Bohemian Rhapsody

"Bohemian Rhapsody"
Ilustraciones para singles del Reino Unido y otros países europeos
Sencillo de Queen
del álbum Una noche en la ópera
Lado B	" Estoy enamorado de mi coche "
Liberado	31 de octubre de 1975 ( 31 de octubre de 1975 )
Grabado	24 de agosto–septiembre de 1975 [1] [2] [3]
Estudio	Rockfield , Monmouthshire Casa Redonda , Londres Sarm , Londres Estrecho de Escorpio , Londres Estrecho de Wessex , Londres
Género	Rock progresivo roca dura pop progresivo arte rock
Longitud	5:55​​
Etiqueta	EMI
Compositor(es)	Freddie Mercury
Productor(es)	Roy Thomas Baker Reina
Cronología de singles de Queen
" Ahora estoy aquí " (1975) " Rapsodia Bohemia " (1975) " Eres mi mejor amigo " (1976)
Vídeo musical
Bohemian Rhapsody en YouTube

« Bohemian Rhapsody » es una canción de la banda de rock británica Queen , lanzada como el primer sencillo de su cuarto álbum de estudio, A Night at the Opera (1975). Escrita por el cantante Freddie Mercury , la canción es una suite de seis minutos , ^[4] notable por su falta de un estribillo y que consta de varias secciones: una introducción , un segmento de balada , un pasaje operístico , una parte de hard rock y una coda reflexiva . ^[5] Es una de las pocas canciones de rock progresivo de la década de 1970 que ha demostrado ser accesible para una audiencia general. ^[6]

Mercury se refirió a Bohemian Rhapsody como una "ópera simulada" que resultó de la combinación de tres canciones que había escrito. Fue grabada por Queen y el coproductor Roy Thomas Baker en cinco estudios entre agosto y septiembre de 1975. Debido a la logística de grabación de la época, la banda tuvo que rebotar las pistas en ocho generaciones de cintas de 24 pistas, lo que significa que requirieron casi 200 pistas para las sobregrabaciones . La canción parodia elementos de la ópera con coros grandilocuentes, recitativos sarcásticos y frases operísticas italianas distorsionadas. Las referencias líricas incluyen Scaramouche , el fandango , Galileo Galilei , Fígaro y Belcebú , con gritos de " ¡Bismillah !".

Aunque la reacción crítica fue inicialmente mixta, las reseñas retrospectivas han aclamado a "Bohemian Rhapsody" como una de las mejores canciones de todos los tiempos, y a menudo se la considera la canción insignia de la banda . Al video promocional se le atribuye el mérito de promover el desarrollo del medio del video musical. ^{[7] [8]} Ha aparecido en numerosas encuestas de las mejores canciones de la música popular, ^[9] incluida una clasificación en el puesto número 17 en la lista de Rolling Stone de 2021 de las " 500 mejores canciones de todos los tiempos ". ^[10] Una encuesta de lectores de Rolling Stone clasificó la interpretación vocal de Mercury como la mejor en la historia del rock. ^[11]

«Bohemian Rhapsody» encabezó la lista de sencillos del Reino Unido durante nueve semanas (más otras cinco semanas después de la muerte de Mercury en 1991) y es el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido . También encabezó las listas en países como Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Irlanda y los Países Bajos, y ha vendido más de seis millones de copias en todo el mundo. En los Estados Unidos, la canción alcanzó el puesto número nueve en 1976, pero alcanzó un nuevo pico en el número dos después de aparecer en la película de 1992 Wayne's World . En 2004, la canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy . ^[12] Tras el lanzamiento de la película biográfica de 2018 Bohemian Rhapsody , se convirtió en la canción más reproducida del siglo XX. ^[13] En 2021, fue certificada como diamante en los EE. UU. por ventas/transmisiones digitales combinadas equivalentes a 10 millones de unidades, y es una de las canciones más vendidas de todos los tiempos .

Según el amigo de Mercury, Chris Smith (teclista de Smile ), Mercury comenzó a desarrollar "Bohemian Rhapsody" a fines de la década de 1960; Mercury solía tocar partes de canciones que estaba escribiendo en ese momento en el piano, y una de sus piezas, conocida simplemente como "The Cowboy Song", contenía letras que terminaron en la versión completa producida años después, en 1975, específicamente, "Mamá ... acaba de matar a un hombre". ^[15] El productor Roy Thomas Baker , que comenzó a trabajar con Queen en 1972, contó cómo Mercury una vez tocó la sección de balada de apertura en el piano para él en el piso de Mercury:

Tocó el principio en el piano, luego se detuvo y dijo: "¡Y aquí es donde entra la parte de ópera!". Después salimos a cenar.

El guitarrista Brian May dijo que la banda pensó que el plan de Mercury para la canción era "intrigante y original, y digno de trabajar". ^[16] Según May, gran parte del material de Queen fue escrito en el estudio, pero esta canción "estaba toda en la mente de Freddie" antes de que comenzaran. ^[17]

Queen pasó un mes ensayando en Ridge Farm Studio en Surrey a mediados de 1975, y el baterista Roger Taylor recordó que «Bohemian Rhapsody» fue una de las canciones en las que la banda trabajó mientras estuvieron allí. ^[18] La grabación comenzó el 24 de agosto de 1975 en Rockfield Studio 1 cerca de Monmouth , Gales del Sur , después de un ensayo de tres semanas en Penrhos Court , cerca de Kington, Herefordshire . Durante la realización de la canción, se utilizaron cuatro estudios adicionales: Roundhouse , Sarm Studios , Scorpio Sound y Wessex Sound Studios . ^[19] Según algunos miembros de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción de antemano y dirigió a la banda durante todo el proceso. ^[17]

Mercury utilizó un piano de cola de concierto C. Bechstein , que tocó en el vídeo promocional y en la gira por el Reino Unido. Debido a la naturaleza elaborada de la canción, se grabó en varias secciones. ^[20] El piano supuestamente era el mismo que Paul McCartney había usado para grabar la canción de los Beatles " Hey Jude ", ^[4] así como el mismo que Rick Wakeman usó en el álbum Hunky Dory de David Bowie de 1971. ^{[21] [ dudoso – discutir ]}

Baker recordó en 1999:

“Bohemian Rhapsody” fue una locura total, pero disfrutamos cada minuto de ella. Era básicamente una broma, pero una broma exitosa. [risas] Tuvimos que grabarla en tres unidades separadas. Hicimos toda la parte del principio, luego toda la parte del medio y luego todo el final. Fue una locura total. La parte del medio comenzó siendo solo un par de segundos, pero Freddie siguió viniendo con más “Galileos” y seguimos agregando a la sección de ópera, y se hizo cada vez más grande. Nunca dejamos de reírnos... Comenzó como una balada, pero el final fue pesado. ^[22]

Según se informa, May, Mercury y Taylor cantaron sus partes vocales continuamente durante 10 a 12 horas al día. ^[17] La ​​pieza completa tardó tres semanas en grabarse, y en algunas secciones contó con 180 sobregrabaciones . ^[20] En múltiples entrevistas, May recordó cómo las sobregrabaciones vocales de Mercury eran tan exquisitamente precisas que creaba un efecto de fase natural . ^{[23] [24]}

