El teatro en Estados Unidos

Este artículo es parte de una serie sobre la cultura estadounidense.
Teatro de los Estados Unidos
Escena de la producción original de West Side Story de 1957
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El teatro en los Estados Unidos es parte de la antigua tradición teatral europea y ha sido fuertemente influenciado por el teatro británico . El eje central de la escena teatral estadounidense es Manhattan , con sus divisiones de Broadway , Off-Broadway y Off-Off-Broadway . Muchas estrellas de cine y televisión han tenido su gran oportunidad trabajando en producciones de Nueva York. Fuera de Nueva York, muchas ciudades tienen compañías de teatro profesionales regionales o residentes que producen sus propias temporadas, y algunas obras se producen regionalmente con la esperanza de mudarse eventualmente a Nueva York. El teatro estadounidense también tiene una cultura de teatro comunitario activa , que depende principalmente de voluntarios locales que pueden no estar persiguiendo activamente una carrera teatral. ^[1]

Antes de que se estableciera la primera colonia inglesa en 1607, existían dramas españoles y tribus nativas americanas que realizaban eventos teatrales. ^[2] Se siguieron realizando representaciones en los territorios ocupados por los españoles en lo que luego se convirtió en los Estados Unidos. Por ejemplo, en el Presidio de Los Adaes en las Nuevas Filipinas (ahora en Luisiana ), se presentaron varias obras el 12 de octubre de 1721. ^[3]

Aunque se construyó un teatro en Williamsburg, Virginia, en 1716, y el teatro original Dock Street Theatre abrió en Charleston, Carolina del Sur, en 1736, el nacimiento del teatro profesional en las colonias inglesas puede haber comenzado cuando Lewis Hallam llegó con su compañía teatral a Williamsburg en 1752. ^[4] Lewis y su hermano William , que llegaron en 1754, fueron los primeros en organizar una compañía completa de actores en Europa y traerlos a las colonias . Trajeron un repertorio de obras populares en Londres en ese momento, incluyendo Hamlet , Otelo , El oficial de reclutamiento y Ricardo III . El mercader de Venecia fue su primera representación, mostrada inicialmente el 15 de septiembre de 1752. ^[5] Al encontrar oposición por parte de las organizaciones religiosas, Hallam y su compañía partieron hacia Jamaica en 1754 o 1755. ^{[ cita requerida ]} Poco después, Lewis Hallam, Jr. , fundó la American Company, abrió un teatro en Nueva York y presentó la primera obra estadounidense montada profesionalmente , El príncipe de Partia , de Thomas Godfrey , en 1767. ^[6]

En el siglo XVIII, se aprobaron leyes que prohibían la representación de obras de teatro en Massachusetts en 1750, en Pensilvania en 1759 y en Rhode Island en 1761, y las obras de teatro fueron prohibidas en la mayoría de los estados durante la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos a instancias del Congreso Continental . ^[5] En 1794, el presidente del Yale College , Timothy Dwight IV , en su "Ensayo sobre el escenario", declaró que "entregarse al gusto por ir al teatro no significa nada más ni nada menos que la pérdida de ese tesoro más valioso: el alma inmortal". ^{[ cita requerida ]}

A pesar de estas leyes, algunos escritores probaron suerte en la escritura teatral. Lo más probable es que las primeras obras escritas en América fueran de autores nacidos en Europa (sabemos de obras originales escritas por españoles, franceses e ingleses desde 1567), aunque no se imprimieron obras en América hasta Androboros de Robert Hunter en 1714. Aun así, en los primeros años, la mayoría de las obras producidas provenían de Europa; solo con El príncipe de Partia de Godfrey en 1767 tenemos una obra producida profesionalmente escrita por un estadounidense, aunque fue un sustituto de último momento de la ópera cómica de Thomas Forrest The Disappointment; or, The Force of Credulity , y aunque la primera obra que trató temas estadounidenses con seriedad, Ponteach; or, the Savages of America de Robert Rogers , se había publicado en Londres un año antes. ^[7] 'Cato', una obra sobre la revolución, se representó para George Washington y sus tropas en Valley Forge en el invierno de 1777-1778.

