Arte de Europa

El arte de Europa , también conocido como arte occidental , abarca la historia del arte visual en Europa . El arte prehistórico europeo comenzó como pintura rupestre y petroglifo del Paleolítico superior y fue característico del período entre el Paleolítico y la Edad del Hierro . ^[1] Las historias escritas del arte europeo a menudo comienzan con las civilizaciones del Egeo , que datan del tercer milenio a. C. Sin embargo, un patrón consistente de desarrollo artístico dentro de Europa se vuelve claro solo con el arte griego antiguo , que fue adoptado y transformado por Roma y llevado; con el Imperio Romano , a gran parte de Europa, el norte de África y Asia occidental . ^[2]

La influencia del arte del período clásico creció y disminuyó durante los siguientes dos mil años, pareciendo deslizarse hacia un recuerdo lejano en partes del período medieval , para resurgir en el Renacimiento , sufrir un período de lo que algunos de los primeros historiadores del arte vieron como "decadencia" durante el período barroco , ^[3] para reaparecer en una forma refinada en el neoclasicismo ^[4] y renacer en el posmodernismo . ^[5]

Antes del siglo XIX, la Iglesia cristiana ejerció una gran influencia en el arte europeo, y los encargos de la Iglesia eran la principal fuente de trabajo para los artistas. En el mismo período, también se produjo un renovado interés por la mitología clásica, las grandes guerras, los héroes y heroínas, y los temas no relacionados con la religión. ^[6] La mayor parte del arte de los últimos 200 años se ha producido sin referencia a la religión y, a menudo, sin ninguna ideología en particular, pero el arte a menudo se ha visto influido por cuestiones políticas, ya sea que reflejaran las preocupaciones de los mecenas o del artista.

El arte europeo se organiza en una serie de períodos estilísticos que, históricamente, se superponen entre sí a medida que florecieron diferentes estilos en diferentes áreas. En términos generales, los períodos son: clásico , bizantino , medieval , gótico , renacentista , barroco , rococó , neoclásico , moderno , posmoderno y nueva pintura europea . ^[6]

El arte prehistórico europeo es una parte importante del patrimonio cultural europeo. ^[7] La ​​historia del arte prehistórico suele dividirse en cuatro períodos principales: Edad de Piedra , Neolítico , Edad de Bronce y Edad de Hierro . La mayoría de los artefactos restantes de este período son pequeñas esculturas y pinturas rupestres.

Gran parte del arte prehistórico superviviente son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas femeninas de Venus como la Venus de Willendorf (24.000-22.000 a. C.) encontrada en Europa central; ^{[8] la} figurilla de Löwenmensch de 30 cm de altura de alrededor del 30.000 a. C. casi no tiene piezas que puedan relacionarse con ella. El reno nadador de alrededor del 11.000 a. C. es una de las mejores de una serie de tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior , aunque son superadas en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. ^[9] Con el comienzo del Mesolítico en Europa, la escultura figurativa se redujo en gran medida, ^[10] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad del Bronce . ^[11]

El arte rupestre europeo más antiguo data de hace 40.800 años y se puede encontrar en la cueva de El Castillo en España. ^[12] Otros sitios de pintura rupestre incluyen Lascaux , cueva de Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , cueva de Niaux , cueva Chauvet , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra, (grabados rupestres y bajorrelieves descubiertos en 2003), cueva de Coliboaia de Rumania (considerada la pintura rupestre más antigua de Europa central ) ^[13] y Magura, ^[1] Belogradchik, Bulgaria. ^[14] La pintura rupestre también se realizó en las paredes de los acantilados, pero menos de ellas han sobrevivido debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido son las pinturas rupestres de Astuvansalmi en el área de Saimaa de Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola descubrió por primera vez en 1879 las pinturas rupestres de la cueva de Altamira (Cantabria, España), los académicos de la época las consideraron falsas. Recientes reevaluaciones y numerosos descubrimientos adicionales han demostrado su autenticidad, al tiempo que han estimulado el interés por el arte de los pueblos del Paleolítico superior. Las pinturas rupestres, realizadas con las herramientas más rudimentarias, también pueden proporcionar información valiosa sobre la cultura y las creencias de esa época.

El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica presenta un estilo muy diferente, con la figura humana como protagonista, a menudo vista en grandes grupos, con batallas, danzas y cazas representadas, así como otras actividades y detalles como la vestimenta. Las figuras están generalmente representadas de forma bastante esquemática con pintura fina, y las relaciones entre los grupos de humanos y animales están representadas con más cuidado que las figuras individuales. Otros grupos de arte rupestre menos numerosos, muchos grabados en lugar de pintados, muestran características similares. Se cree que los ejemplos ibéricos datan de un largo período que tal vez abarque el Paleolítico superior, el Mesolítico y el Neolítico temprano.

