Arte de performance

El arte de performance es una obra de arte o exhibición de arte creada a través de acciones ejecutadas por el artista u otros participantes. Puede ser presenciada en vivo o a través de documentación, desarrollada espontáneamente o escrita, y tradicionalmente se presenta a un público en un contexto de bellas artes en un modo interdisciplinario. ^[1] También conocida como acción artística , se ha desarrollado a través de los años como un género propio en el que el arte se presenta en vivo. Tuvo un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia del siglo XX . ^{[2] [3]}

Se trata de cinco elementos básicos: tiempo, espacio, cuerpo y presencia del artista, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden tener lugar en la calle, en cualquier tipo de escenario o espacio y durante cualquier época. ^[4] Su objetivo es generar una reacción, a veces con el apoyo de la improvisación y el sentido estético. Los temas suelen estar vinculados a experiencias vitales del propio artista, a la necesidad de denuncia o crítica social y con un espíritu de transformación. ^[5]

El término "arte de performance" y "performance" se empezaron a utilizar ampliamente en la década de 1970, aunque la historia de la performance en las artes visuales se remonta a producciones futuristas y cabarets de la década de 1910. ^{[6] [1]} El crítico de arte y artista de performance John Perreault atribuye a Marjorie Strider la invención del término en 1969. ^[7] Los principales pioneros del arte de performance incluyen a Carolee Schneemann , ^[8] Marina Abramović , ^[9] Ana Mendieta , ^[10] Chris Burden , ^[11] Hermann Nitsch , Joseph Beuys , Nam June Paik , Tehching Hsieh , Yves Klein y Vito Acconci . ^[12] Algunos de los principales exponentes más recientes son Tania Bruguera , ^[13] Abel Azcona , ^[14] Regina José Galindo , ^[15] Marta Minujín , ^[16] Melati Suryodarmo y Petr Pavlensky . La disciplina está vinculada a los happennings y “eventos” del movimiento Fluxus , el accionismo vienés , el body art y el arte conceptual . ^[17]

La definición y contextualización histórica y pedagógica del arte de la performance es controvertida. Uno de los inconvenientes proviene del propio término, que es polisémico, y uno de sus significados se relaciona con las artes escénicas. Este significado de performance en el contexto de las artes escénicas es opuesto al significado de arte de la performance, ya que el arte de la performance surgió con una posición crítica y antagónica hacia las artes escénicas. El arte de la performance solo se aproxima a las artes escénicas en ciertos aspectos como el público y el cuerpo presente, y aún así no toda pieza de arte de la performance contiene estos elementos. ^[22]

El significado del término en sentido estricto está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura occidental. Desde mediados de los años 1960 hasta los años 1970, a menudo derivado de conceptos de arte visual, con respecto a Antonin Artaud , Dada , los situacionistas , Fluxus , arte de instalación y arte conceptual , el arte de performance tendió a definirse como una antítesis del teatro, desafiando las formas de arte ortodoxas y las normas culturales. El ideal había sido una experiencia efímera y auténtica para el intérprete y el público en un evento que no podía repetirse, capturarse o comprarse. ^[23] La diferencia ampliamente discutida, cómo se utilizan los conceptos de artes visuales y conceptos de artes escénicas, puede determinar los significados de una presentación de arte de performance. ^[22]

El término performance art se suele utilizar para referirse a un arte conceptual que transmite un significado basado en el contenido en un sentido más relacionado con el drama, en lugar de ser una simple representación por sí misma con fines de entretenimiento. Se refiere en gran medida a una representación presentada ante un público, pero que no busca presentar una obra de teatro convencional o una narrativa lineal formal, o que, alternativamente, no busca representar un conjunto de personajes ficticios en interacciones formales con guión. Por lo tanto, puede incluir acción o palabra hablada como una comunicación entre el artista y el público, o incluso ignorar las expectativas del público, en lugar de seguir un guión escrito de antemano.

Sin embargo, algunos tipos de performance art pueden ser similares a las artes escénicas. Dichas performances pueden utilizar un guión o crear un escenario dramático ficticio, pero aun así constituyen performance art en el sentido de que no buscan seguir la norma dramática habitual de crear un escenario ficticio con un guión lineal que sigue dinámicas convencionales del mundo real; más bien, buscarían intencionalmente satirizar o trascender las dinámicas habituales del mundo real que se utilizan en las obras de teatro convencionales.

Los artistas de performance suelen desafiar al público a pensar de maneras nuevas y poco convencionales, a romper las convenciones de las artes tradicionales y a derribar las ideas convencionales sobre "qué es el arte". Siempre que el artista no se convierta en un actor que repite un papel, el arte de performance puede incluir elementos satíricos; utilizar robots y máquinas como intérpretes, como en las piezas de Survival Research Laboratories ; involucrar elementos ritualizados (por ejemplo, Shaun Caton ); o tomar prestados elementos de cualquier arte escénico como la danza, la música y el circo . También puede implicar la intersección con la arquitectura.

Algunos artistas, como los accionista vieneses y los neodadaístas , prefieren utilizar los términos "arte en vivo", "arte de acción", "acciones", "intervención" (véase intervención artística ) o "maniobra" para describir sus actividades escénicas. Como géneros de arte de performance aparecen el body art , el fluxus-performance, el happenning , la poesía de acción y la intermedia .

El arte de performance es una forma de expresión que nació como una manifestación artística alternativa. La disciplina surgió en 1916 en paralelo al dadaísmo, bajo el paraguas del arte conceptual. El movimiento fue liderado por Tristan Tzara , uno de los pioneros del Dadaísmo . Los teóricos de la cultura occidental han situado los orígenes del arte de performance a principios del siglo XX, junto con el constructivismo , el futurismo y el dadaísmo. El dadaísmo fue una inspiración importante debido a sus acciones poéticas, que se alejaban de los convencionalismos, y los artistas futuristas, especialmente algunos miembros del futurismo ruso , también podrían identificarse como parte del proceso de inicio del arte de performance. ^{[24] [25]}

El Cabaret Voltaire fue fundado en Zúrich , Suiza, por el matrimonio Hugo Ball y Emmy Hennings con fines artísticos y políticos, y era un lugar donde se exploraban nuevas tendencias. Situado en el piso superior de un teatro, de cuyas exhibiciones se burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaret eran vanguardistas y experimentales. Se piensa que el movimiento dadaísta se fundó en el local de diez metros cuadrados. ^{[26] [27]} Además, los surrealistas, cuyo movimiento descendía directamente del dadaísmo, solían reunirse en el Cabaret. En su breve existencia —apenas seis meses, cerrando el verano de 1916— se leyó el Manifiesto Dadaísta y en él se realizaron las primeras acciones, performances y presentaciones híbridas de poesía, arte plástico, música y acción repetitiva dadaísta. Fundadores como Richard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara , Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp participaron en eventos provocadores y escandalosos que fueron fundamentales y la base de la fundación del movimiento anarquista llamado Dada. ^[28]

El dadaísmo nació con la intención de destruir cualquier sistema o norma establecida en el mundo del arte. ^[30] Es un movimiento antiarte, antiliterario y antipoético, que cuestionaba la existencia del arte, la literatura y la poesía misma. No sólo era una forma de crear, sino de vivir; creó toda una nueva ideología. ^[31] Estaba en contra de la belleza eterna, de la eternidad de los principios, de las leyes de la lógica, de la inmovilidad del pensamiento y claramente en contra de todo lo universal. Promovía el cambio, la espontaneidad, la inmediatez, la contradicción, la aleatoriedad y la defensa del caos frente al orden y de la imperfección frente a la perfección, ideas similares a las del arte de performance. Apostaban por la provocación, la protesta antiarte y el escándalo, a través de formas de expresión muchas veces satíricas e irónicas. El absurdo o la falta de valor y el caos protagonizaron ^{[ aclaración necesaria ]} sus acciones de ruptura con la forma artística tradicional. ^{[30] [31] [32] [33]}

El Cabaret Voltaire cerró en 1916, pero revivió en el siglo XXI.

