Música folklórica

Música folklórica
Béla Bartók grabando a cantantes campesinos en Zobordarázs, Reino de Hungría (ahora Nitra , Eslovaquia ) 1907
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La música folclórica es un género musical que incluye la música folclórica tradicional y el género contemporáneo que evolucionó a partir de la primera durante el resurgimiento del folklore del siglo XX . Algunos tipos de música folclórica pueden denominarse música del mundo . La música folclórica tradicional se ha definido de varias maneras: como música transmitida oralmente, música con compositores desconocidos, música que se toca con instrumentos tradicionales, música sobre la identidad cultural o nacional, música que cambia entre generaciones (proceso folclórico), música asociada con el folclore de un pueblo o música interpretada por costumbre durante un largo período de tiempo. Se ha contrastado con los estilos comerciales y clásicos . El término se originó en el siglo XIX, pero la música folclórica se extiende más allá de eso.

A partir de mediados del siglo XX, una nueva forma de música folclórica popular evolucionó a partir de la música folclórica tradicional. Este proceso y período se denomina el (segundo) resurgimiento folclórico y alcanzó su apogeo en la década de 1960. Esta forma de música a veces se denomina música folclórica contemporánea o música de resurgimiento folclórico para distinguirla de las formas folclóricas anteriores. ^[1] Se han producido resurgimientos más pequeños y similares en otras partes del mundo en otras épocas, pero el término música folclórica normalmente no se ha aplicado a la nueva música creada durante esos resurgimientos. Este tipo de música folclórica también incluye géneros de fusión como el folk rock , el folk metal y otros. Si bien la música folclórica contemporánea es un género generalmente distinto de la música folclórica tradicional, en inglés estadounidense comparte el mismo nombre y, a menudo, comparte los mismos intérpretes y lugares que la música folclórica tradicional.

Los términos música folklórica , canción folklórica y danza folklórica son expresiones relativamente recientes. Son extensiones del término folclore , que fue acuñado en 1846 por el anticuario inglés William Thoms para describir "las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas". ^[2] El término deriva además de la expresión alemana Volk , en el sentido de "el pueblo en su conjunto", tal como la aplicaron a la música popular y nacional Johann Gottfried Herder y los románticos alemanes más de medio siglo antes. [3 ^] Aunque se entiende que la música folklórica es la música del pueblo, los observadores encuentran difícil encontrar una definición más precisa. ^{[4] [5]} Algunos ni siquiera están de acuerdo en que se deba utilizar el término música folklórica. ^[4] La música folklórica puede tender a tener ciertas características ^[2] pero no se puede diferenciar claramente en términos puramente musicales. Un significado que se da a menudo es el de "canciones antiguas, sin compositores conocidos", ^[6] otro es el de música que ha sido sometida a un proceso evolutivo "de transmisión oral ... la creación y reelaboración de la música por parte de la comunidad que le da su carácter folclórico". ^[7]

Tales definiciones dependen de "procesos (culturales) más que de tipos musicales abstractos...", de " la continuidad y la transmisión oral ... vistas como caracterizantes de un lado de una dicotomía cultural , cuyo otro lado se encuentra no sólo en las capas inferiores de las sociedades feudales, capitalistas y algunas orientales, sino también en las sociedades 'primitivas' y en partes de las 'culturas populares'". ^[8] Una definición ampliamente utilizada es simplemente "La música folclórica es lo que canta la gente". ^[9]

Para Scholes, ^[2] así como para Cecil Sharp y Béla Bartók , ^[10] existía una percepción de la música del campo como distinta de la de la ciudad. La música folclórica ya era “... vista como la expresión auténtica de una forma de vida que ya había pasado o estaba a punto de desaparecer (o en algunos casos, que debía ser preservada o de alguna manera revivida)”, ^[11] particularmente en “una comunidad no influenciada por la música artística” ^[7] y por la canción comercial e impresa. Lloyd rechazó esto en favor de una simple distinción de clase económica ^[10] pero para él, la verdadera música folclórica estaba, en palabras de Charles Seeger , “asociada con una clase baja” ^[12] en sociedades cultural y socialmente estratificadas. En estos términos, la música folclórica puede ser vista como parte de un “esquema que comprende cuatro tipos musicales: 'primitivo' o 'tribal'; 'élite' o 'arte'; 'folk'; y 'popular'”. ^[13]

La música de este género también suele denominarse música tradicional. Aunque el término suele ser solo descriptivo, en algunos casos la gente lo utiliza como nombre de un género. Por ejemplo, los premios Grammy utilizaron anteriormente los términos "música tradicional" y "folk tradicional" para la música folclórica que no es música folclórica contemporánea. ^[14] La música folclórica puede incluir la mayor parte de la música indígena . ^[4]

Desde una perspectiva histórica, la música folclórica tradicional tenía estas características: ^[12]

• Se transmitía a través de una tradición oral . Antes del siglo XX, la gente común era generalmente analfabeta; adquirían canciones memorizándolas. En principio, esto no se lograba a través de libros o medios grabados o transmitidos. Los cantantes pueden ampliar su repertorio utilizando hojas sueltas o cancioneros , pero estas mejoras secundarias son del mismo carácter que las canciones primarias experimentadas en carne y hueso.
• La música a menudo estaba relacionada con la cultura nacional . Era culturalmente particular; de una región o cultura en particular. En el contexto de un grupo inmigrante, la música folclórica adquiere una dimensión adicional para la cohesión social. Es particularmente evidente en las sociedades inmigrantes, donde los australianos griegos , los estadounidenses somalíes , los canadienses punjabíes y otros se esfuerzan por enfatizar su identidad cultural. Aprenden canciones y bailes que se originan en los países de donde vinieron sus abuelos.
• Conmemoran acontecimientos históricos y personales. En determinados días del año, como Navidad, Pascua y Primero de Mayo, se interpretan canciones particulares para celebrar el ciclo anual. También se pueden celebrar cumpleaños, bodas y funerales con canciones, bailes y disfraces especiales. Los festivales religiosos suelen tener un componente de música folclórica. La música coral en estos eventos reúne a niños y cantantes no profesionales para que participen en un espacio público, lo que genera un vínculo emocional que no está relacionado con las cualidades estéticas de la música.
• Las canciones se han interpretado, por costumbre , durante un largo período de tiempo, normalmente varias generaciones .

Como efecto secundario, a veces se presentan las siguientes características:

• No existen derechos de autor sobre las canciones. Cientos de canciones populares del siglo XIX tienen autores conocidos, pero han continuado en la tradición oral hasta el punto de que se consideran tradicionales a efectos de publicación musical. Esto se ha vuelto mucho menos frecuente desde la década de 1940. Hoy en día, casi todas las canciones populares que se graban tienen un arreglista.
• Fusión de culturas: debido a que las culturas interactúan y cambian con el tiempo, las canciones tradicionales que evolucionan con el tiempo pueden incorporar y reflejar influencias de culturas dispares. Los factores relevantes pueden incluir la instrumentación, las afinaciones , las voces , el fraseo , el tema e incluso los métodos de producción.

En la música folclórica, una melodía es una pieza instrumental corta , una melodía , a menudo con secciones repetidas y que suele tocarse varias veces. ^[15] Una colección de melodías con similitudes estructurales se conoce como familia de melodías . America's Musical Landscape dice que "la forma más común de las melodías en la música folclórica es AABB, también conocida como forma binaria ". ^{[16] [ página necesaria ]}

En algunas tradiciones, las melodías pueden unirse en popurrís o " conjuntos ". ^[17]

Durante la mayor parte de la prehistoria y la historia de la humanidad, no era posible escuchar música grabada . ^{[18] [19]} La gente común hacía música tanto durante su trabajo como en su tiempo libre, así como durante las actividades religiosas. El trabajo de producción económica era a menudo manual y comunitario. ^[20] El trabajo manual a menudo incluía el canto de los trabajadores, que servía para varios propósitos prácticos. ^[21] Reducía el aburrimiento de las tareas repetitivas, mantenía el ritmo durante los empujones y tirones sincronizados y marcaba el ritmo de muchas actividades como plantar , desmalezar , cosechar , trillar , tejer y moler . En el tiempo libre , cantar y tocar instrumentos musicales eran formas comunes de entretenimiento y narración de historias, incluso más comunes que hoy, cuando las tecnologías habilitadas eléctricamente y la alfabetización generalizada hacen que otras formas de entretenimiento e intercambio de información sean competitivas. ^[22]