El período revolucionario fue un impulso para los dramaturgos, para quienes los debates políticos eran terreno fértil tanto para la sátira, como se ve en las obras de Mercy Otis Warren y el coronel Robert Munford, como para las obras sobre el heroísmo, como en las obras de Hugh Henry Brackenridge . El período de posguerra vio el nacimiento de la comedia social estadounidense en The Contrast de Royall Tyler , que estableció una versión muy imitada del personaje "yanqui", aquí llamado "Jonathan". Pero no hubo dramaturgos profesionales hasta William Dunlap , cuyo trabajo como dramaturgo, traductor, director e historiador teatral le ha valido el título de "Padre del drama estadounidense"; además de traducir las obras de August von Kotzebue y los melodramas franceses, Dunlap escribió obras de teatro en una variedad de estilos, de los cuales André y The Father; or, American Shandyism son sus mejores. ^[7]

En el 825 de Walnut Street, en Filadelfia , Pensilvania, se encuentra el Teatro Walnut Street , o "The Walnut". Fundado en 1809 por el Circo de Pepin y Breschard , "The Walnut" es el teatro más antiguo de Estados Unidos. La primera producción teatral de The Walnut, The Rivals , se representó en 1812. Asistieron al evento el presidente Thomas Jefferson y el marqués de Lafayette . ^[8]

Los teatros provinciales solían carecer de calefacción y de un mínimo de utilería y escenografía . A medida que el país se expandía hacia el oeste , algunos empresarios operaban teatros flotantes en barcazas o barcos fluviales que viajaban de ciudad en ciudad. Una ciudad grande podía permitirse una larga "temporada" (o período de tiempo durante el cual una compañía de gira presentaba múltiples funciones consecutivas) de una producción, y en 1841, una sola obra se presentó en la ciudad de Nueva York durante tres semanas, algo sin precedentes. ^{[ cita requerida ]}

Las obras de William Shakespeare se representaban con frecuencia. Las obras estadounidenses de la época eran en su mayoría melodramas , un ejemplo famoso de los cuales fue La cabaña del tío Tom , adaptada por George Aiken , de la novela del mismo nombre de Harriet Beecher Stowe .

En 1821, William Henry Brown fundó el African Grove Theatre en la ciudad de Nueva York. Fue el tercer intento de tener un teatro afroamericano, pero este fue el más exitoso de todos. La compañía no solo representó a Shakespeare, sino que también representó la primera obra escrita por un afroamericano, The Drama of King Shotaway . El teatro cerró en 1823. ^[9] El teatro afroamericano estuvo relativamente inactivo, a excepción de la obra de 1858 The Escape; or, A Leap for Freedom de William Wells Brown , quien era un ex esclavo. Las obras afroamericanas no volverían a ser consideradas hasta el Renacimiento de Harlem de la década de 1920. ^[9]

Una forma popular de teatro durante esta época era el espectáculo de minstrel , que presentaba actores blancos (y a veces, especialmente después de la Guerra Civil, negros ) vestidos de " blackface (pintándose la cara, etc. con maquillaje oscuro para imitar el color de un africano o afroamericano)". Los actores entretenían a la audiencia usando sketches cómicos, parodias de obras de teatro y musicales populares, y bufonadas y comedias físicas en general, todo con un uso intensivo de estereotipos raciales y temas racistas . ^{[ cita requerida ]}

A lo largo del siglo XIX, la cultura teatral se asoció con el hedonismo e incluso la violencia; los actores (especialmente las mujeres) eran vistos como poco mejores que las prostitutas. Jessie Bond escribió que a mediados del siglo XIX, "el escenario estaba en su punto más bajo, las glorias isabelinas y las artificialidades georgianas habían quedado en el pasado, la tragedia forzada y la farsa vulgar eran todo lo que el aspirante a espectador tenía para elegir, y el teatro se había convertido en un lugar de mala reputación". ^[10] El 15 de abril de 1865, menos de una semana después del final de la Guerra Civil de los Estados Unidos , Abraham Lincoln , mientras veía una obra en el Teatro Ford en Washington, DC, fue asesinado por un actor de teatro popular a nivel nacional de la época, John Wilkes Booth .