Como los estudios de la época sólo ofrecían cintas analógicas de 24 pistas, fue necesario que los tres se sobregrabaran muchas veces y "rebotasen" estas grabaciones hasta obtener submezclas sucesivas . Al final, se utilizaron cintas de octava generación. ^[19] Las distintas secciones de cinta que contenían las submezclas deseadas tuvieron que ser empalmadas (cortadas y ensambladas en la secuencia correcta). May recordó haber colocado una cinta frente a la luz y poder ver a través de ella, ya que la cinta había sido utilizada tantas veces. ^[25]

En 1977, Taylor contó una historia similar sobre las elaboradas sobregrabaciones y submezclas de «The March of The Black Queen» para el álbum Queen II . En ese momento, la banda utilizaba un equipo de 16 pistas. ^[26]

El productor Baker recuerda que el solo de May se hizo en una sola pista en lugar de grabar varias pistas. May afirmó que quería componer "una pequeña melodía que fuera una contraparte de la melodía principal; no quería simplemente tocar la melodía". El guitarrista dijo que su mejor material surge de esta forma de trabajar, en la que pensaba en la melodía antes de tocarla: "Los dedos tienden a ser predecibles a menos que los guíe el cerebro". ^[17] Según Baker,

... el final de la canción era mucho más pesado porque fue una de las primeras mezclas que se hicieron con automatización ... Si la escuchas con atención, la balada comienza limpia y, a medida que la sección de ópera se hace cada vez más fuerte, las voces se distorsionan cada vez más. Todavía puedes escuchar esto en el CD. Están claramente distorsionadas. ^[22]

En mayo de 2023, un borrador manuscrito temprano desenterrado de una subasta de artículos que pertenecían a Mercury, cortesía de su amiga Mary Austin, reveló que Mercury originalmente consideró que la canción se titularía "Mongolian Rhapsody". Se explicó que escribió el título junto con la letra en 1974 en una página de papelería de la extinta aerolínea British Midland Airways , pero tachó la palabra "Mongolian" en lugar de "Bohemian". ^[27]

"Bohemian Rhapsody" ha sido afiliada a los géneros de rock progresivo (a veces llamado rock sinfónico), ^{[6] [28] [29]} hard rock , ^{[30] [31]} art rock , ^[32] y pop progresivo . ^[33] La canción es muy inusual para un sencillo popular al no tener estribillo, combinar estilos musicales dispares y contener letras que evitan las narrativas convencionales basadas en el amor y, en cambio, hacen alusiones al asesinato y al nihilismo . ^[5]

La estudiosa de música Sheila Whiteley sugiere que "el título se inspira fuertemente en la ideología del rock contemporáneo, el individualismo del mundo de los artistas bohemios , con una rapsodia que afirma los ideales románticos del rock artístico". ^[34] Al comentar sobre la bohemia, Judith Peraino dijo:

Mercury pretendía que [esta canción] fuera una 'ópera simulada', algo fuera de la norma de las canciones de rock, y sigue una cierta lógica operística: coros de voces multipista se alternan con solos tipo aria , las emociones son excesivas, la trama confusa. ^[35]

Bohemian Rhapsody comienza con una introducción, luego pasa a una balada de piano, antes de que un solo de guitarra conduzca a un interludio operístico. A continuación, una parte de hard rock y concluye con una coda. La canción está en las tonalidades de si bemol mayor , mi bemol mayor , la mayor y fa mayor , y está predominantemente en⁴
₄Este formato musical de escribir una canción como una suite con cambios de estilo, tono y tempo a lo largo de ella era poco común en la mayoría de la música pop y rock convencional , pero común en el rock progresivo , un género que había alcanzado su cenit artístico y comercial entre 1970 y 1975 en la música de bandas británicas como Jethro Tull , Yes , Genesis , Emerson, Lake & Palmer , Gentle Giant , Van der Graaf Generator y Curved Air . ^[36] La música del rock progresivo se caracterizaba por contrastes dramáticos, cambios frecuentes en el tempo y en el carácter rítmico de una sección de una composición a la siguiente. ^[37] Las bandas del género mezclaban el rock con la música clásica , incluidas sus características estructurales, prácticas de composición e instrumentación. ^[38] Queen había adoptado el rock progresivo como una de sus muchas influencias diversas. ^[39]

"Bohemian Rhapsody" parodia muchos elementos diferentes de la ópera mediante coros grandilocuentes, recitativos sarcásticos y frases operísticas italianas distorsionadas. ^[40] Una versión embrionaria de este estilo ya se había utilizado en las composiciones anteriores de Mercury para " My Fairy King " (1973) y " The March of the Black Queen " (1974) de la banda.

La canción comienza con una introducción a capela en armonía de cinco partes en si  bemol mayor , como lo demuestra la presencia de una cadencia V-I (F7-B ♭ ), grabaciones multipista de Mercury, aunque el video tiene a los cuatro miembros haciendo playback en esta parte. La letra cuestiona si la vida es "real" o "solo una fantasía atrapada en un deslizamiento de tierra " antes de concluir que "no puede haber escape de la realidad". La sección está casi completamente en compás de 4/4, con la excepción de los compases 3 ("Caught in a landslide, no es—") y 9 ("I need no sympathy, because I'm") que cambian a compás de 5/4, para luego regresar a 4/4 después.

Después de 20 segundos, entra el piano de cola, la canción modula brevemente a Mi bemol  mayor a través de otra cadencia perfecta (Si bemol 7–Mi bemol ) y la voz de Mercury se alterna con las otras partes vocales. El narrador se presenta como "solo un chico pobre", pero declara que "no necesita compasión" porque es "fácil de venir, fácil de ir" y luego "un poco alto, un poco bajo" (cuando se escucha en estéreo , las palabras "un poco alto" vienen del altavoz izquierdo y "un poco bajo" viene del derecho, el otro altavoz respectivo toca el piano al mismo tiempo); el deslizamiento lateral cromático en "fácil de venir, fácil de ir" resalta la atmósfera de ensueño. El final de esta sección está marcado por la entrada del bajo y el vampiro del piano cruzado en Si bemol .

"Mamá, acaba de matar a un hombre"

Esta muestra presenta la distintiva frase de piano en si bemol y la primera línea del primer verso.

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El piano comienza en si bemol  mayor junto con la entrada del bajo de John Deacon , marcando el inicio de esta sección. Después de que suene dos veces, entra la voz de Mercury. A lo largo de la sección, la voz evoluciona desde una armonía cantada suavemente hasta una interpretación solista apasionada de Mercury. El narrador le explica a su madre que "acaba de matar a un hombre", con "una pistola contra la cabeza [del hombre]" y que, al hacerlo, ha tirado su vida a la basura. Esta sección "confesional", comenta Whiteley, es "afirmativa de la fuerza nutritiva y vivificante de lo femenino y la necesidad de absolución". ^[34] En medio del verso (1:19), entran los tambores de Taylor y una carrera cromática descendente conduce a una modulación temporal a mi bemol mayor (una cuarta más alta). El narrador hace la segunda de varias invocaciones a su "mamá" en la nueva tonalidad, continuando el tema original. El narrador explica su arrepentimiento por haberte "hecho llorar" e insta a "mamá" a "seguir adelante como si nada realmente importara". Una breve variación descendente de la frase de piano conecta con el segundo verso.

