Museo Solomon R. Guggenheim

Museo Solomon R. Guggenheim

Vista desde la Quinta Avenida
Establecido	1939
Ubicación	1071 Fifth Avenue en la calle 89 de Manhattan , Nueva York
Coordenadas	40°46′59″N 73°57′32″O / 40.78306, -73.95889
Tipo	Museo de arte
Visitantes	861.000 (2023) [1]
Director	Richard Armstrong
Acceso al transporte público	Metro : ​​Trenes en la calle 86 Autobús : M1 , M2 , M3 , M4 , M86 SBS
Sitio web	www.guggenheim.org
Construido	1956–1959
Arquitecto	Frank Lloyd Wright
Estilo(s) arquitectónico(s)	Moderno
Sitio Patrimonio Mundial de la UNESCO
Criterios	Cultural: (ii)
Designado	2019 (43° período de sesiones )
Parte de	La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright
N° de referencia.	1496-008
Región	Europa y América del Norte
Registro Nacional de Lugares Históricos de Estados Unidos
Designado	19 de mayo de 2005 [2] ( 19-05-2005 )
N° de referencia.	05000443 [2]
Monumento histórico nacional de EE. UU.
Designado	6 de octubre de 2008 [3] ( 06-10-2008 )
Registro de lugares históricos del estado de Nueva York
Designado	25 de marzo de 2005 [4] ( 25 de marzo de 2005 )
N° de referencia.	06101.008546 [4]
Monumento de la ciudad de Nueva York
Designado	14 de agosto de 1990 [5] [6] ( 14 de agosto de 1990 )
N° de referencia.	1774 (exterior), 1775 (interior)

El Museo Solomon R. Guggenheim , a menudo denominado The Guggenheim , es un museo de arte ubicado en el 1071 de la Quinta Avenida entre las calles 88 y 89 en el Upper East Side de Manhattan en la ciudad de Nueva York. Alberga una colección permanente de arte impresionista , posimpresionista , moderno temprano y contemporáneo y también presenta exposiciones especiales durante todo el año. Fue establecido por la Fundación Solomon R. Guggenheim en 1939 como el Museo de Pintura No Objetiva, bajo la guía de su primera directora, Hilla von Rebay . El museo adoptó su nombre actual en 1952, tres años después de la muerte de su fundador Solomon R. Guggenheim . Sigue siendo operado y propiedad de la Fundación Solomon R. Guggenheim.

El edificio del museo, una obra emblemática de la arquitectura del siglo XX diseñada por Frank Lloyd Wright , generó controversia por la forma inusual de sus espacios de exhibición y tardó 15 años en diseñarse y construirse; se completó en 1959. Consta de una galería principal de seis pisos en forma de cuenco al sur, un "monitor" de cuatro pisos al norte y un anexo de diez pisos al noreste. Una rampa helicoidal de seis pisos se extiende a lo largo del perímetro de la galería principal, bajo un tragaluz en el techo central. La Colección Thannhauser se encuentra dentro de los tres pisos superiores del monitor, y hay galerías adicionales en el anexo y un centro de aprendizaje en el sótano. El diseño del edificio del museo fue controvertido cuando se completó, pero fue ampliamente elogiado después. El edificio se sometió a amplias renovaciones de 1990 a 1992, cuando se construyó el anexo, y fue renovado nuevamente de 2005 a 2008.

La colección del museo ha crecido a lo largo de las décadas y se basa en varias colecciones privadas importantes, incluidas las de Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Justin Thannhauser , Rebay, Giuseppe Panza , Robert Mapplethorpe y la Fundación Bohen. La colección, que incluye alrededor de 8000 obras en 2022 ^[actualizar], se comparte con museos hermanos en Bilbao, España , y Venecia, Italia . En 2023, casi 861.000 personas visitaron el museo. ^[1]

Solomon R. Guggenheim , miembro de una rica familia minera, comenzó a coleccionar obras de los viejos maestros en la década de 1890. ^[7] En 1926, conoció a la artista Hilla von Rebay , ^{[7] [8]} quien lo introdujo al arte vanguardista europeo , en particular al arte abstracto que ella sentía que tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). ^[7] Guggenheim cambió completamente su estrategia de coleccionismo, volviéndose hacia la obra de Wassily Kandinsky , entre otros. Comenzó a exhibir su colección al público en su apartamento en el Hotel Plaza en la ciudad de Nueva York. ^{[7] [9] [10]} Guggenheim y Rebay consideraron inicialmente construir un museo en el Rockefeller Center en Manhattan . ^[8] A medida que la colección crecía, Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim , en 1937, para fomentar la apreciación del arte moderno . ^{[8] [9] [11]}

El primer lugar de la fundación, el Museo de Pintura No Objetiva , abrió en 1939, bajo la dirección de Rebay, en 24 East 54th Street en el centro de Manhattan. ^{[8] [11] [12]} Bajo su guía, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo de los primeros modernistas. ^{[7] [9] [13]} Quería exhibir la colección en la Feria Mundial de Nueva York de 1939 en Queens , pero Rebay abogó por una ubicación más permanente en Manhattan. ^[8] A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que la necesidad de un museo permanente era evidente, ^[14] y Rebay quería establecerlo antes de que Guggenheim muriera. ^[8]

En 1943, Rebay y Guggenheim escribieron una carta a Frank Lloyd Wright pidiéndole que diseñara una estructura para albergar y exhibir la colección. ^{[15] [16]} Rebay pensó que Wright, de 76 años, estaba muerto, pero la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild Guggenheim, lo sabía mejor y sugirió que Rebay se pusiera en contacto con él. ^[17] Wright aceptó la oportunidad de experimentar con su estilo "orgánico" en un entorno urbano, diciendo que nunca había visto un museo que estuviera "adecuadamente diseñado". ^[18] Fue contratado para diseñar el edificio en junio de 1943. ^{[15] [19] [20]} Iba a recibir una comisión del 10 por ciento del proyecto, que se esperaba que costara al menos $ 1 millón. ^[20] Le tomó 15 años, más de 700 bocetos y seis juegos de dibujos de trabajo para crear y completar el museo, después de una serie de dificultades y retrasos; ^{[21] [22]} el costo eventualmente se duplicó de la estimación inicial. ^[23]

Rebay imaginó un espacio que facilitaría una nueva forma de ver el arte moderno. Escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debería organizarse en un espacio, y sólo tú... probarías las posibilidades de hacerlo... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" ^{[24] [25]} El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que el edificio modernista de Wright fue un catalizador para el cambio, haciendo que fuera "social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo altamente expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". ^[26] El Guggenheim es el único museo que Wright diseñó; su ubicación urbana le exigió que lo diseñara en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus obras rurales anteriores. ^[27] Como no tenía licencia de arquitecto en Nueva York, confió en Arthur Cort Holden, de la firma de arquitectura Holden, McLaughlin & Associates, para tratar con la Junta de Normas y Apelaciones de la Ciudad de Nueva York . ^[28]

Desde 1943 hasta principios de 1944, Wright produjo cuatro diseños diferentes. Uno tenía forma hexagonal y pisos nivelados para las galerías, aunque todos los demás tenían esquemas circulares y usaban una rampa que continuaba alrededor del edificio. ^{[29] [30] [a]} En sus notas, indicó que quería un "espacio de piso bien proporcionado de abajo a arriba, con una silla de ruedas que diera vueltas, subiera y bajara". ^{[18] [20] [31]} Su concepto original se llamó " zigurat " invertido, porque se parecía a los escalones empinados de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . ^{[18] [27]} Varios profesores de arquitectura han especulado que la rampa helicoidal y la cúpula de vidrio de la escalera de 1932 de Giuseppe Momo en los Museos Vaticanos fueron una inspiración para la rampa y el atrio de Wright. ^{[32] [33] [34]}

Wright esperaba que el museo estuviera en el bajo Manhattan . ^[35] En cambio, en marzo de 1944, Rebay y Guggenheim adquirieron un sitio en el Upper East Side de Manhattan , en la esquina de la calle 89 y la sección Museum Mile de la Quinta Avenida , con vista a Central Park . ^{[20] [36] [37]} Consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como la sección Riverdale del Bronx, con vista al río Hudson . ^{[20] [38]} Guggenheim sintió que la proximidad del sitio de la Quinta Avenida a Central Park era importante, ya que el parque brindaba alivio del ruido, la congestión y el concreto de la ciudad. ^[27] Los bocetos preliminares de Wright encajaban casi perfectamente en el sitio, aunque el sitio era aproximadamente 25 pies (7,6 m) más estrecho de lo que Wright anticipó. ^[39] Guggenheim aprobó los bocetos de Wright a mediados de 1944. ^[20] Wright llamó al edificio planeado un "Archeseum ... un edificio en el que ver lo más alto". ^{[37] [40]}

