Joan (colección Alexander McQueen)

Joan (otoño/invierno de 1998) fue la duodécima colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen para su casa de moda homónima . Continuando con la doble fascinación de McQueen por la religión y la violencia, se inspiró en imágenes de persecución, sobre todo el martirio de la santa católica francesa Juana de Arco en 1431 , que fue quemada en la hoguera. La paleta de la colección era principalmente rojo, negro y plata; colores que evocaban nociones de guerra, muerte, sangre y llamas. Muchos looks hacían referencia a prendas eclesiásticas y armaduras medievales , incluidos varios artículos que imitaban la cota de malla y un conjunto que tenía piezas de armadura plateadas reales.

El desfile se celebró el 25 de febrero de 1998 en el almacén de Gatliff Road en Londres. McQueen causó un revuelo al prohibir la entrada a varios periodistas de la prensa sensacionalista , uno de los cuales respondió con un editorial furioso. La producción estuvo a cargo del equipo creativo habitual de McQueen. El diseño del escenario para Joan era sencillo e industrial : una habitación oscura iluminada por lámparas de metal suspendidas sobre la pasarela. La pasarela de 30 metros estaba cubierta de cenizas negras y las modelos entraban a través de un telón negro retroiluminado en rojo. Se presentaron noventa y un looks; principalmente ropa de mujer y algo de ropa de hombre. El desfile concluyó con la modelo Erin O'Connor balanceándose en un círculo de llamas, luciendo un vestido rojo de cuentas que le cubría el rostro.

La respuesta crítica a la ropa y al desfile de Joan fue positiva, y se considera uno de los desfiles más memorables de McQueen. El análisis académico se ha centrado en la interpretación del estilo, el final y el significado de varias prendas estampadas con una fotografía de niños. Varios artículos de Joan han aparecido en exposiciones de museos, entre ellos Alexander McQueen: Savage Beauty y Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse .

El diseñador de moda británico Alexander McQueen fue conocido a lo largo de sus casi veinte años de carrera por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos. ^{[2] [3] [4]} Hijo de un taxista londinense y una profesora, creció en uno de los barrios más pobres del East End de Londres antes de unirse a la industria de la moda a través de un aprendizaje en Savile Row . ^[5] En las primeras etapas de la carrera de McQueen, los periodistas a menudo lo enmarcaron como un intruso de clase trabajadora en una industria que se consideraba de clase alta, lo que le resultaba frustrante. ^[10] McQueen se identificaba con los perseguidos y vulnerables, dada su homosexualidad y su difícil educación. ^{[11] [12] [13]}

Las fijaciones e intereses personales de McQueen fueron una línea conductora en su carrera, y volvió a ciertas ideas y motivos visuales repetidamente, especialmente la muerte y la sexualidad. ^{[3] [14]} Sus desfiles de moda eran teatrales hasta el punto de ser arte de performance . ^{[15] [16]} Por ejemplo, en Untitled (Primavera/Verano 1998), el desfile que precedió a Joan , McQueen hizo que sus modelos caminaran por una pasarela hecha de tanques de agua transparente, luego las empapó con lluvia artificial en la segunda mitad. ^{[17] [18]} A partir de su colección de graduación, Jack the Ripper Stalks His Victims (1992), McQueen se apropió de fotografías y las integró en su trabajo. Lo hizo nuevamente en Dante (Otoño/Invierno 1996) , una colección que exploraba las motivaciones religiosas para la guerra. ^[19] McQueen continuó explorando la religión hasta su colección final, Angels & Demons (Otoño/Invierno 2010). ^[20]

Las colecciones de McQueen eran a la vez historicistas , en el sentido de que adaptaba narrativas y conceptos históricos, y autorreferenciales, en el sentido de que revisaba y reelaboraba ideas entre colecciones. ^{[3] [11]} Jugó con nociones de ropa como armadura y viceversa, creando corazas de alta costura esculpidas para el torso femenino. ^{[21] [22]} Aunque McQueen diseñó principalmente ropa de mujer, había presentado algo de ropa de hombre en colecciones anteriores, incluyendo The Hunger (primavera/verano de 1996) y Dante . ^{[23] [24]}

