Música de Hawaii

La música de Hawái incluye una variedad de estilos tradicionales y populares, que van desde la música folclórica hawaiana nativa hasta el rock moderno y el hip hop . Estilos como la guitarra slack-key son bien conocidos en todo el mundo, mientras que la música con tintes hawaianos es una parte frecuente de las bandas sonoras de Hollywood . Hawái también hizo una contribución a la música country con la introducción de la guitarra de acero . ^[1] Además, la música que comenzaron a tocar los puertorriqueños en Hawái a principios de la década de 1900 se llama música cachi cachi , en las islas de Hawái.

La música tradicional de la comunidad nativa hawaiana de Hawái es en gran medida de naturaleza religiosa e incluye cánticos y música de baile . La música hawaiana ha tenido un impacto notable en la música de otras islas de Polinesia ; Peter Manuel calificó la influencia de la música hawaiana como un "factor unificador en el desarrollo de las músicas modernas del Pacífico". ^[2]

Los principales festivales de música en Hawái incluyen el Merrie Monarch Hula Festival , que reúne a grupos de hula de todo el mundo, así como una serie de festivales de slack-key y steel guitar: Big Island Slack Key Guitar Festival, Steel Guitar Association Festival y el Gabby Pahinui/Atta Isaacs Slack Key Festival. La Semana Aloha de abril es una atracción turística popular, al igual que el Festival de Música Moloka'i que se celebra alrededor del Día del Trabajo . ^[1] También hubo un Festival Internacional de Jazz de Hawái, que se desarrolló desde 1993 hasta 2007. ^{[3] [4]} El Festival de Jazz de la Cuenca del Pacífico anual se lleva a cabo a mediados de otoño en el Centro de Convenciones de Hawái . ^[5] El Festival Anual de Jazz y Patrimonio de Manoa tiene lugar a principios de otoño en el Anfiteatro Andrews en el campus de la Universidad de Hawái en Mānoa . ^[6]

Hawái alberga numerosos hoteles, muchos de los cuales ofrecen música por la tarde o por la noche; algunos de los más destacados incluyen el Kahala Hilton, el Sheraton Moana Hotel, el Sheraton Waikiki, el Halekulani, el Casanova's y el King Kamehameha Hotel. ^[1] Los grandes lugares para escuchar música en Hawái incluyen el Centro de Artes Escénicas de la Universidad de Hawái en Hilo , que tiene 600 asientos ^[7] y es el lugar más grande de la Isla Grande. ^[8] Un lugar con 560 asientos y un centro de exposiciones culturales en Kauai es el Centro de Artes Escénicas del Kauai Community College . ^[9] En Honolulu, el Neal S. Blaisdell Center Arena, el Concert Hall y el Exhibition Hall son tres de los lugares más grandes del estado. ^[10] Otros lugares para escuchar música hawaiana en Oahu incluyen el Waikiki Shell, un establecimiento utilizado principalmente para conciertos y entretenimiento. A lo largo de los años, muchos artistas locales e internacionales han honrado el escenario allí. Es un teatro al aire libre único ubicado en el parque Kapiolani. Este lugar tiene capacidad para 2400 personas y puede albergar hasta 6000 más en el área de césped. Los conciertos, las ceremonias de graduación y los espectáculos de hula son muy populares en este sitio, así como el Teatro Kennedy y el Anfiteatro Andrews en el campus de la Universidad de Hawái en Mānoa, el Blaisdell Center Concert Hall, el Teatro Hawái en el centro de Honolulu, el Red Elephant (un espacio de actuación y estudio de grabación en el centro de Honolulu), el Teatro Paliku en el campus de Windward Community College y el Teatro Leeward Community College . ^[11] El histórico Teatro Lanai es un hito cultural en Lanai , que data de la década de 1930. ^{[12] [13]}

Hawái es el hogar de varias instituciones musicales de renombre en varios campos. La Orquesta Sinfónica de Honolulu es una parte importante de la historia musical del estado y es la orquesta más antigua de los Estados Unidos al oeste de las Montañas Rocosas, fundada en 1900. ^[14] La Orquesta ha colaborado con otras instituciones locales, como el Teatro de la Ópera de Hawái y la Sociedad Coral de Oʻahu, que patrocina el Coro Sinfónico de Honolulu y el Coro de Cámara de Honolulu. ^[15]

Se han creado numerosas empresas que respaldan los estilos musicales especiales y los instrumentos adecuados a la tradición musical hawaiana. El Taller de Guitarra y Laúd fue uno de los primeros fabricantes y promotores de guitarras especiales de teclas flojas a principios de los años 70, y la empresa Kamaka Ukulele se estableció como fabricante clave de ukeleles para espectáculos musicales hawaianos.

