Arte degenerado

El arte degenerado ( en alemán : Entartete Kunst ) fue un término adoptado en la década de 1920 por el Partido Nazi en Alemania para describir el arte moderno . Durante la dictadura de Adolf Hitler , el arte modernista alemán , incluidas muchas obras de artistas de renombre internacional, fue retirado de los museos estatales y prohibido en la Alemania nazi con el argumento de que ese arte era un "insulto al sentimiento alemán", no alemán, masónico , judío o comunista por naturaleza. Aquellos identificados como artistas degenerados fueron sujetos a sanciones que incluyeron el despido de puestos docentes, la prohibición de exhibir o vender su arte y, en algunos casos, la prohibición de producir arte.

Arte degenerado también fue el título de una exposición de 1937 celebrada por los nazis en Múnich , que consistía en 650 obras de arte modernistas que los nazis habían tomado de museos, que estaban mal colgadas junto a grafitis y etiquetas de texto que se burlaban del arte y los artistas. ^[1] Diseñada para inflamar la opinión pública contra el modernismo, la exposición viajó posteriormente a varias otras ciudades de Alemania y Austria .

Mientras que los estilos modernos de arte estaban prohibidos, los nazis promovieron pinturas y esculturas que eran tradicionales en su estilo y que exaltaban los valores de la " sangre y la tierra " de la pureza racial , el militarismo y la obediencia . Se impusieron restricciones similares a la música, que se esperaba que fuera tonal y libre de cualquier influencia del jazz ; la música desaprobada se denominó música degenerada . También se censuraron películas y obras de teatro . ^[2]

El término Entartung (o "degeneración" ) había ganado popularidad en Alemania a finales del siglo XIX cuando el crítico y autor Max Nordau ideó la teoría presentada en su libro Degeneración de 1892. ^[3] Nordau se basó en los escritos del criminólogo Cesare Lombroso , cuyo El hombre criminal , publicado en 1876, intentó demostrar que había "criminales natos" cuyos rasgos de personalidad atávica podían detectarse midiendo científicamente las características físicas anormales. Nordau desarrolló a partir de esta premisa una crítica del arte moderno , explicado como el trabajo de aquellos tan corrompidos y debilitados por la vida moderna que han perdido el autocontrol necesario para producir obras coherentes. Atacó el esteticismo en la literatura inglesa y describió el misticismo del compositor alemán Richard Wagner y el movimiento simbolista en la literatura francesa como un producto de la patología mental. Al explicar la pictórica del impresionismo como signo de una corteza visual enferma, denunció la degeneración moderna al tiempo que elogió la cultura tradicional alemana. A pesar de que Nordau era judío y una figura clave del movimiento sionista (Lombroso también era judío), su teoría de la degeneración artística sería aprovechada por los nazis alemanes durante la República de Weimar como punto de encuentro para su demanda antisemita y racista de pureza aria en el arte.

La creencia en un espíritu germánico —definido como místico, rural, moral, portador de sabiduría antigua y noble frente a un destino trágico— existía mucho antes del ascenso de los nazis; Richard Wagner exploró tales ideas en sus escritos. ^{[4] [5]} Comenzando antes de la Primera Guerra Mundial, los influyentes escritos del conocido arquitecto y pintor alemán Paul Schultze-Naumburg , que invocaban teorías raciales para condenar el arte y la arquitectura modernos , proporcionaron gran parte de la base para la creencia de Adolf Hitler de que la Grecia clásica y la Edad Media eran las verdaderas fuentes del arte ario. ^[6] Schultze-Naumburg posteriormente escribió libros como Die Kunst der Deutschen. Ihr Wesen und ihre Werke ( El arte de los alemanes. Su naturaleza y sus obras ) y Kunst und Rasse ( Arte y raza ), esta última publicada en 1928, en la que sostenía que sólo los artistas racialmente puros podían producir un arte saludable que defendiera ideales atemporales de belleza clásica , mientras que los artistas modernos racialmente mestizos producían obras de arte desordenadas y representaciones monstruosas de la forma humana. Al reproducir ejemplos de arte moderno junto a fotografías de personas con deformidades y enfermedades, reforzó gráficamente la idea del modernismo como una enfermedad. ^[7] Alfred Rosenberg desarrolló esta teoría en Der Mythos des 20. Jahrhunderts ( El mito del siglo XX ), publicada en 1933, que se convirtió en un éxito de ventas en Alemania y convirtió a Rosenberg en el principal portavoz ideológico del Partido. ^[8]