De 1996 a octubre de 2001, McQueen fue, además de sus responsabilidades para su propia marca, diseñador jefe de la casa de moda francesa Givenchy . ^{[25] [26] [27]} Su tiempo en Givenchy fue tenso, principalmente debido a las diferencias creativas entre él y la marca; sus primeras colecciones allí fueron mal recibidas. ^{[28] [29]} McQueen recurrió al tabaco y al consumo de drogas para lidiar con la presión que sentía por satisfacer a la gerencia de Givenchy y a la prensa de moda. ^[29] Se volvió autoritario y temperamental con quienes lo rodeaban, lo que provocó que su amigo Simon Costin dejara de trabajar con él antes del lanzamiento de Joan . ^[30]

Joan (otoño/invierno de 1998) fue la duodécima colección de McQueen para su casa de moda homónima . Se inspiró en imágenes de persecuciones históricas, especialmente en el martirio de la santa católica francesa Juana de Arco en 1431 , que fue quemada en la hoguera . ^{[18] [31]} Durante su permanencia en Givenchy en París, McQueen pasaba con frecuencia junto a una estatua dorada de Joan en la Rue de Rivoli de París y se sentía intrigado por su historia. ^[32] La curadora Claire Wilcox sugirió que la androginia y el martirio de Joan "apelaban a su sentido del drama". ^[33] Matheson argumentó que con Joan , McQueen estaba reflejando las nuevas habilidades y técnicas que estaba aprendiendo en el taller de alta costura ^{de Givenchy. [11]}

McQueen también se inspiró en una pintura de 1452 de la amante real francesa Agnès Sorel , que utilizó en forma alterada para la invitación del desfile. La pintura representa a Sorel con piel pálida y la línea del cabello alta depilada artificialmente popular en el período medieval , un aspecto que se hizo eco en el peinado de las modelos en el desfile. ^{[30] [14] [34]} La curadora Kate Bethune sugirió que los peinados también pueden haberse inspirado en el aspecto de los niños en la película de terror Village of the Damned (1960). ^[18] El autor Andrew Wilson señaló que tanto Juana de Arco como Sorel murieron al servicio de Carlos VII de Francia . ^[35]

Algunas chaquetas de la colección fueron impresas con una fotografía histórica en blanco y negro de niños, utilizando el mismo proceso que se empleó para la impresión fotográfica en Dante . ^[37] Muchos críticos han sugerido que se trata de imágenes de niños de la familia imperial rusa, los Romanov , y existe la creencia generalizada de que la colección se inspira en el asesinato de la familia en 1918. ^{[18] [31]} Las chaquetas en realidad presentan un daguerrotipo de 1845 de tres niñas sin nombre del fotógrafo alemán Carl Gustav Oehme. ^{[a] [36] [40]} La revisión contemporánea de Grace Bradbury los identifica correctamente como "niños victorianos", al igual que la periodista Dana Thomas en su libro de 2015 Gods and Kings . ^{[38] [37]}

En menor medida, McQueen se inspiró en la decapitación de María, reina de Escocia , en 1567. ^{[18] [31]} El tartán rojo, negro y amarillo del clan McQueen , que McQueen había usado por primera vez en la controvertida Highland Rape (otoño/invierno de 1995), reapareció en Joan , haciendo referencia a la historia de Escocia . ^{[41] [42] [43]}

La paleta de la colección era principalmente rojo, negro y plata, colores que evocaban nociones de guerra, muerte, sangre y llamas. ^{[33] [43] [44]} Los materiales con texturas fuertes aparecieron mucho, incluyendo tela de rafia , cuero , piel de serpiente , denim , lentejuelas y abalorios . ^{[45] [43]} Las aberturas, las telas transparentes y los dobladillos cortos crearon una oscura sensación de erotismo. ^[11] La sastrería característica de McQueen apareció en forma de levitas y otras chaquetas. ^[14] Al igual que Dante antes, Joan hizo referencia a cortes y telas que evocaban el período medieval. ^[11] Hubo elementos de diseño tomados de la vestimenta eclesiástica medieval, incluidos vestidos con forma de capuchas monásticas y abrigos largos tipo sotana que se abrochaban por completo por delante. ^{[18] [33]} La autora Judith Watt consideró que las "blusas de gasa con cuello alto y ballenas  [...] y las faldas largas ajustadas" eran referencias a la era eduardiana . ^[14]

