¡Qué tiovivo!

What a Merry-Go-Round es la decimoctava colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen , realizada para la temporada Otoño/Invierno 2001 de su casa de moda homónima . La colección se basó en imágenes de payasos y carnavales, inspiradas en los sentimientos de McQueen sobre la infancia y sus experiencias en la industria de la moda. Los diseños estaban influenciados por el estilo militar chic , el cine como Nosferatu (1922) y Cabaret (1972), la moda de los años 20 y la Revolución Francesa , con una paleta de colores oscuros complementados con tonos neutros y verdes apagados. El desfile marcó la primera aparición del motivo de calavera que ahora es una firma de la marca.

El desfile de la colección se celebró el 21 de febrero de 2001 en el almacén de Gatliff Road en Londres, como parte de la Semana de la Moda de Londres . Fue el último desfile de McQueen en Londres; todas sus futuras colecciones se presentaron en París. Se presentaron sesenta y dos looks en el desfile principal, con al menos seis más en el final. El espectáculo se realizó en una sala oscura con un carrusel en el centro. Durante el final, las luces se encendieron para revelar pilas de cachivaches infantiles desechados en la parte trasera del escenario, mientras modelos vestidas como payasos malvados retozaban por el escenario, posando con sus trajes de noche.

La respuesta crítica a la colección fue en general positiva y ha atraído algunos análisis académicos por el tema y el mensaje. Al igual que su anterior desfile Voss (primavera/verano de 2001), Merry-Go-Round sirvió como una crítica a la industria de la moda, sobre la que McQueen se mostraba a menudo ambivalente. Contenía elementos que varios autores han tomado como referencias al conglomerado francés de artículos de lujo LVMH y su dirección, con la que McQueen tenía una relación turbulenta. Conjuntos de Merry-Go-Round han aparecido en exposiciones como la retrospectiva de McQueen Alexander McQueen: Savage Beauty .

El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda . ^{[2] [3]} Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. ^{[4] [2] [3]} Sus colecciones eran fuertemente historicistas , haciendo referencia y reelaborando narrativas y conceptos históricos. ^[5] McQueen comenzó su carrera en la moda como aprendiz con los sastres de Savile Row , lo que le valió una reputación de sastre experto. ^{[6] [7] [8]} McQueen tuvo una relación difícil con la industria de la moda , a la que a veces describió como tóxica y asfixiante. A menudo se mostraba ambivalente acerca de continuar su carrera en la moda. ^{[9] [10] [11]} Varias de las colecciones de McQueen, incluida la anterior, Voss (primavera/verano de 2001), estaban pensadas como comentarios y críticas sobre la industria. ^[12]

Desde 1996 hasta octubre de 2001, McQueen fue, además de sus responsabilidades para su propia marca, diseñador jefe de la casa de moda francesa Givenchy , propiedad del conglomerado de artículos de lujo LVMH . ^{[13] [14] [15]} Su tiempo allí fue tenso, principalmente debido a las diferencias creativas entre él, la marca y la gerencia de LVMH. ^{[16] [17] [18]} En diciembre de 2000, antes de que terminara su contrato con Givenchy, McQueen firmó un acuerdo con Gucci , una casa de moda italiana y rival de Givenchy, desafiando efectivamente a LVMH a despedirlo. ^{[a] [21]} Gucci compró el 51 por ciento de la compañía de McQueen y McQueen siguió siendo su director creativo. ^[22] What a Merry-Go-Round fue la última colección que McQueen produjo para su propia marca mientras estuvo en Givenchy. ^[23]

La carrera de McQueen fue más o menos paralela a la de su colega diseñador británico John Galliano , quien lo precedió en la industria por aproximadamente una década. ^{[24] [25] [26]} Sus diseños y desfiles fueron igualmente creativos y teatrales. ^{[27] [28]} Durante el período en el que sus carreras se superpusieron, los periodistas de moda compararon y contrastaron sus trabajos y elecciones profesionales, y a veces se los ha calificado de rivales. ^{[28] [29] [30]} A McQueen, que tenía una vena competitiva, le molestaba que lo compararan con Galliano y a menudo buscaba emular o superar las ideas de Galliano en su propio trabajo. ^{[31] [32]}

