La cena

La cena
Artista	Judy Chicago
Año	1979 ( 1979 )
Tipo	Técnica mixta
Ubicación	Museo de Brooklyn , Brooklyn , Nueva York
Dueño	Museo de Brooklyn

The Dinner Party es una instalación de la artista feminista estadounidense Judy Chicago . Hay 39 cubiertos elaborados en una mesa triangular para 39 mujeres famosas, tanto míticas como históricas. Sacajawea , Sojourner Truth , Leonor de Aquitania , la emperatriz Teodora de Bizancio , Virginia Woolf , Susan B. Anthony y Georgia O'Keeffe se encuentran entre las invitadas simbólicas.

Cada lugar incluye un plato de porcelana pintado a mano, cubiertos y cáliz de cerámica, y una servilleta con un borde dorado bordado. Cada plato, excepto los correspondientes a Sojourner Truth y Ethel Smyth , representa una forma vulvar de colores brillantes y un estilo elaborado. Los arreglos descansan sobre caminos de mesa intrincadamente bordados, ejecutados en una variedad de estilos y técnicas de costura. La mesa se encuentra en The Heritage Floor , compuesto por más de 2000 azulejos triangulares esmaltados con brillo blanco, cada uno inscrito en letras doradas con el nombre de una de las 998 mujeres y un hombre que han dejado una huella en la historia. (El hombre, Kresilas , fue incluido por error, ya que se pensó que había sido una mujer llamada Cresilla).

The Dinner Party se produjo entre 1974 y 1979 como una colaboración y se exhibió por primera vez en 1979. A pesar de la resistencia del mundo del arte, estuvo de gira por 16 lugares en seis países en tres continentes ante una audiencia de 15 millones de espectadores. Se retiró al almacenamiento desde 1988 hasta 1996, ya que comenzaba a sufrir los constantes viajes. ^[1] En 2007, se convirtió en una exhibición permanente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn , Nueva York.

The Dinner Party fue creada por la artista Judy Chicago , con la ayuda de numerosos voluntarios, con el objetivo de "poner fin al ciclo continuo de omisión en el que las mujeres fueron borradas del registro histórico". ^[2] Según la artista, "The Dinner Party sugiere que las mujeres tienen la capacidad de ser las principales creadoras de símbolos, de rehacer el mundo a nuestra propia imagen y semejanza" (SNYDER, 1981, p. 31). ^[3]

La mesa es triangular y mide 48 pies (14,63 m) de lado. ^[2] Hay 13 cubiertos en cada uno de los lados de la mesa, lo que hace un total de 39. El ala I rinde homenaje a las mujeres desde la Prehistoria hasta el Imperio Romano, el ala II rinde homenaje a las mujeres desde los comienzos del cristianismo hasta la Reforma y el ala III desde la Revolución estadounidense hasta el feminismo. ^[2]

Cada lugar presenta un camino de mesa bordado con el nombre de la mujer e imágenes o símbolos relacionados con sus logros, con una servilleta, utensilios, un vaso o copa y un plato. Muchos de los platos presentan una escultura con forma de mariposa o flor que representa una vulva . Un esfuerzo cooperativo de artesanos hombres y mujeres, The Dinner Party celebra los logros tradicionales femeninos como las artes textiles (tejido, bordado, costura) y la pintura china , que se han enmarcado como artesanía o arte doméstico , en oposición a las bellas artes dominadas por los hombres y valoradas culturalmente . ^[2]

Si bien la pieza está compuesta por trabajos artesanales típicos, como bordados y pinturas sobre porcelana, y normalmente se considera arte menor, "Chicago dejó en claro que quiere que The Dinner Party sea vista como arte mayor, que todavía se adhiere a esta estructura de valor: 'No estoy dispuesta a decir que una pintura y una olla son la misma cosa', ha declarado. 'Tiene que ver con la intención. Quiero hacer arte' " . ^[4]

El piso blanco de baldosas de porcelana triangulares , llamado el Piso del Patrimonio , está inscrito con los nombres de otras 998 mujeres notables (y un hombre, Kresilas , un antiguo escultor griego, incluido por error ya que se pensó que era una mujer llamada Cresilla), cada uno asociado con uno de los cubiertos. ^[2]

En 2002, la Fundación Elizabeth A. Sackler compró y donó The Dinner Party al Museo de Brooklyn , donde se encuentra en el Centro Elizabeth A. Sackler para el Arte Feminista , que abrió sus puertas en marzo de 2007. ^{[5] [6]}