La música folclórica hawaiana incluye varias variedades de canto ( mele ) y música destinada a la danza altamente ritualizada ( hula ). La música y la danza tradicionales hawaianas eran funcionales, se utilizaban para expresar alabanzas, comunicar genealogía y mitología, y acompañar juegos, festivales y otros eventos seculares. El idioma hawaiano no tiene una palabra que se traduzca exactamente como música , pero existe un vocabulario diverso para describir ritmos, instrumentos, estilos y elementos de producción vocal. La música folclórica hawaiana es simple en melodía y ritmo , pero es "compleja y rica" ​​en la "poesía, la danza mimética que acompaña ( hula ) y las sutilezas de los estilos vocales... incluso en las formas atenuadas en las que sobreviven hoy". ^[2]

El canto ( mele ) suele ir acompañado de un ipu heke (una calabaza doble ) y/o un pahu (tambor cubierto de piel de tiburón). Algunas danzas requieren que los bailarines utilicen instrumentos de hula como un ipu (calabaza simple), ʻiliʻili (castañuelas de piedra de lava desgastadas por el agua), ʻuliʻuli (sonajeros de calabaza emplumados), pu`ʻili (palos de bambú partidos) o kalaʻau (palos rítmicos). La forma más antigua y formal de hula se llama kahiko , mientras que la versión moderna es ʻauana . También hay cantos religiosos llamados ʻoli ; cuando se acompañan de baile y tambores , se llama mele hula pahu .

En el idioma hawaiano anterior al contacto , la palabra mele se refería a cualquier tipo de expresión poética, aunque ahora se traduce como canción . Los dos tipos de canto hawaiano eran mele oli y mele hula . Los primeros eran canciones individuales a capela , mientras que los segundos eran música de baile acompañada interpretada por un grupo. Los cantores eran conocidos como haku mele y eran compositores e intérpretes altamente capacitados. Algunos tipos de cantos expresan emociones como angustia y afecto , o solicitan un favor de otra persona. Otros cantos tienen fines específicos, como nombrar ( mele inoa ), rezar ( mele pule ), surfear ( mele he'e nalu ) y recitaciones genealógicas ( mele koihonua ). Los cantos mele estaban regidos por reglas estrictas y se realizaban en varios estilos, incluidos el rápido kepakepa y el enunciado koihonua .

La documentación histórica de la música hawaiana no se extiende antes de finales del siglo XVIII, cuando los no hawaianos ( haoles ) llegaron a la isla. A partir de 1778, Hawái comenzó un período de aculturación con la introducción de numerosos estilos de música europea, incluidos los himnos ( himeni ) introducidos por coros misioneros protestantes. Los vaqueros mexicanos hispanohablantes ( paniolos ), fueron inmigrantes particularmente influyentes en el campo de la música, introduciendo instrumentos de cuerda como la guitarra y posiblemente también la técnica del canto en falsete , mientras que los inmigrantes portugueses trajeron la braguinha, similar al ukelele . ^[1] También los inmigrantes de todo el mundo habían traído sus propios instrumentos a las islas.

Elizabeth Tatar dividió la historia de la música hawaiana en siete períodos, comenzando con la llegada inicial de los europeos y sus culturas musicales, que abarcaron aproximadamente desde 1820 hasta 1872. El período posterior duró hasta principios del siglo XX y estuvo marcado por la creación de un estilo moderno aculturado pero típicamente hawaiano, mientras que los instrumentos europeos se extendieron por las islas. El tercer período de Tatar, de 1900 a aproximadamente 1915, vio la integración de la música hawaiana en el campo más amplio de la música popular estadounidense, con la invención de las canciones hapa haole , que utilizan el idioma inglés y solo elementos superficiales de la música hawaiana; el comienzo de la industria discográfica hawaiana fue en 1906, cuando la Victor Talking Machine Company realizó las primeras 53 grabaciones en el territorio. ^[16] En 1912, la música hawaiana grabada había encontrado audiencia en el continente americano. ^[17] La ​​inmigración puertorriqueña a Hawái comenzó cuando la industria azucarera de Puerto Rico fue devastada por dos huracanes en 1899. La devastación provocó una escasez mundial de azúcar y una enorme demanda del producto desde Hawái . Los dueños de las plantaciones de caña de azúcar hawaianas comenzaron a reclutar a los trabajadores desempleados, pero experimentados, de Puerto Rico. Se llevaron consigo su música y a principios de la década de 1900 introdujeron lo que se conoce como música Cachi Cachi , en las islas de Hawái. ^[16]

