Música tradicional irlandesa

La música tradicional irlandesa (también conocida como música tradicional irlandesa , música folclórica irlandesa y otras variantes) es un género de música folclórica que se desarrolló en Irlanda .

En A History of Irish Music (1905), WH Grattan Flood escribió que, en la Irlanda gaélica , había al menos diez instrumentos de uso general. Estos eran el cruit (una pequeña arpa de cuerdas frotadas) y el cláirseach (un arpa más grande con típicamente 30 cuerdas), el tiompán (un pequeño instrumento de cuerda tocado con un arco o púa ), el feadán (un pífano ), el buinne (un oboe o flauta ), el guthbuinne (un cuerno tipo fagot ), el beannbhuabhal y el corn ( gaitas ), la cuislenna ( gaitas – ver Grandes gaitas irlandesas ), el stoc y el storgán ( clarines o trompetas), y el cnámha ( huesos ). ^[1] También hay evidencia del uso del violín en el siglo VIII. ^[1]

Existen varias colecciones de música folclórica irlandesa del siglo XVIII, pero no fue hasta el siglo XIX cuando se establecieron impresores de baladas en Dublín. Entre los coleccionistas importantes se encuentran Colm Ó Lochlainn , George Petrie , Edward Bunting , Francis O'Neill , James Goodman y muchos otros. Aunque en la tradición folclórica se prefiere la interpretación en solitario, es probable que las bandas o al menos pequeños conjuntos hayan formado parte de la música irlandesa al menos desde mediados del siglo XIX, aunque este es un punto de mucha controversia entre los etnomusicólogos.

La música tradicional irlandesa ha resistido con más fuerza las fuerzas del cine, la radio y los medios de comunicación que la música folclórica autóctona de la mayoría de los países del oeste de Europa. Desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta finales de los años cincuenta, la música folclórica estuvo mal considerada. La Comhaltas Ceoltóirí Éireann (una asociación de música tradicional irlandesa) y la popularidad del Fleadh Cheoil (festival de música) ayudaron a liderar el renacimiento de la música. Tras el éxito de los Clancy Brothers y Tommy Makem en los EE. UU. en 1959, la música folclórica irlandesa volvió a ponerse de moda. El estilo sentimental exuberante de cantantes como Delia Murphy fue reemplazado por grupos masculinos impulsados ​​por la guitarra como los Dubliners . Las bandas de espectáculos irlandesas presentaban una mezcla de música pop y melodías de baile folclórico, aunque estas se extinguieron durante los años setenta. El éxito internacional de los Chieftains y los músicos y grupos posteriores ha convertido la música folclórica irlandesa en una marca global.

Históricamente, gran parte de la música antigua de los EE. UU. surgió de la música de Irlanda, Inglaterra y Escocia, como resultado de la difusión cultural . En la década de 1970, la música tradicional irlandesa volvió a influir en la música de los EE. UU. y más allá, en Australia y Europa. En ocasiones se ha fusionado con el rock and roll , el punk rock y otros géneros.

La música de baile irlandesa es isométrica y se construye en torno a patrones de frases melódicas de un compás de duración similar a la llamada y respuesta . Un patrón común es Frase A, Frase B, Frase A, Resolución parcial, Frase A, Frase B, Frase A, Resolución final, aunque esto no es universal; las mazurcas, por ejemplo, tienden a presentar una Frase C en lugar de una Frase A repetida antes de las Resoluciones parcial y final, por ejemplo. Muchas melodías tienen notas de anacrusaría que conducen al comienzo de las partes A o B. Las mazurcas y las hornpipes tienen un aire de swing , mientras que otras melodías tienen un aire directo. ^[2]

Las melodías suelen tener una forma binaria , divididas en dos (o a veces más) partes, cada una de cuatro a ocho compases. Las partes se denominan parte A, parte B, etc. Cada parte se toca dos veces, y la melodía completa se toca tres veces; AABB, AABB, AABB. Muchas melodías tienen frases finales similares para las partes A y B; es común que las hornpipes tengan la segunda mitad de cada parte idéntica. Además, las hornpipes suelen tener tres corcheas o negras al final de cada parte, seguidas de notas de anacrusa para volver al principio de la parte A o a la parte B. Muchas arias tienen una forma AABA . ^[3]

Mientras que las melodías suelen tocarse individualmente, las melodías bailables suelen tocarse en popurrís de 2 a 4 melodías llamados conjuntos . ^[3]

La música irlandesa es generalmente modal y utiliza los modos jónico , eólico , dórico y mixolidio , así como versiones hexatónicas y pentatónicas de esas escalas. Algunas melodías sí presentan alteraciones accidentales . ^[4]

Los cantantes e instrumentistas a menudo embellecen las melodías mediante ornamentación , utilizando notas de gracia , redobles, cortes, crujidos o deslizamientos . ^{[3] [4]}

Aunque las gaitas irlandesas pueden usar sus drones y reguladores para proporcionar un respaldo armónico, y los violinistas a menudo usan notas dobles en su interpretación, debido a la importancia que se le da a la melodía en la música irlandesa, la armonía generalmente se mantiene simple o ausente. ^[4] Por lo general, los instrumentos se tocan al unísono estricto , siempre siguiendo al intérprete principal. El verdadero contrapunto es en su mayoría desconocido para la música tradicional, aunque a menudo se usa una forma de " contramelodía " improvisada en los acompañamientos de los músicos de bouzouki y guitarra. A diferencia de muchos tipos de música folclórica occidental, no hay progresiones de acordes establecidas para las melodías; muchos acompañantes usan acordes de potencia para dejar que la melodía defina la tonalidad o usan acordes parciales en combinación con cuerdas de drones resonantes para enfatizar el centro tonal . Muchos guitarristas usan la afinación DADGAD porque ofrece flexibilidad en el uso de estos enfoques, al igual que la afinación GDAD para bouzouki. ^[5]

Como toda la música tradicional , la música folclórica irlandesa ha cambiado lentamente. La mayoría de las canciones folclóricas tienen menos de 200 años. Una medida de su edad es el idioma utilizado. Las canciones irlandesas modernas están escritas en inglés y en irlandés . La mayoría de las canciones y melodías más antiguas son de origen rural y provienen de la antigua tradición del idioma irlandés. Las canciones y melodías modernas a menudo provienen de ciudades y pueblos, las canciones irlandesas pasaron del idioma irlandés al idioma inglés. ^{[ cita requerida ]} A fines del siglo XX, Frank Harte compuso canciones más atrevidas para la escena de los pubs urbanos; el género se trasladó sin esfuerzo del campo a la ciudad.