El comienzo del siglo XX fue un período de cambios desgarradores en las artes. El desarrollo del arte moderno a principios del siglo XX, aunque con raíces que se remontan a la década de 1860, denotó una divergencia revolucionaria de los valores artísticos tradicionales a otros basados ​​en las percepciones y sentimientos personales de los artistas. Bajo el gobierno de Weimar de la década de 1920, Alemania emergió como un centro líder de la vanguardia . Fue la cuna del expresionismo en pintura y escultura, de las composiciones musicales atonales de Arnold Schoenberg y de la obra influenciada por el jazz de Paul Hindemith y Kurt Weill . Películas como El gabinete del doctor Caligari ( 1920) de Robert Wiene y Nosferatu (1922) de F. W. Murnau llevaron el expresionismo al cine.

En las artes visuales, innovaciones como el fauvismo , el cubismo , el dadaísmo y el surrealismo —siguiendo al simbolismo y al posimpresionismo— no fueron universalmente apreciadas. La mayoría de la gente en Alemania, como en otros lugares, no se interesaba por el nuevo arte, que muchos resentían por elitista , moralmente sospechoso y, con demasiada frecuencia, incomprensible. ^[9] El rechazo artístico de la autoridad tradicional , íntimamente ligado a la Revolución Industrial , los valores individualistas de la Era de la Ilustración y el avance de la democracia como forma preferida de gobierno, fue estimulante para algunos. Sin embargo, resultó extremadamente amenazante para otros, ya que les quitó la seguridad que sentían bajo la antigua forma de hacer las cosas . ^[10]

Guillermo II , que se interesó activamente en la regulación del arte en Alemania, criticó el impresionismo como "pintura de alcantarilla" ( Gossenmalerei ) ^[11] y prohibió que Käthe Kollwitz recibiera una medalla por su serie de grabados La rebelión de los tejedores cuando se exhibió en la Gran Exposición de las Artes de Berlín en 1898. ^[12] En 1913, la cámara de representantes de Prusia aprobó una resolución "contra la degeneración en el arte". ^[11]

Los nazis veían con disgusto la cultura del período de Weimar . Su respuesta se debía en parte a un gusto estético conservador y en parte a su determinación de utilizar la cultura como herramienta de propaganda. ^[13] En ambos casos, una pintura como Los lisiados de guerra (1920) de Otto Dix era un anatema para ellos. Representa sin piedad a cuatro veteranos de la Primera Guerra Mundial gravemente desfigurados , que por entonces eran una imagen familiar en las calles de Berlín , representados en un estilo caricaturesco . (En 1937, se exhibiría en la exposición Arte degenerado junto a una etiqueta que acusaba a Dix —él mismo un voluntario en la Primera Guerra Mundial ^[14] — de "un insulto a los héroes alemanes de la Gran Guerra". ^[15] )

