Irónicamente, esta comercialización coincide con una disminución en las ventas de rap y la presión de los críticos del género. ^[90] Incluso otros músicos, como Nas y KRS-ONE, han afirmado que " el hip hop está muerto " en el sentido de que ha cambiado tanto a lo largo de los años para atender al consumidor que ha perdido la esencia para la que fue creado originalmente.

Sin embargo, en su libro In Search Of Africa ^[91] , Manthia Diawara afirma que el hip hop es en realidad la voz de las personas marginadas en la sociedad moderna. Sostiene que la "difusión mundial del hip hop como una revolución del mercado" es en realidad una "expresión global del deseo de los pobres de una buena vida", y que esta lucha se alinea con "la lucha nacionalista por la ciudadanía y la pertenencia, pero también revela la necesidad de ir más allá de tales luchas y celebrar la redención del individuo negro a través de la tradición". El problema puede no ser que las raperas no tengan las mismas oportunidades y reconocimiento que sus homólogos masculinos; puede ser que la industria de la música esté tan definida por los sesgos de género. Los ejecutivos de la industria parecen apostar por la idea de que los hombres no querrán escuchar a las raperas, por lo que se les dan menos oportunidades. ^[92]

A medida que el género hip hop ha ido cambiando desde los años 80, la "tradición" cultural afroamericana que describe Diawara tiene poco lugar en la música de los artistas mainstream del hip hop. El impulso hacia el materialismo y el éxito comercial de raperos contemporáneos como Rick Ross , Lil Wayne y Jay Z ha irritado a los fans y artistas del hip hop más veteranos. Ven que el género está perdiendo su sensación comunitaria que se centraba más en el empoderamiento de los negros que en la riqueza. La comercialización del género lo despojó de su naturaleza política anterior y los planes políticos y de marketing de los principales sellos discográficos han obligado a los raperos a diseñar su música e imágenes para atraer a audiencias blancas, adineradas y suburbanas.

Después de darse cuenta de que sus amigos hacían música pero no obtenían exposición televisiva más allá de lo que se veía en Video Music Box, Darlene Lewis (modelo/letrista), junto con Darryl Washington y Dean Carroll, llevaron la música hip hop al programa de cable First Exposure en Paragon Cable, y luego crearon el programa de televisión On Broadway . Allí, los raperos tenían oportunidades de ser entrevistados y de que se reprodujeran sus videos musicales. Esto fue anterior a MTV o Video Soul en BET. La comercialización ha hecho que el hip hop sea menos atrevido y auténtico, pero también ha permitido que los artistas de hip hop tengan éxito. ^[93]

A medida que los raperos más importantes se vuelven más ricos y comienzan más emprendimientos comerciales fuera del ámbito laboral, esto puede indicar un sentido más fuerte de aspiración negra. A medida que raperos como Jay-Z y Kanye West se consolidan como artistas y empresarios, más jóvenes negros tienen esperanzas de alcanzar sus metas. ^[94] La lente a través de la cual uno ve la comercialización del género puede hacer que parezca positiva o negativa. ^[95]

Raperos blancos y latinos como Macklemore , Iggy Azalea , Machine Gun Kelly , Eminem , Miley Cyrus , G-Eazy , Pitbull , Lil Pump y Post Malone han sido a menudo criticados por comercializar el hip hop y la apropiación cultural. ^[96] Miley Cyrus y Katy Perry , aunque no son raperos, han sido acusados ​​de apropiación cultural y comercialización del hip hop. Katy Perry, una mujer blanca, fue criticada por su canción de hip hop " Dark Horse ". ^[97] Taylor Swift también fue acusada de apropiación cultural. ^[98]

El DJing y el turntablism , el MCing/ rapping , el breakdance , el arte del graffiti y el beatboxing son las salidas creativas que en conjunto conforman la cultura del hip hop y su estética revolucionaria. Al igual que el blues , estas artes fueron desarrolladas por comunidades urbanas para permitir a la gente hacer una declaración, ya sea política o emocional, y participar en actividades comunitarias. Estas prácticas se extendieron globalmente alrededor de la década de 1980, ya que los fanáticos podían "hacerlas suyas" y expresarse de formas nuevas y creativas en la música, la danza y otras artes. ^[99]

El DJing y el turntablism son técnicas de manipulación de sonidos y creación de música y ritmos utilizando dos o más tocadiscos de fonógrafo u otras fuentes de sonido, como cintas, CD o archivos de audio digitales y un mezclador de DJ que está conectado a un sistema PA . ^[100] Uno de los primeros DJ de hip hop fue Kool DJ Herc , quien ayudó a popularizar ^[101] el hip hop en la década de 1970 a través del aislamiento y la extensión de los "breaks", las partes de los álbumes que se centraban únicamente en el ritmo percusivo. Además de desarrollar las técnicas de Herc, los DJ Grandmaster Flowers , Grandmaster Flash , Grand Wizzard Theodore y Grandmaster Caz hicieron más innovaciones con la introducción del " scraping ", que se ha convertido en uno de los sonidos clave asociados con la música hip hop. Grandmaster Flash se hizo conocido por "flashing" durante los breaks, siendo el flashing la sección de dos álbumes donde solo se toca la batería. ^[102]

Tradicionalmente, un DJ utiliza dos platos giratorios simultáneamente y mezcla entre los dos. Estos están conectados a un mezclador de DJ, un amplificador , altavoces y varios equipos de música electrónica, como un micrófono y unidades de efectos . El DJ mezcla los dos álbumes que están en rotación en ese momento y/o hace " scraping " moviendo uno de los platos de discos mientras manipula el crossfader en el mezclador. El resultado de mezclar dos discos es un sonido único creado por el sonido aparentemente combinado de dos canciones separadas en una sola canción. Aunque existe una superposición considerable entre los dos roles, un DJ no es lo mismo que un productor de discos de una pista de música. ^[103]

El desarrollo del DJing también estuvo influenciado por las nuevas técnicas de turntablism , como el beatmatching , un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de platos giratorios como el Technics SL-1200 MK 2 , vendido por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso y un motor de accionamiento directo . Los DJ eran a menudo ávidos coleccionistas de discos, que buscaban en las tiendas de discos usados ​​discos de soul oscuros y grabaciones de funk vintage . Los DJ ayudaron a presentar discos raros y nuevos artistas al público de los clubes.

En los primeros años del hip hop, los DJ eran las estrellas, ya que creaban nueva música y ritmos con sus tocadiscos. Si bien el DJing y el turntablism siguen utilizándose en la música hip hop en la década de 2010, el papel de estrella lo han asumido cada vez más los MC desde finales de la década de 1970, debido a MCs innovadores y creativos como Kurtis Blow y Melle Mel del grupo de Grandmaster Flash , los Furious Five , que desarrollaron fuertes habilidades de rap. Sin embargo, varios DJs han ganado estrellato en los últimos años.

Entre los DJ famosos se incluyen Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Mr. Magic , DJ Jazzy Jeff , DJ Charlie Chase , DJ Disco Wiz , DJ Scratch de EPMD , DJ Premier de Gang Starr , DJ Scott La Rock de Boogie Down Productions , DJ Pete Rock de Pete Rock & CL Smooth , DJ Muggs de Cypress Hill , Jam Master Jay de Run-DMC , Eric B. , DJ Screw de Screwed Up Click y el inventor del estilo de mezcla de música Chopped & Screwed , Funkmaster Flex , Tony Touch , DJ Clue , Mix Master Mike , Touch-Chill-Out, DJ Red Alert y DJ Q-Bert .

El movimiento underground del turntablism también ha surgido para centrarse en las habilidades del DJ. En la década de 2010, hay competiciones de turntablism, donde los turntablistas demuestran habilidades avanzadas de malabarismo y scratching.

El rap (también conocido como emceeing, ^[104] MCing, ^[104] spitting (bars), ^[105] o simplemente rimar ^[106] ) se refiere a "letras rimadas habladas o cantadas con un fuerte acompañamiento rítmico". ^[107] El rap generalmente presenta un juego de palabras complejo, una entrega rápida y una variedad de "jerga callejera", parte de la cual es exclusiva de la subcultura del hip hop. Si bien el rap a menudo se hace sobre ritmos, ya sea hecho por un DJ o un beatboxer , también se puede hacer sin acompañamiento. Se puede dividir en diferentes componentes, como "contenido", "flujo" (ritmo y rima ) y "entrega". ^[108]

El rap se distingue de la poesía hablada en que se realiza al ritmo de la música. ^{[109] [110] [111]} El uso de la palabra "rap" para describir un discurso rápido y coloquial o una réplica ingeniosa es muy anterior a la forma musical. ^[112] El MCing es una forma de expresión que está arraigada en la antigua cultura africana e indígena y la tradición oral, ya que a lo largo de la historia las acrobacias verbales o las justas que involucraban rimas eran comunes dentro de la comunidad afroamericana y latinoamericana. ^[113]

El grafiti es el elemento más controvertido del hip hop, ya que varios de los pioneros del grafiti más notables dicen que no consideran que el grafiti sea un elemento del hip hop, incluidos Lady Pink , Seen , Blade, Fargo, Cholly Rock, Fuzz One y Coco 144. ^{[114] [115] [116]} Lady Pink dice: "No creo que el grafiti sea hip hop. Francamente, crecí con música disco. Hay una larga historia del grafiti como una entidad en sí misma", ^{[117] [118]} y Fargo dice: "No hay correlación entre el hip hop y el grafiti, uno no tiene nada que ver con el otro". ^{[114] [116] [119]} El pionero del hip hop Grandmaster Flash también ha cuestionado la conexión entre el hip hop y el grafiti, diciendo: "Sabes lo que me molesta, mezclan el hip hop con el grafiti. ¿Cómo se entrelazan?" ^{[119] [120] [121]}

En Estados Unidos, a finales de los años 60, antes del hip hop, los activistas políticos utilizaban el grafiti como forma de expresión. Además, bandas como Savage Skulls , La Familia Michoacana y Savage Nomads utilizaban el grafiti para marcar territorio. Julio 204 fue un grafitero puertorriqueño, uno de los primeros grafiteros de la ciudad de Nueva York. Fue miembro de la banda "Savage Skulls" y comenzó a escribir su apodo en su barrio ya en 1968.