La ropa imitaba las armaduras del período medieval de varias maneras, con vestidos confeccionados en cuero moldeado o en malla metálica liviana que se asemejaban a una armadura de cota de malla . ^{[45] [18] [43]} Más literalmente, la platera Sarah Harmarnee, que anteriormente había contribuido con accesorios a It's a Jungle Out There (otoño/invierno de 1997), creó piezas de armadura plateadas para la colección. ^{[46] [47]} El look 8 presentó a una modelo con una armadura que cubría su cabeza, hombros, brazos y manos. ^{[48] [49]} Bethune sintió que era una referencia a Juana de Arco armada para la batalla y posiblemente un guiño al diseño de Thierry Mugler de 1995 " Robot Couture ". ^[18]

El desfile de Joan se realizó el 25 de febrero de 1998 en el almacén de Gatliff Road en Londres; era la segunda vez que McQueen se presentaba allí. ^{[18] [50]} Fue la última colección para la Semana de la Moda de Londres de esa temporada. ^[37] Según Katy England, la asistente de McQueen, McQueen y su equipo tenían la intención de producir un desfile mucho más simple después del complicado escenario acuático de Untitled . Sin embargo, McQueen "se dejó llevar un poco" y el desfile "se convirtió en otra gran producción". ^[51] Los efectos teatrales (lentes de contacto personalizados, pelucas y calvas para unas cincuenta modelos, además de pirotecnia) no fueron baratos. McQueen dijo más tarde "fue el desfile más caro que he hecho", aunque no estaba insatisfecho con el resultado, y agregó: "es bastante bueno". ^[52]

Gainsbury & Whiting se encargó de la producción, e England se ocupó del estilo general. ^[50] El cabello de las modelos femeninas fue diseñado por Guido Palau ; Mira Chai Hyde se encargó de los modelos masculinos. ^[18] Val Garland fue responsable del maquillaje. ^[53] McQueen había trabajado con Garland antes, pero fue el primer desfile de McQueen de Palau. ^{[54] [18]} El desfile estuvo dedicado a la modelo Annabelle Neilson , amiga y musa de McQueen. ^{[18] [55]} Entre los asistentes conocidos se encontraban la actriz Kate Winslet ; las modelos Kate Moss y Shakira Caine ; Keith Flint del grupo musical The Prodigy ; Meg Mathews, entonces esposa del músico Noel Gallagher ; y Pauline Prescott, esposa del entonces viceprimer ministro John Prescott . ^{[56] [57] [37]}

McQueen prohibió a varios medios de comunicación, incluidos The Sun y GMTV , asistir al desfile de Joan , supuestamente porque se dirigían al "tipo equivocado de público". ^[58] La columnista furiosa del Sun , Jane Moore, acusó a McQueen de hipocresía absoluta, señalando sus orígenes de clase trabajadora y quejándose de que estaba "tan metido en su propio trasero, me sorprende que todavía pueda ver la luz del día". ^{[58] [59]} El personal de relaciones públicas de McQueen rechazó la entrada del Dallas Morning News ^{debido a la falta de asientos. [60]} Otros periodistas de moda también se quejaron de un mal trato. Anna Harvey , subdirectora de la Vogue británica , y Alexandra Shulman , editora de Vogue , sintieron que el desfile fue una "completa desgracia" en este sentido. ^[61] Hilary Alexander estuvo de acuerdo y calificó el desfile como el "nadir" de la Semana de la Moda. Se mostró molesta porque se esperaba que los invitados ingresaran al espectáculo a través de una "pequeña entrada en total oscuridad" y porque, después del espectáculo, los guardias de seguridad se negaron a dejar que los fotógrafos salieran del lugar por razones inexplicables. Criticó el "pequeño episodio extraño", pero sintió que no debería haberse sorprendido dado el trato que McQueen le dio a GMTV. ^[61]