Luego suena la introducción de piano, que marca el comienzo del segundo verso. A medida que la balada avanza hacia el segundo verso, el narrador confiesa lo avergonzado que está por su acto de asesinato (mientras May entra con la guitarra e imita el registro superior del piano en 1:50). May imita un árbol de campanas durante la línea "sends shivers down my spinal", tocando las cuerdas de su guitarra al otro lado del puente. El narrador se despide del mundo anunciando que "tiene que irse" y se prepara para "enfrentar la verdad" admitiendo "No quiero morir / A veces desearía no haber nacido nunca". Aquí es donde entra el solo de guitarra.

Hacia el final de la sección de baladas, la banda aumenta su intensidad e incorpora un solo de guitarra (en mi bemol  mayor) interpretado y compuesto por Brian May. La intensidad sigue aumentando, pero una vez que la línea de bajo completa su descenso y establece la modulación hacia la nueva tonalidad (la mayor), toda la banda se corta abruptamente en 3:03, excepto por los acordes de piano en corchea (corchea) de la mayor , que marcan el comienzo de la sección "Ópera".

"Scaramouche, Scaramouche, ¿harías el fandango?"

El segmento operístico entra inmediatamente cuando el solo de May concluye abruptamente. Este gran cambio de estilo es solo un ejemplo de cómo la canción cambia rápidamente a lo largo de su duración.

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Una rápida serie de cambios rítmicos y armónicos introduce una sección intermedia pseudo-operística, que contiene la mayor parte de la elaborada multipista vocal, que representa el descenso del narrador a los infiernos. Si bien se mantiene el pulso subyacente de la canción, la dinámica varía mucho de un compás a otro, desde solo la voz de Mercury acompañada por un piano hasta un coro de múltiples voces respaldado por batería, bajo, piano y timbales . El efecto de coro se creó haciendo que May, Mercury y Taylor cantaran repetidamente sus partes vocales, lo que resultó en 180 sobregrabaciones separadas. Estas sobregrabaciones luego se combinaron en submezclas sucesivas. Según Roger Taylor, las voces de May, Mercury y él mismo combinadas crearon un amplio rango vocal: "Brian podía bajar bastante, Freddie tenía una voz poderosa en el medio y yo era bueno en las partes altas". La banda quería crear "un muro de sonido , que comienza hacia abajo y sube hasta el final". ^[17] La ​​banda usó el efecto de campana para las letras "Magnifico" y "Let me go". Además, en "Let Him Go", Taylor canta la sección superior y continúa con su nota después de que el resto del "coro" haya dejado de cantar.

Las referencias líricas en este pasaje incluyen a Scaramouche , el fandango , Galileo Galilei , Fígaro y Belcebú , con gritos de " ¡Bismillah ! [árabe: "¡En el nombre de Dios!"] ¡No te dejaremos ir!", mientras facciones rivales luchan por su alma, algunas deseando "dejarlo ir" y "perdonarle la vida de esta monstruosidad", mientras que otras le envían "rayos y relámpagos, muy, muy aterradores [para él]". En Freddie Mercury: The Definitive Biography , Lesley-Ann Jones teoriza que también es una representación figurativa de los cuatro miembros: Mercury, May, Taylor y Deacon respectivamente. La sección concluye con un tratamiento coral completo de la letra "¡Belcebú tiene un demonio apartado para mí!", en un acorde de bloque B ♭ mayor . Roger Taylor remata el acorde final con un falsete Si ♭ en la quinta octava (Si ♭ 5).

Con la tecnología de 24 pistas disponible en ese momento, la sección de "ópera" tardó unas tres semanas en terminarse. ^[16] Baker dijo: "Cada vez que Freddie se le ocurría otro Galileo , yo añadía otro trozo de cinta al carrete". ^[19] Baker recuerda que seguían gastando la cinta, lo que significaba tener que hacer transferencias. ^[16]

La sección operística conduce a un interludio de rock con un riff de guitarra escrito por Mercury. A las 4:15, Mercury, con cuatro pistas (en estéreo, las cuatro partes están panoramizadas, dos a la izquierda y dos a la derecha), canta una letra furiosa dirigida a un "tú" no especificado, acusándolos de traición y abuso e insistiendo en "no puedes hacerme esto, nena", antes de que las líneas finales concluyan que el cantante "simplemente tengo que salir de aquí" sin especificar. Siguen tres líneas ascendentes de guitarra. Luego, Mercury toca una línea similar en si bemol en el piano, mientras la canción se va construyendo hasta el final con un ritardando .

Después de que Mercury toca octavas ascendentes de notas del modo mixolidio B ♭ (compuesto por las notas de la escala E ♭ ), la canción vuelve al tempo y la forma de la introducción, inicialmente en E ♭  mayor, antes de modular rápidamente a Do menor , solo para pasar pronto por una serie corta y abrupta de modulaciones, llevándola de nuevo a Do menor de nuevo a tiempo para la sección final "nothing really matters". Una guitarra acompaña el estribillo "ooh, ooh yeah, ooh yeah". Se toca una melodía de guitarra doble de doble pista a través de un amplificador diseñado por John Deacon, apodado cariñosamente " Deacy Amp ". La línea de Mercury "Nothing really matters ..." aparece de nuevo, "acunada por ligeros arpegios de piano que sugieren tanto resignación (tonalidades menores) como una nueva sensación de libertad en el amplio espectro vocal". ^[41] Después de que la línea "nada realmente importa" se repite varias veces, la canción finalmente concluye en la tonalidad de mi bemol  mayor, pero luego cambia nuevamente a fa mayor justo antes de terminar. La línea final, "De cualquier manera que sople el viento", es seguida por el sonido suave de un gran tam-tam que finalmente expulsa la tensión acumulada a lo largo de la canción.

El New York Times comentó que "la característica más distintiva de la canción es la letra fatalista". Mercury se negó a explicar su composición más allá de decir que trataba sobre relaciones; la banda aún protege el secreto de la canción. ^[16] Brian May apoya las sugerencias de que la canción contenía referencias veladas a los traumas personales de Mercury. Recuerda que "Freddie era una persona muy compleja: frívolo y divertido en la superficie, pero ocultaba inseguridades y problemas para conciliar su vida con su infancia. Nunca explicó la letra, pero creo que puso mucho de sí mismo en esa canción". ^[42] May, sin embargo, dice que la banda había acordado que el núcleo de una letra era un asunto privado para el compositor. ^[16] En un documental de BBC Three sobre la realización de "Bohemian Rhapsody", Roger Taylor sostiene que el verdadero significado de la canción es "bastante autoexplicativo con solo un poco de tonterías en el medio". ^[17]