En 1971, el New York Times publicó un artículo ("'Taki 183' genera amigos por correspondencia") sobre otro escritor de grafitis, TAKI 183. Según el artículo, Julio había estado escribiendo durante un par de años cuando Taki comenzó a pintar con su propio nombre por toda la ciudad. Taki también afirma en el artículo que Julio "fue arrestado y detenido". Los escritores que siguieron los pasos de Taki y Tracy 168 agregarían el número de su calle a su apodo, "bombardearían" (cubrirían) un tren con su trabajo y dejarían que el metro se lo llevara (y su fama, si era lo suficientemente impresionante o simplemente generalizada) "por toda la ciudad". Julio 204 nunca alcanzó la fama de Taki porque Julio mantuvo sus grafitis localizados en su propio vecindario.

Una de las formas más comunes de grafiti es el tagging, o el acto de estilizar el nombre o el logotipo de uno mismo. ^[122] El tagging comenzó en Filadelfia y la ciudad de Nueva York y se ha expandido por todo el mundo. Pintar con aerosol la propiedad pública o la propiedad de otros sin su consentimiento puede considerarse vandalismo, y el "tagger" puede ser sujeto a arresto y procesamiento por el acto criminal. Ya sea legal o no, la cultura hip hop considera que pintar edificios, trenes, puentes y otras estructuras es arte visual, y considera las etiquetas como parte de un sistema de símbolos complejo con sus propios códigos sociales y reglas de subcultura. En algunos casos, este tipo de arte está sujeto a protección federal en los EE. UU., lo que hace que su eliminación sea ilegal. ^[123]

Las letras de burbuja dominaron inicialmente entre los escritores del Bronx , aunque el elaborado estilo de Brooklyn que Tracy 168 denominó "wildstyle" llegaría a definir el arte. ^{[124] [125]} A los primeros creadores de tendencias se unieron en la década de 1970 artistas como Dondi , Futura 2000 , Daze, Blade, Lee Quiñones , Fab Five Freddy , Zephyr , Rammellzee , Crash , Kel, NOC 167 y Lady Pink . ^[124]

La relación entre el grafiti y la cultura hip hop surge tanto de los primeros artistas del grafiti que se involucraron en otros aspectos de la cultura hip hop, ^[126] El grafiti se entiende como una expresión visual de la música rap, así como el breaking se ve como una expresión física. La película de 1983 Wild Style es ampliamente considerada como la primera película de hip hop, que presentó figuras prominentes dentro de la escena del grafiti de Nueva York durante ese período. El libro Subway Art y el documental Style Wars también estuvieron entre las primeras formas en que el público en general se introdujo al grafiti de hip hop. El grafiti sigue siendo parte del hip hop, mientras cruza hacia el mundo del arte convencional con exhibiciones en galerías de todo el mundo.

El breakdance, también llamado B-boying/B-girling o breakdance, es un estilo de baile dinámico y rítmico que se desarrolló como uno de los principales elementos de la cultura hip hop. Al igual que muchos aspectos de la cultura hip hop, el breakdance toma prestado mucho de muchas culturas, incluido el baile callejero de la década de 1930, ^{[127] [128]} las artes marciales brasileñas y asiáticas , la danza folclórica rusa , ^[129] y los movimientos de baile de James Brown , Michael Jackson y el funk californiano .

El breakdance se formó en el sur del Bronx en la década de 1970 junto con otros elementos del hip hop. El breakdance se practica típicamente con el acompañamiento de música hip hop que suena en un equipo de música o un sistema de sonido . El breakdance incluye cuatro estilos de baile: rocking, b-boying /b-girling, locking y popping, todos los cuales tienen su origen a principios de la década de 1970. ^[130]

Según el documental de 2002 The Freshest Kids: A History of the B-Boy , DJ Kool Herc describe la "B" de B-boy como la abreviatura de breaking, que en ese momento era una jerga para "salir", también uno de los nombres originales del baile. Sin embargo, al principio el baile se conocía como "boing" (el sonido que hace un resorte). Los bailarines en las fiestas de DJ Kool Herc guardaban sus mejores movimientos de baile para la sección de percusión de la canción, poniéndose frente al público para bailar con un estilo distintivo y frenético. ^[131]

La "B" de B-boy o B-girl también significa simplemente break, como en break-boy o -girl. Antes de los años 1990, la presencia de las B-girls estaba limitada por su condición de minoría de género, su participación en la política sexual de una escena dominada por los hombres y la falta de representación o estímulo para que las mujeres participaran en esta forma. Las pocas B-girls que participaron a pesar de enfrentarse a la discriminación de género crearon un espacio para las mujeres como líderes dentro de la comunidad del breaking, y el número de B-girls que participan ha aumentado. ^[131]

El breaking fue documentado en Style Wars y luego recibió más atención en películas de ficción como Wild Style y Beat Street . Los primeros grupos compuestos "principalmente por latinoamericanos" incluyen a Rock Steady Crew ^[132] y New York City Breakers ^{[ cita requerida ]} .

El beatboxing es una técnica de percusión vocal en la que un cantante imita tambores y otros instrumentos de percusión con su voz. Se ocupa principalmente del arte de crear ritmos utilizando la boca humana. ^[133] El término beatboxing se deriva de la imitación de la primera generación de cajas de ritmos , entonces conocidas como beatboxes. Fue popularizado por primera vez por Doug E. Fresh . ^[134] Como es una forma de crear música hip hop, se puede categorizar bajo el elemento de producción del hip hop, aunque a veces incluye un tipo de rap entrecruzado con el ritmo creado por humanos. Generalmente se considera parte del mismo "pilar" del hip hop que el DJing, en otras palabras, proporciona un telón de fondo musical o una base para que los MC rapeen.

Los beatboxers pueden crear sus ritmos de forma natural, pero muchos de los efectos del beatboxing se mejoran utilizando un micrófono conectado a un sistema de megafonía . Esto ayuda al beatboxer a hacer que su beatboxing sea lo suficientemente fuerte como para ser escuchado junto con un rapero, MC, turntablist y otros artistas de hip hop. El beatboxing fue popular en la década de 1980 con artistas destacados como Darren "Buffy, the Human Beat Box" Robinson de Fat Boys y Biz Markie mostrando sus habilidades dentro de los medios. Perdió popularidad junto con el b-boying a fines de la década de 1980, pero ha experimentado un resurgimiento desde fines de la década de 1990, marcado por el lanzamiento de "Make the Music 2000" de Rahzel de The Roots .

Aunque no se describe como uno de los cuatro elementos básicos que componen el hip hop, la producción musical es otro elemento importante. En la música, los productores de discos desempeñan un papel similar en la grabación de sonido al que desempeñan los directores de cine en la realización de una película. El productor de discos recluta y selecciona artistas (raperos, MC, DJ, beatboxers, etc.), planifica la visión para la sesión de grabación, entrena a los intérpretes en sus canciones, elige ingenieros de sonido , establece un presupuesto para contratar a los artistas y expertos técnicos y supervisa todo el proyecto.

Los roles exactos de un productor dependen de cada individuo, pero algunos productores trabajan con DJs y programadores de cajas de ritmos para crear ritmos, entrenar a los DJs en la selección de líneas de bajo muestreadas , riffs y frases pegadizas , dar consejos a raperos, vocalistas, MCs y otros artistas, dar sugerencias a los intérpretes sobre cómo mejorar su flow y desarrollar un estilo personal único. Algunos productores trabajan en estrecha colaboración con el ingeniero de audio para proporcionar ideas sobre mezcla, unidades de efectos (por ejemplo, efectos vocales autotuneados como los popularizados por T-pain ), microfonía de artistas, etc. El productor puede desarrollar de forma independiente el "concepto" o la visión para un proyecto o álbum, o desarrollar la visión en colaboración con los artistas e intérpretes.

En el hip hop, desde los inicios del MCing, ha habido productores que trabajan en el estudio, detrás de escena, para crear los ritmos sobre los que los MC rapean. Los productores pueden encontrar un ritmo que les guste en un viejo disco de funk, soul o disco. Luego, aíslan el ritmo y lo convierten en un loop. Alternativamente, los productores pueden crear un ritmo con una caja de ritmos o contratando a un percusionista de batería para que toque la batería acústica.

El productor podría incluso mezclar y superponer diferentes métodos, como combinar un drum break sampleado de una canción disco con una pista de caja de ritmos y algunas partes de percusión en vivo recién grabadas o un bajista eléctrico en vivo. Un ritmo creado por un productor de hip hop puede incluir otras partes además de un ritmo de batería, como una línea de bajo sampleada de una canción de funk o disco, un diálogo de un disco o película de palabra hablada, o "scratching" y "punches" rítmicos hechos por un turntablist o un DJ.