Algunos creen que la música folclórica se originó como música artística que fue modificada y probablemente degradada por la transmisión oral, al tiempo que reflejaba el carácter de la sociedad que la producía. ^[2] En muchas sociedades, especialmente las prealfabetizadas, la transmisión cultural de la música folclórica requiere aprendizaje de oído , aunque la notación ha evolucionado en algunas culturas. ^[23] Diferentes culturas pueden tener diferentes nociones sobre la división entre la música "folclórica", por un lado, y la música "artística" y "de la corte", por el otro. En la proliferación de géneros musicales populares, algunas músicas folclóricas tradicionales también pasaron a denominarse " música del mundo " o "música de raíces". ^[24]

El término inglés " folclore ", para describir la música y la danza folclóricas tradicionales, entró en el vocabulario de muchas naciones de Europa continental, cada una de las cuales tenía sus coleccionistas y renovadores de canciones folclóricas. ^[2] La distinción entre el folk "auténtico" y la canción nacional y popular en general siempre ha sido vaga, particularmente en Estados Unidos y Alemania ^[2] ; por ejemplo, a los compositores populares como Stephen Foster se les podría llamar "folk" en Estados Unidos. ^{[2] [25]} La definición del Consejo Internacional de Música Folclórica permite que el término también pueda aplicarse a la música que "... se originó con un compositor individual y posteriormente se absorbió en la tradición viva no escrita de una comunidad. Pero el término no cubre una canción, baile o melodía que se ha tomado como ya hecha y permanece inalterada". ^[26]

El resurgimiento del folk en Estados Unidos y Gran Bretaña después de la Segunda Guerra Mundial dio origen a un nuevo género, la música folk contemporánea , y le dio un significado adicional al término "música folk": canciones de nueva composición, fijadas en la forma y por autores conocidos, que imitaban alguna forma de música tradicional. La popularidad de las grabaciones de "folk contemporáneo" provocó la aparición de la categoría "Folk" en los Premios Grammy de 1959; ^[27] en 1970 el término se abandonó en favor de "Mejor grabación étnica o tradicional (incluido el blues tradicional)", ^[28] mientras que en 1987 se introdujo una distinción entre "Mejor grabación de folk tradicional" y "Mejor grabación de folk contemporáneo". ^[29] Después de eso, tenían una categoría de "música tradicional" que posteriormente evolucionó a otras. El término "folk", a principios del siglo XXI, podía abarcar a cantautores, como Donovan ^[30] de Escocia y el estadounidense Bob Dylan , ^[31] que surgió en la década de 1960 y muchos más. Esto completó un proceso hacia el cual la "música folclórica" ​​ya no significaba sólo música folclórica tradicional. ^[6]

La música folclórica tradicional a menudo incluye palabras cantadas , aunque la música instrumental folclórica se presenta comúnmente en las tradiciones de música de baile . El verso narrativo ocupa un lugar destacado en la música folclórica tradicional de muchas culturas. ^{[32] [33]} Esto abarca formas como la poesía épica tradicional , gran parte de la cual fue pensada originalmente para la interpretación oral, a veces acompañada de instrumentos. ^{[34] [35]} Muchos poemas épicos de varias culturas se unieron a partir de piezas más cortas de verso narrativo tradicional, lo que explica su estructura episódica, elementos repetitivos y sus frecuentes desarrollos de trama in medias res . Otras formas de verso narrativo tradicional relatan los resultados de batallas o lamentan tragedias o desastres naturales . ^[36]

A veces, como en el triunfante Canto de Débora ^[37] que se encuentra en el Libro bíblico de los Jueces , estas canciones celebran la victoria. Los lamentos por las batallas y guerras perdidas, y las vidas perdidas en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones; estos lamentos mantienen viva la causa por la que se libró la batalla. ^{[38] [39]} Las narraciones de las canciones tradicionales a menudo también recuerdan a héroes populares como John Henry ^{[40] [41]} o Robin Hood . ^[42] Algunas narraciones de canciones tradicionales recuerdan eventos sobrenaturales o muertes misteriosas. ^[43]

Los himnos y otras formas de música religiosa suelen ser de origen tradicional y desconocido. ^[44] La notación musical occidental se creó originalmente para preservar las líneas del canto gregoriano , que antes de su invención se enseñaba como una tradición oral en las comunidades monásticas . ^{[45] [46]} Las canciones tradicionales como Green grow the rushes, O presentan la tradición religiosa en una forma mnemotécnica , al igual que los villancicos occidentales y canciones tradicionales similares. ^[47]

Las canciones de trabajo frecuentemente presentan estructuras de llamada y respuesta y están diseñadas para permitir que los trabajadores que las cantan coordinen sus esfuerzos de acuerdo con los ritmos de las canciones. ^[48] Con frecuencia, pero no invariablemente, se componen. En las fuerzas armadas estadounidenses , una viva tradición oral preserva los cantos jody ("cantos de Duckworth") que se cantan mientras los soldados están en marcha. ^[49] Los marineros profesionales hicieron un uso similar de una gran cantidad de canciones marineras . ^{[50] [51]} La poesía amorosa , a menudo de naturaleza trágica o arrepentida, figura prominentemente en muchas tradiciones populares. ^[52] Las rimas infantiles , las canciones infantiles y los versos sin sentido utilizados para divertir o calmar a los niños también son temas frecuentes de las canciones tradicionales. ^[53]

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La música transmitida de boca en boca a través de una comunidad, con el tiempo, desarrolla muchas variantes, ya que esta transmisión no puede producir una precisión palabra por palabra y nota por nota. Además, los cantantes populares pueden optar por modificar las canciones que escuchan.

Por ejemplo, alrededor de 1970 la canción Mullā Mohammed Jān se difundió desde Herat al resto de Afganistán e Irán , donde fue grabada. Debido a su estribillo repetitivo y la previsibilidad de la segunda mitad de cada verso, permitió tanto su popularización como que cada cantante creara su propia versión de la canción sin preocuparse demasiado por una melodía o un ritmo poético restrictivo. ^[54]

Como las variantes proliferan de forma natural, no suele haber una versión "autorizada" de una canción. Los investigadores de canciones tradicionales han encontrado innumerables versiones de la balada de Barbara Allen en todo el mundo angloparlante, y estas versiones suelen diferir mucho entre sí. No se conoce el original; muchas versiones pueden reclamar la misma autenticidad.

El influyente folclorista Cecil Sharp creía que estas variantes en competencia de una canción tradicional sufrirían un proceso de mejora similar a la selección natural biológica : sólo aquellas nuevas variantes que fueran más atractivas para los cantantes comunes serían adoptadas por otros y transmitidas a lo largo del tiempo. Por lo tanto, con el tiempo cabría esperar que cada canción tradicional se volviera más atractiva estéticamente, debido a la mejora progresiva de la comunidad.

El interés literario por la balada popular se remonta al menos a Thomas Percy y William Wordsworth . Los compositores ingleses isabelinos y estuardo habían desarrollado su música a partir de temas folclóricos, la suite clásica se basaba en danzas folclóricas estilizadas y se destaca el uso de melodías folclóricas por parte de Joseph Haydn . Pero la aparición del término "folk" coincidió con un "estallido de sentimiento nacional en toda Europa" que fue particularmente fuerte en los confines de Europa, donde la identidad nacional estaba más afirmada. Los compositores nacionalistas surgieron en Europa Central, Rusia, Escandinavia, España y Gran Bretaña: la música de Dvořák , Smetana , Grieg , Rimski-Kórsakov , Brahms , Liszt , de Falla , Wagner , Sibelius , Vaughan Williams , Bartók y muchos otros se inspiró en melodías folclóricas. ^{[ cita requerida ]}

Si bien la pérdida de la música folclórica tradicional frente al auge de la música popular es un fenómeno mundial, ^[55] no se produce a un ritmo uniforme en todo el mundo. ^[56] El proceso es más avanzado "donde la industrialización y la comercialización de la cultura están más avanzadas" ^[57] pero también ocurre más gradualmente incluso en entornos de menor avance tecnológico. Sin embargo, la pérdida de la música tradicional se ralentiza en las naciones o regiones donde la música folclórica tradicional es una insignia de identidad cultural o nacional. ^{[ cita requerida ]}

Gran parte de lo que se sabe sobre la música folclórica antes del desarrollo de la tecnología de grabación de audio en el siglo XIX proviene del trabajo de campo y de los escritos de académicos, coleccionistas y defensores. ^[58]

A partir del siglo XIX, académicos y estudiosos aficionados, tomando nota de las tradiciones musicales que se estaban perdiendo, iniciaron varios esfuerzos para preservar la música del pueblo. ^[59] Uno de esos esfuerzos fue la recopilación por parte de Francis James Child a finales del siglo XIX de los textos de más de trescientas baladas de las tradiciones inglesa y escocesa (llamadas Child Ballads ), algunas de las cuales son anteriores al siglo XVI. ^[9]

