Pedagogía vocal

La anatomía de las cuerdas vocales
Vista laringoscópica de las cuerdas vocales
Abducción y aducción
Detalles
Precursor	Sexto arco faríngeo
Nervio	N. laryngeus recurrente y N. laryngeus superior
Identificadores
latín	plica vocal
Terminología anatómica [editar en Wikidata]

La pedagogía vocal es el estudio del arte y la ciencia de la instrucción vocal . Se utiliza en la enseñanza del canto y ayuda a definir qué es el canto, cómo funciona y cómo se logra una técnica de canto adecuada .

La pedagogía vocal abarca una amplia gama de aspectos del canto, desde el proceso fisiológico de la producción vocal hasta los aspectos artísticos de la interpretación de canciones de diferentes géneros o épocas históricas. Las áreas de estudio típicas incluyen: ^[1]

• Anatomía y fisiología humana en relación con el proceso físico del canto.
• Respiración y apoyo aéreo para cantar
• Postura para cantar
• Fonación
• Resonancia vocal o proyección de voz
• Dicción, vocales y articulación
• Registro vocal
• Sostenuto y legato para cantar
• Otros elementos del canto, como la extensión del rango, la calidad del tono, el vibrato y la coloratura.
• Salud vocal y trastornos de la voz relacionados con el canto
• Estilos vocales, como aprender a cantar ópera , cinturón o canción de arte.
• Fonética
• Clasificación de voz

Todos estos conceptos diferentes forman parte del desarrollo de una técnica vocal adecuada . No todos los profesores de canto tienen las mismas opiniones sobre cada tema de estudio, lo que provoca variaciones en los enfoques pedagógicos y en la técnica vocal.

En la cultura occidental, el estudio de la pedagogía vocal comenzó en la Antigua Grecia . Eruditos como Alipio y Pitágoras estudiaron y realizaron observaciones sobre el arte del canto. Sin embargo, no está claro si los griegos desarrollaron alguna vez un enfoque sistemático para enseñar canto, ya que en la actualidad sobreviven pocos escritos sobre el tema. ^[2]

El primer registro sobreviviente de un enfoque sistematizado para la enseñanza del canto se desarrolló en los monasterios medievales de la Iglesia Católica Romana en algún momento cerca del comienzo del siglo XIII. Al igual que con otros campos de estudio, los monasterios fueron el centro de la vida intelectual musical durante el período medieval y muchos hombres dentro de los monasterios dedicaron su tiempo al estudio de la música y el arte del canto. Muy influyentes en el desarrollo de un sistema pedagógico vocal fueron los monjes Johannes de Garlandia y Jerome de Moravia, quienes fueron los primeros en desarrollar un concepto de registros vocales . Estos hombres identificaron tres registros: voz de pecho , voz de garganta y voz de cabeza (pectoris, guttoris y capitis). Su concepto de voz de cabeza, sin embargo, es mucho más similar a la comprensión de los pedagogos modernos del registro de falsete . Otros conceptos discutidos en el sistema monástico incluyeron resonancia vocal , clasificación de voces , apoyo de la respiración, dicción y calidad del tono, por nombrar algunos. Las ideas desarrolladas dentro del sistema monástico influyeron enormemente en el desarrollo de la pedagogía vocal durante los siguientes siglos, incluido el estilo de canto Bel Canto . ^[2]

Con el inicio del Renacimiento en el siglo XV, el estudio del canto comenzó a trasladarse fuera de la iglesia. Las cortes de los mecenas ricos, como los duques de Borgoña que apoyaban la escuela borgoñona y la escuela francoflamenca , se convirtieron en centros seculares de estudio del canto y de todas las demás áreas del estudio musical. Sin embargo, los métodos pedagógicos vocales que se enseñaban en estas escuelas se basaban en los conceptos desarrollados dentro del sistema monástico. Muchos de los profesores de estas escuelas recibieron su formación musical inicial cantando en coros de iglesias cuando eran niños. La iglesia también se mantuvo a la vanguardia de la composición musical en esta época y siguió siendo muy influyente en la formación de los gustos y las prácticas musicales tanto dentro como fuera de la iglesia. Fue la Iglesia católica la que popularizó por primera vez el uso de cantantes castratos en el siglo XVI, lo que en última instancia condujo a la popularidad de las voces de castrato en las óperas barrocas y clásicas . ^[3]