Uno de los primeros creadores de ritmos fue el productor Kurtis Blow , que ganó los créditos de productor del año en 1983, 1984 y 1985. Conocido por la creación de samples y loops de samples, Blow fue considerado el Quincy Jones del hip hop temprano, una referencia al prolífico productor de discos, director, arreglista, compositor, músico y líder de banda afroamericano. Uno de los creadores de ritmos más influyentes fue J. Dilla, un productor de Detroit que cortaba samples en ritmos específicos y los combinaba para crear su sonido único.

Los creadores de estos ritmos son conocidos como creadores de ritmos o productores, aunque se sabe que los productores tienen más participación y dirección en la creación general de una canción o proyecto, mientras que un creador de ritmos simplemente proporciona o crea el ritmo. Como Dr. Dre ha dicho antes: "Una vez que terminas el ritmo, tienes que producir el disco". ^[135] El proceso de creación de ritmos incluye el muestreo, el "corte", la creación de bucles, la secuenciación de ritmos, la grabación, la mezcla y la masterización.

La mayoría de los beats en el hip hop son sampleados de un disco preexistente. Esto significa que un productor tomará una parte o un "sample" de una canción y lo reutilizará como una sección instrumental, beat o parte de su canción. Algunos ejemplos de esto son "Footsteps in the Dark Pts. 1 y 2" de The Isley Brothers que se sampleó para hacer " Today Was a Good Day " de Ice Cube . ^[136] Otro ejemplo es " Try a Little Tenderness " de Otis Redding que se sampleó para crear la canción " Otis ", lanzada en 2011, por Kanye West y Jay-Z . ^[137]

"Cortar" es diseccionar la canción que estás sampleando para "cortar" la parte o partes de la canción, ya sea la línea de bajo, la parte de guitarra rítmica, el descanso de batería u otra música, que quieres usar en el ritmo. ^[138] El looping se conoce como una secuencia melódica o percusiva que se repite a lo largo de un período de tiempo, por lo que básicamente un productor hará que un número par de compases de un ritmo (por ejemplo, cuatro compases u ocho compases) se repitan o "hagan un loop" de la duración completa de una canción. Este loop proporciona un acompañamiento para que un MC rapee sobre él.

Las herramientas necesarias para hacer beats a finales de los años 70 eran discos de funk, soul y otros géneros musicales , tocadiscos , mezcladores de DJ , consolas de audio y dispositivos de grabación multipista relativamente económicos de estilo Portastudio . En los años 80 y 90, los creadores y productores de beats utilizaron los nuevos instrumentos electrónicos y digitales que se desarrollaron, como samplers, secuenciadores, cajas de ritmos y sintetizadores. Desde los años 70 hasta los 2010, varios creadores y productores de beats han utilizado instrumentos en vivo, como la batería o el bajo eléctrico en algunas pistas.

Para grabar los beats o pistas de beats terminados, los creadores y productores de beats utilizan una variedad de equipos de grabación de sonido , generalmente grabadoras multipista . Las estaciones de trabajo de audio digital , también conocidas como DAW, se volvieron más comunes en la década de 2010 para los productores. Algunas de las DAW más utilizadas son FL Studio , Ableton Live y Pro Tools .

Las DAW han hecho posible que más personas puedan crear ritmos en sus propios estudios caseros, sin tener que ir a un estudio de grabación. Los creadores de ritmos que poseen una DAW no tienen que comprar todo el hardware que necesitaba un estudio de grabación en los años 80 (enormes consolas de audio de 72 canales, grabadoras multipistas, racks de unidades de efectos para montaje en rack), porque las DAW de la era 2010 tienen todo lo que necesitan para crear ritmos en una computadora portátil rápida y de buena calidad. ^[139]

Los beats son una parte tan integral de la música rap que muchos productores han podido hacer mixtapes o álbumes instrumentales. Aunque estos instrumentales no tienen rap, los oyentes aún disfrutan de las formas creativas en que el productor mezcla diferentes beats, samples y melodías instrumentales. Ejemplos de esto son "Tutenkhamen" de 9th Wonder y "Donuts" de J Dilla . Algunos discos de hip hop vienen en dos versiones: un beat con rap encima y un instrumental con solo el beat. El instrumental en este caso se proporciona para que los DJ y turntablistas puedan aislar breaks, beats y otra música para crear nuevas canciones.

El desarrollo de la lingüística del hip hop, incluida su propia poética , ^[140] es complejo. El material de origen incluye los espirituales de los esclavos que llegaban al nuevo mundo, la música dub jamaiquina, los lamentos de los cantantes de jazz y blues, el argot cockney y los DJ de radio que animaban a su audiencia usando rimas. ^[141] El hip hop tiene un argot asociado distintivo. ^[142] También se lo conoce por nombres alternativos, como "inglés negro" o " ebonics ". Los académicos sugieren que su desarrollo se debe a un rechazo de la jerarquía racial del lenguaje, que consideraba al "inglés blanco" como la forma superior de habla culta. ^[143]

Debido al éxito comercial del hip hop a finales de los años 1990 y principios de los 2000, muchas de estas palabras han sido asimiladas al discurso cultural de varios dialectos diferentes en Estados Unidos y el mundo e incluso para los fanáticos que no son del hip hop. ^[144] La palabra diss, por ejemplo, es particularmente prolífica. También hay una serie de palabras que son anteriores al hip hop, pero que a menudo se asocian con la cultura, siendo homie un ejemplo notable. A veces, términos como what the dilly, yo se popularizan por una sola canción (en este caso, " Put Your Hands Where My Eyes Could See " de Busta Rhymes ) y solo se usan brevemente. Un ejemplo particular es la jerga basada en reglas de Snoop Dogg y E-40 , que agregan -izzle o -izz al final o en el medio de las palabras.

Las letras de las canciones de hip hop también son conocidas por contener malas palabras. En particular, la palabra "bitch" (perra) se ve en innumerables canciones, desde "A Bitch Iz a bitch" de NWA hasta "She is a Bitch" de Missy Elliot. A menudo se utiliza con la connotación negativa de una mujer que es una "avara" superficial. Algunas artistas femeninas han tratado de recuperar la palabra y usarla como un término de empoderamiento. A pesar de todo, la comunidad del hip hop ha mostrado recientemente interés en discutir el uso de la palabra "bitch" (perra) y si es necesaria en el rap. ^[145]

No sólo las palabras particulares, sino también la elección del idioma en el que se rapea es un tema ampliamente debatido en el hip hop internacional. En Canadá, el uso de variantes no estándar del francés, como el franglais , una mezcla de francés e inglés, por parte de grupos como Dead Obies ^[146] o Chiac (como Radio Radio ^[147] ) tiene poderosas implicaciones simbólicas para la política lingüística canadiense y los debates sobre la identidad canadiense . En los Estados Unidos, los raperos eligen rapear en inglés, español o spanglish , dependiendo de sus propios antecedentes y su público objetivo. ^[148]

El hip hop ha tenido un impacto social considerable desde su creación en la década de 1970. "El hip hop también se ha vuelto relevante en el campo de la educación debido a sus implicaciones para la comprensión del lenguaje, el aprendizaje, la identidad y el currículo". ^[149] Orlando Patterson , profesor de sociología en la Universidad de Harvard , ayuda a describir el fenómeno de cómo el hip hop se ha extendido rápidamente por todo el mundo. Patterson sostiene que la comunicación de masas está controlada por los ricos, el gobierno y las grandes empresas de las naciones del Tercer Mundo y de los países de todo el mundo. ^[150]

También atribuye a la comunicación de masas la creación de una escena cultural global de hip hop. Como resultado, los jóvenes se ven influenciados por la escena de hip hop estadounidense y comienzan sus propias formas de hip hop. Patterson cree que la revitalización de la música hip hop ocurrirá en todo el mundo a medida que los valores tradicionales se mezclen con la música hip hop estadounidense ^[150] y, en última instancia, se desarrollará un proceso de intercambio global que llevará a los jóvenes de todo el mundo a escuchar una forma musical común de hip hop.

