Sinfonía
Tipo de composición musical extendida

Una interpretación de la Octava Sinfonía de Gustav Mahler con la Filarmónica de Kölner por la Sinfonieorchester Wuppertal  [de] dirigida por Heinz Walter Florin  [de]

Una sinfonía es una composición musical extensa en la música clásica occidental , la mayoría de las veces para orquesta . Aunque el término ha tenido muchos significados desde sus orígenes en la era de la antigua Grecia, a fines del siglo XVIII la palabra había adquirido el significado común hoy: una obra que generalmente consta de múltiples secciones o movimientos distintos , a menudo cuatro, con el primer movimiento en forma de sonata . Las sinfonías casi siempre se escriben para una orquesta que consta de una sección de cuerdas ( violín , viola , violonchelo y contrabajo ), instrumentos de viento metal , de viento madera y de percusión que en total suman entre 30 y 100 músicos. Las sinfonías se escriben en una partitura musical , que contiene todas las partes del instrumento. Los músicos de orquesta tocan partes que contienen solo la música escrita para su propio instrumento. Algunas sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven o la Segunda Sinfonía de Mahler ).

Etimología y orígenes

La palabra sinfonía se deriva del griego συμφωνία ( symphōnía ), que significa «acuerdo o concordia de sonido», «concierto de música vocal o instrumental», de σύμφωνος ( sýmphōnos ) , «armonioso». [1] La palabra hacía referencia a una variedad de conceptos diferentes antes de asentarse finalmente en su significado actual que designa una forma musical.

En la teoría griega tardía y medieval, la palabra se usaba para consonancia , en oposición a διαφωνία ( diaphōnía ), que era la palabra para "disonancia". [2] En la Edad Media y más tarde, la forma latina symphonia se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente. [2] Isidoro de Sevilla fue el primero en usar la palabra symphonia como el nombre de un tambor de dos parches, [3] y desde c.  1155 hasta 1377 la forma francesa symphonie era el nombre del organistrum o zanfona . En la Inglaterra medieval tardía, symphony se usaba en ambos sentidos, mientras que en el siglo XVI se equiparaba con el dulcimer . En alemán, Symphonie era un término genérico para espinetas y virginales desde finales del siglo XVI hasta el siglo XVIII. [4]

En el sentido de "sonar juntos", la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores de los siglos XVI y XVII, incluidas Sacrae symphoniae de Giovanni Gabrieli y Symphoniae sacrae, liber secundus , publicadas en 1597 y 1615, respectivamente. ; Eclesiastiche sinfonie , dette canzoni in aria francese, per sonare, et cantare , op. 16, publicado en 1607; Sinfonie musicali de Lodovico Grossi da Viadana , op. 18, publicado en 1610; y Symphoniae sacrae , op. 6, y Symphoniarum sacrarum secunda pars , op. 10, publicados en 1629 y 1647, respectivamente. A excepción de la colección de Viadana, que contenía música puramente instrumental y profana, todas eran colecciones de obras vocales sacras, algunas con acompañamiento instrumental. [5] [6]

Época barroca

En el siglo XVII, durante la mayor parte de la era barroca, los términos sinfonía y sinfonía se utilizaron para una variedad de composiciones diferentes, incluidas piezas instrumentales utilizadas en óperas , sonatas y conciertos , generalmente parte de una obra más grande. La ópera sinfonía , u obertura italiana , tenía, en el siglo XVIII, una estructura estándar de tres movimientos contrastantes: rápido, lento, rápido y bailable. Es esta forma la que a menudo se considera como el precursor directo de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura", "sinfonía" y "sinfonía" fueron ampliamente considerados como intercambiables durante gran parte del siglo XVIII. [6]

En el siglo XVII, las piezas compuestas para grandes conjuntos instrumentales no indicaban con precisión qué instrumentos debían tocar cada parte, como es la práctica desde el siglo XIX hasta el período actual. Cuando los compositores del siglo XVII escribían piezas, esperaban que estas obras fueran interpretadas por cualquier grupo de músicos que estuviera disponible. Por ejemplo, mientras que la línea de bajo en una obra del siglo XIX está compuesta para violonchelos , contrabajos y otros instrumentos específicos, en una obra del siglo XVII, una parte de bajo continuo para una sinfonía no especificaría qué instrumentos tocarían la parte. Una interpretación de la pieza podría hacerse con un grupo de bajo continuo tan pequeño como un solo violonchelo y un clavicémbalo . Sin embargo, si se disponía de un presupuesto mayor para una interpretación y se requería un sonido más grande, un grupo de bajo continuo podría incluir varios instrumentos que tocaran acordes (clavecín, laúd , etc.) y una variedad de instrumentos bajos, incluidos el violonchelo, el contrabajo, la viola baja o incluso un serpentón , un instrumento de viento bajo primitivo.