El diseño del escenario para Joan era austero e industrial : una habitación oscura iluminada por lámparas de metal suspendidas sobre la pasarela, así como por luces más pequeñas en el suelo. ^{[18] [37] [14]} La pasarela de 100 pies (30 m) estaba cubierta de cenizas negras y las modelos entraban a través de un telón de fondo negro retroiluminado en rojo. ^{[37] [14]} El sonido del fuego crepitante y ardiendo se reprodujo al comienzo del espectáculo, luego pasó a una selección de pistas de discoteca. ^{[37] [62]}

El estilo de todos los modelos, hombres y mujeres, era deliberadamente andrógino en referencia al travestismo de Juana de Arco . ^{[43] [45]} El cabello de las mujeres se peinaba de una de dos maneras. Algunas modelos usaban pelucas rubias sueltas, a veces con líneas de cabello artificialmente altas al estilo medieval. Otras usaban gorras calvas, que se peinaban parcial o totalmente calvas, con o sin trenzas finas en espiral. ^{[53] [33] [63]} Las modelos usaban maquillaje facial blanco espeso que ocultaba sus cejas, lentes de contacto rojos y rímel rojo . ^{[53] [64]} Wilcox llamó al estilo "mitad medieval, mitad futurista", mientras que Wilson citó a Garland llamándolo "Juana de Arco secuestrada por extraterrestres". ^{[33] [35]}

Se presentaron noventa y un looks; principalmente ropa de mujer y algo de ropa de hombre. ^{[b] [64] [14]} El desfile abrió con looks principalmente en gris y negro, con notas burdeos apagadas. ^[45] El rojo comenzó a aparecer de forma más brillante y con mayor frecuencia a medida que avanzaba el desfile; la mayoría del conjunto final de looks era rojo monocromático . ^[68] El look 78 presentó un minivestido de encaje rojo de manga larga con una larga cola ; la tela cubría todo el rostro de la modelo. ^[43] Debra Shaw apareció en el look 81, un vestido con capucha de piel de serpiente roja. ^[68]

Para el final, Erin O'Connor representó a Juana de Arco, luciendo un vestido rojo de cuentas que le cubría el rostro. ^[69] Caminó hasta el final de la pasarela a oscuras, donde un círculo de llamas se formó alrededor de sus pies y se balanceó entre ellas, extendiendo los brazos hasta que el fuego se apagó y las luces se atenuaron. ^[33] Después de esto, McQueen hizo una reverencia junto a la estilista Katy England, mientras sonaba la canción de Diana Ross " Remember Me ". Su cabello corto estaba teñido de rubio platino y, al igual que las modelos, usaba lentes de contacto rojos. ^{[48] [70]}

La recepción de Joan fue positiva. Resumiendo el consenso crítico en retrospectiva, la periodista Maureen Callahan informó que el desfile recibió una "recepción entusiasta". ^[64] Avril Groom en The Scotsman lo llamó el mejor desfile de la Semana de la Moda de Londres de esa temporada. ^[71] Ella atribuyó el pulido a la experiencia de McQueen en Givenchy, al igual que Jane de Teliga del Sydney Morning Herald . ^{[71] [72]} John Hoerner, presidente del British Fashion Council, y Hilary Alexander de The Daily Telegraph escribieron cada uno que era el mejor trabajo de McQueen hasta la fecha. ^{[73] [74]} Alexander agregó que la colección "bastante arrasó en la pasarela". ^[74] La autora Katherine Gleason escribió que "muchos en la prensa ven signos de una nueva madurez"; entre los críticos que comentaron en este sentido se encontraban Suzy Menkes , Robert O'Byrne y Avril Groom. ^{[48] [78]}

Los críticos fueron ampliamente positivos sobre los diseños de Joan . Las piezas a medida atrajeron particular atención como una muestra de las habilidades de McQueen. ^[80] John Davidson de The Herald escribió que el tema de Joan y su androginia "permitió a McQueen expresar su brillantez como sastre". ^[62] Suzy Menkes , escribiendo en el International Herald Tribune , sintió que la colección había "dado un ángulo fresco" a los artículos distintivos de McQueen. ^[75] Constance CR White en The New York Times destacó un particular "vestido con espalda descubierta  [...] alto en el cuello en la parte delantera y recogido sobre los hombros, dejando al descubierto la espalda de la modelo entre dos bridas de tela que se destacaban como delicadas alas de pájaro". ^[79] Susannah Frankel , para The Guardian , sintió que los artículos en "denim negro con costuras superiores rojas " eran "inteligentes" y serían replicados por otras marcas de ropa. ^[81] Grace Bradberry, del Times, consideró que las prendas impresas con fotografías de niños estaban entre los puntos fuertes de la colección. ^[38] Menkes consideró que los artículos con fotografías impresas eran "menos seguros". ^[75]

