Hunky Dory

Hunky Dory
Portada del Reino Unido (la portada original de EE. UU. no tiene título)
Álbum de estudio de David Bowie
Liberado	17 de diciembre de 1971 ( 17 de diciembre de 1971 )
Grabado	8 de junio – 6 de agosto de 1971
Estudio	Trident (Londres)
Género	Arte pop pop-rock
Longitud	41:50​​
Etiqueta	RCA
Productor	Ken Scott David Bowie
Cronología de David Bowie
El hombre que vendió el mundo (1970) Hunky Dory (1971) El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte (1972)
Solteros de Hunky Dory
" Cambios " / " Andy Warhol " Fecha de lanzamiento: 7 de enero de 1972 "¿ Vida en Marte? " Fecha de estreno: 22 de junio de 1973

Hunky Dory es el cuarto álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado en el Reino Unido el 17 de diciembre de 1971 a través de RCA Records . Después de un descanso de las giras y las grabaciones, Bowie se dedicó a escribir nuevas canciones, componiendo en piano en lugar de guitarra como en trabajos anteriores. Bowie reunió al guitarrista Mick Ronson , al bajista Trevor Bolder y al baterista Mick Woodmansey , y comenzó a grabar un nuevo álbum a mediados de 1971 en Trident Studios en Londres. Rick Wakeman contribuyó con el piano poco antes de unirse a Yes . Bowie coprodujo el álbum con Ken Scott , quien había sido el ingeniero de sonido de los dos discos anteriores de Bowie.

En comparación con el sonido hard rock impulsado por la guitarra de The Man Who Sold the World , Bowie optó por un estilo pop rock y art pop más cálido y melódico basado en el piano en Hunky Dory . Sus preocupaciones líricas en el disco van desde la naturaleza compulsiva de la reinvención artística en " Changes " hasta el ocultismo y la filosofía nietzscheana en " Oh! You Pretty Things " y " Quicksand "; varias canciones hacen referencias culturales y literarias. También se inspiró en su gira por los Estados Unidos para escribir canciones dedicadas a tres íconos estadounidenses: Andy Warhol , Bob Dylan y Lou Reed . La canción " Kooks " fue dedicada al hijo recién nacido de Bowie, Duncan . La portada del álbum, fotografiada en monocromo y posteriormente recoloreada, presenta a Bowie en una pose inspirada en las actrices de la Edad de Oro de Hollywood .

RCA ofreció poca promoción para Hunky Dory y su primer sencillo "Changes", temerosos de que Bowie transformara su imagen en breve. Por lo tanto, a pesar de las críticas muy positivas de la prensa musical británica y estadounidense, el álbum inicialmente se vendió mal y no llegó a las listas. Después del éxito comercial del álbum Ziggy Stardust de Bowie en 1972, Hunky Dory cosechó un renovado interés, con ventas que alcanzaron el número tres en la lista de álbumes del Reino Unido . Retrospectivamente, Hunky Dory ha sido aclamado por la crítica como uno de los mejores trabajos de Bowie, y aparece en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Dentro del contexto de su carrera, Hunky Dory es considerado el álbum donde "Bowie comienza a convertirse en Bowie", descubriendo definitivamente su voz y estilo. ^[1]

Después de que David Bowie completara su tercer álbum de estudio, The Man Who Sold the World , en mayo de 1970, se volvió menos activo tanto en el estudio como en el escenario. Su contrato con la editorial musical Essex había expirado y su nuevo manager Tony Defries enfrentaba desafíos contractuales previos. ^{[2] [3]} Bowie también se quedó sin una banda de acompañamiento, ya que los músicos de The Man Who Sold the World , incluido su productor y bajista Tony Visconti , el guitarrista Mick Ronson y el baterista Mick Woodmansey , se marcharon en agosto de 1970 debido a conflictos personales con el artista. ^{[2] [3] Después de escuchar una demo de "} Holy Holy " de Bowie , grabada en otoño de 1970, Defries firmó un contrato con Chrysalis , pero a partir de entonces limitó su trabajo con Bowie para centrarse en otros proyectos. Bowie, que se dedicaba a la composición de canciones, recurrió a su socio de Chrysalis, Bob Grace, a quien le encantó la demo de "Holy Holy" y posteriormente reservó tiempo en los estudios de Radio Luxembourg en Londres para que Bowie grabara sus demos. ^{[2] [4]} "Holy Holy", grabada en noviembre de 1970 y lanzada como sencillo en enero de 1971, fue un fracaso comercial. ^{[5] [6]}

The Man Who Sold the World fue lanzado en los Estados Unidos a través de Mercury Records en noviembre de 1970. ^[6] El álbum se vendió mal, pero le fue mejor tanto críticamente como comercialmente en los EE. UU. que en el Reino Unido. ^[3] Se reprodujo en las estaciones de radio estadounidenses con frecuencia y su "contenido de rock pesado" aumentó el interés en Bowie. ^[8] El éxito crítico del álbum impulsó a Mercury a enviar a Bowie en una gira radial promocional por los EE. UU. en febrero de 1971. ^[9] El viaje lo inspiró a escribir canciones tributo para tres íconos estadounidenses: el artista Andy Warhol , el cantautor Bob Dylan y la banda de rock Velvet Underground , más específicamente su cantante Lou Reed . ^{[7] [10]} Después de la gira, Bowie regresó a su apartamento en Haddon Hall, Beckenham , donde grabó muchos de sus demos de principios de la década de 1970, y comenzó a escribir. ^[11] Según su entonces esposa Angela , Bowie había pasado tiempo componiendo canciones en piano en lugar de guitarra acústica, lo que "infundiría el sabor del nuevo álbum". ^[3] En total, compuso más de tres docenas de canciones allí, muchas de las cuales aparecerían en Hunky Dory y su álbum siguiente The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars . ^[12] La primera canción que Bowie escribió para Hunky Dory fue " Oh! You Pretty Things " en enero de 1971. Después de grabar su demo en Radio Luxembourg, Bowie le dio la cinta a Grace, quien se la mostró a Peter Noone de Herman's Hermits . Noone decidió grabar su propia versión y lanzarla como su sencillo debut. ^{[3] [13]}