El burlesque victoriano , una forma de teatro cómico obsceno que se burlaba del arte y la cultura elevados, fue importado de Inglaterra alrededor de 1860 y en Estados Unidos se convirtió en una forma de farsa en la que las mujeres en papeles masculinos se burlaban de la política y la cultura de la época. Criticada por su sexualidad y franqueza, esta forma de entretenimiento fue expulsada del "escenario legítimo" y se vio relegada a los salones y bares . ^{[ cita requerida ]} Las productoras femeninas, como Lydia Thompson , fueron reemplazadas por sus homólogos masculinos, que suavizaron el tono político y aumentaron la sexualidad, hasta que los espectáculos burlescos finalmente se convirtieron en poco más que chicas bonitas con ropa escasa cantando canciones, mientras los comediantes masculinos contaban chistes obscenos.

El teatro del período de preguerra tendía a ser un derivado en la forma, imitando los melodramas europeos y las tragedias románticas, pero nativo en contenido, apelando al nacionalismo popular dramatizando eventos actuales y retratando el heroísmo estadounidense. Pero los dramaturgos estaban limitados por una serie de factores, incluida la necesidad de que las obras fueran rentables, los gustos de clase media de los espectadores de teatro estadounidenses y la falta de protección de derechos de autor y compensación para los dramaturgos. Durante este tiempo, la mejor estrategia para un dramaturgo era convertirse en actor y / o representante, siguiendo el modelo de John Howard Payne , Dion Boucicault y John Brougham . Este período vio la popularidad de ciertos tipos de personajes nativos, especialmente el "yanqui", el "negro" y el "indio", ejemplificados por los personajes de Jonathan , Sambo y Metamora . Mientras tanto, el aumento de la inmigración trajo consigo una serie de obras sobre los irlandeses y los alemanes, que a menudo encajaban con las preocupaciones sobre la templanza y el catolicismo romano. En este período también se realizaron obras sobre la expansión estadounidense hacia el Oeste (incluidas obras sobre el mormonismo) y sobre los derechos de las mujeres. Entre las mejores obras de este período se encuentran Superstition or, the Fanatic Father de James Nelson Barker , Fashion or, Life in New York de Anna Cora Mowatt , Putnam, the Iron Son of '76 de Nathaniel Bannister , The Octoroon or, Life in Louisiana de Dion Boucicault y Witchcraft or, the Martyrs of Salem de Cornelius Mathews . Al mismo tiempo, Estados Unidos había creado nuevas formas dramáticas en los Tom Shows , el teatro de espectáculos en barcos y el espectáculo de juglares . ^[7]

Durante la posguerra , el teatro floreció gracias al auge de la posguerra que permitió producciones más largas y frecuentes. La llegada del transporte ferroviario estadounidense permitió que las compañías de producción, los actores y los decorados grandes y elaborados pudieran viajar fácilmente entre las ciudades, lo que hizo posible la instalación de teatros permanentes en las pequeñas ciudades. La invención y la aplicación práctica de la iluminación eléctrica también condujeron a cambios y mejoras en los estilos de escenografía, así como a cambios en el diseño de los interiores de los teatros y las zonas de asientos.

En 1896, Charles Frohman , Al Hayman , Abe Erlanger , Mark Klaw , Samuel F. Flenderson y J. Fred Zimmerman, Sr. formaron el Theatrical Syndicate , que estableció redes de reservas sistematizadas en todo Estados Unidos y creó un monopolio de gestión que controlaba todos los aspectos de los contratos y las reservas hasta principios del siglo XX, cuando los hermanos Shubert fundaron una agencia rival, The Shubert Organization .

Para los dramaturgos, el período posterior a la guerra trajo consigo más recompensa financiera y respeto estético (incluida la crítica profesional) que antes. En términos de forma, los espectáculos, melodramas y farsas siguieron siendo populares, pero el drama poético y el romanticismo casi desaparecieron por completo debido al nuevo énfasis en el realismo, que fue adoptado por el drama serio, el melodrama y la comedia por igual. Este realismo no era exactamente el realismo europeo de Espectros de Ibsen , sino una combinación de realismo escénico (por ejemplo, el " Método Belasco ") con una visión menos romántica de la vida que acompañó la agitación cultural de la época. El esfuerzo más ambicioso hacia el realismo durante este período provino de James Herne , quien fue influenciado por las ideas de Ibsen, Hardy y Zola sobre el realismo, la verdad y la calidad literaria; su logro más importante, Margaret Fleming , promulga los principios que expuso en su ensayo "El arte por la verdad en el drama". Aunque Fleming no atraía al público (tanto los críticos como el público consideraban que se centraba demasiado en temas indecorosos e incluía escenas impropias, como la de Margaret amamantando al hijo bastardo de su marido en el escenario), otras formas de realismo dramático se estaban volviendo más populares en el melodrama (por ejemplo, Under the Gaslight de Augustin Daly ) y en obras de teatro locales ( Shenandoah de Bronson Howard ). Otros dramaturgos clave durante este período son David Belasco , Steele MacKaye , William Dean Howells , Dion Boucicault y Clyde Fitch . ^[7]