What a Merry-Go-Round (otoño/invierno de 2001) es la decimoctava colección que McQueen hizo para su casa de moda homónima . ^[33] Se inspiró en el lado oscuro de los payasos , los carnavales y los circos , así como en el villano Child Catcher de la película Chitty Chitty Bang Bang (1968). ^{[34] [35]} Como era típico de McQueen, se basó en su propia vida para informar sus diseños. En este caso, conectó la vulnerabilidad de la infancia con sus turbulentas experiencias con la industria de la moda. ^{[20] [36]} McQueen se basó explícitamente en el miedo a los payasos al describir su visión: "Mostramos a los niños payasos como si fueran divertidos. No lo son. Son realmente aterradores". ^[37] La ​​inspiración adicional provino de la película muda alemana de vampiros Nosferatu (1922) y los espectáculos de cabaret de la Alemania de Weimar , a través de la película Cabaret (1972). ^{[34] [38] [39]} McQueen pretendía que los diseños de la colección fueran relativamente unificados para poder construir una identidad visual coherente para la marca Alexander McQueen. Consideraba que las colecciones anteriores habían tenido demasiadas ideas que no había aprovechado al máximo. ^[16]

La paleta de colores era oscura, con algunos looks tempranos en colores neutros, así como naranja y verde como colores de acento. ^{[38] [40] [41]} Los patrones de calaveras y arlequines eran un motivo repetido. ^{[1] [42] [40]} Los materiales primarios incluían cuero y jersey , adornados con lentejuelas , encaje y plumas de pavo real y avestruz . ^{[42] [38] [41]} La influencia del estilo militar chic era clara en los artículos de color caqui, las prendas confeccionadas para parecerse a uniformes y un tocado de aviones de aspecto antiguo. ^{[42] [40] [41]} Varios diseños fueron reelaborados de colecciones anteriores, incluyendo Joan (otoño/invierno 1998), Eshu (otoño/invierno 2000) y Voss (primavera/verano 2001). ^{[40] [34]}

El interés de McQueen por la moda histórica fue una fuerte influencia en la colección. Los grandes abrigos y los galones dorados se inspiraban estéticamente en la Revolución Francesa , mientras que otros artículos, en particular los vestidos tubo de corte bies , estaban influenciados por la ropa que usaban las flappers de la década de 1920. ^{[43] [44]} Las comisarias textiles Clarissa M. Esguerra y Michaela Hansen identificaron el Look 44, un vestido de lentejuelas con volantes en las caderas, como un ejemplo de esta influencia en la colección. Argumentaron que era la reinterpretación de McQueen del robe de style , una silueta de la década de 1920 caracterizada por un top de corte recto con una falda más voluminosa en las caderas. Vieron las lentejuelas y los colores como reminiscentes del cabaret de Weimar. ^[45]

El desfile se realizó el 21 de febrero de 2001, en el almacén de Gatliff Road en Londres. ^[33] Fue el último de los seis desfiles que McQueen realizó allí, y su último desfile en su ciudad natal; todas sus futuras colecciones de ropa femenina se presentaron en París. ^{[23] [34] [46]} Las invitaciones usaban una imagen de Ferdinando Scianna : un payaso de aspecto anciano que vestía un traje rojo, blanco y azul, haciendo eco de la bandera tricolor de Francia . ^{[44] [47]} Entre los miembros notables de la audiencia se encontraban Kate Moss , Bianca Jagger y Domenico de Sole , entonces director ejecutivo de Gucci. ^[39]

McQueen solía trabajar con un equipo creativo consistente para sus desfiles, que planificaba con Katy England, su asistente y estilista principal. ^[48] Gainsbury & Whiting fueron los responsables de la producción. ^[33] Joseph Bennett, que había diseñado todas las pasarelas de McQueen desde la n.° 13 (primavera/verano de 1999), regresó para el diseño de escenarios . ^{[49] [50]} El peinado estuvo a cargo de Guido Palau y el maquillaje de Val Garland . ^[33] Philip Treacy creó los tocados, mientras que Shaun Leane fue responsable de las joyas. ^[33] Ambos hombres fueron colaboradores de McQueen durante mucho tiempo. ^[51] Waterford Crystal produjo un bastón hecho de cristal y hueso. ^[33]

La colección se presentó en una sala poco iluminada con un escenario circular, el suelo pintado en espiral de gris y azul. ^[39] La pieza central era un gran carrusel antiguo , los caballos cubiertos de látex negro, morado y lavanda. ^{[39] [36]} En la parte trasera, el escenario estaba repleto de cachivaches infantiles, incluidos juguetes de peluche, marionetas, globos y esqueletos, todos cubiertos de polvo, lo que sugería una guardería infantil antigua , una juguetería o un ático lleno de posesiones descartadas. ^{[37] [52]} Estos elementos estuvieron en la oscuridad durante gran parte del espectáculo, y solo se revelaron para el final. ^{[1] [53]}