Los diseños de Wright se anunciaron en julio de 1945, ^[37] y se esperaba que el museo costara $1 millón y se completara en un año. ^[41] La característica principal de la estructura era una galería principal con una rampa helicoidal, que rodeaba un patio de luces con un tragaluz. ^{[41] [42]} Los invitados abordarían un ascensor para llegar a la cima; una segunda rampa más empinada serviría como salida de emergencia. ^[20] Habría una sala de cine en el sótano; una torre de ascensores coronada por un observatorio; un edificio más pequeño con un teatro más pequeño; ^[43] espacio de almacenamiento, una biblioteca y una cafetería. ^{[41] [44]} Los planes preliminares también incluían apartamentos para Guggenheim y Rebay, pero estos planes fueron descartados. ^[43] Guggenheim adquirió una parcela de tierra adicional en la calle 88 ese julio. ^[45] Wright construyó un modelo del museo en Taliesin , su hogar en Wisconsin, ^[46] y lo exhibió en el Hotel Plaza ese septiembre. ^{[47] [48]}

La construcción del edificio se retrasó, primero por la escasez de materiales causada por la Segunda Guerra Mundial, ^{[45] [49]} luego por el aumento de los costos de construcción después de la guerra. ^{[43] [45]} A fines de 1946, Guggenheim y Rebay habían rediseñado el teatro del sótano para acomodar conciertos. ^[49] Rebay y Wright no estaban de acuerdo en varios aspectos del diseño, como los medios por los cuales se montarían las pinturas, ^{[45] [50]} aunque ambos querían que el diseño "reflejara la unidad del arte y la arquitectura". ^[51] Wright continuó modificando sus planes durante los últimos años de la década de 1940, en gran parte debido a las preocupaciones sobre la iluminación del edificio, y creó otro modelo del museo en 1947. ^[52] La colección se amplió en gran medida en 1948 a través de la compra del patrimonio del comerciante de arte Karl Nierendorf de unas 730 obras. ^[13]

El progreso se estancó hasta finales de la década de 1940, ^[53] y William Muschenheim renovó una casa adosada existente en el sitio, en 1071 Fifth Avenue, para el uso del museo. ^{[53] [54]} La salud de Guggenheim estaba en declive, pero rechazó la oferta de Wright de reducir el tamaño del edificio planeado para que pudiera completarse durante la vida de Guggenheim. ^[52] Después de que Guggenheim muriera en 1949, los miembros de la familia Guggenheim en la junta directiva de la fundación tuvieron diferencias personales y filosóficas con Rebay. ^[55] Bajo el liderazgo de Rebay, el museo se había convertido en lo que Aline B. Saarinen describió como un "lugar esotérico y oculto en el que se hablaba un lenguaje místico". ^{[56] [57]} Algunos miembros del personal y fideicomisarios del museo deseaban expulsar a Rebay y cancelar el diseño de Wright. ^{[53] [54]} Sin embargo, Wright persuadió a varios miembros de la familia Guggenheim para que adquirieran terrenos adicionales en la Quinta Avenida para que su diseño pudiera desarrollarse en su totalidad. ^{[53] [58]}

Para dar cabida a la creciente colección, en agosto de 1951 la Fundación Guggenheim adquirió un edificio de apartamentos en 1 East 88th Street para remodelarlo para su uso como museo. ^{[59] [60]} Ahora poseía un frente continuo en la Quinta Avenida desde la calle 88 hasta la 89. ^{[60] [61]} Esto impulsó a Wright a rediseñar el nuevo edificio una vez más, proponiendo un anexo de varios pisos con apartamentos detrás del museo. ^{[53] [61] [51]} La fundación también anunció que el museo comenzaría a exhibir obras de arte "objetivas", así como obras de arte más antiguas. ^{[57] [62]} Rebay, que no estaba de acuerdo con esta política, renunció como directora del museo en marzo de 1952. ^{[63] [64]} Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento. ^[65] Poco después de que Rebay renunciara, Wright presentó los planos del edificio, que ahora se proyectaba que costaría 2 millones de dólares. ^[23] En 1952 pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim. ^[55]

En octubre de 1952, James Johnson Sweeney fue nombrado director del museo. ^{[66] [67]} Amplió los criterios de recolección de la fundación, rechazando el rechazo de Rebay a la pintura y escultura "objetivas", ^{[68] [69]} y comenzó a exhibir algunas de las obras almacenadas bajo el liderazgo de Rebay. ^{[57] [70]} En 1953, el museo albergó una retrospectiva de la obra de Wright, "Sesenta años de arquitectura viva", ^{[71] [72]} en un pabellón temporal que Wright había diseñado. ^{[73] [53]}

Sweeney y Wright tenían una relación tensa, ya que no estaban de acuerdo sobre elementos básicos del plan del museo. ^{[53] [74]} Sweeney, que creía que su arquitectura debía estar subordinada al arte, obligó a Wright a rediseñarlo para acomodar más oficinas e instalaciones de almacenamiento. ^[74] La iluminación del edificio fue un punto de discordia importante entre ellos. ^{[75] [76]} El Departamento de Edificios de la Ciudad de Nueva York (DOB) también rechazó la solicitud de Wright para un permiso de construcción en 1953 porque el diseño no cumplía con los códigos de construcción. ^[77] Wright encargó a Holden que se asegurara de que el diseño cumpliera con los códigos ^[78] y publicó dibujos revisados ​​en 1954 y 1956. ^[79] Sin embargo, el personal del museo se quejó de que el diseño de Wright no proporcionaba suficiente espacio de almacenamiento o laboratorio. ^[77] Para ahorrar dinero, modificó el diseño nuevamente en 1955, aunque estos ahorros se cancelaron con el aumento de los costos de construcción. ^[76]

Cuatro contratistas generales presentaron ofertas a finales de 1954, ^[76] y la fundación finalmente contrató a Euclid Construction Corporation. ^{[80] [73]} El museo alquiló la casa de Oliver Gould Jennings en 7 East 72nd Street y se trasladó allí antes de que comenzara la construcción. ^[76] El 6 de mayo de 1956, comenzó la demolición de los edificios existentes del sitio. ^{[80] [81]} El DOB emitió un permiso de construcción el 23 de mayo, ^[76] y el trabajo en el museo comenzó el 14 de agosto. ^{[73] [76]} Wright abrió una oficina en la ciudad de Nueva York para supervisar la construcción, que sintió que requería su atención personal, y nombró a su yerno William Wesley Peters para supervisar el trabajo diario. ^{[53] [73]} En la práctica, ni Wright ni Peters visitaron el sitio con frecuencia, por lo que William Short de Holden terminó administrando el proyecto. ^[76]

Sweeney quería que el nuevo museo permitiera "crear una colección que ofreciera un estándar de juicio". ^[82] Quería cambiar el esquema de colores, nivelar las paredes inclinadas y quitar las ventanas del triforio, lo que provocó disputas prolongadas con Wright. ^{[83] [84] [85]} A principios de 1958, Harry F. Guggenheim tuvo que manejar todas las comunicaciones entre Sweeney y Wright, quienes no querían hablarse. ^[84] El edificio se completó en mayo de 1958, ^{[86] [87]} y el andamio de la fachada fue retirado en agosto de ese mismo año. ^{[87] [88]} Mientras tanto, Wright publicó dibujos del diseño en varias revistas de arquitectura, ya que temía que el diseño se viera comprometido después de su muerte. ^{[84] [83]} En contra de su petición, Sweeney pintó las paredes de blanco y colgó pinturas de barras de metal en lugar de colocarlas directamente en las paredes. ^{[83] [85]} El edificio fue la última obra importante de Wright; Murió en abril de 1959, seis meses antes de su inauguración. ^[89]

El edificio se inauguró suavemente para los miembros de los medios de comunicación el 20 de octubre de 1959. ^[84] Se inauguró formalmente al día siguiente, ^{[90] [91] [92]} atrayendo a 600 visitantes por hora. ^{[92] [93]} Su diseño fue generalmente capaz de acomodar las retrospectivas y exhibiciones temporales que albergó a lo largo de los años. ^[10]