Entre 1915 y 1930, el público general fuera de Hawái se enamoró cada vez más de la música hawaiana, aunque en ese momento las canciones comercializadas como hawaianas solo tenían aspectos periféricos de la música hawaiana real. La música tahitiana y samoana tuvo una influencia en la música hawaiana durante este período, especialmente en sus ritmos más rápidos e intrincados. La era siguiente, de aproximadamente 1930 a 1960, se ha llamado la "Edad de Oro de la música hawaiana". El presentador de radio nacional Webley Edwards , que transmitía desde Honolulu, presentó por primera vez a la mayoría de los estadounidenses los estilos auténticos y adaptados para orquesta y big band a través de su popular programa de radio de una hora de duración Hawaii Calls . Artistas hawaianos como Lani McIntire , John Kameaaloha Almeida y Sol Hoʻopiʻi se convirtieron en estrellas del mainstream como habituales del programa y a través de presentaciones en vivo. En la década de 1960, la música de estilo hawaiano perdió popularidad en medio de una afluencia de actos de rock, soul y pop del continente americano. Esta tendencia se revirtió en el período final de la historia de la música hawaiana, el período moderno que comenzó con el Renacimiento hawaiano en la década de 1970 y continuó con la fundación de una variedad de escenas musicales modernas en campos como el rock indie , el rap hawaiano ( Na mele paleoleo ) y el Jawaiian . ^[17]

La reina Liliʻuokalani fue la última reina de Hawái antes de que la monarquía hawaiana fuera derrocada. También fue una música y compositora prolífica que escribió muchas obras musicales . Fue más conocida por Aloha 'Oe . En 1999, The Queen Lili'uokalani Trust publicó una recopilación de sus obras titulada "The Queen's Songbook".

Lili'uokalani era uno de los muchos miembros de la familia real hawaiana con inclinaciones musicales. Estudió con un director de banda militar prusiano , Henri Berger , que fue enviado por el Káiser a petición de Kamehameha V. Berger quedó fascinado por la música folclórica hawaiana y escribió mucha documentación sobre ella. Sin embargo, también trajo su propia formación musical en música alemana y guió en gran medida a los músicos y compositores hawaianos con los que trabajó.

En 1847, el rey Kamehameha V también envió a Alemania a buscar un "director de banda" para "The Kings Own Band", ahora la Royal Hawaiian Band, a William Mersberg, de Weimar, Alemania. Es el bisabuelo de Henry Kaleialoha Allen . Henry Kaleialoha Allen es "uno de los tesoros vivientes de la música hawaiana de Hawái" y un maestro de la educación musical, y ha sido honrado muchas veces en el Senado y por la Legislatura por ello.

Las guitarras podrían haber llegado a Hawái de varias fuentes: marineros, misioneros o viajeros que iban y venían de California. La historia más frecuente es que acompañó a los vaqueros mexicanos traídos por el rey Kamehameha III en 1832 para enseñar a los nativos cómo controlar una superpoblación de ganado . Los vaqueros hawaianos ( paniolo ) usaban guitarras en su música folclórica tradicional. Los portugueses introdujeron un instrumento llamado braguinha , una pequeña variante de cuatro cuerdas de Madeira del cavaquinho ; este instrumento fue un precursor del ukelele . ^[1]

Las guitarras de cuerdas de acero también llegaron con los portugueses en la década de 1860 y el slack-key se había extendido por toda la cadena a fines de la década de 1880. Un barco llamado Ravenscrag llegó a Honolulu el 23 de agosto de 1879, trayendo trabajadores de campo portugueses de Madeira . La leyenda dice que uno de los hombres, João Fernandes, más tarde un músico popular, trató de impresionar a los hawaianos tocando música folclórica con la braguinha de un amigo ; también se dice que los hawaianos llamaron al instrumento "ukulele" ( pulga saltarina ) en referencia a los dedos rápidos del hombre. Otros han afirmado que la palabra significa regalo que llegó aquí o una corrupción de ukeke lele ( ukeke danzante , un arco de tres cuerdas). ^[1]

La popularidad de la música hawaiana durante la década de 1920, con su estilo único de tocar la guitarra con slide, impulsó la invención de la guitarra eléctrica en 1931, como una guitarra de acero , la "sartén" , por George Beauchamp. La amplificación eléctrica permitió que la guitarra de estilo hawaiano se escuchara en las actuaciones de las bandas populares más grandes.

En las décadas de 1880 y 1890, el rey David Kalakaua promovió la cultura hawaiana y también alentó la incorporación de nuevos instrumentos, como el ukelele y posiblemente la guitarra de acero; Kalakaua murió en 1891, por lo que es muy poco probable que la haya escuchado. ^[18] La sucesora de Kalakaua, su hermana Lili'uokalani , también fue una compositora prolífica y escribió varias canciones, como "Aloha 'Oe", que siguen siendo populares. Durante este período, la música hawaiana evolucionó hacia un estilo "nuevo y distintivo", utilizando los derivados de los instrumentos europeos; además de los instrumentos de cuerda generalizados, las bandas de metales como la Royal Hawaiian Band interpretaron canciones hawaianas, así como marchas populares y ragtimes.