En 2018, Chicago creó una edición limitada de platos funcionales basados ​​en los diseños de Dinner Party . Los diseños que se reprodujeron fueron Elizabeth I , Primordial Goddess , Amazon y Sappho . ^[7]

La cena tardó seis años y costó 250.000 dólares completarla, sin incluir el trabajo voluntario. ^[8] Comenzó modestamente como Twenty-Five Women Who Were Ainen Alive (Veinticinco mujeres que fueron comidas vivas ), una forma en la que Chicago podía usar su imaginería de "mariposa-vagina" y su interés por la pintura china en un entorno de gran arte. ^[8] Pronto lo amplió para incluir 39 mujeres dispuestas en tres grupos de 13. La forma triangular ha sido durante mucho tiempo un símbolo femenino. La mesa es un triángulo equilátero, para representar la igualdad. El número 13 representa el número de personas que estuvieron presentes en la Última Cena, una comparación importante para Chicago, ya que las únicas personas allí eran hombres. ^[8] Desarrolló el trabajo por su cuenta durante los primeros tres años antes de traer a otros. Durante los siguientes tres años, más de 400 personas contribuyeron al trabajo, la mayoría de ellas voluntarias. Se consideró que unos 125 eran "miembros del proyecto", lo que sugiere que se trataba de un esfuerzo a largo plazo, y un pequeño grupo estuvo muy involucrado en el proyecto durante los últimos tres años, incluidos ceramistas, costureras e investigadores. ^[8] El proyecto se organizó de acuerdo con lo que se ha denominado "jerarquía benévola" y "liderazgo no jerárquico", ya que Chicago diseñó la mayoría de los aspectos del trabajo y tuvo el control final sobre las decisiones tomadas. ^[8]

Las 39 láminas comienzan planas y comienzan a emerger en mayor relieve hacia el final de la cronología, con la intención de representar la creciente independencia e igualdad de la mujer moderna. ^[9] La obra también utiliza información escrita complementaria, como carteles, cronologías y una publicación de exposición de tres libros para brindar información de fondo sobre cada mujer y el proceso de elaboración de la obra. ^[9]

La primera ala de la mesa triangular alberga figuras femeninas que van desde las diosas de la prehistoria hasta Hipatia en la época del Imperio Romano . Esta sección abarca el surgimiento y la decadencia del mundo clásico .

La segunda ala comienza con Marcella y trata del ascenso del cristianismo , y concluye con Anna van Schurman en el siglo XVII, en la época de la Restauración.

La tercera ala representa la Era de la Revolución . Comienza con Anne Hutchinson y recorre el siglo XX hasta los lugares finales, donde se rinde homenaje a Virginia Woolf y Georgia O'Keeffe .

Las 39 mujeres con asientos en la mesa son:

El suelo Heritage Floor , que se encuentra debajo de la mesa, presenta los nombres de 998 mujeres (y un hombre, Kresilas , incluido por error porque se pensó que era una mujer llamada Cresilla) inscritos en baldosas de porcelana blanca hechas a mano. Las baldosas cubren toda la extensión del área triangular de la mesa, desde las bases de cada lugar, continúan debajo de las mesas mismas y llenan el área cerrada completa dentro de las tres mesas. Hay 2304 baldosas con nombres repartidos en más de una baldosa. Los nombres están escritos en la escritura cursiva Palmer , una forma estadounidense del siglo XX. Chicago afirma que los criterios para incluir el nombre de una mujer en el suelo fueron uno o más de los siguientes: ^[10]

1. Ella había hecho una valiosa contribución a la sociedad.
2. Ella había tratado de mejorar la suerte de otras mujeres.
3. Su vida y su obra han iluminado aspectos significativos de la historia de las mujeres.
4. Ella había proporcionado un modelo a seguir para un futuro más igualitario.

Acompañando la instalación hay una serie de paneles de pared que explican el papel de cada mujer en el piso y la asocian con uno de los cubiertos. ^[10]

En una entrevista de 1981, Chicago dijo que la reacción de amenazas y castigos odiosos en reacción al trabajo provocó el único período de riesgo de suicidio que había experimentado en su vida, caracterizándose a sí misma como "como un animal herido". ^[11] Dijo que buscó refugio de la atención pública mudándose a una pequeña comunidad rural y que amigos y conocidos asumieron roles de apoyo administrativo para ella, como abrir su correo, mientras ella se dedicaba a trabajar en Embroidering Our Heritage , el libro de 1980 que documenta el proyecto. ^[11]