Al mismo tiempo que Child, la reverenda Sabine Baring-Gould y, más tarde, Cecil Sharp trabajaron para preservar un gran corpus de canciones, música y danzas tradicionales rurales inglesas, bajo la égida de lo que se convirtió y sigue siendo la English Folk Dance and Song Society (EFDSS). ^[60] Sharp hizo campaña con cierto éxito para que se enseñaran canciones tradicionales inglesas (en sus propias versiones muy editadas y expurgadas) a los niños de las escuelas con la esperanza de revivir y prolongar la popularidad de esas canciones. ^{[61] [62]} A lo largo de la década de 1960 y a principios y mediados de la de 1970, el erudito estadounidense Bertrand Harris Bronson publicó una exhaustiva colección de cuatro volúmenes de las variaciones entonces conocidas de los textos y las melodías asociadas con lo que llegó a conocerse como el Canon de Child. ^[63] También presentó algunas teorías importantes sobre el funcionamiento de la tradición oral-auditiva. ^[64]

En otros países se desarrolló una actividad similar. Una de las más extensas fue quizás la labor realizada en Riga por Krisjanis Barons , quien entre los años 1894 y 1915 publicó seis volúmenes que incluían los textos de 217.996 canciones populares letonas, las Latvju dainas . ^[65] En Noruega, el trabajo de coleccionistas como Ludvig Mathias Lindeman fue ampliamente utilizado por Edvard Grieg en sus Piezas líricas para piano y en otras obras, que se volvieron inmensamente populares. ^[66]

En esa época, los compositores de música clásica desarrollaron un fuerte interés por recopilar canciones tradicionales y varios compositores llevaron a cabo su propio trabajo de campo sobre música tradicional. Entre ellos se encontraban Percy Grainger ^[67] y Ralph Vaughan Williams ^[68] en Inglaterra y Béla Bartók ^[69] en Hungría. Estos compositores, como muchos de sus predecesores, hicieron arreglos de canciones populares e incorporaron material tradicional en composiciones clásicas originales. ^{[70] [71]}

El advenimiento de la tecnología de grabación de audio proporcionó a los folcloristas una herramienta revolucionaria para preservar formas musicales en desaparición. ^[72] Los primeros estudiosos de la música folclórica estadounidense pertenecían a la American Folklore Society (AFS), que surgió a fines del siglo XIX. ^[73] Sus estudios se expandieron para incluir la música nativa americana , pero todavía trataban la música folclórica como un elemento histórico preservado también en sociedades aisladas. ^[74] En América del Norte, durante las décadas de 1930 y 1940, la Biblioteca del Congreso trabajó a través de las oficinas de los coleccionistas de música tradicional Robert Winslow Gordon , ^[75] Alan Lomax ^{[76] [77] [78]} y otros para capturar la mayor cantidad posible de material de campo norteamericano. ^[79] John Lomax (el padre de Alan Lomax) fue el primer académico destacado en estudiar la música folclórica distintivamente estadounidense, como la de los vaqueros y los negros sureños. Su primer trabajo importante publicado fue en 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads . ^[80] y fue posiblemente el erudito más destacado de la música folclórica estadounidense de su tiempo, en particular durante los inicios del resurgimiento de la música folclórica en los años 1930 y principios de los años 1940. Cecil Sharp también trabajó en Estados Unidos, grabando las canciones tradicionales de los Apalaches entre 1916 y 1918 en colaboración con Maud Karpeles y Olive Dame Campbell y se le considera el primer erudito importante que cubrió la música folclórica estadounidense. ^[81] Campbell y Sharp están representados bajo otros nombres por actores en la película moderna Songcatcher . ^[82]

Un tema fuerte entre los estudiosos del folklore en las primeras décadas del siglo XX fue el regionalismo , ^[83] el análisis de la diversidad de la música folklórica (y culturas relacionadas) basado en regiones de los EE. UU. en lugar de en las raíces históricas de una canción determinada. ^{[84] [85]} Más tarde, a esto se añadió una dinámica de clase y circunstancias. ^[86] Los regionalistas más destacados eran figuras literarias con un interés particular en el folclore. ^{[87] [88]} Carl Sandburg viajó a menudo por los EE. UU. como escritor y poeta. ^[89] También recopiló canciones en sus viajes y, en 1927, las publicó en el libro The American Songbag . ^[90] Rachel Donaldson, una historiadora que trabajó para Vanderbilt, afirmó esto más tarde sobre The American Songbird en su análisis del resurgimiento de la música folklórica. "En sus colecciones de canciones populares, Sandburg añadió una dinámica de clase a la comprensión popular de la música folclórica estadounidense. Éste fue el último elemento de la base sobre la que los primeros renovadores de la música folclórica construyeron su propia visión del americanismo. Los estadounidenses de clase trabajadora de Sandburg se unieron a los ciudadanos étnica , racial y regionalmente diversos que otros académicos, intelectuales públicos y folcloristas celebraron para crear sus propias definiciones del folk estadounidense, definiciones que los renovadores del folk utilizaron para construir su propia comprensión de la música folclórica estadounidense y una identidad estadounidense general". ^[91]

Antes de la década de 1930, el estudio de la música folclórica era principalmente el campo de los académicos y coleccionistas. La década de 1930 vio los comienzos de temas, puntos en común y vínculos a mayor escala en la música folclórica que se desarrollaban tanto en la población como entre los practicantes, a menudo relacionados con la Gran Depresión . ^[92] El regionalismo y el pluralismo cultural crecieron como influencias y temas. Durante este tiempo, la música folclórica comenzó a entrelazarse con temas y movimientos de activismo político y social. ^[92] Dos desarrollos relacionados fueron el interés del Partido Comunista de los Estados Unidos en la música folclórica como una forma de llegar e influir en los estadounidenses, ^[93] y los músicos y académicos folclóricos prominentes políticamente activos que veían al comunismo como un posible sistema mejor, a través de la lente de la Gran Depresión. ^[94] Woody Guthrie ejemplifica a los compositores y artistas con esa perspectiva. ^[95]

Los festivales de música folclórica proliferaron durante la década de 1930. ^[96] El presidente Franklin Roosevelt era un fanático de la música folclórica, organizó conciertos folclóricos en la Casa Blanca y, a menudo, patrocinó festivales folclóricos. ^[97] Un festival destacado fue el Festival Folclórico Nacional de Sarah Gertrude Knott , establecido en San Luis, Misuri, en 1934. ^[98] Bajo el patrocinio del Washington Post , el festival se celebró en Washington, DC en el Constitution Hall de 1937 a 1942. ^[99] El movimiento de música folclórica, los festivales y el esfuerzo en tiempos de guerra fueron vistos como fuerzas para bienes sociales como la democracia, el pluralismo cultural y la eliminación de barreras culturales y raciales. ^[100]

Bárbara Allen

Barbara Allen , una balada folclórica tradicional en inglés, cantada por Hule "Queen" Hines de Florida para John Lomax en 1939

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Los renovadores de la música folklórica estadounidense de la década de 1930 abordaron la música folklórica de diferentes maneras. ^[101] Surgieron tres escuelas de pensamiento principales: los "tradicionalistas" (por ejemplo, Sarah Gertrude Knott y John Lomax ) enfatizaban la preservación de las canciones como artefactos de culturas fallecidas. Los folcloristas "funcionales" (por ejemplo, Botkin y Alan Lomax) sostenían que las canciones solo conservan su relevancia cuando son utilizadas por aquellas culturas que conservan las tradiciones que dieron origen a esas canciones. Los renovadores del folklore "de izquierda" (por ejemplo, Charles Seeger y Lawrence Gellert) enfatizaban el papel de la música "en las luchas de los 'pueblos' por los derechos sociales y políticos". ^[101] A finales de la década de 1930, estos y otros habían convertido la música folklórica estadounidense en un movimiento social. ^[101]

En ocasiones, los músicos folclóricos se convirtieron en académicos y defensores de la música. Por ejemplo, Jean Ritchie (1922–2015) era la hija menor de una familia numerosa de Viper, Kentucky , que había conservado muchas de las antiguas canciones tradicionales de los Apalaches . ^[102] Ritchie, que vivió en una época en la que los Apalaches se habían abierto a la influencia externa, estudió en la universidad y finalmente se mudó a la ciudad de Nueva York, donde realizó varias grabaciones clásicas del repertorio familiar y publicó una importante recopilación de estas canciones. ^[103]

En enero de 2012, el American Folklife Center de la Biblioteca del Congreso , junto con la Association for Cultural Equity, anunciaron que publicarían el vasto archivo de Lomax de 1946 y grabaciones posteriores en formato digital. Lomax pasó los últimos 20 años de su vida trabajando en un proyecto informático educativo multimedia interactivo al que llamó Global Jukebox , que incluía 5000 horas de grabaciones de sonido, 400 000 pies de película, 3000 cintas de vídeo y 5000 fotografías. ^[104] A marzo de 2012, esto se ha logrado. Aproximadamente 17 400 de las grabaciones de Lomax de 1946 y posteriores se han puesto a disposición en línea de forma gratuita. ^{[105] [106]} Este material del archivo independiente de Alan Lomax, iniciado en 1946, que ha sido digitalizado y ofrecido por la Asociación para la Equidad Cultural, es "distinto de las miles de grabaciones anteriores en discos de acetato y aluminio que hizo entre 1933 y 1942 bajo los auspicios de la Biblioteca del Congreso. Esta colección anterior, que incluye las famosas sesiones de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly y Muddy Waters, así como las prodigiosas colecciones de Lomax realizadas en Haití y el este de Kentucky (1937), es de procedencia del American Folklife Center" ^[105] en la biblioteca del Congreso.

