Arte inglés
Panorama del arte de Inglaterra
El folio 27r de los Evangelios de Lindisfarne del siglo VIII contiene el incipit del Evangelio de Mateo .
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El arte inglés es el conjunto de artes visuales realizadas en Inglaterra . Inglaterra posee el arte rupestre de la Edad de Hielo más antiguo y septentrional de Europa . [1] El arte prehistórico en Inglaterra se corresponde en gran medida con el arte realizado en otras partes de la Gran Bretaña contemporánea, pero el arte anglosajón medieval temprano vio el desarrollo de un estilo claramente inglés, [2] y el arte inglés continuó teniendo a partir de entonces un carácter distintivo. El arte inglés realizado después de la formación en 1707 del Reino de Gran Bretaña puede considerarse en la mayoría de los aspectos simultáneamente como arte del Reino Unido .

La pintura medieval inglesa, principalmente religiosa, tuvo una fuerte tradición nacional y fue influyente en Europa. [3] La Reforma inglesa , que era antipática al arte, no solo detuvo abruptamente esta tradición sino que resultó en la destrucción de casi todas las pinturas murales. [4] [5] Hoy en día solo sobreviven en buen número los manuscritos iluminados . [6]

En el arte del Renacimiento inglés hay un fuerte interés por el retrato , y el retrato en miniatura fue más popular en Inglaterra que en cualquier otro lugar. [7] La ​​escultura del Renacimiento inglés era principalmente arquitectónica y para tumbas monumentales . [8] El interés por la pintura de paisajes inglesa había comenzado a desarrollarse en la época del Acta de Unión de 1707. [9]

Entre otros, el erudito en arte Nikolaus Pevsner (en su libro de 1956 The Englishness of English Art ), [10] el historiador del arte Roy Strong (en su libro de 2000 The Spirit of Britain: A narrativa history of the arts ) [11] y el crítico Peter Ackroyd (en su libro de 2002 Albion ) han intentado definir el contenido sustantivo del arte inglés. [12]

El arte más antiguo

El arte inglés más antiguo, también el arte rupestre más antiguo y septentrional de Europa , se encuentra en Creswell Crags en Derbyshire , con una antigüedad estimada de entre 13.000 y 15.000 años. [13] En 2003, se encontraron allí más de 80 grabados y bajorrelieves que representan ciervos, bisontes, caballos y lo que pueden ser pájaros o personas con cabeza de pájaro . El famoso y gran paisaje ritual de Stonehenge data del Neolítico ; alrededor del 2600 a. C. [14] Desde alrededor del 2150 a. C., el pueblo Beaker aprendió a hacer bronce y utilizó tanto estaño como oro . Se volvieron expertos en el refinado de metales y sus obras de arte, colocadas en tumbas o fosas de sacrificio, han sobrevivido. [15] En la Edad del Hierro , llegó un nuevo estilo artístico como cultura celta y se extendió por las islas británicas. Aunque el trabajo en metal, especialmente los adornos de oro, todavía era importante, también se utilizaba piedra y, muy probablemente, madera. [16] Este estilo continuó durante el período romano , a partir del siglo I a. C., y encontró un renacimiento en el período medieval . La llegada de los romanos trajo consigo el estilo clásico del que han sobrevivido muchos monumentos, especialmente monumentos funerarios , estatuas y bustos. También trajeron la cristalería y los mosaicos . [17] En el siglo IV, se introdujo un nuevo elemento cuando se realizó el primer arte cristiano en Gran Bretaña. Se han conservado varios mosaicos con símbolos e imágenes cristianas. [18] Inglaterra cuenta con algunas notables figuras de colinas prehistóricas ; un ejemplo famoso es el Caballo Blanco de Uffington en Oxfordshire , que "durante más de 3000 años ... ha sido celosamente guardado como una obra maestra del arte minimalista ". [19]