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El vodevil era común a finales del siglo XIX y principios del XX, y es conocido por haber influido mucho en las primeras producciones cinematográficas, radiofónicas y televisivas del país. (Esto nació de una práctica estadounidense anterior de tener cantantes y números novedosos que actuaran entre los actos de una obra estándar). George Burns fue un comediante estadounidense muy longevo que comenzó en la comunidad del vodevil, pero continuó disfrutando de una carrera que se prolongó hasta la década de 1990.

Algunos teatros de vodevil construidos entre 1900 y 1920 lograron sobrevivir, aunque muchos pasaron por períodos de uso alternativo, la mayoría de las veces como salas de cine, hasta que en la segunda mitad del siglo muchas poblaciones urbanas decayeron y se construyeron multicines en los suburbios. Desde entonces, varios de ellos han sido restaurados a su estado original o casi original y atraen a nuevos públicos casi cien años después.

A principios del siglo XX, el teatro legítimo de 1752 (no vodevil) se había vuelto decididamente más sofisticado en los Estados Unidos, como lo había sido en Europa. Las estrellas de esta era, como Ethel Barrymore y John Barrymore , a menudo eran vistas como incluso más importantes que el espectáculo en sí. El avance de las películas también condujo a muchos cambios en el teatro. La popularidad de los musicales puede haberse debido en parte al hecho de que las primeras películas no tenían sonido y, por lo tanto, no podían competir, hasta The Jazz Singer de 1927, que combinó tanto diálogo como música en una película. Los dramas más complejos y sofisticados florecieron en este período de tiempo, y los estilos de actuación se volvieron más moderados. Incluso en 1915, los actores estaban siendo atraídos lejos del teatro y a la pantalla grande , y el vodevil estaba comenzando a enfrentar una dura competencia.

Mientras que las revistas que consistían en canciones, sketches, rutinas de comedia y bailarinas ( chicas Ziegfeld ) en su mayoría no tenían ninguna relación entre sí, el teatro musical eventualmente se desarrollaría más allá de esto. Uno de los primeros pasos importantes fue Show Boat , con música de Jerome Kern y letras de Oscar Hammerstein . Presentaba canciones y escenas no musicales que se integraban para desarrollar la trama del espectáculo. El siguiente gran paso adelante fue Oklahoma!, con letras de Hammerstein y música de Richard Rodgers . Sus "ballets de ensueño" usaban la danza para llevar adelante la trama y desarrollar los personajes.

Los grupos de actuación amateur siempre han tenido un lugar junto a las compañías de actuación profesional. El Amateur Comedy Club, Inc. fue fundado en la ciudad de Nueva York el 18 de abril de 1884. Fue organizado por siete caballeros que se separaron de la Madison Square Dramatic Organization, una compañía socialmente prominente presidida por la Sra. James Brown Potter y David Belasco . El ACC realizó su primera actuación el 13 de febrero de 1885. Ha actuado de forma continua desde entonces, lo que la convierte en la sociedad teatral más antigua y de actuación continua de los Estados Unidos. Entre los neoyorquinos destacados que han sido miembros del ACC se incluyen Theodore, Frederick y John Steinway, de la familia de fabricantes de pianos; Gordon Grant, el artista marino; Christopher La Farge, el arquitecto; Van H. Cartmell, el editor; Albert Sterner , el pintor; y Edward Fales Coward, el crítico de teatro y dramaturgo. Elsie De Wolfe , Lady Mendl, más tarde famosa como la primera decoradora de interiores profesional del mundo, actuó en producciones del Club en los primeros años del siglo XX, al igual que Hope Williams y Julie Harris en la década de 1940.