El historiador de arte Henry Grosshans dice que Hitler "consideraba que el arte griego y romano no estaba contaminado por influencias judías. El arte moderno era visto como un acto de violencia estética por parte de los judíos contra el espíritu alemán. Esto era así para Hitler, aunque sólo Liebermann , Meidner , Freundlich y Marc Chagall , entre quienes hicieron contribuciones significativas al movimiento modernista alemán, eran judíos. Pero Hitler... asumió la responsabilidad de decidir quién, en materia de cultura, pensaba y actuaba como judío". ^[16] La naturaleza supuestamente "judía" de todo arte que fuera indescifrable, distorsionado o que representara temas "depravados" se explicaba a través del concepto de degeneración, que sostenía que el arte distorsionado y corrupto era un síntoma de una raza inferior. Al propagar la teoría de la degeneración, los nazis combinaron su antisemitismo con su afán por controlar la cultura, consolidando así el apoyo público a ambas campañas. ^[17]

Una vez en control del gobierno, los nazis tomaron medidas para suprimir los estilos de arte moderno y promover el arte con temas nacionales y raciales. ^[18] Varias personalidades del arte de la era de Weimar, incluidos Renner, Huelsenbeck y los diseñadores de la Bauhaus, fueron marginados.

En 1930, Wilhelm Frick , un nazi, se convirtió en Ministro de Cultura y Educación en el estado de Turingia. ^[19] Por orden suya, 70 pinturas, en su mayoría expresionistas, fueron retiradas de la exposición permanente del Museo del Castillo de Weimar en 1930, y el director del Museo König Albert en Zwickau, Hildebrand Gurlitt , fue despedido por exhibir arte moderno. ^[11]

El ascenso de Hitler al poder el 30 de enero de 1933 fue rápidamente seguido por acciones destinadas a limpiar la cultura de la degeneración: se organizaron quemas de libros , se despidió a artistas y músicos de sus puestos de enseñanza y los curadores que habían mostrado una parcialidad por el arte moderno fueron reemplazados por miembros del Partido. ^[24] En septiembre de 1933, se estableció la Reichskulturkammer (Cámara de Cultura del Reich), con Joseph Goebbels , Reichsminister für Volksaufklärung und Propaganda (Ministro del Reich para la Ilustración Pública y la Propaganda) a cargo. Se crearon subcámaras dentro de la Cámara de Cultura, que representaban a las artes individuales (música, cine, literatura, arquitectura y artes visuales); estos eran grupos de miembros que consistían en artistas "racialmente puros" que apoyaban al Partido o estaban dispuestos a ser obedientes. Goebbels lo dejó claro: "En el futuro, sólo podrán participar en la vida cultural aquellos que sean miembros de una cámara. La membresía está abierta sólo a aquellos que cumplan con los requisitos de ingreso. De esta manera, todos los elementos no deseados y dañinos han sido excluidos". ^[25] En 1935, la Cámara de Cultura del Reich contaba con 100.000 miembros. ^[25]

Como dictador, Hitler dio a su gusto personal por el arte la fuerza de la ley en un grado nunca antes visto. Sólo en la Unión Soviética de Stalin , donde el realismo socialista era el estilo obligatorio, un estado moderno había mostrado tanta preocupación por la regulación de las artes. ^[26] En el caso de Alemania, el modelo debía ser el arte clásico griego y romano , considerado por Hitler como un arte cuya forma exterior encarnaba un ideal racial interior. ^[27]

Sin embargo, durante 1933-1934 hubo cierta confusión dentro del Partido sobre la cuestión del expresionismo . Goebbels y algunos otros creían que las obras contundentes de artistas como Emil Nolde , Ernst Barlach y Erich Heckel ejemplificaban el espíritu nórdico; como explicó Goebbels, "Nosotros, los nacionalsocialistas, no somos antimodernos; somos los portadores de una nueva modernidad, no solo en política y en asuntos sociales, sino también en asuntos artísticos e intelectuales". ^[28] Sin embargo, una facción liderada por Alfred Rosenberg despreciaba a los expresionistas, y el resultado fue una amarga disputa ideológica, que se resolvió solo en septiembre de 1934, cuando Hitler declaró que no habría lugar para la experimentación modernista en el Reich. ^[29] Este edicto dejó a muchos artistas inicialmente inseguros en cuanto a su estatus. La obra del pintor expresionista Emil Nolde, un miembro comprometido del partido nazi, continuó siendo debatida incluso después de que se le ordenara cesar su actividad artística en 1936. ^[30] Para muchos artistas modernistas, como Max Beckmann , Ernst Ludwig Kirchner y Oskar Schlemmer , no fue hasta junio de 1937 que renunciaron a cualquier esperanza de que su trabajo fuera tolerado por las autoridades. ^[31]

