Las viudas de Culloden

Las viudas de Culloden ( en gaélico escocés : Bantraich de cuil lodair ) es la vigésimo octava colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen , realizada para la temporada otoño/invierno 2006 de su casa de moda homónima . Se inspiró en su ascendencia escocesa y se considera una de sus colecciones más autobiográficas. Lleva el nombre de las mujeres que enviudaron en la batalla de Culloden (1746), a menudo vista como un conflicto importante entre Escocia e Inglaterra. Widows hace un uso extensivo del tartán de la familia McQueen y de los tweeds tradicionales de los guardabosques, así como de otros elementos tomados de la vestimenta de las Highlands . Los elementos históricos reflejaban la moda de finales de la era victoriana y de la década de 1950 .

El desfile de la colección se celebró el 3 de marzo de 2006 durante la Semana de la Moda de París . Estuvo dedicado a Isabella Blow , amiga y musa de McQueen. El desfile marcó el regreso a la teatralidad para McQueen, cuyos desfiles en las dos temporadas anteriores habían sido comparativamente convencionales. Widows se presentó en un escenario cuadrado con una pirámide de cristal en el centro. Se presentaron cincuenta y un conjuntos en aproximadamente tres fases, que terminaron con una ilusión de fantasmas de Pepper de la modelo inglesa Kate Moss proyectada dentro de la pirámide de cristal.

La respuesta crítica fue positiva, especialmente hacia la sastrería de McQueen y el equilibrio de la colección entre lo artístico y lo práctico. El desfile está considerado como uno de los mejores de McQueen, y la ilusión de Kate Moss se considera su punto culminante. Los conjuntos de Widows se conservan en varios museos y han aparecido en exposiciones como la retrospectiva de McQueen Alexander McQueen: Savage Beauty . La colección y el desfile de Widows of Culloden , especialmente la ilusión de Kate Moss, han sido ampliamente analizados, especialmente como una exploración de la literatura gótica en la moda. Widows se analiza con frecuencia junto con la primera colección de temática escocesa de McQueen, Highland Rape (otoño/invierno de 1995), cuyo desfile fue muy debatido en el mundo de la moda.

El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda . ^{[2] [3]} Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. ^{[4] [2] [3]} Comenzó su carrera en la moda como aprendiz en Savile Row , y las habilidades que desarrolló allí le valieron una reputación de por vida como un sastre experto. ^{[5] [6] [7]}

Aunque nació en Inglaterra, el padre de McQueen era de ascendencia escocesa. Su madre estaba fascinada con esta historia familiar, un interés que le transmitió a McQueen en su infancia. ^{[8] [9]} McQueen mantuvo un interés en los períodos polémicos de la historia escocesa , especialmente instancias de conflicto entre Escocia e Inglaterra como los levantamientos jacobitas y las Highland Clearances . ^{[10] [11]} Resentía la romantización de Escocia (a veces llamada tartanry ), particularmente por otros diseñadores de moda británicos como Vivienne Westwood , y se inspiró en la resistencia escocesa a la dominación inglesa. ^{[10] [11]}

La primera colección de McQueen inspirada en Escocia fue la controvertida Highland Rape (otoño/invierno de 1995), que marcó su primer uso del tartán rojo, negro y amarillo del clan McQueen . ^{[12] [13]} La colección se hizo conocida por su desfile, que presentaba modelos caminando inestablemente por la pasarela con ropa rota y ensangrentada. ^{[11] [12]} Concebida como una referencia a lo que McQueen describió como "la violación de Escocia por parte de Inglaterra", la colección fue descrita por muchos críticos de moda británicos como misógina , una caracterización a la que McQueen se opuso constantemente. ^{[11] [14] [15]} Los periodistas estadounidenses tendieron a ser más positivos sobre la colección: Amy Spindler de The New York Times la llamó "una colección llena de ideas inquietas y entusiastas, por lejos la mejor de la temporada de Londres". ^{[14] [16]} En retrospectiva, Highland Rape se considera el punto de lanzamiento de la fama de McQueen, y se le atribuye el mérito de haberlo llevado a su nombramiento como diseñador jefe de la casa de moda de lujo francesa Givenchy . ^{[10] [15] [17]} Ocupó ese puesto de 1996 a 2001; poco después de que terminara su contrato, vendió el 51% de su marca al Grupo Gucci . ^[18]

Las viudas de Culloden (otoño/invierno de 2006) es la vigésimo octava colección de ropa femenina diseñada por McQueen para su casa de moda homónima . McQueen habló de querer "mostrar un lado más poético" de su trabajo con la colección. ^[21] La colección se inspiró en la ascendencia escocesa de McQueen, su amor por el mundo natural y la obra escocesa de Shakespeare Macbeth . ^{[22] [23] [24]} Su nombre proviene de las mujeres que quedaron viudas después de la Batalla de Culloden (1746). ^[25] Este enfrentamiento marcó la derrota del levantamiento jacobita de 1745 , en el que Charles Edward Stuart levantó un ejército jacobita escocés e intentó recuperar el trono británico . La batalla llevó a los esfuerzos británicos por desmantelar el sistema de clanes escocés y prohibir el uso del tartán, y ha sido históricamente mitificada como un conflicto entre Escocia e Inglaterra. ^{[26] [27]}