El teatro de principios del siglo XX estuvo dominado por los Barrymore: Ethel Barrymore , John Barrymore y Lionel Barrymore . Otros grandes intérpretes fueron Laurette Taylor , Jeanne Eagels y Eva Le Gallienne . El enorme cambio social que se produjo durante la Gran Depresión también tuvo un efecto en el teatro en los Estados Unidos. Las obras asumieron roles sociales, identificándose con los inmigrantes y los desempleados. El Federal Theatre Project , un programa del New Deal creado por Franklin D. Roosevelt , ayudó a promover el teatro y a proporcionar trabajo a los actores. El programa representó muchas obras elaboradas y controvertidas como It Can't Happen Here de Sinclair Lewis y The Cradle Will Rock de Marc Blitzstein . Por el contrario, el legendario productor Brock Pemberton (fundador de los premios Tony ) estaba entre aquellos que sentían que era más que nunca un momento para el entretenimiento cómico, con el fin de proporcionar un escape de las duras condiciones sociales prevalecientes: típica de sus producciones fue la comedia de Lawrence Riley Personal Appearance (1934), cuyo éxito en Broadway (501 representaciones) reivindicó a Pemberton.

Los años entre las dos guerras mundiales fueron años de extremos. Las obras de Eugene O'Neill fueron el punto culminante de las obras dramáticas serias que condujeron al estallido de la guerra en Europa. Más allá del horizonte (1920), por la que ganó su primer premio Pulitzer; más tarde ganó premios Pulitzer por Anna Christie (1922) y Strange Interlude (1928), así como el Premio Nobel de Literatura . Alfred Lunt y Lynn Fontanne siguieron siendo una pareja de actores popular en la década de 1930.

1940 resultó ser un año crucial para el teatro afroamericano. Frederick O'Neal y Abram Hill fundaron ANT, o American Negro Theater , el grupo de teatro afroamericano más famoso de la década de 1940. Su escenario era pequeño y estaba ubicado en el sótano de una biblioteca en Harlem, y la mayoría de los espectáculos eran atendidos y escritos por afroamericanos. Algunos espectáculos incluyen Natural Man (1941) de Theodore Browne, Walk Hard (1944) de Abram Hill y Garden of Time (1945) de Owen Dodson . Muchos actores famosos recibieron su formación en ANT, incluidos Harry Belafonte , Sidney Poitier , Alice y Alvin Childress , Osceola Archer, Ruby Dee , Earle Hyman , Hilda Simms , entre muchos otros. ^[11]

El teatro de mediados del siglo XX contó con una gran cantidad de grandes actrices principales, entre ellas Helen Hayes , Katherine Cornell , Tallulah Bankhead , Judith Anderson y Ruth Gordon . El teatro musical contó con estrellas como Ethel Merman , Beatrice Lillie , Mary Martin y Gertrude Lawrence .

Después de la Segunda Guerra Mundial, el teatro estadounidense alcanzó su máximo esplendor. Varios dramaturgos estadounidenses, como Arthur Miller y Tennessee Williams , alcanzaron fama mundial.

En los años 1950 y 1960, la experimentación en las artes se extendió también al teatro, con obras como Hair que incluían desnudez y referencias a la cultura de las drogas. Los musicales también siguieron siendo populares, y musicales como West Side Story y A Chorus Line rompieron récords anteriores. Al mismo tiempo, espectáculos como la Compañía de Stephen Sondheim comenzaron a deconstruir la forma musical tal como se había practicado hasta mediados de siglo, alejándose de la trama tradicional y los escenarios externos realistas para explorar el estado interior del personaje central; sus Follies se basaron en pastiches de la revista al estilo de Ziegfeld Follies ; sus Pacific Overtures utilizaron prácticas teatrales kabuki japonesas ; y Merrily We Roll Along contó su historia al revés. De manera similar, la producción de Bob Fosse de Chicago devolvió el musical a sus orígenes de vodevil.

Datos y cifras del teatro de posguerra

El público y la taquilla de los teatros estadounidenses de posguerra se redujeron debido a la "ofensiva" no declarada de la televisión y la radio sobre el teatro clásico y legítimo . Según James F. Reilly, director ejecutivo de la Liga de Teatros de Nueva York , entre 1930 y 1951 el número de teatros legítimos en la ciudad de Nueva York disminuyó de 68 a 30. Además de eso, el impuesto de admisión ha sido una carga para el teatro desde 1918. Nunca se relajó y se duplicó en 1943. ^[12] La capacidad total de asientos de los treinta teatros legítimos más famosos ascendió a 35.697 asientos en 1951. Desde 1937, solo en la ciudad de Nueva York, 14 antiguos teatros legítimos con una capacidad normal de asientos de 16.955 han sido ocupados para transmisiones de radio o funciones de televisión . ^[13]