Lanzada en abril de 1971, la versión de Noone de «Oh! You Pretty Things» fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 12 en la lista de sencillos del Reino Unido . Fue la primera vez que la mayoría de los oyentes habían oído hablar de Bowie desde « Space Oddity » (1969). ^{[14] [9]} Noone le dijo a NME : «Mi opinión es que David Bowie es el mejor escritor de Gran Bretaña en este momento... sin duda el mejor desde Lennon y McCartney ». ^[15] Tras el éxito del sencillo, Defries intentó liberar a Bowie de su contrato con Mercury, ^{[2] [3]} que expiraba en junio de 1971. Defries sintió que Mercury no le había hecho justicia a Bowie económicamente. Aunque Mercury tenía la intención de renovarlo en mejores términos, Defries obligó al sello a rescindir el contrato en mayo amenazando con entregar un álbum de baja calidad. Luego, Defries pagó las deudas de Bowie con Mercury a través de Gem Productions, y el sello renunció a sus derechos de autor sobre David Bowie (1969) y The Man Who Sold the World . ^[3]

Después de que su efímera banda Arnold Corns se disolviera en febrero, Bowie regresó al estudio en mayo de 1971 para grabar su próximo álbum. ^[16] Llegó a la conclusión de que no podía hacer el proyecto sin Ronson, ^[3] quien se mostró entusiasmado cuando Bowie lo contactó por primera vez en nueve meses. Woodmansey regresó con Ronson, quien comenzó a buscar un bajista para reemplazar a Visconti. Ronson inicialmente sugirió a Rick Kemp , con quien Bowie había grabado a mediados de la década de 1960, pero Bowie no estaba impresionado con la audición de Kemp en Haddon Hall. Según algunos informes, según el biógrafo Nicholas Pegg , fue Defries quien rechazó a Kemp, debido a su "incipiente calvicie". ^[3] Ronson luego sugirió a su conocido Trevor Bolder , un ex peluquero y afinador de pianos que había visto previamente a Bowie en concierto en 1970 y conoció a Ronson en Haddon Hall. ^{[3] [16]} Después de que Bolder fuera contratado, el trío se reunió en Haddon para ensayar parte del nuevo material de Bowie, como la canción « Andy Warhol ». ^[3] Bowie y su nuevo trío de acompañamiento, que pronto se llamaría Spiders from Mars , tocaron por primera vez el 3  de junio en el programa de radio In Concert del DJ de la BBC John Peel . El set incluyó presentaciones de debut de varias canciones que Bowie había escrito recientemente, como « Queen Bitch », « Bombers », « Song for Bob Dylan » y «Andy Warhol». El título «Hunky Dory» también se anunció en esta sesión. ^{[16] [17]}

Bowie y los futuros Spiders comenzaron oficialmente a trabajar en el nuevo álbum en los estudios Trident en Londres el 8  de junio de 1971. ^[16] Ken Scott , quien había sido el ingeniero de los dos discos anteriores de Bowie, fue contratado para coproducir junto a él. ^[1] Scott aceptó el puesto como una forma de ganar experiencia, aunque en ese momento no creía que Bowie se convertiría en una gran estrella. ^[18] En su debut como productor, Scott tomaría prestados algunos de los sonidos acústicos de All Things Must Pass (1970) de George Harrison , un álbum que él mismo diseñó. ^{[3] [19]} Scott conservaría el papel de coproductor de los siguientes tres discos de Bowie: Ziggy Stardust , Aladdin Sane y Pin Ups . ^[10] Bowie le tocó demos a Scott y los dos eligieron cuáles se grabarían para el álbum. ^[19] El 8 de junio, la banda grabó «Song for Bob Dylan», ^[16] aunque según Pegg esta versión fue descartada y la versión lanzada no se grabó hasta el 23 de junio. ^[3] Scott recordó más tarde que la grabación fue muy rápida: «Casi todo se hizo en una sola toma». ^[16] Se sorprendió cuando él y los Spiders pensaron que una parte vocal o de guitarra necesitaba ser regrabada pero Bowie decía «No, espera, escucha», y cuando todo se tocaba simultáneamente sonaba perfecto. ^[19] Con respecto al talento de Bowie como vocalista, Scott afirmó: «Él era único. [Es] el único cantante con el que he trabajado donde prácticamente cada toma era una maestría». ^[18] Bolder describió la grabación con Bowie por primera vez como una «experiencia estresante», diciendo: «Cuando esa luz roja se encendió en el estudio fue, Dios, ¡en el fondo de qué!». ^[16] Como coproductor, Bowie se interesó activamente en el sonido y los arreglos del álbum, un cambio radical con respecto a su actitud generalmente pasiva durante las sesiones de Man Who Sold the World . ^{[2] [3]}  