El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia que apareció en 1909. Comenzó como un movimiento literario, aunque la mayoría de los participantes eran pintores. En sus inicios también incluía escultura, fotografía, música y cine. La Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta la década de 1930. Uno de los países donde más impacto tuvo fue Rusia. ^[34] En 1912 surgieron manifiestos como el Manifiesto de la Escultura Futurista y el Manifiesto de la Arquitectura Futurista , y en 1913 el Manifiesto de la Lujuria Futurista de Valentine de Saint-Point , bailarina, escritora y artista francesa. Los futuristas difundieron sus teorías a través de encuentros, reuniones y conferencias en espacios públicos, que se acercaban a la idea de una concentración política, con poesía y music-halls, que anticipaban el arte de la performance. ^{[34] [35] [36]}

La Bauhaus , una escuela de arte fundada en Weimar en 1919, incluía talleres de artes escénicas experimentales con el objetivo de explorar la relación entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College , fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus original que fueron exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando artes escénicas experimentales en la formación de las artes escénicas veinte años antes de los acontecimientos relacionados con la historia de la performance en la década de 1960. ^[37] El nombre Bauhaus deriva de las palabras alemanas Bau, construcción y Haus, casa ; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador era arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura los primeros años de su existencia. ^{[38] [39]}

En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento action painting dio a los artistas la posibilidad de interpretar el lienzo como un área para actuar, convirtiendo las pinturas en rastros de la actuación del artista en el estudio ^[40] Según el crítico de arte Harold Rosenberg , fue uno de los procesos iniciadores del arte de performance, junto con el expresionismo abstracto. Jackson Pollock es el pintor de acción por excelencia, quien realizó muchas de sus acciones en vivo. ^[41] En Europa Yves Klein realizó sus Antropometrías utilizando cuerpos (femeninos) para pintar lienzos como acción pública. Nombres a destacar son Willem de Kooning y Franz Kline , cuya obra incluye pintura abstracta y de acción. ^{[40] [42] [43]}

El nouveau réalisme es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios del arte de la performance. Fue un movimiento pictórico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein , durante la primera exposición colectiva en la Galería Apollinaire de Milán. El nouveau réalisme fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las muchas tendencias de vanguardia de la década de 1960. Pierre Restany creó varios montajes de arte de performance en la Tate Modern , entre otros espacios. ^[44] Yves Klein es uno de los principales exponentes del movimiento. Fue un claro pionero del arte de la performance, con sus piezas conceptuales como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959-62), Anthropométries (1960), y el fotomontaje Saut dans le vide . ^{[45] [46]} Todas sus obras tienen una conexión con el arte de la performance, ya que están creadas como una acción en vivo, como sus obras más conocidas de pinturas creadas con cuerpos de mujeres. Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la que tomaban partes y las incorporaban a su trabajo; buscaban acercar la vida y el arte. ^{[47] [48] [49]}

Uno de los otros movimientos que se anticiparon al arte de performance fue el movimiento japonés Gutai , que realizaba arte de acción o happenning . Surgió en 1955 en la región de Kansai ( Kyoto , Osaka , Kōbe ). Los principales participantes fueron Jirō Yoshihara , Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. ^[50] El grupo Gutai surgió después de la Segunda Guerra Mundial. Rechazaban el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas con agresividad latente (rotura de objetos, acciones con humo). Influyeron en grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell . ^{[50] [51] [52]}

A finales de los años 1960, diversos artistas del land art como Robert Smithson o Dennis Oppenheim crearon piezas ambientales que precedieron al arte de performance en los años 1970. Las obras de artistas conceptuales de principios de los años 1980, como Sol LeWitt , que hizo del dibujo mural un acto de performance, fueron influenciadas por Yves Klein y otros artistas del land art. ^{[53] [54] [55]} El land art es un movimiento artístico contemporáneo en el que el paisaje y la obra de arte están profundamente ligados. Utiliza la naturaleza como material (madera, tierra, rocas, arena, viento, fuego, agua, etc.) para intervenir sobre sí misma. La obra de arte se genera con el propio lugar como punto de partida. El resultado es a veces una unión entre escultura y arquitectura, y a veces una unión entre escultura y paisajismo que cada vez toma un papel más determinante en los espacios públicos contemporáneos. Al incorporar el cuerpo del artista en el proceso creativo, adquiere similitudes con los inicios del arte de performance.

• 
  Retrato de Valentine de Saint-Point en el espacio de la creación
• 
  Portada intervenida por la futurista rusa Olga Rozanova (1912)
• 
  Retrato de Willem de Kooning , pintor de action painting en su estudio
• 
  Instalación del Grupo Gutai en la Bienal de Venecia 2009
• 
  Instalación de Dennis Oppenheim en Hesse, Alemania
• 
  Obra de arte terrestre de Robert Smithson
• 
  Retrato de Pierre Restany en una de sus inauguraciones
• 
  Liberación de 1001 globos azules, "escultura aerostática" de Yves Klein

En la década de 1960, con el propósito de evolucionar la idea generalizada de arte y con principios similares a los originarios del Cabaret Voltaire o el Futurismo , una variedad de nuevas obras, conceptos y un creciente número de artistas dieron lugar a nuevos tipos de arte de la performance. Movimientos claramente diferenciados del accionismo vienés , el arte de la performance de vanguardia en la ciudad de Nueva York, el arte procesual , la evolución del The Living Theatre o el happenning , pero sobre todo la consolidación de los pioneros del arte de la performance. ^[56]

El término Accionismo Vienés ( Wiener Aktionismus ) comprende un breve y controvertido movimiento artístico del siglo XX, que es recordado por la violencia, lo grotesco y lo visual de sus obras. ^[57] Se ubica en la vanguardia austriaca de la década de 1960, y tuvo como objetivo acercar el arte al terreno del performance art, y se vincula con Fluxus y el Body Art. Entre sus principales exponentes se encuentran Günter Brus , Otto Muehl y Hermann Nitsch , quienes desarrollaron la mayor parte de sus actividades accionalistas entre 1960 y 1971. Hermann, pionero del performance art, presentó en 1962 su Teatro de Orgías y Misterios (Orgien und Mysterien Theater). ^{[58] [59] [60]} Marina Abramović participó como intérprete en una de sus performances en 1975.

A principios de los años 1960, la ciudad de Nueva York albergó muchos movimientos, eventos e intereses relacionados con el arte de performance. Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y videos, ^[61] y a mediados de la década patrocinó The Velvet Underground y organizó eventos y acciones performativas en Nueva York, como Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas y películas. ^{[62] [63] [64] [65]}

Indirectamente influyentes para la actuación en el mundo del arte, particularmente en los Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por la San Francisco Mime Troupe y el Living Theatre y exhibidas en teatros Off-Off Broadway en SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. El Living Theatre es una compañía de teatro creada en 1947 en Nueva York. Es el teatro experimental más antiguo de los Estados Unidos. ^[66] A lo largo de su historia ha sido dirigido por sus fundadores: la actriz Judith Malina , que había estudiado teatro con Erwin Piscator , con quien estudió la teoría de Bertolt Brecht y Meyerhold ; y el pintor y poeta Julian Beck . Después de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina. Debido a que es uno de los grupos de teatro aleatorio o teatro en vivo más antiguos en la actualidad, es visto por el resto. ^{[ aclaración necesaria ]} Entendían el teatro como una forma de vida, y los actores vivían en una comunidad bajo principios libertarios ^{[ aclaración necesaria ]} Fue una campaña teatral dedicada a la transformación de la organización del poder de una sociedad autoritaria y una estructura jerárquica. El Living Theatre realizó giras principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en los EE. UU. en 1968. Una obra de este período, Paradise Now , fue notoria por su participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnudaban. ^[67]

Fluxus , palabra latina que significa fluir , es un movimiento de artes visuales relacionado con la música, la literatura y la danza. Su momento más activo fue en los años 1960 y 1970. Se proclamaron en contra del objeto artístico tradicional como mercancía y se declararon un movimiento de arte sociológico. Fluxus fue organizado informalmente en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento tuvo representación en Europa, Estados Unidos y Japón. ^[68] El movimiento Fluxus, desarrollado mayormente en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage , no veía la vanguardia como una renovación lingüística, sino que buscaba hacer un uso diferente de los principales canales del arte que se separan del lenguaje específico; intenta ser interdisciplinario y adoptar medios y materiales de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una renovación del arte, visto como un arte global. ^[69] Así como Dada , Fluxus escapó a cualquier intento de definición o categorización. Como afirmó uno de los fundadores del movimiento, Dick Higgins :

Fluxus empezó con la obra y luego se unió, aplicando el nombre Fluxus a una obra que ya existía. Fue como si hubiera empezado en medio de la situación, en lugar de al principio. ^{[70] [71]}