Widows presenta el regreso de muchos de los elementos característicos de McQueen: sastrería elegante , siluetas alteradas y una atmósfera oscura pero romántica. ^[28] Múltiples autores la describieron como una especie de colección de grandes éxitos para el diseñador. ^{[29] [30] [31]} Vestidos suaves y vestidos de noche fluidos acompañaron los típicos trajes y vestidos a medida de McQueen. ^{[32] [33]} El aspecto ligero y etéreo de muchos de los vestidos se atribuye al tiempo que McQueen pasó en Givenchy, donde aprendió le flou , el lado de la confección de alta costura . ^{[33] [34]} McQueen creó personalmente muchos patrones de la colección. ^[23]

Muchos elementos de la colección fueron tomados directamente de o referidos a la vestimenta tradicional de las Highlands , tanto de clase alta como baja. ^{[25] [35]} Los tejidos principales utilizados fueron tartán y tweed ; el punto Aran , el brocado , el terciopelo negro , la organza y la gasa también aparecieron en varios conjuntos. ^{[9] [24] [36]} Algunas prendas, especialmente las hechas con gasa, estaban rotas o con costuras sin terminar. ^{[30] [37]} Otros artículos fueron envejecidos artificialmente para crear la apariencia de haber sido usados. ^[38] Al igual que en Highland Rape , el tartán utilizado en la colección es el tartán rojo, amarillo y negro de la familia McQueen, tejido en un molino histórico en Lochcarron , Escocia. ^{[9] [39]} Varias de las prendas de tartán incluían aspectos del tradicional féileadh-mór , una gran pieza de tela que se envuelve alrededor del cuerpo y se sujeta con un cinturón, y el kilt , una falda envolvente hasta la rodilla. ^{[12] [34]} Otros usos del tartán no eran tradicionales, como en chaquetas y trajes a medida. ^[28]

El uso extensivo del tweed hace referencia a la vestimenta de los guardabosques escoceses tradicionales . ^{[22] [25] [40]} La producción de tweed es autóctona de Escocia, especialmente en las islas escocesas . En la década de 1840, la tela adquirió una asociación con el ocio de clase alta, después de que la nobleza británica comenzó a realizar viajes de caza a las fincas escocesas y a adoptar el tweed que usaban los lugareños y el personal de las fincas. ^[41] El tweed también juega con la colección Otoño/Invierno 2005 de McQueen, que hizo un uso igualmente intenso de la tela. ^[42]

La caza y la ganadería también se hace referencia en el uso de pieles de animales y artículos hechos con plumas y alas de aves de caza . ^{[25] [22] [40]} El uso de partes de animales, tanto naturales como de imitación, era típico de McQueen; era especialmente partidario del simbolismo asociado con las aves. ^{[43] [44]} Los tocados del espectáculo hicieron un uso particular de elementos aviares. ^{[45] [46]} Fueron creados por el sombrerero irlandés Philip Treacy , un colaborador frecuente de McQueen; habían sido presentados por la amiga y musa de McQueen, Isabella Blow . ^{[47] [48]} Algunos autores interpretaron su complejidad y énfasis en las aves como un gesto hacia Blow, que amaba los sombreros elaborados y el deporte de la cetrería . ^[45] Otros autores los leyeron como una alusión a las mujeres-pájaro en la mitología ; la autora Katharine Gleason escribió que los tocados impartían una "calidad mítica" a las modelos. ^{[49] [50]}

Muchos conjuntos incorporaron elementos históricos y alusiones a otros diseñadores. La historiadora de moda Judith Watt notó referencias al movimiento Arts and Crafts , así como la silueta en forma de S común en la moda de las décadas de 1870 y 1880. [ ^31] El uso de cinturas de avispa , polisones , sastrería ajustada y chaquetas con cinturón puede verse como una referencia a la moda victoriana y de la década de 1950. ^{[51] [52] [53]} Algunos diseños aludían a los uniformes militares de la Segunda Guerra Mundial , y los modelos de aviones Spitfire se reutilizaron como accesorios para el cabello. ^{[12] [54]} Los tocados alados hacían referencia a una serie de tocados alados hechos por la modista italiana Elsa Schiaparelli en la década de 1930. ^[55] Varios de los vestidos de noche se inspiraron en un vestido diseñado en 1987 por el también diseñador británico John Galliano , apodado el "vestido de concha" por sus capas de volantes de organza blanca que semejaban conchas apiladas. McQueen había admirado durante mucho tiempo y buscado emular la complicada construcción del original. ^[56]

El desfile de Las viudas de Culloden se celebró el 3 de marzo de 2006 en el Palacio Omnisports de París-Bercy en París, y estuvo dedicado a Isabella Blow. ^{[25] [47]} Las invitaciones para el desfile de Las viudas eran en blanco y negro, con una impresión de un camafeo eduardiano y el título del desfile en gaélico escocés : Bantraich de cuil lodair . ^[34] Los asientos eran tan limitados que el desfile se representó dos veces en una noche para dar cabida a todos los invitados. ^{[57] [58]} Las viudas marcaron el regreso a la teatralidad para McQueen, cuyos desfiles en las dos temporadas anteriores -El hombre que sabía demasiado (otoño/invierno de 2005) y Neptuno (primavera/verano de 2006)- habían sido comparativamente convencionales. ^{[25] [36] [59]}