El tecladista Rick Wakeman , conocido músico de sesión y miembro de los Strawbs , ^[3] toca el piano en el álbum; ^[19] anteriormente tocó el mellotron en David Bowie (1969). ^[20] En 1995 recordó que se reunió con Bowie a fines de junio de 1971 en Haddon Hall, donde escuchó demos de «Changes» y « Life on Mars? » en «su brillantez cruda... la mejor selección de canciones que he escuchado de una sola vez en toda mi vida... No podía esperar para entrar al estudio y grabarlas». ^[21] El piano que tocó Wakeman fue el mismo Bechstein de 1898 usado por Paul McCartney para « Hey Jude » y luego por Queen para « Bohemian Rhapsody ». ^[3] Según Wakeman, las primeras sesiones comenzaron mal porque la banda no se había aprendido las canciones. Recordó que Bowie tuvo que detener las sesiones, regañar a los músicos y regresar cuando supieran la música. Cuando volvieron después de una semana, Wakeman pensó que "la banda estaba buenísima. Eran muy buenos y las canciones fluían sin problemas". ^[3] Esta historia ha sido refutada por otros miembros de la banda, incluido Bolder, quien le dijo al biógrafo Kevin Cann: "Eso es una tontería. David nunca le habría dicho nada a la banda en el estudio. Especialmente porque Mick y Woody ya lo habían dejado una vez, y ahora todos se llevaban bien. La banda no habría sobrevivido a eso; definitivamente no sucedió". Scott sostuvo: "Definitivamente no recuerdo eso, y no es algo que olvidaría. Definitivamente lo discutiría". ^{[3] [21]}

Con Wakeman en la formación, el 9  de julio Bowie y su banda grabaron dos tomas de «Bombers» y «It Ain't Easy», esta última con coros de Dana Gillespie . Cinco días después, el grupo grabó cuatro tomas de « Quicksand », la última de las cuales aparece en el álbum terminado. ^[21] El 18  de julio, el grupo pasó el día ensayando y mezclando. Se llevaron a cabo más sesiones de mezcla entre el 21 y el 26  de julio para compilar un álbum promocional para Gem Productions. En este punto, las canciones «Oh! You Pretty Things», «Eight Line Poem», «Kooks», «Queen Bitch» y «Andy Warhol» ya habían sido grabadas; las mezclas de «Eight Line Poem» y «Kooks» en el álbum promocional diferían de las versiones finales en Hunky Dory . ^[21] Se grabaron dos tomas de « The Bewlay Brothers  » el 30 de julio, la segunda apareciendo en el álbum final; Fue grabado en una cinta que contenía versiones descartadas de «Song for Bob Dylan» y «Fill Your Heart». ^[21] El 6  de agosto, la banda grabó «Life on Mars?» y «Song for Bob Dylan», después de lo cual el proceso de grabación se consideró terminado. ^[a] Antes de que terminaran las sesiones, Bowie le preguntó a Wakeman si quería ser parte de Spiders from Mars. Wakeman se negó y se unió a la banda de rock progresivo Yes . ^[21]

Después del sonido hard rock de The Man Who Sold the World , Hunky Dory presenta un cambio estilístico de Bowie hacia el pop artístico y el pop rock melódico . ^[24] Las canciones son en su mayoría lideradas por el piano en lugar de la guitarra. ^[3] El biógrafo Marc Spitz cree que el piano incita una sensación más cálida en este disco en comparación con sus dos predecesores. ^[12] Christopher Sandford afirma que "las canciones [se] caracterizan por el ambiente exuberante establecido por la voz de Bowie y el piano" y, junto con Elton John y Phil Collins , ayudaron a crear música en el "continuo de escucha fácil". ^[25] Lior Phillips de Consequence of Sound escribió que las canciones son accesibles, tanto musicalmente como líricamente, lo que permite al oyente diseccionarlas una y otra vez. ^[26] El periodista musical Peter Doggett concuerda, considerando a Hunky Dory como "un colectivo de canciones pop atractivamente accesibles, a través del cual Bowie puso a prueba sus sentimientos sobre la naturaleza del estrellato y el poder". ^[27] Rick Quinn describió las canciones de PopMatters como una fusión de "pop británico, obras orquestales, art-rock , folk y baladas" que surgen para formar el glam rock . ^[28]

Robert Dimery, en su libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die , lo llama "una caja de juguetes de rarezas acústicas, tributos a héroes y surrealismo". ^[29] Stephen Thomas Erlewine de AllMusic lo describe como "una variedad caleidoscópica de estilos pop, unidos solo por el sentido de la visión de Bowie: una mezcla cinematográfica y arrolladora de arte alto y bajo, sexualidad ambigua, kitsch y clase". ^[30] Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock señala que es el primer disco de Bowie que incluye "una mezcla de pop, glam, arte y folk envuelto en una pose ambisexual que llegaría a definir al artista". ^[1] James Perone describe de manera similar el álbum como "una mezcla única de folk, pop, glam y rock progresivo" que distinguía a Bowie de otros músicos de la época. ^[31] Peter Ormerod de The Guardian escribe que la música de Hunky Dory celebra la "incertidumbre, el desarraigo, el caos interior, la diferencia, la alteridad, la duda y la impermanencia" y lo hizo con "belleza, estilo y carisma". ^[32]

El coro de "Cambios"

El estribillo de «Changes» muestra a Bowie tartamudeando la «ch» al principio de la palabra «changes». ^[19] La pista dirigida por el piano difiere ampliamente de la música que se encuentra en los trabajos anteriores de Bowie. ^[22]

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La canción de apertura, « Changes », está construida alrededor de un riff de piano distintivo. ^[22] La letra se centra en la naturaleza compulsiva de la reinvención artística y el distanciamiento de uno mismo de la corriente principal del rock. ^[19] El biógrafo David Buckley escribe que «fascinación extraña» es una frase que «encarna una búsqueda continua de lo nuevo y lo extraño». ^[19] Pegg resume la letra como Bowie «sosteniendo un espejo frente a su cara» justo cuando está a punto de alcanzar el estrellato. ^[33] Doggett señala que «Changes» es una «declaración de propósito»: como canción de apertura, la canción proporcionó un marcado contraste con el sonido de hard rock que se encuentra en su predecesora. La canción también era diferente a «Space Oddity» y su álbum original de 1969, sino más bien «pop puro, descaradamente melódico, alegremente comercial y maravillosamente melifluo». ^[22]