Robert Filliou sitúa a Fluxus frente al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la vida cotidiana, y gira en torno a la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready-made , introducía lo cotidiano en el arte, mientras que Fluxus disolvía el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o performances. ^[72]

John Cage fue un compositor, teórico musical , artista y filósofo estadounidense . Pionero de la indeterminación en la música , la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales , Cage fue una de las figuras principales de la vanguardia de la posguerra . Los críticos lo han elogiado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. ^{[73] [74] [75] [76]} También fue fundamental en el desarrollo de la danza moderna , principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham , quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas. ^{[77] [78]}

La amiga de Cage, Sari Dienes, puede ser considerada como un vínculo importante entre los expresionistas abstractos , los artistas neo- dadaístas como Robert Rauschenberg y Ray Johnson , y Fluxus. Dienes inspiró a todos estos artistas a difuminar las fronteras entre la vida, el zen, las técnicas de creación artística performativa y los "acontecimientos", tanto de forma premeditada como espontánea. ^[79]

El arte procesual es un movimiento artístico en el que el producto final del arte y la artesanía , el objeto de arte ( obra de arte / objeto encontrado ), no es el foco principal; el proceso de su realización es uno de los aspectos más relevantes, si no el más importante: la recopilación, la clasificación, la comparación, la asociación, la creación de patrones y, además, el inicio de acciones y procedimientos. Los artistas procesuales veían el arte como pura expresión humana. El arte procesual defiende la idea de que el proceso de creación de la obra de arte puede ser una pieza de arte en sí mismo. El artista Robert Morris predicó la "antiforma", el proceso y el tiempo por encima de un producto final objetual. ^{[80] [81] [82]}

Wardrip-Fruin y Montfort en The New Media Reader , "El término 'happening' se ha utilizado para describir muchas actuaciones y eventos, organizados por Allan Kaprow y otros durante los años 1950 y 1960, incluyendo una serie de producciones teatrales que tradicionalmente estaban guionadas e invitaban solo a una interacción limitada del público". ^[83] Un happenning permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, sonidos grabados, textos escritos y hablados e incluso olores. Una de las primeras obras de Kaprow fue Happenings in the New York Scene , escrita en 1961. ^[84] Los happennings de Allan Kaprow convirtieron al público en intérpretes. A menudo, los espectadores se convertían en parte activa del acto sin darse cuenta. Otros actores que crearon happennings fueron Jim Dine , Al Hansen , Claes Oldenburg , Robert Whitman y Wolf Vostell : Theater is in the Street (París, 1958). ^{[85] [86]}

Las obras de los artistas de performance posteriores a 1968 mostraron en muchas ocasiones influencias de la situación política y cultural de ese año. Barbara T. Smith con Ritual Meal (1969) se situó a la vanguardia del arte corporal y escénico feminista en los años setenta, en el que se encontraban, entre otras, Carolee Schneemann y Joan Jonas . Estas, junto con Yoko Ono , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Allan Kaprow , Vito Acconci , Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron pioneras en la relación entre el arte corporal y la performance, así como el colectivo Zaj en España con Esther Ferrer y Juan Hidalgo .

Barbara Smith es una artista y activista estadounidense. Es una de las principales exponentes afroamericanas del feminismo y el activismo LGBT en Estados Unidos. A principios de la década de 1970 trabajó como docente, escritora y defensora de la corriente del feminismo negro. ^[87] Ha impartido clases en numerosos colegios y universidades en los últimos cinco años. Los ensayos, reseñas, artículos, cuentos y críticas literarias de Smith han aparecido en una variedad de publicaciones, entre ellas The New York Times , The Guardian , The Village Voice y The Nation . ^{[88] [89] [90]}

Carolee Schneemann ^{[91] fue una} artista visual experimental estadounidense , conocida por sus obras multimedia sobre el cuerpo, la narrativa, la sexualidad y el género . ^[92] Creó piezas como Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). ^[93] Schneemann consideraba su cuerpo una superficie para trabajar. ^[94] Se describió a sí misma como una "pintora que ha abandonado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido". ^{[95] [ verificación fallida ]}

Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del video y el arte de performance, que es una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. ^[96] Los proyectos y experimentos de Jonas proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en video. Sus influencias también se extendieron al arte conceptual , el teatro, el arte de performance y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá. ^{[97] [98]} Inmersa en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años. ^[99] Jonas también trabajó con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton. ^[100]

Yoko Ono formó parte del movimiento de vanguardia de la década de 1960. Formó parte del movimiento Fluxus. ^[101] Es conocida por sus piezas de performance a finales de la década de 1960, obras como Cut Piece , donde los visitantes podían intervenir en su cuerpo hasta dejarla desnuda. ^[102] Una de sus piezas más conocidas es Wall piece for orchestra (1962). ^{[103] [104]}

Joseph Beuys fue un artista fluxus, de happenning , de performance, pintor, escultor, medallista e instalador alemán . En 1962 inició sus acciones junto al movimiento neodadaísta Fluxus, grupo en el que terminó convirtiéndose en el miembro más importante. Su logro más relevante fue su socialización del arte, haciéndolo más accesible para todo tipo de público. ^[105] En Cómo explicar imágenes a una liebre muerta (1965) cubrió su rostro con miel y pan de oro y explicó su trabajo a una liebre muerta que yacía en sus brazos. En esta obra vinculó factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gesto corporal, a la conciencia de un comunicador cuyo receptor es un animal. ^[106] Beuys actuó como un chamán con poderes curativos y salvadores hacia la sociedad que consideraba muerta. ^[107] En 1974 realizó la performance I Like America and America Likes Me donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja constituyeron el vehículo para su creación. Convivió con el coyote durante tres días. Amontonó periódicos de Estados Unidos, símbolo del capitalismo. ^[108] Con el tiempo, la tolerancia entre Beuys y el coyote fue creciendo y acabó abrazando al animal. Beuys repite muchos elementos utilizados en otras obras. ^[109] Objetos que se diferencian de los ready-mades de Duchamp, no por su pobreza ^{[ aclaración necesaria ]} y efímera, sino porque forman parte de la propia vida de Beuys, quien los colocó tras convivir con ellos y dejar su huella en ellos. Muchos tienen un significado autobiográfico, como la miel o la grasa que utilizaban los tártaros que salvaron ^{[ aclaración necesaria ]} en la Segunda Guerra Mundial. En 1970 realizó su Traje de fieltro . También en 1970, Beuys enseñó escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. ^[110] En 1979, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió una retrospectiva de su obra desde la década de 1940 hasta 1970. ^{[111] [112] [113]}

• 
  Retrato de Barbara Smith
• 
  Conferencia de Yoko Ono en la Bienal de Viena, 2012
• 
  Retrato de Yoko Ono
• 
  Pieza de videoarte del Museo de Brooklyn con entrevista a Carolee Schneemann
• 
  Joan Jonas durante una actuación documentada en vídeo e instalada, 1972
• 
  Retrato de la artista Joan Jonas
• 
  Retrato de Joseph Beuys en una conferencia-performance, 1978
• 
  Joseph Beuys en una pieza de videoarte

Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y videoartista surcoreano de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la Universidad de Tokio. Más tarde, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió teoría musical en Múnich, para luego continuar en Colonia en el conservatorio de Friburgo. Mientras estudiaba en Alemania, Paik conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage y a los artistas conceptuales Sharon Grace, así como a George Maciunas , Joseph Beuys y Wolf Vostell y, a partir de 1962, fue miembro del movimiento de arte experimental Fluxus . ^{[114] [115]} Nam June Paik luego comenzó a participar en el movimiento de arte neo-dadaísta , conocido como Fluxus , que se inspiró en el compositor John Cage y su uso de sonidos y ruidos cotidianos en su música. ^[116] Fue compañero de Yoko Ono como miembro de Fluxus . ^[117]

Wolf Vostell fue un artista alemán, uno de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con diversos medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación , el decollage , el videoarte , el happenning y el fluxus . ^[118]