Arte medieval

Después del dominio romano , el arte anglosajón trajo consigo la incorporación de tradiciones germánicas, como se puede ver en la metalistería de Sutton Hoo . [25] La escultura anglosajona fue excepcional para su época, al menos en las pequeñas obras en marfil o hueso que son casi todas las que sobreviven. [26] Especialmente en Northumbria , el estilo artístico insular compartido por las Islas Británicas produjo el mejor trabajo que se produjo en Europa, hasta que las incursiones e invasiones vikingas suprimieron en gran medida el movimiento; [27] El Libro de Lindisfarne es un ejemplo ciertamente producido en Northumbria. [28] El arte anglosajón desarrolló una variación muy sofisticada de los estilos continentales contemporáneos, que se ve especialmente en la metalistería y los manuscritos iluminados como el Benedictorio de San Æthelwold . [29] Ninguna de las pinturas y esculturas anglosajonas a gran escala que conocemos que existieron ha sobrevivido. [30]

En la primera mitad del siglo XI, el arte inglés se benefició del generoso mecenazgo de una rica élite anglosajona, que valoraba sobre todo las obras en metales preciosos. [31] pero la conquista normanda en 1066 detuvo repentinamente este auge artístico y, en su lugar, las obras fueron fundidas o trasladadas a Normandía . [32] El llamado tapiz de Bayeux , la gran tela bordada hecha en Inglaterra que representa los acontecimientos que llevaron a la conquista normanda, data de finales del siglo XI. [33] Algunas décadas después de la conquista normanda, la pintura de manuscritos en Inglaterra pronto volvió a estar entre las mejores de Europa; en obras románicas como la Biblia de Winchester y el Salterio de St. Albans , y luego en las primeras góticas como el Salterio de Tickhill . [34] El iluminador inglés más conocido de la época es Matthew Paris ( c.  1200-1259 ). [35] Algunos de los raros ejemplos supervivientes de pinturas sobre tabla medievales inglesas , como el retablo de Westminster y el díptico de Wilton , son de la más alta calidad. [36] Desde finales del siglo XIV hasta principios del siglo XVI, Inglaterra tuvo una industria considerable en relieves de alabastro de Nottingham para retablos de mercado medio y pequeñas estatuas, que se exportaron a todo el norte de Europa. [37] Otra forma de arte introducida a través de la iglesia fue el vitral , que también se adoptó para usos seculares. [38]

Siglos XVI y XVII

Nicholas Hilliard ( c.  1547 – 7 de enero de 1619) – "el primer genio nativo de la pintura inglesa" [54] – inició una fuerte tradición inglesa en el retrato en miniatura . [55] La tradición fue continuada por el alumno de Hilliard, Isaac Oliver ( c.  1565 – 2 de octubre de 1617), cuyos padres hugonotes franceses habían escapado a Inglaterra durante la infancia del artista.

Otros artistas ingleses notables de este período fueron Nathaniel Bacon (1585-1627), John Bettes el Viejo (activo c.  1531-1570 ) y John Bettes el Joven (fallecido en 1616), George Gower ( c.  1540-1596 ), William Larkin (principios de la década de 1580-1619) y Robert Peake el Viejo ( c.  1551-1619 ). [56] Los artistas de la corte Tudor y sus sucesores hasta principios del siglo XVIII incluyeron varios talentos importados influyentes: Hans Holbein el Joven , Anthony van Dyck , Peter Paul Rubens , Orazio Gentileschi y su hija Artemisia , Sir Peter Lely (súbdito inglés naturalizado desde 1662) y Sir Godfrey Kneller (súbdito inglés naturalizado en el momento de su título de caballero en 1691). [57]

En el siglo XVII aparecieron varios pintores ingleses importantes de retratos de tamaño natural, entre los que destaca William Dobson (bautizado en 1611 y fallecido en 1646), Cornelius Johnson (bautizado en 1593 y fallecido en 1661) [58] y Robert Walker (1599-1658). Samuel Cooper (1609-1672) fue un miniaturista consumado en la tradición de Hilliard, al igual que su hermano Alexander Cooper (1609-1660) y su tío, John Hoskins (1589/1590-1664). Otros retratistas notables de la época son: Thomas Flatman (1635-1688), Richard Gibson (1615-1690), el disoluto John Greenhill (c. 1644-1676), John Riley (1646-1691) y John Michael Wright (1617-1694). Francis Barlow (c. 1626-1704) es conocido como "el padre de la pintura deportiva británica"; [59] fue el primer pintor de vida salvaje de Inglaterra , iniciando una tradición que alcanzó su punto álgido un siglo después, en la obra de George Stubbs (1724-1806). [60] Las mujeres inglesas comenzaron a pintar profesionalmente en el siglo XVII; ejemplos notables incluyen a Joan Carlile (c. 1606-79) y Mary Beale (née Cradock; 1633-1699). [61]