"Oh! You Pretty Things" fue la primera canción escrita para el álbum. ^[14] El estilo de piano ha sido comparado con " Martha My Dear " de los Beatles. ^{[19] [34]} La letra hace referencia a las enseñanzas del ocultista Aleister Crowley y su Golden Dawn y el filósofo Friedrich Nietzsche , particularmente con las líneas "el homo superior", "los dorados" y "el homo sapiens ha superado su uso". ^[19] "Homo Superior" se refiere a la teoría de Nietzsche del Übermensch , o "Superman". ^[14] La música en sí proporciona un contraste con los temas más oscuros. Doggett describe la interpretación vocal de Bowie como "bastante sencilla, presentada tan crudamente... que [es] casi inquietante". ^[35]

Diseñado para sonar como una "continuación" de la pista anterior, ^[22] "Eight Line Poem" es descrito por Pegg como la canción más "pasada por alto" del álbum. ^[36] Presenta a Bowie en un piano suave y esporádico mientras canta y una línea de guitarra con influencia country de Ronson. ^{[23] [36]} Exactamente ocho líneas de largo, ^[22] la letra describe una habitación donde un gato acaba de tirar un móvil giratorio y un cactus se sienta en una ventana. ^[37] Doggett cree que hay una metáfora entre el cactus y una pradera. ^[22] En el momento del lanzamiento del álbum, Bowie describió la canción como la ciudad que es "una especie de verruga de alta vida en la parte trasera de la pradera". ^[36]

Buckley describe " Life on Mars? " como una "balada cinematográfica y emotiva". ^[19] Aunque Bowie estaba obsesionado con convertirse en Ziggy Stardust en el momento de su grabación, la canción no tiene conexión con Marte en sí; el título era una referencia al frenesí mediático reciente de los Estados Unidos y la Unión Soviética compitiendo para llegar al planeta rojo. ^[22] La canción es una parodia de " My Way " del cantante Frank Sinatra ^[19] y usa la misma secuencia de acordes para sus primeros compases. Las notas escritas a mano en la contraportada dicen "Inspirada por Frankie". ^{[22] [38]} Como la mayoría de las canciones del álbum, "Life on Mars?" es principalmente dirigida por piano, pero presenta un arreglo de cuerdas de Ronson -su primero ^[38] - que Doggett describe como "gigantesco". ^[22] La voz de Bowie -grabada en una sola toma- se entrega apasionadamente durante el coro y casi nasalmente en los versos. ^{[19] [22]} Menciona a "la chica del pelo castaño rojizo", cuya identidad los comentaristas han debatido, ^{[b] [38]} y que según Greene "va al cine como un escape de la vida". ^[7]

Unos días después de que naciera su hijo Duncan Zowie Haywood Jones el 30 de mayo de 1971, Bowie completó " Kooks " y se la dedicó. Interpretada por Bowie ya el 3 de junio, la versión de Hunky Dory presenta un arreglo de cuerdas de Ronson y una trompeta tocada por Bolder. ^[39] "Kooks" es notablemente más ligera que las dos pistas entre las que está secuenciada pero, según Pegg, en última instancia "lleva un indicio de la preocupación [del álbum] por la compulsión de ficcionalizar la vida, ya que Bowie invita a su hijo a 'quedarse en la historia de nuestros amantes'". ^[39] Doggett escribe que su inclusión en Hunky Dory "aseguró su atractivo duradero entre aquellos que estaban menos fascinados por sus exploraciones de la política, la psicología y el ocultismo en otras partes del álbum". ^[40] En las notas escritas a mano en la funda del LP, Bowie escribió "Para Small Z". ^[23]

Según Pegg, "Quicksand" se inspiró en el viaje de Bowie a Estados Unidos en febrero de 1971. ^[41] Doggett afirma que la canción "fue escrita sobre la falta de inspiración y como un medio para acceder a ella". El escritor Colin Wilson escribió en The Occult (1971) que el pensamiento era una forma de arenas movedizas que permitía a la conciencia mantener al inconsciente fuera de su alcance, de lo que Doggett concluyó que " 'Quicksand' era la súplica de Bowie de buscar dentro de sí mismo para que le mostraran el camino". ^[22] A mediados de la década de 1970, Bowie describió la canción como "una mezcla de narrativa y surrealismo" y un "precursor" de la música de su álbum Low de 1977. A lo largo de la canción, Bowie hace numerosas referencias a Crowley y su Golden Dawn, Winston Churchill , Heinrich Himmler y los "superhombres" de Friedrich Nietzsche. ^{[22] [41]} "Quicksand" también evoca la espiritualidad a través de la mención de enseñanzas budistas como el bardo . ^[41] La pista instrumental presenta múltiples capas de guitarras acústicas una encima de la otra, ^[19] lo que se hizo por insistencia de Scott. ^[41]

"Fill Your Heart", escrita por Biff Rose y Paul Williams , es la única canción de Hunky Dory que no fue escrita por Bowie; ^[42] es su primera versión grabada en seis años. ^[43] Reemplazó a "Bombers" como la canción de apertura del lado dos al final del desarrollo del álbum. "Fill Your Heart" es una de las canciones más animadas del álbum, ^[42] y según Doggett es "prácticamente idéntica" a la versión original de Rose, aunque más "animada" y menos "swing". ^[44] El arreglo impulsado por piano difiere de las presentaciones en vivo de Bowie de la canción en 1970, cuando dominaba la guitarra acústica. Pegg escribe que la canción proporciona un "contrapunto convincente" a la "angustia" de "Quicksand" y las "advertencias de precaución" de "Changes" y es mejor recordada por el descanso de saxofón de Bowie, el arreglo de cuerdas de Ronson y el solo de piano de Wakeman. ^[42]

