Era del álbum

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La era del álbum (a veces, era del álbum-rock ) fue un período en la música popular durante la segunda mitad del siglo XX en el que el álbum —una colección de canciones publicadas en medios físicos— fue la forma dominante de expresión y consumo de música grabada. Generalmente definida como la que duró desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 2000, ^{[1] [2]} fue impulsada principalmente por tres formatos de grabación de música sucesivos: el disco de larga duración (LP) de 33⅓ rpm, la cinta de casete y el disco compacto (CD). Los músicos de rock de los EE. UU. y el Reino Unido a menudo estuvieron a la vanguardia de la era. El término "era del álbum" también se usa para referirse al período de marketing y estético que rodea el lanzamiento de un álbum de un artista discográfico.

Los álbumes de larga duración se desarrollaron a principios del siglo XX y se comercializaron originalmente para la música clásica y los consumidores adultos más ricos; sin embargo, los sencillos todavía dominaban la industria de la música. Finalmente, a través del éxito de los intérpretes de rock and roll en la década de 1950, el formato LP se utilizó más para bandas sonoras, jazz y algunas grabaciones pop. No fue hasta mediados de la década de 1960, cuando los Beatles comenzaron a lanzar LP artísticamente ambiciosos y superventas, que más actos de rock y pop siguieron su ejemplo y la industria adoptó los álbumes con un éxito inmenso, mientras que la creciente crítica del rock validó su valor cultural. En la década de 1970, el LP había surgido como una unidad artística fundamental y un artículo muy popular entre los jóvenes. A menudo se concibieron y comercializaron como álbumes conceptuales , especialmente por músicos progresivos tanto del rock como del soul .

A finales de los años 1970, los LP experimentaron un descenso en las ventas, mientras que el formato de los sencillos se reenfatizó con la llegada de los videos musicales en MTV y los desarrollos del punk rock y la música disco . La industria discográfica combatió esta tendencia de múltiples maneras: desplazando gradualmente los LP por los CD, lanzando menos sencillos que fueran éxitos (para forzar las ventas de sus álbumes acompañantes) e inflando los precios de los álbumes en CD durante las siguientes dos décadas, cuando su producción proliferó. El éxito de las grandes estrellas del pop llevó al desarrollo de un modelo de lanzamiento extendido entre las discográficas: comercializar un álbum en torno a un sencillo principal pegadizo , un video musical que llamara la atención, merchandising novedoso, cobertura mediática y una gira de conciertos de apoyo . En la década de 1990, la industria de la música vio un auge del rock alternativo y la música country , lo que llevó a un pico de ingresos de $ 15 mil millones en 1999 (basado en las ventas de CD). Sin embargo, el desarrollo de redes de intercambio de archivos como Napster comenzó a socavar la viabilidad del formato, ya que los consumidores pudieron copiar y compartir ilegalmente sus canciones favoritas de CD en formato digital a través de Internet.

A principios del siglo XXI, los servicios de descarga y transmisión de música surgieron como medios populares de distribución de música, las ventas de álbumes sufrieron una pronunciada caída y los artistas discográficos generalmente se enfocaron en sencillos, poniendo fin de manera efectiva a la era del álbum. El paradigma crítico también se alejó de la música rock y se acercó a obras más innovadoras producidas en la música pop y urbana , que dominaron las ventas de discos en la década de 2000. Los artistas pop de alto perfil continuaron comercializando sus álbumes seriamente, y los lanzamientos sorpresa surgieron como una estrategia popular. Si bien las ventas de música física disminuyeron aún más en todo el mundo, el CD siguió siendo popular en algunos países como Japón, debido en parte al marketing y al fandom que rodeaba a los artistas ídolos japoneses más vendidos . Junto con el K-pop y la música en español, el éxito del J-pop fue parte de un cambio creciente lejos del dominio global de la anglosfera . A fines de la década de 2010, habían resurgido los álbumes conceptuales con narrativas personales culturalmente relevantes y exitosas para la crítica. Mientras tanto, los artistas de pop y rap obtuvieron la mayor cantidad de reproducciones de álbumes, con un marketing mínimo que capitalizó la cultura de consumo bajo demanda de la era digital, que evolucionó aún más rápidamente porque la pandemia de COVID-19 tuvo un profundo impacto en la industria de la música .

Los avances tecnológicos de principios del siglo XX provocaron cambios radicales en la forma en que se hacían y vendían las grabaciones musicales. Antes del LP, el medio estándar para las grabaciones musicales había sido el disco de gramófono de 78 rpm , hecho de goma laca y con una capacidad de entre tres y cinco minutos por lado. ^[3] Las limitaciones de capacidad restringieron los procesos de composición de los artistas discográficos, mientras que la fragilidad de la goma laca impulsó el empaquetado de estos discos en libritos vacíos que se parecían a los álbumes de fotos , ^[3] con papel de envolver típicamente de color marrón como tapas. ^[4] La introducción del cloruro de polivinilo en la producción de discos dio lugar a los discos de vinilo, que se reproducían con menos ruido y mayor durabilidad. ^[3]

En la década de 1940, el mercado de grabaciones comerciales y de uso doméstico estaba dominado por la competencia RCA Victor y Columbia Records , cuyo ingeniero jefe Peter Carl Goldmark fue pionero en el desarrollo del disco de vinilo de 12 pulgadas de larga duración (LP) . ^[3] Este formato podía contener grabaciones de hasta 52 minutos, o 26 minutos por lado, ^[5] a una velocidad de 33⅓ rpm, y se podía reproducir con una aguja de "microsurco" de punta pequeña diseñada para sistemas de reproducción domésticos . ^[3] Introducidos en 1948 por Columbia, los LP se conocieron como "álbumes de discos", nombre que hace referencia al empaque de 78 rpm similar a un álbum de fotos. ^[3] Otra innovación de Columbia fue la adición de diseño gráfico y tipográfico a las cubiertas de los álbumes, introducida por Alex Steinweiss, el director artístico del sello. Alentada por su efecto positivo en las ventas de LP, la industria musical adoptó las cubiertas ilustradas de los álbumes como un estándar en la década de 1950. ^[4]

Originalmente, el álbum se comercializó principalmente para oyentes de música clásica, ^[6] y el primer LP lanzado fue Mendelssohn: Concierto en mi menor para violín y orquesta Op. 64 (1948) de Nathan Milstein y la Orquesta Filarmónica-Sinfonía de Nueva York bajo la dirección de Bruno Walter . ^[7] Las bandas sonoras de películas , las grabaciones del elenco de espectáculos de Broadway , los músicos de jazz y algunos cantantes pop como Frank Sinatra pronto utilizaron el nuevo formato más largo. Los artistas de jazz especialmente, como Duke Ellington , Miles Davis y Dave Brubeck , prefirieron el LP porque les permitía grabar sus composiciones con arreglos e improvisaciones de duración de concierto . ^[7] La ​​grabación del musical Kiss Me, Kate (1949) con el reparto original de Broadway vendió 100.000 copias en su primer mes de lanzamiento y, junto con South Pacific (que encabezó las listas de álbumes durante 63 semanas), atrajo más atención a los LP, mientras que la grabación del reparto de Broadway de My Fair Lady se convirtió en el primer LP en vender un millón de copias. ^{[8] [9]} Sin embargo, en la década de 1950 y en la de 1960, las ventas de sencillos de siete pulgadas a 45 rpm todavía se consideraban el mercado principal de la industria musical, y los álbumes seguían siendo un mercado secundario. Las carreras de notables intérpretes de rock and roll como Elvis Presley fueron impulsadas principalmente por las ventas de sencillos. ^[6]