Las voces sin acompañamiento se denominan sean nós ("al estilo antiguo") y se consideran la máxima expresión del canto tradicional. Suele interpretarse en solitario (y muy ocasionalmente a dúo). El canto sean-nós está muy ornamentado y la voz se sitúa en los tonos más altos del registro. Un auténtico cantante sean-nós , como Tom Lenihan , variará la melodía de cada verso, pero no hasta el punto de interferir con las palabras, que se consideran tan importantes como la melodía.

El sean-nós puede incluir vocablos no léxicos , llamados cadenciosos , a los que también se hace referencia por los sonidos, como "diddly die-dely".

El canto tradicional no sean-nós , incluso cuando se utiliza acompañamiento, utiliza patrones de ornamentación y libertad melódica derivados del canto sean-nós y, en general, una colocación de voces similar.

Caoineadh ( en irlandés: [kˠiːnʲə(w)] ) es la palabra irlandesa para lamento , una canción que se caracteriza por letras que enfatizan la tristeza y el dolor. La palabra se anglicanizó como "keening". Tradicionalmente, la canción Caoineadh contenía letras en las que el cantante lamentaba por Irlanda después de haberse visto obligado a emigrar por razones políticas o financieras. La canción también puede lamentar la muerte de un miembro de la familia o la falta de noticias de los seres queridos. En la música irlandesa, la tradición Caoineadh alguna vez estuvo muy extendida, pero comenzó a declinar a partir del siglo XVIII y se extinguió casi por completo a mediados del siglo XX. Algunos ejemplos de canciones Caoineadh incluyen: Far Away in Australia , The Town I Loved So Well , Going Back to Donegal y Four Green Fields . ^[6] Originalmente, a los cantantes de Caoineadh se les pagaba para que lamentaran a los difuntos en los funerales, según varias fuentes irlandesas. ^{[ ¿ Quién? ]}

La música y la danza tradicionales irlandesas se han utilizado en una gran variedad de entornos, desde fiestas caseras, bailes campestres, bailes ceili , representaciones teatrales y competiciones, bodas, festividades de santos u otras celebraciones. El entorno más común para la música de baile irlandesa es el seisiún , que muy a menudo no incluye ningún baile.

La música de baile tradicional incluye reels (²
₂o⁴
₄), gaitas (⁴
₄con corcheas con swing ) y jigs (los jigs dobles y simples están en⁶
₈tiempo). Los jigs vienen en varias otras formas para bailar: el slip jig y el hop jig se escriben comúnmente en⁹
₈tiempo. ^{[3] [4]}

Las adiciones posteriores al repertorio incluyen el vals (³
₄con un fuerte acento en el tiempo fuerte ) y, en el condado de Donegal , mazurcas en el mismo compás, aunque con un acento en el segundo tiempo. Donegal también es notable por su "highland", una especie de versión irlandesa del strathspey escocés , pero con un toque más cercano a un reel con el ocasional chasquido escocés . ^[3]

Las polcas son un tipo de²
₄Tono que se encuentra principalmente en la zona de Sliabh Luachra , en la frontera de los condados de Cork y Kerry , en el sur de Irlanda. Otro ritmo característico de Munster es el Slide in¹²
₈tiempo. ^[3]

El concepto de "estilo" es de gran importancia para los músicos tradicionales irlandeses. A principios del siglo XIX, existían claras variaciones en los estilos regionales de interpretación. Con la publicación de grabaciones estadounidenses de músicos tradicionales irlandeses (por ejemplo, Michael Coleman 1927) y el aumento de las comunicaciones y las oportunidades de viajar, los estilos regionales se han vuelto más estandarizados. No obstante, los estilos de interpretación regionales permanecen, como lo demuestran los estilos de interpretación muy diferentes de los músicos de Donegal (por ejemplo, Tommy Peoples), Clare (por ejemplo, los hermanos John y James Kelly) y Sliabh Luachra (por ejemplo, Jacky Daly). La forma de tocar el violín de Donegal se caracteriza por un arco rápido y enérgico, donde el arco genera la mayor parte de la ornamentación; la forma de tocar el violín de Clare se caracteriza por un arco más lento, donde la digitación genera la mayor parte de la ornamentación. Mientras que los tresillos con arco (tres notas individuales con el arco invertido entre cada una) son más comunes en Donegal, los tresillos con dedos y los redobles con dedos (cinco notas individuales digitadas con un solo golpe de arco) son muy comunes en Clare.

Los intérpretes de los años 70 y 80 (grupos como The Bothy Band o solistas como Kevin Burke ) han utilizado el repertorio de música tradicional para crear sus propios grupos de melodías, sin tener en cuenta los "conjuntos" convencionales ni la restricción de tocar para bailarines. La forma de tocar de Burke es un ejemplo de un estilo individual, único y distintivo, un híbrido de su formación clásica, el estilo tradicional de violín de Sligo y varias otras influencias. ^{[ cita requerida ]}

Los instrumentos más comunes utilizados en la música de baile tradicional irlandesa, cuya historia se remonta a varios cientos de años, son el violín, el flautín, la flauta y la gaita irlandesa . Instrumentos como el acordeón de botones y la concertina hicieron su aparición en la música tradicional irlandesa a finales del siglo XIX. El banjo tenor de 4 cuerdas , utilizado por primera vez por músicos irlandeses en los EE. UU. en la década de 1920, ahora está totalmente aceptado. La guitarra se utilizó ya en la década de 1930 y apareció por primera vez en algunas de las grabaciones de Michael Coleman y sus contemporáneos. El bouzouki solo entró en el mundo de la música tradicional irlandesa a fines de la década de 1960.

La palabra bodhrán , que indica un tambor, se menciona por primera vez en un documento inglés traducido en el siglo XVII. ^[7] El saxofón apareció en grabaciones de principios del siglo XX, sobre todo en la Orquesta Pride of Erin de Paddy Killoran. Las bandas de cèilidh de la década de 1940 a menudo incluían una batería y un contrabajo, así como saxofones. La interpretación tradicional del arpa se extinguió a fines del siglo XVIII y fue revivida por la familia McPeake de Belfast, Derek Bell , Mary O'Hara y otros a mediados del siglo XX. Aunque se encuentra a menudo, juega un papel marginal en la música de baile tradicional irlandesa.

El piano se utiliza habitualmente como acompañamiento. A principios del siglo XX, el acompañamiento de piano era habitual en los discos de 78 rpm en los que aparecían Michael Coleman, James Morrison, John McKenna, PJ Conlon y muchos más. En muchas de estas grabaciones, el acompañamiento de piano era lamentable porque los mecenas no estaban familiarizados con la música irlandesa. Sin embargo, Morrison evitó utilizar a los pianistas de estudio y seleccionó personalmente a los suyos. El estilo improvisado utilizado por estos mecenas de piano se ha mantenido en gran medida. Ha habido algunos innovadores recientes como Mícheál Ó Súilleabháin, Brian McGrath, Liam Bradley, Josephine Keegan, Ryan Molloy y otros.