La canción "Andy Warhol" es un homenaje al artista, productor y director estadounidense Andy Warhol, ^[19] que había inspirado a Bowie desde mediados de la década de 1960 y fue descrito por él como "uno de los líderes" de "los medios de comunicación de las calles, los mensajes callejeros". ^[45] Originalmente escrita para la amiga de Bowie, Dana Gillespie, ^[46] la canción se basa en un riff tocado con dos guitarras acústicas que se parece mucho a la introducción de "Silent Song Across the Land" de Ron Davies . ^[47] La ​​letra enfatiza la creencia de Warhol de que la vida y el arte se difuminan. ^[45] La apertura de la canción presenta a Ken Scott diciendo "Esto es 'Andy Warhol', y es toma uno", solo para que Bowie corrija su pronunciación de "Warhol". ^{[12] [47]} Cuando Bowie conoció a Warhol en septiembre de 1971 y tocó la canción para él, Warhol la odió y salió de la habitación; Bowie recordó en 1997 que encontró el encuentro «fascinante» porque Warhol no tenía «nada que decir en absoluto, absolutamente nada». ^[47]

«Song for Bob Dylan» es una canción tributo al cantautor Bob Dylan. ^[19] Bowie la describió en su momento como «cómo algunos ven a BD», y su título es una parodia del tributo de Dylan de 1962 al cantante folk Woody Guthrie , « Song to Woody ». ^[48] A lo largo de la canción, Bowie se dirige a Dylan por su nombre real «Robert Zimmerman». ^[49] Pegg y Doggett creen que la canción resalta la lucha de Bowie con la identidad, desde su nombre real David Jones, hasta su nombre artístico David Bowie y, muy pronto, a Ziggy Stardust. ^{[48] [49]} La letra presenta específicamente a Dylan como si ya no fuera una figura heroica para la música rock, y exige que regrese a sus raíces y venga al rescate de los infieles. ^{[19] [48]} Según Doggett, Bowie la escribió inicialmente para su amigo George Underwood. ^[49] La música contiene cambios de acordes al estilo Dylan y el estribillo deriva de los títulos de dos canciones de Velvet Underground, «Here She Comes Now» y «There She Goes Again». Buckley escribe que la canción es «probablemente la más débil» del álbum y Pegg la considera «poco valorada». ^{[19] [48]}

La última canción de homenaje del álbum, "Queen Bitch", está inspirada en gran medida en la banda de rock Velvet Underground, específicamente en su cantante principal Lou Reed. ^[19] Las notas escritas a mano en la contraportada dicen: "algo de VU White Light regresó con agradecimiento". ^[50] A diferencia de la mayoría de las pistas del álbum, "Queen Bitch" está impulsada principalmente por la guitarra en lugar del piano, ^[50] y se caracteriza por ser glam rock y proto-punk . ^{[51] [52]} El coro canta sobre Bowie picando su "satin and tat" como una referencia a la bailarina Lindsay Kemp . Pegg afirma: "Parte del genio de 'Queen Bitch' es que filtra la picardía de Marc Bolan y Kemp a través de la actitud callejera de Reed: esta es una canción que logra hacer que la frase 'bipperty-bopperty hat' suene obscena y genial". ^[50] Daryl Easlea de BBC Music escribe que el sonido glam rock de la canción presagiaba la dirección que Bowie tomó en Ziggy Stardust . ^[53]

El cierre del álbum, "The Bewlay Brothers", fue una adición tardía y la única pista que no fue demo. ^[54] La instrumentación hace eco de la música de The Man Who Sold the World , con efectos de sonido "siniestros" y la voz de Bowie acompañada por la guitarra acústica de Ronson. ^{[19] [54]} La letra oscura de la canción ha causado confusión entre los biógrafos y fanáticos de Bowie. ^[22] Pegg la describe como "probablemente la grabación de Bowie más críptica, misteriosa, insondable y francamente aterradora que existe", ^[54] y Buckley la considera "uno de los momentos más inquietantes de Bowie en cinta, una encapsulación de una cualidad distante e indefinible de terror expresionista". ^[19] Muchos críticos han percibido que la pista tiene matices homoeróticos; Otros creían que se trataba de la relación de Bowie con su medio hermano esquizofrénico Terry Burns, lo que Bowie confirmó en 1977. ^[54] Buckley no está seguro de si este relato es ficticio o real. Algunas de las letras hacen referencia a otras pistas de Hunky Dory , incluidas «Song for Bob Dylan», «Oh! You Pretty Things» y «Changes». Bowie también usa la palabra «camaleón» en la canción, que se convirtió en un término de uso frecuente para describirlo. ^{[19] [54]}

La fotografía de la portada fue tomada por Brian Ward, quien fue presentado a Bowie por Bob Grace en el estudio de Ward en Heddon Street . Una idea inicial fue que Bowie se vistiera como un faraón , en parte inspirada por la fascinación de los medios con la nueva exhibición de Tutankamón del Museo Británico . ^[3] Según Pegg, se tomaron fotos de Bowie posando "como una esfinge y en una posición de loto" -una fue lanzada como parte de la reedición de Space Oddity en 1990- pero la idea finalmente fue abandonada. Bowie recordó: "No nos apresuramos, como dicen. Probablemente fue una buena idea". ^[3] Bowie optó por una imagen más minimalista que reflejara la "preocupación del álbum por la pantalla grande". Más tarde dijo: "Me gustaban los bolsos Oxford, y hay un par, de hecho, en la parte posterior del álbum. [Estaba intentando] lo que supuse que era una especie de look de Evelyn Waugh en Oxbridge". ^[3] La imagen final es un primer plano de Bowie mirando más allá de la cámara mientras se recoge el pelo. Pegg escribe que su pose estuvo influenciada por las actrices Lauren Bacall y Greta Garbo . ^[3] Originalmente tomada en monocromo, la imagen fue recoloreada por el ilustrador Terry Pastor, socio del estudio de diseño Main Artery de Covent Garden recientemente iniciado con George Underwood; Pastor luego diseñó la portada y la funda para Ziggy Stardust . Pegg escribe: "La decisión de Bowie de usar una foto recoloreada sugiere una tarjeta de vestíbulo coloreada a mano de los días del cine mudo y, simultáneamente, las famosas serigrafías del Díptico de Marilyn ^{de Warhol". [3]} Dimery escribe que Bowie llevó un libro de fotos que contenía múltiples impresiones de Marlene Dietrich a la sesión de fotos. ^{[29] [55]}