Los escritores musicales Ann Powers y Joel Whitburn atribuyen a la llegada de los Beatles a los Estados Unidos en 1964 el inicio de la «era del álbum clásico» ^[10] o «era del álbum de rock». ^[11] En su Diccionario conciso de cultura popular , Marcel Danesi comenta que «el álbum se convirtió en un aspecto clave del movimiento contracultural de los años 1960, con sus temas musicales, estéticos y políticos. A partir de esto, surgió el « álbum conceptual », y la era se denominó «era del álbum » ». ^[12] Según el académico de medios Roy Shuker, con el desarrollo del álbum conceptual en los años 1960, «el álbum pasó de ser una colección de canciones heterogéneas a una obra narrativa con un solo tema, en el que las canciones individuales se fusionan entre sí», «unificadas por un tema, que puede ser instrumental, compositivo, narrativo o lírico». ^[13]

Por el contrario, el historiador de cultura popular Jim Cullen dice que "a veces se asume [erróneamente] que el álbum conceptual es un producto de la era del rock", ^[14] y el escritor de The AV Club Noel Murray argumenta que los LP de Sinatra de los años 50, como In the Wee Small Hours (1955), habían sido pioneros en el formato antes con sus "canciones temáticamente vinculadas". ^[15] De manera similar, Will Friedwald observa que Ray Charles también había lanzado álbumes temáticamente unificados a principios de los años 60 que lo convirtieron en un importante artista de LP en R&B, alcanzando su punto máximo en 1962 con el éxito de ventas Modern Sounds in Country and Western Music . ^[16] Algunos sitúan el nacimiento del formato incluso antes, y el periodista David Browne se refiere al álbum Dust Bowl Ballads de Woody Guthrie de 1940 como "probablemente uno de los primeros álbumes conceptuales en la historia de la música". ^[17]

Sin embargo, las listas de canciones de estos antecedentes generalmente consistían en material que no fue escrito por el artista (con la excepción de Guthrie). ^[18] Con su lanzamiento de 1963 con temática de hot rod Little Deuce Coupe , los Beach Boys se convirtieron en el primer acto en lanzar un álbum conceptual que consistía casi en su totalidad en composiciones originales. ^[18] En su libro de 2006 American Popular Music: From Minstrelsy to MP3 , el académico Larry Starr atribuye a los álbumes conceptuales de 1964 de los Beach Boys Shut Down Volume 2 y All Summer Long el hecho de marcar "los comienzos de ... la creciente importancia de las pistas de álbumes, y eventualmente de los álbumes mismos". ^[19] El periodista musical Gary Graff señala a Highway 61 Revisited de Bob Dylan (lanzado en agosto de 1965) como otro posible punto de partida para la era del álbum, ya que constituía "un cuerpo de trabajo cohesivo y conceptual en lugar de solo algunos sencillos exitosos ... con pistas de relleno". ^[20] 

Danesi cita el lanzamiento de los Beatles en diciembre de 1965, Rubber Soul , como uno de los primeros álbumes conceptuales de la época. ^[12] Según el historiador musical Bill Martin , Rubber Soul fue el "punto de inflexión" para la música popular, ya que por primera vez "el álbum, en lugar de la canción, se convirtió en la unidad básica de producción artística". ^[21] El autor David Howard está de acuerdo y dice que "las apuestas del pop se habían elevado a la estratosfera" gracias a Rubber Soul y que "de repente, se trataba más de hacer un gran álbum sin relleno que de un gran sencillo". ^[22] En enero de 1966, la revista Billboard se refirió a las ventas iniciales de Rubber Soul en los EE. UU. (1,2 millones de copias en nueve días) como prueba de que los compradores de discos adolescentes gravitaban hacia el formato LP. ^[23] Si bien estaba en consonancia con la norma de la industria en el Reino Unido, la falta de un sencillo de éxito en Rubber Soul se sumó a la identidad del álbum en los EE. UU. como una declaración artística autónoma. ^{[24] [25]}

Siguiendo el ejemplo de los Beatles, en 1966 se lanzaron varios álbumes de rock concebidos como declaraciones artísticas, entre ellos Aftermath de los Rolling Stones , Pet Sounds de los Beach Boys , Blonde on Blonde de Dylan , Revolver de los Beatles y A Quick One de los Who . ^{[26] [nb 1]} El periodista musical Mat Snow cita estos cinco lanzamientos, junto con el LP de 1965 de Otis Redding, Otis Blue , como evidencia de que "la era del álbum estaba aquí, y aunque los sencillos exitosos todavía importaban, ya no eran las fuentes de dinero y las declaraciones artísticas más importantes del pop". ^[27] Según Jon Pareles , la industria musical se benefició enormemente y redefinió su identidad económica gracias a los músicos de rock de la época, que "comenzaron a verse a sí mismos como algo más que proveedores de sencillos exitosos efímeros". ^[28] En el caso de la industria musical británica, el éxito comercial de Rubber Soul y Aftermath frustró los intentos de restablecer el mercado de los LP como dominio de los compradores de discos adultos y más ricos. Desde principios de 1966, las compañías discográficas abandonaron su política de promover artistas orientados al público adulto en lugar de artistas de rock y adoptaron álbumes de bajo presupuesto para sus artistas de menor venta para satisfacer la creciente demanda de LP. ^[26]

El álbum de los Beatles de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es identificado por el editor asistente de Rolling Stone, ^{Andy Greene, como el que marca "el comienzo de la era del álbum", [29]} una referencia compartida por Scott Plagenhoef de Pitchfork ; ^[30] Greene agrega que "fue el Big Bang de los álbumes". ^[29] Chuck Eddy se refiere a la "era del gran álbum" como el que comenzó con Sgt. Pepper . ^[31] Su lanzamiento en mayo de 1967 coincidió con el surgimiento de la crítica de rock dedicada en los EE. UU. y de intelectuales que buscaban posicionar los álbumes pop como obras culturales válidas. ^[32] El historiador musical Simon Philo escribe que, además del nivel de aclamación crítica que recibió, "el éxito [comercial] del disco marcó el comienzo de la era del rock orientado al álbum , reformulando radicalmente cómo funcionaba la música pop económicamente". ^[33] Reforzando su ambición creativa, Sgt. Pepper se presentó en una funda plegable con una hoja con las letras, lo que ejemplificaba una tendencia por la que los músicos ahora encargaban a asociados del mundo del arte que diseñaran las fundas de sus LP y presentaban sus álbumes a la compañía discográfica para su lanzamiento. ^[25] Greg Kot dijo que Sgt. Pepper introdujo una plantilla tanto para producir rock orientado al álbum como para consumirlo, "con oyentes que ya no se pasaban la noche escuchando una variedad de sencillos de tres minutos, sino que se perdían en una sucesión de caras de álbum de 20 minutos, emprendiendo un viaje guiado por el artista". ^[34] Debido a su estética musical cohesiva, a menudo se lo considera un álbum conceptual. ^[13]