McQueen solía trabajar con un equipo creativo consistente para sus desfiles, y Widows no fue la excepción. ^[60] La directora creativa de McQueen, Katy England, fue responsable del estilo general del desfile, Eugene Souleiman se encargó del cabello y Charlotte Tilbury del maquillaje, que se mantuvo minimalista y en tonos neutros. ^{[48] [61] [62]} La producción estuvo a cargo de Gainsbury & Whiting, y John Gosling fue responsable del diseño de la banda sonora. ^{[48] [63]} Joseph Bennett, que había diseñado todas las pasarelas de McQueen desde la número 13 (primavera/verano de 1999), volvió para encargarse del diseño de la escenografía . ^[64]

La banda sonora de Gosling incorpora canciones de la película de 1993 The Piano , compuesta por Michael Nyman ; gaitas y tambores escoceses, varias pistas de punk rock y un efecto de sonido de viento aullante. ^{[25] [40]} McQueen tenía la intención de utilizar una pista encargada a Nyman para el final, pero la abandonó a favor de una canción de la banda sonora de la película de 1993 La lista de Schindler . ^{[a] [25] [67]} El historiador escocés Murray Pittock escribió que el uso de la canción de La lista de Schindler "sugería una analogía entre Culloden y el Holocausto". ^[68]

Los miembros del público entraban al espacio a través de una gran pirámide de cristal. ^[36] Los asientos estaban dispuestos alrededor de un escenario cuadrado de madera áspera, que recordaba al escenario de madera de su colección nº 13 (primavera/verano de 1999). Otra pirámide de cristal se colocó en el centro del cuadrado, dejando una pasarela en la que las modelos caminaban en sentido contrario a las agujas del reloj. ^{[36] [69]} A diferencia de Highland Rape , cuando las modelos se tambaleaban o caminaban furiosamente por la pasarela, las modelos de Widows se movían de una manera estoica y erguida que Gleason describió como "la actitud de las princesas guerreras". ^{[36] [50]}

Widows of Culloden comprendía cincuenta y un conjuntos en tres amplias fases, cada look lucido por una modelo diferente. ^{[69] [59]} El desfile se abrió con vestidos, suéteres y trajes a medida en tweeds, tejidos de punto Aran y brocados de tonos neutros apagados. ^{[32] [34] [59] [70]} La siguiente fase comprendía conjuntos de colores oscuros con un enfoque en tartán y cuero negro, seguido de una serie de vestidos de noche negros a veces tomados como vestidos de luto . ^{[22] [46] [70] [71]} Los looks finales fueron un conjunto de vestidos de colores más claros, algunos de los cuales se usaron con levitas . ^{[70] [72]} El desfile cerró con una ilusión fantasma de Pepper dentro de la pirámide de cristal, con una proyección de tamaño natural de Kate Moss , una modelo inglesa y amiga de McQueen, luciendo un vestido de gasa ondeante. ^[25] Fue el primer desfile de moda en emplear este tipo de efecto ilusorio. ^[73] Después de que terminó la ilusión, a modo de llamada a escena , todas las modelos caminaron por la pasarela en un desfile al son de la canción de Donna Summer " Last Dance " (1978), seguidas por McQueen. ^{[59] [74]}

El desfile se inauguró con la modelo ucraniana Snejana Onopka , que lucía un traje de tweed con cuello de piel, una camisa color crema con volantes en la parte delantera y botas de cuero color tostado. El look se completó con el tocado "Bird's Nest", hecho con un par de alas de pato real que rodeaban un nido de pájaro plateado con huevos azules hechos de cristales de cuarzo Swarovski , moteados para parecer huevos de pato. ^{[40] [59] [75]} El nido y los huevos fueron creados por el joyero británico Shaun Leane , mientras que el tocado fue hecho por Treacy; ambos fueron colaboradores de McQueen durante mucho tiempo. ^{[50] [75]}

El look 12 era un vestido largo cubierto completamente con plumas de faisán . Su torso largo y la parte inferior acampanada hacen referencia al estilo de los vestidos de la década de 1890. ^{[1] [59]} La investigadora Kate Bethune describió la construcción única del vestido: "cada una de las plumas ha sido cosida a mano individualmente sobre una longitud de cinta, y luego estas longitudes de cinta han sido cosidas sobre una base de red". ^[76] Jess Cartner-Morley de The Guardian lo llamó "meticulosamente diseñado" y lo comparó con un vestido largo hecho de conchas de navajas de Voss (primavera/verano de 2001). ^[42] El teórico de la moda Jonathan Faiers escribió que el uso lujoso de plumas de aves de caza evocaba la transformación de Escocia en un "estadio deportivo para terratenientes ingleses ausentes" a fines de la era victoriana. ^[55]

El look 14 era un conjunto de blusa y falda midi de un material ligero, estampado con un collage de imágenes realistas de pájaros, polillas y calaveras. Se combinaba con un abrigo de piel color canela que hacía juego con el dobladillo de la falda y un cinturón ancho de cuero oscuro en la cintura. ^{[59] [77]} Según las curadoras textiles Clarissa M. Esguerra y Michaela Hansen, el estampado representaba "los temas de la colección de naturaleza, metamorfosis y memento mori ". ^[77]