En 1889, Joseph Kekuku comenzó a deslizar un trozo de acero sobre las cuerdas de una guitarra, inventando así la guitarra de acero ( kika kila ); casi al mismo tiempo, la música hawaiana tradicional con letras en inglés se hizo popular. Las voces predominaron en la música hawaiana hasta el siglo XX, cuando la instrumentación adquirió un papel principal. Gran parte de la guitarra slack-key moderna se ha vuelto completamente instrumental. ^[1]

Desde aproximadamente 1895 hasta 1915, las bandas de música hawaiana para bailar se hicieron cada vez más demandadas. Por lo general, se trataba de quintetos de cuerdas. La música ragtime influyó en la música y las palabras en inglés se usaban comúnmente en las letras. Este tipo de música hawaiana, influenciada por la música popular y con letras que son una combinación de inglés y hawaiano (o completamente inglés), se llama música hapa haole (literalmente: mitad blanca). En 1903, Albert "Sonny" Cunha compuso My Waikiki Mermaid , posiblemente la primera canción popular de hapa haole (la canción de hapa haole más antigua conocida, "Eating of the Poi", se publicó en Ka Buke o na Leo Mele Hawaii...o na Home Hawaii en Honolulu en 1888 [Ver Kanahele, George S., Hawaiian Music and Musicians pp 71–72]).

En 1927, Rose Moe (1908-1999), una cantante hawaiana, con su marido Tau Moe (1908-2004), un guitarrista samoano, comenzaron a realizar giras con Madame Riviere's Hawaiians . En 1929 grabaron ocho canciones en Tokio . Rose y Tau continuaron de gira durante más de cincuenta años, viviendo en países como Alemania, Líbano e India. Incluso actuaron en Alemania hasta 1938, cuando el racismo nazi estaba en aumento y las personas de color más oscuro eran consideradas personas inferiores; se dice que incluso actuaron para el propio Adolf Hitler . ^[19] Con sus hijos, la familia Tau Moe hizo mucho para difundir el sonido de la música folclórica hawaiana y la música hapa haole en todo el mundo. En 1988, la familia Tau Moe volvió a grabar las sesiones de 1929 con la ayuda del músico y etnomusicólogo Bob Brozman.

La década de 1920 también vio el desarrollo de un estilo de jazz exclusivamente hawaiano , innovado por los intérpretes de los hoteles Moana y Royal Hawaiian. ^[20]

La guitarra slack-key ( kī ho`alu en hawaiano) es un estilo de tocar con los dedos, llamado así por el hecho de que las cuerdas se suelen "aflojar" o soltar para crear un acorde abierto (sin digitar), ya sea un acorde mayor (el más común es G, que se llama afinación "taro patch") o un acorde de séptima mayor (llamado afinación "wahine"). Una afinación podía inventarse para tocar una canción en particular o facilitar un efecto particular, y hasta la década de 1960 a menudo se trataban como secretos familiares y se transmitían de generación en generación. Sin embargo, en la época del Renacimiento hawaiano , el ejemplo de músicos como Auntie Alice Namakelua , Leonard Kwan , Raymond Kane y Keola Beamer había alentado el intercambio de afinaciones y técnicas y probablemente salvó el estilo de la extinción. Las técnicas de ejecución incluyen "hammering-on", "pulling-off", "chimes" (armónicos) y "slides", y estos efectos frecuentemente imitan los falsetes y los quiebres vocales comunes en el canto hawaiano.

La guitarra entró en la cultura hawaiana a través de diversas fuentes: marineros, colonos y trabajadores contratados. Una fuente importante de este estilo fueron los vaqueros mexicanos contratados para trabajar en la Gran Isla de Hawái en la primera mitad del siglo XIX. Estos paniolo trajeron sus guitarras y su música y, cuando se marcharon, los hawaianos desarrollaron su propio estilo de tocar el instrumento.

La guitarra slack key evolucionó para acompañar los ritmos de la danza hawaiana y las melodías del canto hawaiano. La música hawaiana en general, que se promovió durante el reinado del rey David Kalakaua como una cuestión de orgullo nacional y renacimiento cultural, tomó ritmos de los ritmos hawaianos tradicionales y de las marchas militares europeas, y extrajo sus melodías de los himnos cristianos y de los pueblos cosmopolitas de las islas (aunque principalmente estadounidenses).