Sweeney renunció como director del museo en julio de 1960, citando diferencias filosóficas con la junta directiva, ^{[94] [95]} y HH Arnason asumió como director temporal. ^{[57] [96]} Lanzó "la primera encuesta sobre expresionismo abstracto en un museo de Nueva York" durante su breve tiempo como director. ^{[57] [97]} Thomas M. Messer , director del Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , sucedió a Sweeney como director en enero de 1961; trabajó con Sweeney, quien continuó dirigiendo la fundación. ^{[98] [99]} Messer permaneció durante 27 años, el mandato más largo de cualquier director de una importante institución de arte de Nueva York. ^[100] Bajo su liderazgo, el museo giró hacia artistas más contemporáneos, incluidos los de Europa y América Latina. ^[101] Messer no fue considerado "un director especialmente controvertido", aunque tampoco se adhirió a "la escuela de exhibición de gran éxito". ^[102]

Cuando Messer se unió al Guggenheim, la capacidad del museo para presentar obras de arte aún era cuestionada debido a las paredes inclinadas y curvas. ^[103] Casi inmediatamente después de convertirse en director, en 1962, organizó una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas de la colección Hirshhorn . ^[103] En particular, hubo dificultades para instalar esculturas tridimensionales porque la pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podían combinarse para producir ilusiones ópticas molestas. ^[104] Aunque la combinación demostró funcionar bien en general en el Guggenheim, Messer recordó que, en ese momento, "tenía miedo. Sentí que esta sería mi última exposición". ^[103] Había organizado una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, donde aprendió a compensar la geometría inusual del espacio construyendo pedestales especiales en un ángulo particular, pero esto fue imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo alambre colgaba inevitablemente en una verdadera vertical vertical . ^[104]

Después de que Messer adquiriera una colección privada del marchante de arte Justin Thannhauser en 1963, ^{[105] [106]} el Guggenheim contrató a Peters para renovar el segundo piso del monitor. ^{[107] [108]} La colección de Thannhauser se exhibió dentro del monitor después de que se completó la renovación en 1965. ^[108] La fundación subastó obras de arte de los siglos XV y XVI, lo que era incompatible con la colección de arte moderno del museo. ^[109] Rebay, quien murió en 1967, legó más de 600 obras de arte al Guggenheim, aunque el museo no recibió la colección hasta 1971. ^[110] Para recaudar dinero para futuras adquisiciones, como las obras en las colecciones de Rebay, el Guggenheim también vendió algunas obras de arte moderno, incluidas varias obras de Kandinsky. ^[111]

Para dar cabida a la creciente colección, en 1963 el Guggenheim anunció planes para un anexo de cuatro pisos, ^[112] que la Junta de Normas y Apelaciones de la Ciudad de Nueva York aprobó al año siguiente. ^[113] El anexo se redujo a dos pisos en 1966 debido a las quejas de los residentes locales, ^[114] y se completó en 1968. ^{[107] [115]} Esto liberó espacio en los dos niveles superiores de la galería principal, que se habían utilizado como talleres y espacio de almacenamiento desde que se inauguró el edificio. Los funcionarios del museo abrieron los niveles superiores al público en 1968. ^[116]

En 1971, con el aumento de los costes y la disminución de los ingresos de las donaciones, el Guggenheim registró un gran déficit por primera vez en su historia. ^[117] Además, aunque Wright había incluido espacio para una cafetería en el extremo sur del edificio del museo, el espacio fue utilizado por los departamentos de conservación y enmarcado. ^[107] La ​​fundación propuso añadir un vestíbulo y un restaurante en la zona de la entrada del museo a principios de 1973 ^[118], pero tuvo dificultades para ponerse de acuerdo sobre los planes, ^[119] que se revisaron en noviembre de ese mismo año. ^[120] Como parte del proyecto, diseñado por Donald E. Freed, el museo cerró su entrada y añadió allí un comedor y una librería. ^{[120] [121]} Ante un déficit creciente y una escasez de espacio para exposiciones, el Guggenheim anunció en 1977 que recaudaría 20 millones de dólares en los cinco años siguientes. ^[122] Los funcionarios del museo también planearon ampliar el anexo de la calle 89. ^[122]

Messer se convirtió en director de la Fundación Guggenheim en 1980 y continuó como director del museo, promoviendo a dos curadores a puestos de dirección. ^[123] El Guggenheim renovó el ala Thannhauser a principios de los años 1980. ^[124] Después de estos cambios, John Russell del New York Times escribió que la Colección Thannhauser "ahora puede decirse que es el equivalente de la Frick en el dominio del arte moderno". ^[124] " Works & Process ", una serie de performances en el Guggenheim, comenzó en 1984. ^[125]

En 1982, Gwathmey Siegel & Associates Architects elaboró ​​diseños para un anexo de 11 pisos en la calle 88, detrás del edificio del museo existente. ^[126] El plan original, anunciado en 1985, habría volado sobre el edificio existente. ^{[126] [127]} El diseño se redujo a 10 pisos a principios de 1987 debido a la oposición de los residentes locales. ^{[128] [129]} En ese momento, el edificio solo podía exhibir 150 piezas, aproximadamente el 3 por ciento de la colección de 5000 obras del museo. ^[130] En previsión de la construcción del anexo y una renovación más amplia del edificio antiguo, Gwathmey Siegel también renovó el segundo piso del ala Thannhauser y el nivel superior de la rampa de la galería principal en 1987. ^[131] La Junta de Normas y Apelaciones aprobó el anexo de la calle 89 ese octubre, ^{[132] [133]} a pesar de la continua oposición. ^[134] Messer se jubiló el mes siguiente, en el 50 aniversario de la fundación de la colección. ^[135] La Junta de Estimaciones de la Ciudad de Nueva York aprobó los planes para el anexo del Guggenheim en 1988, ^[136] y la Corte Suprema de Nueva York confirmó la decisión de la Junta de Estimaciones. ^[137]

Thomas Krens , ex director del Museo de Arte de Williams College , asumió como director tanto del museo como de la fundación en enero de 1988. ^{[138] [139]} Durante su mandato de casi dos décadas, lideró una rápida expansión de las colecciones del museo, ^[140] y el museo montó algunas de sus exposiciones más populares, ^[141] incluyendo "África: El arte de un continente" en 1996; ^[142] "China: 5.000 años" en 1998; ^[143] "Brasil: Cuerpo y alma" en 2001; ^[144] y "El imperio azteca" en 2004. ^[145] Exposiciones inusuales incluyeron " El arte de la motocicleta ", una instalación de diseño industrial de motocicletas. ^{[146] [147]}

El Museo Guggenheim SoHo, diseñado por Arata Isozaki , abrió sus puertas en junio de 1992 en la esquina de Broadway y Prince Street en SoHo, Manhattan . ^{[148] [149]} Las exhibiciones del edificio SoHo incluyeron Marc Chagall y el Teatro Judío , Paul Klee en el Museo Guggenheim , Robert Rauschenberg: una retrospectiva y Andy Warhol: La última cena . ^[150] No cumplió con las previsiones de visitantes ^[150] y cerró en 2002. ^[151]

Poco después de convertirse en director, Krens decidió gastar 24 millones de dólares en renovar el Guggenheim. ^[152] Las obras comenzaron a finales de 1989. El museo permaneció abierto inicialmente, ^[153] pero luego cerró durante 18 meses. ^{[154] [155]} Se restauró el ala del monitor, el ala de la calle 88 se convirtió de un laboratorio de conservación a un restaurante y se creó espacio adicional para exposiciones en la parte superior de la galería principal. ^[152] El anexo de la calle 89 se construyó como parte de este proyecto, ^{[149] [134]} y el sótano se amplió bajo la Quinta Avenida. ^[156] Se reemplazaron las ventanas y las ventanas del triforio a lo largo de la rampa se abrieron y se restauraron a su diseño original. ^{[156] [157]} El espacio de exposición del edificio prácticamente se duplicó, lo que permitió al museo mostrar el 6 por ciento de su colección. ^[158]

La renovación se completó el 27 de junio de 1992. ^{[159] [160]} Las oficinas del museo se trasladaron al anexo, al sótano y al antiguo Museo Guggenheim SoHo, y el espacio de almacenamiento y las actividades de conservación se trasladaron a otros edificios. ^[156] El nuevo anexo permitió al museo mostrar más obras de su colección permanente, así como exposiciones temporales. ^[161] La fundación adquirió 200 fotografías de Robert Mapplethorpe en 1992 ^{[162] [163]} y renombró la galería del cuarto piso del anexo en su honor en 1993. ^[164]