El violín, uno de los instrumentos más importantes del repertorio tradicional, se toca de forma diferente en estilos regionales muy variados. ^[8] Utiliza la afinación estándar GDAE. Las tradiciones regionales de violín más conocidas son las de los condados de Donegal , Sligo y Clare , así como de Sliabh Luachra .

El violín tiene raíces antiguas en Irlanda. La primera referencia al violín en Irlanda fue durante el siglo VII por O'curry. ^[9] En 1674, Richard Head escribió en referencia a Irlanda: "Los domingos: en cada campo un violín, y las chicas pateando hasta que se llenan de espuma", lo que sugiere que el violín moderno ya estaba presente en Irlanda. También se puede encontrar una referencia al violín irlandés en Teague Land: or A Merry Ramble to the Wild Irish (1698) de John Dunton, donde dice que "los domingos y días festivos, toda la gente se reunía con el gaitero y el violinista en la plaza del pueblo". Thomas Dineley visitó Irlanda en 1680 y dice con respecto a la música "con gaitero, arpista o violinista, festejan y bailan toda la noche" ^[10]. Hay una referencia del siglo XVII a niños en Cork a los que se les enseñaba el violín irlandés ^[11]. Cuando el violín se producía en masa en Irlanda, a diferencia de los fabricantes más locales, comenzando en Dublín, con personas como Thomas Perry (luthier) , Thomas Molineux (luthier) y John Neal, basaron en gran medida su artesanía en los fabricantes de violines ingleses y la mayoría se importaron a Dublín desde Inglaterra ^[12]. Se excavó un instrumento durante el siglo XVIII en Dublín que data del siglo XI, estaba hecho de cornejo con un animal Se cree que se trata del arco más antiguo del mundo, aunque no se sabe a qué instrumento pertenecía. También puede haber una referencia al violín irlandés en el libro de Leinster (ca. 1160) ^[13]

La tradición violinística de Sligo es quizás más reconocible para los forasteros, debido a la popularidad de los intérpretes radicados en Estados Unidos como Michael Coleman , James Morrison y Paddy Killoran . Estos violinistas hicieron mucho por popularizar la música irlandesa en los Estados Unidos en las décadas de 1920 y 1930. Otros violinistas de Sligo fueron Martin Wynne y Fred Finn . ^{[ cita requerida ]}

Entre los violinistas notables de Clare ^{[ cita requerida ]} se incluyen Mary Custy , Paddy Canny , Patrick Kelly , Peadar O'Loughlin y Martin Hayes . ^{[ cita requerida ]}

Donegal ha producido a James Byrne , John Doherty y Tommy Peoples . ^{[ cita requerida ]}

Sliabh Luachra, una pequeña zona entre los condados de Kerry y Cork , es conocida por Julia Clifford , su hermano Denis Murphy , Sean McGuire , Paddy Cronin y Padraig O'Keeffe . Entre los violinistas contemporáneos de Sliabh Luachra se encuentran Matt Cranitch y Connie O'Connell. ^{[ cita requerida ]}

Los artistas modernos incluyen a Kevin Burke , Máire Breatnach , Matt Cranitch , Paddy Cronin , Frankie Gavin , Paddy Glackin , Cathal Hayden , Martin Hayes , Peter Horan , Sean Keane , Mairéad Ní Mhaonaigh , Máiréad Nesbitt , Gerry O'Connor , Caoimhín Ó Raghallaigh , Dónal. O'Connor y Paul O'Shaughnessy . ^{[ cita necesaria ]}

Ha habido muchos violinistas notables de Estados Unidos en los últimos años ^{[ ¿cuándo? ],} como Winifred Horan , Brian Conway , ^[14] Liz Carroll y Eileen Ivers .

La flauta ha sido parte integral de la música tradicional irlandesa desde aproximadamente mediados del siglo XIX, cuando los músicos artísticos abandonaron en gran medida la flauta de madera de sistema simple (que tenía un orificio cónico y menos teclas) por las flautas de metal del sistema Boehm de la música clásica actual. Los silbatos hechos en fábrica comenzaron a fabricarse en Manchester en 1840, y el silbato de hojalata irlandés Feadóg fue el modelo producido en masa más popular en Irlanda. ^[15]

Aunque la elección del sistema Albert, la flauta de madera en lugar de la de metal, se debió inicialmente al hecho de que, al ser desechos "anticuados", las flautas antiguas se podían conseguir de segunda mano a bajo precio, el instrumento de madera tiene un sonido distintivo y sigue siendo el preferido por los músicos tradicionales hasta el día de hoy. Varios intérpretes ( Joanie Madden es quizás la más conocida) utilizan la flauta de concierto occidental , pero muchos otros consideran que la flauta de sistema simple se adapta mejor a la flauta tradicional. Las flautas originales de la era anterior a Boehm siguen en uso, pero desde la década de 1960 varios artesanos han revivido el arte de la fabricación de flautas de madera. Algunas flautas incluso están hechas de PVC ; son especialmente populares entre los nuevos estudiantes y como instrumentos de viaje, ya que son menos costosas que los instrumentos de madera y mucho más resistentes a los cambios de humedad.

El silbato de hojalata o de metal, que con su digitación casi idéntica podría considerarse un primo de la flauta de sistema simple, también es popular. Fue producido en masa en el siglo XIX en Manchester, Inglaterra, como un instrumento económico. Los silbatos Clarke casi idénticos a los primeros fabricados por esa compañía todavía están disponibles, aunque la versión original, afinada en Do, ha sido reemplazada en su mayoría para la música tradicional por la afinada en Re, la "tonalidad básica" de la música tradicional. El otro diseño común consiste en un barril hecho de tubos sin costura encajados en una boquilla de plástico o madera .

Los artesanos expertos fabrican silbatos personalizados de calidad a partir de una variedad de materiales que incluyen no solo aluminio, latón y tubos de acero, sino también materiales sintéticos y maderas duras tropicales; a pesar de esto, más de unos pocos profesionales veteranos se quedan con los silbatos comunes hechos en fábrica.

A los escolares irlandeses se les enseñan generalmente los rudimentos de la ejecución del flautín de hojalata, al igual que a los escolares de muchos otros países se les enseña a tocar la flauta dulce soprano. Hubo un tiempo en que muchos músicos tradicionales consideraban que el flautín era simplemente una especie de "flauta para principiantes", pero esa actitud ha desaparecido ante el silbido de talento como Mary Bergin , a cuya clásica grabación de principios de los setenta Feadóga Stáin (con acompañamiento de bouzouki de Alec Finn ) se le atribuye a menudo el mérito de haber revolucionado el lugar del flautín en la tradición.