Aunque Bowie normalmente esperaba hasta el último momento posible para ponerle nombre a sus álbumes, el título "Hunky Dory" fue anunciado en la sesión de John Peel. Grace obtuvo la idea de un propietario de un pub de Esher . Le dijo a Peter y Leni Gillman, los autores de Alias ​​David Bowie , que el propietario tenía un vocabulario inusual que estaba impregnado de "jerga de clase alta" como "prang" y "whizzo" y "everything's hunky-dory". Grace se lo contó a Bowie, a quien le encantó. Pegg señala que había una canción de 1957 de la banda estadounidense de doo-wop Guytones también titulada "Hunky Dory" que también pudo haber jugado un papel. ^[3] Spitz afirma que "hunky-dory" es un término del argot inglés que significa que todo está bien en el mundo. ^[12] La portada original del Reino Unido presentaba el nombre de Bowie y el título del álbum; en los EE. UU., el título estaba impreso en una pegatina y colocado sobre el envoltorio translúcido. Según Cann, las primeras impresiones británicas estaban laminadas, lo que realzaba el color para crear un "acabado superior"; estas impresiones ahora son artículos de colección. La contraportada presentaba notas escritas a mano de Bowie sobre cada canción del álbum. ^[10] También llevaba el crédito "Producido por Ken Scott (con la ayuda del actor)" - el "actor" era el propio Bowie, cuya "presunción favorita", en palabras de los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray , era "pensarse a sí mismo como un actor". ^[56]

Unos meses después de haber rescindido el contrato de Bowie con Mercury, Defries presentó el recién grabado Hunky Dory a varios sellos en los EE. UU., incluido RCA Records de la ciudad de Nueva York . Defries le dijo a RCA que "no tenían nada desde los años cincuenta", pero que podían "ser dueños de los años setenta" si contrataban a Bowie. "Porque David Bowie va a rehacer la década, al igual que lo hicieron los Beatles en los años sesenta". ^[57] Su director, Dennis Katz, nunca había oído hablar de Bowie, pero reconoció el potencial de las canciones basadas en piano que Defries tocaba para él y firmó con el artista un contrato de tres discos el 9  de septiembre de 1971; RCA sería el sello de Bowie durante el resto de la década. ^{[58] [59]}

Hunky Dory fue lanzado en el Reino Unido el 17  de diciembre de 1971 a través de RCA. ^{[c] [1] [60] [63]} En ese momento, las sesiones de grabación de Ziggy Stardust ya estaban en marcha. ^[60] El lanzamiento del álbum fue respaldado por el sencillo «Changes» el 7  de enero de 1972. ^[23] El álbum recibió poca promoción de RCA debido a su inusual imagen de portada y una advertencia de que Bowie cambiaría su imagen para su próximo álbum. Pegg escribe que hubo desacuerdos sobre cuánto dinero se invirtió en el álbum y si Bowie era un «one-hit wonder no probado». ^[3] El director de marketing Geoff Hannington recordó en 1986: «Pronto supimos que estábamos en una situación en la que el artista iba a cambiar como un camaleón de vez en cuando». ^[60] Debido a esto, el álbum inicialmente se vendió mal y no logró entrar en la lista de álbumes del Reino Unido . ^[64] Según Sandford, el álbum apenas vendió 5.000 copias en el primer trimestre. ^[65]

Fue sólo después del gran éxito de Ziggy Stardust a mediados de 1972 que Hunky Dory se convirtió en un éxito comercial. Subió al número tres en el Reino Unido (dos lugares más arriba que Ziggy Stardust ), ^{[3] [66]} y permaneció en la lista durante 69 semanas. ^[67] Hunky Dory también alcanzó el puesto número 39 en el Kent Music Report en Australia. ^[68] Gallucci escribe que aunque el álbum no convirtió a Bowie en una estrella, "hizo que se notara", y el éxito de Ziggy Stardust ayudó a Hunky Dory a conseguir una audiencia más grande. ^[1] RCA lanzó "Life on Mars?" como sencillo el 22  de junio de 1973, ^[23] que también llegó al número tres en Gran Bretaña. ^[69] Una reedición devolvió el álbum a la lista del Reino Unido en enero de 1981, donde permaneció durante 51 semanas. ^[67]

Calificaciones profesionales retrospectivas

Revisar puntuaciones
Fuente	Clasificación
Toda la música	[30]
Licuadora	[70]
Tribuna de Chicago	[71]
Guía de discos de Christgau	A− [72]
Rock clasico	[73]
Enciclopedia de música popular	[74]
Horca	10/10 [75]
Piedra rodante	[76]
La guía de álbumes de la revista Rolling Stone	[77]
Girar	[78]
Guía de discos alternativos de Spin	9/10 [79]

Hunky Dory recibió críticas muy positivas de varias publicaciones británicas y estadounidenses. ^{[3] [56]} Melody Maker lo llamó "la pieza de composición más inventiva que haya aparecido en un disco en un tiempo considerable", mientras que Danny Holloway de NME lo describió como Bowie "en su mejor momento". ^{[3] [80]} Holloway agregó que "[ Hunky Dory es] un soplo de aire fresco en comparación con el LP de rock mainstream habitual de [1972]. Es muy posible que este sea el álbum más importante de un artista emergente en 1972, porque no sigue tendencias, las marca". ^[80] En los EE. UU., John Mendelsohn de Rolling Stone llamó al álbum "el álbum musicalmente más atractivo" de Bowie hasta ese momento y elogió su composición, particularmente su capacidad para transmitir ideas sin emplear "un aluvión de verborrea aparentemente inexpugnable". ^[81] Billboard le dio al álbum una crítica positiva, elogiándolo como "un debut fuerte para RCA, cargado con el tipo de atractivo Top 40 y FM que debería abrirlo paso en las listas. Material fuerte, propio, para la programación incluye 'Changes', 'Oh! You Pretty Things' y 'Life on Mars?'". ^[82]