En la primera mitad del siglo XVII, la nobleza inglesa se convirtió en un importante coleccionista de arte europeo, liderada por el rey Carlos I y Thomas Howard, 21.º conde de Arundel . [62] A finales del siglo XVII, el Grand Tour , un viaje por Europa que permitía conocer el legado cultural de la antigüedad clásica y el Renacimiento , era de rigor para los jóvenes ingleses ricos. [63]

Siglos XVIII y XIX

En el siglo XVIII, el estilo y la tradición distintivos de la pintura inglesa continuaron concentrándose con frecuencia en el retrato, pero aumentó el interés por los paisajes y se puso un nuevo foco en la pintura histórica , que se consideraba la más alta de la jerarquía de géneros , [79] y se ejemplifica en la extraordinaria obra de Sir James Thornhill (1675/1676–1734). El pintor de historia Robert Streater (1621–1679) fue muy apreciado en su época. [80]

William Hogarth (1697-1764) reflejó el temperamento floreciente de la clase media inglesa : inglesa en hábitos, disposición y temperamento, así como por nacimiento. Sus obras satíricas , llenas de humor negro , señalan a la sociedad contemporánea las deformidades, debilidades y vicios de la vida londinense . La influencia de Hogarth se puede encontrar en la tradición satírica distintivamente inglesa continuada por James Gillray (1756-1815) y George Cruikshank (1792-1878). [81] Uno de los géneros en los que trabajó Hogarth fue el ensayo de conversación , una forma en la que también sobresalieron algunos de sus contemporáneos: Joseph Highmore (1692-1780), Francis Hayman (1708-1776) y Arthur Devis (1712-1787). [82]

Los retratos eran en Inglaterra, como en Europa, la forma más fácil y rentable para que un artista se ganara la vida, y la tradición inglesa continuó mostrando la relajada elegancia del estilo del retrato que se remonta a Van Dyck. Los principales retratistas son: Thomas Gainsborough (1727-1788); Sir Joshua Reynolds (1723-1792), fundador de la Royal Academy of Arts ; George Romney (1734-1802); Lemuel "Francis" Abbott (1760/61-1802); Richard Westall (1765-1836); Sir Thomas Lawrence (1769-1830); y Thomas Phillips (1770-1845). También son dignos de mención Jonathan Richardson (1667-1745) y su alumno (y desafiante yerno) Thomas Hudson (1701-1779). Joseph Wright de Derby (1734-1797) fue muy conocido por sus cuadros a la luz de las velas; George Stubbs (1724-1806) y, más tarde, Edwin Henry Landseer (1802-1873) por sus pinturas de animales . A finales de siglo, el retrato fanfarrón inglés era muy admirado en el extranjero. [83]

El londinense William Blake (1757-1827) produjo una obra diversa y visionaria que desafía toda clasificación directa; el crítico Jonathan Jones lo considera "de lejos el artista más grande que Gran Bretaña haya producido jamás". [84] Entre los amigos artistas de Blake se encontraban el neoclásico John Flaxman (1755-1826) y Thomas Stothard (1755-1834), con quien Blake se peleó.

En la imaginación popular, la pintura de paisajes inglesa a partir del siglo XVIII tipifica el arte inglés, inspirada en gran medida por el amor a lo pastoral y reflejando el desarrollo de casas de campo más grandes ubicadas en un paisaje rural pastoral. [85] Dos románticos ingleses son en gran parte responsables de elevar el estatus de la pintura de paisajes en todo el mundo: John Constable (1776-1837) y JMW Turner (1775-1851), a quien se le atribuye haber elevado la pintura de paisajes a una eminencia que rivaliza con la pintura histórica. [86] [87] Otros pintores de paisajes notables de los siglos XVIII y XIX incluyen: George Arnald (1763-1841); John Linnell (1792-1882), un rival de Constable en su época; George Morland (1763-1804), que desarrolló la tradición de pintura animal y rústica de Francis Barlow ; Samuel Palmer (1805-1881); Paul Sandby (1731-1809), reconocido como el padre de la pintura de acuarela inglesa ; [88] y los acuarelistas posteriores John Robert Cozens (1752-1797), el amigo de Turner Thomas Girtin (1775-1802) y Thomas Heaphy (1775-1835). [89]