El silbato bajo , un derivado del silbato de hojalata común, también es popular, aunque algunos músicos lo encuentran menos ágil para tocar en sesiones que la flauta o el silbato en D común.

Entre los flautistas actuales notables (a veces llamados "flautistas" o "flautistas") se incluyen Matt Molloy , Kevin Crawford , Peter Horan , Michael McGoldrick , Desi Wilkinson, Conal O'Grada, James Carty, Emer Mayock, Joanie Madden , Michael Tubridy y Catherine McEvoy , mientras que entre los silbadores se incluyen Paddy Moloney , Carmel Gunning , Paddy Keenan , Seán Ryan , Andrea Corr , Mary Bergin , Packie Byrne y Cormac Breatnach. ^{[16] [17] [18]}

La gaita irlandesa (pronunciada ill-in o ill-yun ) es un instrumento complejo. La tradición sostiene que se requieren siete años de aprendizaje, siete años de práctica y siete años de interpretación antes de que se pueda decir que un gaitero domina su instrumento. ^[19] La gaita irlandesa se desarrolló a principios del siglo XVIII, cuya historia se representa en tallas e imágenes de fuentes contemporáneas tanto en Gran Bretaña como en Irlanda como gaitas pastorales y sindicales. ^[20] Su forma moderna había llegado a fines del siglo XVIII y era tocada por gaiteros caballeros como el gaitero de mediados del siglo XVIII Jackson de Limerick y el fabricante de gaitas Tandragee William Kennedy, el clérigo anglicano Canon James Goodman (1828-1896) y su amigo John Hingston de Skibbereen . En el siglo XX, siguieron Séamus Ennis , Leo Rowsome y Willie Clancy , que tocaron piezas refinadas y ornamentadas, así como formas vistosas y ornamentadas interpretadas por gaiteros itinerantes como John Cash y Johnny Doran . ^[21] La tradición de la gaita uilleann casi había muerto antes de ser popularizada de nuevo por personas como Paddy Moloney (de los Chieftains ) y la formación de Na Píobairí Uilleann , una organización abierta a gaiteros que incluía a músicos como Rowsome y Ennis, así como al investigador y coleccionista Breandán Breathnach . Liam O'Flynn es uno de los intérpretes modernos más populares junto con Paddy Keenan , Davy Spillane , Jerry O'Sullivan y Mick O'Brien . Muchas familias Pavee (Traveller), como los Fureys y los Dorans y Keenans, son famosas por los gaiteros que hay entre ellos. ^{[ cita requerida ]}

Las gaitas uilleann se encuentran entre las formas más complejas de gaitas ; poseen un puntero con lengüeta doble y un rango de dos octavas, tres bordones de lengüeta simple y, en la versión completa conocida como conjunto completo, un trío de ( reguladores ) todos con lengüetas dobles y llaves accionadas por el antebrazo del gaitero, capaces de proporcionar soporte armónico a la melodía. (Prácticamente todos los gaiteros uilleann comienzan a tocar con un medio juego, sin reguladores y que consta solo de fuelles, bolsa, puntero y bordones. Algunos eligen no tocar nunca el juego completo, y muchos hacen poco uso de los reguladores). La bolsa se llena de aire mediante un fuelle sostenido entre el codo y el costado del gaitero, en lugar de mediante los pulmones del intérprete como en las gaitas de las tierras altas y casi todas las demás formas de gaita, aparte de las gaitas escocesas , las gaitas pastorales (que también tocan con reguladores), las gaitas de Northumbria del norte de Inglaterra y las gaitas fronterizas que se encuentran en ambas partes del país fronterizo anglo-escocés.

Las gaitas irlandesas desempeñan un papel destacado en una forma de música instrumental llamada Fonn Mall, estrechamente relacionada con el canto sin acompañamiento an sean nós ("al estilo antiguo"). Willie Clancy , Leo Rowsome y Garret Barry se encontraban entre los muchos gaiteros famosos de su época; Paddy Keenan y Davy Spillane tocan estos aires tradicionales en la actualidad, entre muchos otros. ^{[ cita requerida ]}

El arpa es uno de los símbolos principales de Irlanda. El arpa celta, que aparece en las monedas irlandesas y se utiliza en la publicidad de Guinness, se tocaba ya en el siglo X. En la antigüedad, los arpistas eran muy respetados y, junto con los poetas y los escribas, se les asignaba un lugar destacado entre los más importantes seguidores del antiguo orden gaélico de señores y caciques. Tal vez el representante más conocido de esta tradición del arpa en la actualidad sea Turlough Ó Carolan , un arpista ciego del siglo XVIII que a menudo se considera el compositor nacional no oficial de Irlanda. Thomas Connellan , un arpista del condado de Sligo un poco anterior, compuso aires tan conocidos como " The Dawning of the Day " / "Raglan Road" y "Carolan's Dream" .

La tradición arpista irlandesa era una música artística aristocrática con su propio canon y reglas de arreglo y estructura compositiva, asociada tangencialmente con la música folclórica de la gente común, que es la antecesora de la música tradicional irlandesa actual. Algunos de los últimos exponentes de la tradición arpista, como O'Carolan, recibieron la influencia de la música artística barroca italiana de compositores como Vivaldi, que se podía escuchar en los teatros y salas de conciertos de Dublín. La tradición arpista no sobrevivió mucho tiempo a la aristocracia gaélica nativa que la apoyó. A principios del siglo XIX, el arpa irlandesa y su música estaban, a todos los efectos, muertas. Las melodías de la tradición del arpa sobrevivieron sólo como melodías no armonizadas que habían sido recogidas por la tradición folclórica o se conservaron como anotadas en colecciones como la de Edward Bunting (asistió al Festival de Arpa de Belfast en 1792) en la que las melodías se modificaron con mayor frecuencia para hacerlas aptas para los pianos de salón de las clases medias y altas anglicanizadas. ^{[ cita requerida ]}

Las primeras generaciones de revivalistas del siglo XX, que en su mayoría tocaban el arpa neocéltica de cuerdas de tripa (que con frecuencia se sustituyó por el nailon después de la Segunda Guerra Mundial) con las yemas de los dedos en lugar de la antigua arpa de cuerdas de metal pulsada con largas uñas, tendían a tomar las melodías de baile y los aires de canciones de la música tradicional irlandesa, junto con las melodías de arpa antiguas que podían encontrar, y les aplicaban técnicas derivadas del arpa orquestal (de pedales) y un enfoque del ritmo, el arreglo y el tempo que a menudo tenía más en común con la música clásica convencional que con la antigua tradición del arpa o la tradición viva de la música irlandesa. La familia McPeake conservó una tradición independiente de Belfast de canto folclórico acompañado por arpa. En la actualidad, ha ido creciendo un renacimiento del arpa irlandesa primitiva, con réplicas de los instrumentos medievales que se tocan con cuerdas de latón, plata e incluso oro. Este resurgimiento creció gracias al trabajo de varios músicos, entre ellos Arnold Dolmetsch en Inglaterra en los años 1930, Alan Stivell en Bretaña en los años 1960 y Ann Heymann en los EE. UU. desde los años 1970 hasta el presente. ^{[ cita requerida ]}