Épocas galantes y clásicas

LaRue, Bonds, Walsh y Wilson escriben en la segunda edición de The New Grove Dictionary of Music and Musicians que «la sinfonía se cultivó con una intensidad extraordinaria» en el siglo XVIII. [7] Desempeñó un papel en muchas áreas de la vida pública, incluidos los servicios religiosos, [8] pero un área particularmente fuerte de apoyo para las interpretaciones sinfónicas fue la aristocracia. En Viena, quizás el lugar más importante de Europa para la composición de sinfonías, «literalmente cientos de familias nobles apoyaban establecimientos musicales, generalmente dividiendo su tiempo entre Viena y sus propiedades ancestrales [en otras partes del Imperio]». [9] Dado que el tamaño normal de la orquesta en ese momento era bastante pequeño, muchos de estos establecimientos cortesanos eran capaces de interpretar sinfonías. El joven Joseph Haydn , que aceptó su primer trabajo como director musical en 1757 para la familia Morzin , descubrió que cuando la familia Morzin estaba en Viena, su propia orquesta era solo una parte de una escena musical animada y competitiva, con múltiples aristócratas patrocinando conciertos con sus propios conjuntos. [10]

El artículo de LaRue, Bonds, Walsh y Wilson rastrea la expansión gradual de la orquesta sinfónica a lo largo del siglo XVIII. [11] Al principio, las sinfonías eran sinfonías de cuerda, escritas en sólo cuatro partes: primer violín, segundo violín, viola y bajo (la línea de bajo la interpretaban uno o más violonchelos, contrabajos que tocaban la parte una octava más abajo y quizás también un fagot). Ocasionalmente, los primeros sinfonistas incluso prescindieron de la parte de viola, creando así sinfonías de tres partes. También era posible una parte de bajo continuo que incluía un fagot junto con un clavicémbalo u otro instrumento de acordes. [11]

Las primeras incorporaciones a este sencillo conjunto fueron un par de trompas, ocasionalmente un par de oboes y luego trompas y oboes juntos. A lo largo del siglo, se añadieron otros instrumentos a la orquesta clásica : flautas (a veces sustituyendo a los oboes), partes separadas para fagotes, clarinetes, trompetas y timbales. Las obras variaban en su partitura en cuanto a cuál de estos instrumentos adicionales debía aparecer. La orquesta clásica a gran escala, desplegada a finales de siglo para las sinfonías de mayor escala, tiene el conjunto de cuerdas estándar mencionado anteriormente, pares de instrumentos de viento ( flautas , oboes , clarinetes , fagotes ), un par de trompas y timbales. Un instrumento de teclado continuo (clavecín o piano ) siguió siendo una opción.

El estilo "italiano" de sinfonía, a menudo utilizado como obertura y entreacto en los teatros de ópera , se convirtió en una forma estándar de tres movimientos: un movimiento rápido, un movimiento lento y otro movimiento rápido. A lo largo del siglo XVIII se convirtió en costumbre escribir sinfonías de cuatro movimientos, [12] en las líneas descritas en el párrafo siguiente. La sinfonía de tres movimientos se extinguió lentamente; aproximadamente la mitad de las primeras treinta sinfonías de Haydn están en tres movimientos; [13] y para el joven Mozart , la sinfonía de tres movimientos era la norma, tal vez bajo la influencia de su amigo Johann Christian Bach . [14] Un ejemplo tardío sobresaliente de la sinfonía clásica de tres movimientos es la Sinfonía de Praga de Mozart , de 1786.

La forma de cuatro movimientos que surgió de esta evolución fue la siguiente: [15] [16]

  1. Una sonata de apertura o un allegro
  2. Un movimiento lento , como el andante.
  3. Un minueto o scherzo con trío
  4. Un allegro, un rondó o una sonata

Las variaciones de este esquema, como cambiar el orden de los movimientos intermedios o añadir una introducción lenta al primer movimiento, eran habituales. Haydn, Mozart y sus contemporáneos restringieron el uso de la forma de cuatro movimientos a la música de cámara orquestal o multiinstrumental, como los cuartetos, aunque desde Beethoven las sonatas solistas se escriben con tanta frecuencia en cuatro como en tres movimientos. [17]