A pesar de esto, los críticos, tanto periodísticos como académicos, han especulado sobre el significado detrás de la letra de la canción. Algunos creen que la letra describe a un asesino suicida acosado por demonios o describe eventos que preceden a una ejecución. La última explicación apunta a la novela de Albert Camus El extranjero , en la que un joven confiesa un asesinato impulsivo y tiene una epifanía antes de ser ejecutado, como probable inspiración. Cuando la banda lanzó un casete de Grandes éxitos en Irán, se incluyó un folleto en persa con traducción y explicaciones. ^[44] En la explicación, Queen afirma que "Bohemian Rhapsody" trata sobre un joven que ha matado accidentalmente a alguien y, como Fausto , vendió su alma al diablo. La noche antes de su ejecución, invoca a Dios diciendo " Bismillah " ("En el nombre de Dios" en árabe), y con la ayuda de los ángeles, recupera su alma de Shaitan (el diablo en árabe). ^[45]

Otros críticos interpretaron la letra como la forma de Mercury de lidiar con problemas personales. ^[16] La estudiosa de música Sheila Whiteley observa que Mercury alcanzó un punto de inflexión en su vida personal en el año en que escribió Bohemian Rhapsody. ^[34] Había estado viviendo con Mary Austin durante siete años, pero acababa de embarcarse en su primera relación amorosa con un hombre. Ella sugiere que la canción proporciona una idea del estado emocional de Mercury en ese momento, "viviendo con Mary ('Mamma', como en Mother Mary ) y queriendo separarse ('Mamma mia let me go')". ^[41] Otros lo sugieren como una referencia velada a salir del armario y lidiar con las repercusiones de las leyes de sodomía de la época. ^[46] Además, la canción puede interpretarse como proveniente de la perspectiva de una persona en el corredor de la muerte , reflexionando sobre su vida y preparándose para sus últimos momentos.

Otros creen que la letra fue escrita únicamente para encajar con la música y no tenía un significado intencionado; el DJ , animador de televisión y comediante Kenny Everett , que jugó un papel influyente en la popularización del sencillo en su programa de radio en Capital Radio , citó a Mercury afirmando que la letra era simplemente "una tontería con rimas aleatorias". ^[42]

Cuando la banda quiso lanzar el sencillo en 1975, varios ejecutivos les sugirieron que debido a su duración de 5 minutos y 55 segundos, era demasiado largo y nunca sería un éxito. ^[47] Mercury comentando sobre la duración de la canción:

Tenía un factor de riesgo muy grande. A las radios no les gustó mucho al principio porque era demasiado largo y las compañías discográficas dijeron que no se podía comercializar de esa manera, y después de que prácticamente había juntado las tres canciones, querían que las cortara de nuevo, así que les dije que de ninguna manera. Dijeron que nadie la tocaría, que era demasiado larga y yo simplemente dije que o salía entera o no salía. Así que era un gran riesgo, o iba a ser un gran fracaso porque nadie la tocaría o pasaría algo y, afortunadamente, se convirtió en un gran éxito. ^[48]

La canción fue tocada ante otros músicos que comentaron que la banda no tenía esperanzas de que alguna vez fuera tocada en la radio. ^[17] Según Baker, él y la banda pasaron por alto esta evaluación corporativa al tocar la canción para Everett:

"Teníamos una copia en formato magnetofónico, pero le dijimos que sólo podría tenerla si prometía no ponerla. 'No la pondré', dijo, guiñándome un ojo..." ^[19]

El plan funcionó: Everett tentó a sus oyentes tocando solo partes de la canción. La demanda de la audiencia se intensificó cuando Everett tocó la canción completa en su programa 14 veces en 2 días. ^[16] Hordas de fanáticos intentaron comprar el sencillo el lunes siguiente, solo para que las tiendas de discos les dijeran que aún no había sido lanzado. ^[19] El mismo fin de semana, Paul Drew, quien dirigía las estaciones RKO General en los EE. UU., escuchó la canción en el programa de Everett en Londres. Drew logró obtener una copia de la cinta y comenzó a reproducirla en los EE. UU., lo que obligó a la mano del sello estadounidense de Queen, Elektra Records . En una entrevista con Sound on Sound , Baker observó que "era una situación extraña en la que la radio en ambos lados del Atlántico estaba rompiendo un récord que las compañías discográficas dijeron que nunca se transmitiría". ^[19]

Finalmente, se lanzó el sencillo sin editar, con "I'm in Love with My Car" como lado B. Después de la escapada de Everett en octubre de 1975, Eric Hall , un promotor de discos, le dio una copia a David "Diddy" Hamilton para que la reprodujera en su programa diario en Radio One. Hall declaró: "¡Monstruo, monstruo! ¡Esto podría ser un éxito!" ^[49]

La canción se convirtió en el número uno de Navidad en el Reino Unido en 1975 , y se mantuvo en la primera posición durante nueve semanas. ^[41] «Bohemian Rhapsody» fue la primera canción en llegar al número uno en el Reino Unido dos veces con la misma versión, ^[50] y también es el único sencillo que ha sido número uno en Navidad dos veces con la misma versión. La segunda fue tras su relanzamiento (como sencillo de doble cara A con « These Are the Days of Our Lives ») en 1991, tras la muerte de Mercury , permaneciendo en el número uno durante cinco semanas. ^[51] La versión reeditada vendió 673.000 copias en 1991 en el Reino Unido. ^[52]

En Estados Unidos, el sencillo también fue un éxito, aunque inicialmente en menor medida que en el Reino Unido. El sencillo, lanzado en diciembre de 1975, alcanzó el puesto número nueve en el Billboard Hot 100 y fue certificado oro por la Recording Industry Association of America por las ventas de un millón de copias. ^[53]

En un artículo retrospectivo, Anthony DeCurtis de Rolling Stone explicó por qué la canción tuvo un desempeño menos fuerte en las listas de éxitos de Estados Unidos al decir que es "el ejemplo por excelencia del tipo de cosas que no funcionan exactamente bien en Estados Unidos". ^[17] Sin embargo, su permanencia en las listas durante 24 semanas la colocó en el puesto número 18 en la lista de fin de año de Billboard , más alto que algunos números 1 del año. ^[54] Con el público canadiense que compra discos, el sencillo tuvo mejor desempeño, alcanzando el número uno en la lista nacional de sencillos de RPM para la semana que terminó el 1 de mayo de 1976. ^[55]

En Estados Unidos, Bohemian Rhapsody fue reeditada como un sencillo en casete con doble cara A junto con The Show Must Go On en enero de 1992, dos meses después de la muerte de Freddie Mercury, y las ganancias se destinaron a la Magic Johnson Foundation para la investigación del sida. La canción volvió a ingresar en la lista Billboard Hot 100 después de 16 años, alcanzando el puesto número dos y permaneciendo 17 semanas en la lista. ^[56] Después del lanzamiento de la película biográfica de Queen que lleva el nombre de la canción , volvió a ingresar a las listas por tercera vez en el puesto número 33, marcando 26 años desde la última vez que apareció en las listas. ^[57]

En marzo de 2021 fue certificado Diamante (10× platino) en los EE. UU. por ventas digitales combinadas y reproducciones equivalentes a 10 millones de unidades. ^{[58][actualizar]} Había vendido 4,4 millones de copias digitales en los EE. UU . hasta septiembre de 2017. ^[59]