Aunque en 1939 ya no se podían comprar libros de Franz Kafka , las obras de autores ideológicamente sospechosos como Hermann Hesse y Hans Fallada eran ampliamente leídas. ^[32] La cultura de masas estaba menos regulada que la alta cultura, posiblemente porque las autoridades temían las consecuencias de una interferencia demasiado brusca en el entretenimiento popular. ^[33] Así, hasta el estallido de la guerra, se podían proyectar la mayoría de las películas de Hollywood , incluidas Sucedió una noche , San Francisco y Lo que el viento se llevó . Si bien la interpretación de música atonal estaba prohibida, la prohibición del jazz se aplicó de manera menos estricta. Benny Goodman y Django Reinhardt eran populares, y las principales bandas de jazz británicas y estadounidenses continuaron actuando en las principales ciudades hasta la guerra; a partir de entonces, las bandas de baile tocaron oficialmente "swing" en lugar del jazz prohibido. ^[34]

En 1937, el concepto de degeneración estaba firmemente arraigado en la política nazi. El 30 de junio de ese año, Goebbels puso a Adolf Ziegler , el director de la Reichskammer der Bildenden Künste (Cámara de Artes Visuales del Reich), a cargo de una comisión de seis hombres autorizada para confiscar de los museos y colecciones de arte de todo el Reich cualquier obra de arte que se considerara moderna, degenerada o subversiva. Estas obras se presentarían al público en una exposición destinada a incitar aún más la repulsión contra el "perverso espíritu judío" que penetraba en la cultura alemana. ^{[35] [36]}

Se incautaron más de 5000 obras, incluidas 1052 de Nolde, 759 de Heckel, 639 de Ernst Ludwig Kirchner y 508 de Max Beckmann , así como un número menor de obras de artistas como Alexander Archipenko , Marc Chagall , James Ensor , Albert Gleizes , Henri Matisse , Jean Metzinger , Pablo Picasso y Vincent van Gogh . ^[37] La ​​exposición Entartete Kunst , que presenta más de 650 pinturas, esculturas, grabados y libros de las colecciones de 32 museos alemanes, se estrenó en Múnich el 19 de julio de 1937 y permaneció en exhibición hasta el 30 de noviembre, antes de viajar a otras 11 ciudades de Alemania y Austria.

La exposición se realizó en el segundo piso de un edificio que antiguamente ocupaba el Instituto de Arqueología . Los visitantes debían acceder a la exposición a través de una estrecha escalera. La primera escultura era un retrato teatral de Jesús de gran tamaño, que intimidaba deliberadamente a los espectadores, ya que literalmente chocaban contra él para poder entrar. Las salas estaban formadas por tabiques temporales y estaban deliberadamente caóticas y abarrotadas de gente. Los cuadros estaban amontonados, a veces sin marco, generalmente colgados con cuerdas.

Las tres primeras salas estaban agrupadas temáticamente. La primera sala contenía obras consideradas degradantes para la religión; la segunda, obras de artistas judíos en particular; la tercera, obras consideradas insultantes para las mujeres, los soldados y los agricultores de Alemania. El resto de la exposición no tenía un tema en particular.