África es un vasto continente ^[107] y sus regiones y naciones tienen tradiciones musicales distintas. ^{[108] [109]} La música del norte de África en su mayor parte tiene una historia diferente de las tradiciones musicales del África subsahariana . ^[110]

Las formas de música y danza de la diáspora africana , incluida la música afroamericana y muchos géneros caribeños como la soca , el calipso y el zouk ; y géneros musicales latinoamericanos como la samba , la rumba cubana , la salsa ; y otros géneros basados ​​en la clave (ritmo) , se basaron en diversos grados en la música de los africanos esclavizados , lo que a su vez influyó en la música popular africana . ^{[111] [112]}

Muchas civilizaciones asiáticas distinguen entre estilos artísticos , cortesanos o clásicos y música "folclórica". ^{[113] [114]} Por ejemplo, el difunto Alam Lohar es un ejemplo de un cantante del sur de Asia que fue clasificado como cantante folclórico. ^[115]

Khunung Eshei/Khuland Eshei es una antigua canción popular de la India, un país de Asia, de Meiteis de Manipur , que es un ejemplo de música folclórica asiática y de cómo la pusieron en su propio género. ^[116]

Los descubrimientos arqueológicos datan de hace 7000 años la música folclórica china ; ^[117] se basa en gran medida en la escala pentatónica . ^[118]

Las bodas y funerales tradicionales Han suelen incluir una forma de oboe llamada suona , ^[119] y conjuntos de percusión llamados chuigushou . ^[120] Los conjuntos que consisten en órganos de boca ( sheng ), chirimías ( suona ), flautas ( dizi ) e instrumentos de percusión (especialmente gongs yunluo ) son populares en los pueblos del norte; ^[121] su música desciende de la música del templo imperial de Pekín, Xi'an , Wutai shan y Tianjin . La música de tambores de Xi'an , que consiste en instrumentos de viento y percusión, ^[122] es popular alrededor de Xi'an y ha recibido cierta popularidad comercial fuera de China. ^[123] Otro instrumento importante es el sheng , un tipo de flauta china , un instrumento antiguo que es antepasado de todos los instrumentos de lengüeta libre occidentales , como el acordeón . ^{[124] Son comunes los desfiles encabezados por} bandas de metales de tipo occidental , que a menudo compiten en volumen con una banda de chirimía o chuigushou.

En el sur de Fujian y Taiwán , Nanyin o Nanguan es un género de baladas tradicionales. ^[125] Son cantadas por una mujer acompañada por un xiao y una pipa , así como otros instrumentos tradicionales. ^[126] La música es generalmente triste y típicamente trata sobre personas enamoradas. ^{[127] [128]} Más al sur, en Shantou , Hakka y Chaozhou , los conjuntos zheng son populares. ^{[129] Los conjuntos} Sizhu usan flautas e instrumentos de cuerda pulsada o de arco para hacer música armoniosa y melodiosa que se ha vuelto popular en Occidente entre algunos oyentes. ^[130] Estos son populares en Nanjing y Hangzhou , así como en otros lugares a lo largo del área sur del Yangtze . ^[131] Jiangnan Sizhu (música de seda y bambú de Jiangnan ) es un estilo de música instrumental, a menudo tocado por músicos aficionados en casas de té en Shanghai. ^[132] La música de Guangdong o música cantonesa es música instrumental de Guangzhou y sus alrededores. ^[133] La música de esta región influyó en la música Yueju (Ópera Cantonesa), ^[134] que luego se haría popular durante la autodenominada "Edad de Oro" de China bajo la República Popular China . ^[135]

Las canciones populares se han registrado desde la antigüedad en China. El término Yuefu se utilizó para una amplia gama de canciones, como baladas, lamentos, canciones populares, canciones de amor y canciones interpretadas en la corte. ^[136] China es un país vasto, con una multiplicidad de regiones lingüísticas y geográficas. Las canciones populares se clasifican por región geográfica, tipo de idioma, etnia, función social (por ejemplo, canción de trabajo, canción ritual, canción de cortejo) y tipo musical. Las antologías modernas recopiladas por folcloristas chinos distinguen entre canciones tradicionales, canciones revolucionarias y canciones de nueva invención. ^[137] Las canciones del noroeste de China se conocen como "canciones de flores" ( hua'er ), una referencia a las mujeres hermosas, mientras que en el pasado eran notorias por su contenido erótico. ^[138] Las "canciones de montaña" de las aldeas ( shan'ge ) de la provincia de Jiangsu también eran bien conocidas por sus temas amorosos. ^{[139] [140]} Otras tradiciones de canciones regionales incluyen las "letras rasgueadas" ( tanci ) del delta del bajo Yangtze, la tradición cantonesa del pez de madera ( muyu o muk-yu ) y las canciones de tambor ( guci ) del norte de China. ^[141]

En el siglo XXI, muchas canciones populares chinas muy queridas han sido inscritas en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO . ^[142] En el proceso, canciones que alguna vez fueron vistas como vulgares ahora están siendo reconstruidas como canciones románticas de cortejo. ^[143] Los concursos regionales de canciones, populares en muchas comunidades, han promovido el canto popular profesional como una carrera, y algunos cantantes populares individuales han ganado prominencia nacional. ^[144]

El arte, la música y la danza de Sri Lanka derivan de los elementos de la naturaleza y se han disfrutado y desarrollado en el entorno budista . ^[145] La música es de varios tipos y utiliza solo unos pocos tipos de instrumentos. ^[146] Las canciones y poemas populares se usaban en reuniones sociales para trabajar juntos. La música clásica con influencia india ha llegado a ser única. ^{[147] [148] [149] [150]} El teatro, la música y las canciones tradicionales de Sinhala Light Music son típicamente de Sri Lanka. ^[151] Las pinturas y tallas de los templos presentan pájaros, elefantes, animales salvajes, flores y árboles, y las 18 danzas tradicionales muestran la danza de pájaros y animales. ^[152] Por ejemplo:

• Mayura Wannama – La danza del pavo real ^{[153] [154]}
• Hanuma Wannama – La danza del mono ^[155]
• Gajaga Wannama – La danza del elefante

Los tipos musicales incluyen:

• La música dramática local incluye los tipos Kolam ^[156] y Nadagam. ^[157] La ​​música Kolam se basa en melodías de las tierras bajas principalmente para acompañar la danza de máscaras en los rituales de exorcismo . ^{[158] [159]} Se considera menos desarrollada/evolucionada, fiel a la tradición popular y una preservación de una forma de arte más antigua. ^[160] Está limitada a aproximadamente 3-4 notas y la gente común la usa para el placer y el entretenimiento. ^[161]
• La música nadagam es una forma de drama más desarrollada, influenciada por el drama callejero del sur de la India, que fue introducido por algunos artistas del sur de la India. Phillippu Singho de Negombo interpretó en 1824 "Harishchandra Nadagama" en Hnguranketha , que originalmente estaba escrito en lengua telingu . Más tarde se introdujeron "Maname", ^[162] "Sanda kinduru" ^[163] y otros. Don Bastian de Dehiwala introdujo el Noorthy en primer lugar a partir de los dramas indios y luego John de Silva lo desarrolló, al igual que el Ramayanaya en 1886. ^[164]
• La música ligera cingalesa es actualmente el tipo de música más popular en Sri Lanka y está enriquecida con la influencia de la música folclórica, la música kolam, la música nadagam, la música noorthy, la música cinematográfica , la música clásica, la música occidental y otras. ^[165] Algunos artistas visitaron la India para aprender música y luego comenzaron a introducir la música ligera. Ananda Samarakone fue el pionero de esto ^{[166] [167]} y también compuso el himno nacional. ^[168]