También se ha argumentado que la música rap se formó como una "respuesta cultural a la opresión histórica y al racismo, un sistema de comunicación entre las comunidades negras de todo Estados Unidos". ^[153] Esto se debe al hecho de que la cultura del hip hop reflejaba las realidades sociales, económicas y políticas de la juventud marginada. En la década de 2010, las letras del hip hop están empezando a reflejar temas originales de conciencia social . Los raperos están empezando a cuestionar el poder del gobierno y su papel opresivo en algunas sociedades. ^[154] La música rap ha sido una herramienta de empoderamiento político, social y cultural fuera de los Estados Unidos. Los miembros de comunidades minoritarias, como los argelinos en Francia y los turcos en Alemania , utilizan el rap como plataforma para protestar contra el racismo, la pobreza y las estructuras sociales. ^[155]

El lirismo del hip hop ha ganado cierta legitimidad en los círculos académicos y literarios. En la actualidad, se ofrecen estudios de lingüística del hip hop en instituciones como la Universidad de Toronto , donde el poeta y autor George Eliot Clarke ha enseñado el poder potencial de la música hip hop para promover el cambio social. ^[141] Greg Thomas, de la Universidad de Miami, ofrece cursos tanto a nivel de pregrado como de posgrado que estudian la naturaleza feminista y asertiva de las letras de Lil' Kim . ^[156]

Algunos académicos, entre ellos Ernest Morrell y Jeffrey Duncan-Andrade, comparan el hip hop con las obras satíricas de los grandes poetas del " canon occidental " de la era moderna, que utilizan imágenes y crean un clima para criticar a la sociedad. Como se cita en su obra "Promoción de la alfabetización académica con jóvenes urbanos a través de la participación en la cultura del hip hop":

Los textos de hip hop son ricos en imágenes y metáforas y pueden utilizarse para enseñar ironía, tono, dicción y punto de vista. Los textos de hip hop pueden analizarse en busca de temas, motivos, tramas y desarrollo de personajes. Tanto Grand Master Flash como TS Eliot contemplaron sus sociedades en rápido deterioro y vieron un "páramo". Ambos poetas eran esencialmente apocalípticos por naturaleza, ya que presenciaron la muerte, la enfermedad y la decadencia. ^[157]

La música hip hop ha sido censurada en la radio y la televisión debido a las letras explícitas de ciertos géneros. Muchas canciones han sido criticadas por sus mensajes antisistema y, a veces, violentos. El uso de blasfemias , así como de representaciones gráficas de violencia y sexo en los videos y canciones de música hip hop, dificulta su transmisión en estaciones de televisión como MTV, en formato de video musical y en la radio. Como resultado, muchas grabaciones de hip hop se transmiten en formato censurado, con el lenguaje ofensivo "silenciado" o eliminado de la banda sonora, o reemplazado por letras "limpias".

El resultado, que a veces hace que las letras restantes sean ininteligibles o contradictorias con la grabación original, se ha identificado casi tan ampliamente con el género como cualquier otro aspecto de la música, y ha sido parodiado en películas como Austin Powers en Goldmember , en la que el personaje de Mike Myers, Dr. Evil, actuando en una parodia de un video musical de hip hop (" Hard Knock Life (Ghetto Anthem) " de Jay-Z ), interpreta un verso completo que está borrado. En 1995, Roger Ebert escribió: ^[158]

El rap tiene mala reputación en los círculos blancos, donde mucha gente cree que consiste en un lenguaje gutural obsceno y violento contra los blancos y las mujeres . Algunos lo hacen, pero la mayoría no. A la mayoría de los oyentes blancos no les importa; escuchan voces negras en una letanía de descontento y dejan de escucharlo. Sin embargo, el rap hoy cumple el mismo papel que Bob Dylan en 1960, dando voz a las esperanzas y los enojos de una generación, y gran parte del rap es una escritura poderosa.

En 1990, Luther Campbell y su grupo 2 Live Crew presentaron una demanda contra el alguacil del condado de Broward, Nick Navarro, porque Navarro quería enjuiciar a las tiendas que vendían el álbum del grupo As Nasty As They Wanna Be debido a sus letras obscenas y vulgares. En junio de 1990, un juez de un tribunal de distrito de los Estados Unidos etiquetó el álbum como obsceno e ilegal de vender. Sin embargo, en 1992, el Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos para el Undécimo Circuito revocó el fallo de obscenidad del juez González, y la Corte Suprema de los Estados Unidos se negó a escuchar la apelación del condado de Broward. El profesor Louis Gates testificó en nombre de The 2 Live Crew, argumentando que el material que el condado alegaba que era profano en realidad tenía raíces importantes en la lengua vernácula, los juegos y las tradiciones literarias afroamericanas y debería ser protegido. ^[159]

El rap gangsta es un subgénero del hip hop que refleja la cultura violenta de los jóvenes negros de los barrios marginales de Estados Unidos. ^[161] El género fue iniciado a mediados de la década de 1980 por raperos como Schoolly D y Ice-T , y se popularizó a finales de la década de 1980 por grupos como NWA . Ice-T lanzó " 6 in the Mornin' ", que a menudo se considera la primera canción de rap gangsta, en 1986. Después de la atención nacional que Ice-T y NWA crearon a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, el rap gangsta se convirtió en el subgénero comercialmente más lucrativo del hip hop.

NWA es el grupo más frecuentemente asociado con la fundación del rap gangsta. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontativas y chocantes que las de los grupos de rap establecidos, con blasfemias incesantes y, de manera controvertida, el uso de la palabra " nigga ". Estas letras se colocaban sobre ritmos ásperos impulsados ​​por la guitarra de rock, lo que contribuía a la sensación dura de la música. El primer álbum de rap gangsta de gran éxito fue Straight Outta Compton de NWA , lanzado en 1988. ^{[162] [163]}

Straight Outta Compton estableció el hip hop de la Costa Oeste como un género vital y estableció a Los Ángeles como un rival legítimo de la capital de larga data del hip hop, la ciudad de Nueva York. Straight Outta Compton desató la primera gran controversia con respecto a las letras del hip hop cuando su canción " Fuck tha Police " recibió una carta delsubdirector del FBI, Milt Ahlerich, expresando enérgicamente el resentimiento de las fuerzas del orden por la canción. ^{[162] [163]}

El primer álbum de Tupac, " 2Pacalypse Now ", fue considerado polémico, particularmente por la canción "Soulja's Story". La canción mostraba la historia de un joven negro que buscaba venganza después de haber sido brutalizado por agentes de policía. Esta representación de la brutalidad policial y las represalias provocó indignación entre las fuerzas del orden y dio lugar a peticiones de censura y boicots al álbum. ^[164] A pesar de enfrentarse a una reacción violenta, Tupac no se disculpó por abordar cuestiones sociales en su música. ^[165]

La canción de Ice-T " Cop Killer " del álbum Body Count generó controversia . La canción pretendía hablar desde el punto de vista de un criminal que se vengaba de policías racistas y brutales. La canción de rock de Ice-T enfureció a los funcionarios del gobierno, a la Asociación Nacional del Rifle de Estados Unidos y a varios grupos de defensa de la policía. ^[166] En consecuencia, Time Warner Music se negó a lanzar el próximo álbum de Ice-T, Home Invasion , debido a la controversia en torno a "Cop Killer". ^[166]

Ice-T sugirió que el furor por la canción era una reacción exagerada, y le dijo al periodista Chuck Philips que "...han hecho películas sobre asesinos de enfermeras, asesinos de maestros y asesinos de estudiantes. [El actor] Arnold Schwarzenegger hizo volar por los aires a docenas de policías como Terminator , pero no oigo a nadie quejarse por eso". Ice-T le sugirió a Philips que la mala interpretación de "Cop Killer" y los intentos de censurarla tenían connotaciones raciales: "La Corte Suprema dice que está bien que un hombre blanco queme una cruz en público, pero nadie quiere que un hombre negro escriba un disco sobre un asesino de policías". ^[166]

Las administraciones de la Casa Blanca, tanto de George Bush padre como de Bill Clinton, criticaron el género. ^[160] "La razón por la que el rap está bajo ataque es porque expone todas las contradicciones de la cultura estadounidense... Lo que comenzó como una forma de arte underground se ha convertido en un vehículo para exponer muchos temas críticos que normalmente no se discuten en la política estadounidense. El problema aquí es que la Casa Blanca y los aspirantes como Bill Clinton representan un sistema político que nunca tiene la intención de lidiar con el caos urbano del centro de la ciudad", dijo Sister Souljah a The Times. ^[160] Hasta su discontinuación el 8 de julio de 2006, BET emitió un segmento nocturno titulado BET: Uncut para emitir videos casi sin censura. El programa fue ejemplificado por videos musicales como " Tip Drill " de Nelly , que fue criticado por lo que muchos vieron como una representación explotadora de las mujeres, particularmente imágenes de un hombre deslizando una tarjeta de crédito entre las nalgas de una stripper.

"Gotta Give the Peeps What They Need" de Public Enemy fue censurada en MTV , eliminando las palabras "liberen a Mumia ". ^[167] Después del ataque al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, el grupo The Coup de Oakland, California, fue criticado por la portada de su álbum Party Music , que mostraba a los dos miembros del grupo sosteniendo un afinador de guitarra y dos baquetas ^[168] mientras las Torres Gemelas explotaban detrás de ellos a pesar del hecho de que fue creada meses antes del evento real. El grupo, que tiene un contenido lírico políticamente radical y marxista , dijo que la portada pretendía simbolizar la destrucción del capitalismo. Su sello discográfico retiró el álbum hasta que se pudiera diseñar una nueva portada.