El look 33 fue un vestido de tartán de un solo hombro con enagua de tul , combinado con una camiseta interior de tela transparente con diseños de rosas en negro, creando una ilusión de tatuajes en los brazos y el pecho . ^{[25] [59]} La cintura de la modelo estaba ceñida por un gran cinturón de cuero oscuro con una hebilla celta. ^[25] Las rosas combinadas con cuadros escoceses fue una combinación utilizada en algunas prendas jacobitas . ^[78] En la pasarela, se combinó con el tocado "Bird Skull", que presentaba plumas negras y una calavera de águila en caja plateada engastada con cristales Swarovski oscuros. ^[75]

La modelo brasileña Raquel Zimmermann lució el Look 47, uno de los conjuntos más discutidos de la colección, un vestido largo color marfil en tul de seda y encaje con un tocado con astas. ^[1] Las flores del encaje se cortaron individualmente y se cosieron a mano al tul. ^[79] El vestido terminaba en un dobladillo de cola de pez con una cascada de volantes de encaje colocados al bies ; Watt notó una similitud con los vestidos en las pinturas del artista francés James Tissot . ^{[31] [70]} Para el tocado, una pieza de encaje bordado a mano de £ 2,000 fue colocada sobre un par de astas de Perspex blanco translúcido y perforada por un velo . ^{[80] [79]} El vestido se basó en parte en el vestido de novia de Sarah Burton , una diseñadora de la etiqueta de McQueen. Algunas fuentes se refieren a él como un vestido de novia, pero también se le ha llamado Widow's Weeds, en honor al término victoriano para la ropa de luto de las mujeres . ^{[80] [81] [82]} McQueen empleó anteriormente un tocado similar con astas y encaje negro en Dante (otoño/invierno de 1996), que reapareció en su muestra retrospectiva de 2004 Black . ^{[29] [83] [84]}

El look 48 fue un vestido fluido de gasa de color blanquecino, usado por la modelo australiana Gemma Ward , con mariposas colocadas en el cabello como accesorios. ^[59] Tanto Judith Watt como la periodista de moda Dana Thomas lo describieron como una evolución del vestido ostra de Irere (primavera/verano 2003), que se inspiró en el vestido de mariscos de Galliano. ^{[56] [85]} Cartner-Morley conectó el uso de mariposas con la obra maestra final de Voss , en la que la artista Michelle Olley fue "asediada por polillas gigantes". ^[42]

Las críticas contemporáneas fueron muy positivas. ^[47] McQueen recibió una ovación de pie en el desfile, una rareza en la moda. ^{[42] [86] [87]} Los críticos destacaron particularmente la sastrería de McQueen como una de las características más fuertes del desfile. ^{[23] [28] [52]} La ilusión del vestido de Kate Moss fue considerada como el punto culminante del desfile. ^{[22] [30] [88]} Women's Wear Daily nombró a Widows una de sus diez mejores colecciones para la temporada de otoño de 2006. ^[89] Tuvo la mayor cantidad de visitas a la página en Style.com para cualquier colección importante esa temporada, con 1,7 millones. ^[90] Robert Polet , entonces presidente de Gucci Group , la empresa matriz de la marca de McQueen, supuestamente gritó "¡bravo!" al verlo y corrió detrás del escenario para felicitar a McQueen. ^{[86] [91]} Elizabeth McMeekin de The Glasgow Herald sugirió que la colección había ayudado a impulsar una tendencia en la moda de inspiración escocesa esa temporada. ^[32]

Muchas reseñas señalaron que la colección era tanto artística como comercialmente viable. ^{[23] [28] [52]} McQueen no siempre logró este equilibrio (sus diseños eran conocidos por ser imposibles de usar), por lo que los críticos sintieron que esto era un desarrollo positivo para su marca. ^{[37] [92] [93]} Según Jonathan Akeroyd, entonces director ejecutivo de la marca Alexander McQueen, los looks elegidos para la pasarela "representaban aproximadamente la mitad de lo que estaba disponible" para la venta de la colección. ^[86] Akeroyd informó que las ventas fueron fuertes para la colección y atribuyó el espectáculo teatral a la pasarela por impulsar el conocimiento de la marca. ^[86] Escribiendo en el International Herald Tribune , la periodista de moda Suzy Menkes estuvo de acuerdo y calificó la ropa de noche de la colección como "un creador de imagen de marca". ^[94] Varios de los vestidos de noche eran adecuados para encargarlos como vestidos de novia personalizados. ^[23]

En un artículo para Vogue , Sarah Mower lo llamó una "reconfirmación oportuna de los poderes únicos de McQueen como diseñador-showman". ^[59] Para The Daily Telegraph , Hilary Alexander dijo que "restauró el verdadero espíritu del renegado romántico en la pasarela". ^[70] Lisa Armstrong en The Times escribió que "casi todos los artículos eran espectaculares pero también eminentemente ponibles", aunque calificó la ilusión de Moss como "indescriptiblemente cursi". ^[52] Según Susannah Frankel en The Independent , el desfile fue "un regreso al espectáculo desenfrenado y al poder crudo con el que se hizo famoso", citando su "yuxtaposición de fragilidad y fuerza, masculinidad y feminidad". ^[37]