La composición de las primeras sinfonías se centró en Milán, Viena y Mannheim . La escuela milanesa se centró en Giovanni Battista Sammartini e incluyó a Antonio Brioschi , Ferdinando Galimberti y Giovanni Battista Lampugnani . Los primeros exponentes de la forma en Viena incluyeron a Georg Christoph Wagenseil , Wenzel Raimund Birck y Georg Matthias Monn , mientras que los compositores vieneses posteriores de sinfonías importantes incluyeron a Johann Baptist Wanhal , Carl Ditters von Dittersdorf y Leopold Hofmann . La escuela de Mannheim incluyó a Johann Stamitz . [18]

Los sinfonistas más importantes de la última parte del siglo XVIII son Haydn, que escribió al menos 106 sinfonías en el transcurso de 36 años , [19] y Mozart, con al menos 47 sinfonías en 24 años . [20]

Era romántica

Sinfonía nº 5 de Beethoven
Primer movimiento: Allegro con brio
Segundo movimiento: Andante con moto
Tercer movimiento: Scherzo. Allegro
Cuarto movimiento: Allegro
Interpretada por la orquesta de Skidmore College
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A principios del siglo XIX, Beethoven elevó la sinfonía de un género cotidiano producido en grandes cantidades a una forma suprema en la que los compositores se esforzaron por alcanzar el potencial más alto de la música en solo unas pocas obras. [21] Beethoven comenzó con dos obras que emulaban directamente a sus modelos Mozart y Haydn, luego siete sinfonías más, comenzando con la Tercera Sinfonía ("Heroica") que amplió el alcance y la ambición del género. Su Sinfonía n.º 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita; su transición del emotivamente tormentoso movimiento de apertura en do menor a un triunfante final en tonalidad mayor proporcionó un modelo adoptado por sinfonistas posteriores como Brahms [22] y Mahler . [ cita requerida ] Su Sinfonía n.º 6 es una obra programática , que presenta imitaciones instrumentales de cantos de pájaros y una tormenta; y, de manera poco convencional, un quinto movimiento (las sinfonías generalmente tenían como máximo cuatro movimientos). Su Sinfonía n.º 9 incluye partes para solistas vocales y coro en el último movimiento, lo que la convierte en una sinfonía coral . [23]

De las sinfonías de Schubert , dos son piezas fundamentales del repertorio y se interpretan con frecuencia. De la Octava Sinfonía (1822), Schubert completó solo los dos primeros movimientos; esta obra altamente romántica suele llamarse por su apodo "La inacabada". Su última sinfonía completada, la Novena (1826), es una obra masiva en el idioma clásico. [24]

Entre los primeros románticos, Felix Mendelssohn (cinco sinfonías, más trece sinfonías para cuerdas ) y Robert Schumann (cuatro) continuaron escribiendo sinfonías en el estilo clásico, aunque utilizando su propio lenguaje musical. En contraste, Berlioz favoreció las obras programáticas, incluyendo su "sinfonía dramática" Romeo et Juliette , la sinfonía para viola Harold en Italia y la muy original Sinfonía fantástica . Esta última también es una obra programática y tiene una marcha y un vals y cinco movimientos en lugar de los cuatro habituales. Su cuarta y última sinfonía, la Grande symphonie funèbre et triomphale (originalmente titulada Symphonie militaire ) fue compuesta en 1840 para una banda militar de marcha de 200 instrumentos , para ser interpretada al aire libre, y es un ejemplo temprano de una sinfonía para banda. Berlioz agregó más tarde partes de cuerda opcionales y un final coral. [25] En 1851, Richard Wagner declaró que todas estas sinfonías posteriores a Beethoven no eran más que un epílogo, que no ofrecían nada sustancialmente nuevo. De hecho, después de la última sinfonía de Schumann, la "Renana", compuesta en 1850, durante dos décadas el poema sinfónico lisztiano pareció haber desplazado a la sinfonía como forma principal de música instrumental a gran escala. Sin embargo, Liszt también compuso dos sinfonías corales programáticas durante esta época, Fausto y Dante . Si bien la sinfonía había quedado eclipsada por otros motivos, no pasó mucho tiempo antes de que resurgiera en una "segunda era" en las décadas de 1870 y 1880, con las sinfonías de Bruckner , Brahms , Chaikovski , Saint-Saëns , Borodin , Dvořák y Franck , obras que evitaron en gran medida los elementos programáticos de Berlioz y Liszt y dominaron el repertorio de conciertos durante al menos un siglo. [21]