Los músicos notables del arpa moderna incluyen a Derek Bell (de los Chieftains ), Laoise Kelly (de los Bumblebees), Gráinne Hambly , Máire Ní Chathasaigh , Mary O'Hara , Antoinette McKenna , Áine Minogue y Patrick Ball . ^{[ cita necesaria ]}

Sin embargo, el arpa sigue ocupando un nicho en la música tradicional irlandesa, principalmente para la interpretación instrumental solista o como único acompañamiento para un cantante individual. Su papel melódico de primer plano y de acompañamiento de fondo como instrumento de cuerda pulsada o rasgueada ha sido absorbido por la guitarra , la mandolina y el bouzouki irlandés , etc., en la interpretación en conjunto.

El acordeón juega un papel importante en la música irlandesa moderna. El acordeón se extendió a Irlanda a finales del siglo XIX. En su forma de diez teclas ( melodeón ), se afirma que era popular en toda la isla. Fue grabado en los EE. UU. por John Kimmel , The Flanagan Brothers, Eddie Herborn y Peter Conlon . Si bien es poco común, el melodeón todavía se toca en algunas partes de Irlanda, en particular en Connemara por Johnny Connolly .

Los acordeonistas irlandeses modernos suelen preferir el acordeón de dos filas de botones. A diferencia de los acordeones similares que se utilizan en otras tradiciones musicales europeas y americanas, las filas están afinadas con un semitono de diferencia, lo que permite tocar el instrumento de forma cromática y melódica. En la actualidad, los acordeones afinados en las tonalidades de si/do y do sostenido/re son, con diferencia, los sistemas más populares.

El acordeón B/C se presta a un estilo fluido; fue popularizado por Paddy O'Brien del condado de Tipperary a fines de la década de 1940 y 1950, Joe Burke y Sonny Brogan en la década de 1950 y 1960. El nativo de Dublín James Keane trajo el instrumento a Nueva York, donde mantuvo una influyente carrera de grabación e interpretación desde la década de 1970 hasta la actualidad. Otros músicos famosos de B/C incluyen a Paddy O'Brien del condado de Offaly, Bobby Gardiner , Finbarr Dwyer , John Nolan, James Keane y Billy McComiskey. ^[22]

El acordeón en do sostenido/re se presta a un estilo más contundente y es particularmente popular en los slides y polkas de Kerry Music. Entre los músicos más destacados se encuentran Tony MacMahon , Máirtín O'Connor , Sharon Shannon , Charlie Piggott , Jackie Daly , Joe Cooley y Johnny O'Leary . ^{[ cita requerida ]}

El acordeón de piano se hizo muy popular durante la década de 1950 y ha florecido hasta el día de hoy en las bandas de céilí y en la música de baile irlandesa antigua. Su mayor rango, facilidad para cambiar de tonalidad, acción más fluida, junto con su fuerte afinación de musette se combinaron a la perfección con los otros instrumentos y fueron muy valorados durante este período. ^{[ cita requerida ]} Son un pilar de las mejores bandas de ceilidh irlandesas y escocesas. ^{[ cita requerida ]} Dermot O'Brien , Malachy Doris, Sean Quinn y Mick Foster son maestros solistas irlandeses muy conocidos de este instrumento y fueron bien grabados. ^{[ cita requerida ]} El último resurgimiento de la música tradicional de finales de la década de 1970 también reavivó el interés en este versátil instrumento. ^{[ cita requerida ]} Al igual que el acordeón de teclas de botones, ha surgido un nuevo estilo de interpretación con una afinación seca, un estilo de ejecución más ligero y un bajo rítmicamente más variado. Entre los intérpretes notables de este estilo moderno se incluyen Karen Tweed (Inglaterra) y Alan Kelly (Roscommon). ^{[ cita requerida ]}

Las concertinas se fabrican en varios tipos, siendo el más común en la música tradicional irlandesa el sistema anglosajón, aunque algunos músicos tocan actualmente el sistema inglés. Cada uno difiere del otro en su construcción y técnica de ejecución. La característica más distintiva del sistema anglosajón es que cada botón suena una nota diferente, dependiendo de si el fuelle está comprimido o expandido. Las concertinas anglosajonas suelen tener dos o tres filas de botones que suenan notas, además de un "botón de aire" ubicado cerca del pulgar derecho que permite al músico llenar o vaciar el fuelle sin que suene una nota.

Las concertinas anglosajonas de dos filas suelen tener 20 botones que hacen sonar las notas. Cada fila de 10 botones comprende notas dentro de una tonalidad común. Las dos filas principales contienen las notas de dos tonalidades musicales, como do y sol. Cada fila está dividida en dos: cinco botones que tocan las notas más graves de la tonalidad dada en el extremo izquierdo del instrumento y cinco botones que tocan las notas más agudas en el extremo derecho. La fila de botones en la tonalidad más aguda está más cerca de la muñeca de cada mano. Las concertinas de 20 teclas tienen un uso limitado para la música tradicional irlandesa debido a la gama limitada de alteraciones disponibles.

Las concertinas de tres filas añaden una tercera fila de alteraciones (es decir, sostenidos y bemoles no incluidos en las tonalidades representadas por las dos filas principales) y notas redundantes (es decir, notas que duplican las de las tonalidades principales pero que se encuentran en la tercera fila, la más externa) que permiten tocar el instrumento en prácticamente cualquier tonalidad. Se puede tocar una serie de notas secuenciales en las filas de la tonalidad principal presionando un botón, comprimiendo el fuelle, presionando el mismo botón y extendiendo el fuelle, pasando al siguiente botón y repitiendo el proceso, y así sucesivamente. Una consecuencia de esta disposición es que el intérprete a menudo se encuentra con ocasiones en las que requiere un cambio en la dirección del fuelle, lo que produce una separación clara entre los sonidos de las dos notas adyacentes. Esto tiende a dar a la música un sonido más puntuado y animado que puede ser especialmente adecuado para las hornpipes o las jigas.

En cambio, las concertinas inglesas hacen sonar la misma nota con cualquier botón, independientemente de la dirección del recorrido del fuelle. Por lo tanto, se puede tocar cualquier nota mientras el fuelle está expandido o comprimido. En consecuencia, se pueden tocar notas secuenciales sin alterar la dirección del fuelle. Esto permite tocar secuencias de notas en un flujo suave y continuo sin la interrupción que supone cambiar la dirección del fuelle.