La cena provocó muchas opiniones diversas. La crítica feminista Lucy Lippard afirmó: "Mi propia experiencia inicial fue muy emotiva... Cuanto más tiempo pasaba con la pieza, más adicta me volvía a sus intrincados detalles y significados ocultos", y defendió la obra como un excelente ejemplo del esfuerzo feminista. ^[8] Estas reacciones fueron compartidas por otros críticos, y la obra fue glorificada por muchos. ^[12]

Sin embargo, las críticas inmediatas a la obra fueron igualmente firmes. Hilton Kramer , por ejemplo, sostuvo que « The Dinner Party reitera su tema con una insistencia y una vulgaridad más apropiadas, tal vez, para una campaña publicitaria que para una obra de arte». ^[13] Calificó la obra no sólo de objeto kitsch sino también de «grosera, solemne y obtusa», «arte muy malo,... arte fracasado,... arte tan sumido en la piedad de una causa que no logra adquirir vida artística independiente propia». ^[13]

Maureen Mullarkey también criticó la obra, calificándola de sermoneadora y de no ser fiel a las mujeres que dice representar. ^[13] En particular, se mostró en desacuerdo con el sentimiento que ella misma califica de "ponlas patas arriba y todas se verán iguales", una esencialización de todas las mujeres que no respeta la causa feminista. ^[13] Mullarkey también puso en tela de juicio el aspecto jerárquico de la obra, afirmando que Chicago se aprovechó de sus voluntarias. ^[14]

Mullarkey se centró en varias láminas en particular en su crítica de la obra, específicamente Emily Dickinson , Virginia Woolf y Georgia O'Keeffe , utilizando a estas mujeres como ejemplos de por qué la obra de Chicago era irrespetuosa con las mujeres que retrata. Afirma que la "entrepierna de encaje rosa de varios niveles" de Dickinson estaba opuesta a la mujer que se suponía que simbolizaba debido a la extrema privacidad de Dickinson. ^[14] La inclusión de Woolf ignora su frustración por la curiosidad del público sobre el sexo de los escritores, y O'Keeffe tenía pensamientos similares, negando que su obra tuviera algún significado sexual o sexuado. ^[14]

La cena fue satirizada por la artista Maria Manhattan, cuya contraexposición The Box Lunch en una galería de SoHo fue anunciada como "un importante evento artístico en honor a 39 mujeres de dudosa distinción", y se realizó en noviembre y diciembre de 1980. ^{[15] [16] [17] [18]}

En respuesta a que The Dinner Party es una obra colaborativa, Amelia Jones señala que "Chicago nunca hizo afirmaciones exorbitantes sobre la naturaleza 'colaborativa' o no jerárquica del proyecto. Ha insistido en que nunca fue concebido ni presentado como un proyecto 'colaborativo' tal como se entiende generalmente esta noción... El proyecto The Dinner Party , insistió en todo momento, era cooperativo , no colaborativo, en el sentido de que implicaba una jerarquía clara pero un esfuerzo cooperativo para asegurar su finalización exitosa". ^[19]

Roberta Smith, crítica de arte del New York Times, afirma que no todos los detalles son iguales. Cree que "los corredores tienden a ser más vivos y variados que las placas. Además, los corredores se fortalecen a medida que avanza la obra, mientras que las placas se vuelven más débiles, más monótonas y más exageradas, lo que significa que los dos tercios centrales de la pieza son más exitosos". Dado que los corredores se vuelven más detallados a medida que avanza la obra, Smith señala que las partes posteriores de los corredores son difíciles de ver y "pueden ser las mejores y más llamativas partes de todas". ^[20] De manera similar, Smith afirmó que "su importancia histórica y su significado social pueden ser mayores que su valor estético". ^[21]

En cuanto a la disposición de los cubiertos, Janet Koplos cree que los platos están pensados ​​para servir como lienzos y las copas ofrecen una puntuación vertical. Sin embargo, considera que "la cubertería estandarizada es históricamente incorrecta desde el principio y culturalmente sesgada. La disposición de los cubiertos sería más sólida si se utilizaran solos platos y caminos de mesa". ^[22]