Encabezado por Sgt. Pepper , 1967 vio una mayor producción de álbumes de rock artísticamente innovadores y reconocidos de las florecientes escenas musicales tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Estos a menudo fueron acompañados por sencillos populares e incluyeron Between the Buttons de los Stones (con el sencillo de dos caras " Ruby Tuesday " / " Let's Spend the Night Together "), Disraeli Gears de Cream (con la canción más conocida de la banda " Sunshine of Your Love "), y The Who Sell Out de los Who , que incluía éxitos como " I Can See for Miles " en el marco de un álbum conceptual que satirizaba el comercialismo y la radio. ^[35] Mientras tanto, " Purple Haze " (1967) de Jimi Hendrix fue lanzado como el "sencillo debut de la era del rock de álbumes", según Dave Marsh . ^{[36] Danesi cita el} White Album de 1968 de los Beatles junto con Sgt. Pepper como parte del surgimiento de la era. ^[12] Shuker cita We're Only in It for the Money (1967) de Mothers of Invention y Arthur, or Decline of the British Empire (1969) de Kinks como álbumes conceptuales posteriores, al tiempo que señala un subconjunto de la forma en óperas rock como SF Sorrow de Pretty Things (1968) y Tommy de Who (1969). ^[13]

Según Neil Strauss , la "era del álbum-rock" comenzó a fines de la década de 1960 y, en última instancia, abarcó discos de LP de artistas de rock y no rock. ^[37] Según Ron Wynn , el cantautor y multiinstrumentista Isaac Hayes ayudó a llevar la música soul a "la era del álbum conceptual" con su álbum de 1969 Hot Buttered Soul , que tuvo éxito comercial e introdujo estructuras y arreglos más experimentales al género. ^[38] También entre los cantantes de soul, Robert Christgau cita a Redding como uno de los "pocos artistas confiables de larga duración" del género ( siendo Otis Blue su "primer gran álbum"), ^[39] así como Aretha Franklin y su serie de cuatro LP "clásicos" para Atlantic Records , desde I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) hasta Aretha Now (1968), que dice estableció un "estándar estético" de "canciones rítmicas y pegadizas". Christgau compara esta serie con las igualmente "prolíficas" carreras de los Beatles, los Stones y Dylan en la misma década, así como con las carreras posteriores de Al Green y Parliament-Funkadelic . ^[40] La carrera de cuatro álbumes de los Rolling Stones que comenzó a fines de la década de 1960 con Beggars Banquet (1968) y Let It Bleed (1969) - y concluyó con Sticky Fingers (1971) y Exile on Main St. (1972) - también es muy valorada, y el historiador cultural Jack Hamilton la llama "uno de los grandes picos creativos sostenidos en toda la música popular". ^[41]

El período comprendido entre mediados de los años 1960 y finales de los años 1970 fue la era del LP y la "era dorada" del álbum. Según When Albums Ruled the World (2013) de BBC Four , "Esos fueron los años en los que la industria de la música explotó para convertirse en algo más grande que Hollywood ". ^[42] "La era del álbum había marcado el comienzo de la noción del cantante de rock como un artista al que vale la pena prestar atención por más que la duración de un éxito", observó más tarde Pareles. "Los artistas podían convertirse en presencias vívidas para sus fans incluso cuando no eran omnipresentes en el Top 40 , y se formaron lealtades que continúan hasta los [años 1990] para algunos artistas de los años 1960 y 1970, desde los Kinks hasta Michael Jackson y Sting ". ^[43] Entre los que surgieron en la década de 1970 se encontraba Bruce Springsteen , a quien Powers llama "la estrella de rock por excelencia de la era del álbum" por cómo "utilizó la forma del álbum de larga duración con más fuerza a lo largo de una carrera, no solo para establecer un mundo a través de la canción, sino para habitar una personalidad perdurable". ^[44]

Los músicos de rock progresivo y soul utilizaron enfoques orientados a los álbumes altamente conceptuales en la década de 1970. ^[45] Pink Floyd lanzó LP temáticamente conceptuales y de producción intrincada que reinventaron los estándares del rock durante la siguiente década, particularmente con su álbum de 1973 The Dark Side of the Moon . ^[46] El músico y productor Brian Eno emergió a través de un trabajo prolífico que utilizó a fondo el formato con enfoques progresivamente experimentales del rock, alcanzando su punto máximo durante la era del álbum con sus grabaciones en solitario, así como álbumes producidos para Roxy Music , David Bowie , Talking Heads y U2 . ^[47] Bajo el liderazgo de Berry Gordy en el sello soul Motown , los cantautores Marvin Gaye y Stevie Wonder recibieron el control creativo para abordar sus álbumes de manera más seria en lo que generalmente había sido un género centrado en un solo tema, lo que llevó a una serie de LP innovadores de los dos a medida que avanzaba la década. ^[48] ​​Por su trabajo innovador, Gaye y Wonder fueron las pocas excepciones en lo que Marc Hogan de Pitchfork observa que se convertiría en un "canon repleto de rock" predominantemente masculino y blanco durante la era del álbum, que excluía en gran medida las obras de músicas femeninas y afroamericanas. ^[49]

Según Eric Olsen , Pink Floyd fue "la banda multiplatino más excéntrica y experimental de la era del rock en álbum", mientras que el artista de reggae Bob Marley fue "la única figura imponente de la era del rock que no era de Estados Unidos o el Reino Unido" ^[50] El LP de Joni Mitchell de 1970 Ladies of the Canyon es comúnmente considerado como uno de los discos más importantes de la era del álbum. ^[51] Las producciones de Bob Ezrin , que trabajó en álbumes de la década de 1970 de Alice Cooper y Kiss ' Destroyer (1976) - también se destacan de esta era. Como escribe el periodista musical James Campion, "La era del álbum de la década de 1970 se adaptó perfectamente a su enfoque cinematográfico. Su formato, con sus dos lados, como si fueran dos actos en una obra con un intermedio, permite un arco crucial en la narración". ^[52] Junto con el disco LP, la cinta de 8 pistas fue otro formato popular en los EE. UU. En este período. ^[42]

Al profundizar en la estética de los LP de los años 70, Campion identifica factores culturales y ambientales que, en su opinión, hicieron que el formato fuera ideal para los jóvenes durante la década. Describe el "ambiente solitario" que ofrecían a los oyentes el tocadiscos y los auriculares, que "los envolvían en una intrincada panorámica estéreo, sonidos atmosféricos y trucos vocales de múltiples capas". ^[52] Warren Zanes considera la astuta secuenciación de las pistas de LP como "el arte menos reconocido de la era del álbum". ^[53] La popularidad de las drogas recreativas y las lámparas de estado de ánimo en ese momento proporcionó más entornos para experiencias de escucha más centradas, como señala Campion: "Esto mantenía al oyente absorto en cada canción: cómo una fluía hacia la otra, su contenido lírico conectado y la fusión de la instrumentación". ^[52]