La colección es vista favorablemente en retrospectiva. En una entrevista de 2011 con Vogue , Sarah Burton, quien sucedió a McQueen como directora de la marca después de su muerte en 2010, describió a Widows como una de sus colecciones más icónicas. ^[80] En 2012, Judith Watt calificó los aspectos escultóricos de algunos diseños como cercanos al "corte purista de Cristóbal Balenciaga ", un diseñador español conocido por su precisión técnica y siluetas únicas. ^{[95] [96]} Dana Thomas dijo que Widows representaba "Lo mejor de McQueen en la década de 1990" en su libro de 2015 Gods and Kings , escribiendo que muchos conjuntos parecían ser revisiones de los propios diseños anteriores de McQueen. ^[29] La curadora de moda británica Claire Wilcox describió a Widows en 2016 como una "colección magistral y romántica". ^[22] Las periodistas Caroline Young y Ann Martin, que viven en Edimburgo, escribieron que los trajes a cuadros escoceses de corte ajustado de la colección "presentaban la refinada artesanía del diseñador en su máxima expresión". ^[35] En 2020, la autora Vixy Rae dijo que "tenía un enfoque de tecnicismo extremo combinado con una riqueza de imágenes con ideas tomadas directamente del vestuario escocés". ^[9]

El trabajo de McQueen fue altamente autobiográfico : incorporó elementos de sus recuerdos, sentimientos y fijaciones personales en sus diseños y desfiles. ^{[97] [98]} Widows , con su enfoque emocional tanto en la historia de McQueen como en la de Escocia, generalmente se considera una de sus colecciones más autobiográficas. ^{[37] [99] [100]} Deborah Bell, profesora de diseño de vestuario, citó al curador Andrew Bolton al señalar que la "versión romántica de la narrativa histórica" ​​de Highland Rape and Widows era "profundamente autobiográfica" para McQueen, y sugiere que esta es la razón por la que fue tan impactante. ^[101] Los teóricos de la moda Paul Jobling, Philippa Nesbitt y Angelene Wong llamaron a la colección "un ajuste de cuentas personal con el propio pasado [de McQueen]", particularmente sus relaciones con su madre, su hermana e Isabella Blow. ^[102] Women's Wear Daily señaló que "la ropa parecía describir perfectamente el punto de vista excéntrico del propio McQueen". ^[23]

Las referencias históricas son un componente importante de Las viudas de Culloden , lo que dio lugar a una discusión crítica sobre si la colección es modernista o historicista . La teórica cultural Monika Seidl analizó Viudas como una colección en la línea del Romanticismo , un movimiento del siglo XIX que enfatizaba la emoción y la glorificación del pasado. ^[103] Lo cita como un ejemplo de moda que "juega con confianza en sí misma con el tiempo cuando fragmentos del pasado se reactivan de manera descarada y visible como el nuevo look del momento". ^[104] Cathy Horyn de The New York Times sostiene que McQueen era "un narrador de historias", lo que lo posicionó como antimodernista. ^[105] Criticó los elementos históricos en Viudas como un obstáculo innecesario entre McQueen y sus diseños. ^[105] El historiador Jack Gann argumentó que, en efecto, era ambas cosas: los elementos modernos e históricos se combinaban para mostrar que "la percepción de nuestro lugar en el tiempo es simultáneamente de múltiples eras". ^[106]

La curadora de vestuario Lilia Destin señaló que la colección subvirtió las narrativas históricas típicas al descentrar a los guerreros en favor de sus viudas, y escribió que "otorga a sus fantasmas un sentido de agencia transhistórica a través de la memoria". ^[107] Jobling, Nesbitt y Wong argumentaron que la descripción de McQueen de las Viudas como más "triunfantes" que la Violación en las Tierras Altas en realidad indica que las viudas están celebrando, no lamentando, la muerte de sus maridos. ^[108] El historiador Timothy Campbell escribió sobre la Violación en las Tierras Altas y las Viudas en la coda de su libro de 2016 Historical Style , describiéndolas como contraargumentos a la noción de que los eventos traumáticos en la historia deben experimentarse solo en un estado de dolor. En palabras de Campbell, "McQueen sugiere que Culloden primero debe ser resucitado o rehecho como algo más que una tragedia para tener un impacto histórico". ^[109]

Widows sirvió como contraparte de Highland Rape , que también estaba fuertemente inspirada en la cultura escocesa. En comparación, Widows ha sido descrita como menos enojada y más reflexiva. ^{[1] [25] [35]} El propio McQueen reflexionó que Widows mostró una visión más positiva de Escocia y relacionó la diferencia con su propia salud mental, diciendo "Estoy en un estado mental mucho más despejado ahora que cuando hice Highland ". ^[28] Las colecciones se analizaron juntas en un documental de BBC Alba de 2014, McQueen of Scots , que exploró la herencia escocesa de McQueen y su influencia en sus diseños. ^[110]

La historiadora de arte Ghislaine Wood escribió que "las dos colecciones proporcionaron narrativas contrastantes pero catárticas sobre eventos históricos específicos... y en muchos sentidos reflejan la complejidad y el drama de la visión de McQueen". ^[28] Las autoras Katherine Gleason y Ana Finel Honigman, que escribieron por separado, sintieron que el uso del tartán en Widows había evolucionado en comparación con Highland Rape . Gleason sintió que los artículos de tartán en Widows eran "más pulidos, suavizados con volantes y bordados", mientras que Honigman los llamó "más estructurados y elegantes". ^{[50] [111]} Para Lisa Armstrong, la naturaleza moderada de Widows , en comparación con la rabia política manifiesta de Highland Rape , era un signo de madurez. ^[52] Murray Pittock vio ambas colecciones como parte de la evolución y la difusión mundial del tartán desde la década de 1990. ^[54]