En un artículo de 1984, Hortense J. Spillers criticó a Judy Chicago y The Dinner Party , afirmando que, como mujer blanca, Chicago recrea la eliminación del yo sexual femenino negro. Spillers llama en su defensa la vajilla de Sojourner Truth, la única mujer negra. Después de una revisión exhaustiva, se puede ver que todos los cubiertos representan vaginas de diseño único, excepto Sojourner Truth. La vajilla de Sojourner Truth está representada por tres caras, en lugar de una vagina. Spillers escribe: "La extirpación de los genitales femeninos es una castración simbólica. Al borrar los genitales, Chicago no sólo anula la sexualidad perturbadora de su sujeto, sino que también espera sugerir que su ser sexual no existía para ser negado en primer lugar..." ^[23] Al igual que la crítica de Spillers, Alice Walker publicó su ensayo crítico en la revista Ms. señalando "la ignorancia de Chicago sobre las mujeres de color en la historia (específicamente las pintoras negras), centrándose en particular en la representación de la subjetividad femenina negra en The Dinner Party en la placa de Sojourner Truth. Walker afirma: "Se me ocurrió que tal vez las mujeres blancas feministas, no menos que las mujeres blancas en general, no pueden imaginar que las mujeres negras tengan vaginas. O si pueden, la imaginación las lleva demasiado lejos". ^[24]

Esther Allen critica aún más a Chicago en su artículo "Devolviendo la mirada, con venganza". ^[25] Allen afirma que The Dinner Party excluye a las mujeres de España , Portugal o cualquiera de las antiguas colonias de estos imperios. Esto significa que se excluyeron a varias mujeres muy prominentes de la historia occidental, como Frida Kahlo , Teresa de Ávila , Gabriela Mistral y más. La propia Chicago respondió ^[26] a estas críticas, afirmando que todas estas mujeres están incluidas en el "Piso del Patrimonio" y que centrarse únicamente en quién está en la mesa es "simplificar demasiado el arte e ignorar los criterios que mi equipo de estudio y yo establecimos y los límites con los que estábamos trabajando". Además, Chicago afirma que, a mediados de la década de 1970, había poco o ningún conocimiento sobre ninguna de estas mujeres.

Críticos como Mullarkey han vuelto a The Dinner Party en años posteriores y han declarado que sus opiniones no han cambiado. Sin embargo, muchas reacciones posteriores a la obra han sido más moderadas o más tolerantes, aunque solo fuera dándole valor a la obra en función de su importancia continua.

Amelia Jones , por ejemplo, sitúa la obra en el contexto tanto de la historia del arte como de la evolución de las ideas feministas para explicar las respuestas críticas a la obra. ^[27] Analiza la objeción de Hilton Kramer a la pieza como una extensión de las ideas modernistas sobre el arte, afirmando que "la pieza subvierte descaradamente los sistemas de valores modernistas, que privilegian el objeto estético 'puro' sobre el sentimentalismo degradado de las artes domésticas y populares". ^[27] Jones también aborda el argumento de algunos críticos de que The Dinner Party no es arte elevado debido a su enorme popularidad y atractivo público. Mientras que Kramer vio la popularidad de la obra como una señal de que era de menor calidad, Lippard y la propia Chicago pensaron que su capacidad de hablar a una audiencia más amplia debería considerarse un atributo positivo. ^[27]

La imagen de la "vagina en forma de mariposa" sigue ^{siendo muy criticada} y apreciada. Muchos conservadores criticaron la obra por razones resumidas por el congresista Robert K. Dornan en su declaración de que era "pornografía tridimensional de cerámica", pero algunas feministas también encontraron problemática la imagen debido a su naturaleza pasiva y esencialista. ^[27] Sin embargo, la obra encaja en el movimiento feminista de los años 70, que glorificó y se centró en el cuerpo femenino. Otras feministas han estado en desacuerdo con la idea principal de esta obra porque muestra una experiencia femenina universal, que muchos sostienen que no existe. Por ejemplo, las lesbianas y las mujeres de etnias distintas a la blanca y europea no están bien representadas en la obra. ^[27]

Jones presenta el argumento sobre la naturaleza colaborativa del proyecto. Muchos críticos atacaron a Chicago por afirmar que la obra era una colaboración cuando en realidad ella tenía el control de la obra. Sin embargo, Chicago nunca había afirmado que la obra sería este tipo de colaboración ideal y siempre asumió la plena responsabilidad de la pieza. ^[27]

La artista Cornelia Parker la nominó como una obra que le gustaría ver "tirada a la basura", diciendo: "Demasiadas vaginas para mi gusto. Creo que todo tiene que ver con el ego de Judy Chicago en lugar de las pobres mujeres a las que se supone que debe elevar: todas estamos reducidas a vaginas, lo cual es un poco deprimente. Es casi como la pieza de arte de víctimas más grande que hayas visto nunca. ¡Y ocupa tanto espacio! Me gusta bastante la idea de intentar meterla en un pequeño contenedor; no es un gesto muy feminista, pero no creo que la pieza tampoco lo sea". ^[28]