Vito Acconci ^{[119] [120] fue un influyente} artista estadounidense de performance, video e instalación , cuya diversa práctica eventualmente incluyó escultura, diseño arquitectónico y diseño de paisajes. Su performance y videoarte fundacional ^[121] se caracterizó por "malestar existencial", exhibicionismo, incomodidad, transgresión y provocación, así como ingenio y audacia, ^[120] y a menudo implicó cruzar límites como público-privado, consensual-no consensual y mundo real-mundo del arte. ^{[122] [123]} Se considera que su trabajo influyó en artistas como Laurie Anderson , Karen Finley , Bruce Nauman y Tracey Emin , entre otros. ^[122] Acconci inicialmente estaba interesado en la poesía radical, pero a fines de la década de 1960, comenzó a crear performances de influencia situacionista en la calle o para pequeñas audiencias que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más famosas fueron Following Piece (1969), en la que seleccionaba transeúntes al azar en las calles de la ciudad de Nueva York y los seguía durante todo el tiempo que podía, y Seedbed (1972), en la que afirmaba que se masturbaba mientras estaba debajo de un piso temporal en la Galería Sonnabend , mientras los visitantes caminaban por encima y lo escuchaban hablar. ^[124]

Chris Burden fue un artista estadounidense que trabajó en performance , escultura e instalación . Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de performance, incluida Shoot (1971), en la que hizo arreglos para que un amigo le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Un artista prolífico, Burden creó muchas instalaciones, obras de arte públicas y esculturas conocidas antes de su muerte en 2015. ^{[125] [126] [127]} Burden comenzó a trabajar en performance a principios de la década de 1970. Realizó una serie de performances controvertidas en las que la idea del peligro personal como expresión artística era central. Su primera obra de performance significativa, Five Day Locker Piece (1971), fue creada para su tesis de maestría en la Universidad de California, Irvine, ^[125] e involucró su encierro en un casillero durante cinco días. ^[128]

Dennis Oppenheim fue un artista conceptual , artista de performance, artista de la tierra , escultor y fotógrafo estadounidense. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un metaarte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron para centrarse en el sitio y el contexto. Además de una agenda estética, el trabajo progresó desde las percepciones de las propiedades físicas de la galería hasta el contexto social y político, tomando en gran medida la forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas de una carrera altamente prolífica, cuya diversidad podría exasperar a sus críticos. ^[129]

Yayoi Kusama es una artista japonesa que, a lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios, incluyendo: escultura, instalación, pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes; la mayoría de ellas exhibiendo su interés por la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una pionera de los movimientos de arte pop, minimalismo y feminista e influyó en sus coetáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg . ^[130] Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes surgidas de Japón y una voz muy relevante en el arte de vanguardia. ^{[131] [132]}

• 
  Instalación-performance en vídeo de Nam June Paik en 2008
• 
  Instalación-performance en vídeo de Nam June Paik en Düsseldorf
• 
  Retrato de Wolf Vostell en 1980
• 
  Retrato de Allan Kaprow en 1973
• 
  Vito Acconci durante una video-rendimiento en 1973
• 
  Instalación de Vito Acconci en el Centro de Arte Contemporáneo Luigi Pecci
• 
  Instalación de Dennis Oppenheim en la Bienal de Escultura de Vancouver

En la década de 1970, artistas que habían derivado hacia trabajos relacionados con el arte de la performance evolucionaron y se consolidaron como artistas que tienen la performance como disciplina principal, derivando en instalaciones creadas a través de la performance, la video performance o acciones colectivas, o en el contexto de un contexto sociohistórico y político.

A principios de los años 1970 se consolidó el uso del formato vídeo por parte de los artistas de performance. Algunas exposiciones de Joan Jonas y Vito Acconci estaban hechas íntegramente de vídeo, activadas por procesos performáticos previos. En esta década se publicaron diversos libros que hablaban sobre el uso de los medios de comunicación, vídeo y cine por parte de los artistas de performance, como Expanded Cinema , de Gene Youngblood. Uno de los principales artistas que utilizó el vídeo y la performance, con notorias instalaciones audiovisuales, es el artista surcoreano Nam June Paik , que a principios de los años 1960 ya había estado en el movimiento Fluxus hasta convertirse en artista mediático y evolucionar hacia las instalaciones audiovisuales por las que es conocido.

También hay que tener en cuenta el trabajo de Carolee Schneemann y Robert Whitman en los años 60 en relación con sus video-performances. Ambos fueron pioneros del arte de la performance, que a principios de los años setenta se convirtió en una forma de arte independiente. ^[133]

Joan Jonas comenzó a incluir vídeo en sus performances experimentales en 1972, mientras que Bruce Nauman escenificó ^{[ aclaración necesaria ]} sus actos para que se grabaran directamente en vídeo. ^[134] Nauman es un artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y desarrollar la cultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes obras de arte enfatizaban la naturaleza conceptual del arte y el proceso de creación. ^[135] Su prioridad es la idea y el proceso creativo sobre el resultado. Su arte utiliza una increíble variedad de materiales y especialmente su propio cuerpo. ^{[136] [137]}

Gilbert y George son el artista italiano Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, quienes han desarrollado su trabajo dentro del arte conceptual, la performance y el arte corporal. Fueron más conocidos por sus actos de esculturas en vivo. ^{[138] [139]} Una de sus primeras creaciones fue The Singing Sculpture , donde los artistas cantaron y bailaron "Underneath the Arches", una canción de la década de 1930. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas en vivo, convirtiéndose en obras de arte, exhibidas frente a los espectadores a través de diversos intervalos de tiempo. Suelen aparecer vestidos de traje y corbata, adoptando diversas posturas que mantienen sin moverse, aunque a veces también se mueven y leen un texto, y ocasionalmente aparecen en ensamblajes o instalaciones artísticas. ^[140] Aparte de sus esculturas, Gilbert y George también han realizado obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde se retratan a sí mismos junto a diversos objetos de su entorno inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte contenido; Abordaron temas como el sexo, la raza, la muerte y el VIH, la religión o la política, ^[141] criticando en muchas ocasiones al gobierno británico y al poder establecido. El trabajo más prolífico y ambicioso del grupo fue Jack Freak Pictures , donde tuvieron una presencia constante de los colores rojo, blanco y azul de la Union Jack. Gilbert y George han expuesto su obra en museos y galerías de todo el mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) y la Tate Modern (2007). Han participado en la Bienal de Venecia. En 1986 ganaron el Premio Turner. ^[142]

El arte de performance de resistencia profundiza en los temas del trance, el dolor, la soledad, la privación de la libertad, el aislamiento o el agotamiento. ^[143] Algunas de las obras, basadas en el paso de largos períodos de tiempo, también se conocen como performances de larga duración. ^[144] Uno de los artistas pioneros fue Chris Burden en California desde la década de 1970. ^[145] En una de sus obras más conocidas, Five days in a locker (1971) permaneció cinco días dentro de un locker de la escuela, en Shoot (1971) recibió un disparo con un arma de fuego y habitó durante veintidós días una cama dentro de una galería de arte en Bed Piece (1972). ^[146] Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una performance creada en 1980-1981 ( Time Clock Piece ), donde Hsieh se tomó una foto de sí mismo junto al reloj de tiempo instalado en su estudio cada hora durante todo un año. Hsieh también es conocido por sus performances sobre la privación de la libertad; pasó un año entero confinado. ^[147] En La casa con vista al mar (2003), Marina Abramović vivió en silencio durante doce días sin comida. ^[148] Los nueve confinamientos o la privación de la libertad es una obra conceptual de resistencia de contenido crítico realizada en los años 2013 y 2016. Todas ellas tienen en común la privación ilegítima de la libertad.

A mediados de los años 1970, tras la Cortina de Hierro, en las principales ciudades de Europa del Este como Budapest , Cracovia , Belgrado, Zagreb , Novi Sad y otras, florecieron las artes escénicas de contenido más experimental. Frente al control político y social, surgieron diferentes artistas que hacían performances de contenido político. La serie de performances de Orshi Drozdik , titulada Individual Mythology 1975–77 y NudeModel 1976–77. Todas sus acciones eran críticas al discurso patriarcal en el arte y al programa de emancipación forzada y construido por el estado igualmente patriarcal. ^[149] Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista sobre ambos, convirtiéndose en una de las precursoras de este tipo de arte crítico en Europa del Este. ^[150] En la década de 1970, el arte de performance, debido a su fugacidad, ^{[ aclaración necesaria ]} tuvo una sólida presencia en las vanguardias de Europa del Este, especialmente en Polonia y Yugoslavia, donde surgieron decenas de artistas que exploraron el cuerpo de manera conceptual y crítica.