Varios críticos elogiaron a Bowie como artista. El New York Times escribió que con Hunky Dory , Bowie se convirtió en "el hombre intelectualmente más brillante que haya elegido el álbum de larga duración como su medio de expresión", mientras que la revista Rock lo llamó "el artista más singularmente dotado que hace música hoy en día. Tiene el genio para ser para los años 70 lo que Lennon, McCartney, Jagger y Dylan fueron para los años 60". ^[83] En The Village Voice , Robert Christgau elogió a Bowie como "un cantante y compositor con cerebro, imaginación y una buena idea de cómo usar una consola de grabación", y al álbum "un tour de force de cambio rápido que es a la vez pegadizo y profundamente sentido". ^[84]

Hunky Dory ha seguido recibiendo elogios de la crítica y se considera uno de los mejores trabajos de Bowie. Muchos críticos han elogiado la composición de las canciones, y un escritor de Blender las ha calificado como algunas de las mejores que Bowie haya escrito jamás. ^[70] Otros, incluido Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock , han elogiado la amplia gama de géneros presentes en las canciones y su capacidad para combinarse a lo largo de ellas. ^[85] Erlewine escribió: "A primera vista, [tener] una gama tan amplia de estilos y sonidos haría que un álbum fuera incoherente, pero la composición mejorada de Bowie y su decidido sentido del estilo hicieron de Hunky Dory una piedra de toque para reinterpretar las tradiciones del pop en música pop fresca y posmoderna". ^[30] De manera similar, Greg Kot del Chicago Tribune describió el álbum como "la primera muestra del genio multifacético de Bowie". ^[71]

En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Hunky Dory fue votado como el segundo mejor álbum de Bowie, detrás de Ziggy Stardust . ^[86] Douglas Wolk de Pitchfork revisó la remasterización del álbum para el box set de 2015 Five Years 1969–1973 y le dio una calificación de 10 sobre 10, creyendo que las canciones estaban "dispersas pero eran espléndidas" y encontrando que la composición de Bowie era un "gran salto" con respecto a sus trabajos anteriores. ^[75] Otro escritor de Pitchfork , Ryan Schrieber, declaró: "El álbum no es de ninguna manera su lanzamiento más cohesivo, pero sigue siendo uno de los más encantadores y, sin lugar a dudas, uno de los mejores". ^[87] Tras la muerte de Bowie en 2016 , Rob Sheffield de Rolling Stone lo incluyó como uno de los álbumes esenciales de Bowie y escribió: " Hunky Dory fue el álbum en el que se atribuyó su condición de ego más alterado del rock & roll". ^[88]

Muchos biógrafos y críticos han coincidido en que Hunky Dory marcó el comienzo del éxito artístico de Bowie. Pegg escribe: « Hunky Dory se sitúa en la primera gran encrucijada de la carrera de Bowie. Fue su último álbum hasta Low que se presentó puramente como un artefacto sonoro en lugar de un vehículo para el elemento visual dramático con el que pronto se haría un nombre como intérprete». ^[3] Buckley señala que 1971 fue un año crucial para Bowie, el año en el que se convirtió en «una especie de agente provocador del arte pop ». ^[19] En una época en la que los músicos de rock buscaban tradiciones y estándares establecidos, Bowie buscó ser radicalmente diferente y desafiar la tradición, reinventándose una y otra vez, creando así nuevos estándares y convenciones. ^[19] Buckley añadió: «Su condición de disco casi fácil de escuchar y su sensibilidad musical convencional han restado valor al hecho de que, líricamente, este disco establece el modelo para la futura carrera de Bowie». ^[90] Spitz escribe que muchos artistas tienen "todo en su sitio" en este disco. "Para David Bowie, es Hunky Dory ". ^[12] El biógrafo Paul Trynka afirma que el disco marcó un "nuevo comienzo" para el artista y que tiene una "frescura" de la que carecían todos los álbumes de estudio anteriores de Bowie, principalmente porque al hacer sus álbumes anteriores, Bowie estaba trabajando para satisfacer a los ejecutivos discográficos. Al hacer Hunky Dory , Bowie estaba trabajando para satisfacerse a sí mismo, lo que se refleja en el disco. ^[18]

Daryl Easlea de BBC Music escribió que el álbum vio a Bowie encontrar su propia voz después de "buscar estilísticamente" durante casi una década y "finalmente demostró [su] enorme potencial al público oyente". ^[53] Schrieber afirmó: " Hunky Dory marcó el verdadero comienzo de lo que sería una de las carreras más exitosas en la música rock, generando millones de fanáticos terriblemente obsesivos". ^[87] De manera similar, Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock sostuvo que Hunky Dory es "donde Bowie comienza a convertirse en Bowie", presentando temas líricos y estilísticos que replicaría en futuros lanzamientos. Concluye que todos los futuros disfraces de Bowie comienzan a encontrar sus voces con Hunky Dory . ^{[1] Emily Barker} de NME lo llamó el "álbum más probado por el tiempo" de Bowie y escribió: "fue [sus] increíbles dones para escribir canciones en [el disco] lo que nos convenció de que fue irradiado desde las estrellas". ^[91] El escritor Colin Larkin lo llamó su álbum más "ecléctico" y sirvió como preparación para los cambios posteriores de Bowie en la dirección musical. ^[92] En 2016, Joe Lynch de Billboard argumentó que Hunky Dory proporcionó el "modelo" para los discos de indie pop lo-fi para los próximos 25 años, citando a Ariel Pink como un artista influenciado por el álbum. ^[52]