La orquesta clásica cingalesa consta de cinco categorías de instrumentos, pero entre los instrumentos de percusión, el tambor es esencial para la danza. ^[169] El ritmo vibrante de los tambores forma la base de la danza. ^[170] Los pies de los bailarines rebotan en el suelo y saltan y se arremolinan en patrones que reflejan los ritmos complejos del ritmo del tambor. Este ritmo de tambor puede parecer simple a primera vista, pero lleva mucho tiempo dominar los ritmos y variaciones intrincados, que el baterista a veces puede llevar a un crescendo de intensidad. Hay seis tipos comunes de tambores que se dividen en tres estilos (de una cara, de dos caras y de cara plana): ^{[171] [172]}

• La danza típica cingalés se identifica como la danza kandiana y el tambor Gatabera es indispensable para esta danza. ^[173]
• Yak-bera es el tambor demoníaco o el tambor utilizado en la danza de las tierras bajas en la que los bailarines usan máscaras y realizan una danza del diablo, que se ha convertido en una forma de arte altamente desarrollada. ^[174]
• El Daula es un tambor con forma de barril , y se utilizaba como tambor acompañante del Thammattama en el pasado, para mantener un ritmo estricto. ^[175]
• El Thammattama es un tambor plano de dos caras. El percusionista golpea el tambor en las dos superficies de la parte superior con baquetas, a diferencia de los otros en los que se golpea en los lados. Este es un tambor complementario del mencionado Dawula. ^[176]
• Para acompañar las canciones se utiliza un pequeño tambor de mano de dos parches. Se escucha principalmente en danzas poéticas como el vannam. ^{[ Aclaración necesaria ]}
• El Rabana es un tambor circular de cara plana y viene en varios tamaños. ^[177] El Rabana grande, llamado Banku Rabana, tiene que colocarse en el suelo como una mesa circular de patas cortas y varias personas (tradicionalmente mujeres) pueden sentarse a su alrededor y golpearlo con ambas manos. ^[178] Esto se usa en festivales como el Año Nuevo cingalés y ceremonias como bodas. ^[179] El resonante ritmo del Rabana simboliza los estados de ánimo alegres de la ocasión. El Rabana pequeño es una forma de tambor móvil ya que el intérprete lo lleva a donde quiera que vaya. ^[180]

Otros instrumentos incluyen:

• La Thalampata: dos pequeños platillos unidos por una cuerda. ^[181]
• La sección de viento está dominada por un instrumento parecido al clarinete. ^{[ Aclaración necesaria ]} Normalmente, no se utiliza para danzas. Es importante tener esto en cuenta porque la danza cingalesa no está musicalizada como la conocemos en el mundo occidental; el ritmo es el rey.
• Las flautas de metal como la plata y el latón producen música estridente para acompañar las danzas kandyanas, mientras que las melodías lastimeras de la flauta de caña pueden perforar el aire en la danza del diablo. La caracola ( Hakgediya ) es otra forma de instrumento natural, y el intérprete la toca para anunciar la apertura de ceremonias de grandeza. ^[182]
• El Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron o ravana hasta veena) es un violín de arco que alguna vez fue popular en la India occidental. ^{[183] ​​[184]} Se cree que se originó en la civilización Hela de Sri Lanka en la época del rey Ravana. ^[185] El cuenco está hecho de cáscara de coco cortada, cuya boca está cubierta con piel de cabra. Un dandi, hecho de bambú, está unido a esta cáscara. ^[185] Las cuerdas principales son dos: una de acero y la otra de un juego de crin de caballo. El arco largo tiene cascabeles. ^{[186] [187]}

La música indígena australiana incluye la música de los aborígenes australianos y de los isleños del Estrecho de Torres , que colectivamente se denominan indígenas australianos ; ^[188] incorpora una variedad de estilos musicales tradicionales distintivos practicados por los pueblos indígenas australianos, así como una gama de estilos musicales contemporáneos y fusiones con las tradiciones europeas interpretadas e interpretadas por artistas indígenas australianos. ^[189] La música ha formado parte integral de las observancias sociales , culturales y ceremoniales de estos pueblos, a lo largo de los milenios de sus historias individuales y colectivas hasta la actualidad. ^{[190] [191]} Las formas tradicionales incluyen muchos aspectos de interpretación e instrumentos musicales exclusivos de regiones particulares o grupos indígenas australianos . ^[192] Los elementos iguales de la tradición musical son comunes en gran parte del continente australiano, e incluso más allá. ^[193] La cultura de los isleños del Estrecho de Torres está relacionada con la de las partes adyacentes de Nueva Guinea y, por lo tanto, su música también está relacionada. La música es una parte vital del mantenimiento cultural de los indígenas australianos. ^[194]

Las tradiciones de las canciones populares fueron llevadas a Australia por los primeros colonos de Inglaterra, Escocia e Irlanda y ganaron un punto de apoyo particular en el interior rural . ^{[195] [196]} Las canciones, poemas y cuentos con rimas escritos en forma de baladas de bush a menudo se relacionan con el espíritu itinerante y rebelde de Australia en The Bush , y los autores e intérpretes a menudo se conocen como bardos de bush. ^[197] El siglo XIX fue la época dorada de las baladas de bush. ^[198] Varios coleccionistas han catalogado las canciones, incluido John Meredith , cuya grabación en la década de 1950 se convirtió en la base de la colección de la Biblioteca Nacional de Australia . ^[197]

Las canciones cuentan historias personales de la vida en el campo abierto de Australia. ^{[199] [200]} Los temas típicos incluyen la minería, la cría y el pastoreo de ganado, la esquila de ovejas , los vagabundeos, las historias de guerra, la huelga de esquiladores australianos de 1891 , los conflictos de clase entre la clase trabajadora sin tierra y los okupas (terratenientes) y forajidos como Ned Kelly , así como intereses amorosos y temas más modernos como el transporte por carretera . ^[201] La balada más famosa es " Waltzing Matilda ", que ha sido llamada "el himno nacional no oficial de Australia". ^[202]

La música celta es un término utilizado por artistas, compañías discográficas, tiendas de música y revistas de música para describir una amplia agrupación de géneros musicales que evolucionaron a partir de las tradiciones musicales folclóricas de los pueblos celtas . ^[203] Estas tradiciones incluyen las tradiciones irlandesa , escocesa , manesa , de Cornualles , galesa y bretona . ^{[204] A menudo se incluye} la música asturiana y gallega , aunque no hay investigaciones significativas que demuestren que tengan una relación musical cercana. ^{[205] [206] El resurgimiento del folk} en Bretaña comenzó en la década de 1950 con el "bagadoù" y el "kan-ha-diskan" antes de alcanzar la fama mundial a través del trabajo de Alan Stivell desde mediados de la década de 1960. ^[207]

En Irlanda, The Clancy Brothers y Tommy Makem (aunque sus miembros nacieron en Irlanda, el grupo se hizo famoso mientras estaba radicado en Greenwich Village de Nueva York ^[208] ), The Dubliners , ^[209] Clannad , ^[210] Planxty , ^[211] The Chieftains , ^{[212] [213]} The Pogues , ^[214] The Corrs , ^[215] The Irish Rovers , ^[216] y una variedad de otras bandas folk han hecho mucho en las últimas décadas para revitalizar y volver a popularizar la música tradicional irlandesa . ^[217] Estas bandas estaban arraigadas, en mayor o menor medida, en una tradición de música irlandesa y se beneficiaron de los esfuerzos de artistas como Seamus Ennis y Peter Kennedy . ^[207]

En Escocia , The Corries , ^[218] Silly Wizard , ^{[219] [220]} Capercaillie , ^[221] Runrig , ^[222] Jackie Leven , ^[223] Julie Fowlis , ^[224] Karine Polwart , ^[225] Alasdair Roberts , ^{[226] [227]} Dick Gaughan , ^[228] Wolfstone , ^[229] Boys of the Lough , ^[230] y The Silencers ^[231] han mantenido el folk escocés vibrante y fresco al mezclar canciones tradicionales escocesas y gaélicas con géneros más contemporáneos. ^[232] Estos artistas también han tenido éxito comercial en Europa continental y América del Norte. ^[233] Hay una riqueza emergente de talento en la escena de la música tradicional escocesa, con bandas como Mànran , ^[234] Skipinnish , ^[235] Barluath ^[236] y Breabach ^[237] y artistas solistas como Patsy Reid, ^[238] Robyn Stapleton ^[239] y Mischa MacPherson ^[240] obteniendo mucho éxito en los últimos años. ^[241]

Durante la era del Bloque del Este , el estado promovió activamente la danza folclórica nacional. ^[242] Grupos de danza de Rusia y Polonia realizaron giras por la Europa no comunista desde aproximadamente 1937 hasta 1990. ^[243] El Coro del Ejército Rojo grabó muchos álbumes, convirtiéndose en la banda militar más popular. ^[244] Europa del Este es también el origen de la tradición judía Klezmer . ^[245]

La polca es una danza centroeuropea y también un género de música de baile familiar en toda Europa y América. Se originó a mediados del siglo XIX en Bohemia . ^[246] La polca sigue siendo un género popular de música folclórica en muchos países europeos y es interpretada por artistas folclóricos en Polonia , Letonia , Lituania , República Checa , Países Bajos , Croacia , Eslovenia , Alemania , Hungría , Austria , Suiza , Italia , Ucrania , Bielorrusia , Rusia y Eslovaquia . ^[247] También se encuentran variedades locales de esta danza en los países nórdicos , Reino Unido , República de Irlanda , América Latina (especialmente México ) y en los Estados Unidos .