A pesar de la inherente elasticidad del sistema anglosajón y la inherente suavidad del sistema inglés de concertina, los intérpretes expertos de música tradicional irlandesa pueden lograr ambos efectos en cada tipo de instrumento adaptando el estilo de interpretación. En el sistema anglosajón, por ejemplo, las notas de las distintas filas se superponen parcialmente y la tercera fila contiene notas redundantes adicionales, de modo que la misma nota puede sonar con más de un botón. A menudo, mientras que un botón hará sonar una nota determinada al comprimir el fuelle, un botón alternativo en una fila diferente hará sonar la misma nota al expandir el fuelle. De este modo, al tocar en todas las filas, el intérprete puede evitar cambios en la dirección del fuelle de una nota a otra cuando el objetivo musical es un sonido más suave. Asimismo, el sistema inglés se adapta a estilos de interpretación que contrarrestan su inherente suavidad y continuidad entre notas. En concreto, cuando la música lo requiere, el intérprete puede optar por invertir la dirección del fuelle, lo que hace que las notas secuenciales se articulen de forma más clara. ^[23]

Entre los músicos de concertina más populares ^{(¿ según quién? ) se encuentran} Mohsen Amini , Niall Vallely , Kitty Hayes , Gearóid Ó hAllmhuráin , Noel Hill y Padraig Rynne. Liam Clancy (de los Clancy Brothers y Makem and Clancy ) también tocó la concertina hasta su muerte en 2009. ^{[ cita requerida ]}

El banjo tenor de cuatro cuerdas es un instrumento melódico que tocan los músicos tradicionales irlandeses y suele estar afinado en GDAE, una octava por debajo del violín. Fue traído a Irlanda por emigrantes que regresaron de los Estados Unidos, donde había sido desarrollado por esclavos africanos . Rara vez se toca en la música irlandesa (aunque en grabaciones más antiguas a veces se utiliza el banjo como instrumento de acompañamiento), sino que se toca como un instrumento melódico utilizando una púa o un "dedal". ^[24]

A Barney McKenna , de los Dubliners, se le atribuye a menudo el mérito de allanar el camino hacia la popularidad actual del banjo, y siguió tocando activamente hasta su muerte en 2012, a los 72 años. Entre los músicos notables se incluyen Kieran Hanrahan , Charlie Piggott , John Carty , Angelina Carberry, Gerry O'Connor , Enda Scahill , Kevin Griffin y el campeón All Ireland Fleadh, Brian Scannell. ^{[ cita requerida ]}

Con algunas excepciones, como por ejemplo Tom Hanway , ^[25] el banjo de cinco cuerdas ha tenido un papel pequeño en la música tradicional irlandesa como instrumento melódico. Ha sido utilizado como acompañamiento por los cantantes Margaret Barry , Pecker Dunne , Luke Kelly , Al O'Donnell, Bobby Clancy y Tommy Makem .

La mandolina se ha convertido en un instrumento común entre los músicos tradicionales irlandeses. Las melodías de violín son fácilmente accesibles para los mandolinistas debido al registro equivalente de los dos instrumentos y a las digitaciones prácticamente idénticas de la mano izquierda (teniendo en cuenta la falta de trastes en el violín).

Aunque casi cualquier variedad de mandolina acústica puede ser adecuada para la música tradicional irlandesa, prácticamente todos los músicos irlandeses prefieren los instrumentos de fondo plano con orificios de sonido ovalados a las mandolinas de fondo convexo de estilo italiano o las mandolinas de tapa tallada con orificios en forma de f que prefieren los mandolinistas de bluegrass . Las primeras suelen tener un tono demasiado suave para sostenerse en una sesión (además de tener una tendencia a no permanecer en su lugar en el regazo del músico), mientras que las segundas tienden a sonar ásperas y dominantes para el oído tradicional. Las mandolinas de tapa plana "de estilo irlandés" (que recuerdan a la mandolina Martin Army-Navy de la Primera Guerra Mundial) y las mandolinas de tapa tallada (arqueada) con orificios de sonido ovalados, como la Gibson A-style de la década de 1920, son muy preferidas para las sesiones irlandesas en los EE. UU. Las mandolinas con resonador, como la RM-1 de National Resophonic, están comenzando a aparecer en las sesiones irlandesas en los EE. UU. porque son lo suficientemente fuertes como para ser escuchadas fácilmente. ^{[ cita requerida ]}

Entre los mandolinistas irlandeses más destacados se encuentran Andy Irvine (quien, como Johnny Moynihan , casi siempre afina la nota E en D), ^{[26] : 38} Mick Moloney , Paul Kelly , Declan Corey y Claudine Langille. John Sheahan y Barney McKenna , violinista y banjista tenor respectivamente, de los Dubliners también son consumados mandolinistas.

La guitarra no es tradicional en la música irlandesa, pero ha sido ampliamente aceptada en las sesiones modernas . Estos suelen rasguearse con una púa para proporcionar acompañamiento a los intérpretes de melodía o, a veces, a un cantante. El acompañamiento irlandés tiende a utilizar digitaciones de acordes a lo largo del mástil, en lugar de los básicos "acordes de vaquero" de primera o segunda posición; a diferencia de los utilizados en el jazz, estas digitaciones de acordes rara vez implican digitaciones con cejilla y a menudo emplean una o más cuerdas al aire en combinación con cuerdas detenidas en el quinto traste o en trastes más altos. Los acordes modales (la raíz y la quinta sin la tercera, ni mayores ni menores) se utilizan ampliamente junto con los acordes mayores y menores habituales, al igual que los acordes suspendidos y, a veces, los acordes aumentados más exóticos; sin embargo, los acordes de séptima mayor y menor se emplean menos que en muchos otros estilos de música.