El espectáculo se abrió con un clip de audio del Child Catcher en el que intenta atraer a los niños con golosinas para poder capturarlos. ^[36] El resto de la música de fondo incluía música heavy metal, la canción principal de Chitty Chitty Bang Bang y selecciones de la banda sonora de la película de terror Rosemary's Baby (1968), incluida la canción de cuna de Krzysztof Komeda " Sleep Safe and Warm ". ^{[39] [36] [20]} " A Spoonful of Sugar " de Mary Poppins (1964) se reprodujo durante el final. ^[54]

El estilo de las modelos era agresivo: Claire Wilcox escribió que caminaban "como dominatrices ", mientras que el crítico de Vogue las llamó "duras como las uñas". ^{[38] [1]} Las modelos fueron estilizadas con maquillaje facial blanco como base, que recordaba a Pierrot , un triste personaje de payaso de pantomima . ^[44] En la sección principal del desfile, las modelos llevaban labios oscuros en un estilo típico de la década de 1930 y cabello suelto peinado en ondas Marcel . ^{[39] [36]} En el final, llevaban maquillaje de payaso oscuro y pelucas con formas, incluyendo algunos estilos de tres puntas. ^{[44] [36]} La teórica de la moda Janice Miller lo consideró "emblemático" de los villanos de los medios infantiles. ^[55]

Se presentaron sesenta y dos looks en el desfile principal, con al menos seis más en la final. ^{[b] [1]} Las modelos caminaron alrededor del carrusel, algunas usando sus postes para girar. ^[41] El look 34, un vestido negro, fue diseñado con un esqueleto de zorro dorado sobre los hombros de la modelo para imitar una estola de piel de zorro , que la autora Kristin Knox llamó un ejemplo de la "remanipulación de lo macabro en una cosa de verdadera belleza exquisita" de McQueen. ^{[38] [57]} El look 35 fue un abrigo con un cuello alto y asimétrico y bordado de inspiración china en verde claro. ^{[41] [35]} El look 37 presentó un collar de perlas de Tahití y garras de faisán hecho por el joyero Shaun Leane . Las largas hebras de perlas sugerían la moda de la década de 1920, mientras que la masa de garras se parecía engañosamente al pelaje y sugería morbosidad. ^{[1] [58]} Leane, un joyero con formación clásica, recordó más tarde haber tenido que aprender taxidermia para poder elaborar el collar. ^{[58] [59]} El look 48 presentaba un casco con grandes plumas negras y una calavera de metal decorativa hecha por Philip Treacy, que se usaba con una pieza transparente de color negro con bordados morados. ^{[60] [61]} Ana Honigman describió a la modelo como si fuera "mitad sirena y mitad valquiria ". ^[61]

Después del Look 62, un vestido de punto negro con una calavera blanca en el frente, las luces se apagaron y luego volvieron a encenderse, iluminando el carrusel, así como la decoración en la parte trasera del escenario. ^[53] Varias modelos vestidas como payasos malvados con maquillaje de payaso oscuro y grandes pelucas espolvoreadas con telarañas retozaban por el escenario, posando con sus trajes de noche. ^{[38] [62] [52]} Una de estas modelos tenía un esqueleto dorado, originalmente una pieza de decoración del set de Dante (otoño / invierno de 1996), atado a su tobillo. ^{[36] [63]} Otra llevaba un vestido de corte bies en plata que dejaba al descubierto el pecho de la modelo, que recordaba a la pintura de 1830 La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix . ^{[54] [34]} Erin O'Connor se enredó en globos en el costado del escenario mientras hacía su entrada, arrastrándolos hasta el centro del carrusel. Otras modelos cortaron los globos para liberarla. ^{[c] [64] [65]} Después de varios minutos, las luces se encendieron por completo y las modelos salieron para tomar su turno final, seguidas por McQueen haciendo su reverencia. ^[66]

What a Merry-Go-Round fue recibido positivamente por los críticos contemporáneos. ^{[20] [52]} El crítico de Women's Wear Daily ( WWD ) lo disfrutó, pero sintió que el tema y los diseños no eran tan equilibrados como lo habían sido en las colecciones anteriores de McQueen. Concluyeron que, aunque no había superado sus propios éxitos pasados, era injusto esperar esto. Para ellos, era "suficiente con que supere constantemente a tantos otros diseñadores". ^[42]

Al escribir en retrospectiva, la curadora Kate Bethune sintió que los diseños reelaborados de colecciones anteriores indicaban que McQueen había tenido éxito en crear una "colección consolidada". ^[34] Lo encontró comercial de una manera positiva, resaltando la usabilidad de los vestidos de corte bies. ^[34] En una retrospectiva de 2015, la revista Dazed llamó a Merry-Go-Round uno de los desfiles más oscuros de McQueen. ^[67] Los teóricos de la moda Adam Geczy y Vicki Karaminas consideran que What a Merry-Go-Round está "injustamente eclipsado" por la colección anterior, Voss . ^[68]