En comparación con las generaciones futuras, Campion explica que la gente que creció en los años 70 encontraba más valor en escuchar álbumes, en parte debido a su acceso limitado a cualquier otro aparato de entretenimiento en el hogar: "Muchos de ellos no podían controlar la televisión familiar o incluso la radio de la cocina. Esto llevó a priorizar el dormitorio o el estudio del piso de arriba". Campion describe este entorno como una "cápsula de imaginación" para los oyentes de la época, que "se encerraban en el paisaje onírico de los auriculares, estudiaban cada rincón de la obra de arte de 12 pulgadas y profundizaban en el subtexto lírico, ya sea de maneras previstas por el artista o no". Otras influencias culturales de la época también influyeron en las experiencias de escucha, según Campion, que cita las fantasías de terror y ciencia ficción y las imágenes de los cómics, así como la publicidad, la propaganda y "la promesa estadounidense de grandeza ". En su análisis, Campion concluye: "Como si estuvieran sentados en su propio teatro de la mente  ... eran participantes voluntarios en el deambular lúdico de sus héroes del rock and roll". ^[52] Pareles añade a esta observación que "las canciones sucesivas se convierten en una especie de narrativa, unida por la imagen y las fantasías sobre el intérprete". Según Pareles, a medida que "el afecto y la fascinación de los oyentes  ... se transferían de una canción de éxito, o de una serie de éxitos, al cantante", los artistas discográficos particularmente exitosos desarrollaban un "poder de permanencia" entre el público. ^[43]

Según Hogan, con Sgt. Pepper como impulsor, la idea de un "álbum conceptual" se convirtió en una herramienta de marketing en la década de 1970, ya que "no faltaron bandas que usaron el pretexto del 'arte' para vender decenas de millones de discos". Citando álbumes de gran éxito como The Dark Side of the Moon como líderes de la tendencia, Hogan dice que "las ventas de discos se dispararon" hasta mediados de la década de 1970. ^[49] En 1974, "las ventas en dólares de discos y cintas en los Estados Unidos alcanzaron un máximo histórico de $ 2.2 mil millones", según la World Book Encyclopedia , y las grabaciones de pop y rock representaron dos tercios de todas las ventas de música grabada. Sin embargo, el libro atribuye esto en parte a un aumento en los precios de los discos a lo largo del año, mientras que estima que el número real de ventas netas de LP había disminuido de 280 millones a 276 millones de copias y señala un aumento en las ventas de cintas de 108 millones a 114 millones. A medida que las compañías discográficas concentraron sus esfuerzos en el pop y el rock, los lanzamientos de otros géneros como la música clásica, el jazz y la música ligera quedaron marginados en el mercado. Muchos artistas de jazz durante este período grabaron LP de crossover con canciones que se acercaban al pop para aumentar sus ventas de discos. ^[55]

En 1977, las ventas de álbumes habían comenzado a "disminuir", según Hogan. ^[49] Pareles atribuye este declive a los desarrollos del punk rock y la música disco a fines de la década de 1970: "El punk volvió a centrarse en la canción corta y ruidosa. La música disco se concentró en el momento físico en el que una canción hace que un cuerpo se mueva". ^[43] Christgau señala de manera similar que "la estética de los sencillos comenzó a reafirmarse con la música disco y el punk", lo que sugiere que esto puso fin a la "Era de los grandes álbumes". ^[56] En un análisis diferente, el historiador Matthew Restall observa que en este período los artistas populares luchaban por mantener el alto nivel de éxito que se les había otorgado a sus álbumes anteriores. Citando las decepcionantes recepciones de Blue Moves (1976) de Elton John y Tusk (1979) de Fleetwood Mac , Restall dice: "[Estos] son ​​ejemplos dramáticos de cómo los artistas de grabación de la gran era de los álbumes ... sufrieron el lado receptor de un horizonte de expectativas". ^[57] 

La caída de las ventas de discos de vinilo a finales de los años 1970 marcó el fin de la "edad de oro" impulsada por los LP, ^[42] ya que la industria musical se enfrentó a la competencia de un resurgimiento comercial en la industria cinematográfica y la popularidad de los videojuegos arcade . ^[49] El éxito de la programación de videos musicales de MTV también volvió a enfatizar el formato sencillo en los años 1980 y principios de los años 1990. Según Pareles, pronto se hizo evidente que, "después de la era del rock de álbumes de los años 1970, MTV ayudó a devolver el éxito de los sencillos a la prominencia como una herramienta de marketing pop" e influyó en los hábitos de consumo de los compradores de discos hacia éxitos más "desechables". ^[43]

Las estrellas del pop de los años 1980, como Michael Jackson y Madonna , fueron capaces de galvanizar el interés en sus álbumes lanzando un sencillo o un vídeo musical en MTV. Esto llevó al desarrollo del lanzamiento de álbum moderno, destinado a impulsar el impulso de marketing de un álbum durante un período de tiempo prolongado, que iba desde muchas semanas y meses hasta más de un año. "Con el tiempo, se convirtió en una lista de verificación tácita (y, finalmente, incluida en el presupuesto) para lanzar un álbum pop de un sello importante", escribe el periodista de Vulture Justin Curto, que cita elementos de este modelo como un sencillo principal optimista, un vídeo musical que llame la atención, cobertura de prensa, merchandising novedoso y el anuncio de una gira de conciertos de apoyo . ^[58] Dependientes de canales como MTV que reproducían exclusivamente canciones de éxito, las compañías discográficas presionaron más a los artistas discográficos para lograr un éxito comercial instantáneo y comerciabilidad. "Los años 1980 y 1990 llevaron las ventas de discos a nuevos picos, mientras que los propios intérpretes tendían a brillar y a agotarse", como relata Pareles. ^[43]

A principios de la década de 1980, los críticos inicialmente lucharon por reconciliar el auge de los sencillos punk en sus concepciones del canon jerárquico de LP. Sin embargo, London Calling (1979) de The Clash y otros LP de punk pronto ganaron reconocimiento en las clasificaciones de los mejores álbumes. A medida que avanzaba la década, Prince , Kate Bush y Public Enemy surgieron como otras excepciones en el canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era del álbum. ^{[49] Los artistas} de hip hop también alcanzaron una estatura crítica correspondiente a través de una serie de álbumes exitosos más adelante en la década. Comenzando con el lanzamiento en mayo de 1986 de Raising Hell de Run-DMC , que vendió más de tres millones de copias, estos incluyeron Licensed to Ill (1986) de Beastie Boys , Criminal Minded (1987) de Boogie Down Productions , Yo! Bum Rush the Show (1987) y Paid in Full (1987) de Eric B. & Rakim . Según el escritor de The Boombox Todd "Stereo" Williams, esto inició la "edad de oro" del hip hop, así como la "era del álbum" del género desde fines de los años 1980 hasta fines de los años 1990, durante la cual "los álbumes de hip-hop serían la vara de medir con la que se juzgaría a la mayoría de los grandes del género". ^[59] En respuesta a las tendencias que se desarrollaron rápidamente en estas últimas décadas de la era del álbum, los géneros y formatos a menudo fueron renombrados o reagrupados, como la categorización de la música " pop/rock " anterior en el formato de " rock clásico ". ^[57]