Había consignas pintadas en las paredes. Por ejemplo:

• Burla insolente de lo divino bajo el gobierno centrista
• Revelación del alma racial judía
• Un insulto a la feminidad alemana
• El ideal: cretino y puta
• Sabotaje deliberado a la defensa nacional
• Agricultores alemanes: una visión yiddish
• El anhelo judío por el desierto se revela: en Alemania, el negro se convierte en el ideal racial de un arte degenerado.
• La locura se convierte en método
• La naturaleza vista por mentes enfermas
• Incluso los peces gordos del museo lo llamaron el "arte del pueblo alemán" ^[38].

Los discursos de los líderes del partido nazi contrastaban con los manifiestos de artistas de varios movimientos artísticos, como el dadaísmo y el surrealismo . Junto a muchas pinturas había etiquetas que indicaban cuánto dinero gastaba un museo para adquirir la obra de arte. En el caso de las pinturas adquiridas durante la hiperinflación de Weimar de posguerra de principios de la década de 1920, cuando el costo de un kilo de pan alcanzó los 233  mil millones de marcos alemanes , ^[39] los precios de las pinturas fueron, por supuesto, muy exagerados. La exposición fue diseñada para promover la idea de que el modernismo era una conspiración de personas que odiaban la decencia alemana, frecuentemente identificadas como judeo-bolcheviques, aunque solo 6 de los 112 artistas incluidos en la exposición eran de hecho judíos. ^[40]

El programa de la exposición contenía fotografías de obras de arte modernas acompañadas de texto difamatorio. ^[41] La portada presentaba el título de la exposición, con la palabra "Kunst" , que significa arte, entre comillas, superpuesta a una imagen de la escultura Der Neue Mensch de Otto Freundlich .

Unas semanas después de la inauguración de la exposición, Goebbels ordenó una segunda y más exhaustiva inspección de las colecciones de arte alemanas; las listas de inventario indican que las obras de arte incautadas en esta segunda ronda, combinadas con las reunidas antes de la exposición, ascendieron a 16.558 obras. ^{[42] [43]}

Coincidiendo con la exposición Entartete Kunst , se estrenó en medio de un gran espectáculo la Große Deutsche Kunstausstellung (Gran Exposición de Arte Alemán). Esta exposición, celebrada en la palaciega Haus der deutschen Kunst (Casa del Arte Alemán), exhibió la obra de artistas oficialmente aprobados como Arno Breker y Adolf Wissel . Al cabo de cuatro meses, Entartete Kunst había atraído a más de dos millones de visitantes, casi tres veces y media el número de los que visitaron la cercana Große Deutsche Kunstausstellung . ^[44]

Los artistas alemanes de vanguardia fueron tildados de enemigos del Estado y de amenaza para la cultura alemana. Muchos se exiliaron. Max Beckmann huyó a Ámsterdam el día de la inauguración de la exposición Entartete Kunst ^{. [45]} Max Ernst emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim . Ernst Ludwig Kirchner se suicidó en Suiza en 1938. Paul Klee pasó sus años en el exilio en Suiza, pero no pudo obtener la ciudadanía suiza debido a su condición de artista degenerado. Un importante marchante alemán, Alfred Flechtheim , murió sin dinero en el exilio en Londres en 1937.

Otros artistas permanecieron en el exilio interior. Otto Dix se retiró al campo para pintar paisajes despoblados con un estilo meticuloso que no provocara a las autoridades. ^[46] La Reichskulturkammer prohibió a artistas como Edgar Ende y Emil Nolde comprar materiales de pintura. A los que permanecieron en Alemania se les prohibió trabajar en las universidades y fueron objeto de redadas sorpresa por parte de la Gestapo para asegurarse de que no violaran la prohibición de producir obras de arte; Nolde siguió pintando en secreto, pero utilizando solo acuarelas (para no ser delatado por el olor revelador de la pintura al óleo ). ^[47] Aunque oficialmente ningún artista fue ejecutado a causa de su trabajo, los de ascendencia judía que no escaparon de Alemania a tiempo fueron enviados a campos de concentración. ^[48] Otros fueron asesinados en la Acción T4 (véase, por ejemplo, Elfriede Lohse-Wächtler ).