A pesar de la recepción positiva, la colección no fue una de las favoritas de McQueen. En una entrevista de 2004, dijo que no podía "soportar mirar atrás" a Merry-Go-Round , ya que sentía que el desfile había eclipsado por completo los diseños reales. ^[69]

Muchos autores consideran que algunos elementos de la colección están dirigidos a la dirección del conglomerado francés LVMH , con el que McQueen tenía una relación turbulenta. ^{[34] [36] [70]} La reseña contemporánea de WWD lo calificó de "comentario poco sutil" sobre sus disputas con ellos. ^[42] Judith Watt citó la referencia a La libertad guiando al pueblo como una de ellas. ^[54] Dana Thomas consideró que el uso de la voz de Child Catcher era una alusión directa al fundador de LVMH, Bernard Arnault . ^[36] Karen Homer estuvo de acuerdo y escribió que los elementos de la Revolución Francesa eran un mensaje que indicaba que McQueen ahora estaba libre de LVMH. ^[70] Bethune señaló que, irónicamente, a pesar de todos los mensajes sobre estar libre de la compañía francesa, todos los futuros desfiles de McQueen se realizaron en París. ^[34]

Thomas también pensó que la colección caricaturizaba el trabajo de John Galliano. Muchas modelos llevaban ondas Marcel, que Galliano había estado usando ampliamente en ese momento. Otras llevaban pelucas de tres puntas, que imitaban las utilizadas en el desfile de Galliano Filibustiers (primavera/verano de 1993). ^[36] El maquillaje estilo años 30 que llevaban algunas modelos también se hacía eco del estilo de pasarela de Galliano. ^[36] Muchos diseños eran interpretaciones de los estándares de Galliano, como los vestidos lenceros , las chaquetas de motociclista , los abrigos militares y las fajas . ^[36]

Algunos críticos se centraron en la semiótica del maquillaje de payaso oscuro. La teórica de la moda Caroline Evans consideró que producía una "imagen triste y alienada", que mostraba el lado oscuro del circo. ^[71] Para Miller, el maquillaje duro combinado con los elegantes vestidos "reflejaba la forma en que McQueen oscilaba entre la belleza y el horror" al diseñar para mujeres. ^[55] Geczy y Karaminas escribieron que el maquillaje transformaba a las modelos en "algo poco atractivo, espantoso y vampírico". ^[68] A diferencia de las modelos en la mayoría de los desfiles, cuyo propósito es mostrar la belleza, las modelos en este desfile aparecieron como "depredadores y fantasmas". ^[72]

Evans consideró el desfile un ejemplo de la naturaleza dual de la moda: frívola y morbosa a la vez en su transitoriedad. ^[71] Geczy y Karaminas, retomando el hilo del análisis de Evans, identificaron el aspecto escénico de Merry-Go-Round como un ejemplo de la práctica creativa "críticamente incisiva" de McQueen. ^[68] El tema del circo combinado con las referencias a la muerte y la pérdida de la inocencia les sugería un "mundo de artistas caídos y hastiados". ^[73] Interpretaron esto como el comentario de McQueen sobre la "realidad imaginada" de la industria de la moda. ^[74] También compararon la narrativa de la colección con la de The Overlook (otoño/invierno de 1999), que tenía un melancólico entorno invernal. Sintieron que ambas colecciones sugerían "la pérdida de la inocencia infantil". ^[72] Valerie Steele escribió que el esqueleto que agarraba el tobillo de la modelo era una referencia al simbolismo de la muerte en la Edad Media . ^[75]

Merry-Go-Round marcó la primera aparición del motivo de calavera que ahora es una firma de la marca. ^{[34] [44]}

Cuando McQueen y Leane participaron en la serie Fashion in Motion en el Victoria and Albert Museum (V&A) en 2001, presentaron el collar de perlas y faisán como uno de sus artículos destacados. ^[58] Más tarde, Leane creó un par de pendientes (perlas sostenidas en garras de faisán) que se hacían eco del collar para su línea de joyería. ^[59] Dos artículos de Merry-Go-Round aparecieron en la sección "Romantic Mind" de Alexander McQueen: Savage Beauty , una exposición retrospectiva de los diseños de McQueen: un vestido de abrigo negro y un conjunto negro con adornos dorados de estilo militar. ^[76] El look 44 apareció en la exposición Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse , originalmente presentada en 2022 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . ^[77] La ​​prenda es propiedad del LACMA. ^[77]

La amiga de McQueen, Alice Smith, subastó una colección de recuerdos de McQueen en 2020; una invitación de Merry-Go-Round se vendió por $334. ^[47]

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