A principios del siglo XX, los hawaianos comenzaron a realizar giras por los Estados Unidos, a menudo en pequeñas bandas. Un espectáculo de Broadway llamado Bird of Paradise presentó la música hawaiana a muchos estadounidenses en 1912 y, en 1915, se celebró la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco ; un año después, las grabaciones de música hawaiana indígena superaron en ventas a todos los demás géneros musicales estadounidenses. ^[21]

La creciente popularización de la música hawaiana influyó en los músicos de blues y country ; esta conexión todavía se puede escuchar en el country moderno. A la inversa, músicos como Bennie Nawahi comenzaron a incorporar jazz en su música de guitarra de acero , ukelele y mandolina , mientras que el Cuarteto Kalama introdujo un estilo de canto grupal en falsete.

El músico Sol Hoʻopiʻi surgió durante esta época, tocando música hawaiana y jazz, swing occidental y country, y desarrollando la pedal steel guitar; sus grabaciones ayudaron a establecer el sonido de Nashville de la música country popular. ^[1] Lani McIntire fue otro músico que infundió un sonido de guitarra hawaiana en la música popular estadounidense convencional a través de sus grabaciones con Jimmie Rodgers y Bing Crosby .

En las décadas de 1920 y 1930, la música hawaiana se convirtió en una parte integral del turismo local , y la mayoría de los hoteles y atracciones incorporaban música de una forma u otra. Entre las atracciones musicales más antiguas y populares se encontraba el Kodak Hula Show , patrocinado por Kodak , en el que un turista compraba una película Kodak y tomaba fotografías de bailarines y músicos. ^[1] El espectáculo se desarrolló desde 1937 hasta 2002. Waikiki Records lanzó varios LP de vinilo con música del Kodak Hula Show, con fotografías a todo color de los artistas del espectáculo. ^[22]

En la primera mitad del siglo XX, los hombres, en su mayoría jóvenes, que rondaban las playas de Honolulu, nadando y surfeando, llegaron a ser conocidos como los Waikiki Beachboys y sus fiestas se hicieron famosas en todo Hawái y en el extranjero; la mayoría de ellos tocaban el ukelele todo el día, sentados en la playa, y finalmente comenzaron a trabajar en hoteles para entretener a los turistas.

La música popular hawaiana con verso en inglés (hapa haole) se puede describir en un sentido estricto. Por lo general, las canciones se cantan con ukelele o guitarra acústica. A veces, se acompaña con una guitarra acústica. Las melodías suelen presentar un salto interválico, como una cuarta o una octava perfectas. Las voces en falsete son adecuadas para tales saltos y son comunes en el canto hawaiano, al igual que el uso de microtonos. El ritmo se realiza principalmente en compás binario. Una escala musical exclusiva de la música hawaiana le confiere su toque distintivo, por lo que se la denomina acertadamente escala hawaiana.

La Exposición Panamá-Pacífico de San Francisco de 1915 introdujo la guitarra de acero hawaiana a los artistas de música country del continente, y en la década de 1930 las estrellas del country Hoot Gibson y Jimmy Davis estaban grabando discos con músicos hawaianos. ^[23]

La llegada de miles de soldados estadounidenses a Hawái durante la Segunda Guerra Mundial creó una demanda tanto de ritmos swing populares como de sonidos country. El estilo western swing, popular en el continente desde la década de 1930, empleaba la guitarra de acero como elemento clave y, por lo tanto, fue una evolución natural. A principios de 1945, la Bell Record Company de Honolulu respondió a la demanda con una serie de lanzamientos de la banda de western swing Fiddling Sam and his Hawaiian Buckaroos (liderada por el violinista Homer H. Spivey, e integrada por Lloyd C. Moore, Tiny Barton, Al Hittle, Calvert Duke, Tolbert E. Stinnett y Raymond "Blackie" Barnes). Entre 1945 y 1950, Bell lanzó unos 40 temas de los Hawaiian Buckaroos, incluido un conjunto de números de baile cuadrado.

En las últimas décadas, la música tradicional hawaiana ha experimentado un renacimiento, con un renovado interés tanto por parte de los hawaianos étnicos como de otros. Las islas también han producido una serie de intérpretes de rock , pop , hip hop ( na mele paleoleo ), dubstep , soul y reggae muy valorados , y muchos músicos locales de los clubes de Waikiki y Honolulu tocan fuera de los diversos géneros "hawaianos". Hawái tiene su propia industria musical regional, con varios estilos distintivos de música popular grabada. La música popular hawaiana se basa en gran medida en la música popular estadounidense , pero tiene retenciones distintivas de la música tradicional hawaiana. ^[2]