Después de la exposición, sólo las pinturas más valiosas fueron seleccionadas para ser incluidas en la subasta realizada por la Galerie Theodor Fischer (subastador) en Lucerna, Suiza, el 30 de junio de 1939 en el Grand Hotel National. La venta consistió en obras de arte incautadas de museos públicos alemanes; algunas piezas de la venta fueron adquiridas por museos, otras por coleccionistas privados como Maurice Wertheim , quien adquirió el autorretrato de 1888 de Vincent van Gogh que fue incautado de la Neue Staatsgalerie en Múnich perteneciente a las actuales Colecciones de Pintura del Estado de Baviera . ^[2] Los funcionarios nazis se llevaron muchas para su uso privado: por ejemplo, Hermann Göring tomó 14 piezas valiosas, incluyendo un Van Gogh y un Cézanne . En marzo de 1939, el Cuerpo de Bomberos de Berlín quemó alrededor de 4.000 pinturas, dibujos y grabados que aparentemente tenían poco valor en el mercado internacional. Este fue un acto de vandalismo sin precedentes, aunque los nazis estaban acostumbrados a las quemas de libros a gran escala. ^{[49] [50]}

Una gran cantidad de «arte degenerado» de Picasso , Dalí , Ernst, Klee, Léger y Miró fue destruida en una hoguera la noche del 27 de julio de 1942 en los jardines de la Galerie nationale du Jeu de Paume de París. ^[51] Si bien estaba prohibido exportar «arte degenerado» a Alemania, todavía era posible comprar y vender obras de «artistas degenerados» en la Francia ocupada. Los nazis consideraban, en efecto, que no debían preocuparse por la salud mental de los franceses. ^[52] Como consecuencia, muchas obras de estos artistas se vendieron en la principal casa de subastas francesa durante la ocupación. ^[53]

El matrimonio formado por Sophie y Emanuel Fohn, que intercambiaron las obras por obras de arte inofensivas de su propiedad y las mantuvieron en custodia durante la época nacionalsocialista, rescató alrededor de 250 obras de artistas condenados al ostracismo. La colección sobrevivió en Tirol del Sur desde 1943 y fue entregada a las Colecciones de Pintura del Estado de Baviera en 1964. ^[54]

Tras la caída de la Alemania nazi y la invasión de Berlín por parte del Ejército Rojo , algunas obras de arte de la exposición fueron halladas enterradas bajo tierra. No está claro cuántas de ellas reaparecieron en el Museo del Hermitage de San Petersburgo , donde todavía permanecen.

En 2010, cuando comenzaron las obras para ampliar la línea de metro desde Alexanderplatz a través del centro histórico de la ciudad hasta la Puerta de Brandeburgo , se desenterraron en el sótano de una casa particular cerca del "Rote Rathaus" varias esculturas de la exposición de arte degenerado. Entre ellas se encontraba, por ejemplo, la estatua de bronce de estilo cubista de una bailarina de la artista Marg Moll , que se exhibe en el Neues Museum . ^{[55] [56] [57]}

• Bauhaus
• Cubismo
• Dada
• Expresionismo
• Fauvismo
• Impresionismo
• Postimpresionismo
• Nueva objetividad
• Surrealismo

El Ministerio de Ilustración Pública y Propaganda del Reich compiló una lista mecanografiada de 479 páginas en dos volúmenes de las obras confiscadas por "degeneradas" de las instituciones públicas alemanas entre 1937 y 1938. En 1996, el Victoria and Albert Museum de Londres adquirió la única copia conocida que sobrevivió de la lista completa. Elfriede Fischer, la viuda del marchante de arte Heinrich Robert ("Harry") Fischer, donó el documento a la Biblioteca Nacional de Arte del V&A. Se pusieron copias a disposición de otras bibliotecas y organizaciones de investigación en ese momento, y gran parte de la información se incorporó posteriormente a una base de datos mantenida por la Freie Universität Berlin. ^{[58] [59]}