Los críticos generalmente sintieron que McQueen había equilibrado exitosamente las referencias medievales para que fueran notorias pero no exageradas. ^{[62] [71] [81]} Groom apreció que la ropa se mantuviera moderna en lugar de parecer un disfraz. ^[71] Frankel sintió algo similar, escribiendo que la ropa era "desafiante pero nunca demasiado efectista". ^[81] Varios críticos notaron los vestidos de cota de malla como un punto de interés. ^{[71] [82] [79]} White quedó impresionado por la habilidad de McQueen para crear una "colección de celebración" usando la trágica historia de Juana de Arco como inspiración. ^[79] Por otro lado, Robert O'Byrne en The Irish Times criticó lo que vio como un intento de McQueen de demostrar sus "credenciales intelectuales", desestimando el tema como "poco más que referencias intermitentes e inexplicables a Juana de Arco". ^[76]

Los diseños de McQueen eran conocidos por ser duros e inutilizables. ^{[83] [84]} Los críticos encontraron esta colección mucho más comercial, considerada en gran medida como un paso positivo para McQueen. ^{[57] [85]} De Teliga escribió que los diseños tenían un "enorme potencial comercial", mientras que Claudia Croft elogió la ropa por ser ponible. ^{[57] [85]} El redactor de Women's Wear Daily (WWD) describió la ropa como inusualmente romántica para McQueen, mientras que Davidson señaló la sorprendente presencia de "piezas más delicadas". ^{[62] [82]} Aunque disfrutaron de la colección en general, el crítico de WWD criticó los pantalones harén y los corsés como poco realistas para el consumidor promedio. ^[82]

Algunos periodistas habían esperado un desfile lleno de los habituales espantosos adornos de McQueen, basados ​​en el tema, la invitación y la escenografía; se sorprendieron al descubrir que no era especialmente macabro. ^[87] Varios críticos consideraron que el final en llamas fue un final apropiadamente teatral para la Semana de la Moda. ^{[81] [38] [74]} Bradberry sintió que podría "resumir todo el asunto de Londres de finales de los 90 dentro de 10 años". ^[86] Varios comentaron el contraste de elementos entre la pasarela acuática de Untitled y el fuego utilizado para Joan . ^[88] El redactor de WWD pensó que el final de Joan carecía del impacto de la tormenta que terminó Untitled , pero consideró que la colección era más fuerte. ^[82]

En retrospectiva, la colección está bien considerada. Callahan consideró la colección como una expresión del "complejo de mártir permanente" de McQueen y escribió que "cuanto más se maltrataba a sí mismo, mejor se volvía su trabajo". ^[64] La escritora Chloe Fox calificó el final como "espectacular". ^[89] Judith Watt sintió que era el fin de la prensa que desestimaba a McQueen como un intruso de clase baja en la escena de la moda de clase alta y consideró la colección como una demostración de la "mente informada" de McQueen. ^[68] En Gods and Kings , Dana Thomas fue efusiva sobre la colección, llamando a la ropa "hermosa, sensual y absolutamente ponible" a pesar de la teatralidad "oscura y algo aterradora" del desfile. ^{[37] La ​​revista} Dazed lo llamó uno de los "desfiles visualmente más llamativos de McQueen en términos de sus looks de belleza". ^[24]

McQueen estuvo fascinado durante mucho tiempo por la conjunción de la religión y el sufrimiento femenino. La teórica Mélissa Diaby Savané citó a Joan como un ejemplo de cómo McQueen canalizó su interés en el sufrimiento religioso a través de una lente romántica que lo llevó a convertir los desfiles de moda prosaicos en arte escénico. ^[90] La historiadora de la indumentaria Edwina Ehrman comparó a Joan con la colección Otoño/Invierno 1999 de McQueen para Givenchy, la última de las cuales se inspiró en la pintura de 1833 La ejecución de Lady Jane Grey . Ambas colecciones "exploran el martirio femenino". ^[91] En un ensayo de 2023 sobre la influencia duradera que ha tenido Juana de Arco en la moda, la escritora Rosalind Jana identificó a Joan como la "mejor y más inquietante interpretación de la santa" de la industria, debido a la admiración de McQueen por su convicción y martirio y la desolación con la que presentó su imagen de ella. ^[92]