Muchos músicos han reconocido la influencia del álbum. En 1999, Dave Stewart de Eurythmics dijo: " Hunky Dory , me encanta el sonido que tiene. Todavía lo uso como una especie de punto de referencia". ^[3] En 2002, Boy George de Culture Club citó a Hunky Dory como el disco que cambió su vida, diciendo: "El álbum en su conjunto es tan inusual, tan alejado de todo lo que escuchaste en la radio. Es tan completo, todo encaja". ^[3] En una entrevista con Mojo en 2007, KT Tunstall declaró a Hunky Dory como su álbum favorito, diciendo: "Es el único disco en el que he experimentado un asombro total y asombroso por todo él porque esa sensación de estar perdido y ser llevado a otro lugar es muy fuerte". ^[3] En una entrevista con NME al año siguiente, Guy Garvey de Elbow reconoció a Hunky Dory como el álbum que más lo había influenciado. ^[3]

El álbum ha sido reeditado varias veces. Tras su lanzamiento en disco compacto a mediados de la década de 1980, ^[93] Hunky Dory fue reeditado por Rykodisc / EMI en 1990 con pistas adicionales, incluida la toma descartada "Bombers". ^[94] En 1999, el álbum original fue reeditado en CD a través de Virgin / EMI con sonido remasterizado digitalmente de 24 bits. ^[95] Esta edición fue reeditada en 2014 por Parlophone , después de haber adquirido el catálogo de Bowie propiedad de Virgin. ^[96] En 2015, el álbum fue remasterizado para el box set Five Years (1969–1973) . ^{[97] [98]} Fue lanzado en CD, vinilo y formatos digitales, tanto como parte de esta compilación como por separado. ^[99] En 2021, para celebrar el 50 aniversario del disco, Parlophone anunció una reedición en vinilo del álbum (remasterización de 2015), que se lanzó el 7 de enero de 2022. El anuncio coincidió con el lanzamiento digital de una nueva mezcla de "Changes" de Scott. ^[100] En noviembre de 2022, se lanzó una caja de varios discos centrada en Hunky Dory con el título Divine Symmetry: The Journey to Hunky Dory . La colección incluye demos caseras, sesiones de radio de la BBC, mezclas alternativas y otras grabaciones en vivo y de estudio de 1971. También incluye la remasterización de 2015, así como una versión "alternativa" de Hunky Dory , compuesta por mezclas alternativas; esta última se lanzó por separado en vinilo en febrero de 2023. ^[101] 

Hunky Dory ha aparecido con frecuencia en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos por múltiples publicaciones. En 1998, los lectores de la revista Q lo votaron como el 43.º mejor álbum de todos los tiempos; ^[102] en 2000, la misma revista lo colocó en el puesto número 16 en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia. ^[103] El álbum ocupó el puesto número 16 y el número 23 en las ediciones de 1998 y 2000 del libro All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin , respectivamente. ^{[92] [104]} En su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , Rolling Stone lo ubicó en el puesto número 107 en 2003, ^[105] en el número 108 en la lista revisada de 2012, ^[106] y en el número 88 en la lista revisada de 2020. ^[107] En 2004, Pitchfork clasificó al álbum en el puesto 80 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1970, un lugar por encima de Ziggy Stardust . ^[87] En el mismo año, VH1 lo colocó en el puesto 47 de su lista de los 100 mejores álbumes. ^[108] En 2010, la revista Time lo eligió como uno de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos, y el periodista Josh Tyrangiel elogió la "ambición terrenal de Bowie de ser un poeta bohemio con estilo pródigo". ^[109] El mismo año, Consequence of Sound clasificó al álbum en el puesto número 18 de su lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. ^[110] En 2013, NME clasificó al álbum en tercer lugar en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , detrás de Revolver de los Beatles y The Queen Is Dead de The Smiths . ^[91] En 2015, Ultimate Classic Rock lo incluyó en su lista de los 100 mejores álbumes de rock de la década de 1970. ^[111] Robert Dimery incluyó el álbum en su libro de 2005 1001 Albums You Must Hear Before You Die . ^[29]

Todas las canciones están escritas por David Bowie, excepto "Fill Your Heart", escrita por Biff Rose y Paul Williams . ^[112]

Lado uno

1. “ Cambios ” – 3:37
2. " ¡Oh, que cosas más bonitas sois !" – 3:12
3. "Poema de ocho líneas" – 2:55
4. ¿ Vida en Marte? – 3:43
5. " Chiflados " – 2:53
6. " Arenas movedizas " – 5:08

Lado dos

1. “Llena tu corazón” – 3:07
2. " Andy Warhol " – 3:56
3. " Canción para Bob Dylan " – 4:12
4. " La reina perra " – 3:18
5. " Los hermanos Bewlay " – 5:22

Créditos del álbum según las notas del álbum Hunky Dory y el biógrafo Nicholas Pegg, ^{[3] [112]} excepto donde se indique lo contrario.

• David Bowie  – voz, guitarra, saxofón alto y tenor , piano ("Oh! You Pretty Things", ^{[113] [114]} "Eight Line Poem" ^[23] )
• Mick Ronson  – guitarra, voz, mellotron , arreglos, grabadora ("Life on Mars?" ^[23] )
• Trevor Bolder  – bajo, trompeta
• Mick Woodmansey  – batería
• Rick Wakeman  – piano
• Ken Scott  – Sintetizador ARP (“Andy Warhol”) ^[23]

Producción

• Ken Scott – productor, ingeniero de grabación , ingeniero de mezcla
• David Bowie – productor
• Brian Ward – fotografía
• Terry Pastor – diseño de portada

• Hunky Dory en Discogs (lista de lanzamientos)