Debido al éxito del género musical, a partir de la década de 2000, más industrias y marcas comenzaron a cooperar con artistas de hip-hop, que hasta entonces habían sido considerados demasiado escandalosos para el marketing convencional. ^[169] Similar al greenwashing , el fenómeno de las empresas que utilizan colaboraciones de hip-hop con fines comerciales sin comprender y apoyar completamente la cultura involucrada se conoce como "streetwashing". ^[170]

Los críticos como David Kiley de Businessweek sostienen que la discusión de productos dentro de la cultura del hip hop puede ser en realidad el resultado de acuerdos de colocación de productos no revelados. ^[171] Estos críticos alegan que la publicidad o colocación de productos tiene lugar en la música rap comercial, y que las referencias líricas a los productos son en realidad patrocinios pagados. ^[171] En 2005, un plan propuesto por McDonald's para pagar a los raperos para que publicitaran los productos de McDonald's en su música se filtró a la prensa. ^[171] Después de que Russell Simmons hiciera un trato con Courvoisier para promocionar la marca entre los fanáticos del hip hop, Busta Rhymes grabó la canción "Pass the Courvoisier". ^[171] Simmons insiste en que no hubo dinero intercambiado en el trato. ^[171]

La relación simbiótica también se ha extendido para incluir a fabricantes de automóviles, diseñadores de ropa y empresas de zapatillas, ^[172] y muchas otras empresas han utilizado la comunidad del hip hop para hacerse un nombre o para darse credibilidad. Uno de esos beneficiarios fue Jacob the Jeweler , un comerciante de diamantes de Nueva York. La clientela de Jacob Arabo incluía a Sean Combs , Lil' Kim y Nas . Creó piezas de joyería a partir de metales preciosos que estaban muy cargados de diamantes y piedras preciosas. ^[173]

A medida que su nombre se mencionaba en las letras de las canciones de sus clientes de hip hop, su perfil subió rápidamente. Arabo amplió su marca para incluir relojes con incrustaciones de piedras preciosas que se venden al por menor por cientos de miles de dólares, ganando tanta atención que Cartier presentó una demanda por infracción de marca registrada en su contra por poner diamantes en las esferas de sus relojes y revenderlos sin permiso. ^[173] El perfil de Arabo aumentó de manera constante hasta su arresto en junio de 2006 por parte del FBI por cargos de lavado de dinero . ^[174]

Aunque algunas marcas agradecen el apoyo de la comunidad del hip hop, una marca que no lo hizo fue Louis Roederer, fabricante de champán Cristal . Un artículo de 2006 de la revista The Economist incluía comentarios del director general Frederic Rouzaud sobre si la identificación de la marca con las estrellas del rap podría afectar negativamente a su empresa. Su respuesta fue despectiva: "Esa es una buena pregunta, pero ¿qué podemos hacer? No podemos prohibir a la gente que lo compre. Estoy seguro de que Dom Pérignon o Krug [champán] estarían encantados de tener su negocio". ^[175]

En represalia, muchos íconos del hip hop como Jay-Z y Sean Combs , quienes previamente incluyeron referencias a "Cris", cesaron todas las menciones y compras del champán. El acuerdo de 50 Cent con Vitamin Water , la promoción de Dr. Dre de su línea de auriculares Beats by Dr. Dre y Dr. Pepper , y el comercial de Drake con Sprite son acuerdos exitosos. Aunque los acuerdos de colocación de productos no eran populares en la década de 1980, MC Hammer fue un innovador temprano en este tipo de estrategia. Con productos como muñecas, comerciales de refrescos y numerosas apariciones en programas de televisión, Hammer comenzó la tendencia de que los artistas de rap fueran aceptados como presentadores de marcas convencionales. ^[176]

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La cultura hip hop ha tenido una amplia cobertura en los medios, especialmente en relación con la televisión; ha habido una serie de programas de televisión dedicados al hip hop o sobre él, incluso en Europa (" HIPHOP " en 1984). Durante muchos años, BET fue el único canal de televisión que probablemente transmitía hip hop, pero en los últimos años ^{[ ¿cuándo? ]} los canales VH1 y MTV han agregado una cantidad significativa de hip hop a su lista de reproducción. Run DMC se convirtió en el primer grupo afroamericano en aparecer en MTV. ^{[177] [178]} Con la aparición de Internet, una serie de sitios en línea comenzaron a ofrecer contenido de video relacionado con el hip hop.

Las revistas de hip hop describen la cultura del hip hop, incluyendo información sobre raperos y MCs, nueva música hip hop, conciertos, eventos, moda e historia. La primera publicación de hip hop, The Hip Hop Hit List, se publicó en la década de 1980. Contenía la primera lista de éxitos de música rap. Fue publicada por dos hermanos de Newark, Nueva Jersey, Vincent y Charles Carroll (que también estaba en un grupo de hip hop conocido como The Nastee Boyz ). Conocían muy bien la forma de arte y notaron la necesidad de una revista de hip hop. Los DJ y raperos no tenían forma de aprender sobre los estilos y las etiquetas de la música rap.

La publicación comenzó como la primera lista de discos de rap y hoja de consejos para DJ y se distribuyó a través de grupos de discos nacionales y tiendas de discos en toda el área de los tres estados de la ciudad de Nueva York. Uno de los editores fundadores, Charles Carroll, señaló: "En aquel entonces, todos los DJ venían a la ciudad de Nueva York a comprar sus discos, pero la mayoría de ellos no sabían qué era lo suficientemente popular como para gastar dinero en él, así que lo publicamos en las listas". Jae Burnett se convirtió en socio de Vincent Carroll y desempeñó un papel fundamental en su desarrollo posterior.

Otra revista popular de hip hop que surgió en la década de 1980 fue Word Up , una revista estadounidense dirigida a los jóvenes con énfasis en el hip hop. Incluía artículos sobre cómo es ser parte de la comunidad del hip hop, promocionaba los próximos álbumes, daba a conocer los proyectos en los que participaba el artista y también incluía carteles de celebridades de moda dentro del mundo del hip hop. La revista se publicaba mensualmente y trataba principalmente sobre rap, hip hop y música R&B. La revista Word Up era muy popular, incluso se la mencionaba en la popular canción de The Notorious BIG : Juicy "Todo era un sueño, solía leer la revista WordUp". La revista Word Up era parte de la cultura pop.

Los turistas extranjeros de Nueva York se llevaron la publicación a casa y la compartieron en otros países, creando un interés mundial por la cultura y la nueva forma de arte. ^{[ cita requerida ]} Se imprimieron 50.000 ejemplares, la tirada fue de 200.000 y contó con más de 25.000 suscriptores. La "Hip Hop Hit List" también fue la primera en definir el hip hop como una cultura que presenta los muchos aspectos de la forma de arte, como la moda, la música, la danza, las artes y, lo más importante, el idioma. Por ejemplo, en la portada, el encabezado incluía el lema "¡Toda la literatura se produjo para satisfacer la comprensión de la calle!", lo que demostraba su lealtad no solo a la cultura, sino también a las calles. La mayoría de las entrevistas se escribieron textualmente, lo que incluía su innovador estilo de escritura en inglés roto. Algunos de los primeros gráficos se escribieron en el estilo de etiqueta de formato de graffiti, pero se hicieron lo suficientemente legibles para las masas. ^{[ cita requerida ]}

Los hermanos Carroll también fueron consultores de muchas compañías discográficas que no tenían idea de cómo comercializar la música hip hop. Vincent Carroll, el creador y editor de la revista, se convirtió en una gran fuente de marketing y promoción de la cultura del hip hop, iniciando Blow-Up Media, la primera empresa de marketing de hip hop con oficinas en el distrito Tribeca de Nueva York. A la edad de 21 años, Vincent Carroll empleó a un personal de 15 y ayudó a lanzar algunas de las estrellas más grandes y brillantes de la cultura (los Fugees, Nelly, los Outzidaz, feat. Eminem y muchos más). ^{[ cita requerida ]} Más tarde surgieron otras publicaciones, incluidas: Hip Hop Connection , XXL , Scratch , The Source y Vibe . ^[179] Muchas ciudades individuales también han producido sus propios boletines locales de hip hop, mientras que las revistas de hip hop con distribución nacional se encuentran en algunos otros países. El siglo XXI también marcó el comienzo del auge de los medios en línea, y los sitios de fans del hip hop ahora ofrecen una cobertura integral del hip hop a diario.

La ropa, el peinado y otros estilos han sido una parte importante del impacto social y cultural del hip hop desde la década de 1970. Aunque los estilos han cambiado a lo largo de las décadas, la indumentaria y los looks urbanos distintivos han sido una forma importante para que los raperos, bailarines de breakdance y otros miembros de la comunidad del hip hop se expresen. A medida que la popularidad del género musical hip hop aumentó, también lo hizo el efecto de su moda.

Si bien hubo artículos que en sus inicios eran sinónimo de hip hop y que pasaron a formar parte de la cultura dominante, como la afinidad de Run-DMC por Adidas o la defensa de los Wallabees de Clarks por parte de Wu-Tang Clan, la moda hip hop no se volvió influyente hasta su apogeo comercial. A partir de mediados y fines de la década de 1990, la cultura hip hop adoptó a algunos diseñadores importantes y estableció una nueva conexión con la moda clásica.