El Renacimiento Hawaiano fue un resurgimiento del interés por la música hawaiana, especialmente el slack-key, entre los hawaianos étnicos. Intérpretes de larga trayectoria como Gabby Pahinui vieron revitalizadas sus carreras; Pahinui, que había comenzado a grabar en 1947, finalmente llegó al público general de los Estados Unidos cuando las sesiones en las que Ry Cooder tocó con él y su familia se lanzaron como The Gabby Pahinui Hawaiian Band, Vol. 1 en un importante sello continental. Pahinui inspiró a una legión de seguidores que tocaban una mezcla de slack-key, reggae, country, rock y otros estilos. Los músicos más tradicionales incluyeron a Leland "Atta" Isaacs, Sr. , Sonny Chillingworth , Ray Kane , Leonard Kwan , Ledward Ka`apana , Dennis Pavao , mientras que Keola Beamer y Peter Moon han sido más eclécticos en su enfoque. Los hermanos Emerson reavivaron el sonido clásico de Sol Ho'opi'i con la steel guitar nacional en sus estilos vintage de los años 1920. La Fundación Nacional de Música Hawaiana de George Kanahele hizo mucho para difundir el slack-key y otras formas de música hawaiana, especialmente después de un gran concierto en 1972. ^[1]

Don Ho (1930–2007), originario del pequeño barrio de Kaka'ako en Honolulu, fue el artista hawaiano más conocido de las últimas décadas del siglo XX. Aunque no tocaba música hawaiana "tradicional", Ho se convirtió en un embajador no oficial de la cultura hawaiana en todo el mundo, así como en el continente americano. El estilo de Ho a menudo combinaba elementos tradicionales hawaianos y música de crooner de los años 50 y 60 con un toque de música ligera.

Loyal Garner también incorporó elementos hawaianos en su actuación al estilo de Las Vegas y en las canciones que grabó. Una tercera intérprete notable, Myra English , se hizo conocida como la "Champagne Lady" después de grabar la canción "Drinking Champagne" de Bill Mack en 1963, que se convirtió en su canción insignia en Hawái, y logró un éxito comercial considerable tanto a nivel local como en el extranjero.

Jawaiian es un estilo hawaiano de música reggae . ^[24] La música reggae es un género que evolucionó a fines de la década de 1960 y antes en Jamaica . Se ha vuelto popular en todo el mundo, especialmente entre los grupos étnicos y las razas que han sido históricamente oprimidas, como los nativos americanos , los isleños del Pacífico y los aborígenes australianos . En Hawái, los hawaianos étnicos y otros en el estado comenzaron a tocar una mezcla de reggae y música local a principios de la década de 1980, aunque no fue hasta fines de la década de 1980 que se reconoció como un nuevo género en la música local. La banda Simplisity ha sido acreditada por Quiet Storm Records como los creadores del estilo Jawaiian, mientras que otras influencias incluyen a Walter Aipolani , conocido como el Padre del Reggae Hawaiano. ^[25] A finales de la década de 1980, el jawaian llegó a dominar la escena musical local, además de generar una reacción que el Honolulu Star-Bulletin comparó con el movimiento " disco sucks" de finales de la década de 1970. ^[26]

La cultura reggae en su conjunto comenzó a dominar Hawái, ya que se puede ver a muchos lugareños luciendo recuerdos de Bob Marley, y muchos productos y recuerdos locales han sido blasonados con los colores rojo, amarillo y verde de la soberanía hawaiana, así como con la bandera del León de Judá, un símbolo conocido del movimiento rastafari . Los colores rasta también se han convertido en un símbolo de orgullo local.

La música rock and roll ha sido popular en Hawái durante mucho tiempo: numerosos artistas de rock and roll pasaron sus años de desarrollo en Hawái (es decir, miembros de The Association , The Electric Prunes , 7th Order , Vicious Rumors , así como los guitarristas Marty Friedman y Charlie "Icarus" Johnson ), y su popularidad local se remonta a los primeros días de la música rock. ^{[27] La ​​carrera de} Elvis Presley incluyó varias actuaciones y discos relacionados con Hawái: una actuación en vivo en marzo de 1961 para recaudar dinero para la construcción del USS Arizona Memorial en el Pearl Harbor Bloch Arena en marzo de 1961, ^[28] su disco y concierto de "regreso" Aloha from Hawaii Via Satellite en 1973, y tres de sus películas se basaron en Hawái ( Blue Hawaii , Girls! Girls! Girls! y Paradise, Hawaiian Style ).

Durante las décadas de 1960 y 1970, se celebraron con frecuencia conciertos de rock en lugares como el Centro Internacional de Honolulu y The Waikiki Shell, a cargo de artistas como Jimi Hendrix , Led Zeppelin , The Rolling Stones , The Doors , Eric Clapton , Deep Purple , Jeff Beck y muchos otros artistas de rock destacados. ^[29]

Los Crater Festivals de tres días de duración (celebrados durante los feriados de Año Nuevo y el 4 de julio) en Diamond Head en los años 1960 y 1970 tuvieron una buena concurrencia durante la época, ^[30] y con frecuencia presentaron bandas populares como Fleetwood Mac , Journey y Santana ( Carlos Santana y Buddy Miles en realidad lanzaron su actuación en el Crater Festival de 1972 en el LP Carlos Santana & Buddy Miles! Live! ).