Lo ideal es que el guitarrista siga con precisión al intérprete o cantante principal de la melodía en lugar de intentar controlar el ritmo y el tempo. La mayoría de las partes de guitarra se inspiran y se orientan en la melodía, en lugar de impulsarla como en otros géneros acústicos. ^[27]

Muchos de los primeros guitarristas notables que trabajaron en la música tradicional, como Dáithí Sproule y Mícheál Ó Domhnaill de The Bothy Band , afinaron sus instrumentos en la afinación "DADGAD", aunque muchos intérpretes usan las afinaciones "estándar" (EADGBE) y "drop D" (DADGBE): entre otros, Steve Cooney , Arty McGlynn y John Doyle. ^{[ cita requerida ]} Algunos intérpretes también utilizan una gran cantidad de otras afinaciones alternativas. La característica distintiva de estas afinaciones es que una o más cuerdas al aire tocadas junto con formas de acordes digitados proporcionan una parte de nota de zumbido del acorde. ^{[ cita requerida ]}

Los guitarristas y los músicos de bouzouki pueden tocar una melodía de una sola nota en lugar de un acompañamiento armonizador, pero en sesiones acústicas en vivo con más de dos o tres músicos es difícil producir un volumen suficiente para que se escuche por encima de los tambores y el sonido penetrante de los violines y los silbatos. ^{[ cita requerida ]}

Aunque no es un instrumento tradicional, el bouzouki irlandés ^[26] ha encontrado un lugar en la escena musical tradicional irlandesa moderna. El bouzouki griego fue introducido en la música tradicional irlandesa a fines de la década de 1960 por Johnny Moynihan y luego popularizado por Dónal Lunny , Andy Irvine y Alec Finn .

El bouzouki irlandés actual (normalmente) tiene cuatro órdenes de dos cuerdas (normalmente) afinadas en G2−D3−A3−D4. Las órdenes graves suelen estar afinadas al unísono, una característica que distingue al bouzouki irlandés de su antecesor griego, aunque algunos intérpretes prefieren las octavas en el bajo. En lugar de la parte trasera redondeada con duelas del bouzouki griego, los bouzoukis irlandeses suelen tener una parte trasera plana o ligeramente arqueada. Peter Abnett, el primer fabricante de instrumentos que construyó un bouzouki irlandés (para Dónal Lunny en 1970), fabrica una parte trasera con duelas de tres piezas. La tapa es plana o tallada como la de una guitarra de tapa arqueada o una mandolina , aunque algunos constructores tallan tanto la parte trasera como la superior.

Alec Finn y Mick Conneely son los únicos músicos notables que aún utilizan un bouzouki griego, uno de los instrumentos de tres órdenes (seis cuerdas) de estilo trixordo más antiguo, afinado en D3−A3−D4. ^{[ cita requerida ]}

El bodhrán, un tambor de marco , generalmente de madera curvada y piel de cabra, se considera una incorporación relativamente moderna a la música de baile tradicional. Algunos musicólogos sugieren que su uso se limitaba originalmente a los niños que tocaban el día de San Esteban y otras procesiones cuasi rituales. Fue introducido/popularizado en la década de 1960 por Seán Ó Riada (aunque hay menciones de "panderetas" sin zils que se tocaban ya a mediados del siglo XIX), y rápidamente se hizo popular. ^{[ cita requerida ]} Entre los músicos notables se incluyen Liam Ó Maonlaí (de Hothouse Flowers), Johnny 'Ringo' McDonagh, Tommy Hayes, Eamon Murray de Beoga , Colm Murphy, John Joe Kelly de Flook y Caroline Corr de The Corrs . ^{[ cita requerida ]}

También hay que mencionar los huesos , dos piezas delgadas y curvadas de hueso o madera, y las "cucharas". Se sostienen en pares con una mano y se golpean rítmicamente para producir un sonido de percusión.

Ocasionalmente, en las sesiones en pubs, se utilizan algunos tambores de mano no tradicionales , como el tambor djembé de África occidental , que puede producir una nota grave y retumbante, así como un tono agudo, y el tambor bongó caribeño . Estos tambores se utilizan como una variación del bodhrán o en combinación con él durante las sesiones. ^{[ cita requerida ]}

Aunque no está tan bien documentada dentro de la tradición como otros instrumentos de lengüeta libre, la tradición de la armónica irlandesa está representada por Rick Epping , Mick Kinsella, Paul Moran, la familia Murphy del condado de Wexford, Eddie Clarke y Brendan Power (este último de Nueva Zelanda ). ^[28] Paddy Clancy se convirtió en el primer armonicista folklórico irlandés de fama mundial a principios de la década de 1960 como parte de los Clancy Brothers y Tommy Makem.

El resurgimiento del interés por la cultura tradicional irlandesa estuvo estrechamente vinculado a los llamamientos nacionalistas a la independencia y fue catalizado por la fundación de la Liga Gaélica en 1893. Esta pretendía fomentar el redescubrimiento y la afirmación de las artes tradicionales irlandesas centrándose en la lengua irlandesa, pero también estableció una competición anual, el Feis Ceoil, en 1903 como foco de sus actividades.

En Estados Unidos, los músicos tradicionales siguieron siendo populares en las comunidades irlandesas de las grandes ciudades como Chicago . Francis O'Neill (1848-1936) fue un coleccionista y promotor de la música tradicional irlandesa cuyo trabajo fue una "enorme influencia en la evolución de la música de baile tradicional irlandesa en el siglo XX". ^[29] Además de publicar grandes compendios de melodías, a O'Neill se le atribuye la realización de algunas de las primeras grabaciones de músicos irlandeses en cilindros de cera de Edison. ^[30] En las décadas de 1920 y 1930, los discos de músicos emigrantes como Ed Reavy , Michael Coleman, James Morrison y John McKenna dieron nueva vida a la música que se tocaba en Irlanda. ^[31]

La religión también desempeñó un papel en el renacimiento de la cultura irlandesa. El logro de la independencia de Gran Bretaña coincidió estrechamente con el deseo de la nueva clase dirigente irlandesa de separar la cultura irlandesa de la corriente dominante europea, pero el nuevo gobierno irlandés también prestó atención a los llamamientos clericales para limitar el «baile de jazz» y otras sugerencias de abandono de la moralidad irlandesa, aunque no fue hasta 1935 cuando la Ley de Salas de Baile Públicas restringió el derecho de cualquiera a celebrar sus propios eventos; a partir de entonces, no se podía celebrar ningún evento musical o de baile público en un espacio público sin una licencia y la mayoría de ellos normalmente solo se concedían a personas «aptas», a menudo el párroco.

Combinado con la continua emigración y el inevitable celo del sacerdocio en cerrar eventos sin licencia, el resultado fue que la música y el baile tradicionales regresaron a las casas, donde permanecieron hasta que los inmigrantes que regresaron persuadieron a los dueños de bares para que organizaran sesiones a principios de los años 1960.

Los Chieftains , los Clancy Brothers , los Irish Rovers , los Dubliners y los Sweeney's Men de Seán Ó Riada fueron en gran parte responsables de una segunda ola de revitalización de la música folclórica irlandesa en la década de 1960, seguida por Planxty , Bothy Band y Clannad en los años 70. Este resurgimiento fue ayudado en parte por un movimiento flexible de músicos fundado en 1951 con el objetivo de preservar la música tradicional, Comhaltas Ceoltóirí Éireann , que dio lugar al popular Fleadh Cheoil (festival de música).