Aunque la Iglesia mantuvo su dominio sobre la vida intelectual y cultural, existen ejemplos individuales de escritores de pedagogía vocal de este período que eran ajenos a la Iglesia y que propusieron nuevas formas de pensar y hablar sobre el arte del canto, aunque carecían de la influencia más amplia de los escritores monásticos. El médico y cantor de la corte Giovanni Camillo Maffei fue el primer escritor de pedagogía vocal que incorporó el conocimiento de la fisiología de la voz a una teoría del canto en su tratado Discorso delta voce e del modo d'apparare di cantar di garganta y Scala naturale, overo Fantasia dolcissima, intorno alle cose occulte e desiderate nella filosofia (Venecia, 1564). ^[4]

No fue hasta el desarrollo de la ópera en el siglo XVII que la pedagogía vocal comenzó a separarse de algunos de los pensamientos establecidos de los escritores monásticos y a desarrollar una comprensión más profunda del proceso físico del canto y su relación con conceptos clave como el registro vocal y la resonancia vocal . También fue durante esta época que comenzaron a surgir destacados profesores de canto . Giulio Caccini es un ejemplo de un importante profesor de canto italiano temprano. ^[2] A finales del siglo XVII, el método de canto bel canto comenzó a desarrollarse en Italia. Este estilo de canto tuvo un gran impacto en el desarrollo de la ópera y el desarrollo de la pedagogía vocal durante los períodos clásico y romántico . Fue durante esta época que los profesores y compositores comenzaron a identificar a los cantantes y a escribir papeles para tipos de voz más específicos . Sin embargo, no fue hasta el siglo XIX que surgieron sistemas de clasificación de voces más claramente definidos, como el sistema alemán Fach . Dentro de estos sistemas, se utilizaron términos más descriptivos para clasificar voces como soprano coloratura y soprano lírica . ^[3]

Los profesores de canto del siglo XIX siguieron formando a cantantes para que pudieran dedicarse a la ópera. Manuel Patricio Rodríguez García es considerado uno de los profesores de canto más importantes del siglo XIX y se le atribuye el desarrollo del laringoscopio y el inicio de la pedagogía vocal moderna.

El campo de la pedagogía vocal se desarrolló más plenamente a mediados del siglo XX. Algunos profesores de canto estadounidenses comenzaron a estudiar la ciencia, la anatomía y la fisiología del canto, especialmente Ralph Appelman en la Universidad de Indiana , Oren Brown en la Facultad de Medicina de la Universidad de Washington y más tarde en la Juilliard School , y William Vennard en la Universidad del Sur de California . Este cambio en el enfoque del estudio del canto llevó al rechazo de muchas de las afirmaciones del método de canto bel canto , más particularmente en las áreas de registro vocal y resonancia vocal . ^[5] Como resultado, actualmente hay dos escuelas de pensamiento predominantes entre los profesores de canto de hoy, aquellos que mantienen las posiciones históricas del método bel canto y aquellos que eligen adoptar entendimientos más contemporáneos basados ​​​​en el conocimiento actual de la anatomía y fisiología humana. También hay aquellos profesores que toman prestadas ideas de ambas perspectivas, creando un híbrido de las dos. ^{[6] [7]}

Appelman y Vennard también formaron parte de un grupo de instructores de voz que desarrollaron cursos de estudio para profesores de voz principiantes, añadiendo estas ideas científicas a los ejercicios estándar y formas empíricas para mejorar la técnica vocal, y en 1980 el tema de la pedagogía de la voz estaba empezando a incluirse en muchos programas universitarios de licenciatura en música para cantantes y educadores de música vocal. ^[5]

Trabajos más recientes de autores como Richard Miller y Johan Sundberg han aumentado el conocimiento general de los profesores de canto, y los aspectos científicos y prácticos de la pedagogía vocal continúan siendo estudiados y discutidos por profesionales. Además, la creación de organizaciones como la Asociación Nacional de Profesores de Canto (ahora una organización internacional de Instructores de Canto) ha permitido a los profesores de canto establecer un mayor consenso sobre su trabajo y ha ampliado la comprensión de lo que hacen los profesores de canto. ^{[1] [8]}