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Algunos músicos de jazz actuales y retirados notables en Hawái incluyen a Gabe Baltazar (saxofón), Martin Denny (piano), Arthur Lyman (vibráfono y marimba), Henry Allen (guitarra), vonBaron (batería), David Choy (saxofón), Rich Crandall (piano), Dan Del Negro (teclados), Pierre Grill (piano/teclados/trombón), Bruce Hamada (bajo), DeShannon Higa (trompeta), Jim Howard (piano), Steve Jones (bajo), John Kolivas (bajo), Noel Okimoto (batería/percusión/vibráfono), Michael Paulo (cañas), Rene Paulo (piano de cola acústico) fue un precursor de la grabación de música hawaiana en el local de jazz a principios de los años 1960 y es uno de los grandes músicos legendarios de Hawái, Robert Shinoda (guitarra), Arex Ikehara (bajo), Phil Bennett (batería), Aron Nelson (piano), Tennyson Stephens (piano), Dean Taba (bajo), Betty Loo Taylor (piano), Tim Tsukiyama (saxofón), Reggie Padilla (saxofón) y Abe Lagrimas Jr. (batería/ukelele/vibraciones).

Entre los cantantes de jazz más destacados de Hawái, tanto actuales como retirados, se encuentran Jimmy Borges, Rachel Gonzales, Azure McCall, Dana Land, Joy Woode e I. Mihana Souza. Aunque la cantante hawaiana Melveen Leed es conocida principalmente por cantar música hawaiana y "country hawaiana", también ha recibido buenas críticas como cantante de jazz.

Hay actuaciones frecuentes de las bandas de jazz de la Universidad de Hawaii .

El ukelele fue introducido en Hawái por inmigrantes de Madeira a finales del siglo XIX. Los portugueses trajeron un pequeño instrumento parecido a una guitarra, conocido como machete . El instrumento se volvió muy popular en la cultura hawaiana y la mayoría de las canciones hawaianas incluyen el ukelele. En hawaiano, ukelele significa literalmente "pulga (uku) saltando (lele)". Se le llamó así porque cuando se toca, el tono alto de las cuerdas trae a la mente la imagen de una pulga saltando. Actualmente hay cuatro tamaños de ukelele: soprano, concierto, tenor y barítono. ^[31]

La reina Liliuokalani, la última reina hawaiana, creía que el nombre del ukelele significa "el regalo que llegó aquí". Lo creía así debido a las palabras hawaianas "uku", que significa "regalo o recompensa", y "lele", que significa "venir". ^[32]

El ukelele se puede tocar con rasgueos simples o elaborados, así como también con punteo con los dedos .

La madera de koa es una de las maderas de mayor calidad que crea un sonido profundo y claro para el ukelele. Esto hace que los ukeleles de koa sean muy distinguibles por su sonido. Debido a esto, la madera de koa es conocida como una madera venerada para crear un ukelele. Los ukeleles de koa no solo se distinguen por su sonido, sino también por su apariencia. Tienen un patrón de vetas y un color únicos que les permite destacar más que la madera promedio. ^[33]

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El ukelele es un instrumento musical hawaiano que se toca con la boca. Es el único instrumento de cuerda autóctono de Hawái.

La 'ohe hano ihu (en hawaiano: `ohe = bambú + hano = aliento + ihu = nariz) o flauta nasal hawaiana tradicional en español, es otro tipo de instrumento hawaiano que tiene importancia cultural y musical. Está hecha de una sola sección de bambú. Según Arts and Crafts of Hawai`i de Te Rangi Hiroa, las flautas antiguas de la colección del Museo Bishop tienen un orificio en el área del nodo para el aliento y dos o tres orificios para los dedos. En el ejemplar con tres orificios para los dedos, un orificio para los dedos está ubicado cerca del orificio para el aliento. Las longitudes varían de 10 a 21 pulgadas (250–530 mm). La tradición oral en varias familias afirma que el número de orificios para los dedos variaba de uno a cuatro, y la ubicación de los orificios variaba según el gusto musical del intérprete. ^[34]

Aunque se trataba principalmente de un instrumento de cortejo que se tocaba en privado y para el disfrute personal, también podía utilizarse en conjunción con cánticos, canciones y hula. Se decía que los kumu hula (maestros de danza) eran capaces de hacer sonar la flauta como si estuviera cantando o de cantar mientras tocaban. Leilehua Yuen, kumu hula, es uno de los pocos músicos hawaianos contemporáneos que toca la flauta nasal de esta manera.