A finales de los años 1990 y en los años 2000, el teatro estadounidense comenzó a tomar elementos del cine y de las óperas. Por ejemplo, Julie Taymor , directora de El rey león, dirigió La flauta mágica en la Metropolitan Opera . Además, se desarrollaron musicales de Broadway en torno a Mary Poppins , Tarzán , La sirenita y la que lo inició todo, La bella y la bestia , de Disney , lo que puede haber contribuido a la revitalización de Times Square en los años 1990. Además, Los productores y El jovencito Frankenstein, de Mel Brooks, están basadas en sus películas de éxito.

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Los primeros años del siglo XX, antes de la Primera Guerra Mundial, siguieron viendo el realismo como el principal desarrollo en el teatro. Pero a partir de 1900, hubo un resurgimiento del drama poético en los Estados Unidos, que correspondió a un resurgimiento similar en Europa (por ejemplo, Yeats , Maeterlinck y Hauptmann ). El ejemplo más notable de esta tendencia fue la "trilogía bíblica" de William Vaughn Moody , que también ilustra el auge del drama de temática religiosa durante los mismos años, como se ve en la producción de 1899 de Ben-Hur y dos adaptaciones de 1901 de Quo Vadis . Sin embargo, Moody es más conocido por dos obras de teatro en prosa, The Great Divide (1906, posteriormente adaptada en tres versiones cinematográficas ) y The Faith Healer (1909), que juntas señalan el camino hacia el drama estadounidense moderno en su énfasis en los conflictos emocionales que se encuentran en el corazón de los conflictos sociales contemporáneos. Otros dramaturgos clave de este período (además del trabajo continuado de Howells y Fitch) incluyen a Edward Sheldon , Charles Rann Kennedy y una de las dramaturgas más exitosas del drama estadounidense, Rachel Crothers , cuyo interés en los problemas de las mujeres se puede ver en obras como He and She (1911). ^[7]

Durante el período entre las dos guerras mundiales, el teatro estadounidense alcanzó su madurez, en gran parte gracias a las obras de Eugene O'Neill y de los Provincetown Players . Los experimentos de O'Neill con la forma teatral y su combinación de técnicas naturalistas y expresionistas inspiraron a otros dramaturgos a utilizar una mayor libertad en sus obras, ya sea expandiendo las técnicas del realismo , como en Trifles de Susan Glaspell , o tomando prestado más fuertemente del expresionismo alemán (por ejemplo, The Adding Machine de Elmer Rice ). Otros movimientos distintivos durante este período incluyen el drama popular/regionalismo ( In Abraham's Bosom de Paul Green , ganadora del premio Pulitzer ), el drama de "espectáculos" ( The Lost Colony de Green , sobre la misteriosa colonia de Roanoke ) e incluso un regreso al drama poético ( Winterset de Maxwell Anderson ). Al mismo tiempo, la crisis económica de la Gran Depresión condujo al crecimiento del drama de protesta, como se ve en las producciones Living Newspaper del Federal Theater Project y en las obras de Clifford Odets (por ejemplo, Waiting for Lefty ), así como el drama moralista, como en The Little Foxes y The Children's Hour de Lillian Hellman . Otras figuras clave de esta era incluyen a George S. Kaufman , George Kelly , Langston Hughes , SN Behrman , Sidney Howard , Robert E. Sherwood y un grupo de dramaturgos que siguieron el camino de búsqueda filosófica de O'Neill, Philip Barry , Thornton Wilder ( Our Town ) y William Saroyan ( The Time of Your Life ). La crítica teatral siguió el ritmo del drama, como en la obra de George Jean Nathan y en los numerosos libros y revistas sobre teatro estadounidense que se publicaron durante este tiempo. ^[7]

La estatura que el drama estadounidense había alcanzado entre las guerras se consolidó durante la generación posterior a la Segunda Guerra Mundial, con las obras finales de O'Neill y su generación unidas por figuras tan imponentes como Tennessee Williams y Arthur Miller , así como por la maduración de la forma del teatro musical. Otros dramaturgos clave incluyen a William Inge , Arthur Laurents y Paddy Chayefsky en la década de 1950, el movimiento de vanguardia de Jack Richardson, Arthur Kopit , Jack Gelber y Edward Albee en la década de 1960, y la maduración del drama negro a través de Lorraine Hansberry , James Baldwin y Amiri Baraka . En el teatro musical, figuras importantes incluyen a Rodgers y Hammerstein , Lerner y Loewe , Betty Comden y Adolph Green , Richard Adler y Jerry Ross , Frank Loesser , Jule Styne , Jerry Bock , Meredith Willson y Stephen Sondheim . ^[7]