A mediados de la década de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Ámsterdam . Cuando Abramović y Ulay ^[151] comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. ^[152] Ambos artistas estaban interesados ​​​​en la tradición de su herencia cultural y el deseo del individuo por los rituales. ^[153] En consecuencia, ^{[ aclaración necesaria ]} formaron un colectivo llamado The Other . Se vestían y se comportaban como uno solo, y creaban una relación de absoluta confianza. Crearon una serie de obras en las que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción del público. En Relation in Space corrieron por la habitación, dos cuerpos como dos planetas, mezclando energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "ese yo". ^[154] Relation in Movement (1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro del museo, haciendo 365 giros. Un líquido negro goteaba del coche formando una escultura, y cada ronda representaba un año. ^[155] Después de esto, crearon Breathing In/Breathing Out , donde ambos unieron sus labios e inspiraron el aire expirado por el otro hasta agotar todo el oxígeno. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance, ambos cayeron inconscientes, debido a que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la capacidad de una persona para absorber la vida de otra, cambiándola y destruyéndola. En 1988, después de algunos años de una relación tensa, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual que pondría fin al colectivo. Caminaron a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando en extremos opuestos y encontrándose a mitad de camino. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le dio lo que vio como un final apropiado y romántico para la relación llena de misticismo, energía y atracción. ^[156] Ulay comenzó en el desierto de Gobi y Abramović en el mar Amarillo. Cada uno de ellos caminó 2.500 kilómetros, se encontraron en el medio y se despidieron.

En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Marina Abramović , en la performance Rhythm 10 , incluyó conceptualmente la violación de un cuerpo. ^[157] Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reimaginado en las obras de artistas contemporáneos como Clifford Owens , ^[158] Gillian Walsh , Pat Oleszko y Rebecca Patek, entre otros. ^[159] Nuevos artistas con actos radicales se consolidaron como los principales precursores de la performance, como Chris Burden , con la obra Shoot de 1971 , donde un asistente le disparó en el brazo desde una distancia de cinco metros, y Vito Acconci el mismo año con Seedbed . La obra Eye Body (1963) de Carolee Schneemann en 1963, ya había sido considerada un prototipo de arte de performance. En 1975, Schneemann recurrió a innovadores actos en solitario como Interior Scroll , que mostraban el cuerpo femenino como medio artístico.

Una de las principales artistas fue Gina Pane , ^[160] artista francesa de origen italiano. Estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París desde 1960 hasta 1965 ^[161] y fue miembro del movimiento de performance art en Francia en los años 1970, llamado "Art Corporel". ^[162] Paralelamente a su arte, Pane enseñó en la École des Beaux-Arts de Mans desde 1975 hasta 1990 y dirigió un taller dedicado a la performance art en el Centro Pompidou desde 1978 hasta 1979. ^[162] Una de sus obras más conocidas es The Conditioning (1973), en la que estaba acostada sobre un colchón de metal sobre una zona de velas encendidas. The Conditioning fue creada como un homenaje a Marina Abramović , parte de su Seven Easy Pieces (2005) en el Solomon R. Guggenheim Museum de la ciudad de Nueva York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, separándola de la mayoría de las otras mujeres artistas de la década de 1970. A través de la violencia de cortarse la piel con navajas o apagar fuegos con sus manos y pies desnudos, Pane tiene la intención de incitar una experiencia real en el visitante, que se sentiría conmovido por su incomodidad. ^[160] La naturaleza impactante de estas primeras piezas de performance o acciones, como ella prefería llamarlas, eclipsaron muchas veces su prolífico trabajo fotográfico y escultórico. No obstante, el cuerpo fue la principal preocupación en el trabajo de Panes, ya sea literal o conceptualmente.

• 
  Retrato de Ulay en 1972
• 
  Furgone de Abramovic y Ulay
• 
  Exposición de las primeras obras de Marina Abramović en Estocolmo
• 
  Instalación de Bruce Nauman en Alemania
• 
  Instalación de vídeo de Nam June Paik
• 
  Gilbert y George en una presentación
• 
  Orshi Drozdik en una de sus exposiciones

Hasta los años 1980, el arte de la performance había desmitificado el virtuosismo, ^{siendo esta una} de sus características clave. Sin embargo, a partir de los años 1980 comenzó a adoptar cierta brillantez técnica. ^[163] En referencia a la obra Presencia y resistencia ^[164] de Philip Auslander, la crítica de danza Sally Banes escribe: "... a finales de los años 1980, el arte de la performance se había vuelto tan conocido que ya no necesitaba ser definido; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto estructura como contenido para gran parte del arte de la performance; y varios artistas de performance, incluidos Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, se habían convertido de hecho en artistas de transición en el entretenimiento convencional". ^[165] En esta década se definieron los parámetros y tecnicismos construidos para purificar y perfeccionar el arte de la performance.

A pesar de que muchas performances se llevan a cabo en el marco de un pequeño grupo del mundo del arte, Roselee Goldberg señala en Performance Art: From Futurism to the Present que "la performance ha sido una forma de apelar directamente a un público amplio, así como de escandalizar a las audiencias para que reevalúen sus propias nociones del arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el interés público en el medio, especialmente en la década de 1980, surge de un aparente deseo de ese público de acceder al mundo del arte, de ser espectador de su ritual y su comunidad distintiva, y de sorprenderse con las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que idean los artistas". En esta década surgieron publicaciones y recopilaciones sobre el arte de la performance y sus artistas más conocidos.

En la década de 1980, el contexto político jugó un papel importante en el desarrollo artístico y especialmente en la performance, ya que casi todas las obras creadas con un discurso crítico y político se enmarcaban en esta disciplina. Hasta la decadencia del bloque europeo del Este a fines de la década de 1980, el arte de performance había sido activamente rechazado por la mayoría de los gobiernos comunistas. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, el arte de performance estaba más o menos prohibido en países donde se temía cualquier evento público independiente. En la RDA, Checoslovaquia, Hungría y Letonia ocurría en departamentos, en reuniones aparentemente espontáneas en estudios de artistas, en entornos controlados por iglesias o se cubría como otra actividad, como una sesión de fotos. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes entornos podía ser como una protesta lúdica o un comentario amargo, utilizando metáforas subversivas para expresar disenso con la situación política. ^[166] Entre las obras de arte de performance de contenido político más notables en esta época se encuentran las de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y julio de 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece). ^[167]

En 1982, los términos "poesía" y "performance" se utilizaron por primera vez juntos. La poesía de performance apareció para distinguir las interpretaciones vocales basadas en texto del arte escénico, especialmente el trabajo de los artistas escénicos ^{[ aclaración necesaria ]} y musicales, como Laurie Anderson, que trabajaba con música en ese momento. Los poetas de performance dependían más de la expresión retórica y filosófica en su poética que los artistas de performance, que surgieron de los géneros de las artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde John Cage fusionan la performance con una base poética.

Desde 1973 el Taller Estudio Feminista en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles tuvo incidencia en la ola de actos feministas, pero hasta 1980 no se fusionaron completamente. La conjunción entre feminismo y performance progresó a lo largo de la última década. En las dos primeras décadas del desarrollo del performance, obras que no habían sido concebidas como feministas ahora son vistas como tales. ^{[ aclaración necesaria ]}

Sin embargo, no fue hasta 1980 que los artistas se autodefinieron como feministas. Destacaron los grupos de artistas en los que las mujeres fueron influenciadas por el movimiento estudiantil de 1968, así como por el movimiento feminista. ^[168] Esta conexión ha sido tratada en la investigación de la historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres cuyo aporte innovador en representaciones y espectáculos fue más relevante fueron Pina Bausch y las Guerrilla Girls que surgieron en 1985 en la ciudad de Nueva York, ^[169] colectivo artístico feminista y antirracista anónimo. ^{[170] [171] [172] [173]} Eligieron ese nombre porque utilizaron tácticas de guerrilla en su activismo ^[170] para denunciar la discriminación contra las mujeres en el arte a través del arte político y de performance. ^{[174] [175] [176] [177]} Su primera performance fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para criticar el hecho de que algunos grupos de personas fueran discriminados por su género o raza. ^[178] Todo esto se hizo de manera anónima; en todas estas apariciones se cubrían el rostro con máscaras de gorila (esto se debía a la pronunciación similar de las palabras "gorila" y "guerrilla"). Usaban como apodos los nombres de artistas mujeres que habían muerto. ^[179] Desde la década de 1970 hasta la de 1980, entre las obras que desafiaron al sistema y sus estrategias habituales de representación, las principales tienen como protagonistas al cuerpo de la mujer, como las obras de Ana Mendieta en la ciudad de Nueva York donde su cuerpo es ultrajado y maltratado, o las representaciones artísticas de Louise Bourgeois con un discurso más bien minimalista que surgen a finales de los años setenta y ochenta. Mención especial merecen las obras creadas con corporeidad femenina y feminista ^{[ aclaración necesaria ]} como Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas, que reconstruyeron la imagen femenina para convertirla en algo más que un fetiche. A través del arte de la performance feminista el cuerpo se convierte en un espacio para desarrollar estos nuevos discursos y significados. La artista Eleanor Antin , creadora en los años 1970 y 1980, trabajó los temas de género, raza y clase. Cindy Sherman , en sus primeros trabajos en los años setenta y ya en su madurez artística en los años ochenta, continúa su línea crítica de derrocar el yo impuesto, a través de su uso del cuerpo como objeto de privilegio.

Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Es una de las artistas de posguerra más representativas y expuso más de tres décadas de su trabajo en el MoMA . Aunque aparece en la mayoría de sus fotografías performativas, ella no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel que desempeñan las mujeres en nuestra sociedad y la forma en que son representadas en los medios de comunicación, así como la naturaleza de la creación artística. En 2020 fue galardonada con el premio Wolf en artes . ^[180]

Judy Chicago es una artista y pionera del arte feminista y el arte escénico en los Estados Unidos. Chicago es conocida por sus grandes piezas de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y la cultura. En la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas como la costura, en contraste con habilidades que requerían mucha mano de obra, como la soldadura y la pirotecnia. La obra más conocida de Chicago es The Dinner Party , que se instaló de forma permanente en el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler en el Museo de Brooklyn . The Dinner Party celebró los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos notables incluyen International Honor Quilt , The Birth Project, ^[181] Powerplay, ^[182] y The Holocaust Project. ^[183]

• 
  Estudiantes en una exposición de Martha Rosler
• 
  Las Guerrilla Girls en una inauguración en Londres
• 
  Obras de las 'Guerrilla Girls' en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Manhattan , Nueva York
• 
  Exposición de Guerrilla Girls
• 
  Instalación de Louise Bourgeois en un museo brasileño
• 
  Retrato de Judy Chicago

En esta década el arte de performance se difundió hasta llegar a América Latina a través de los talleres y programas que impartían universidades e instituciones académicas. Se desarrolló principalmente en México, Colombia —con artistas como María Teresa Hincapié— , en Brasil y en Argentina. ^[184]

Ana Mendieta fue una artista conceptual y de performance nacida en Cuba y criada en Estados Unidos. Es conocida principalmente por sus obras de arte y piezas de performance en el ámbito del land art. El trabajo de Mendieta era conocido principalmente en el entorno de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente desde la retrospectiva del Whitney Museum of American Art en 2004 ^[185] y la retrospectiva en la Haywart Gallery de Londres en 2013 ^[186], se la considera pionera del performance art y otras prácticas relacionadas con el body art y el land art, la escultura y la fotografía. ^[187] Ella misma describió su propio trabajo como earth-body art . ^{[188] [189]}

Tania Bruguera es una artista cubana especializada en performance y arte político. Su obra consiste principalmente en su interpretación de temas políticos y sociales. ^[190] Ha desarrollado conceptos como "arte de la conducta" para definir sus prácticas artísticas con un enfoque en los límites del lenguaje y el cuerpo frente a la reacción y el comportamiento de los espectadores. También se le ocurrió el "arte útil", que debe transformar ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Bruguera gira en torno a temas de poder y control, y una gran parte de su trabajo cuestiona el estado actual de su país natal, Cuba. En 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta en La Habana. ^{[191] [192] [193]}

Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en performance. Su obra se caracteriza por su explícito contenido político y crítico, utilizando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social. ^[194] Su trayectoria artística ha estado marcada por la Guerra Civil guatemalteca que se desarrolló de 1960 a 1996, que desencadenó un genocidio de más de 200 mil personas, muchas de ellas indígenas, campesinos, mujeres y niños. ^[184] Con su obra, Galindo denuncia la violencia, el sexismo (uno de sus temas principales es el feminicidio), los estándares de belleza occidentales, la represión de los estamentos y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país, aunque su lenguaje transgrede fronteras. Desde sus inicios sólo utiliza su cuerpo como medio, que en ocasiones lleva a situaciones extremas (como en Himenoplastia (2004) donde se somete a una reconstrucción de himen, obra ganadora del Lyon de Oro en la Bienal de Venecia ), para luego contar con voluntarios o personas contratadas que interactúen con ella, de modo que pierde el control sobre la acción. ^[195]

La década de 1990 fue un período de ausencia para la performance clásica europea, por lo que los artistas de performance mantuvieron un perfil bajo. Sin embargo, Europa del Este vivió un auge. Por otro lado, la performance latinoamericana siguió en auge, así como la performance feminista. También hubo un auge de esta disciplina en los países asiáticos, cuya motivación surgió de la danza Butō en la década de 1950, pero en este período se profesionalizaron y surgieron nuevos artistas chinos, obteniendo un gran reconocimiento. También hubo una profesionalización general en el aumento de las exposiciones dedicadas al arte de la performance, en la inauguración de la Bienal de Arte de Venecia al arte de la performance, donde varios artistas de esta disciplina han ganado el León de Oro, entre ellos Anne Imhof , Regina José Galindo o Santiago Sierra .

Mientras se disolvía el bloque soviético , comenzaron a difundirse algunas piezas de performance prohibidas. Jóvenes artistas del antiguo bloque del Este, incluida Rusia, se dedicaron al arte escénico. Las artes escénicas surgieron en la misma época en Cuba, el Caribe y China. "En estos contextos, el arte escénico se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de Europa occidental, Estados Unidos y Sudamérica en los años sesenta y principios de los setenta. Es necesario destacar que el auge del arte escénico en la década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares no debe considerarse secundario o una imitación de Occidente". ^[196]

En el mundo occidental, en la década de 1990, el arte de performance se unió a la cultura dominante. Diversas obras de arte de performance, en vivo, fotografiadas o mediante documentación, comenzaron a formar parte de galerías y museos que comenzaron a entender el arte de performance como una disciplina artística. ^[197] Sin embargo, no fue hasta la década siguiente que se produjo una institucionalización importante, cuando todos los museos comenzaron a incorporar piezas de arte de performance en sus colecciones y a dedicar grandes exposiciones y retrospectivas, museos como la Tate Modern en Londres, el MoMA en la ciudad de Nueva York o el Centro Pompidou en París. A partir de la década de 1990, muchos más artistas de performance fueron invitados a bienales importantes como la Bienal de Venecia , la Bienal de Sao Paulo y la Bienal de Lyon .

A finales de los años 1990, el arte contemporáneo chino y el arte escénico recibieron un gran reconocimiento internacional, ya que 19 artistas chinos fueron invitados a la Bienal de Venecia. ^{[198] [199]} El arte escénico en China y su historia habían estado creciendo desde los años 1970 debido al interés entre el arte, el proceso y la tradición en la cultura china, pero ganó reconocimiento a partir de los años 1990. ^{[200] [196]} En China, el arte escénico es parte del programa de educación de bellas artes y se está volviendo cada vez más popular. ^{[200] [201]} A principios de los años 1990, el arte escénico chino ya era aclamado en la escena artística internacional. ^{[202] [200] [203]}

• 
  El arte de performance en la Bienal de Lyon
• 
  El arte de performance en la Bienal de Lyon
• 
  Performance en la entrada del pabellón rumano en la Bienal de Venecia
• 
  Instalación performativa de Joseph Beuys en la Tate Modern de Londres
• 
  Instalación de vídeo con el artista chino Ai Weiwei
• 
  Exposición de Tehching Hsieh en el centro de la ciudad de Nueva York
• 
  Pabellón de China en la Bienal de Venecia
• 
  Retrato de Wang Xiaoshuai
• 
  Liu Xiaodong durante una performance artística

A finales de la década de 1990 y a principios de la década de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como la World Wide Web, el video digital, las cámaras web y los medios de transmisión en tiempo real en sus obras de performance. ^[204] Artistas como Coco Fusco , Shu Lea Cheang y Prema Murthy produjeron arte de performance que llamó la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con Internet. ^[205] Otros artistas, como Critical Art Ensemble , Electronic Disturbance Theater y Yes Men , utilizaron tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para plantear cuestiones políticas relacionadas con las nuevas formas de capitalismo y consumismo. ^{[206] [207]}