Aunque algunos artistas habían hecho videoclips para acompañar canciones (incluido el propio Queen; por ejemplo, sus sencillos anteriores « Keep Yourself Alive », « Liar », « Seven Seas of Rhye » y « Killer Queen » ya tenían «promociones pop», como se los conocía en ese momento), fue solo después del éxito de «Bohemian Rhapsody» que se convirtió en una práctica habitual para las compañías discográficas producir videos promocionales para los lanzamientos de sencillos de los artistas. ^[60] The Guardian afirmó que «garantizó que los videos serían de ahora en adelante una herramienta obligatoria en el marketing de la música». ^[8] Estos videos podrían luego mostrarse en programas de televisión de todo el mundo, como Top of the Pops de la BBC , sin la necesidad de que el artista apareciera en persona. Un video promocional también le permitió al artista tener su música transmitida y acompañada de su propia elección de visuales en lugar de bailarines como People de Pan . Según May, el video fue producido para que la banda pudiera evitar hacer mímica en Top of the Pops , ya que se habrían visto mal haciendo mímica para una canción tan compleja. ^[42] También dijo que la banda sabía que aparecerían en el Caird Hall de Dundee durante la gira, una fecha que coincidía con el programa, por lo que una promoción resolvería el problema. ^[17] El video ha sido aclamado como el lanzamiento de la era MTV . ^{[17] [61]}

La banda utilizó Trillion, una subsidiaria de Trident Studios , su antigua compañía de gestión y estudio de grabación. Alquilaron uno de sus camiones y lo llevaron a Elstree Studios en Hertfordshire, donde la banda estaba ensayando para su gira. El video fue dirigido por Bruce Gowers , quien había dirigido un video de la actuación de la banda en 1974 en el Rainbow Theatre de Londres, y fue grabado por el camarógrafo Barry Dodd y el director asistente / gerente de piso Jim McCutcheon. El video fue grabado en solo cuatro horas el 10 de noviembre de 1975, a un costo de £ 4,500. ^[20] Gowers informó que la banda participó en la discusión del video y el resultado, y "fue una cooperativa hasta ese punto, pero solo había un líder". ^[17]

El video comienza con una toma de los cuatro miembros de la banda de pie en formación de diamante con sus cabezas inclinadas hacia atrás en una oscuridad casi total mientras cantan la parte a capela . ^[63] Las luces se apagan y las tomas se entrecruzan en primeros planos de Mercury. La composición de la toma es la misma que la fotografía de portada de Mick Rock para su segundo álbum Queen II . La foto, inspirada en una fotografía de la actriz Marlene Dietrich , era la imagen favorita de la banda de ellos mismos. ^[17] El video luego se desvanece y los muestra tocando sus instrumentos. En la sección de ópera del video, la escena vuelve a las posiciones de pie de Queen II , después de lo cual actúan una vez más en el escenario durante el segmento de hard rock. En los segundos finales del video, Roger Taylor es representado desnudo hasta la cintura, golpeando el tam-tam a la manera de la marca registrada del Gongman de Rank Organisation , familiar en el Reino Unido como la apertura de todas las producciones cinematográficas de Rank. ^[64]

Todos los efectos especiales se lograron durante la grabación, en lugar de editarlos. El efecto visual de la cara de Mercury cayendo en cascada (durante las líneas repetidas de "Magnifico" y "Let me go") se logró apuntando la cámara a un monitor, lo que dio una respuesta visual , un resplandor análogo a la respuesta auditiva . La ilusión del panal se creó utilizando una lente con forma. El video se editó en cinco horas porque debía emitirse la misma semana en la que se grabó. El video se envió a la BBC tan pronto como se completó y se emitió por primera vez en Top of the Pops en noviembre de 1975. ^[17]

Aunque la canción se ha convertido en una de las más veneradas en la historia de la música popular, ^[65] la reacción crítica inicial fue mixta. Los periódicos musicales del Reino Unido reaccionaron con desconcierto, reconociendo que la canción era original y técnicamente lograda, pero en su mayoría permanecieron indiferentes. Pete Erskine de NME observó que, "Será interesante ver si se reproducirá en su totalidad en la radio. Se ha interpretado extremadamente bien, pero más en términos de producción que cualquier otra cosa... Alguien en algún lugar ha decidido que el próximo lanzamiento de los chicos debe sonar 'épico'. Y lo hace. Suenan extremadamente presuntuosos". ^[66]

Allan Jones de Melody Maker no se impresionó, describiendo la canción como "un pastiche superficialmente impresionante de estilos musicales incongruentes" y que Queen "se las arregló para aproximarse a la furia demente de la Balham Amateur Operatic Society interpretando Los piratas de Penzance ... 'Bohemian Rhapsody' está llena de drama, pasión y romance y suena más bien como una de esas minioperas que Pete Townsend [ sic ] solía añadir al final de los álbumes de Who ", antes de concluir: "El significado de la composición se me escapa por completo, aunque debo admitir que la encuentro terriblemente fascinante. Es probable que sea un éxito de enormes proporciones a pesar de su duración". ^[67] Ray Fox-Cumming de Record Mirror también se quedó impasible, diciendo: "No tiene ningún atractivo comercial inmediato: entre sus muchas partes, apenas hay un fragmento de melodía y ciertamente ninguna línea a la que aferrarse. No se puede negar que es endiabladamente inteligente, abarcando todo, desde fragmentos de armonías operísticas hasta fragmentos que suenan como Sparks y David Cassidy , pero, al final, el total suma menos que la suma de sus partes". Sin embargo, dijo que era "impensable" que no fuera un éxito. ^[68] La crítica más positiva vino de Sounds , que lo calificó de "increíblemente inconexo y complejo, pero una epopeya deslumbrantemente inteligente de la mente febril de Freddie Mercury". ^[69] Cash Box lo llamó "una oda suavemente cantada a la perspectiva de dejar atrás las formas serias" con "buen canto" y "buena producción". ^[70] Record World lo llamó "una interpretación vocal majestuosa que adquiere proporciones operísticas". ^[71]

En 1976, cuando se le preguntó por su opinión sobre "Bohemian Rhapsody", el líder de los Beach Boys , Brian Wilson, elogió la canción como "lo más competitivo que ha surgido en mucho tiempo" y "un cumplimiento y una respuesta a una plegaria adolescente: la música artística". ^[72] El productor Steve Levine dijo que la canción rompió "todas las barreras de producción sonora" de una manera similar a " Good Vibrations " (1966) de los Beach Boys, que también consistía en secciones musicales dispares grabadas por separado, ^{[73] "} Be My Baby " (1963) de Phil Spector y " I'm Not in Love " (1975) de 10cc . ^[74] Greg Lake , cuya canción " I Believe in Father Christmas " se mantuvo alejada del número uno en el Reino Unido por "Bohemian Rhapsody" cuando se lanzó en 1975, reconoció que fue "superado por uno de los mejores discos jamás hechos", describiéndolo como "una grabación única en la vida". ^[75]