El estilo del desfile ha llamado la atención de la crítica por su yuxtaposición de agresión y feminidad, tanto en el uso de armaduras como en el estilo de las modelos. Una reseña contemporánea calificó las piezas de cota de malla como "un juego original con el tema sobrecargado". ^[86] La curadora Clare Phillips calificó las piezas de armadura como "una evocación digna del poder femenino". ^[47] Algunos escritores han comparado a las modelos con "serpientes satánicas". ^{[63] [89]} En un ensayo sobre el uso del maquillaje por parte de McQueen para subvertir las expectativas de feminidad, la teórica de la moda Janice Miller escribió que el look creaba un "ejército clonado de guerreras", haciendo una "declaración implacable, pero impactante, sobre la identidad femenina". Ella sintió que mostraba el interés de McQueen en las "vidas interiores" de las mujeres. ^[53] Escribiendo por separado, Bethune coincidió, argumentando que las modelos "parecían agresivas e intocables", y que su fuerza y ​​sexualidad "servían como contrapunto al asesinato de inocentes". ^[18] La historiadora de moda Ingrid Loschek consideró que el estilo utilizaba "el erotismo como símbolo de poder", representando a Joan como un soldado con un minivestido blindado o "o como una guerrera griega con el pecho medio descubierto". ^[93] Savané sugirió que el estilo andrógino y el uso de la armadura ejemplificaban el "tipo ideal de mujer" de McQueen, que es a la vez "fuerte y amenazante, vulnerable pero agresiva". ^[90]

Gran parte del análisis académico de la colección se basa en la suposición incorrecta de que las fotos impresas en varias de las prendas eran de los niños Romanov . ^{[a] [18] [36] [94]} Keith Lodwick, por ejemplo, afirmó que las impresiones presentan a la Gran Duquesa Anastasia Romanov , a quien llama una "influencia revolucionaria". Lodwick trazó una línea desde estos artículos hasta las chaquetas de inspiración militar de La niña que vivía en el árbol (otoño/invierno de 2008), argumentando que estas últimas estaban inspiradas en la "atmósfera revolucionaria de Los miserables ". ^[95] Susannah Brown, analizando la influencia que tuvo la fotografía en McQueen, sugirió que a menudo seleccionaba fotografías que serían provocativas o "probarían un punto político" y citó las imágenes de los supuestos niños Romanov como un ejemplo. ^[19] El sociólogo Henrique Grimaldi Figueredo escribió que la colección incluye "la reproducción de las fotografías de los asesinatos de los niños [Romanov]" como un ejemplo del tipo de "trauma fantástico" que McQueen explora. ^[96]

El final también ha generado muchos comentarios. Bethune creía que el final puede haber estado inspirado en parte por una fotografía de Richard Avedon de una serie llamada In Memory of the Late Mr and Mrs Comfort , publicada en The New Yorker en noviembre de 1995. ^[18] Una imagen de la serie muestra a una mujer vestida de rojo, con el rostro cubierto, rodeada de fuego. ^[97] La ​​teórica de la moda Caroline Evans argumentó que los desfiles de moda cada vez más teatrales de finales de los años 1990 sirvieron como "fantasmagoría": exhibiciones dramáticas que existían para ocultar los "mecanismos de trabajo subyacentes de la producción capitalista". Citó el final en llamas de Joan como ejemplo. ^[98]