Marcas como Ralph Lauren , Calvin Klein y Tommy Hilfiger se adentraron en la cultura del hip hop y dieron muy poco a cambio. Al entrar en el nuevo milenio, la moda del hip hop consistía en camisetas holgadas, vaqueros y jerseys. A medida que nombres como Pharrell y Jay-Z empezaron a usar sus propias líneas de ropa y otros como Kanye West se asociaron con diseñadores como Louis Vuitton , la ropa se volvió más ajustada, más clásica y cara. Artistas como West también empezaron a dejar de usar los jerseys y empezaron a usar lo que se llamaba ropa "preppy". ^[180]

A medida que el hip hop ha experimentado un cambio en los medios por los que sus artistas expresan su masculinidad, desde la violencia y la intimidación hasta la ostentación de riqueza y el espíritu emprendedor, también ha visto el surgimiento de la marca rapera. ^[181] El artista de hip hop moderno ya no se limita a que la música sea su única ocupación o fuente de ingresos. A principios de la década de 1990, las principales empresas de indumentaria "[se] habían dado cuenta del potencial económico de aprovechar la cultura del hip hop ... Tommy Hilfiger fue uno de los primeros diseñadores de moda importantes que cortejó activamente a los raperos como una forma de promover su ropa de calle ". ^[182]

Al unir sus fuerzas, el artista y la corporación pueden beneficiarse conjuntamente de los recursos de cada uno. Los artistas de hip hop son creadores de tendencias y tendencias. Sus seguidores van desde grupos minoritarios que pueden identificarse con sus luchas declaradas hasta grupos mayoritarios que no pueden identificarse verdaderamente con ellas pero les gusta "consumir la fantasía de vivir una vida más masculina". ^[183]

Los raperos aportan el factor "cool, moderno", mientras que las corporaciones ofrecen el producto, la publicidad y los activos financieros. Tommy Hilfiger, uno de los primeros diseñadores de moda que cortejó activamente a los raperos como forma de promocionar su ropa de calle, es un ejemplo prototípico de las colaboraciones entre lo moderno y lo moderno:

A cambio de darles a los artistas vestuario gratis, Hilfiger vio que su nombre era mencionado tanto en versos rimados de canciones de rap como en sus letras de agradecimiento, en las que los artistas de rap cantan gracias a sus amigos y patrocinadores por su apoyo. El éxito de Hilfiger convenció a otras grandes empresas de diseño de moda estadounidenses, como Ralph Lauren y Calvin Klein, a adaptar sus líneas al lucrativo mercado de los artistas y seguidores del hip hop. ^[184]

Los artistas utilizan ahora las marcas como un medio de ingresos complementarios a su música o están creando y ampliando sus propias marcas que se convierten en su principal fuente de ingresos. Como explica Harry Elam, ha habido un movimiento "que va desde la incorporación y redefinición de tendencias existentes hasta el diseño y comercialización de productos como moda hip hop". ^[184]

La música hip hop ha generado docenas de subgéneros que incorporan enfoques de producción musical de hip hop, como el sampling , la creación de ritmos o el rap. El proceso de diversificación se deriva de la apropiación de la cultura hip hop por parte de otros grupos étnicos. Hay muchas influencias sociales variadas que afectan el mensaje del hip hop en diferentes naciones. Se utiliza con frecuencia como una respuesta musical a las injusticias políticas y/o sociales percibidas. En Sudáfrica, la forma más grande de hip hop se llama kwaito , que ha tenido un crecimiento similar al hip hop estadounidense. Kwaito es un reflejo directo de una Sudáfrica post-apartheid y es una voz para los que no tienen voz; un término con el que a menudo se hace referencia al hip hop estadounidense. Kwaito incluso se percibe como un estilo de vida, que abarca muchos aspectos de la vida, incluido el lenguaje y la moda. ^[185]

El kwaito es un género político y partidista, ya que los artistas utilizan la música para expresar sus opiniones políticas y también para expresar su deseo de pasar un buen rato. El kwaito es una música que proviene de un pueblo que alguna vez fue odiado y oprimido, pero que ahora está arrasando en la nación. Los principales consumidores de kwaito son adolescentes y la mitad de la población sudafricana tiene menos de 21 años. Algunos de los grandes artistas de kwaito han vendido más de 100.000 álbumes, y en una industria en la que 25.000 álbumes vendidos se considera un disco de oro, esas son cifras impresionantes. ^[186] El kwaito permite la participación y el compromiso creativo de pueblos que de otro modo estarían socialmente excluidos en la generación de medios populares. ^[187] El hip hop sudafricano ha tenido un impacto en todo el mundo, con artistas como Tumi , HipHop Pantsula y Tuks Senganga . ^[188]

En Jamaica , los sonidos del hip hop se derivan de influencias estadounidenses y jamaicanas. El hip hop jamaiquino se define tanto a través de la música dancehall como del reggae. El jamaiquino Kool Herc trajo los sistemas de sonido, la tecnología y las técnicas de la música reggae a Nueva York durante la década de 1970. Los artistas de hip hop jamaiquinos a menudo rapean con acentos de Brooklyn y de Jamaica. La temática del hip hop jamaiquino a menudo está influenciada por fuerzas externas e internas. Fuerzas externas como la era del bling-bling del hip hop moderno actual e influencias internas que provienen del uso del anticolonialismo y las referencias a la marihuana o "ganja" que los rastafaris creen que los acercan a Dios. ^{[189] [190] [191]}

El autor Wayne Marshall sostiene que "el hip hop, como muchas otras formas culturales afroamericanas anteriores, ofrece una gama de significados atractivos y contradictorios para los artistas y el público jamaiquinos. Desde la "negritud moderna" hasta la "mentalidad extranjera", el cosmopolitismo transnacional hasta el panafricanismo militante , la remixología radical hasta el mimetismo absoluto, el hip hop en Jamaica encarna las innumerables formas en que los jamaicanos adoptan, rechazan e incorporan formas extranjeras pero familiares". ^[192]

En el mundo en desarrollo, el hip hop ha tenido un impacto considerable en el contexto social. A pesar de la falta de recursos, el hip hop ha logrado avances considerables. ^[81] Debido a la limitación de fondos, los artistas de hip hop se ven obligados a utilizar herramientas muy básicas, e incluso el grafiti, un aspecto importante de la cultura del hip hop, se ve limitado debido a su falta de disponibilidad para la persona promedio. El hip hop ha comenzado a abrirse camino con más artistas que los negros. Hay otros artistas minoritarios que están tomando protagonismo a medida que muchos niños de minorías de primera generación llegan a la mayoría de edad. Un ejemplo es la rapera Awkwafina, una estadounidense de origen asiático que rapea sobre ser asiática y también mujer. Ella, como muchos otros, usa el rap para expresar sus experiencias como minoría, no necesariamente para "unir" a las minorías, sino para contar su historia. ^[193]

Muchos artistas de hip hop del mundo en desarrollo vienen a los Estados Unidos en busca de oportunidades. Maya Arulpragasm (AKAMIA) , una artista de hip hop tamil nacida en Sri Lanka , afirma: "Solo estoy tratando de construir una especie de puente, estoy tratando de crear un tercer lugar, en algún lugar entre el mundo desarrollado y el mundo en desarrollo". ^[194] Otro artista musical que usa el hip hop para brindar un mensaje positivo a los jóvenes africanos es Emmanuel Jal , un ex niño soldado de Sudán del Sur . Jal es uno de los pocos artistas musicales de Sudán del Sur que se ha abierto paso a nivel internacional ^[195] con su forma única de hip hop y un mensaje positivo en sus letras. ^[196] Jal ha atraído la atención de los principales medios de comunicación y académicos con su historia y el uso del hip hop como un medio curativo para las personas afectadas por la guerra en África y también ha sido buscado en foros de conferencias internacionales como TED . ^[197]

Muchos artistas de K-Pop en Corea del Sur han sido influenciados por el hip hop y muchos artistas surcoreanos interpretan música hip hop. En Seúl , Corea del Sur, los coreanos son b-boys. ^[198]

Los académicos sostienen que el hip hop puede tener un efecto empoderador en los jóvenes. Si bien hay misoginia, violencia y consumo de drogas en los videos y letras de la música rap, el hip hop también muestra muchos temas positivos de autosuficiencia, resiliencia y autoestima. Estos mensajes pueden ser inspiradores para un joven que vive en la pobreza. Muchas canciones de rap contienen referencias al fortalecimiento de la comunidad afroamericana promoviendo causas sociales. Los trabajadores sociales han utilizado el hip hop para construir una relación con jóvenes en riesgo y desarrollar una conexión más profunda con el niño. ^[199] El hip hop tiene el potencial de ser enseñado como una forma de ayudar a las personas a ver el mundo de manera más crítica, ya sea a través de formas de escritura, creación musical o activismo social. Las letras del hip hop se han utilizado para aprender sobre recursos literarios como la metáfora, la imaginería, la ironía, el tono, el tema, el motivo, la trama y el punto de vista. ^[200]

Las organizaciones e instalaciones están proporcionando espacios y programas para que las comunidades exploren la creación y el aprendizaje del hip hop. Un ejemplo son los laboratorios IMP en Regina, Saskatchewan, Canadá. Muchos estudios de danza y universidades ahora ofrecen lecciones de hip hop junto con claqué y ballet, así como KRS-One imparte conferencias de hip hop en la Universidad de Harvard. El productor de hip hop 9th Wonder y el ex rapero y actor Christopher "Play" Martin del grupo de hip hop Kid-n-Play han impartido clases de historia del hip hop en la Universidad Central de Carolina del Norte ^[201] y 9th Wonder también ha impartido una clase de "Hip Hop Sampling Soul" en la Universidad de Duke . ^[202] En 2007, la biblioteca de la Universidad de Cornell estableció una Colección de Hip Hop para recopilar y hacer accesibles los artefactos históricos de la cultura del hip hop y garantizar su preservación para las generaciones futuras. ^[203]

La comunidad del hip hop ha sido un factor importante en la educación de sus oyentes sobre el VIH/SIDA, una enfermedad que ha afectado muy de cerca a la comunidad. Uno de los artistas más importantes del hip hop temprano, Eazy-E, miembro de NWA, había muerto de SIDA en 1995. ^[204] Desde entonces, muchos artistas, productores, coreógrafos y muchos otros de diferentes lugares han tratado de tener un impacto y crear conciencia sobre el VIH en la comunidad del hip hop. Muchos artistas han hecho canciones como una especie de anuncios de servicio público para crear conciencia sobre el VIH para los oyentes de hip hop, algunas canciones que crean conciencia son Salt N Pepa - Let's Talk About AIDS, Coolio - Too Hot y más. ^[205]

Artistas tanzanos como el Profesor Jay y el grupo Afande Sele son notables por sus contribuciones a este género de música hip hop y la conciencia que han difundido sobre el VIH. ^[206] El escritor, activista y artista de hip hop estadounidense Tim'm T. West, a quien se le diagnosticó SIDA en 1999, formó el grupo de hip hop queer Deep Dickollective que se reunió para rapear sobre la pandemia del VIH entre los hombres negros queer y el activismo LGBTQ en el hip hop. ^{[207] [208]}

Una organización sin fines de lucro de la ciudad de Nueva York llamada Hip Hop 4 Life, se esfuerza por educar a los jóvenes, especialmente a los jóvenes de bajos ingresos sobre los problemas sociales y políticos en sus áreas de interés, que incluyen el hip hop. ^[209] Hip Hop 4 Life ha realizado muchos eventos en el área de la ciudad de Nueva York para crear conciencia sobre el VIH y otros problemas que rodean a estos niños de bajos ingresos y sus comunidades.