A principios del siglo XIX surgió la escuela de pintores de Norwich , el primer movimiento artístico provincial fuera de Londres. De corta duración debido al escaso mecenazgo y a las disidencias internas, sus miembros más destacados fueron el «padre fundador» John Crome (1768-1821), John Sell Cotman (1782-1842), James Stark (1794-1859) y Joseph Stannard (1797-1830). [90]

El movimiento de la Hermandad Prerrafaelita , establecido en la década de 1840, dominó el arte inglés en la segunda mitad del siglo XIX. Sus miembros —William Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), John Everett Millais (1828-1896) y otros— se concentraron en obras religiosas, literarias y de género ejecutadas en un estilo colorido y minuciosamente detallado, casi fotográfico. [91] Ford Madox Brown (1821-1893) compartía los principios de los prerrafaelitas. [92]

El destacado crítico de arte inglés John Ruskin (1819-1900) fue enormemente influyente en la segunda mitad del siglo XIX; desde la década de 1850 defendió a los prerrafaelistas, que fueron influenciados por sus ideas. [93] William Morris (1834-1896), fundador del movimiento Arts and Crafts , enfatizó el valor de las habilidades artesanales tradicionales que parecían estar en declive en la era industrial de masas . Sus diseños, como el trabajo de los pintores prerrafaelitas con los que estaba asociado, se referían con frecuencia a motivos medievales . [94] El pintor narrativo inglés William Powell Frith (1819-1909) ha sido descrito como el "mayor pintor británico de la escena social desde Hogarth", [95] y el pintor y escultor George Frederic Watts (1817-1904) se hizo famoso por su trabajo simbolista .

El espíritu galante del arte militar inglés del siglo XIX ayudó a dar forma a la autoimagen de la Inglaterra victoriana . [96] Entre los artistas militares ingleses notables se incluyen: John Edward Chapman "Chester" Mathews (1843-1927); [97] Lady Butler (1846-1933); [98] Frank Dadd (1851-1929); Edward Matthew Hale (1852-1924); Charles Edwin Fripp (1854-1906); [99] Richard Caton Woodville, Jr. (1856-1927); [100] Harry Payne (1858-1927); [101] George Delville Rowlandson (1861-1930); y Edgar Alfred Holloway (1870-1941). [102] Thomas Davidson (1842-1919), que se especializó en escenas navales históricas, [103] incorporó reproducciones notables de obras relacionadas con Nelson realizadas por Arnald , Westall y Abbott en Pride and Glory (1894) de Inglaterra . [104]

Hasta finales del siglo XIX, el arte de Aubrey Beardsley (1872-1898) contribuyó al desarrollo del Art Nouveau y sugirió, entre otras cosas, un interés por el arte visual de Japón . [105]

Siglo XX

El impresionismo encontró su foco en el New English Art Club , fundado en 1886. [135] Entre sus miembros más destacados se encontraban Walter Sickert (1860-1942) y Philip Wilson Steer (1860-1942), dos pintores ingleses con vidas colindantes que se volvieron influyentes en el siglo XX. Sickert pasó a formar parte del postimpresionista Camden Town Group , activo entre 1911 y 1913, y fue destacado en la transición al modernismo . [136] Las pinturas de paisajes y mares de Steer lo convirtieron en un destacado impresionista, pero sus trabajos posteriores muestran un estilo inglés más tradicional, influenciado tanto por Constable como por Turner. [137]

Paul Nash (1889-1946) desempeñó un papel clave en el desarrollo del modernismo en el arte inglés. Fue uno de los paisajistas más importantes de la primera mitad del siglo XX, y las obras de arte que produjo durante la Primera Guerra Mundial se encuentran entre las imágenes más emblemáticas del conflicto . [138] Nash asistió a la Slade School of Art , donde la notable generación de artistas que estudió con el influyente Henry Tonks (1862-1937) incluyó, también, a Harold Gilman (1876-1919), Spencer Gore (1878-1914), David Bomberg (1890-1957), Stanley Spencer (1891-1959), Mark Gertler (1891-1939) y Roger Hilton (1911-1975).