Durante la década de 1980, el formato de álbum consolidó su dominio del mercado de la música grabada, primero con la aparición del casete. ^[42] Según el columnista de PC Mag John C. Dvorak , "la era del álbum había resultado en demasiados álbumes con solo una buena canción en cada uno de ellos, por lo que los casetes permitieron a los usuarios hacer sus propias mezclas ", una tendencia acelerada por la introducción del Sony Walkman en 1979. ^[60] La introducción del CD, junto con el reproductor portátil Discman en 1984, ^[60] comenzó el desplazamiento de los LP en la década de 1980 como el formato de álbum estándar para la industria de la música. ^[37] Según Hogan, "la difusión de casetes y CD en los años 80 rompió el álbum con la grabación casera y el salto de canciones más fácil". ^[49] En 1987, la industria musical experimentó su año más rentable hasta el momento debido a la creciente popularidad del CD, resaltada por éxitos de marketing como Jackson, U2, Bruce Springsteen, Prince, Paul Simon , Whitney Houston , Sting , Bon Jovi y Def Leppard , los dos últimos de los cuales representaron un auge del pop metal en la industria. ^[61] Si bien las ventas unitarias netas en realidad habían disminuido, ^[61] Christgau informó en septiembre de 1987 que los CD estaban superando en precio a los discos LP y los casetes se estaban vendiendo más que ellos, ^[62] aunque el casete también eventualmente sería reemplazado por el CD. ^[60] En 1988, respondiendo a los acontecimientos de la década, el sociomusicólogo Simon Frith predijo un final inminente para "la era del disco" y tal vez "la música pop como la conocemos". ^[49]

En la transición a los CD, los álbumes bien considerados del pasado fueron reeditados en el formato por sus sellos discográficos originales, o el sello al que se había transferido la propiedad del álbum en caso de cierre del original, por ejemplo. ^[37] En 1987, la reedición del catálogo de estudio completo de los Beatles fue especialmente popular entre los consumidores de la generación de los baby boomers , que también fueron el público objetivo de dos películas de rock clásico: el tributo a Chuck Berry Hail! Hail! Rock 'n' Roll y la película biográfica de Ritchie Valens La Bamba (con su banda sonora acompañante ) - y las compilaciones de Elvis Presley conmemorando el décimo aniversario de su muerte. ^[61] Sin embargo, muchas obras antiguas fueron pasadas por alto para la reedición digital "debido a problemas legales y contractuales, así como por simple descuido", explica Strauss. ^[37] En cambio, dichos discos a menudo fueron redescubiertos y recopilados a través de las prácticas de excavación de cajas de los productores de hip hop norteamericanos que buscaban sonidos raros para samplear para sus propias grabaciones. En su relato sobre los recolectores de recuerdos del hip hop de los años 1980, la teórica de los medios y la cultura Elodie A. Roy escribe: "Mientras buscaban en tiendas de segunda mano y en ventas de maleteros de coches –depósitos de excedentes capitalistas no deseados–, los recolectores de recuerdos estaban destinados a encontrarse con reinos de discos de vinilo producidos en masa y de uso corriente que ahora habían caído en desuso y habían caído en desuso". Este desarrollo también contribuyó al fenómeno del "coleccionista popular", que el especialista en cultura material Paul Martin describe como aquellos interesados ​​generalmente en artículos "obtenibles, asequibles y atractivos" –como los lanzamientos musicales– y atribuye a la producción en masa . ^[63]

Según Pareles, después de que "la canción individual regresara como la unidad pop" durante la década de 1980, las compañías discográficas a fines de la década comenzaron a abstenerse de lanzar sencillos exitosos como un medio para presionar a los consumidores a comprar el álbum en el que aparecía el sencillo. ^[43] A fines de la década de 1980, las ventas de sencillos de vinilo de siete pulgadas estaban cayendo y casi completamente desplazadas por los sencillos en casete , ninguno de los cuales finalmente se vendió tan bien como los álbumes. ^[42] La producción de álbumes proliferó en la década de 1990, y Christgau aproximó los 35,000 álbumes en todo el mundo lanzados cada año durante la década. ^[64] En 1991, el álbum Nevermind de Nirvana fue lanzado con aclamación de la crítica y vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que llevó a un auge del rock alternativo en la industria de la música. ^[49] Un boom simultáneo de la música country liderado por Garth Brooks y Shania Twain ^[65] culminó con más de 75 millones de álbumes country vendidos en cada uno de los años 1994 y 1995, ^[66] momento en el que el mercado del rap también estaba aumentando rápidamente, particularmente a través del éxito de actos controvertidos de rap gangsta como Dr. Dre y Snoop Dogg . ^[67] Mientras tanto, la entrega de música en una sola canción al consumidor era casi inexistente, al menos en los EE. UU., ^[68] y en 1998, Billboard puso fin al requisito de un sencillo físico para su inclusión en su lista de sencillos Hot 100 después de que varios de los principales éxitos del año no se lanzaran como sencillos a los consumidores. ^[69] En 1999, la industria de la música en su conjunto alcanzó un pico comercial con $ 15 mil millones en ingresos por ventas de discos, principalmente de CD. ^[70]

Eddy cita Nevermind de Nirvana como aproximadamente el final de la "era de los grandes álbumes", ^[31] aunque Strauss escribió en 1995 que la "era del rock de álbumes" todavía estaba vigente. ^[37] Como otro "punto final", Hogan dice que los críticos a menudo han nombrado el álbum de Radiohead de 1997 con influencia electrónica OK Computer , que avanzó en los límites de la música rock al tiempo que logró un doble nivel de éxito comercial y crítico sin igual por ningún trabajo de "larga duración basado en la guitarra" en las décadas posteriores. ^[49] Kot, mientras tanto, observó un declive en la integridad entre la industria y los artistas. Sugirió que los consumidores habían sido explotados durante la década de 1990 por el aumento de los precios de los álbumes en CD, que eran menos costosos de producir que los discos de vinilo, y tenían tiempos de ejecución más largos con música de calidad considerablemente inferior. Si bien reconoció que algunos artistas discográficos todavía intentaron respetar los ideales de comienzos de la era del álbum, dijo que la mayoría había renunciado a sus responsabilidades como artistas y narradores de historias y había adoptado prácticas de grabación indulgentes para sacar provecho del auge del CD. ^[34]

A principios de los años 2000, Kot publicó un falso obituario para el formato LP de 33⅓ rpm en el Chicago Tribune . En él, argumentaba que el LP había quedado "obsoleto por las descargas de MP3, las bandas sonoras de películas y los mezcladores de CD, sin mencionar los videojuegos, la televisión por cable, Internet y la explosión mundial de medios que se aprovechan de la capacidad de atención de lo que solía conocerse como compradores de álbumes". ^[34] En 1999, el servicio de intercambio de archivos peer-to-peer de Internet Napster permitió a los usuarios de Internet descargar fácilmente canciones individuales en formato MP3 , que habían sido extraídas de los archivos digitales ubicados en los CD. ^[71] En medio del auge de Napster en 2000, David Bowie predijo en una entrevista que la era del álbum terminaría con la inevitable adopción por parte de la industria musical de los archivos de música digital. ^{[72] [nb 2]} A principios de 2001, el uso de Napster alcanzó su punto máximo con 26,4 millones de usuarios en todo el mundo. ^[73] Aunque Napster fue cerrado más tarde ese año por violaciones de derechos de autor, varios otros servicios de descarga de música tomaron su lugar. ^[74]