Hasta el siglo XIX y principios del XX, los jóvenes todavía utilizaban el 'ohe hano ihu como una forma de ganar el afecto y el amor de una mujer. ^[35] Hoy en día, el 'ohe hano ihu está disfrutando de un resurgimiento de popularidad.

Dos tradiciones orales diferentes explican el uso de la nariz para tocar el `ohe hano ihu. Según una, el `ohe hano ihu se toca con aire de la nariz en lugar de hacerlo con la boca porque el hā , el aliento, expresa el ser interior de una persona. Como el hā viaja desde el na`ao , o intestino, a través de la boca, el hā puede usarse para mentir. Cuando el hā viaja a través de la nariz, no puede mentir. Por lo tanto, si un joven ama a una mujer, ese amor se expresará en la música que toca con su `ohe hano ihu. Según la otra tradición, el instrumento se toca con la nariz para permitir que el intérprete cante o entone suavemente mientras toca.

El folclore moderno dice que la flauta hawaiana expresa " aloha " porque para escuchar la flauta uno debe acercarse al alo , "rostro" o "presencia" del intérprete para escuchar el hā , "aliento divino" y así el oyente experimenta "estar en presencia del otro compartiendo el aliento divino". Si bien es útil como una forma de recordar la naturaleza contemplativa y personal de la flauta hawaiana tradicional, no hay evidencia etimológica real, ni tampoco hay evidencia en cantos o historias tradicionales, que respalde esta etimología. En el idioma hawaiano, hā , aliento, no está relacionado con la palabra ha , un prefijo causal. Una búsqueda de palabras afines en idiomas relacionados tampoco revela tales etimologías para la palabra "aloha".

Según el libro `Ohe , de Leilehua Yuen, el instrumento se popularizó en la década de 1970 gracias a los miembros de la familia Beamer, que lo tocaron durante sus actuaciones en giras por Norteamérica y las islas hawaianas. Los segmentos del programa de televisión educativo infantil Barrio Sésamo, en los que Keola Beamer y el Sr. Snuffalupagus, uno de los grandes personajes de marionetas, tocaban `ohe hano ihu, atrajeron la atención nacional sobre el instrumento. Winona Beamer, la madre de Keola Beamer, una conocida kumu hula, también enseñó el uso del `ohe hano ihu en el hula. Su hija hānai, Maile Beamer Loo, sigue preservando y enseñando ese legado, y documentando aspectos tan importantes del patrimonio musical y escénico hawaiano a través de la Hula Preservation Society.

Entre los músicos notables del `ohe hano ihu de finales del siglo XX y principios del siglo XXI se incluyen Mahi Beamer, Nona Beamer, Keola Beamer, Kapono Beamer, Calvin Hoe, Nelson Kaai, Anthony Natividad y Manu Josiah.

Bruno Mars de Honolulu tiene 8 éxitos #1 en el Billboard Hot 100, incluido " Uptown Funk " en 2015.

Glenn Medeiros tuvo un éxito número 1 en el Hot 100 en 1990 con " She Ain't Worth It " con Bobby Brown.

Bette Midler , también de Honolulu, tuvo un éxito número 1 en el Hot 100 con " Wind Beneath My Wings " en 1989.

Tane Cain , quien se crió en Hawaii, tuvo un éxito número 37 en el Hot 100 con " Holdin' On " en 1982.

Yvonne Elliman , de Honolulu, tuvo un éxito número 1 en el Hot 100 con la canción disco " If I Can't Have You " de Fiebre del sábado noche en 1978.

• Música de Cachi Cachi
• Llamadas de Hawaii
• Salón de la fama de la música hawaiana
• Canikapila
• Premios Na Hoku Hanohano

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• Rockwell, T. Malcolm, Hawaiian & Hawaiian Guitar Records 1891 - 1960 (Mahina Piha Press © 2007) ISBN 978-0-615-14982-0 - ref. 78data.com 

• Academia de Artes de la Grabación de Hawaii (HARA), sede de los premios Na Hoku .
• Ukelele en vivo: una colección de canciones y tablaturas hawaianas contemporáneas y tradicionales.
• Canciones de Hapa Haole, canciones de la isla escritas en inglés
• Territorial Airwaves: su fuente de información sobre la historia de la música hawaiana
• Premios de música de Hawaii Los premios "Elección del público".
• Salón de la fama de la música hawaiana
• Archivos de Huapala, música hawaiana y hula
• Taro Patch, una comunidad internacional de Slack Key en Internet
• Jones, Larry W. "Island Song Lyrics Volume 1 by Larry W Jones". Lulu.com . Consultado el 11 de septiembre de 2012 a través de Internet Archive .^{[ fuente autopublicada ]}
• Conjuntos de etnomusicología de la Universidad de Hawái
• http://www.midweek.com/for-the-love-of-nose-flutes/