El talento inglés más controvertido del modernismo fue el escritor y pintor Wyndham Lewis (1882-1957). Fue cofundador del movimiento vorticista en el arte y, tras hacerse más conocido por sus escritos que por sus pinturas en los años 1920 y principios de los 1930, volvió a concentrarse más en el arte visual, y las pinturas de los años 1930 y 1940 constituyen algunas de sus obras más conocidas. Walter Sickert llamó a Wyndham Lewis: "el mayor retratista de este o cualquier otro tiempo". [139] La escultura modernista fue ejemplificada por los artistas ingleses Henry Moore (1898-1986), conocido por sus esculturas de mármol tallado y bronce fundido abstracto a gran escala , y Barbara Hepworth (1903-1975), que fue una figura destacada en la colonia de artistas que residieron en St Ives, Cornualles durante la Segunda Guerra Mundial . [140]

El pintor lancasteriano L. S. Lowry (1887-1976) se hizo famoso por sus escenas de la vida en los distritos industriales del noroeste de Inglaterra a mediados del siglo XX. Desarrolló un estilo de pintura distintivo y es más conocido por sus paisajes urbanos poblados de figuras humanas a las que a menudo se hace referencia como "hombres de cerillas". [141]

Entre los artistas ingleses notables de mediados del siglo XX y posteriores se incluyen: Graham Sutherland (1903-1980); Carel Weight (1908-1997); Ruskin Spear (1911-1990); los pioneros del arte pop Richard Hamilton (1922-2011), Peter Blake (n. 1932) y David Hockney (n. 1937); y la experta en arte óptico Bridget Riley (n. 1931).

Tras el desarrollo del posmodernismo , el arte inglés se convirtió en cierto sentido, hacia finales del siglo XX, en sinónimo del Premio Turner ; el premio, establecido en 1984 y llamado así con intenciones aparentemente creíbles en honor a JMW Turner, le ganó al arte inglés posterior una reputación que podría decirse que fue en su detrimento. [142] Las exhibiciones del premio han incluido un tiburón en formol y una cama despeinada . [143]

Mientras que el establishment del Premio Turner se conformaba con débiles homenajes conceptuales a auténticos iconoclastas como Duchamp y Manzoni , [144] desdeñaba a talentos originales como Beryl Cook (1926-2008). [145] La ceremonia de entrega de premios ha atraído desde el año 2000 manifestaciones anuales de los " Stuckistas ", un grupo que reclama un retorno al arte figurativo y a la autenticidad estética . Observando irónicamente que "el único artista que no estaría en peligro de ganar el Premio Turner es Turner", los Stuckistas organizaron en 2000 una exposición "Real Turner Prize 2000", prometiendo (por contraste) "nada de basura". [146]

Siglo XXI

El escultor Antony Gormley (nacido en 1950) expresó dudas una década después de ganar el Premio Turner sobre su "utilidad para la raza humana", [161] y obras como Another Place (2005) y Event Horizon (2012) han logrado tanto elogios como popularidad. El arte urbano pseudosubversivo de Banksy , [162] ha sido muy discutido en los medios. [163]

Una obra de arte público muy visible y elogiada, que se exhibió durante un breve período en 2014, fue Blood Swept Lands and Seas of Red , una colaboración entre el artista Paul Cummins (nacido en 1977) y el diseñador teatral Tom Piper . La instalación en la Torre de Londres entre julio y noviembre de 2014 conmemoró el centenario del estallido de la Primera Guerra Mundial ; consistió en 888.246 amapolas rojas de cerámica , cada una destinada a representar a un militar británico o colonial muerto en la guerra. [164]

Entre los principales grabadores contemporáneos se incluyen Norman Ackroyd y Richard Spare .

Arte inglés en exposición

Véase también

Lectura adicional

  • David Bindman (ed.), La enciclopedia del arte británico del Támesis y el Hudson (Londres, 1985)
  • Joseph Burke , Arte inglés, 1714-1800 (Oxford, 1976)
  • William Gaunt , Una breve historia de la pintura inglesa (Londres, 1978)
  • William Gaunt, El gran siglo de la pintura británica: de Hogarth a Turner (Londres, 1971)
  • Nikolaus Pevsner, La inglesidad del arte inglés (Londres, 1956)
  • William Vaughan, Pintura británica: La edad de oro desde Hogarth hasta Turner (Londres, 1999)
  • Ellis Waterhouse , La pintura en Gran Bretaña, 1530-1790, 4.ª edición, 1978, Penguin Books (ahora serie Historia del arte de Yale)

Referencias

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