A lo largo del siglo XIX, los compositores siguieron aumentando el tamaño de la orquesta sinfónica. A principios de siglo, una orquesta a gran escala estaría formada por la sección de cuerdas más pares de flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas, trompetas y, por último, un juego de timbales. [26] Esta es, por ejemplo, la partitura utilizada en las sinfonías de Beethoven numeradas 1 , 2 , 4 , 7 y 8. Los trombones, que anteriormente se habían limitado a la música de iglesia y teatro, llegaron a añadirse a la orquesta sinfónica, en particular en las sinfonías 5.ª , 6.ª y 9.ª de Beethoven . La combinación de bombo, triángulo y platillos (a veces también: flautín), que los compositores del siglo XVIII emplearon como efecto colorista en la llamada " música turca ", llegó a usarse cada vez más durante la segunda mitad del siglo XIX sin ninguna de esas connotaciones de género. [26] En la época de Mahler (ver más abajo), era posible que un compositor escribiera una sinfonía orquestada para "un verdadero compendio de instrumentos orquestales". [26] Además de aumentar la variedad de instrumentos, las sinfonías del siglo XIX se aumentaron gradualmente con más intérpretes de cuerdas y más partes de viento, de modo que la orquesta creció sustancialmente en número, al igual que las salas de conciertos. [26]

Épocas tardorrománticas, modernistas y posmodernistas

A finales del siglo XIX, Gustav Mahler comenzó a escribir sinfonías extensas y de gran formato que continuó componiendo hasta principios del siglo XX. Su Tercera Sinfonía , terminada en 1896, es una de las sinfonías más largas que se interpretan con regularidad, con una duración de alrededor de 100 minutos en la mayoría de las interpretaciones. La Octava Sinfonía fue compuesta en 1906 y recibe el sobrenombre de "Sinfonía de las mil" debido al gran número de voces necesarias para interpretar la obra.

El siglo XX vio una mayor diversificación en el estilo y contenido de las obras que los compositores etiquetaron como sinfonías . [27] Algunos compositores, incluidos Dmitri Shostakovich , Sergei Rachmaninoff y Carl Nielsen , continuaron escribiendo en la forma tradicional de cuatro movimientos, mientras que otros compositores adoptaron enfoques diferentes: la Sinfonía n.º 7 de Jean Sibelius , su última, está en un movimiento, la Sinfonía Alpina de Richard Strauss , en un movimiento, dividida en veintidós partes, que detalla una caminata de once horas por las montañas y la Sinfonía n.º 9 de Alan Hovhaness , Saint Vartan —originalmente Op. 80, cambiada a Op. 180— compuesta en 1949-50, está en veinticuatro. [28]

A finales del siglo XIX surgió una preocupación por unificar la sinfonía tradicional de cuatro movimientos en una única concepción formal que la abarcara. Se la ha denominado "forma sinfónica bidimensional", y encuentra su punto de inflexión clave en la Sinfonía de cámara n.º 1 , Op. 9 (1909) de Arnold Schoenberg , a la que siguieron en la década de 1920 otras notables sinfonías alemanas de un solo movimiento, entre ellas la Primera sinfonía de Kurt Weill (1921), la Sinfonía de cámara, Op. 25 (1923) de Max Butting y la Sinfonía de 1926 de Paul Dessau . [29]

Junto con esta experimentación, otras sinfonías del siglo XX intentaron deliberadamente evocar los orígenes del género en el siglo XVIII, en términos de forma e incluso estilo musical, siendo ejemplos destacados la Sinfonía n.º 1 "Clásica" de Sergei Prokofiev de 1916-17 y la Sinfonía en do de Igor Stravinsky de 1938-40. [30]

Sin embargo, persistieron ciertas tendencias. La denominación de "sinfonía" para una obra aún implicaba un grado de sofisticación y seriedad de propósito. La palabra sinfonietta comenzó a usarse para designar una obra más breve, de objetivos más modestos o "más ligera" que una sinfonía, como la Sinfonietta para orquesta de Sergei Prokofiev . [31] [32]

En la primera mitad del siglo, compositores como Edward Elgar , Gustav Mahler , Jean Sibelius , Carl Nielsen , Ígor Stravinski , Bohuslav Martinů , Roger Sessions , Serguéi Prokófiev , Rued Langgaard y Dmitri Shostakóvich compusieron sinfonías «extraordinarias en alcance, riqueza, originalidad y urgencia de expresión». [33] Una medida de la importancia de una sinfonía es el grado en que refleja concepciones de forma temporal particulares de la época en la que fue creada. Cinco compositores de todo el siglo XX que cumplen con esta medida son Jean Sibelius , Ígor Stravinski , Luciano Berio (en su Sinfonía , 1968-69), Elliott Carter (en su Sinfonía de tres orquestas , 1976) y Pelle Gudmundsen-Holmgreen (en Sinfonía/Antífona , 1980). [34]