En 1990, The Dinner Party fue considerado para albergarlo permanentemente en la Universidad del Distrito de Columbia . Era parte de un plan para generar ingresos para la escuela, ya que había demostrado ser muy exitoso. ^[29] La obra iba a ser donada como regalo a la escuela, y se uniría a una colección en expansión de arte afroamericano, que incluía un gran grupo de pinturas del abstraccionista washingtoniano Sam Gilliam y obras de Elizabeth Catlett , Romare Bearden , Alma Thomas , Hale Woodruff , Jacob Lawrence y Lois Mailou Jones , entre otros. Estas, junto con las obras de un grupo de pintores blancos locales del Color Field y algunos profesores blancos de la UDC también en las colecciones de la universidad, se convertirían en el núcleo de lo que se presentó a principios de 1990 como un centro de arte multicultural innovador, una coalición esperanzadora entre artistas de color, feministas y otros artistas que representan la lucha por la libertad y la igualdad humana. ^[29]

Judy Chicago donó The Dinner Party con el entendimiento de que uno de los edificios de la escuela sería reparado para albergarla. El dinero para estas reparaciones ya había sido asignado y no provenía del presupuesto de funcionamiento de la escuela. ^[29] El 19 de junio de 1990, los administradores de la UDC aceptaron formalmente la donación de The Dinner Party por votación unánime. Sin embargo, pronto los periodistas del Washington Times, de derecha, comenzaron a escribir artículos que afirmaban que The Dinner Party "había sido prohibido en varias galerías de arte de todo el país porque representa genitales femeninos en platos" y que "la Junta de Síndicos gastará casi $1.6 millones para adquirir y exhibir una pieza de arte controvertida". ^[29] Los malentendidos sobre la situación monetaria fueron enfatizados y perpetuados por los medios de comunicación. ^[29] Finalmente, los planes se cancelaron debido a las preocupaciones de que la colección afectaría negativamente el presupuesto de funcionamiento de la escuela. ^[29]

The International Honor Quilt (también conocido como International Quilting Bee ) es un proyecto colectivo de arte feminista iniciado en 1980 por Judy Chicago como pieza complementaria a The Dinner Party . ^{[30] [31]}

• Edredón de honor internacional
• Servicio de cena de mujeres famosas
• Vagina y vulva en el arte

• Chicago, Judy. La cena: de la creación a la preservación . Londres: Merrell (2007). ISBN 1-85894-370-1 . 

• Chicago, Judy. La cena: un símbolo de nuestra herencia . Nueva York: Anchor (1979). ISBN 0-385-14567-5 
• Chicago, Judy. Bordando nuestra herencia: la costura de la cena . Nueva York: Anchor (1980) ISBN 0-385-14569-1 
• Chicago, Judy. Through The Flower: My Struggle as A Woman Artist (A través de la flor: mi lucha como mujer artista) . Lincoln: Authors Choice Press (2006). ISBN 0-595-38046-8 
• Gerhard, Jane F. La cena: Judy Chicago y el poder del feminismo popular, 1970-2007. Athens, GA: The University of Georgia Press (2013). ISBN 0-820-34457-5 
• Jones, Amelia. Política sexual: la cena de Judy Chicago en la historia del arte feminista. Berkeley: University of California Press (1996). ISBN 0-520-20565-0 

• El sitio web de la exposición Dinner Party del Museo de Brooklyn, que incluye una base de datos de búsqueda de todas las mujeres representadas.
• La cena de la organización sin fines de lucro de Chicago, Through the Flower.

• Cobertura de CAFKA.TV de la inauguración del Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler, sede permanente de la Cena de Judy Chicago en YouTube el 28 de marzo de 2007
• La cena de Judy Chicago en el Museo de Brooklyn en YouTube Recorrido en vídeo por la obra y parte del Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista por James Kalm. 28 de marzo de 2007. Consultado en septiembre de 2009.
• The Dinner Party – A Tour of The Exhibition en YouTube Vídeo de 41 minutos en el que Judy Chicago guía personalmente a los espectadores en un recorrido por The Dinner Party , con explicaciones sobre cómo se creó la obra, así como un enfoque especial en determinados cubiertos. 3 de octubre de 2012. Consultado el 21 de julio de 2013.
• Directamente de la historia: Judy Chicago , Phoenix Learning Group (2008) (DVD)