Básicamente, existen tres enfoques principales de la pedagogía vocal. Todos ellos están relacionados con la forma en que se emplean los controles mecanicistas y psicológicos al cantar. Algunos instructores de canto defienden un enfoque mecanicista extremo que cree que cantar es en gran medida una cuestión de conseguir que las partes físicas adecuadas estén en los lugares adecuados en el momento adecuado, y que la corrección de los fallos vocales se logra llamando la atención directamente a las partes que no funcionan bien. En el otro extremo, está la escuela de pensamiento que cree que la atención nunca debe dirigirse a ninguna parte del mecanismo vocal, que cantar es una cuestión de producir las imágenes mentales correctas del tono deseado, y que la corrección de los fallos vocales se logra aprendiendo a pensar los pensamientos correctos y liberando las emociones a través de la interpretación de la música. La mayoría de los profesores de canto, sin embargo, creen que la verdad se encuentra en algún punto intermedio entre los dos extremos y adoptan una combinación de esos dos enfoques. ^[9]

Hay cuatro procesos físicos que intervienen en la producción del sonido vocal: respiración , fonación , resonancia y articulación . Estos procesos ocurren en la siguiente secuencia:

1. Se toma aliento
2. El sonido se inicia en la laringe.
3. Los resonadores vocales reciben el sonido y lo influyen.
4. Los articuladores dan forma al sonido en unidades reconocibles.

Aunque estos cuatro procesos deben considerarse por separado, en la práctica se fusionan en una función coordinada. En el caso de un cantante o un orador eficaz, rara vez se le debe recordar el proceso en cuestión, ya que su mente y su cuerpo están tan coordinados que solo se percibe la función unificada resultante. Muchos problemas vocales son resultado de una falta de coordinación en este proceso. ^[7]

En su sentido más básico, la respiración es el proceso de introducir y sacar aire del cuerpo (inhalación y exhalación). El sonido se produce en la laringe, pero no sería posible producirlo sin una fuente de energía: el flujo de aire procedente de los pulmones. Este flujo pone en movimiento las cuerdas vocales para producir el sonido. ^[10] Respirar para cantar y hablar es un proceso más controlado que la respiración habitual que se utiliza para mantener la vida. Los controles aplicados a la exhalación son especialmente importantes para una buena técnica vocal. ^[7]

La fonación es el proceso de producción del sonido vocal por la vibración de las cuerdas vocales que a su vez es modificada por la resonancia del tracto vocal . ^{[11] [12]} Tiene lugar en la laringe cuando las cuerdas vocales se juntan y se aplica presión respiratoria sobre ellas de tal manera que se produce una vibración provocando una fuente audible de energía acústica, es decir, sonido, que luego puede ser modificado por las acciones articulatorias del resto del aparato fonador . Las cuerdas vocales se juntan principalmente por la acción de los músculos interaritenoideos, que tiran de los cartílagos aritenoides para unirlos. ^[1]

La resonancia vocal es el proceso por el cual el producto básico de la fonación se mejora en timbre y/o intensidad por las cavidades llenas de aire a través de las cuales pasa en su camino hacia el aire exterior. Varios términos relacionados con el proceso de resonancia incluyen amplificación, enriquecimiento, ampliación, mejora, intensificación y prolongación, aunque en el uso estrictamente científico las autoridades acústicas cuestionarían la mayoría de ellos. El punto principal que un cantante o un orador debe extraer de estos términos es que el resultado de la resonancia es, o debería ser, producir un sonido mejor. ^[1]

Hay siete áreas que pueden enumerarse como posibles resonadores vocales. En orden, desde la más baja dentro del cuerpo hasta la más alta, estas áreas son el tórax , el árbol traqueal , la laringe misma, la faringe , la cavidad oral , la cavidad nasal y los senos paranasales . ^[9]

Las investigaciones han demostrado que la laringe, la faringe y la cavidad oral son los principales resonadores del sonido vocal, y que la cavidad nasal solo entra en juego en las consonantes nasales o vocales nasales, como las que se encuentran en francés. Este espacio resonante principal, desde encima de las cuerdas vocales hasta los labios, se conoce como tracto vocal . Muchos usuarios de voz experimentan sensaciones en los senos nasales que pueden malinterpretarse como resonancia. Sin embargo, estas sensaciones son causadas por vibraciones simpáticas y son un resultado, más que una causa, de una resonancia vocal eficiente. ^[8]