Las canciones populares alemanas perpetuadas por manuscritos de Liederhandschriften como Carmina Burana ^[248] se remontan a las tradiciones medievales de Minnesang y Meistersinger . ^[249] Esas canciones populares revivieron en el período del Romanticismo alemán de finales del siglo XVIII , ^[250] promovidas primero por Johann Gottfried Herder ^{[251] [252]} y otros defensores de la Ilustración , ^[253] compiladas más tarde por Achim von Arnim ^[254] y Clemens Brentano ( Des Knaben Wunderhorn ) ^[255] así como por Ludwig Uhland . ^[256]

El género de la música popular y las danzas folclóricas , especialmente en las regiones alpinas de Baviera , Austria , Suiza ( Kuhreihen ) y Tirol del Sur , hasta hoy ha persistido en comunidades rústicas en el contexto de la industrialización ^{[257] —las} chabolas de la Baja Alemania o el Wienerlied ^[258] ( Schrammelmusik ) son excepciones notables. La música folclórica eslovena en la Alta Carniola y Estiria también se originó a partir de las tradiciones alpinas, como el prolífico Lojze Slak Ensemble. ^[259] La música popular tradicional no debe confundirse con la música popular comercial , que es una derivación de esta. ^[260]

El grupo húngaro Muzsikás realizó numerosas giras por Estados Unidos ^[261] y participó en la película de Hollywood El paciente inglés ^[262], mientras que la cantante Márta Sebestyén trabajó con la banda Deep Forest . ^{[263] El movimiento} táncház húngaro , que comenzó en la década de 1970, implica una fuerte cooperación entre expertos en musicología y aficionados entusiastas. ^[264] Sin embargo, la música folclórica tradicional húngara y la cultura folclórica apenas sobrevivieron en algunas áreas rurales de Hungría, y también han comenzado a desaparecer entre los húngaros étnicos en Transilvania . El movimiento táncház revivió tradiciones folclóricas más amplias de música, danza y vestuario juntas y creó un nuevo tipo de club de música. ^[265] El movimiento se extendió a las comunidades étnicas húngaras en otras partes del mundo. ^[265]

La música folclórica de los Balcanes estuvo influenciada por la mezcla de grupos étnicos de los Balcanes en el período del Imperio Otomano . ^[266] Comprende la música de Bosnia y Herzegovina , Bulgaria , Croacia , Grecia , Montenegro , Serbia , Rumania , Macedonia del Norte , Albania , algunos de los estados históricos de Yugoslavia o Serbia y Montenegro y regiones geográficas como Tracia . ^[267] Algunas músicas se caracterizan por un ritmo complejo. ^[268]

Un acto notable es el Misterio de las Voces Búlgaras , que ganó el Premio Grammy a la Mejor Grabación Folklórica Tradicional en la 32ª ceremonia anual . ^{[269] [270]}

Una parte importante de toda la música folclórica de los Balcanes es la música de la minoría étnica romaní local , llamada tallava y música de bandas de metales . ^{[271] [272]}

La música folclórica nórdica incluye una serie de tradiciones de los países del norte de Europa, especialmente de los escandinavos. Por lo general, se considera que los países nórdicos incluyen a Islandia , Noruega , Finlandia , Suecia, Dinamarca y Groenlandia . ^[273] A veces se considera que incluye a los países bálticos de Estonia , Letonia y Lituania . ^[274]

Las numerosas regiones de los países nórdicos comparten ciertas tradiciones, muchas de las cuales han divergido significativamente, como el Salmodónico de Dinamarca, Suecia y Noruega. ^[275] Es posible agrupar a los estados bálticos (o, a veces, solo Estonia) y partes del noroeste de Rusia como si compartieran similitudes culturales, ^[276] aunque la relación se ha enfriado en los últimos años. ^[277] Contrasta con Noruega, Suecia, Dinamarca y las islas atlánticas de Islandia y las Islas Feroe, que prácticamente no comparten similitudes de ese tipo. La cultura inuit de Groenlandia tiene sus propias tradiciones musicales únicas. ^[278] Finlandia comparte muchas similitudes culturales tanto con las naciones bálticas como con las naciones escandinavas. Los sami de Suecia, Noruega, Finlandia y Rusia tienen su propia cultura única, con vínculos con las culturas vecinas. ^[279]

La música folclórica sueca es un género musical basado principalmente en el trabajo de recopilación folclórica que comenzó a principios del siglo XIX en Suecia. ^[280] El instrumento principal de la música folclórica sueca es el violín . ^[281] Otro instrumento común , exclusivo de las tradiciones suecas, es la nyckelharpa . ^[282] La mayor parte de la música folclórica instrumental sueca es música de baile ; la música y la forma de baile distintivas dentro de la música folclórica sueca es la polska . ^[283] Las tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir melodías históricamente, aunque se han interpretado por separado. ^[284] A partir del resurgimiento de la música folclórica de la década de 1970, los vocalistas e instrumentistas también han comenzado a actuar juntos en conjuntos de música folclórica .

La música folklórica de las Américas consiste en el encuentro y unión de tres tipos musicales principales: la música tradicional europea, la música tradicional de los indígenas americanos y la música tribal africana que llegó con los esclavos desde ese continente.

El caso particular de la música latinoamericana y sudamericana apunta a la música andina ^[285] entre otros estilos musicales nativos (como la caribeña ^[286] y la pampeana), la música ibérica de España y Portugal , y en general la música tribal africana , las tres fusionadas evolucionando en formas musicales diferenciadas en América Central y del Sur.

La música andina proviene de la región de los quechuas , aymaras y otros pueblos que habitaban el área general del Imperio Inca antes del contacto europeo. ^[287] Incluye música folclórica de partes de Bolivia , Ecuador , ^[288] Chile, Colombia , Perú y Venezuela . La música andina es popular en diferentes grados en América Latina, y tiene su público principal en las áreas rurales y entre las poblaciones indígenas. El movimiento Nueva Canción de la década de 1970 revivió el género en América Latina y lo llevó a lugares donde era desconocido u olvidado.

La nueva canción es un movimiento y género dentro delatinoamericanaeibérica, la música inspirada en el folklore y la música socialmente comprometida. En algunos aspectos, su desarrollo y papel son similares al segundo resurgimiento de la música folclórica en América del Norte. Esto incluye la evolución de este nuevo género a partir de la música folclórica tradicional, esencialmente la música folclórica contemporánea, excepto que ese término de género inglés no se le aplica comúnmente. Se reconoce que la nueva canción jugó un papel poderoso en los levantamientos sociales en Portugal, España y América Latina durante las décadas de 1970 y 1980.

La nueva canción surgió por primera vez durante la década de 1960 como "La nueva canción chilena" en Chile. El estilo musical surgió poco después en España y áreas de América Latina, donde llegó a ser conocido con nombres similares. La nueva canción renovó la música folclórica latinoamericana tradicional y, con sus letras políticas, pronto se asoció con movimientos revolucionarios, la Nueva Izquierda latinoamericana , la Teología de la Liberación , los movimientos hippies y de derechos humanos. Ganaría gran popularidad en toda América Latina y se considera un precursor del rock en español .

Cueca es una familia de estilos musicales y bailes asociados de Chile, Bolivia y Perú .

La trova y el son son estilos de música tradicional cubana originarios de la provincia de Oriente que incluyen influencias de la canción y la danza española, como el bolero y la contradanza , así como elementos de ritmo y percusión afrocubanos .

Moda de viola es el nombre que se le da a la música folclórica brasileña. Suele interpretarse con una guitarra acústica de nailon de 6 cuerdas, pero el instrumento más tradicional es la viola caipira . Las canciones básicamente detallan las dificultades de la vida de quienes trabajan en el campo. Los temas suelen estar asociados a la tierra, los animales, el folclore, el amor imposible y la separación. Aunque hay algunas canciones alegres, la mayoría de ellas son nostálgicas y melancólicas.