En 2001, se introdujo el servicio iTunes de Apple Inc. y más tarde ese año se lanzó el iPod (un reproductor de MP3 fácil de usar), al que pronto se unirían alternativas legales similares. Esto, junto con un aumento continuo en el intercambio ilícito de archivos, condujo a una pronunciada caída en las ventas de música grabada en formatos físicos ^[68] durante los siguientes tres años. ^[75] Las ventas se recuperaron brevemente a fines de 2004 cuando la industria registró aproximadamente 667 millones de álbumes vendidos, encabezados por 8 millones de Confessions de Usher , ^[75] cuyo éxito ejemplificó el dominio comercial de la música urbana sobre el pop en la década. ^[76] Eminem y 50 Cent estuvieron entre los éxitos de las grandes discográficas del boom del rap que había continuado desde la década anterior. ^[67] Confessions y The Eminem Show (2002) de Eminem serían certificados Diamante por la Recording Industry Association of America , alcanzando 10 millones de copias vendidas cada uno a fines de la década. ^[76]

Según Hogan, los discos más innovadores también se estaban produciendo en los géneros urbanos de R&B , hip hop y pop, incluidos álbumes de Kanye West y D'Angelo , así como las producciones de Timbaland y los Neptunes . Para los críticos, estas obras se convirtieron en otra forma de los discos de pop artístico de larga duración que habían definido la era del álbum con una tradición basada en la guitarra rock, que se complicó aún más por la aclamación canónica otorgada al álbum de post-rock electrónico de Radiohead Kid A (2000). Al no igualar las ventas históricas de OK Computer , los álbumes de rock más aclamados de principios de la década de 2000 a menudo revisitaban sonidos más antiguos, como con Is This It ( 2001 ) de Strokes , White Blood Cells (2001) de White Stripes y Turn on the Bright Lights (2002) de Interpol , o simplemente carecían del amplio presupuesto de producción y marketing de Radiohead, como en el caso de Funeral (2004) de Arcade Fire . Estos acontecimientos hicieron que el prestigio comercial y cultural del rock disminuyera y que el paradigma crítico cambiara del rockismo al poptimismo en los años siguientes. ^[49]

Mientras tanto, la capacidad de la industria musical para vender álbumes todavía se enfrentaba a las amenazas de la piratería y de los medios de comunicación competitivos, como los DVD, los videojuegos y la descarga de canciones individuales. Según los datos de Nielsen SoundScan para 2004, las pistas digitales habían vendido más de 140 millones de copias a unos 99 centavos cada una de vendedores en línea como iTunes, lo que indica que los consumidores preferían descargar canciones individuales en lugar del álbum completo, de mayor precio. ^[75] En 2006, las ventas de CD fueron superadas por primera vez por las descargas de sencillos, y los consumidores de música digital compraron sencillos en lugar de álbumes por un margen de 19 a 1. ^[68] Para 2009, las ventas de álbumes se habían reducido a más de la mitad desde 1999, disminuyendo de una industria de 14,6 a 6,3 mil millones de dólares. ^[78] También en esta época, el dance-pop había sucedido a la música urbana como el género dominante en las radios top 40 , ^[76] con artistas pop como Rihanna emergiendo durante este período basando sus carreras en sencillos digitales en lugar de ventas de álbumes. ^[79] Los grupos de rock veteranos como U2 prosperaron a través de la caída de las ventas de álbumes mejor que los grupos más jóvenes debido a un público fiel que todavía tenía un apego al formato. "Hijos de la era del álbum como eran, U2 nunca dejaría de considerar el álbum como la declaración central de su creatividad" a pesar de las ventas progresivamente menores, dice Mat Snow, señalando que los shows en vivo en consecuencia se convirtieron en su mayor fuente de ingresos. ^[70]

Con el auge de los medios digitales en la década de 2000, el "coleccionista popular" de álbumes físicos había pasado a ser el coleccionista "digital" y "electrónico". Roy dice que se puede argumentar que estos coleccionistas "no están equipados con suficientes conocimientos de archivo o herramientas para preservar su colección a largo plazo", citando la vulnerable vida útil de los archivos digitales. ^[63] Al mismo tiempo, la desaparición de las tiendas de música físicas permitió que surgieran sitios web como dominios para coleccionar álbumes, incluida la base de datos de reseñas musicales AllMusic , el servicio de transmisión Spotify y Discogs , que comenzó como una base de datos de música antes de convertirse en un mercado en línea para lanzamientos de música física. ^[80]

La frase "muerte del álbum" se utilizó en los medios durante el declive, generalmente atribuyéndola al intercambio y descarga de Internet, ^{[81] [82]} y las expectativas cambiantes de los oyentes de música. ^{[83] El director de} operaciones de Capitol-EMI, Jeff Kempler, dijo en 2007 que menos artistas perseguirán campañas orientadas a álbumes, mientras que el investigador de medios Aram Sinnreich predijo sin rodeos la muerte del álbum con los consumidores escuchando listas de reproducción en sus reproductores de MP3. ^[68] En una entrevista varios años después, Lee Phillips de la firma de abogados de entretenimiento californiana Manatt, Phelps & Phillips creía que la era del álbum había terminado y culpó a las compañías discográficas por no reconocer la inevitabilidad del streaming como el medio favorito de distribución de música y por no trabajar con Napster en una solución. ^[84]

Los expertos de la industria musical ^[85] y los escritores de la década de 2010, como Jon Caramanica ^[86] y Kevin Whitehead ^[87] , han descrito este período en la historia del álbum como la "era posterior al álbum". A lo largo de la década, los sellos discográficos generalmente invirtieron en plataformas de transmisión como Spotify y Pandora Radio , con estrategias centradas en listas de reproducción seleccionadas y pistas individuales en lugar de álbumes. ^[2] Spotify en particular se convirtió en una plataforma dominante y redefinitoria para el consumo de música durante la década de 2010. En un informe posterior en la década para Deseret News , Court Mann dijo que "servicios como Spotify y Apple Music han trasladado nuestras bibliotecas [de música] de los discos duros personales, iPods y CD a la nube . Nuestra música es cada vez más autónoma y privada". ^[88] En 2011, las ventas netas de álbumes en los EE. UU. aumentaron por primera vez desde 2004 -algunos escritores lo atribuyeron al éxito inesperado de Adele de 2011, 21 (con 5,8 millones de unidades y más de tres millones de CD vendidos en enero de 2012) ^[89] - pero continuaron cayendo nuevamente el año siguiente. ^[76] Con los consumidores abandonando los álbumes, más artistas se centraron en lanzar sencillos, una tendencia que los críticos sintieron que socavó su potencial artístico y produjo muchas maravillas de un solo éxito . ^[90] Sin embargo, los críticos, que habían escrito principalmente reseñas de álbumes durante la era de dominio del formato, también habían comenzado a revisar canciones individuales. ^[31]

Aunque el formato del álbum estaba "muerto" comercialmente, artistas de alto perfil como U2 , The 1975 , Taylor Swift y Katy Perry aún presentaban su trabajo dentro de una "era del álbum" autodefinida, dice Peter Robinson de The Guardian . Dichos artistas presentaron la vida estética de su proyecto al estilo de campañas de álbumes temáticos de artistas anteriores como Bowie, Madonna y Pet Shop Boys . ^[91] Los álbumes se comercializaron en lanzamientos de productos extravagantes, similares al arte escénico, que alcanzaron "un nadir" en 2013, según la escritora de Vulture, Lindsay Zoladz, que cita los intentos fallidos de artistas como Kanye West, Arcade Fire y Lady Gaga de utilizar el arte visual y los entornos públicos en la estrategia: " La campaña ARTPOP cómicamente excesiva de Gaga presentó una escultura de Jeff Koons y una conferencia de prensa en la que presentó 'VOLANTIS, el primer vestido volador del mundo'; Daft Punk grabó un sinfín de anuncios promocionales al estilo de VH1 Classic Albums que conmemoraban Random Access Memories antes de que nadie lo hubiera escuchado  ... y luego, ¿quién podría olvidar a [Perry] conduciendo por las calles de Los Ángeles en un camión dorado de 18 ruedas que gritaba KATY PERRY PRISM 10-22-13 y parecía, extrañamente, un ladrillo de diez toneladas de queso Cracker Barrel?" ^[92] A pesar de esto, Swift siguió siendo la principal seguidora y planificadora meticulosa de las campañas de la era de los álbumes en la industria musical a lo largo de la década, creando un arte distintivo de la estrategia, en opinión de Curto. ^[58]