La articulación es el proceso por el cual el producto conjunto del vibrador y los resonadores se moldea en sonidos de habla reconocibles a través de los ajustes musculares y movimientos de los órganos del habla. Estos ajustes y movimientos de los articuladores dan como resultado la comunicación verbal y forman así la diferencia esencial entre la voz humana y otros instrumentos musicales. Cantar sin palabras comprensibles limita la voz a la comunicación no verbal. ^[9] En relación con el proceso físico del canto, los instructores vocales tienden a centrarse más en la articulación activa en lugar de la articulación pasiva. Hay cinco articuladores activos básicos: el labio (" consonantes labiales "), la parte delantera flexible de la lengua (" consonantes coronales "), la parte media/posterior de la lengua (" consonantes dorsales "), la raíz de la lengua junto con la epiglotis (" consonantes faríngeas "), y la glotis (" consonantes glotales "). Estos articuladores pueden actuar independientemente unos de otros, y dos o más pueden trabajar juntos en lo que se llama coarticulación .

A diferencia de la articulación activa, la articulación pasiva es un continuo sin muchos límites claros. Los lugares linguolabial e interdental, interdental y dental, dental y alveolar, alveolar y palatino, palatino y velar, velar y uvular se fusionan entre sí, y una consonante puede pronunciarse en algún lugar entre los lugares nombrados.

Además, cuando se utiliza la parte anterior de la lengua, puede ser la superficie superior o pala de la lengua la que hace contacto (" consonantes laminares "), la punta de la lengua (" consonantes apicales "), o la superficie inferior (" consonantes subapicales "). Estas articulaciones también se fusionan entre sí sin límites claros.

Los profesores de canto a veces incluyen la interpretación como un quinto proceso físico, aunque estrictamente hablando no se trata de un proceso físico. La razón de esto es que la interpretación influye en el tipo de sonido que produce un cantante, que en última instancia se logra mediante una acción física que el cantante está realizando. Aunque los profesores pueden familiarizar a sus estudiantes con estilos musicales y prácticas de interpretación y sugerir ciertos efectos interpretativos, la mayoría de los profesores de canto están de acuerdo en que la interpretación no se puede enseñar. Los estudiantes que carecen de imaginación creativa natural y sensibilidad estética no pueden aprenderla de otra persona. No interpretar bien no es un defecto vocal, aunque puede afectar significativamente al sonido vocal. ^[1]

Los sonidos vocales se dividen en dos categorías básicas: vocales y consonantes , con una amplia variedad de subclasificaciones. Los profesores de canto y los estudiantes de canto serios dedican mucho tiempo a estudiar cómo la voz forma vocales y consonantes, y a estudiar los problemas que ciertas consonantes o vocales pueden causar al cantar. Los profesores de canto y sus estudiantes utilizan con frecuencia el Alfabeto Fonético Internacional . ^[9]

Describir el sonido vocal es una ciencia inexacta, en gran medida porque la voz humana es un instrumento autónomo. Dado que el instrumento vocal es interno, la capacidad del cantante para controlar el sonido producido se ve complicada por las vibraciones que llegan al oído a través de la trompa de Eustaquio (auditiva) y las estructuras óseas de la cabeza y el cuello. En otras palabras, la mayoría de los cantantes oyen algo diferente en sus oídos/cabeza de lo que oye una persona que los escucha. Como resultado, los profesores de canto a menudo se centran menos en cómo "suena" y más en cómo "se siente". Las sensaciones vibratorias resultantes de los procesos estrechamente relacionados de fonación y resonancia, y las kinestésicas que surgen de la tensión muscular, el movimiento, la posición corporal y el peso sirven como guía para el cantante en la producción vocal correcta.