Para financiar la renovación y las nuevas adquisiciones, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani , recaudando 47 millones de dólares. Esta medida fue controvertida y generó muchas críticas por intercambiar maestros por obras "de moda" que llegaron tarde. En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "extendieron las reglas aceptadas de desinversión más allá de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". ^{[157] [165]} Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo al expandir su colección internacional y construir su "colección de posguerra con la solidez de nuestras posesiones de preguerra", ^[166] y señaló que los museos realizan regularmente este tipo de ventas. ^[165] También amplió la presencia internacional de la fundación abriendo museos en el extranjero. ^[167]

Krens también fue criticado por su estilo empresarial y su percepción de populismo y comercialización. ^{[146] [168]} Un escritor comentó: "Krens ha sido alabado y vilipendiado por convertir lo que alguna vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución de arte verdaderamente multinacional. ... Krens transformó el Guggenheim en una de las marcas más conocidas en las artes". ^[169] El museo redujo su horario de funcionamiento en 1994, lo que provocó una disminución del 25 por ciento en la asistencia anual, incluso cuando otros museos de arte de la ciudad vieron aumentar la asistencia. ^[170]

Samuel J. LeFrak anunció en diciembre de 1993 que donaría 10 millones de dólares, la mayor donación en efectivo en la historia del museo, y que el edificio de la Quinta Avenida pasaría a llamarse en honor a él y a su esposa. ^{[171] [172]} Al mes siguiente, Ronald O. Perelman anunció que también donaría 10 millones de dólares. ^{[173] [174]} La Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York (LPC), que había designado el edificio como monumento histórico, se negó repetidamente a permitir que los funcionarios colocaran un cartel con el nombre de LeFrak fuera del edificio. ^[175] En consecuencia, LeFrak rescindió 8 millones de dólares de su donación. ^{[175] [170]} Peter B. Lewis donó 10 millones de dólares en 1995 ^[176] para la restauración del auditorio del museo, que pasó a llamarse Teatro Peter B. Lewis después de que se completara el proyecto el año siguiente. ^{[170] [177]} Lewis donó 50 millones de dólares adicionales en 1998, y varios otros fideicomisarios, incluido Perelman, aumentaron sus donaciones. ^[177]

El museo abrió un centro de artes en el sótano en 2001; originalmente llamado así por la familia Sackler , ^[178] fue rebautizado como Centro Gail May Engelberg para la Educación Artística en 2022. ^{[179] [180]} También en 2001, como parte de una retrospectiva de Frank Gehry en el museo, Gehry diseñó un dosel, que se instaló en el exterior del quinto piso. ^{[181] [182]} Permaneció en su lugar durante seis años después de que terminara la retrospectiva. ^{[181] [183]}

En 2004, los funcionarios del museo estaban recaudando 25 millones de dólares para otra restauración del edificio y contrataron a Swanke Hayden Connell Architects para inspeccionarlo. Para entonces, la estructura había desarrollado numerosas filtraciones. ^[183] ​​Después de que los arquitectos e ingenieros determinaran que el edificio estaba estructuralmente sólido, las renovaciones comenzaron en septiembre de 2005 para reparar grietas y modernizar los sistemas y los detalles exteriores. ^{[184] [185] [186]} La restauración consistió principalmente en mejoras exteriores e infraestructurales, preservando tantos detalles históricos como fuera posible y permitiendo que las operaciones del museo continuaran. ^{[187] [188]} El 22 de septiembre de 2008, el Guggenheim celebró la finalización del proyecto con el estreno del tributo de la artista Jenny Holzer For the Guggenheim . ^[189] La renovación costó 29 millones de dólares y fue financiada por la junta directiva de la Fundación Solomon R. Guggenheim, el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad , el gobierno del estado de Nueva York y MAPEI Corporation. ^[190]

Mientras tanto, durante los primeros años de la década de 2000, Krens estuvo involucrado en una larga disputa con Lewis, quien también era presidente de la junta directiva de la fundación. ^[191] Cuando la admisión disminuyó en un 60 por ciento después de los ataques del 11 de septiembre de 2001, el museo enfrentó déficits presupuestarios, ya que una cuarta parte de sus ingresos provenían de la venta de entradas. ^[192] Lewis donó $ 12 millones al museo en 2002 con la condición de que Krens ajustara el presupuesto. ^{[193] [194]} A pesar de haber donado $ 77 millones, más que cualquier otro donante en la historia del Guggenheim, ^{[191] [195]} Lewis no tuvo tanta influencia sobre las decisiones de la junta como los principales donantes de otros museos de arte de la ciudad. ^[191] Lewis renunció a la junta directiva en 2005, expresando su oposición a los planes de Krens para museos adicionales en todo el mundo. ^{[195] [196]}

En 2005, la curadora Lisa Dennison fue contratada como nueva directora del museo, bajo la dirección de Krens, quien continuó dirigiendo la fundación. ^{[197] [198]} En 2006, el museo enfrenta un déficit de 35 millones de dólares, aun cuando Dennison rechazó la idea de financiar exhibiciones a través de patrocinios corporativos. ^[199] Dennison renunció en julio de 2007 para trabajar en la casa de subastas Sotheby's . ^[200] Las tensiones entre Krens y la junta continuaron, y Krens renunció como director de la fundación en febrero de 2008. ^[140]

Richard Armstrong , exdirector del Museo de Arte Carnegie , se convirtió en director del museo y de la fundación en noviembre de 2008. ^{[201] [202]} El New York Times dijo que la Fundación Guggenheim lo había seleccionado porque su "presencia más tranquila y estable" contrastaba con los "casi 20 años a menudo tumultuosos de la visión inconformista del Sr. Krens". ^[203] Además de sus colecciones permanentes, que continuaron creciendo bajo su dirección, ^[7] la fundación ha administrado exposiciones en préstamo y ha coorganizado exposiciones con otros museos para fomentar la difusión pública. ^[204] El museo albergó exposiciones como América (2016), una de las más pequeñas jamás albergadas allí. ^[205]

Alrededor de 140 trabajadores de mantenimiento e instaladores de arte se unieron a un sindicato en 2019, la primera vez que los empleados del museo se sindicalizaron. ^{[206] [207]} Ese año, Chaédria LaBouvier se convirtió en la primera curadora negra en crear una exposición individual y la primera persona negra en escribir un texto publicado por el museo. ^{[208] [209]} Acusó al museo de racismo y alegó que, entre otras cosas, los funcionarios retuvieron recursos y se negaron a dejar que los periodistas la entrevistaran, aunque un artículo en The Atlantic describió a LaBouvier como hostil hacia las personas que comentaron sobre su exposición. ^[209] Un mes después de estas críticas, el museo contrató a su primera curadora negra a tiempo completo, Ashley James . ^[210] Una investigación realizada por un bufete de abogados contratado por el museo no encontró "ninguna evidencia de que la Sra. LaBouvier fuera objeto de un trato adverso por su raza". ^[211] La directora artística y curadora en jefe del museo, Nancy Spector , dejó la institución en 2020 después de 34 años. ^{[209] [211]} El Guggenheim aprobó un plan para aumentar la diversidad racial en agosto de 2020, ^{[212] [213]} y contrató a un "director de cultura e inclusión" en 2021. ^[214]

Durante la pandemia de COVID-19 , el Guggenheim cerró temporalmente en marzo de 2020. ^[215] Reabrió en octubre de ese año, ^{[216] [217]} registrando una pérdida neta mensual de 1,4 millones de dólares mientras estuvo cerrado. ^[218] Despidió a numerosos miembros del personal durante la pandemia. ^{[219] [220]} Armstrong anunció a mediados de 2022 que planeaba dimitir en 2023. ^{[221] [222]}

Armstrong abandonó el museo a finales de 2023. ^{[223] [224]}

En junio de 2024, Mariët Westermann se convirtió en la primera directora del Guggenheim. ^{[225] [226]} Había sido vicerrectora de la Universidad de Nueva York en Abu Dabi desde 2019 y fue su rectora cuando se formó en 2007 y fue responsable, entre otras cosas, de su primer plan de acción climática. ^[225] Obtuvo títulos de maestría y doctorado en Historia del Arte en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York . ^[227]

El diseño de Wright para el Museo Guggenheim incorporaba motivos geométricos, como cuadrados, círculos, rectángulos, triángulos y rombos . La masa contiene dos estructuras en espiral, la galería principal de seis pisos al sur y el "monitor" más pequeño al norte, que están conectados por un "puente" en el segundo piso. El anexo rectangular de diez pisos, al noreste, aparece detrás de las estructuras en espiral visto desde Central Park. ^[228]