Aunque más suave que Highland Rape , Widows se interpreta, no obstante, como una declaración sobre la apropiación de la cultura escocesa en un contexto británico más amplio. El uso de tartán por parte de McQueen en Widows , y los aspectos anglicanizados de los diseños, se ha visto como una exploración de la mercantilización del tartán en la alta moda y la cultura británica . ^{[12] [20] [112]} Pittock señaló que los elementos visuales de amplio alcance de Widows "comentaban simbólicamente sobre la destrucción, la desinformación y la reinterpretación explotadora de Escocia para una audiencia global". ^[54] Para la editora de moda estadounidense Robin Givhan , el uso del tartán "insinuaba la rebelión del movimiento punk sin abrazar su ira". ^[91]

Los críticos han descrito Las viudas de Culloden como una exploración de los tropos literarios góticos a través de la moda, y algunos la han comparado con obras específicas de la literatura clásica . ^[113] La ficción gótica, como una rama de la literatura romántica , enfatiza los sentimientos de lo sublime y la melancolía , pero se distingue por su enfoque en el miedo y la muerte. ^{[114] [115]} Se distingue de otros géneros sobrenaturales por su enfoque en el presente como un estado inevitablemente embrujado por el pasado: literalmente, en forma de fantasmas , así como metafóricamente, a través de recuerdos y secretos. ^{[115] [116] [117]}

En opinión de McCaffrey, Widows ejemplificaba la melancolía –en el sentido gótico de “tensiones entre la belleza y el dolor”– a través de su puesta en escena visual. ^[36] La actuación estoica de las modelos representaba un dolor digno que él comparó con “visiones de heroínas góticas acechando los pasillos iluminados con velas de un antiguo castillo”. ^[36] McCaffrey llamó a la ilusión de Kate Moss un ejemplo de melancolía altamente escenificada, donde cada elemento contribuía a la participación emocional del público. ^[36] Kate Bethune presentó un análisis similar, señalando que la sensación de melancolía de la colección estaba “consolidada en su memorable final”. ^[25] Para Faiers, las modelos, y especialmente la ilusión de Moss, representaban “los fantasmas del pasado incapaces de lidiar con la marcha del progreso de la moda”. ^[12] El tocado Nido de Pájaro y el tocado Cráneo de Pájaro de los Looks 1 y 33 respectivamente han sido analizados como un conjunto que representa el ciclo de la vida y la muerte, y la fragilidad de la belleza. ^[75]

Al hablar de la inclinación de McQueen por el gótico en general, la profesora de literatura Catherine Spooner destacó su fascinación por los aspectos oscuros de la historia. Señaló que en varias de sus colecciones más históricas, entre ellas Highland Rape , Widows y In Memory of Elizabeth Howe, Salem, 1692 (otoño/invierno de 2007), las "telas desgastadas; fotografías serigrafiadas; fragmentos de vestidos históricos desmontados y reordenados" reflejan los aspectos perturbadores de la historia en los que se inspiró. ^[113] La autora Chloe Fox escribió que McQueen había "explotado el sentido refinado de un pasado aristocrático" para producir la colección. ^[47] La ​​profesora de literatura Fiona Robertson descubrió que las colecciones escocesas de McQueen y las novelas históricas del escritor escocés Walter Scott personificaban el estilo gótico escocés al centrarse en la "historia nacional rota y autoalienada" del país. ^[118]

El estado de ánimo de Widows puede leerse como parte de un cambio hacia la oscuridad y la melancolía como estética en la moda, que algunos autores han argumentado que fue una respuesta a la agitación mundial y al aumento del nihilismo después del cambio de siglo. ^{[94] [119] [120]} La historiadora de arte Bonnie English señaló que McQueen fue uno de los principales diseñadores, incluidos Karl Lagerfeld , John Galliano , Yohji Yamamoto y Marc Jacobs , que produjeron colecciones sombrías para la temporada Otoño / Invierno 2006. ^[121] En un ensayo del New York Times de 2019 que analiza el arquetipo cultural de la mujer melancólica, la escritora Leslie Jamison describió Highland Rape y Widows como emblemáticos de una "estética del sufrimiento" en la moda. ^[122]

El vestido de encaje con astas veladas (el Widow's Weeds) ha provocado una respuesta crítica significativa, gran parte de la cual se centró en el efecto teatral y animalista creado por el tocado. ^[123] McQueen dijo más tarde que el look "funcionó porque parece como si hubiera embestido el trozo de encaje con sus astas". ^[1] Lisa Skogh escribió que el velo sobre las astas sugería una "corona nupcial dramática". ^[124] Watt lo describió como "la creación de una mujer-bestia híbrida fantasmagórica". ^[31] La autora Sarah Heaton señaló que las astas "insisten en la relación femenina con la tierra, la naturaleza y la psique". ^[125]