Otro problema a la hora de describir el sonido vocal reside en el propio vocabulario vocal. Existen muchas escuelas de pensamiento dentro de la pedagogía vocal y diferentes escuelas han adoptado términos diferentes, a veces de otras disciplinas artísticas. Esto ha llevado al uso de una plétora de términos descriptivos aplicados a la voz que no siempre se entienden como lo mismo. Algunos términos que a veces se utilizan para describir una cualidad del sonido de una voz son: cálido, blanco, oscuro, claro, redondo, agudo, extendido, enfocado, cubierto, tragado, adelantado, resonante, ululante, balido, suave, con forma de pera, etc. ^[7]

El proceso de canto funciona mejor cuando existen ciertas condiciones físicas del cuerpo. La capacidad de mover el aire dentro y fuera del cuerpo libremente y obtener la cantidad necesaria de aire puede verse seriamente afectada por la alineación corporal de las diversas partes del mecanismo respiratorio. Una posición del pecho hundido limitará la capacidad de los pulmones y una pared abdominal tensa inhibirá el desplazamiento descendente del diafragma . Una buena alineación corporal permite que el mecanismo respiratorio cumpla su función básica de manera eficiente sin ningún gasto indebido de energía. Una buena alineación corporal también facilita el inicio de la fonación y la afinación de los resonadores, ya que una alineación adecuada evita una tensión innecesaria en el cuerpo. Los instructores de canto también han notado que cuando los cantantes asumen una buena alineación corporal, a menudo les proporciona una mayor sensación de seguridad en sí mismos y aplomo durante la actuación. El público también tiende a responder mejor a los cantantes con una buena alineación corporal. La buena alineación corporal habitual también mejora en última instancia la salud general del cuerpo al permitir una mejor circulación sanguínea y prevenir la fatiga y el estrés en el cuerpo. ^[6]

Todo canto comienza con la respiración. Todos los sonidos vocales son creados por vibraciones en la laringe causadas por el aire de los pulmones . La respiración en la vida cotidiana es una función corporal subconsciente que se produce de forma natural; sin embargo, el cantante debe tener control de la inhalación y exhalación del aire para lograr los máximos resultados de su voz.

La respiración natural consta de tres etapas: un periodo de inspiración, un periodo de espiración y un periodo de descanso o recuperación; estas etapas no suelen controlarse de forma consciente. En el canto existen cuatro etapas de respiración:

1. período de inspiración (inhalación)
2. Establecimiento del período de control (suspensión)
3. período de exhalación controlado (fonación)
4. período de recuperación

Estas etapas deben estar bajo control consciente por parte del cantante hasta que se conviertan en reflejos condicionados. Muchos cantantes abandonan el control consciente antes de que sus reflejos estén completamente condicionados, lo que finalmente conduce a problemas vocales crónicos. ^[13]

En la música clásica europea y la ópera , las voces se tratan como instrumentos musicales . Los compositores que escriben música vocal deben comprender las habilidades, los talentos y las propiedades vocales de los cantantes. La clasificación de la voz es el proceso mediante el cual se evalúan las voces humanas cantadas y, por lo tanto, se las designa en tipos de voz . Estas cualidades incluyen, entre otras: rango vocal , peso vocal , tesitura vocal , timbre vocal y puntos de transición vocal , como pausas y elevaciones dentro de la voz. Otras consideraciones son las características físicas, el nivel del habla, las pruebas científicas y el registro vocal . ^[14] La ciencia detrás de la clasificación de la voz se desarrolló dentro de la música clásica europea y ha tardado en adaptarse a formas de canto más modernas. La clasificación de la voz se usa a menudo dentro de la ópera para asociar posibles roles con voces potenciales. Actualmente hay varios sistemas diferentes en uso dentro de la música clásica, incluidos: el sistema Fach alemán y el sistema de música coral, entre muchos otros. Ningún sistema se aplica o acepta universalmente. ^[3]

Sin embargo, la mayoría de los sistemas de música clásica reconocen siete categorías principales de voz diferentes. Las mujeres suelen dividirse en tres grupos: soprano , mezzosoprano y contralto . Los hombres suelen dividirse en cuatro grupos: contratenor , tenor , barítono y bajo . Al considerar las voces de los niños, se puede aplicar un octavo término, el agudo . Dentro de cada una de estas categorías principales hay varias subcategorías que identifican cualidades vocales específicas, como la facilidad de coloratura y el peso vocal, para diferenciar entre voces. ^[1]