En la segunda mitad de la década, comenzaron a surgir formas de arte escénico asistidas por computadora. ^[208] Muchas de estas obras llevaron al desarrollo del arte algorítmico , el arte generativo y el arte robótico , en el que la propia computadora, o un robot controlado por computadora, se convierte en el intérprete. ^[209]

Coco Fusco es una artista, escritora y curadora interdisciplinaria cubano-americana que vive y trabaja en Estados Unidos. Su carrera artística comenzó en 1988. En su obra, explora temas como la identidad, la raza, el poder y el género a través de la performance. También realiza videos, instalaciones interactivas y escritura crítica. ^{[210] [22]}

Durante las décadas de 2000 y 2010, artistas como Pussy Riot , Tania Bruguera y Petr Pavlensky han sido juzgados por diversas acciones artísticas. ^[211]

El 21 de febrero de 2012, en el marco de su protesta contra la reelección de Vladímir Putin , varias mujeres del colectivo artístico Pussy Riot entraron en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú de la Iglesia Ortodoxa Rusa . Hicieron la señal de la cruz, se inclinaron ante el santuario y comenzaron a interpretar una composición escénica compuesta por una canción y una danza bajo el lema «Virgen María, aleja a Putin». El 3 de marzo fueron detenidas. ^[212] El 3 de marzo de 2012, Maria Alyokhina y Nadezhda Tolokonnikova , ^{[213] [214]} integrantes de Pussy Riot, fueron detenidas por las autoridades rusas y acusadas de vandalismo. Al principio, ambas negaron ser miembros del grupo e iniciaron una huelga de hambre para ser encarceladas y separadas de sus hijos hasta que comenzaron los juicios en abril. ^[215] El 16 de marzo, otra mujer, Yekaterina Samutsévitch, que había sido interrogada previamente como testigo, también fue detenida y acusada. ^{[ cita requerida ]} El 5 de julio, se presentaron cargos formales contra el grupo y una acusación de 2.800 páginas. ^[216] Ese mismo día se les notificó que tenían hasta el 9 de julio para preparar su defensa. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre, alegando que dos días era un plazo inadecuado para preparar su defensa. ^[217] El 21 de julio, el tribunal extendió su prisión preventiva a seis meses más. ^[218] Los tres miembros detenidos fueron reconocidos como presos políticos por la Unión de Solidaridad con los Presos Políticos. ^[219] Amnistía Internacional los considera presos de conciencia por "la severidad de la respuesta de las autoridades rusas". ^[220]

Desde 2012, el artista Abel Azcona ha sido procesado por algunas de sus obras. La demanda que obtuvo más repercusión ^{[ aclaración necesaria ]} fue la llevada a cabo por el Arzobispado de Pamplona y Tudela , ^[221] en representación de la Iglesia Católica . ^[222] La Iglesia demandó a Azcona por delitos de profanación y blasfemia, delito de odio y atentado contra la libertad religiosa y los sentimientos por su obra Amén o La Pederastia . ^{[223] [224]} En 2016, Azcona fue denunciado por enaltecimiento del terrorismo ^{[225] [226]} por su exposición Natura Morta , ^[227] en la que el artista recreaba situaciones de violencia, memoria histórica, terrorismo o conflictos bélicos a través de performances y esculturas e instalaciones hiperrealistas. ^[228]

En diciembre de 2014 Tania Bruguera fue detenida en La Habana para impedirle realizar nuevas obras reivindicativas ^{[ aclaración necesaria ]} . Sus piezas de performance le han valido duras críticas y ha sido acusada de promover la resistencia y los disturbios públicos. ^{[229] [230]} En diciembre de 2015 y enero de 2016, Bruguera fue detenida por organizar una performance pública en la plaza de la Revolución de La Habana. Fue detenida junto a otros artistas, activistas y reporteros cubanos que participaron en la campaña Yo También Exijo , que se creó tras las declaraciones de Raúl Castro y Barack Obama a favor de restablecer su relación diplomática. Durante la performance El Susurro de Tatlin #6 colocó micrófonos y habladores ^{[ aclaración necesaria ]} en la Plaza de la Revolución para que los cubanos pudieran expresar sus sentimientos respecto al nuevo clima político. El evento tuvo gran repercusión en los medios internacionales, incluyendo una presentación de El Susurro de Tatlin #6 en Times Square, y una acción en la que diversos artistas e intelectuales se expresaron a favor de la liberación de Bruguera enviando una carta abierta a Raúl Castro firmada por miles de personas en todo el mundo pidiendo la devolución de su pasaporte y reclamando una injusticia criminal, ya que solo le dio un micrófono al pueblo para que pudiera dar su opinión. ^{[231] [232] [233] [234] [235]}

En noviembre de 2015 y octubre de 2017, Petr Pavlenski fue arrestado por realizar una performance radical en la que prendió fuego a la entrada del edificio Lubyanka, sede del Servicio Federal de Seguridad de Rusia, y a una sucursal del Banco de Francia. ^[236] En ambas ocasiones roció la entrada principal con gasolina; en la segunda performance roció también el interior y le prendió fuego con un encendedor. Las puertas del edificio resultaron parcialmente quemadas. En ambas ocasiones, Pavlenski fue arrestado sin resistencia y acusado de libertinaje. Unas horas después de las acciones, aparecieron en internet varios vídeos reivindicativos políticos y artísticos. ^[237]

Desde los años 2000, los grandes museos, instituciones y colecciones han apoyado el arte de performance. Desde enero de 2003, la Tate Modern de Londres cuenta con un programa curatorial de arte en vivo y performance. ^[238] Con exposiciones de artistas como Tania Bruguera o Anne Imhof . ^[239] En 2012 se abrieron The Tanks en la Tate Modern : los primeros espacios dedicados a la performance, el cine y la instalación en un importante museo de arte moderno y contemporáneo.

El Museo de Arte Moderno realizó una gran retrospectiva y recreación performática de la obra de Marina Abramović , la mayor exposición de arte performático en la historia del MoMA, del 14 al 31 de marzo de 2010. ^{[240] [241]} La exposición consistió en más de veinte piezas de la artista, la mayoría de ellas de los años 1960-1980. Muchas de ellas fueron reactivadas por otros artistas jóvenes de múltiples nacionalidades seleccionados para la muestra. ^[242] En paralelo a la exposición, Abramovic realizó The Artist is Present , una pieza estática y silenciosa de 726 horas y 30 minutos, en la que se sentó inmóvil en el atrio del museo, mientras los espectadores fueron invitados a turnarse para sentarse frente a ella. ^[243] La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostrada en la exposición, donde Abramovic permaneció días enteros junto a Ulay, quien era su compañero sentimental. La actuación atrajo a celebridades como Björk , Orlando Bloom y James Franco ^[244] quienes participaron y recibieron cobertura mediática. ^[245]

En el contexto de la institucionalización de la performance, la iniciativa bruselense A Performance Affair ^[246] y el formato londinense Performance Exchange ^[247] se preguntan por la coleccionabilidad de las obras de performance. Con The Non-fungible Body?, el museo y centro cultural austriaco OÖLKG/OK reflexiona sobre los recientes avances en la institucionalización de la performance a través de un formato de festival discursivo que se presentó por primera vez en junio de 2022.