El edificio encarna los intentos de Wright de "reproducir la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". ^[229] El diseño de Wright incluyó detalles inspirados en la naturaleza, ^[38] aunque también expresa su interpretación de la geometría rígida de la arquitectura modernista. ^[230] Wright describió un significado simbólico para las formas del edificio: "[E]stas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo y sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". ^[231] Las formas se hacen eco unas de otras en todo el edificio: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el leitmotiv, desde la galería principal hasta las incrustaciones en los pisos de terrazo del museo. ^[38]

Wright originalmente quería construir una fachada de mármol, ^{[157] [232]} pero el constructor George N. Cohen construyó la fachada de gunita , un tipo de hormigón proyectado, como una medida de reducción de costos. ^[156] Los nombres de Wright y Cohen aparecen en un mosaico colocado a lo largo del exterior del edificio; esta es probablemente la única vez en que Wright y un constructor compartieron el crédito por la construcción de un edificio. ^{[156] [233]} Wright también había propuesto un exterior de color rojo, que nunca se realizó. ^{[29] [234] [233]} En cambio, la fachada estaba cubierta con una capa de plástico vinílico de color marfil, ^{[235] [236]} conocida como "capullo". ^{[236] [237]} Los ingenieros involucrados en la construcción original pensaron que el "capullo" no se agrietaría, por lo que la fachada se construyó sin juntas de expansión ; estaban equivocados: la fachada se agrietó en los años posteriores. ^[188] Durante las renovaciones posteriores, los conservadores descubrieron que la fachada estaba originalmente pintada de un color amarillo parduzco, que fue cubierto con numerosas capas de pintura blanca o blanquecina a lo largo de los años. ^[233]

La acera frente al museo actúa como un patio delantero , con círculos de metal incrustados en su superficie, de diseño similar al piso dentro del museo. Junto a la acera hay parapetos curvos que rodean los canteros, algunos de los cuales están por debajo del nivel del suelo. ^{[238] [239]} Los canteros originalmente contenían arbustos, sicomoros y otra vegetación. ^[240]

La entrada principal del museo está en el centro de la fachada de la Quinta Avenida. ^{[238] [241]} Consiste en una pared de vidrio con marco de aluminio con varias puertas, empotrada dentro de un vestíbulo bajo. Una puerta directamente frente a la entrada conduce a la librería, mientras que se accede a las galerías del museo por puertas a la derecha. ^{[238] [241] [242] Sobre la entrada principal hay un "puente" que conecta la galería principal y el edificio del monitor, que está sostenido por varios} pilares en forma de rombo . ^[241] La parte inferior del puente contiene iluminación empotrada que ilumina la entrada principal. ^{[238] [241]} La entrada principal era originalmente la entrada a un camino de entrada que se curvaba hacia la calle 89, con entradas separadas al monitor y la galería principal. ^{[35] [241]} La pared de vidrio se instaló después de que se cerrara el camino de entrada en la década de 1970, y la librería del museo se colocó directamente detrás del muro. ^{[121] [243]} Al sur de la entrada principal hay un muro curvo, que forma la base de la galería principal. ^[244] Hay una rampa adyacente a este muro, que conduce al auditorio del sótano. ^{[239] [244]}

En la esquina sureste del museo, en la calle 88, hay una estructura rectangular, que no contiene aberturas excepto cinco portales circulares a nivel del suelo. ^{[241] [245]} La estructura contiene la cafetería del museo, que era parte de los planes originales de Wright pero no se desarrolló hasta 1992. El segundo piso de la estructura rectangular contiene la High Gallery. ^[241] Inmediatamente al este, en la calle 88, hay una puerta de servicio de aluminio con diseños circulares. ^{[241] [245]}

El puente, que soporta el segundo piso del Guggenheim, se proyecta en la esquina suroeste del museo. El nombre del museo se extiende a lo largo del borde inferior de la fachada de la Quinta Avenida del puente. ^[239] La galería principal se eleva sobre la parte sur del puente; consiste en una masa en forma de "cuenco", con varias "bandas" de hormigón separadas por tragaluces de aluminio empotrados. ^[245] Desde la calle, el edificio parece una cinta blanca enrollada en una pila cilíndrica, más ancha en la parte superior que en la inferior, mostrando casi todas las superficies curvas. Su apariencia contrasta marcadamente con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, un hecho del que disfrutó Wright, quien afirmó que su museo haría que el cercano Museo Metropolitano de Arte "pareciera un granero protestante". ^[89] En la parte superior del "cuenco" hay un parapeto , que rodea tres tragaluces más pequeños, así como la gran cúpula de doce lados sobre la galería principal. ^[245]

La parte norte del puente contiene un ala de cuatro pisos, originalmente conocida como el monitor. Aunque el interior del monitor es cilíndrico, su exterior contiene diferentes materiales y formas en cada piso. ^[246] Los dos primeros pisos del monitor contienen una fachada de hormigón redonda, ^{[246] [247]} mientras que los dos pisos superiores están en voladizo hacia afuera desde el núcleo del monitor. ^[247] El tercer piso contiene ventanas de aluminio rectangulares con paneles semicirculares en sus partes superiores. ^[245] El cuarto piso contiene una terraza cuadrada y ventanas adicionales. ^{[245] [246]} Por encima del cuarto piso hay una fascia con patrones de rombos, así como un techo hexagonal con un marco de aluminio. El techo está interrumpido por un eje en forma de rombo, que contiene una escalera. ^{[245] [248]}

En el plan de Wright de 1951 para el museo se incluía una torre de diez pisos en la esquina noreste del museo, con oficinas, estudios de artistas y apartamentos, que era una estructura rectangular, alineada en un eje norte-sur, y que habría contenido porches en cada piso en las elevaciones norte y sur. ^[239] El plan original de Wright para la torre no se realizó, en gran parte por razones financieras, hasta la renovación y expansión de 1990-1992. ^{[249] [250] [251]} En cambio, William Wesley Peters diseñó un ala más corta en el sitio en 1968, con dos pisos de doble altura. Esta ala estaba hecha de hormigón, con relieves tallados de cuadrados y octógonos en su fachada, y albergaba la biblioteca del museo, el espacio de almacenamiento y la Galería Thannhauser. ^{[108] [115]} Su estructura de acero podría soportar el peso de seis pisos adicionales si se ampliara. ^{[107] [115]}

Gwathmey Siegel & Associates diseñó un anexo de 10 pisos que finalmente se construyó durante la renovación. ^{[249] [250]} El anexo, que mide 32 pies (9,8 m) de ancho y 135 pies (41 m) de alto, utiliza la estructura de acero del ala de 1968. ^[250] Durante la renovación, Gwathmey Siegel eliminó la fachada de hormigón de 1968 y la reemplazó con una cuadrícula de piedra caliza. ^{[251] [250]} Analizaron los bocetos originales de Wright cuando diseñaron la torre. ^{[158] [251]}

La parte central del interior del Guggenheim consiste en la sección de monitores al norte, la galería principal más grande al sur y una sala de conferencias debajo de la galería principal. ^{[252] [253]} Al este de la entrada principal se encuentra la librería, en el área que originalmente era parte del camino de entrada del museo. ^[254] Al sur de la entrada principal hay un pequeño vestíbulo circular, que contiene un piso con arcos de metal y un techo bajo de yeso con iluminación empotrada. ^[255] Al sur de la rotonda principal hay una cafetería, agregada durante la renovación de la década de 1990. ^{[107] [239]}

El núcleo de servicio triangular, en la esquina noreste de la galería principal, contiene un ascensor y una escalera. ^{[228] [256]} La escalera envuelve el ascensor, que está alojado dentro de un eje semicircular; ^{[256] [257]} El núcleo también contiene baños y áreas mecánicas. ^[257] Según el autor Robert McCarter, Wright había utilizado "geometrías completas" para las escaleras y rampas porque quería que los visitantes experimentaran el museo a pie. ^[256] Otras salas, como la cocina del personal, fueron diseñadas con equipo curvo debido al diseño inusual del interior. ^[258] El interior del museo generalmente está pintado de blanco, y partes del interior se repintan casi todos los días. ^[233]

Wright diseñó la galería principal (también descrita como una rotonda) como un atrio al aire libre, rodeado por una rampa helicoidal. ^{[89] [259]} El diseño de Wright difería del enfoque convencional del diseño de un museo, en el que los visitantes pasan por una serie de salas interconectadas y vuelven sobre sus pasos al salir. ^[229] Según el plan de Wright, los invitados subían en un ascensor hasta la parte superior del edificio y descendían por la rampa, viendo la galería principal en sí misma como una obra de arte. ^{[251] [256]} El diseño de la rampa recordaba a una concha de nautilus , con espacios continuos que fluyen uno hacia el otro. ^{[230] [260]} La rotonda abierta permite a los invitados observar obras en diferentes niveles simultáneamente e interactuar con invitados en otros niveles. ^[251] Estructuralmente, la rampa actúa como un enorme arco, evitando que las columnas de la galería principal colapsen hacia adentro. ^[247]