Desde la época de la esclavitud, la música ha sido durante mucho tiempo el lenguaje de la identidad afroamericana. Debido a que leer y escribir estaban prohibidos bajo los auspicios de la esclavitud, la música se convirtió en la única forma accesible de comunicación. Cientos de años después, en los barrios del centro de la ciudad plagados de altos índices de analfabetismo y deserción escolar, la música sigue siendo el medio de expresión más fiable. El hip hop es, pues, para la época moderna lo que los espirituales negros son para las plantaciones del viejo Sur: la música emergente articula los terrores del entorno mejor que la palabra escrita o hablada, forjando así una "asociación incuestionable de la opresión con la creatividad [que] es endémica" de la cultura afroamericana". ^[210]

Como resultado, las letras de las canciones de rap a menudo se han tratado como "confesiones" de una serie de crímenes violentos en los Estados Unidos. ^[211] También se considera que es el deber de los raperos y otros artistas de hip hop (DJs, bailarines) "representar" a su ciudad y barrio. Esto exige estar orgulloso de ser de barrios de ciudades desfavorecidas que tradicionalmente han sido una fuente de vergüenza, y glorificarlos en letras y grafitis. Esta ha sido potencialmente una de las formas en que el hip hop ha llegado a ser considerado un género musical "local" en lugar de "extranjero" en tantos países de todo el mundo en tan solo unas décadas. Sin embargo, samplear y tomar prestado de varios géneros y lugares también es parte del entorno del hip hop, y un álbum como el éxito sorpresa Kala del rapero anglo-tamil MIA se grabó en lugares de todo el mundo y presenta sonidos de un país diferente en cada pista. ^[212]

Según el académico Joseph Schloss, la perspectiva esencialista del hip hop oculta de forma notoria el papel que desempeñan el estilo y el placer individuales en el desarrollo del género. Schloss señala que el hip hop está fosilizado para siempre como un inevitable fenómeno cultural emergente, como si "ninguno de los innovadores del hip hop hubiera nacido, un grupo diferente de jóvenes negros pobres del Bronx habría desarrollado el hip hop exactamente de la misma manera". ^[210]

Sin embargo, aunque las condiciones opresivas generalizadas del Bronx probablemente generaron otro grupo de jóvenes desfavorecidos, se pregunta si estarían igualmente interesados ​​y dispuestos a dedicar tanto tiempo y energía a hacer música como Grandmaster Flash, DJ Kool Herc y Afrika Bambaataa. Por lo tanto, concluye que el hip hop fue el resultado de una elección, no del destino, y que cuando se ignoran las contribuciones individuales y las preferencias artísticas, el origen del género se atribuye excesivamente a la opresión cultural colectiva.

Los artistas y defensores de la música hip hop han afirmado que el hip hop ha sido una forma cultural y artística afroamericana auténtica (verdadera y "real") desde su aparición en los barrios del centro de la ciudad del Bronx en la década de 1970. Algunos críticos musicales, académicos y comentaristas políticos ^{[ ¿quiénes? ]} han negado la autenticidad del hip hop. Los defensores que afirman que el hip hop es un género musical auténtico afirman que es una respuesta continua a la violencia y la discriminación que sufren los negros en los Estados Unidos, desde la esclavitud que existió hasta el siglo XIX, hasta los linchamientos del siglo XX y la discriminación racial actual que enfrentan los negros. ^{[213] [214]}

Paul Gilroy y Alexander Weheliye afirman que, a diferencia de la música disco , el jazz , el R&B , la música house y otros géneros que se desarrollaron en la comunidad afroamericana y que fueron rápidamente adoptados y luego cada vez más controlados por ejecutivos blancos de la industria musical, el hip hop ha permanecido en gran medida controlado por artistas, productores y ejecutivos afroamericanos. ^[215] En su libro, Phonographies , Weheliye describe las afiliaciones políticas y culturales que permite la música hip hop. ^[216]

Por el contrario, Greg Tate afirma que la forma comercial e impulsada por el mercado del hip hop ha desarraigado al género de la celebración de la cultura afroamericana y de los mensajes de protesta que predominaban en sus formas tempranas. ^[217] Tate afirma que la mercantilización y comercialización de la cultura del hip hop socava el dinamismo del género para las comunidades afroamericanas.

Estas dos interpretaciones discrepantes del alcance y la influencia del hip hop enmarcan debates que giran en torno a la posesión o falta de autenticidad del hip hop. ^[218] Anticipándose a los argumentos de mercado de Tate y otros, tanto Gilroy como Weheliye afirman que el hip hop siempre ha tenido una función diferente a la de la música popular occidental en su conjunto, una función que excede las limitaciones del capitalismo de mercado. ^[219]

Weheliye señala: "La música popular, generalmente en forma de grabaciones, ha funcionado y sigue funcionando como uno de los principales canales de comunicación entre los diferentes puntos geográficos y culturales de la diáspora africana , permitiendo a los artistas articular y representar su ciudadanía diaspórica ante audiencias internacionales y establecer conversaciones con otras comunidades diaspóricas". ^[219] Para Paul Gilroy, el hip hop demuestra ser una salida de articulación y un espacio sonoro en el que los afroamericanos pueden ejercer un control e influencia de los que a menudo carecen en otros dominios sociopolíticos y económicos. ^[220]

En "Phonographies", Weheyliye explica cómo las nuevas tecnologías de sonido utilizadas en el hip hop fomentan la "ciudadanía diaspórica" ​​y las actividades culturales y políticas afroamericanas. ^[221] Gilroy afirma que el "poder de la música [hip hop] [radica] en desarrollar las luchas negras comunicando información, organizando la conciencia y probando o desplegando... formas individuales o colectivas" de acciones culturales y políticas afroamericanas. ^[220] En el tercer capítulo de The Black Atlantic , "Jewels Brought from Bondage: Black Music and the Politics of Authenticity", Gilroy afirma que estos elementos influyen en la producción y la interpretación de las actividades culturales negras. Lo que Gilroy llama los rituales y tradiciones de la música del "Atlántico Negro" son una forma más expansiva de pensar en la "negritud" afroamericana, una forma que va más allá de los debates contemporáneos en torno a argumentos esencialistas y antiesencialistas . Como tal, Gilroy afirma que la música ha sido y sigue siendo un escenario central para los debates sobre el trabajo, la responsabilidad y el papel futuro de la producción cultural y artística negra. ^[222]

El intérprete de hip hop de la vieja escuela DJ Kool Herc , junto con los artistas de hip hop tradicionales Afrika Bambaataa y Grandmaster Caz , originalmente tenían opiniones en contra del rap convencional. ^[223] Sin embargo, entrevistas recientes indican que han cambiado sus formas hasta cierto punto. ^{[224] [ ¿ investigación original? ]} Sin embargo, raperos como KRS-One todavía sienten una fuerte desaprobación de la industria del rap, especialmente a través de los medios de comunicación convencionales. ^{[225] [ ¿investigación original? ]}

En el b-boying , la mayoría de los seguidores han comenzado a involucrar lentamente a más patrocinadores de la industria a través de eventos en la World BBoy Series y a través del UDEF impulsado por Silverback Open. ^[226] Otros b-boys han comenzado a aceptar el uso del término breakdance, pero solo si el término b-boying es demasiado difícil de comunicar al público en general. Independientemente de esto, los b-boys y b-girls todavía existen para mostrar la falta de apoyo a los jams y eventos que sienten que representan la cultura como deporte, forma de entretenimiento y también a través del capitalismo . Battle Rap como industria también ha sido fuertemente apoyada por leyendas de la vieja escuela / era dorada como Herc, Kid Capri y KRS-One . ^{[227] [228]}

En 2012, el pionero del hip hop y el rap Chuck D , del grupo Public Enemy , criticó a los jóvenes artistas de hip hop de la década de 2010, afirmando que han tomado un género musical con amplias raíces en la música underground y lo han convertido en música pop comercializada. ^[229] En particular, figuras seminales de la música underground temprana, con motivaciones políticas, como Ice-T , han criticado a los artistas de hip hop actuales por estar más preocupados por la imagen que por la sustancia. ^[230] Los críticos han afirmado que los artistas de hip hop de la década de 2010 están contribuyendo a los estereotipos culturales de la cultura afroamericana y son gánsteres impostores . Los críticos también han afirmado que la música hip hop promueve el consumo de drogas y la violencia. ^{[231] [232] [233]}