En la década de 1960 aparecieron varios artistas innovadores. Por ejemplo, Christy Moore y Dónal Lunny , que primero actuaron como dúo y luego crearon dos de las bandas más conocidas de la época, Planxty y Moving Hearts (en la década de 1980). Los Clancys abrieron el camino en los EE. UU. a principios de la década, lo que inspiró a grupos vocales como los Dubliners, mientras que la música instrumental de Ceoltóirí Chualann engendró quizás la banda tradicional irlandesa más conocida, los Chieftains, que se formó en 1963.

En la década de 1970, Planxty y Clannad prepararon el terreno para un importante florecimiento popular de la música irlandesa. ^[32] Formada en 1974, The Bothy Band se convirtió en la portadora de ese movimiento; su álbum debut, 1975 (1975), inspiró a una legión de fanáticos. ^[33] Entre los nuevos grupos que aparecieron después de su paso se encontraba Moving Hearts, formado por Dónal Lunny y Christy Moore y con Davy Spillane tocando la gaita irlandesa, la primera vez que esto sucedía efectivamente en un entorno de rock. ^[34] La Folk Music Society of Ireland se fundó en 1971, ^[35] y el Irish Traditional Music Archive se creó en 1987. ^[36]

Van Morrison también es conocido en la escena del rock tradicional y es conocido por incorporar soul y R&B . ^{[ cita requerida ]}

El rock celta es un género de folk rock y una forma de fusión celta iniciada en Irlanda que incorpora música celta , instrumentación y temas en un contexto de música rock. Puede verse como una base clave para el desarrollo de bandas celtas de gran éxito y artistas musicales populares, además de crear derivados importantes a través de fusiones posteriores. ^[37] Quizás el producto más exitoso de esta escena fue la banda Thin Lizzy . Formada en 1969, sus dos primeros álbumes fueron reconociblemente influenciados por la música tradicional irlandesa y su primer sencillo exitoso " Whisky in the Jar " en 1972, fue una versión rock de una canción tradicional irlandesa. ^[38] A partir de este punto, comenzaron a moverse hacia el hard rock que les permitió obtener una serie de sencillos y álbumes exitosos, pero conservaron algunos elementos ocasionales del rock celta en álbumes posteriores como Jailbreak (1976). Formado en 1970, Horslips fue el primer grupo irlandés al que se le aplicó el término "rock celta", produjo un trabajo que incluía música e instrumentación tradicional irlandesa/celta, temas e imágenes celtas, álbumes conceptuales basados ​​en la mitología irlandesa de una manera que entró en el territorio del rock progresivo, todo ello impulsado por un sonido de hard rock . ^[39] Horslips se considera importante en la historia del rock irlandés, ya que fue la primera banda importante en disfrutar del éxito sin tener que abandonar su país natal y puede considerarse como un modelo para el rock celta en Irlanda y en otros lugares. ^[40]

La música tradicional, especialmente el canto de Sean Nós, jugó un papel importante en la música popular irlandesa a finales de siglo, con Van Morrison , Hothouse Flowers y Sinéad O'Connor utilizando elementos tradicionales en canciones populares. Enya logró un enorme éxito internacional con fusiones de new age y celta. The Pogues , liderados por Shane MacGowan , ayudaron a fusionar el folk irlandés con el punk rock . Esto dio como resultado éxitos entre los diez primeros en Irlanda, el Reino Unido y los EE. UU. El Afro-Celt Sound System combinó instrumentales celtas con influencias de África occidental y drum n bass en la década de 1990.

En la década de 1980, entre las bandas de folk más destacadas se encontraban De Dannan , Altan , Dervish y Patrick Street . El creciente interés por la música irlandesa en esa época ayudó a muchos artistas a ganar más reconocimiento en el extranjero, entre ellos Mary Black y Sharon Shannon . La BBC emitió una serie documental sobre la influencia de la música irlandesa llamada Bringing it all Back Home (una referencia tanto al álbum de Bob Dylan como a la forma en que la música tradicional irlandesa ha viajado, especialmente en el Nuevo Mundo tras la diáspora irlandesa , que a su vez ha vuelto a influir en la música rock irlandesa moderna). Esta serie también ayudó a elevar el perfil de muchos artistas relativamente poco conocidos fuera de Irlanda.

En la década de 2000, Beoga , Gráda , Danú y Teada se encuentran entre las bandas instrumentales más jóvenes e importantes de tendencia predominantemente tradicional.

Hay muchas otras bandas irlandesas que desarrollan fusiones de música local e irlandesa, como Flook , Kíla , Gráda y The Dave Munnelly Band.

Melodía de armónica irlandesa

Grabación de la colección California Gold: Northern California Folk Music from the Thirties de la Biblioteca del Congreso ; interpretada por Aaron Morgan (armónica) el 17 de julio de 1939 en Columbia, California

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Varias organizaciones participan en la recopilación y promoción de la música tradicional irlandesa. Estos incluyen Comhaltas Ceoltóirí Éireann , la Sociedad de Música Folclórica de Irlanda , el Archivo de Música Tradicional Irlandesa y la Academia Mundial Irlandesa de Música y Danza ( Universidad de Limerick ). ^[41]

Entre las organizaciones centradas en la región se encuentra el Ionad Cultúrtha, un centro cultural regional para las artes tradicionales y contemporáneas, en Ballyvourney , en el condado de Cork. ^[42] También organiza eventos de música y artes visuales. ^{[ cita requerida ]}

Las sesiones de pub son hoy el hogar de gran parte de la música tradicional irlandesa, que tiene lugar en reuniones informales en pubs rurales y urbanos. La primera de estas sesiones de pub modernas conocidas tuvo lugar en 1947 en el barrio londinense de Camden Town , en un bar llamado Devonshire Arms (aunque algunos etnomusicólogos creen que los inmigrantes irlandeses en los Estados Unidos pueden haber celebrado sesiones antes); la práctica solo se introdujo más tarde en Irlanda. En la década de 1960, pubs como O'Donoghues en Dublín celebraban sus propias sesiones de pub.

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• Asociación Irlandesa de Música Grabada
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• Música rebelde irlandesa

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• Instrumentos musicales tradicionales irlandeses Un directorio de instrumentos musicales tradicionales irlandeses y su historia, mitología asociada e intérpretes notables
• Archivo de música tradicional irlandesa Archivo de referencia pública nacional y centro de recursos para canciones tradicionales, música instrumental y danza de Irlanda
• Índice de melodías de música tradicional irlandesa Una base de datos de búsqueda de melodías de danzas tradicionales que identifica fuentes de melodías en grabaciones comerciales y libros de melodías
• Centro de Música Contemporánea, Dublín Centro nacional de recursos y archivos de Irlanda para la música clásica irlandesa contemporánea.
• Una historia de la música irlandesa, por WH Flood
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