La galería principal tiene un piso de terrazo beige con círculos de metal incrustados. ^{[232] [261]} A nivel del suelo hay mostradores de información y admisiones hechos de madera y ventanas orientadas al sureste hacia la Quinta Avenida y la calle 88. ^[261] La rampa, hecha de hormigón armado , asciende con una pendiente del 5 por ciento ^{[84] [235]} desde el nivel del suelo y se eleva un piso, donde envuelve una jardinera y pasa a través de un arco de doble altura. ^[261] Se eleva cinco pisos más antes de terminar en el sexto piso, ^{[84] [262]} con una longitud total de 1,416 pies (432 m). ^[233] Su ancho aumenta a medida que asciende, ^[263] de 25 pies (7,6 m) en el nivel más bajo a 32 pies (9,8 m) en la parte superior. ^[235] La rampa sobresale hacia la esquina noreste del atrio en cada piso, formando un balcón redondeado. ^[255] Hay conexiones con otras galerías en el segundo y cuarto piso, y con una galería triangular en el sexto piso. ^[261] La rampa tiene un parapeto bajo a lo largo del lado del atrio, ^[264] que mide 36 pulgadas (910 mm) de alto. ^[233]

Las paredes y los techos están hechos de yeso. ^{[261] [264]} Para crear las paredes de hormigón, los trabajadores rociaron varias capas de hormigón sobre molduras de madera contrachapada, cada capa reforzada con acero. ^{[235] [237]} Wright pretendía que los techos bajos y las paredes inclinadas proporcionaran un "ambiente más íntimo" para exhibir las obras de arte. ^[265] Las paredes están inclinadas en un ángulo de 97 grados y los techos miden 9,5 pies (2,9 m) de alto. ^{[45] [235]} Jaroslav Josef Polívka ayudó a Wright con el diseño estructural, e inicialmente diseñó la rampa de la galería sin columnas perimetrales. ^[266] Más tarde en el diseño, Wright agregó una docena de nervaduras de hormigón a lo largo de las paredes de la galería principal, que proporcionan refuerzo estructural y dividen la rampa en secciones. ^{[259] [267]} La ​​rampa pasa por 70 secciones en total. ^[235] Aunque Wright quería que las pinturas se exhibieran como si estuvieran en un caballete, ^{[89] [263]} las pinturas están montadas sobre barras horizontales que sobresalen de la pared inclinada. ^{[268] [269]} Hay espacio limitado para esculturas dentro de cada tramo, ^[89] y las pinturas más anchas con frecuencia abarcan el centro de la pared curva. ^[270]

La rampa estaba originalmente iluminada por ventanas del triforio a lo largo del perímetro de cada nivel, ^[267] que se sellaron cuando se completó el edificio. ^{[256] [268]} Cada nivel de la rampa también contiene iluminación empotrada en su techo. ^{[256] [255]} El tragaluz abovedado, llamado Lawson-Johnston Family Oculus, ^[271] tiene alrededor de 95 pies (29 m) de alto ^{[269] [272]} y tiene el mismo ancho que el atrio. ^[242] Las barras de metal dividen el tragaluz en numerosos paneles. A lo largo de la cúpula hay seis "radios" en forma de horquilla, que rodean un panel de vidrio circular y se conectan con las "costillas" a lo largo del perímetro de la galería. ^{[255] [273]} Estos radios dividen el tragaluz en doce secciones. ^{[267] [255]} Los planes originales exigían que la cúpula estuviera iluminada por 24 reflectores. ^[237] Las ventanas del triforio y el tragaluz fueron restaurados en 1992. ^{[157] [274]}

El "monitor" del museo alberga la Colección Thannhauser. ^[275] Sus galerías rodean un atrio que es circular excepto por un vestíbulo de escaleras en un extremo del espacio. ^[261] Los pisos están sostenidos por columnas con secciones transversales en forma de rombo. ^{[261] [276]} Al igual que la galería principal, el monitor contiene un núcleo de servicio triangular, aunque su núcleo está colocado en el centro de la estructura. ^[276] Originalmente se suponía que el monitor incluiría apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero esta área se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. ^[277] En 1965, el segundo piso del monitor fue renovado para exhibir parte de la creciente colección permanente del museo. ^{[241] [278]} Parte del cuarto piso fue convertido de manera similar en 1980. ^[241] Con la restauración del museo a principios de la década de 1990, los pisos segundo a cuarto se convirtieron completamente en espacio de exhibición y se rebautizaron como Edificio Thannhauser. ^{[107] [241] [278]}

El Centro de Educación Artística Gail May Engelberg, terminado en 2001, cubre 8200 pies cuadrados (760 m ² ) en el nivel inferior del museo, debajo de la galería principal. ^[178] Fue un regalo de la familia Mortimer D. Sackler y originalmente fue nombrado por ellos. ^[279] La instalación ofrece clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y exposiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exposición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis de 266 asientos. ^{[280] [178]} Tras las críticas sobre la participación de la familia Sackler en la epidemia de opioides en los Estados Unidos , ^{[281] [282]} el centro fue rebautizado en 2022 en honor a la fideicomisaria del museo Gail May Engelberg, ^[179] quien junto con su esposo Alfred Engelberg había donado $ 15 millones al museo. ^[180]

El espacio del sótano da a un camino de acceso en pendiente que se encuentra fuera de la esquina suroeste del museo. ^[253] El teatro Peter B. Lewis está directamente debajo de la galería principal y contiene dos niveles de asientos: un nivel de orquesta y un balcón. Hay un guardarropa en el nivel del balcón, separado de los asientos del balcón por una partición de metal. La esquina sureste del nivel de la orquesta contiene un escenario de madera elevado. Las paredes del teatro contienen pilares empotrados, así como aberturas de ventanas semicirculares. ^[283] El techo de yeso contiene iluminación empotrada en la cornisa . ^{[257] [283]} Cuando se construyó el teatro, se podía acceder directamente desde el núcleo de servicio triangular, así como a través del camino de acceso fuera del museo. ^[257]

El anexo de la calle 89 contiene 10.290 pies cuadrados (956 m ² ) de espacio adicional para exposiciones. ^[160] Hay cuatro galerías de exposiciones con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". ^{[251] [249]} Cada uno de los niveles de la galería, ^[284] son ​​espacios de doble altura. ^{[107] [250]} Un muelle de carga se encuentra debajo de las galerías, mientras que dos pisos de oficinas y un piso mecánico están arriba. ^[284] Un vestíbulo de acero y vidrio conecta el anexo con el nivel del suelo del monitor, y rampas y pasillos conectan con los tres pisos superiores del monitor. ^[284] El anexo está conectado a la torre de escaleras de la galería principal en los pisos cuarto, quinto y séptimo. ^{[107] [250]} También se conecta a las terrazas de la azotea sobre el monitor y la galería principal. ^{[160] [284]}

La Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York (LPC) designó el edificio del museo y su interior como monumentos históricos de la ciudad de Nueva York el 14 de agosto de 1990, ^{[285] [286]} dos años después de que los opositores a la construcción del anexo habían pedido a la comisión que considerara tal designación. ^[287] En ese momento, el Guggenheim era uno de los edificios más jóvenes en tener el estatus de monumento histórico de la ciudad, habiéndose completado 31 años antes. ^[233] Cuando la LPC amplió su Distrito Histórico de Carnegie Hill en 1993, ^{[288] [289]} el Museo Guggenheim fue incluido en el distrito ampliado. ^[290]

El museo fue agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos (NRHP) el 19 de mayo de 2005, ^[2] y fue designado como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. ^[3] En julio de 2019, el Guggenheim se encontraba entre las ocho propiedades de Wright incluidas en la Lista del Patrimonio Mundial bajo el título " La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright ". ^{[291] [292]}

El Guggenheim tiene alrededor de 8.000 obras en su colección a partir de 2022. ^[actualizar][ ^{293] [294]} Aproximadamente 1.700 forman parte de su colección en línea. ^[294] El edificio del museo tiene una capacidad relativamente pequeña; según The Wall Street Journal , después de la renovación de 1992, el Guggenheim podría mostrar "más del 6%" de su colección de 5.000 piezas en ese momento. ^[158] A diferencia de otros museos de artes visuales, el Guggenheim no divide su colección en departamentos. ^[295] El Guggenheim comparte su colección con la Colección Peggy Guggenheim en Venecia y el Museo Guggenheim Bilbao . ^[295]