En la música coral , las voces de los cantantes se dividen únicamente en función del rango vocal. La música coral suele dividir las partes vocales en voces altas y bajas dentro de cada sexo (SATB). Como resultado, la situación coral típica ofrece muchas oportunidades para que se produzcan clasificaciones erróneas. ^[1] Dado que la mayoría de las personas tienen voces medias, se les debe asignar una parte que sea demasiado alta o demasiado baja para ellas; la mezzosoprano debe cantar soprano o alto y el barítono debe cantar tenor o bajo. Cualquiera de las dos opciones puede presentar problemas para el cantante, pero para la mayoría de los cantantes hay menos peligros en cantar demasiado bajo que en cantar demasiado alto. ^[15]

Dentro de las formas contemporáneas de música (a veces denominadas Música Comercial Contemporánea ), los cantantes se clasifican por el estilo de música que cantan, como jazz, pop, blues, soul, country, folk y rock. Actualmente no existe un sistema de clasificación de voces autorizado dentro de la música no clásica. ^[16] Se han hecho intentos de adoptar términos de tipo de voz clásica para otras formas de canto, pero dichos intentos han sido recibidos con controversia. El desarrollo de las categorizaciones de voz se realizó con el entendimiento de que el cantante usaría una técnica vocal clásica dentro de un rango específico utilizando una producción vocal sin amplificación (sin micrófonos). Dado que los músicos contemporáneos utilizan diferentes técnicas vocales, micrófonos y no están obligados a encajar en un rol vocal específico, la aplicación de términos como soprano, tenor, barítono, etc. puede ser engañosa o incluso inexacta. ^[7]

Muchos profesores de canto advierten de los peligros de la identificación rápida. La preocupación prematura por la clasificación puede dar lugar a una clasificación errónea, con todos los peligros que ello conlleva. Vennard afirma:

"Nunca siento ninguna urgencia por clasificar a un estudiante principiante. Se han demostrado muchos diagnósticos prematuros que son erróneos, y puede ser perjudicial para el estudiante y embarazoso para el profesor seguir esforzándose por alcanzar un objetivo mal elegido. Es mejor comenzar en la parte media de la voz y trabajar hacia arriba y hacia abajo hasta que la voz se clasifique por sí sola". ^[6]

La mayoría de los profesores de canto creen que es esencial establecer buenos hábitos vocales dentro de un rango limitado y cómodo antes de intentar clasificar la voz. Cuando las técnicas de postura, respiración, fonación , resonancia y articulación se han establecido en esta área cómoda, emergerá la verdadera calidad de la voz y se podrán explorar con seguridad los límites superior e inferior del rango. Solo entonces se puede llegar a una clasificación tentativa, que se puede ajustar a medida que la voz continúa desarrollándose. ^[9] Muchos instructores de canto aclamados sugieren que los profesores comiencen asumiendo que una voz es de clasificación media hasta que se demuestre lo contrario. La razón de esto es que la mayoría de las personas poseen voces medias y, por lo tanto, es menos probable que este enfoque clasifique incorrectamente o dañe la voz. ^[1]

El registro vocal se refiere al sistema de registros vocales dentro de la voz humana. Un registro en la voz humana es una serie particular de tonos, producidos en el mismo patrón vibratorio de las cuerdas vocales y que poseen la misma calidad. Los registros se originan en la función laríngea . Se producen porque las cuerdas vocales son capaces de producir varios patrones vibratorios diferentes. Cada uno de estos patrones vibratorios aparece dentro de un rango particular de tonos y produce ciertos sonidos característicos. ^[17] El término registro puede ser algo confuso ya que abarca varios aspectos de la voz humana. El término registro se puede utilizar para referirse a cualquiera de los siguientes: ^[1]

• Una parte particular del rango vocal , como los registros superior, medio o inferior.
• Un área de resonancia como la voz de pecho o la voz de cabeza .
• Un proceso fonatorio
• Un cierto timbre vocal
• Una región de la voz que está definida o delimitada por pausas vocales.
• Un subconjunto de una lengua utilizado para un propósito particular o en un entorno social particular.

En lingüística , una lengua de registros es una lengua que combina la fonación tonal y vocálica en un único sistema fonológico .