El hip hop ha sido criticado por críticos centrados en el rock que afirman que el hip hop no es una verdadera forma de arte y que afirman que la música rock and roll es más auténtica . Estos críticos defienden un punto de vista llamado " rockismo ", que favorece la música escrita e interpretada por el artista individual (como se ve en algunas bandas de rock famosas lideradas por cantautores) y está en contra del hip hop de la década de 2000, que según estos críticos da un papel demasiado importante a los productores de discos y a la grabación de sonido digital . El hip hop es visto como demasiado violento y explícito, en comparación con el rock. Algunos sostienen que las críticas tienen connotaciones raciales, ya que estos críticos niegan que el hip hop sea una forma de arte y elogian los géneros de rock que presentan de manera prominente a hombres blancos. ^[234]

El género musical hip hop y su subcultura han sido criticados por su sesgo de género y sus impactos negativos en las mujeres en la cultura afroamericana. Artistas de rap gangsta como Eazy-E , Snoop Dogg , 2Pac y Dr. Dre han rapeado, principalmente en la década de 1990, letras que retratan a las mujeres como juguetes sexuales e inferiores o dependientes de los hombres . ^[235] Entre 1987 y 1993, más de 400 canciones de hip hop tenían letras que describían la violencia hacia las mujeres , incluida la violación, la violencia sexual , el asalto y el asesinato. ^[236] Estas letras anti-mujeres han creado estereotipos negativos de las jóvenes afroamericanas urbanas. ^[237]

La música hip hop promueve frecuentemente el heterosexismo y la masculinidad hegemónica , ya que retrata a las mujeres como individuos que deben depender de los hombres. ^[236] La representación de las mujeres en las letras y los vídeos de hip hop tiende a ser violenta, degradante y altamente sexualizada. ^[238] Hay una alta frecuencia de canciones con letras que son degradantes hacia las mujeres y representan violencia sexual o agresión sexual hacia las mujeres. ^{[238] [239]} Los vídeos a menudo retratan cuerpos femeninos idealizados y representan a las mujeres como objeto de placer masculino . ^[240]

La tergiversación de las mujeres, principalmente las mujeres de color , como objetos en lugar de otros seres humanos y la presencia del dominio masculino en el hip hop se remonta al nacimiento del género. Sin embargo, también han surgido muchas artistas femeninas de hip hop que arrojan luz tanto sobre sus problemas personales como sobre las tergiversaciones de las mujeres en la música y la cultura del hip hop. Estas artistas incluyen, entre otras, a Queen Latifah , TLC y MC Lyte . A pesar del éxito de ellas y otras, las raperas siguen siendo proporcionalmente pocas en la industria convencional. ^{[241] [242]}

Muy pocas artistas femeninas han sido reconocidas en el hip hop, y los artistas, productores de discos y ejecutivos musicales más populares, exitosos e influyentes son hombres. Las mujeres que están en grupos de rap, como Lauryn Hill de los Fugees , tienden a tener menos ventajas y oportunidades que los artistas masculinos. ^[243] Además, las artistas femeninas han recibido significativamente menos reconocimiento en el hip hop. Solo una artista femenina ha ganado el premio al Mejor Álbum de Rap del Año en los Premios Grammy desde que se agregó la categoría en 1995. ^[244] Además, las artistas femeninas afroamericanas de hip hop han sido reconocidas aún menos en la industria. ^[245] Salt-N-Pepa sintió que cuando se estaban estableciendo como un grupo exitoso, tenían que demostrar que los escépticos estaban equivocados, afirmando que "al ser mujeres en el hip hop en una época en la que no había tantas mujeres, sentimos que teníamos más que demostrar". ^[246]

Las escenas de hip hop, hardcore rap y trap , junto con sus subgéneros y subculturas derivadas , son más conocidas por haber celebrado y promovido continuamente el tráfico de drogas, el estilo de vida de gángster y el consumo de drogas y alcohol desde sus inicios en los Estados Unidos a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. ^{[247] [248] [238] [249]}

Además, la comunidad musical de hip hop ha sido criticada con acusaciones de homofobia y transfobia . ^[250] Las letras de las canciones de hip hop contienen insultos homofóbicos ofensivos (el más popular es el término peyorativo " maricón ") y, a veces, amenazas violentas hacia las personas queer , como " Where the Hood At? " del rapero DMX , "Nobody Move" del rapero Eazy-E , " Punks Jump Up to Get Beat Down " del grupo de rap Brand Nubian . ^[251] Muchos raperos y artistas de hip hop han defendido la homofobia y/o la transfobia. ^[252] Estos artistas incluyen a Ja Rule , quien en una entrevista afirmó: "Tenemos que dar un paso adelante ante MTV y Viacom , y hablar de todos estos programas de mierda que tienen en MTV que promueven la homosexualidad, que mis hijos no pueden ver esta mierda", ^[253] y el artista de rap Erick Sermon , quien ha dicho públicamente: "[El hip hop] nunca aceptará a los raperos transgénero". ^[254]

Hasta la década de 2010, la música hip hop ha excluido a la comunidad lesbiana, gay, bisexual y transgénero (LGBT) . Esto ha perpetuado una cultura en el hip hop que tiene prejuicios hacia las personas queer y trans, lo que la convierte en una cultura difícil para los artistas queer en la que participar. ^[250] A pesar de este prejuicio, algunos raperos y artistas de hip hop queer/ genderqueer se han vuelto exitosos y populares en la década de 2010. Uno de los miembros más notables de la comunidad LGBT en el hip hop es Frank Ocean , quien salió del armario en 2012 y ha lanzado álbumes aclamados por la crítica y ganó dos premios Grammy . ^[255] Otros artistas de hip hop/rap queer exitosos incluyen a la rapera bisexual Azealia Banks , ^[256] la rapera y cantante andrógina pansexual Angel Haze , ^[257] la rapera lesbiana Siya , ^[258] el rapero/cantante gay Kevin Abstract , ^[259] y el rapero genderqueer Mykki Blanco . ^[260]

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El hip hop, que tiene sus raíces en la música disco , funk , jazz , R&B y soul , ^{[261] [262] [263] se ha expandido desde entonces por todo el mundo. Su expansión incluye eventos como el lanzamiento de} Planet Rock en 1982 por parte de Afrika Bambaataa , que intentó establecer una armonía más global. En la década de 1980, el británico Slick Rick se convirtió en el primer artista de hip hop de éxito internacional no nativo de Estados Unidos. ^{[ cita requerida ]} A partir de la década de 1980, la televisión hizo que el hip hop se volviera global. Desde Yo! MTV Raps hasta la gira mundial de Public Enemy, el hip hop se extendió a América Latina y se convirtió en una cultura dominante. El hip hop se ha cortado, mezclado y adaptado a medida que la música se difunde a nuevas áreas. ^{[264] [265] [ ¿ fuente poco confiable? ]}

El hip hop temprano puede haber reducido la violencia de pandillas en los centros urbanos al proporcionar un medio de expresión alternativo a la violencia física. ^{[266] Sin embargo, con el surgimiento del} rap gangsta comercial y relacionado con el crimen durante los primeros años de la década de 1990, la violencia, las drogas, las armas y la misoginia fueron temas clave. El hip hop con conciencia social y política ha sido ignorado durante mucho tiempo por la corriente dominante estadounidense en favor de su hermano provocador de medios, el rap gangsta . ^[70]

Artistas femeninas negras como Queen Latifah , Missy Elliott y MC Lyte han hecho grandes avances desde que comenzó la industria del hip hop. Al producir música y una imagen que no respondía a los estereotipos hipersexualizados de las mujeres negras en el hip hop, estas mujeres fueron pioneras en una imagen revitalizada y empoderadora de las mujeres negras en el hip hop. ^[267] Aunque muchas artistas de hip hop han adoptado los ideales que efectivamente privan de derechos a las artistas femeninas negras, muchas otras eligen emplear formas de resistencia que contrarresten estas representaciones negativas de las mujeres en el hip hop y ofrezcan una narrativa diferente. Estas artistas buscan expandir las formas de pensamiento tradicional a través de diferentes formas de expresión cultural. En este esfuerzo, esperan obtener una respuesta a las artistas femeninas de hip hop no con una lente misógina sino con una que valide la lucha de las mujeres. ^[268]

Para las mujeres, artistas como Missy Elliott, Lil' Kim, Young MA y otras brindan tutoría para las nuevas MC femeninas. Además, existe una escena vibrante fuera del mainstream que brinda una oportunidad para que las mujeres y su música prosperen. ^[66]

• Lista de festivales de música hip hop
• Lista de géneros de hip hop
• Lista de músicos de hip hop
• El hip hop y la injusticia social
• Cultura pop

• Kugelberg, Johan (2007). Nacido en el Bronx: un registro visual de los primeros días del hip hop . Rizzoli, Nueva York. ISBN 978-0-7893-1540-3.
• Chang, Jeff (2008). Caos total: el arte y la estética del hip hop . Basic Books. ISBN 978-0-4650-0909-1.
• Fitzgerald, Tamsin (2008). Hip-Hop y danza urbana . Biblioteca Heineman. ISBN 978-1-4329-1378-6.

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con Cultura hip hop .

Wikiquote tiene citas relacionadas con Hip hop .

• Sugarhill Gang – Rapper's Delight (Video oficial)
• ¿Está finalmente el rap preparado para abrazar a sus mujeres?
• Música hip hop/R&B
• La importancia social de la cultura del rap y el hip-hop Archivado el 21 de marzo de 2019 en Wayback Machine.