El Museo Guggenheim ha adquirido colecciones privadas a lo largo de su historia, incluidas las de Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Thannhauser, Rebay, Giuseppe Panza , Mapplethorpe y la Fundación Bohen. ^{[296] [297]} Sus primeras obras incluyen modernistas como Rudolf Bauer , Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian , Marc Chagall , Robert Delaunay , Fernand Léger , Amedeo Modigliani y Pablo Picasso . ^[65] Partes de la colección original se han vendido a lo largo de los años. En 2007, 620 de las obras originales fueron designadas parte de la Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, ^[298] con obras de más de 60 artistas, ^[298] incluyendo más de 150 de Kandinsky. ^[299]

En 1948, el Museo de Arte No Objetivo adquirió los 730 objetos de Nierendorf, en particular pinturas expresionistas alemanas . ^{[300] [13]} El Guggenheim todavía tenía 121 obras de la colección de Nierendorf en la década de 1990, ^[301] que abarcaban un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . ^{[13] [65] [300]} En 1953, el Guggenheim adquirió 28 piezas de la colección de Dreier, ^[b] incluidas obras de Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Alexander Calder , Marcel Duchamp , Juan Gris , El Lissitzky , Mondrian y Kurt Schwitters . ^[65]

La Colección Thannhauser, adquirida en 1963, consta de 73 obras, ^{[105] [106]} en su mayoría de estilos impresionista , postimpresionista y moderno francés, ^[302] incluyendo piezas de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Picasso. ^{[65] [303]} Rebay también legó una parte de su colección personal a la fundación, incluyendo obras de Kandinsky, Klee, Calder, Albert Gleizes , Mondrian y Schwitters. ^[65] El Guggenheim recibió las piezas en 1971, cuatro años después de su muerte, ^[295] debido a una prolongada demanda. ^[110] En 1990 el museo adquirió la colección de Giovanna y Giuseppe Panza, ^{[304] [305]} incluyendo ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd ; pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman ; así como una variedad de arte posminimalista , conceptual y perceptual de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, especialmente ejemplos estadounidenses de los años 1960 y 1970. ^{[166] [305]}

En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe donó 200 de las mejores fotografías de Mapplethorpe a la fundación. ^{[162] [163]} Las obras abarcaban toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas; también incluía construcciones en técnica mixta e incluía su conocido Autorretrato de 1998. La adquisición inició el programa de exposiciones de fotografía de la fundación. ^[65] En 2001, la fundación recibió una donación de la colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, vídeo, fotografía y nuevos medios. Comprende alrededor de 275 obras de 45 artistas, ^[306] incluidos Pierre Huyghe y Sophie Calle . ^[7] En 2022, el Guggenheim y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago recibieron conjuntamente 100 obras de la Colección D. Daskalopoulos . ^{[307] [308]}

Bajo la dirección de Sweeney, en la década de 1950, el Guggenheim adquirió Adán y Eva (1921) de Constantin Brâncuși y obras de otros escultores modernistas como Joseph Csaky , Jean Arp , Calder, Alberto Giacometti y David Smith . ^[13] Sweeney trascendió el siglo XX para adquirir El hombre de los brazos cruzados ( c.  1899 ) de Paul Cézanne ^[13] y obras de David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . ^[309]

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  Paul Cézanne , c.  1899 , Homme aux bras croisés ( Hombre de brazos cruzados ), óleo sobre lienzo, 92 × 72,7 cm
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  Georges Braque , 1909, Violín y paleta ( Violon et paleta, Dans l'atelier ), óleo sobre lienzo, 91,7 × 42,8 cm
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  Wassily Kandinsky , 1910, Paisaje con chimenea de fábrica , óleo sobre lienzo, 66,2 × 82 cm
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  Franz Marc , 1911, La vaca amarilla , óleo sobre lienzo, 140,5 × 189,2 cm
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  Juan Gris, 1911, Maisons à Paris ( Casas en París ), 1911, óleo sobre lienzo, 52,4 × 34,2 cm
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  Fernand Léger , 1911–12, Les Fumeurs (Los fumadores) , óleo sobre lienzo, 129,2 × 96,5 cm
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  Jean Metzinger , 1912, Femme à l'Éventail ( Mujer con abanico ) , óleo sobre lienzo, 90,7 × 64,2 cm
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  Fernand Léger , 1912–13, Modelo desnuda en el estudio (Le modèle nu dans l'atelier) , óleo sobre arpillera, 128,6 × 95,9 cm
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  Alexander Archipenko , 1913, Pierrot-carrusel , yeso pintado, 61 × 48,6 × 34 cm
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  Marc Chagall, 1913, Paris par la fenêtre ( París a través de la ventana ), óleo sobre lienzo, 136 × 141,9 cm
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  Raymond Duchamp-Villon , 1914 (fundido c.  1930 ), Le cheval ( El caballo ), bronce, 43,6 × 41 cm
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  Albert Gleizes , 1914-15, Retrato de un médico militar (' Retrato de un médico militar ) , óleo sobre lienzo, 119,8 × 95,1 cm
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  Albert Gleizes, 1915, Puente de Brooklyn ( Pont de Brooklyn ) , óleo y gouache sobre lienzo, 102 × 102 cm cm
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  Juan Gris, 1917, Compotier et nappe à carreaux ( Plato de frutas sobre un mantel a cuadros ), óleo sobre panel de madera, 80,6 × 53,9 cm
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  Amedeo Modigliani , 1917, Desnudo (Nu) , óleo sobre lienzo, 73 × 116,7 cm
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  Theo van Doesburg , 1918, Composición XI , óleo sobre lienzo, 57 × 101 cm
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  Paul Klee , 1922, Globo rojo ( Roter Ballon ), óleo sobre gasa preparada con tiza, montado sobre tabla, 31,7 × 31,1 cm
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  Wassily Kandinsky , 1923, Composición 8 , óleo sobre lienzo, 140 x 201 cm

En 2007, los herederos del banquero berlinés Paul von Mendelssohn-Bartholdy solicitaron la restitución del cuadro de Picasso " Le Moulin de la Galette " (1900), que según afirmaron había vendido bajo coacción por los nazis. ^{[310] [311]} El museo y los herederos resolvieron la demanda en 2009. ^[312] El juez presidente, Jed Rakoff, criticó el secreto del acuerdo. ^{[313] [314]} En 2018, el museo devolvió el cuadro de Ernst Ludwig Kirchner Artilleros (1915) a los herederos de Alfred Flechtheim , que había sido propietario del cuadro antes de que cayera en manos de un coleccionista nazi en 1938. ^{[315] [316]}

En 2023, los herederos de Karl y Rosie Adler demandaron al Guggenheim para reclamar la restitución de un cuadro de Picasso, Mujer planchando ( La repasseuse ) (1904), que los Adler vendieron a Justin Thannhauser en 1938, supuestamente por una fracción de su valor, para escapar del Holocausto . Alegaron que Thannhauser compró a sabiendas el cuadro y el arte de otros judíos prófugos, beneficiándose injustamente de su angustia. ^{[317] [318]} El museo dice que se pusieron en contacto con la familia Adler antes de adquirir el cuadro como parte del legado de Thannhauser de su colección de arte en 1976, y en ese momento Karl Adler no se opuso. ^{[319] [320]}

El Guggenheim tiene en su lista 289 obras de arte en el Portal de Internet sobre la procedencia de la era nazi (NEPIP), pero no publica la procedencia de su colección. ^{[321] [322]}

La Fundación Solomon R. Guggenheim opera y es propietaria del Museo Solomon R. Guggenheim. ^[323] El comité de arte y museo de la fundación es responsable de proponer adquisiciones y desinversiones de la colección de la fundación, mientras que el consejo de administración de la fundación determina si se deben implementar las propuestas del comité de arte y museo. ^[324] J. Tomilson Hill se ha desempeñado como presidente de la junta desde 2021, ^[325] mientras que Marcy Withington ha sido la directora financiera de la fundación desde 2018. ^[326] A partir de 2022 ^[actualizar], Richard Armstrong es el director tanto de la Fundación Guggenheim como del museo. ^[323] El museo empleó a 315 miembros del personal a tiempo completo y parcial en 2020. ^[actualizar][ ^{327] [328]}