Tanto el vestido con astas como el vestido de gasa que lució Moss han sido analizados como vestidos de novia . Desde esta perspectiva, el vestido con astas se ha interpretado como especialmente ambiguo: el velo puede verse como algo que atrapa, protege u oculta a la novia que lo lleva. ^[79] Se lo ha comparado con el vestido de novia que lucía obsesivamente la solterona Miss Havisham en la novela Grandes esperanzas (1861). ^{[126] [127]}

Heaton, cuyo trabajo se centra en la intersección entre la moda y la literatura, describió estos dos vestidos blancos largos como vestidos de novia "revisionistas" que evocan el gótico para subvertir sus limitaciones. ^[81] En su opinión, el velo de encaje levantado sobre las astas del conjunto de McQueen recuerda al velo de novia de la señorita Havisham, pero donde el velo de la señorita Havisham es como un sudario y grotesco, el velo del diseño de McQueen "sugiere la fuerza de la feminidad". ^[128] La ilusión de Moss, por otro lado, evoca el tropo gótico de la "loca" descalza; normalmente esta figura estaría confinada en un ático o asilo, pero nuevamente McQueen subvierte la expectativa al exhibirla al público, volviéndola efímera y sin contenciones. ^[128]

En 2009, la teórica cultural Monika Seidl analizó el mismo par de vestidos desde una perspectiva más crítica, argumentando que enmarcaban a sus portadoras "como trofeos y... como víctimas". ^[129] Para Seidl, lejos de presentar la fuerza femenina, las astas en combinación con la ropa de los guardabosques a la que se hizo referencia anteriormente en el programa evocaban una imagen de la novia como un trofeo de caza. ^[129] Consideró que la ilusión de musgo presentaba un " Wiedergänger " contenido o un espíritu vengativo. ^[129] Sin embargo, describió ambos vestidos como persuasivos en la forma en que "desestabilizan la noción de novia". ^[129]

La teórica posthumanista Justyna Stępień argumentó que el uso de siluetas y estructuras inusuales por parte de McQueen, particularmente en Widows y Platón's Atlantis (primavera/verano de 2010), provocó una reacción emocional en la audiencia y los obligó a reconsiderar su percepción del cuerpo humano. ^[99]

Al analizar la tendencia de McQueen a incorporar y reinterpretar estilos de diversas culturas, Esguerra y Hansen compararon el uso de la vestimenta de las Tierras Altas en Widows con la interpretación de la vestimenta islámica en Eye (primavera/verano de 2000). Descubrieron que Widows tuvo éxito debido a la conexión de McQueen con la cultura escocesa, lo que le permitió presentar una colección con una narrativa fuerte. Por el contrario, sintieron que Eye adolecía de una falta de conocimiento personal y parecía insensible a la diversidad de la cultura islámica . ^[130]

En un análisis de la moda como una intersección performativa de sexo y género, Paul Jobling, Philippa Nesbitt y Angelene Wong examinaron Widows como un "texto poético" relacionado con la identidad de McQueen como hombre gay y su ideal de empoderamiento femenino a través de la moda. ^[100] Examinaron el uso de plumas por parte de McQueen como una subversión y expansión de los roles de género típicos que ven a los hombres como depredadores y a las mujeres como presas. En su análisis, las modelos se asemejan a las mujeres-pájaro de la mitología, como la arpía griega y la gamayun rusa , que son amenazas hermosas pero peligrosas para el "poder masculino falocéntrico". ^[100] El uso de motivos animales por parte de McQueen permite así a las mujeres explorar diferentes tipos de feminidad y poder femenino, sin estar limitadas a ningún binario en particular. ^[131] Argumentan además que la combinación de tartán "masculino" con telas "femeninas" como el encaje que hace McQueen es otra subversión de la binariedad de género, permitiendo a las viudas asumir un rol liberado luego de la muerte de sus maridos. ^[108]

La escritora Cassandra Atherton describió el uso de varias colecciones de McQueen, incluida Widows , en un curso de escritura creativa de nivel universitario para enseñar una conexión entre la poesía y la moda, en particular cómo una puede inspirar a la otra. ^[132] La profesora de literatura Mary Beth Tegan describió el uso conjunto de Highland Rape y Widows en 2021 como ayuda didáctica para involucrar a los estudiantes universitarios en el cuento " The Highland Widow " de Walter Scott (1827). ^[133] Descubrió que el "glamour afectivo del cuento gótico y el espectáculo de la moda... despertó el interés de mis estudiantes y sostuvo sus reflexiones" sobre la historia y la moda. ^[134]

Los vestidos de Widows han aparecido en sesiones fotográficas y editoriales de revistas. Gemma Ward usó el Look 33 para una sesión fotográfica de moda editorial en la edición de julio de 2006 de Harper's Bazaar , estilizada con el tocado Spitfire del Look 44. ^{[59] [135]} Moss usó el vestido original de la ilusión en la portada de la edición de mayo de 2011 de Harper's Bazaar UK . ^{[136] [137]} El Look 47, The Widow's Weeds, y el Look 48, el vestido de gasa con accesorios de mariposa, aparecieron en "Dark Angel", una editorial retrospectiva de 2015 del trabajo de McQueen en la Vogue británica realizada por el fotógrafo de moda Tim Walker . ^[138]

La actriz Sarah Jessica Parker asistió a la inauguración de la exposición AngloMania: Tradition and Transgression in British Fashion de 2006 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) luciendo una versión del Look 33 de Widows , el vestido de tartán de un solo hombro. McQueen la acompañó luciendo un gran kilt de tartán a juego. ^{[1] [39]} Elizabeth McMeekin lo calificó como una elección "chic, tremendamente actual". ^[32]