Desde mediados del siglo XX hasta el XXI ha habido un resurgimiento del interés en la sinfonía con muchos compositores posmodernistas que agregaron sustancialmente al canon, sobre todo en el Reino Unido: Peter Maxwell Davies (10), [35] Robin Holloway (1), [36] David Matthews (9), [37] James MacMillan (5), [38] Peter Seabourne (6), [39] y Philip Sawyers (6). [40] El compositor británico Derek Bourgeois ha superado el número de sinfonías escritas por Haydn, con 116 sinfonías. [41] El mayor número de sinfonías hasta la fecha ha sido compuesto por el finlandés Leif Segerstam , cuya lista de obras incluye 371 sinfonías. [42]

Sinfonías para banda de concierto

Hector Berlioz escribió originalmente la Grande symphonie funèbre et triomphale para banda militar en 1840. Anton Reicha había compuesto su sinfonía 'Conmemoración' de cuatro movimientos (también conocida como Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française ) para un gran conjunto de viento incluso antes, en 1815, para ceremonias asociadas con el nuevo entierro de Luis XVI y María Antonieta [43] [ se necesita mejor fuente ]

Después de esos primeros esfuerzos, pocas sinfonías fueron escritas para bandas de viento hasta el siglo XX, cuando se escribieron más sinfonías para banda de concierto que en siglos anteriores. Aunque existen ejemplos desde 1932, la primera sinfonía de importancia es la Sinfonía n.º 19, Op. 46, de Nikolai Myaskovsky , compuesta en 1939. [44] Algunos ejemplos más son la Sinfonía en si bemol para banda de Paul Hindemith , compuesta en 1951; la Sinfonía n.º 4 "West Point" de Morton Gould , compuesta en 1952; la Sinfonía n.º 6, Op. 69, de Vincent Persichetti , compuesta en 1956; la Sinfonía n.º 3, Op. 165, de Vittorio Giannini , compuesta en 1958; las Sinfonías n.º 4, Op. 165, n.º 7, "Nanga Parvat", Op. 166, de Alan Hovhaness . 175, No. 14, "Ararat", Op. 194, y No. 23, "Ani", Op. 249, compuestas en 1958, 1959, 1961 y 1972 respectivamente; [45] Sinfonía No. 2 de John Barnes Chance , compuesta en 1972; Sinfonías 2.ª, 3.ª, 4.ª y 5.ª de Alfred Reed , compuestas en 1979, 1988, 1992 y 1994 respectivamente; ocho de las diez sinfonías numeradas de David Maslanka ; [46] cinco sinfonías hasta la fecha de Julie Giroux (aunque actualmente está trabajando en una sexta [47] ); La Sinfonía n.º 1 de Johan de Meij "El Señor de los Anillos" , compuesta en 1988, y su Sinfonía n.º 2 "La Gran Manzana", compuesta en 1993; la Sinfonía en tres escenas "La Vita" de Yasuhide Ito, compuesta en 1998, que es su tercera sinfonía para banda de viento; la Sinfonía n.º 3 "Circus Maximus" de John Corigliano , compuesta en 2004; la Sinfonía PachaMama de Denis Levaillant , compuesta en 2014 y 2015, [48] y la Sinfonía n.º 2 de James M. Stephenson, que fue estrenada por la Banda de la Marina de los Estados Unidos ("The President's Own") y recibió los premios William D. Revelli (2017) [49] de la Asociación Nacional de Bandas y Sousa/Ostwald (2018) [50] de la Asociación Estadounidense de Maestros de Banda .

Otros usos modernos de «sinfonía»

En algunas formas del inglés, la palabra «sinfonía» también se utiliza para referirse a la orquesta , el gran conjunto que a menudo interpreta estas obras. La palabra «sinfonía» aparece en el nombre de muchas orquestas, por ejemplo, la Orquesta Sinfónica de Londres , la Orquesta Sinfónica de Boston , la Sinfónica de San Luis , la Sinfónica de Houston o la Sinfónica del Nuevo Mundo de Miami . Para algunas orquestas, «(nombre de la ciudad) Sinfónica» proporciona una versión más corta del nombre completo; por ejemplo, el OED da «Sinfonía de Vancouver» como una posible forma abreviada de Orquesta Sinfónica de Vancouver . [51] [52] Además, en el uso común, una persona puede decir que va a escuchar una sinfonía, una referencia a la orquesta y no a las obras del programa. Estos usos no son comunes en inglés británico .

Véase también

Referencias

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Fuentes

Lectura adicional

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