Incluso antes de que se inaugurara el edificio, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura ^{[89] [329]} y fue controvertido entre el público. ^{[330] [331]} Algunos críticos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. ^[332] Emily Genauer , del New York Herald Tribune, dijo que el edificio había sido comparado con "un sacacorchos gigante, una lavadora y un malvavisco", ^[333] mientras que la sobrina de Solomon, Peggy Guggenheim, creía que se parecía a "un enorme garaje". ^[334] Los miembros del público sentían que el edificio contrastaba con el carácter de la Quinta Avenida. ^[331] Otros críticos, y muchos artistas, se preocuparon de que sería difícil colgar adecuadamente las pinturas en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas alrededor de la galería principal. ^{[335] [77] [89]} Antes de la apertura del museo, 21 artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su trabajo en un espacio así. ^{[87] [336]} Phyllis Mark del New Leader comentó que las paredes y los techos "desorientarían al espectador" y señaló que el museo solo podría exhibir el cinco por ciento de su colección en el nuevo edificio. ^[272]

Los críticos de arte criticaron la estructura con especial dureza. ^[337] John Canaday , del New York Times, escribió que el diseño sería digno de mérito si se le "despojara de sus imágenes", ^{[338] [339]} mientras que Hilton Kramer , de la revista Arts Magazine , opinó que la estructura era "lo que probablemente sea el edificio más inútil [de Wright]". ^[340] El crítico de arquitectura Lewis Mumford resumió el oprobio:

Wright ha asignado a las pinturas y esculturas expuestas sólo el espacio necesario para que no interfieran con su composición abstracta... [Él] creó una carcasa cuya forma no tiene relación con su función y no ofrece ninguna posibilidad de apartarse en el futuro de sus preconcepciones rígidas. [La rampa] tiene, para un museo, un techo bajo –nueve pies y ocho pulgadas [295 cm], de modo que sólo se puede mostrar un cuadro que se encuentre dentro de los límites verticales así creados. La pared... se inclina hacia afuera, siguiendo la inclinación exterior de la pared exterior, y las pinturas no debían colgarse verticalmente ni mostrarse en su verdadero plano, sino que debían estar inclinadas hacia atrás contra ella... Tampoco [puede un visitante] escapar de la luz que brilla en sus ojos a través de las estrechas ranuras de la pared. ^[341]

Durante su vida, Wright desestimó las críticas a la estructura, diciendo: "Por primera vez, el arte se verá a través de una ventana abierta y, de todos los lugares, en Nueva York". ^[342] También sintió que su diseño complementaba Central Park, particularmente con los arbustos alrededor del nuevo edificio, que formaban "un pequeño parque con un edificio en él". ^{[87] [343]} Wright creía que el edificio sería muy adecuado para el arte de vanguardia , "que pretendía representar el espacio y la forma de una manera nueva y completamente integrada". ^[264]

El edificio también recibió elogios de la crítica. En una encuesta de 1958 sobre las "Siete Maravillas de la Arquitectura Americana", quinientos arquitectos clasificaron al Guggenheim como la 18.ª mejor estructura de más de 100 edificios seleccionados. ^[344] Cuando se inauguró el edificio, arquitectos modernistas como Philip Johnson y Edward Durell Stone elogiaron el diseño de Wright, ^{[345] [346]} y Genauer lo consideró como "el edificio más hermoso de América". ^{[333] [346]} Este sentimiento fue compartido incluso por comentaristas que cuestionaron la funcionalidad del edificio, incluido Robert M. Coates de The New Yorker , quien escribió: "Mi pregunta no es '¿Es arte?' (creo que lo es), sino '¿Qué tan bien albergará arte?'". ^{[346] [347]} Un escritor del New York Daily Mirror dijo que el Guggenheim "debería ser puesto en un museo para mostrar cuán loco es el siglo XX". ^[347] Los directores de otros importantes museos de la ciudad de Nueva York también elogiaron el edificio, aunque algunos de ellos se mostraron escépticos sobre si la estructura podría funcionar bien como museo. ^{[337] [345]}

En años posteriores, el edificio fue ampliamente elogiado. ^{[348] [349]} Marcus Whiffen y Frederick Koeper escribieron: "El dinámico interior del Guggenheim es, para algunos, demasiado competitivo para la exhibición de arte, pero nadie discute que es uno de los espacios memorables de toda la arquitectura". ^{[350] [351]} Paul Goldberger dijo en 2009: "Creo que el legado de este edificio está en el mensaje de que la arquitectura no tiene por qué acostarse y hacerse la muerta frente al arte". ^[352] Según Herbert Muschamp , el Guggenheim fue "uno de los monumentos más distinguidos de Nueva York", así como el diseño más conocido de Wright. ^{[353] [354]} El Instituto Americano de Arquitectos otorgó un Premio de Veinticinco Años al Guggenheim en 1986, describiendo el edificio del museo como "un hito arquitectónico y un monumento a la visión única de Wright". ^{[108] [355]}

Varios escritores describieron al Guggenheim como representante de la tendencia de Wright hacia la arquitectura orgánica. ^[356] Según William JR Curtis, el edificio era "la apoteosis de la filosofía orgánica de Wright". ^{[350] [357]} Peter Blake comentó que el Guggenheim era la "única obra completada de Wright de plasticidad y continuidad inquebrantables", ^{[358] [359]} una afirmación con la que estuvo de acuerdo el biógrafo de Wright, Robert C. Twombly. ^{[358] [360]} Los críticos llegaron a considerar al Guggenheim como la mejor obra de la carrera posterior de Wright, ^[361] así como una culminación de las formas helicoidales que Wright había utilizado en sus diseños desde 1925. ^{[362] [363]} Spiro Kostof llamó al museo "un regalo de arquitectura pura", ^{[358] [364]} y Edgar Kaufmann Jr. dijo que el edificio era "uno de los logros irrefutablemente grandiosos de la arquitectura moderna". ^{[358] [365]}

El edificio del museo inspiró los diseños de otros arquitectos. ^{[27] [108]} Varios edificios similares se desarrollaron en la década de 1960, aunque generalmente utilizaron menos hormigón que el Guggenheim. ^[108] Deborah Solomon de The New York Times Magazine escribió en 2002 que el Guggenheim inspiró el fenómeno del "museo que es solo paredes", en el que los museos competían por los edificios mejor diseñados. ^[151] El edificio también fue representado en un sello postal de dos centavos emitido en honor de Wright en 1966. ^{[366] [367]} La ​​encuesta de 2007 List of America's Favorite Architecture del American Institute of Architects clasificó al Museo Guggenheim entre los 150 mejores edificios de los Estados Unidos. ^{[368] [369]}

Cuando se inauguró el edificio, era popular entre el público en general. ^[370] Una encuesta de Gallup de 1960 encontró que el 38 por ciento de los visitantes venían por el edificio en sí, mientras que un 43 por ciento adicional quería ver tanto el edificio como el arte. ^{[370] [371]} El Guggenheim no mantuvo registros precisos de asistencia hasta 1992. ^[372] Antes de su renovación en la década de 1990, tenía un estimado de 600.000 visitantes anuales. ^[373] Esto aumentó a entre 900.000 y 1 millón a principios de la década de 2000. ^[183] ​​Tenía 960.000 visitantes anuales antes de los ataques del 11 de septiembre, pero la asistencia disminuyó por debajo de ese nivel durante varios años después de los ataques. ^[199] En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo, y su exposición de James Turrell fue la más popular en la ciudad de Nueva York en asistencia diaria. ^[374] Debido a la pandemia de COVID-19, el Guggenheim tuvo solo 154.000 visitantes en 2020, una disminución del 88 por ciento con respecto al año anterior. ^[375] En 2023 ^[actualizar], el museo tuvo 861.000 visitantes, en comparación con 1,2 millones en 2019 (antes de la pandemia de COVID-19). ^{[1] [376]}

Según los funcionarios del museo, las encuestas realizadas a lo largo de los años han indicado que la mayoría de los visitantes acudían por la arquitectura del edificio más que por sus obras de arte. ^[183] ​​En 2001, The New York Times informó que casi el 70 por ciento eran turistas y que la mitad eran extranjeros. ^[192] En 2010, el Times informó que entre el 55 y el 65 por ciento de los visitantes eran del área metropolitana de Nueva York . ^[377] Según un estudio de 2018, el 73 por ciento de los visitantes del museo eran blancos y el 8 por ciento eran negros. ^[213]

En 2009, una retrospectiva de Frank Lloyd Wright atrajo a 372.000 visitantes en tres meses, convirtiéndose en la exposición más popular del museo. ^[378] Este récord se rompió al año siguiente con una exposición de Kandinsky. ^{[372] [377]} En 2022 ^[actualizar], la exposición más popular en la historia del museo fue una exposición de 2019 de pinturas de Hilma af Klint , ^[379] que atrajo a más de 600.000 visitantes en seis meses. ^[380]

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