A mediados de la década de 2010, los artistas discográficos populares habían adoptado el álbum sorpresa como una estrategia de lanzamiento, lanzando sus álbumes con poco o ningún anuncio y promoción previa, en parte como una forma de combatir las filtraciones de Internet . Esta estrategia fue precedida por Radiohead y Bowie, pero popularizada por Beyoncé con su álbum homónimo en 2013, lo que llevó a lo que Zoladz en 2015 llamó la "era actual del álbum sorpresa". ^[92] Al año siguiente, la cantante repitió la estrategia con su álbum Lemonade y nuevamente demostró que "el Zeitgeist podía capturarse y mantenerse en una sola noche", como explica Curto. ^{[58] Sin embargo, Zoladz continuó informando sobre una "fatiga colectiva" entre los críticos profesionales y los oyentes ocasionales por mantenerse conectados con los lanzamientos sorpresa y el} ciclo de noticias de las redes sociales que los rodea. También destacó la capacidad de Drake para mantener su atractivo popular a lo largo del tiempo más con lanzamientos de canciones individuales y, por lo tanto, dominar el "deseo de gratificación instantánea y anticipación a largo plazo" de la era digital. ^[92] La segunda mitad de la década de 2010 tendió hacia un marketing igualmente mínimo para los lanzamientos de álbumes de hip hop, con anuncios en forma de publicaciones en las redes sociales que revelaban solo la portada, la lista de canciones o la fecha de lanzamiento unas pocas semanas antes como máximo. ^[58]

Otros críticos todavía creían en el álbum como un concepto viable en el siglo XXI. En 2003, la revista Wired le había encargado a Christgau que escribiera un artículo en el que se debatiera si el álbum era "una forma de arte en extinción", a lo que concluyó: "Mientras los artistas estén de gira, venderán recopilaciones de canciones junto con el resto del merchandising, y esas recopilaciones serán concebidas de la forma más artística posible". En 2019, cuando las ventas de CD y descargas digitales se desplomaron y aún persistían las teorías sobre la "muerte" del formato físico del álbum, Christgau encontró que su premisa original era aún más válida. "Porque la computadora da lo que la computadora quita", escribió en un ensayo que acompañaba a la encuesta musical de Pazz & Jop de ese año, explicando que la asequibilidad actual de un equipo de grabación adecuado hace que la producción de álbumes sea accesible para músicos de varios niveles de competencia. En cuanto a los artistas profesionales, dijo: "Escribir canciones está en su ADN, y si dichas canciones son buenas, grabarlas para la posteridad pronto se vuelve irresistible". ^[93]

En un ensayo de fin de año sobre el álbum en 2019, Ann Powers escribió para Slate que el año encontró al formato en un estado de "metamorfosis" en lugar de muerto. En su observación, muchos artistas discográficos habían revitalizado el concepto del álbum en torno a narrativas autobiográficas y temas personales, como la intimidad, la interseccionalidad , la vida afroamericana, los límites entre las mujeres y el dolor asociado con la muerte. Citó álbumes como Jaime de Brittany Howard , Jimmy Lee de Raphael Saadiq , Eve de Rapsody , On the Line de Jenny Lewis y Ghosteen de Nick Cave . ^[94] Escribiendo contemporáneamente, la periodista de arte y cultura Michelle Zipkin creía que los álbumes siguen siendo "un componente integral, relevante y celebrado de la creación y el arte musical". Citó la tabulación del agregador de reseñas Metacritic de los álbumes más aclamados de la década de 2010, que mostraban la musicalidad de una amplia gama de artistas y temas a menudo serios, como el duelo, las relaciones raciales y las políticas de identidad , al tiempo que agregó que "los álbumes de hoy ofrecen una nueva forma de abordar una industria cambiante". ^[2]

En 2019, Swift seguía siendo la única artista "que todavía vende CD" y aún no había adoptado los servicios de streaming porque no habían compensado de manera justa a los artistas discográficos, según Quartz . Al profundizar en este punto, el crítico de Los Angeles Times , Mikael Wood, dijo: "Sin embargo, mientras mantenía su música fuera de Spotify, condicionando a su audiencia leal a pensar en comprar sus canciones y álbumes como un acto de devoción, surgieron artistas más jóvenes como Ariana Grande para establecerse como favoritos de streaming". Sin embargo, Swift utilizó todos los principales servicios de streaming para lanzar su álbum de 2019 Lover , que Quartz dijo que "podría ser el último CD que compremos" y fue "quizás una nota de muerte final para el CD". ^[95]

A mediados de la década de 2010, las ventas físicas de CD y vinilo representaban el 39% de las ventas mundiales de música. De las ventas totales de música en los EE. UU. ( el mercado musical más grande del mundo en términos de ingresos), menos del 25% eran copias físicas, mientras que Francia y el Reino Unido registraron alrededor del 30-40% en esta misma estadística. Sin embargo, esa cifra era aproximadamente del 60% para Alemania y del 75% para Japón, que tenía el segundo mercado más grande del mundo con más de ¥ 254 mil millones (o $ 2,44 mil millones) vendidos por año en grabaciones de música, la mayoría de ellas en forma de CD. Ambos países lideraron el mundo en ventas de música física en parte debido a la afinidad mutua de sus culturas por los "objetos físicos", según el periodista de Quartz Mun Keat Looi. ^[96]

La industria japonesa había favorecido especialmente el formato CD, debido en parte a su facilidad de fabricación, distribución y control de precios. En 2016, Japón tenía 6.000 tiendas de música físicas, superando a Estados Unidos (aproximadamente 1.900) y Alemania (700) en cuanto a la mayor cantidad en el mundo. A pesar de que Internet de banda ancha está disponible en Japón desde el año 2000, los consumidores se habían resistido al cambio al consumo de descargas y streaming, que representaba el 8% de los ingresos totales de música del país, en comparación con el 68% en el mercado estadounidense. Si bien los sencillos en los países occidentales habían sido anticuados durante más de una década, el mercado japonés para ellos perduró en gran medida debido a la inmensa popularidad de los artistas ídolos , las bandas de chicos y los grupos de chicas. Las compañías discográficas y las agencias de marketing, que se aprovecharon del fanatismo que rodeaba a estos artistas, explotaron el aspecto comercial de los CD con trucos promocionales, como lanzar varias ediciones de un mismo álbum, incluirlas en las entradas para los eventos de los artistas y contabilizar las compras de CD-single como votos de los fans para los concursos de popularidad de los artistas. El foco se alejó de la música y se centró en la experiencia de los fans de conectarse con un ídolo favorito, según el corresponsal de The Japan Times, Ronald Taylor. ^[96]