La cantante estadounidense Lana Del Rey asistió a la Gala Met 2024 con un vestido de Alexander McQueen que hacía referencia a Widow's Weeds. Diseñado por el director creativo de la casa , Seán McGirr , el vestido de Del Rey era un vestido beige con corsé bordado a mano con ramas hechas de bronce . Llevaba un tocado a juego hecho con ramas de árboles naturales envuelto en un velo transparente, haciendo eco del tocado de velo y astas de Widow's Weeds. ^{[139] [140]}

La coleccionista de moda Jennifer Zuiker subastó su colección McQueen en 2020, incluidas al menos dos piezas de Widows . Un vestido de tartán, Look 30 del desfile, se vendió por un valor informado de $ 9,375, y un vestido de fiesta floral, Look 50, se vendió por un valor informado de $ 68,750. ^{[141] [142] [143]} El comerciante de moda Steven Philip subastó su colección en 2023, incluidas varias piezas de archivo de McQueen. ^[144] Un par de tacones de piel de serpiente dorados con detalles de libélulas se vendieron por £ 1,000. ^[145] Según la descripción de la subasta, se basaron en un broche de René Lalique , Dragonfly Woman , fabricado c.  1897. La empresa Lalique aparentemente demandó a la marca McQueen por infracción de derechos de autor , y los zapatos nunca se produjeron comercialmente. ^[145]

El archivo de la marca Alexander McQueen en Londres conserva la propiedad de varios looks de la colección, incluyendo el Widow's Weeds y el vestido de plumas de faisán. ^[146] Swarovski posee los tocados Bird's Nest y Bird Skull. ^[147] El Met posee el conjunto original del vestido a cuadros Look 33 con la camiseta interior transparente, así como Look 30, otro vestido a cuadros. ^{[148] [149]} El Victoria and Albert Museum (el V&A) en Londres posee una variante del vestido de Kate Moss. ^[150] El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles posee varias piezas de la colección. ^[151] La Galería Nacional de Victoria (NGV) en Australia posee 14 conjuntos y maquetas de Widows , incluidos Look 33 y Look 50. ^{[152] [153] [154]} La mayoría de estos fueron donados por la filántropa Krystyna Campbell-Pretty en 2016 como parte de una colección más grande. ^[155]

Varios conjuntos de Widows (al menos cinco looks de tartán, el vestido de plumas de faisán y Widow's Weeds) aparecieron en Alexander McQueen: Savage Beauty , una exposición retrospectiva de los diseños de McQueen mostrada en 2011 en el Met y en 2015 en el V&A. ^{[1] [156] [157]} La ​​ilusión de Kate Moss hizo una aparición en ambas versiones de la exposición. En la presentación original en el Met, la ilusión se recreó en miniatura, pero en la nueva puesta en escena del V&A, se presentó en tamaño completo en su propia sala. ^{[b] [159] [160]} La NGV exhibió la colección donada por Campbell-Pretty en 2019 como el Krystyna Campbell-Pretty Fashion Gift . La exposición incluyó artículos de varias colecciones de McQueen, incluida Widows . ^[155]

Look 50, un vestido de gala floral, apareció en China: Through the Looking Glass , una exposición de 2015 en el Met. ^[161]

Elementos de la colección aparecieron en la exposición de 2022 Lee Alexander McQueen: Mind, Mythos, Muse , que se mostró por primera vez en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y luego en forma ampliada en la Galería Nacional de Victoria. ^{[162] [163] [164]} Widows se colocó en la sección Fashioned Narratives de la exposición, que destacó colecciones centradas en historias originales e históricas. ^[165]

Mind, Mythos, Muse comparó un vestido sin mangas con gorguera de cuello alto y cuentas de oro de la colección Widows con el atuendo con gorguera y bordado que lució el rey Luis XIII de Francia en la pintura Retrato de Luis XIII, rey de Francia, de niño, del pintor flamenco Frans Pourbus II ( c.  1616 ). ^[162] Dos conjuntos de tartán del desfile se compararon con un retrato de 1780 de Hugh Montgomerie, duodécimo conde de Eglinton, realizado por John Singleton Copley . Durante la época en que se pintó el retrato, el uso de tartán en Escocia estaba prohibido, excepto para soldados y veteranos, por la Ley de vestimenta de 1746. En la pintura de Copley, Montgomerie, vistiendo tartán, posa triunfante sobre guerreros cherokee derrotados . En realidad, Montgomerie no estuvo presente en la batalla que se representa , que ocurrió durante la guerra anglo-cherokee en 1760; ni fue una victoria británica. La exposición presenta los trajes de las Viudas como contrapunto a la narrativa colonialista en el retrato. ^[166]

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• «Mujer Otoño/Invierno 06: «Las viudas de Culloden»». Alexander McQueen . Archivado desde el original el 19 de noviembre de 2010 . Consultado el 17 de septiembre de 2022 .
• Alexander McQueen | Colección de mujer otoño/invierno 2006 | Desfile en YouTube
• Museo Metropolitano de Arte: El final de Las viudas de Culloden en Vimeo
• Imágenes de producción y arte conceptual del diseñador Joseph Bennett