En el campo de la logopedia, el término registro vocal tiene tres elementos constitutivos: un determinado patrón vibratorio de las cuerdas vocales, una determinada serie de tonos y un determinado tipo de sonido. Los logopedas identifican cuatro registros vocales en función de la fisiología de la función laríngea: el registro de silbido vocal , el registro modal , el registro de falsete y el registro de silbido . Muchos profesores de canto también adoptan esta visión. ^[1]

Sin embargo, algunos profesores de canto organizan los registros de forma diferente. En este campo se utilizan más de una docena de construcciones distintas de registros vocales. La confusión que existe sobre qué es un registro y cuántos registros hay se debe en parte a lo que ocurre en el registro modal cuando una persona canta desde los tonos más bajos de ese registro hasta los tonos más altos. La frecuencia de vibración de las cuerdas vocales está determinada por su longitud, tensión y masa. A medida que el tono aumenta, las cuerdas vocales se alargan, la tensión aumenta y su grosor disminuye. En otras palabras, estos tres factores están en un estado de cambio en la transición de los tonos más bajos a los más altos. ^[17]

Si un cantante mantiene cualquiera de estos factores constantes e interfiere con su estado progresivo de cambio, su función laríngea tiende a volverse estática y eventualmente ocurren interrupciones con cambios obvios de la calidad del tono. Estas interrupciones a menudo se identifican como límites de registro o como áreas de transición entre registros. El cambio o ruptura distintivo entre registros se llama passaggio o ponticello . ^[18] Los instructores de canto enseñan que con el estudio un cantante puede pasar sin esfuerzo de un registro a otro con facilidad y un tono consistente. Los registros incluso pueden superponerse mientras canta. Los profesores a quienes les gusta usar esta teoría de "mezcla de registros" generalmente ayudan a los estudiantes a través del "pasaje" de un registro a otro ocultando su "elevación" (donde la voz cambia).

Sin embargo, muchos profesores de canto no están de acuerdo con esta distinción de límites y atribuyen estas rupturas a problemas vocales que se han creado por un ajuste laríngeo estático que no permite que se produzcan los cambios necesarios. Esta diferencia de opinión ha afectado a las diferentes opiniones sobre el registro vocal. ^[1]

El canto es un acto integrado y coordinado, y es difícil hablar de cualquiera de las áreas y procesos técnicos individuales sin relacionarlos con los demás. Por ejemplo, la fonación sólo entra en perspectiva cuando se conecta con la respiración; los articuladores afectan a la resonancia; los resonadores afectan a las cuerdas vocales; las cuerdas vocales afectan al control de la respiración, y así sucesivamente. Los problemas vocales son a menudo el resultado de una falla en una parte de este proceso coordinado, lo que hace que los profesores de canto se concentren con frecuencia, de manera intensiva, en un área del proceso con su estudiante hasta que se resuelva ese problema. Sin embargo, algunas áreas del arte del canto son en gran medida el resultado de funciones coordinadas que es difícil hablar de ellas bajo un encabezado tradicional como fonación, resonancia, articulación o respiración.

Una vez que el estudiante de canto ha tomado conciencia de los procesos físicos que componen el acto de cantar y de cómo funcionan esos procesos, comienza la tarea de intentar coordinarlos. Inevitablemente, los estudiantes y los profesores se preocuparán más por un área de la técnica que por otra. Los diversos procesos pueden progresar a ritmos diferentes, con el consiguiente desequilibrio o falta de coordinación. Las áreas de la técnica vocal que parecen depender más fuertemente de la capacidad del estudiante para coordinar diversas funciones son: ^[1]

1. Ampliar el rango vocal a su máximo potencial
2. Desarrollar una producción vocal consistente con una calidad de tono consistente
3. Desarrollar la flexibilidad y la agilidad
4. Conseguir un vibrato equilibrado

Algunos consideran que cantar no es un proceso natural, sino una habilidad que requiere reflejos musculares muy desarrollados, pero otros consideran que algunas formas de cantar pueden considerarse naturales. ^[19] Cantar no requiere mucha fuerza muscular, pero sí un alto grado de coordinación muscular. Las personas pueden desarrollar aún más su voz mediante la práctica cuidadosa y sistemática tanto de canciones como de ejercicios vocales. Los profesores de canto instruyen a sus estudiantes para que ejerciten su voz de manera inteligente. Los cantantes deben pensar constantemente en el tipo de sonido que están produciendo y el tipo de sensaciones que están sintiendo mientras cantan. ^[7]

Los ejercicios vocales tienen varios propósitos, entre ellos: ^[1]

1. Calentando la voz
2. Ampliando el rango vocal
3. "Alinear" la voz horizontal y verticalmente
4. Adquirir técnicas vocales como legato, staccato, control de la dinámica, figuraciones rápidas, aprender a cantar cómodamente intervalos amplios y corregir faltas vocales.