• 
  Fachada del Museo Guggenheim de Bilbao con pancarta de Yoko Ono
• 
  Obra de Doris Salcedo en la Tate Modern de Londres, 2007
• 
  Marina Abramović durante sus siete performances en Seven Easy Pieces (2005), en el Museo Solomon R. Guggenheim
• 
  Toma cenital de la performance El artista está presente en el Museo de Arte Moderno
• 
  Obra de Marina Abramović reproducida para la retrospectiva en Bolonia , Italia, 2018
• 
  Hermann Nitsch realizando una performance en su museo homónimo (2009)
• 
  Actuación de Bryan Zanisnik, titulada When I Was a Child I Caught a Fleeting Glimpse (Cuando era niño, capté una visión fugaz) , 2009
• 
  Exposición dedicada a Yoko Ono en el Centro Cultural Metropolitano de Quito (2018)

En 2014 se crea la pieza de performance Carry That Weight , también conocida como “the mattress performance”. La artista detrás de esta pieza es Emma Sulkowicz quien, durante su tesis de fin de carrera en artes visuales en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York, en septiembre de 2014, comenzó la pieza de Sulkowicz, quien comenzó a cargar su propio colchón por el campus de la Universidad de Columbia . ^[248] Esta obra fue creada por la artista con el objetivo de denunciar su violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio, la cual denunció y no fue escuchada por la universidad ni por la justicia, ^[249] por lo que decidió llevar el colchón consigo durante todo el semestre, sin dejarlo en ningún momento, hasta su ceremonia de graduación en mayo de 2015. La pieza generó gran controversia, pero fue apoyada por un grupo de sus compañeras y activistas que se unieron a Sulkowicz en múltiples ocasiones al cargar el colchón, convirtiendo la obra en una reivindicación internacional. El crítico de arte Jerry Saltz consideró la obra de arte como una de las más importantes del año 2014. ^[250]

En 2019, la pieza de performance colectiva Un violador en tu camino fue creada por un grupo feminista de Valparaíso , Chile, llamado Lastesis , que consistió en una manifestación contra las violaciones de los derechos de las mujeres en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020 . ^{[251] [252] [253]} Se realizó por primera vez frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso el 18 de noviembre de 2019. ^[254] Una segunda performance realizada por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019, en el marco del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer , fue filmada y se volvió viral en las redes sociales. ^[255] Su alcance se volvió global ^{[256] [257]} después de que los movimientos feministas en docenas de países adoptaran y tradujeran la performance para sus propias protestas y demandas por el cese y castigo del feminicidio y la violencia sexual, entre otros. ^[258]

• 
  Compañeros de Emma Sulkowicz y la propia artista llevando el colchón a la graduación como forma de denuncia
• 
  Sulkowicz con las instrucciones para su actuación en la Universidad de Columbia
• 
  Parte de la performance de Sulkowicz, una acción llamada "Llevemos el peso entre todas "
• 
  Retrato de Sulkowicz en una de las presentaciones de la obra
• 
  Roberta Smith , crítica de arte del New York Times (izquierda), habla sobre Mattress Performance con Sulkowicz, Museo de Brooklyn , 14 de diciembre de 2014
• 
  Interpretación mexicana de Un violador en tu camino en Oaxaca , 27 de noviembre de 2019
• 
  Un violador en tu camino presentado en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020
• 
  Interpretación peruana de Un violador en tu camino en Lima, 12 de diciembre de 2019
• 
  Un violador en tu camino presentado en el contexto de las protestas chilenas de 2019-2020
• 
  Un niño interviene durante la representación de Un violador en tu camino

• Atkins, Robert (2013). Una guía de ideas, movimientos y palabras de moda contemporáneos, desde 1945 hasta la actualidad . Abbeville Press. ISBN 978-0789211514.
• Bäckström, Per . "Interpretación del poema: el arte transestético de la neovanguardia nórdica", El ángel de la historia. Literatura, Historia y Cultura . Vesa Haapala, Hannamari Helander, Anna Hollsten, Pirjo Lyytikäinen y Rita Paqvalen (eds.), Helsinki: Departamento de Lengua y Literatura Finlandesas, Universidad de Helsinki, 2009.
• Bäckström, Per . “Besos más dulces que el vino: Öyvind Fahlström y Billy Klüver: la neovanguardia sueca en Nueva York”, Artl@s Bulletin , vol. 6, 2017: 2 Migraciones, transferencias y resemantización .
• Bäckström, Per . “El grupo intermedio. Lågsniff de Åke Hodell”, Acta Universitatis Sapientiae , Serie Film & Media Studies, de Gruyter, no. 10 de 2015.
• Bäckström, Per . ”'La trompeta en el fondo'. Öyvind Fahlström y lo siniestro”, Edda 2017: 2.
• Beisswanger, Lisa: Actuación en exhibición. Zur Geschichte lebendiger Kunst im Museum. Deutscher Kunstverlag, Berlín 2021. ISBN 978-3-422-98448-6 (en alemán) 
• Beuys Brock Vostell. Participación de demostración de Aktion 1949-1983 . ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Hatje Cantz , Karlsruhe, 2014, ISBN 978-3-7757-3864-4 . 
• Battcock, Gregory; Nickas, Robert (1984). El arte de la interpretación: una antología crítica . Nueva York, EP Dutton. ISBN 0-525-48039-0 
• Carlson, Marvin (1996). Performance: A Critical Introduction . Londres y Nueva York: Routledge. ISBN 0-415-13702-0 , ISBN 0-415-13703-9  
• Carr, C. (1993). Al límite: la actuación a finales del siglo XX . Wesleyan University Press. ISBN 0-8195-5267-4 , ISBN 0-8195-6269-6  
• Dempsey, Amy, El arte en la era moderna: una guía de estilos, escuelas y movimientos , editor: Harry N. Abrams, ISBN 978-0810941724 (se proporciona una definición básica y una descripción general básica). 
• Dreher, Thomas: Performance Art nach 1945. Aktionstheater und Intermedia. Múnich: Wilhelm Fink 2001. ISBN 3-7705-3452-2 (en alemán) 
• Fischer-Lichte, Erika: Ästhetik des Performativen . Frankfurt: edición suhrkamp 2004. ISBN 3-518-12373-4 (en alemán) 
• Fischer-Lichte, Erika (2008). El poder transformador de la performance: una nueva estética . Nueva York y Londres: Routledge. ISBN 978-0415458566.
• Fischer-Lichte, Erika; Arjomand, Minou (2014). Introducción a los estudios teatrales y de performance de Routledge . Nueva York: Routledge. ISBN 978-0-415-50420-1.
• Fischer-Lichte, Erika; Wihstutz, Benjamín (2018). Estética Transformadora . Oxon y Nueva York: Routledge. ISBN 978-1-138-05717-3.
• Goldberg, Roselee (1998) Performance: Live Art Since 1960 . Harry N. Abrams, NY NY. ISBN 978-0-8109-4360-5 
• Goldberg, Roselee (2001). Performance Art: From Futurism to the Present (El mundo del arte). Thames & Hudson
• Goldberg, Roselee (2018) Performance Now: Arte en vivo para el siglo XXI, Londres: Thames & Hudson, ISBN 978-0-500-02125-5 . 
• Gómez-Peña, Guillermo (2005). Etno-tecno: escritos sobre performance, activismo y pedagogía . Routledge, Londres. ISBN 0-415-36248-2 
• Jones, Amelia y Heathfield, Adrian (eds.) (2012), Interpretar, repetir, grabar. Arte en vivo en la historia . Intellect, Bristol. ISBN 978-1-84150-489-6 
• Phelan, Peggy: Unmarked. La política de la performance. Routledge, Londres 1993. ISBN 978-0-415-06822-2 
• Rockwell, John (2004). “¿Preservar el arte escénico?”, New York Times , 30 de abril.
• Schimmel, Paul (ed.) (1998). Out of Actions: Between Performance and the Object, 1949–1979 . Thames and Hudson, Los Ángeles. Biblioteca del Congreso NX456.5.P38 S35 1998
• Smith, Roberta (2005). "El arte de performance tiene su bienal". New York Times , 2 de noviembre.
• Best, Susan, "Los espacios seriales de Ana Mendieta", Art History, abril de 2007 https://doi.org/10.1111/j.1467-8365.2007.00532.x
• Best, Susan, "Ana Mendieta: Miniaturización del afecto, vínculos emocionales y la serie Silueta", Visualizing Feeling: Affect and the Feminine Vanguard (Londres: IB Tauris, 2011) 92–115 ISBN 978-1-78076-709-3 
• Del Valle, Alejandro (2015). "Primitivismo en el arte de Ana Mendieta". Doctor en Filosofía. Universidad Pompeu Fabra . Consultado el 8 de julio de 2017 .
• Del Valle, Alejandro. "Ana Mendieta: Performance a la manera de lo primitivo". Arte, Individuo y Sociedad, 26 (1) 508–523
• "Ana Mendieta: Cuerpo de tierra, escultura y performance 1972–1985". Museo y jardín de esculturas Hirshhorn. Traditional Fine Arts Organization, Inc.
• Ana Mendieta: Nuevo archivo del Museo

Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Arte de performance .

Wikiversidad tiene recursos de aprendizaje sobre el arte de performance

Wikiquote tiene citas relacionadas con Arte de performance .

• Archivos de arte en vivo de la colección de teatro de la Universidad de Bristol
• Thomas Dreher: Arte intermedio: arte de performance (la mayoría de los artículos en alemán)