La música folclórica tradicional de Canadá es particularmente diversa. ^[289] Incluso antes de liberalizar sus leyes de inmigración en la década de 1960, Canadá era étnicamente diverso con docenas de diferentes grupos indígenas y europeos presentes. En términos de música, los académicos no hablan de una tradición canadiense, sino más bien de tradiciones étnicas ( música acadia , música irlandesa-canadiense , música blackfoot , música innu , música inuit , violín métis , etc.) y más tarde en el este de Canadá, tradiciones regionales ( música de Terranova , violín de Cabo Bretón , música quebequense , etc.)

La música folclórica tradicional de origen europeo ha estado presente en Canadá desde la llegada de los primeros colonos franceses y británicos en los siglos XVI y XVII... Ellos pescaban en las aguas costeras y cultivaban las costas de lo que se convirtió en Terranova, Nueva Escocia, Nuevo Brunswick, la Isla del Príncipe Eduardo y el valle del río San Lorenzo de Quebec.

El comercio de pieles y sus viajeros trajeron esta materia más al norte y al oeste, hacia Canadá; más tarde, las operaciones madereras y los leñadores continuaron este proceso.

El asentamiento agrario en el este y sur de Ontario y el oeste de Quebec a principios del siglo XIX creó un entorno favorable para la supervivencia de muchas canciones populares anglocanadienses y baladas de Gran Bretaña y los Estados Unidos. A pesar de la industrialización masiva, las tradiciones de la música folclórica han persistido en muchas áreas hasta hoy. En el norte de Ontario, una gran población franco-ontaria mantuvo viva la música folclórica de origen francés.

Las comunidades acadianas de las provincias atlánticas contribuyeron con sus variantes de canciones al enorme corpus de música folclórica de origen francés centrado en la provincia de Quebec. En la región atlántica, especialmente en Terranova, se puede encontrar una rica fuente de música folclórica anglocanadiense. Completan este mosaico de folclore musical la música gaélica de los asentamientos escoceses, en particular en Cabo Bretón, y los cientos de canciones irlandesas cuya presencia en el este de Canadá data de la hambruna irlandesa de la década de 1840, que obligó a grandes migraciones de irlandeses a América del Norte. ^[289]

En 1974, Isabelle Mills escribió: « El conocimiento de la historia de Canadá es esencial para comprender el mosaico de canciones populares canadienses. Parte de este mosaico está formado por las canciones populares de Canadá que los colonos europeos y anglosajones trajeron a la nueva tierra». ^[12] Describe cómo la colonia francesa de Quebec trajo inmigrantes franceses, seguidos poco después por oleadas de inmigrantes de Gran Bretaña, Alemania y otros países europeos, todos ellos trayendo música de sus países de origen, parte de la cual sobrevive hasta nuestros días. El etnógrafo y folclorista Marius Barbeau estimó que en Canadá se habían recopilado más de diez mil canciones populares francesas y sus variantes. Muchas de las más antiguas ya se habían extinguido en Francia.

La música como entretenimiento profesionalizado y pagado creció relativamente lentamente en Canadá, especialmente en las zonas rurales remotas, durante el siglo XIX y principios del XX. Mientras que en las zonas urbanas se hicieron populares los clubes de música de salón de baile y vodevil , seguidos por el jazz, el Canadá rural siguió siendo principalmente una tierra de música tradicional. Sin embargo, cuando las cadenas de radio estadounidenses comenzaron a transmitir en Canadá en los años 1920 y 1930, la audiencia de la música tradicional canadiense disminuyó progresivamente en favor de la música country estadounidense al estilo de Nashville y estilos urbanos como el jazz. La americanización de la música canadiense llevó a la Canadian Radio League a presionar para que se creara una emisora ​​pública nacional en la década de 1930, lo que finalmente llevó a la creación de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC) en 1936. La CBC promovió la música canadiense, incluida la música tradicional, en sus servicios de radio y más tarde de televisión, pero la locura de mediados de siglo por todo lo "moderno" llevó al declive de la música folclórica en relación con el rock y el pop. Sin embargo, Canadá se vio influenciado por el resurgimiento de la música folklórica de la década de 1960, cuando lugares locales como el Montreal Folk Workshop y otros clubes folklóricos y cafeterías de todo el país se convirtieron en crisoles para compositores e intérpretes emergentes, así como para el intercambio con artistas visitantes del extranjero.

La música tradicional estadounidense también se denomina música de raíces. La música de raíces es una amplia categoría de música que incluye el bluegrass , la música country , el gospel , la música antigua , las jug bands , el folk de los Apalaches , el blues , la música cajún y la música de los nativos americanos . La música se considera estadounidense ya sea porque es originaria de los Estados Unidos o porque se desarrolló allí, a partir de orígenes extranjeros, hasta tal punto que les pareció a los musicólogos algo claramente nuevo. Se considera "música de raíces" porque sirvió como base de la música desarrollada posteriormente en los Estados Unidos, incluido el rock and roll , la música folclórica contemporánea, el rhythm and blues y el jazz . Algunos de estos géneros se consideran música folclórica tradicional.

• La música cajún , una música emblemática de Luisiana , tiene sus raíces en las baladas de los acadianos francófonos de Canadá. La música cajún se menciona a menudo junto con la forma zydeco de origen criollo e influencia cajún , ambas de origen acadiano . Estos sonidos franceses de Luisiana han influido en la música popular estadounidense durante muchas décadas, especialmente en la música country , y han influido en la cultura pop a través de los medios de comunicación masivos, como los anuncios de televisión.
• La música de los Apalaches es la música tradicional de la región de los Apalaches en el este de los Estados Unidos. Proviene de varias influencias europeas y africanas, incluidas las baladas inglesas , la música tradicional irlandesa y escocesa (especialmente la música de violín ), los himnos y el blues afroamericano . Los músicos de los Apalaches, grabados por primera vez en la década de 1920, fueron una influencia clave en el desarrollo temprano de la música antigua , la música country y el bluegrass , y fueron una parte importante del renacimiento de la música folclórica estadounidense . Los instrumentos que se utilizan típicamente para interpretar música de los Apalaches incluyen el banjo , el violín americano , el dulcimer con trastes y la guitarra. ^[290] Los primeros músicos de los Apalaches registrados incluyen a Fiddlin' John Carson , Henry Whitter , Bascom Lamar Lunsford , la familia Carter , Clarence Ashley , Frank Proffitt y Dock Boggs , todos ellos grabados inicialmente en las décadas de 1920 y 1930. Varios músicos de los Apalaches obtuvieron renombre durante el resurgimiento del folk de los años 1950 y 1960, entre ellos Jean Ritchie , Roscoe Holcomb , Ola Belle Reed , Lily May Ledford y Doc Watson . Artistas de country y bluegrass como Loretta Lynn , Roy Acuff , Dolly Parton , Earl Scruggs , Chet Atkins y Don Reno estuvieron fuertemente influenciados por la música tradicional de los Apalaches. ^[290] Artistas como Bob Dylan , Dave Van Ronk , Jerry García y Bruce Springsteen han interpretado canciones de los Apalaches o versiones reescritas de canciones de los Apalaches.
• La familia Carter fue un grupo de música folk tradicional estadounidense que grabó entre 1927 y 1956. Su música tuvo un profundo impacto en los músicos de bluegrass , country , gospel sureño , pop y rock. Fueron el primer grupo vocal en convertirse en estrellas de la música country; un comienzo de la divergencia de la música country de la música folk tradicional. Sus grabaciones de canciones como " Wabash Cannonball " (1932), " Will the Circle Be Unbroken " (1935), " Wildwood Flower " (1928) y " Keep On the Sunny Side " (1928) los convirtieron en estándares de la música country. ^[291]
• Oklahoma y llanuras del sur de los EE. UU.: Antes de la historia registrada, los indios americanos en esta área usaban canciones e instrumentación; la música y la danza siguen siendo el núcleo de las actividades ceremoniales y sociales. ^[292] " La danza del pisotón " sigue siendo su núcleo, una forma de llamada y respuesta ; la instrumentación la proporcionan sonajeros o grilletes que se usan en las piernas de las mujeres. ^[292] "Otras naciones del sudeste tienen sus propios complejos de canciones sagradas y sociales, incluidas las de danzas de animales y danzas de amistad, y canciones que acompañan a los juegos de stickball . Central para la música de los indios de las llanuras del sur es el tambor, que ha sido llamado el latido del corazón de la música de los indios de las llanuras. La mayor parte de ese género se remonta a actividades de caza y guerra, en las que se basó la cultura de las llanuras ". ^[292] El tambor es central para la música de los indios de las llanuras del sur. Durante el período de la reserva, usaban la música para aliviar el aburrimiento. Los vecinos se reunían, intercambiaban y creaban canciones y bailes; esto es parte de las raíces del powwow intertribal moderno . Otro instrumento común es la flauta de cortejo. ^[292]
• La música folclórica afroamericana de la zona tiene raíces en la esclavitud y la emancipación. La música sacra , a capela y acompañada de instrumentos, está en el corazón de la tradición. Los primeros espirituales enmarcaron las creencias cristianas dentro de las prácticas nativas y estuvieron fuertemente influenciados por la música y los ritmos de África". ^[292] Los espirituales son prominentes y, a menudo, utilizan un patrón de llamada y respuesta. ^[292] " El gospel se desarrolló después de la Guerra Civil (1861-1865). Se basó en el texto bíblico para gran parte de su dirección, y el uso de metáforas e imágenes era común. El gospel es un "ruido alegre", a veces acompañado de instrumentación y casi siempre puntuado por palmas, golpeteo de los dedos de los pies y movimiento del cuerpo". ^[292] " El canto de notas de forma o arpa sagrada se desarrolló a principios del siglo XIX como una forma de que los instructores de canto itinerantes enseñaran canciones de la iglesia en las comunidades rurales. Enseñaban utilizando cancioneros en los que las notaciones musicales de los tonos se representaban mediante formas geométricas que estaban diseñadas para asociar una forma con su tono. El canto sacro con arpa se hizo popular en muchas comunidades rurales de Oklahoma, independientemente de la etnia". ^[292] Más tarde se desarrolló la tradición del blues, con raíces y paralelos a la música sacra. ^[292] Luego se desarrolló el jazz, nacido de una "mezcla de ragtime, gospel y blues" ^[292]
• Las tradiciones musicales anglo-escocesas-irlandesas ganaron un lugar en Oklahoma después de la Land Run de 1889. Debido a su tamaño y portabilidad, el violín fue el núcleo de la música anglosajona temprana de Oklahoma , pero otros instrumentos como la guitarra, la mandolina , el banjo y la guitarra de acero se agregaron más tarde. Varias tradiciones musicales de Oklahoma tienen sus raíces en las Islas Británicas, incluidas las baladas de vaqueros , el western swing y el country y western contemporáneos ". ^[292] Los inmigrantes mexicanos comenzaron a llegar a Oklahoma en la década de 1870, trayendo consigo hermosas canciones y corridos , canciones de amor, valses y baladas. Al igual que las comunidades indígenas estadounidenses, cada rito de paso en las comunidades hispanas está acompañado de música tradicional. La guitarra acústica, el contrabajo y el violín proporcionan la instrumentación básica para la música mexicana, con maracas , flauta, trompas o, a veces, acordeón que completan el sonido. ^[292] Otros europeos (como los bohemios y los alemanes) se establecieron a fines del siglo XIX. Sus actividades sociales se centraban en los salones comunitarios, "donde los músicos locales tocaban polcas y valses en el acordeón, el piano y los instrumentos de viento ". ^[292] Más tarde, los asiáticos contribuyeron a la mezcla musical. "Las antiguas tradiciones de música y danza de los templos y las cortes de China , India e Indonesia se conservan en Asia. comunidades de todo el estado, y los géneros de canciones populares se incorporan continuamente a estas formas de música clásica" ^[292]