Un objetivo importante del desarrollo vocal es aprender a cantar dentro de los límites naturales del propio rango vocal sin cambios indeseados en la calidad o la técnica. Los profesores de canto enseñan que un cantante solo puede lograr este objetivo cuando todos los procesos físicos involucrados en el canto (como la acción laríngea, el apoyo respiratorio, el ajuste de la resonancia y el movimiento articulatorio) funcionan juntos de manera efectiva. La mayoría de los profesores de canto creen que el primer paso para coordinar estos procesos es establecer buenos hábitos vocales en la tesitura más cómoda de la voz primero antes de expandir lentamente el rango más allá de eso. ^[6]

Hay tres factores que afectan significativamente la capacidad de cantar más alto o más bajo:

1. El factor energético: en este uso, la palabra energía tiene varias connotaciones. Se refiere a la respuesta total del cuerpo a la producción de sonido. Se refiere a una relación dinámica entre los músculos que inspiran y los que espiran, conocida como mecanismo de soporte respiratorio. También se refiere a la cantidad de presión respiratoria que se aplica a las cuerdas vocales y su resistencia a esa presión, y se refiere al nivel dinámico del sonido.
2. El factor espacio: el espacio se refiere a la cantidad de espacio creado por el movimiento de la boca y la posición del paladar y la laringe. En términos generales, la boca de un cantante debe estar más abierta cuanto más agudo sea el canto. El espacio interno o la posición del paladar blando y la laringe se pueden ensanchar relajando la garganta. Los profesores de canto suelen describir esto como una sensación similar al "inicio de un bostezo".
3. El factor profundidad: en este uso, la palabra profundidad tiene dos connotaciones: se refiere a las sensaciones físicas reales de profundidad en el cuerpo y el mecanismo vocal y se refiere a los conceptos mentales de profundidad relacionados con la calidad del tono.

McKinney dice: "Estos tres factores pueden expresarse en tres reglas básicas: (1) A medida que cantas más alto, debes utilizar más energía; a medida que cantas más bajo, debes utilizar menos. (2) A medida que cantas más alto, debes utilizar más espacio; a medida que cantas más bajo, debes utilizar menos. (3) A medida que cantas más alto, debes utilizar más profundidad; a medida que cantas más bajo, debes utilizar menos". ^[1]

Algunos profesores de canto dedicarán tiempo a trabajar con sus alumnos en conocimientos y habilidades musicales generales, en particular teoría musical , historia de la música y estilos y prácticas musicales en relación con la literatura vocal que se está estudiando. Si es necesario, también pueden dedicar tiempo a ayudar a sus alumnos a ser mejores lectores a primera vista, a menudo adoptando el solfeo , que asigna ciertas sílabas a las notas de la escala.

Como el canto es un arte escénico, los profesores de canto dedican parte de su tiempo a preparar a sus alumnos para la actuación. Esto incluye enseñarles a sus alumnos la etiqueta de comportamiento en el escenario, como hacer reverencias, aprender a controlar el miedo escénico, abordar problemas como los tics nerviosos y el uso de equipos como los micrófonos. Algunos estudiantes también pueden estar preparándose para carreras en los campos de la ópera o el teatro musical donde se requieren habilidades de actuación. Muchos instructores de canto dedicarán tiempo a las técnicas de actuación y la comunicación con el público con los estudiantes en estos campos de interés. Los estudiantes de ópera también pasan mucho tiempo con sus profesores de canto aprendiendo pronunciaciones en idiomas extranjeros.

• Voz humana
• Profesor de canto
• Canto de garganta

• Thurman, Leon; Welch, Graham, eds. (2000). Cuerpo, mente y voz: fundamentos de la educación de la voz . Vol. 1 (edición revisada). Collegeville, Minnesota: The VoiceCare Network. ISBN 978-0-87414-123-8.

• Asociación Nacional de Profesores de Canto
• Vocapedia, base de datos integral patrocinada por NATS sobre canto y pedagogía vocal