El período que comenzó a mediados de la década de 1960, con la aprobación de la legislación de los derechos civiles y sus repercusiones, se produjo el surgimiento de un teatro de "agenda" comparable al de la década de 1930. Muchos de los principales dramaturgos de mediados de siglo continuaron produciendo nuevas obras, pero se les unieron nombres como Sam Shepard , Neil Simon , Romulus Linney , David Rabe , Lanford Wilson , David Mamet y John Guare . Muchos dramaturgos importantes fueron mujeres, entre ellas Beth Henley , Marsha Norman , Wendy Wasserstein , Megan Terry , Paula Vogel y María Irene Fornés . El crecimiento de los movimientos de orgullo étnico condujo a un mayor éxito de los dramaturgos de minorías raciales, como los dramaturgos negros Douglas Turner Ward , Adrienne Kennedy , Ed Bullins , Charles Fuller , Suzan-Lori Parks , Ntozake Shange , George C. Wolfe y August Wilson , quien creó una historia dramática de Estados Unidos con su ciclo de obras, The Pittsburgh Cycle , una por cada década del siglo XX. El teatro asiático-americano está representado a principios de la década de 1970 por Frank Chin y alcanzó el éxito internacional con M. Butterfly de David Henry Hwang . El teatro latino creció desde las actuaciones activistas locales del Teatro Campesino de Luis Valdez , centrado en lo chicano , hasta sus obras más formales, como Zoot Suit , y más tarde hasta el trabajo premiado de los cubanoamericanos Fornés (múltiples premios Obie) y su estudiante Nilo Cruz (Pulitzer), hasta los dramaturgos puertorriqueños José Rivera y Miguel Piñero , y hasta el musical ganador del premio Tony sobre los dominicanos en la ciudad de Nueva York, In the Heights . Finalmente, el auge del movimiento por los derechos de los homosexuales y de la crisis del SIDA dio lugar a una serie de dramaturgos homosexuales y lesbianas importantes, entre ellos Christopher Durang , Holly Hughes , Karen Malpede , Terrence McNally , Larry Kramer , Tony Kushner , cuyo Angels in America ganó el premio Tony dos años seguidos, y el compositor y dramaturgo Jonathan Larson , cuyo musical Rent se presentó durante más de doce años. ^[7]

Otra pieza importante del teatro estadounidense incluye el activismo, incluidas las obras creadas por Lorraine Hansberry , como A Raisin in the Sun. Sus obras abogan por la representación de los afroamericanos, así como por la igualdad. Otro activista del teatro estadounidense es William Finn , quien creó la obra A New Brain , sobre la representación de las personas LGBTQ+ en el entretenimiento.

Aunque los estilos anteriores de teatro, como los espectáculos de juglares y los actos de vodevil , han desaparecido del panorama, ^[14] el teatro sigue siendo una forma de arte estadounidense contemporánea popular. Las producciones de Broadway todavía entretienen a millones de espectadores de teatro incluso cuando las producciones se han vuelto más elaboradas y costosas. ^[15] Al mismo tiempo, el teatro también ha servido como plataforma de expresión, ^[16] y como un lugar para la exploración de la identidad para las comunidades minoritarias subrepresentadas, que han formado sus propias compañías y creado sus propios géneros de obras, incluidos los creados por August Wilson , Tony Kushner , David Henry Hwang , John Guare y Wendy Wasserstein . Los teatros urbanos más pequeños han seguido siendo una fuente de innovación y los teatros regionales siguen siendo una parte importante de la vida teatral. El drama también se enseña en las escuelas secundarias y universidades, lo que no se hacía en épocas anteriores, y muchos se interesan por el teatro a través de este género.

• Lista de dramaturgos de Estados Unidos
• Lista de obras de teatro estadounidenses
• La danza en Estados Unidos

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• 538 fotografías de personas, edificios y escenas de teatro estadounidenses; son anteriores a 1923 y están fuera de derechos de autor.