En 2012, el autor y profesor de música Jochen Eisentraut escribió sobre la duradera popularidad de la canción: «Un año antes de que el punk pasara de moda, el rock progresivo había tenido un éxito asombroso con el sencillo teóricamente demasiado largo (casi 6 minutos) 'Bohemian Rhapsody', que tenía muchas de las características del género 'prog'». Dijo que era «único en este momento escuchar un sencillo exitoso en este estilo», era «más accesible que otra música del género» y era «capaz de comunicarse más allá de los confines habituales del estilo». ^[6] El autor e historiador de rock progresivo Stephen Lambe lo llamó un sencillo «notable» y dijo que «proporciona un puente ordenado pero coincidente entre el prog en su apogeo y el paso a una composición más agresiva», sugiriendo que la canción «se siente como una parodia grotesca (aunque probablemente involuntaria) del rock progresivo». ^[65] La New Rolling Stone Album Guide lo describió como "un referente del rock progresivo o la canción novedosa más enrevesada jamás grabada". ^[76] Escribiendo para la BBC en 2015, el crítico musical del Chicago Tribune Greg Kot lo llamó una " opereta de bolsillo del rock progresivo " y dijo que el "reinado de la canción como una obra de genio desquiciado en lugar de un truco anticuado da testimonio de su actitud de ir a por todas, una que ha resonado a través de generaciones". ^[28]

En 2009, el crítico musical de The Guardian , Tom Service , examinó la relación de la canción con las tradiciones de la música clásica y describió su popularidad como "uno de los fenómenos musicales más extraños que existen":

Los precedentes de Bohemian Rhapsody se encuentran tanto en las tradiciones clásicas del siglo XIX de ensoñaciones rapsódicas y casi improvisadas (como, por ejemplo, las obras para piano de Schumann o Chopin o los poemas sinfónicos de Strauss o Liszt ) como en el rock progresivo o el pop contemporáneo de 1975. Esto se debe a que la canción logra un juego de manos musical que solo un puñado de verdaderos maestros de la música han logrado: la ilusión de que su enorme variedad de estilos (desde la introducción hasta la balada, el exceso operístico, el hard rock y la coda reflexiva) están unificados en una sola declaración, un drama que de alguna manera tiene sentido. Es un ejemplo clásico de la unidad en la diversidad que los comentaristas musicales de alto nivel han escuchado en las sinfonías de Beethoven o las óperas de Mozart . Y eso es exactamente lo que es la pieza: un poema sinfónico rapsódico operístico en miniatura. ^[5]

Los escritores musicales Pete Prown y HP Newquist también hicieron una comparación entre la canción y la épica de Led Zeppelin de 1971 " Stairway to Heaven " . Observaron que ambas canciones eran "un comienzo lento e introspectivo y una subida gradual a una improvisación de metal furioso y viceversa", con la notable distinción de que "mientras Zeppelin mezclaba influencias folk con heavy metal, Queen optó por la grandeza ligera de la opereta como parte de su hard rock". Dijeron que "solo por pura inteligencia, sin mencionar el fascinante trabajo eléctrico de May, 'Bohemian Rhapsody' se convirtió legítimamente en uno de los mejores sencillos de 1975 y estableció a Queen en la élite de las bandas de rock de los setenta". ^[30]

En 2015, The Economist lo describió como "una de las piezas más innovadoras de la era del rock progresivo". Escribió que "aunque John Paul Jones de Led Zeppelin y Paul McCartney de los Beatles habían experimentado con elementos sinfónicos, y Roger Waters de Pink Floyd y Pete Townshend de The Who habían creado álbumes narrativos con 'movimientos' distintivos, ninguno había tenido la audacia de importar una ópera en miniatura a la música rock". ^[31]

En 1992, la canción gozó de una renovada popularidad en los Estados Unidos después de aparecer en una escena de la película Wayne's World , en la que el personaje principal y sus amigos mueven la cabeza en un automóvil al ritmo de la parte de hard rock cerca del final de la canción. ^[77] La ​​directora de la película, Penelope Spheeris , dudó en usar la canción, ya que no encajaba del todo con los personajes principales, que eran fanáticos del hard rock y el heavy metal menos extravagantes. Mike Myers insistió en que la canción encajaba con la escena. ^[78] Según el erudito musical Theodore Gracyk, en 1992, cuando se estrenó la película, incluso las estaciones de "rock clásico" habían dejado de reproducir la canción de casi seis minutos. Gracyk sugiere que comenzar la cinta en la mitad de la canción después de "la letra que proporciona la narrativa de la canción ... obliga a la audiencia de la película a responder a su presencia en la escena sin el 'comentario' de la letra". ^[79] Con la ayuda de la canción, el álbum de la banda sonora de la película fue un gran éxito. ^[80]

En relación con esto, se lanzó un nuevo video, intercalando extractos de la película con imágenes del video original de Queen, junto con algunas imágenes en vivo de la banda. Myers se horrorizó de que la compañía discográfica hubiera mezclado clips de Wayne's World con el video original de Queen, temiendo que esto molestara a la banda. Dijo: "Acaban de hacer un Picasso ". Pidió a la compañía discográfica que le dijera a Queen que el video no fue su idea y que se disculpaba con ellos. La banda, sin embargo, envió una respuesta simplemente diciendo: "Gracias por usar nuestra canción". Esto asombró a Myers, quien respondió: "¡Gracias por dejarme tocar el dobladillo de sus prendas!" ^[81]

La versión en video de Wayne's World de Bohemian Rhapsody le valió a Queen su único premio MTV Video Music Award por " Mejor video de una película ". ^[82] Cuando los miembros restantes Brian May y Roger Taylor subieron al escenario para aceptar el premio, Brian May se emocionó y dijo que "Freddie estaría encantado". En la escena final del video, una pose de la banda del video del clip original de Bohemian Rhapsody se transforma en una foto de 1985 con una pose idéntica, que apareció por primera vez en el video de One Vision .

En la película biográfica de Queen de 2018, Bohemian Rhapsody , Myers hace un cameo como un ejecutivo discográfico ficticio que critica la canción y se niega a lanzarla como sencillo, proclamando que es demasiado larga para la radio y que no es una canción que "los adolescentes pueden subir el volumen en su auto y mover la cabeza", una referencia a la escena antes mencionada en Wayne's World . ^[83]

La canción ha ganado numerosos premios y ha sido versionada y parodiada por muchos artistas. En la 19.ª edición de los premios Grammy en febrero de 1977, «Bohemian Rhapsody» recibió dos nominaciones a los premios Grammy por Mejor interpretación vocal pop de un dúo, grupo o coro y Mejor arreglo para voces . ^{[84] [85]} En octubre de 1977, solo dos años después de su lanzamiento, la industria fonográfica británica nombró a «Bohemian Rhapsody» como el mejor sencillo británico del período 1952-77. ^[79] Es una entrada habitual en las encuestas de las mejores canciones, y fue nombrada por el Libro Guinness de los récords en 2002 como el mejor sencillo británico de todos los tiempos. ^[16] La canción también figura en las 500 canciones que dieron forma al rock and roll del Salón de la Fama del Rock and Roll. ^[86]