En enero de 2014 se publicó una reproducción digital del inventario completo en el sitio web del Victoria and Albert Museum. La publicación del V&A consta de dos archivos PDF , uno para cada uno de los volúmenes originales. Ambos archivos PDF también incluyen una introducción en inglés y alemán. ^[60] En noviembre de 2019 se puso a disposición una versión en línea del inventario en el sitio web del V&A, con características adicionales. La nueva edición utiliza un software de cambio de página IIIF e incorpora un índice interactivo organizado por ciudad y museo. La edición anterior en PDF también sigue estando disponible. ^[61]

Se cree que la copia del inventario completo del V&A se compiló en 1941 o 1942, después de que se completaran las ventas y enajenaciones. ^[62] También sobreviven dos copias de una versión anterior del Volumen 1 (A–G) en los Archivos Federales Alemanes en Berlín, y una de ellas está anotada para mostrar el destino de las obras de arte individuales. Hasta que el V&A obtuvo el inventario completo en 1996, se pensaba que todas las versiones del Volumen 2 (G–Z) habían sido destruidas. ^[63] Los listados están organizados alfabéticamente por ciudad, museo y artista. Los detalles incluyen el apellido del artista, el número de inventario, el título y el medio, seguido de un código que indica el destino de la obra de arte, luego el apellido del comprador o comerciante de arte (si lo hubiera) y cualquier precio pagado. ^[63] Las entradas también incluyen abreviaturas para indicar si la obra se incluyó en alguna de las diversas exposiciones Entartete Kunst (ver Exposición de arte degenerado ) o Der ewige Jude (ver El judío eterno (exposición de arte) ). ^[64]

Los principales comerciantes mencionados son Bernhard A. Böhmer (o Boehmer), Karl Buchholz , Hildebrand Gurlitt y Ferdinand Möller . El manuscrito también contiene entradas de muchas obras de arte adquiridas por el artista Emanuel Fohn a cambio de otras obras. ^[65]

Neil Levi, en un artículo publicado en The Chronicle of Higher Education , sugirió que la etiqueta de arte como “degenerado” era sólo en parte un objetivo estético de los nazis. Otro era la confiscación de obras de arte valiosas, un medio deliberado para enriquecer al régimen. ^[66]

A Picasso , una obra de Jeffrey Hatcher basada libremente en hechos reales, está ambientada en París en 1941 y en ella se le pide a Picasso que autentifique tres obras para incluirlas en una próxima exposición de arte degenerado. ^{[67] [68]}

En la película de 1964 El tren , un coronel del ejército alemán intenta robar cientos de pinturas "degeneradas" de París antes de que sea liberada durante la Segunda Guerra Mundial. ^[69]

• El arte del Tercer Reich
• Música degenerada
• Colección Gurlitt
• Karl Buchholz (comerciante de arte)
• Baja cultura
• Saqueo nazi

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Wikimedia Commons tiene medios relacionados con Entartete Kunst .

Videos externos
El arte en la Alemania nazi, Smarthistory

• "Arte degenerado", artículo de Guía para profesores sobre el Holocausto
• Los nazis saquearon el gran arte de Europa
• Victoria and Albert Museum Entartete Kunst, volúmenes 1 y 2 Inventario completo de obras de arte confiscadas por el régimen nazi a instituciones públicas en Alemania, 1937-1938
• Videoclip de la muestra de arte Degenerate
• Hallazgo sensacional en un sótano bombardeado: presentación de diapositivas de Der Spiegel
• "Entartete Kunst: Arte degenerado", notas y suplemento de la película
• Vídeo sobre un proyecto de investigación sobre el Arte Degenerado
• La exposición "Arte degenerado", 1937
• Colección: “Todos los artistas en la muestra de arte degenerado” del Museo de Arte de la Universidad de Michigan