En un análisis de las tendencias góticas de McQueen , Catherine Spooner señaló el "pasado renacido" como "la característica definitoria del gótico" y argumentó que McQueen "construye el pasado como un trauma gótico" a través de sus diseños. ^[99] Identificó a Joan y Dante como conteniendo representaciones de "trauma histórico" a través de las "fotografías serigrafiadas de los niños Romanov asesinados y de la Guerra de Vietnam" que aparecieron en estas respectivas colecciones. ^[94] Spooner consideró además que el final de Joan era una referencia gótica a dos "adolescentes perseguidos con poderes sobrenaturales" diferentes: el círculo en llamas hace referencia explícita a la quema de Juana de Arco, y de manera menos obvia, el vestido rojo con cuentas se parecía al vestido de fiesta cubierto de sangre de la escena central de la película Carrie (1976). ^[94]

El significado ambiguo del final ha sido objeto de mucho debate. Para Spooner, no está claro si la mujer del final de Joan está "alcanzando la trascendencia celestial o experimentando una resurrección demoníaca". ^[94] Bethune, también, vio el final como evidencia de violencia: para ella, el vestido rojo representaba "carne desollada", y las cuentas colgantes, "sangre goteando". ^[18] Aunque Wilcox sintió que el final reflejaba la crueldad de la muerte de Joan, sintió que la imagen insinuaba "su resurrección como mártir" y su santidad. ^[33] Andrew Wilson sintió que la mujer del final representaba a la "mujer común de McQueen: resistente, fuerte, una sobreviviente de horrores desconocidos". ^[100] Grimaldi Figueredo argumentó que el final de Joan incorporaba imágenes tanto sagradas como profanas y lo cita como un ejemplo de la estética de la abyección en la obra de McQueen. ^[96]

Nick Knight fotografió a McQueen con un peinado y maquillaje similares a los utilizados en este desfile para la edición de abril de 1998 de la revista The Face . Las fotos iban acompañadas de una carta escrita a mano por McQueen explicando las imágenes y dirigida a Juana de Arco. ^{[c] [102]} Tim Walker fotografió dos looks de la colección para la Vogue británica , incluido un vestido con el tartán rojo de McQueen. ^[103] En octubre de 2023, la actriz Taylor Russell fue fotografiada con un par de vestidos con capucha y flecos con cuentas (uno en negro y otro en rojo) diseñados por Sarah Burton para la marca Alexander McQueen , inspirados en el vestido final de Joan . ^[104]

La cantante estadounidense Lady Gaga usó el vestido de encaje rojo del Look 78 en los MTV Video Music Awards de 2009 , agregando una corona alta de encaje a juego de Haus of Gaga al look. ^[43] Después de su controvertida actuación de " Paparazzi ", que terminó con ella aparentemente sin vida, colgando de la muñeca y manchada de sangre, se cambió al conjunto McQueen para aceptar el premio a Mejor Artista Nuevo . ^[105] Más tarde explicó que el vestido "estaba destinado a ser una continuación de la actuación de los VMA. Entonces, después de que  ... la princesa había sido asesinada por los paparazzi, el encaje rojo estaba destinado a simbolizar una especie de martirio eterno". ^[106] Se recuerda como uno de los looks más memorables de Gaga. ^{[107] [108]} Nina Bo'nina Brown usó una versión casera del vestido de encaje rojo para una actuación en un episodio con temática de Lady Gaga de RuPaul's Drag Race en 2017. ^{[109] [110]}

El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York posee varios artículos de Joan , incluido el abrigo largo del Look 4, la chaqueta abotonada y la falda con cuentas del Look 42, la chaqueta negra ondulada y los pantalones de rayas rojas y negras del Look 74, y un conjunto no especificado. ^[115] El Museo Victoria y Alberto de Londres posee la chaqueta de rayas rojas y negras del Look 76. ^[116] La Galería Nacional de Victoria (NGV) en Australia posee varios artículos de Joan, incluido el Look 11, un vestido tubo gris, y el Look 55, un vestido rojo con cuentas. ^{[117] [118] [119]}

Varios artículos de Joan aparecieron en la exposición retrospectiva Alexander McQueen: Savage Beauty : la armadura del Look 8, la chaqueta negra del Look 42 y el vestido rojo de cuentas del Look 82, el final. ^[120] Una chaqueta de lentejuelas con una imagen impresa en blanco y negro de niños de la época victoriana de Joan apareció en la exposición de 2022 Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse . ^[36]

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• Colección Juana de Arco de Alexander McQueen otoño/invierno 1998 - #TBT con Tim Blanks en YouTube