En 2004, la canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy . ^[12] A partir de 2004 ^[actualizar], "Bohemian Rhapsody" es la segunda canción más reproducida en la radio británica, en clubes y en máquinas de discos colectivamente, después de " A Whiter Shade of Pale " de Procol Harum . ^[87] El 30 de septiembre de 2007, para el 40.° aniversario de BBC Radio 1 , se reveló en The Radio 1 Chart Show que "Bohemian Rhapsody" había sido la canción más reproducida desde el lanzamiento de Radio 1. ^[88]

En diciembre de 2018, «Bohemian Rhapsody» se convirtió oficialmente en la canción más reproducida del siglo XX, superando a « Smells Like Teen Spirit » de Nirvana y « Sweet Child o' Mine » de Guns N' Roses . ^{[13] [89]} «Bohemian Rhapsody» también se convirtió en la canción de rock clásico más reproducida de todos los tiempos. ^[13] La cantidad de descargas de la canción y el video original superó los 1.6 mil millones de descargas en los servicios de transmisión a pedido globales. ^[89] El video superó los mil millones de visitas en YouTube en julio de 2019, lo que lo convirtió en el video musical más antiguo en alcanzar los mil millones en la plataforma y la primera canción anterior a la década de 1990 en alcanzar esa cifra. ^{[90] [91]}

En 2022, el sencillo fue seleccionado por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". ^[92]

En una encuesta de 2001 a más de 50.000 lectores del periódico The Observer y espectadores del Canal 4 de la televisión británica para los 100 mejores sencillos número uno de todos los tiempos, la canción quedó en segundo lugar después de " Imagine " de John Lennon . ^[93] En una encuesta de 2002 a más de 31.000 personas realizada para Guinness World Records ' British Hit Singles , "Bohemian Rhapsody" fue votada como el sencillo favorito de Gran Bretaña, superando a "Imagine" de Lennon en el primer puesto. ^[94] En 2002, quedó en décimo lugar en una encuesta del Servicio Mundial de la BBC para encontrar la canción favorita del mundo. ^[95]

En los Países Bajos, Bohemian Rhapsody ha estado entre los cinco primeros del "Top 100 Aller Tijden" ("Los 100 [sencillos] de todos los tiempos") de fin de año desde 1977, encabezando la lista ocho veces, más que cualquier otro artista. ^[96] Desde 1999, la encuesta de música pop holandesa " Top 2000 " suplantó al Top-100, para enumerar y reproducir las 2000 mejores canciones de todos los tiempos anualmente en diciembre, y la canción ha ocupado el primer puesto en todos los años excepto en cinco (2005, 2010, 2014, 2015 y 2020, cuando quedó en segundo lugar). ^[97]

En una encuesta de lectores realizada en 2012 por la revista Rolling Stone , "Bohemian Rhapsody" fue votada como la mejor interpretación vocal en la historia del rock. ^[98] En 2010, la canción ocupó el puesto 166 en la lista "500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone , ^[99] y volvió a ubicarse en el puesto número 17 en 2021. ^[10]

En 2012, la canción encabezó una encuesta de ITV en el Reino Unido para encontrar "La canción número uno favorita de la nación" durante 60 años de música, por delante de " Billie Jean " de Michael Jackson (número dos), " Someone like You " de Adele (número tres), " Don't Look Back in Anger " de Oasis (número cuatro) y " Hey Jude " de The Beatles (número cinco). ^[9] La canción también ocupó el puesto número cinco en la lista de "Top 500 Songs" de RadioMafia. ^[100]

Más de dos docenas de artistas han grabado o interpretado versiones de "Bohemian Rhapsody", incluidos sencillos que figuran en las listas de éxitos de:

• Bad News : una versión paródica de 1986 producida por Brian May que alcanzó el puesto número 44 en el Reino Unido.
• The Braids – una versión de R&B grabada para la banda sonora de la película High School High de 1996 y que alcanzó el puesto número 21 en el Reino Unido, el número 42 en los EE. UU. y el número 13 en Canadá ^[101]
• Panic! at the Disco – una versión grabada para la banda sonora de la película Suicide Squad de 2016 y que alcanzó el puesto número 80 en el Reino Unido, el número 64 en los Estados Unidos y el número 47 en Canadá ^[102]

Una versión en video de Los Muppets también se volvió viral ^[103] y posteriormente fue lanzada como sencillo a fines de 2009, alcanzando el puesto número 32 en el Reino Unido. ^[104]

El álbum Alapalooza de "Weird Al" Yankovic de 1993 incluye una versión de la canción titulada " Bohemian Polka ", que es un reordenamiento de toda la canción como una polca . ^{[105] [106]}

Para conmemorar el 40 aniversario de «Bohemian Rhapsody», la canción fue lanzada en una edición limitada de vinilo de 12" con el lado B original «I'm In Love With My Car» el 27 de noviembre de 2015 para el Record Store Day 2015. Queen también lanzó A Night At The Odeon, Live At Hammersmith 75 , en CD , DVD-Video y Blu-ray . Esto incluye la primera interpretación en vivo grabada «profesionalmente» de «Bohemian Rhapsody». ^[107] Sin embargo, la primera grabación y presentación en vivo de «Bohemian Rhapsody» fue la presentación el 14 de noviembre de 1975 en Liverpool. ^[108]

Del 4 de agosto al 5 de septiembre de 2023, se celebró la exposición Freddie Mercury: A World of His Own en Sotheby's en New Bond Street , Londres, donde se exhibieron casi 1500 artículos de Mercury antes de venderse en seis subastas. ^[109] Su piano de media cola Yamaha , que utilizó para componer "Bohemian Rhapsody", se vendió por 1,7 millones de libras, mientras que la letra escrita a mano de la canción se vendió por 1,38 millones de libras. ^[109] Un brazalete de serpiente de plata que usó Mercury en el video musical de "Bohemian Rhapsody" se vendió por 698 500 libras. ^[109]

Bohemian Rhapsody en directo en el Milton Keynes Bowl (1982)

En las presentaciones en vivo, el segmento operístico se tocaba en cinta, ya que era demasiado complicado para la banda interpretarlo en vivo. A medida que seguía el segmento de rock pesado, la banda regresaba al escenario.

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La introducción a capela era demasiado compleja para tocarla en vivo, por lo que Mercury intentó varias formas de introducir la canción. Cuando " Mustapha " se convirtió en una de las canciones favoritas en vivo, Mercury solía sustituirla por la introducción a capela de esa canción , que era más fácil de reproducir en vivo ya que era de una sola voz; esta combinación aparece en su álbum en vivo de 1979 Live Killers . ^[110] Durante su Hot Space Tour de 1982 , y ocasionalmente en otras ocasiones, Mercury hacía una improvisación de piano (generalmente la introducción de "Death on Two Legs") que terminaba con las primeras notas de la canción. A menudo, la canción anterior terminaba y Mercury se sentaba al piano, decía una palabra rápida y comenzaba a tocar la sección de baladas. En Live Aid , donde "Bohemian Rhapsody" fue su canción de apertura, Mercury comenzó con la sección de baladas. ^[111]

Inicialmente, tras el lanzamiento de la canción, la sección operística del medio resultó ser un problema para la banda. Debido a la extensa grabación en múltiples pistas, no se pudo interpretar en el escenario. ^[112] La banda no tuvo un descanso suficiente entre las giras Sheer Heart Attack y A Night at the Opera para encontrar una manera de hacer que funcionara en vivo, por lo que dividieron la canción en tres secciones que se tocaron durante toda la noche. Las baladas de apertura y cierre se tocaron como parte de un popurrí, con " Killer Queen " y "March of the Black Queen" tomando el lugar de las secciones operística y de hard rock. En los conciertos de 1976 en los que se tocó el mismo popurrí, la sección operística del álbum se reproduciría desde una cinta como introducción a la lista de canciones. Durante esta reproducción, Mercury aparecería brevemente para cantar en vivo la línea "Veo una pequeña silueta de un hombre". ^[113] A medida que la canción pasaba a la sección de hard rock, la banda emergía en el escenario lleno de humo; la reproducción terminaba en este punto y la sección de hard rock se interpretaba en vivo (sin la sección de balada final, que aparecía más adelante en el set).