El término "renacimiento de la música folclórica" ​​hace referencia a un período de renovado interés por la música folclórica tradicional o a un acontecimiento o período que la transforma; este último suele incluir un componente de activismo social. Un ejemplo destacado del primero es el resurgimiento del folk británico de aproximadamente 1890-1920. El ejemplo más destacado e influyente del segundo (hasta el punto de que suele denominarse " renacimiento de la música folclórica") es el resurgimiento del folk de mediados del siglo XX, centrado en el mundo angloparlante que dio origen a la música folclórica contemporánea. ^[294] Véase el artículo " Música folclórica contemporánea " para obtener una descripción de este resurgimiento.

Un resurgimiento anterior influyó en la música clásica occidental. Compositores como Percy Grainger , Ralph Vaughan Williams y Béla Bartók realizaron grabaciones de campo o transcripciones de cantantes y músicos populares.

En España, Isaac Albéniz (1860-1909) produjo obras para piano que reflejan su herencia española, incluida la Suite Iberia (1906-1909). Enrique Granados (1867-1918) compuso zarzuela , ópera ligera española y Danzas Españolas . Manuel de Falla (1876-1946) se interesó por el cante jondo del flamenco andaluz , cuya influencia se puede sentir fuertemente en muchas de sus obras, que incluyen Noches en los jardines de España y Siete canciones populares españolas ("Siete canciones populares españolas", para voz y piano). Compositores como Fernando Sor y Francisco Tárrega establecieron la guitarra como el instrumento nacional de España. Abundan los artistas folclóricos españoles modernos (Mil i Maria, Russian Red , et al.) modernizándose al mismo tiempo que respetan las tradiciones de sus antepasados.

El flamenco se hizo cada vez más popular a lo largo del siglo XX, al igual que otros estilos del norte, como la música celta de Galicia . Los compositores clásicos franceses, desde Bizet hasta Ravel , también se inspiraron en temas españoles, y los géneros españoles distintivos se hicieron universalmente reconocidos.

Los resurgimientos de la música folclórica o de las raíces también abarcan una serie de fenómenos en todo el mundo en los que hay un renovado interés por la música tradicional. Esto suele ocurrir entre los jóvenes, a menudo por la música tradicional de su propio país, y a menudo incluye la incorporación de nuevas conciencias sociales, causas y evoluciones de nueva música en el mismo estilo. La nueva canción , una evolución similar de una nueva forma de música socialmente comprometida, ocurrió en varios países de habla hispana.

A veces se afirma que el primer festival de música folclórica de los Estados Unidos fue el Mountain Dance and Folk Festival, ^{[295] [296]} 1928, en Asheville, Carolina del Norte , fundado por Bascom Lamar Lunsford . ^[297] El National Folk Festival (USA) es un festival folclórico itinerante en los Estados Unidos. ^[298] Desde 1934, ha sido organizado por el Consejo Nacional para las Artes Tradicionales (NCTA) y se ha presentado en 26 comunidades de todo el país. ^[299] Después de dejar algunas de estas comunidades, el National Folk Festival ha generado varios festivales folclóricos organizados localmente, incluido el Lowell Folk Festival , ^[300] el Richmond Folk Festival, ^[301] el American Folk Festival ^[302] y, más recientemente, el Montana Folk Festival. ^[303]

El Newport Folk Festival es un festival folclórico anual que se celebra cerca de Newport, Rhode Island. ^[304] Se celebró la mayoría de los años entre 1959 y 1970 y desde 1985 hasta la actualidad, con una asistencia de aproximadamente 10.000 personas cada año. ^[305]

El Philadelphia Folk Festival, de cuatro días de duración , comenzó en 1962. ^[306] Está patrocinado por la organización sin ánimo de lucro Philadelphia Folksong Society. ^[307] El evento acoge a artistas contemporáneos y tradicionales de géneros como el world/fusión, el celta, el cantautor, el folk rock, el country, el klezmer y el dance. ^{[308] [309]} Se celebra anualmente el tercer fin de semana de agosto. ^[310] El evento acoge ahora a unos 12.000 visitantes y presenta bandas en seis escenarios. ^[311]

La Fiesta de la Luna de los Cazadores en Indiana atrae aproximadamente a 60.000 visitantes por año. ^[312]

El Festival de Sidmouth comenzó en 1954, ^[313] y el Festival Folklórico de Cambridge comenzó en 1965. ^[314] El Festival Folklórico de Cambridge en Cambridge , Inglaterra, se destaca por tener una definición muy amplia de quién puede ser invitado como músicos folklóricos. ^[315] Las "carpas del club" permiten a los asistentes descubrir una gran cantidad de artistas desconocidos, quienes, durante diez o quince minutos cada uno, presentan su trabajo a la audiencia del festival. ^[316]

El Festival Folklórico Nacional es el festival folklórico más importante de Australia y al mismo asisten más de 50.000 personas. ^{[317] [318]} El Festival Folklórico de Woodford y el Festival Folklórico de Port Fairy también se encuentran entre los eventos anuales más importantes de Australia y atraen a los mejores artistas folklóricos internacionales, así como a muchos artistas locales. ^{[319] [320]}

Stan Rogers es un elemento fijo del festival folclórico canadiense Summerfolk , que se celebra anualmente en Owen Sound, Ontario , donde el escenario principal y el anfiteatro están dedicados como el "Stan Rogers Memorial Canopy". ^[321] El festival está firmemente arraigado en la tradición, con la canción de Rogers " The Mary Ellen Carter " cantada por todos los participantes, incluida la audiencia y un popurrí de actos en el festival. ^{[322] [323]} El Festival de Música Folclórica de Canmore es el festival de música folclórica de más larga duración de Alberta. ^[324]

Urkult Näsåker, Ångermanland, que se celebra cada año en agosto, es supuestamente el festival de música mundial más grande de Suecia. ^[325]

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