El inusual comportamiento de los consumidores de Japón en el mercado de la música grabada fue un ejemplo del síndrome de las Galápagos , un concepto empresarial enmarcado a partir de la teoría evolutiva de Charles Darwin . Según Looi, explica cómo el carácter innovador pero aislacionista del país había resultado en "un amor por una tecnología que el resto del mundo casi ha olvidado". Sobre la duradera popularidad comercial de los CD allí, el analista musical global Mark Mulligan explicó que el poder adquisitivo y la demanda de los consumidores de Japón se habían concentrado entre su población que envejece rápidamente y que era más propensa a seguir a ídolos veteranos como la banda de chicos Arashi y el cantautor Masaharu Fukuyama , mientras que estaban menos concentrados entre los jóvenes en sintonía con los servicios digitales y de streaming. Sin embargo, a mediados de la década de 2010 también se vio un aumento en la música digital y las ventas por suscripción, lo que indica una tendencia a alejarse de las compras físicas en el país. ^[96]

En 2019, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) informó que entre los 10 principales mercados de música grabada del mundo se encontraban Japón, China, Corea del Sur y Australia, al tiempo que señaló un surgimiento de mercados fuera de Occidente en general, incluidos los de América Latina, Asia y África. El informe también observó un alejamiento del dominio global de los actos populares en inglés y un acercamiento a éxitos regionales con atractivo intercultural, como BTS y J Balvin , debido en parte a una cultura de consumo de mente más abierta y a la conectividad social entre artistas y oyentes. Si bien los principales artistas discográficos de Occidente siguieron dependiendo de los roles tradicionales de las grandes discográficas, otros utilizaron proveedores de servicios digitales como Spotify y Apple Music para autoeditar sus grabaciones o lanzarlas en asociación con un distribuidor independiente. ^[98]

En 2020, los lanzamientos de álbumes se vieron obstaculizados por la pandemia de COVID-19 y sus medidas de distanciamiento social relacionadas . ^[58] Entre el 6 y el 12 de marzo, las ventas físicas de álbumes cayeron un 6% debido en parte a la pandemia. Más tarde ese mes, Amazon suspendió temporalmente los envíos entrantes de CD de música y discos de vinilo de proveedores estadounidenses en un esfuerzo por priorizar los artículos considerados más esenciales. ^[2] El cierre de los minoristas físicos y los sistemas de distribución por la pandemia afectó especialmente a los artistas discográficos veteranos, ya que sus fans tendían a ser mayores y era más probable que siguieran comprando CD y discos de vinilo. En consecuencia, muchos de esos artistas que todavía se adherían a un modelo de lanzamiento tradicional, como Willie Nelson y Alicia Keys , retrasaron el lanzamiento de sus álbumes. ^[99] Al informar sobre el desarrollo en marzo, el periodista de Rolling Stone Elias Leight explicó:

Esto se debe a que decenas de miles de canciones nuevas aparecen diariamente en los servicios de streaming. Para superar esta avalancha, es necesario grabar videos con meses de anticipación, organizar apariciones en televisión, cortejar a los curadores de los servicios de streaming, conseguir oportunidades de prensa, programar fechas de giras, visitas a estaciones de radio y apariciones en tiendas de discos. Sin estos componentes, los artistas corren el riesgo de lanzar su música a un público desinteresado, inconsciente o simplemente abrumado. Y, en este momento, casi todas estas opciones para elevar el perfil están fuera de su alcance. ^[100]

Algunas de las principales estrellas del pop reinventaron sus estrategias de lanzamiento durante la pandemia. Taylor Swift lanzó por sorpresa sus álbumes Folklore y Evermore en julio y diciembre de 2020, respectivamente, abandonando una campaña de lanzamiento adecuada por primera vez en su carrera y estableciendo varios récords de ventas y streaming. Ariana Grande, más inspirada por las estrategias de lanzamiento del rap, lanzó su álbum Positions (2020) con un anuncio y una promoción igualmente mínimos. El éxito de ambos artistas durante la pandemia se produjo mientras estrellas del pop más establecidas habían planeado lanzamientos de álbumes tradicionales, incluidas Katy Perry, Lady Gaga y Dua Lipa . ^[58] Keys también lanzó por sorpresa su álbum Alicia después de un retraso indefinido debido a la pandemia. ^[101] Al mismo tiempo, los álbumes de rap se beneficiaron aún más de la cultura de consumo y streaming más bajo demanda de la época, con raperos como Lil Uzi Vert , Bad Bunny y DaBaby encabezando las listas de álbumes. ^[58]

2020 resultó ser el año más exitoso para los álbumes de vinilo en la historia de MRC Data (desde 1991), con 27,5 millones vendidos en los EE. UU. En junio de 2021, Billboard informó que las ventas netas de álbumes físicos habían aumentado por primera vez en años debido a la pandemia. Los artistas de pop y hip hop/R&B obtuvieron más ventas que nunca en el mercado de vinilo de EE. UU., mientras que los discos de rock experimentaron un descenso a pesar de representar más de la mitad de las ventas totales del mercado. Entre los principales vendedores de vinilo del año se encontraban Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamar y Swift, cuyo Evermore lideró las ventas tanto de CD como de álbumes de vinilo lanzados en 2021. ^[102]

Al informar sobre las tendencias de lanzamiento de música durante la pandemia, los escritores observaron que ofrecían una mayor conectividad para los artistas con sus oyentes durante un período de cambio de paradigma, al tiempo que empoderaban a ambos grupos a expensas de las grandes discográficas. ^[58] Sin embargo, Oliver Tryon, de la revista web musical CULTR, sostiene que la industria de la música sigue siendo uno de los mercados más rentables del mundo y ha capitalizado las tendencias cambiantes en la era del streaming, incluida la creciente brevedad de las canciones, la disminución de las distinciones de género entre los artistas y las innovaciones en la tecnología de la música electrónica, como la aplicación de la inteligencia artificial en la música . Sobre los acontecimientos en 2021, Tryon predijo que los lanzamientos regionales de todo el mundo aumentarían en el mercado global y la " música generativa " "aumentaría como resultado de las listas de reproducción contextuales", mientras que los álbumes en general "seguirían disminuyendo a medida que la era posterior al álbum se vuelve más prominente". ^[103]

En 2022, Michael Cragg escribió un artículo para la revista iD en el que cuestionaba si Swift era "nuestra última verdadera estrella pop restante", destacando su capacidad para combinar los métodos tradicionales de marketing de la música pop, como las metanarrativas basadas en álbumes y las giras de conciertos masivas, con tácticas contemporáneas, como abstenerse de lanzar canciones antes del álbum. Señalando el lanzamiento de su álbum Midnights (2022) y el Eras Tour que abarcó toda su carrera , Cragg escribió que Swift había "aprovechado [un] sentido de comunión pop" como "su propia suma sacerdotisa" y creado "una histeria nunca vista desde la era dorada de la industria". ^[104]

• Unidad equivalente a un álbum
• El impacto cultural de los Beatles
• El impacto cultural de Taylor Swift
• Lista de álbumes más vendidos
• Lista de los álbumes más vendidos por país
• Lista de los artistas musicales con mayores ventas
• El resurgimiento del vinilo

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