A partir de la gira A Day at the Races Tour en 1977, la banda adoptó su forma duradera de tocar la canción en vivo. La balada de apertura se tocaba en el escenario y, después del solo de guitarra de May, las luces se apagaban, la banda abandonaba el escenario y se tocaba la sección operística de una cinta, mientras que las luces de colores del escenario proporcionaban un espectáculo de luces basado en las voces de la sección operística. ^[112] La mayoría de las interpretaciones de la sección operística de la cinta solían ir acompañadas de una parte del vídeo musical de la canción que contenía el metraje utilizado para la parte operística de la canción. Otras interpretaciones se hacían sobre montajes de metraje filmado de otras experiencias de los miembros de la banda a lo largo de su vida diaria. Una explosión de pirotecnia después de la nota alta de Taylor en el "for me" final anunciaba el regreso de la banda para la sección de hard rock y la balada de cierre. Queen tocó la canción en esta forma durante todo el Magic Tour de 1986. Este estilo también se utilizó para el Concierto Tributo a Freddie Mercury , con Elton John cantando la balada de apertura y luego, después de la sección operística grabada, Axl Rose cantando la sección de hard rock. John y Rose cantaron la balada de cierre juntos en un dueto. ^[114]

"Bohemian Rhapsody" fue interpretada por Queen + Paul Rodgers a lo largo de sus giras, acompañada de un video de Mercury. ^[115] Las imágenes del Live at Wembley '86 se usaron para la gira 2005-06 , y la actuación de Montreal de 1981 se usó para el Rock the Cosmos Tour . Al igual que con las giras de Queen, la banda fue al backstage para la sección operística, que fue acompañada por un video tributo a Freddie Mercury. Cuando comenzó la sección de hard rock, las luces volvieron a encenderse para la banda completa en el escenario, incluido Rodgers, quien se hizo cargo de la voz principal. Rodgers hizo un dueto con la grabación de Mercury para la sección "outro", lo que permitió que el público cantara el "Nothing really matters to me" final, mientras que el Mercury grabado hizo una reverencia ante la multitud. Luego Rodgers repetía la línea, y la línea final ("Any way the wind blows") fue pronunciada con una última toma de Mercury sonriendo a la audiencia. Al comentar esta puesta en escena, Brian May dice que "tuvieron que estar a la altura del desafío de poner a Freddie allí de una manera que le diera el lugar que le correspondía, pero sin degradar a Paul de ninguna manera. También nos mantuvo vivos y 'presentes', aunque conscientes y orgullosos de nuestro pasado, como lógicamente deberíamos estar". ^[16]

Desde 2012, May y Taylor han estado de gira con el ex concursante de American Idol Adam Lambert bajo el nombre de Queen + Adam Lambert (después de dos presentaciones únicas juntos en 2009 y 2011), con "Bohemian Rhapsody" incluida regularmente al final de su set. ^{[116] [117]}

Siempre quise hacer algo operístico. Quería algo que marcara el estado de ánimo al principio, que entrara en un estilo rock que se desdoblara por completo en una sección operística, un giro brutal y luego volviera al tema. En realidad, no sé nada de ópera, sólo ciertas piezas. Quería crear lo que pensaba que Queen podía hacer. No es auténtico... ciertamente no. No es una especie de copia de La flauta mágica . Fue lo más lejos que mi limitada capacidad me pudo llevar. ^[229]

—Freddie  Mercury, 1976

Voy a romper algunas ilusiones, fue solo una de esas piezas que escribí para el álbum: simplemente escribí mi tanda de canciones. En sus primeras etapas casi la rechacé, pero luego creció. Empezamos a decidirnos por un single aproximadamente a mitad de camino. Había algunas contendientes, en un momento pensamos en " The Prophet's Song ", pero luego "Bohemian Rhapsody" parecía la indicada. Hubo un momento en que los demás quisieron cortarla un poco, pero me negué. Si iba a ser lanzada, sería en su totalidad. Sabíamos que era muy arriesgado, pero teníamos tanta confianza en esa canción, de todos modos la tenía. Sentí, en el fondo, que si tenía éxito se ganaría mucho respeto. La gente decía: "Estás bromeando, nunca la tocarán, solo escucharás los primeros compases y luego la desvanecerán". Tuvimos muchas peleas. EMI se sorprendió: ¿un single de seis minutos? ¡Debes estar bromeando! Lo mismo ocurre en Estados Unidos. Ah, en Gran Bretaña se salieron con la suya. ^[230]

—Freddie  Mercury, 1976

Cuando terminamos el álbum, The Night at the Opera , esa era la canción que pensábamos que íbamos a lanzar como single primero en el Reino Unido. Y cuando lo lanzamos en Gran Bretaña, no necesariamente pensamos que se lanzaría en Estados Unidos, porque sabemos que incluso aquí, ya sabes, los gustos de los americanos son aún más [duda] más estrictos. De todos modos, pensamos incluso en editarlo en el Reino Unido, pero lo escuchamos una y otra vez y no había forma de editarlo. Probamos algunas ideas, pero si lo editabas, siempre perdías alguna parte de la canción, así que tuvimos que dejarlo todo. Y afortunadamente despegó de todos modos. ^[231]

—  John Deacon, 1977

Las armonías vocales eran algo que queríamos hacer desde el principio, ya que siempre nos gusta hacer ese tipo de cosas. Queríamos ser un grupo que pudiera hacer la pesadez del hard rock, pero también tener armonías que se movieran por todos lados. Pensamos que había algo de poder y emoción real en esa combinación. El solo de guitarra fue bastante improvisado, excepto que creo que tuve mucho tiempo para pensar en eso. Recuerdo haber tocado junto con él en el estudio durante un tiempo mientras se hacían otras cosas. Sabía qué tipo de melodía quería tocar. ^[232]

—  Brian May, 1982

Fuente: ^[17]

• Freddie Mercury – voz principal y coros, piano, voz operística (registro medio)
• Brian May – guitarra eléctrica, voz operística (registro grave)
• Roger Taylor – batería, timbales , gong , voces operísticas (registro agudo)
• John Deacon – bajo

• Lista de versiones de Bohemian Rhapsody
• Lista de singles más vendidos en el Reino Unido
• Lista de los singles más vendidos en Estados Unidos