El arte celta prehistórico proviene de gran parte de la Europa de la Edad del Hierro y sobrevive principalmente en forma de trabajos en metal de alto nivel hábilmente decorados con diseños complejos, elegantes y en su mayoría abstractos, a menudo utilizando formas curvas y espirales. Hay cabezas humanas y algunos animales completamente representados, pero las figuras humanas de cuerpo entero de cualquier tamaño son tan raras que su ausencia puede representar un tabú religioso. Cuando los romanos conquistaron los territorios celtas, desapareció casi por completo, pero el estilo continuó en uso limitado en las Islas Británicas , y con la llegada del cristianismo revivió allí en el estilo insular de la Alta Edad Media.

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  Pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux ( Montignac, Dordoña , Francia)
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  Insecto lamido por bisonte ; 15.000–13.000 a. C.; cornamenta ; Museo Nacional de Prehistoria ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , Francia)
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  El pensador de Cernavoda; de la cultura Hamangia de Rumania; c. 5000 a. C.; terracota; altura: 11,5 cm (4 1 ⁄ 2 in.); Museo Nacional de Historia de Rumania ( Bucarest )
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  Figura femenina; cultura Vinča de Serbia ; 4500-3500 a. C.; arcilla cocida con pintura; total: 16,1 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)

La civilización minoica de Creta se considera la civilización más antigua de Europa. ^[15] El arte minoico se caracteriza por imágenes imaginativas y una mano de obra excepcional. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida aunque siguiendo un conjunto de convenciones altamente formales". ^[16] Forma parte del grupo más amplio del arte egeo , y en períodos posteriores llegó a tener durante un tiempo una influencia dominante sobre el arte cicládico . La madera y los textiles se han descompuesto, por lo que la mayoría de los ejemplos supervivientes del arte minoico son cerámica , sellos minoicos intrincadamente tallados , frescos de palacio que incluyen paisajes, pequeñas esculturas en varios materiales, joyas y trabajos en metal.

La relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y con el arte griego antiguo posterior ha sido muy discutida. Claramente dominó el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, ^[17] incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero solo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Oscura griega después del colapso de la Grecia micénica . ^[18]

El arte minoico tiene una variedad de temas, muchos de los cuales aparecen en diferentes medios, aunque solo algunos estilos de cerámica incluyen escenas figurativas. El salto del toro aparece en la pintura y en varios tipos de escultura, y se cree que tenía un significado religioso; las cabezas de toro también son un tema popular en terracota y otros materiales escultóricos. No hay figuras que parezcan retratos de individuos, o que sean claramente de la realeza, y la identidad de las figuras religiosas es a menudo provisional, ^[19] y los estudiosos no están seguros de si son deidades, clérigos o devotos. ^[20] Del mismo modo, no está nada claro si las habitaciones pintadas eran "santuarios" o seculares; se ha argumentado que una habitación en Akrotiri era un dormitorio, con restos de una cama, o un santuario. ^[21]

A menudo se representan animales, incluida una variedad inusual de fauna marina; el " estilo marino " es un tipo de cerámica palaciega pintada de MM III y LM IA que pinta criaturas marinas, incluido pulpo, esparcidos por todo el vaso, y probablemente se originó a partir de escenas pintadas al fresco similares; ^[22] a veces aparecen en otros medios. Las escenas de caza y guerra, y caballos y jinetes, se encuentran principalmente en períodos posteriores, en obras quizás hechas por cretenses para un mercado micénico, o señores micénicos de Creta.

Aunque las figuras minoicas, ya sean humanas o animales, tienen un gran sentido de la vida y el movimiento, a menudo no son muy precisas y a veces es imposible identificar la especie; en comparación con el arte del Antiguo Egipto, suelen ser más vívidas, pero menos naturalistas. ^[23] En comparación con el arte de otras culturas antiguas, hay una alta proporción de figuras femeninas, aunque ahora se descarta la idea de que los minoicos solo tenían diosas y ningún dios. La mayoría de las figuras humanas están de perfil o en una versión de la convención egipcia con la cabeza y las piernas de perfil y el torso visto de frente; pero las figuras minoicas exageran rasgos como cinturas masculinas delgadas y grandes pechos femeninos. ^[24]

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  Jarra con pico de cerámica de Kamares ; 1850-1675 a. C.; cerámica; altura: 27 cm; procedente de Festos ( Creta , Grecia); Museo Arqueológico de Heraklion (Grecia)
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  Colgante Malia ; 1800-1700 a. C.; oro; altura: 4,6 cm, ancho: 4,9 cm; Museo Arqueológico de Heraklion
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  Fresco del salto del toro ; 1675-1460 a. C.; yeso de cal; altura: 0,8 m, anchura: 1 m; del palacio de Cnosos (Creta); Museo Arqueológico de Heraklion
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  Figura de la "Diosa Serpiente" ; 1460-1410 a. C. (del Período Neopalacial minoico); loza ; altura: 29,5 cm; del Depósito del Templo de Cnosos; Museo Arqueológico de Heraklion

La antigua Grecia tuvo grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura griega de mármol se describe a menudo como la forma más alta del arte clásico . La pintura sobre la cerámica de la antigua Grecia y la cerámica ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. La pintura de vasos de figuras negras y la pintura de vasos de figuras rojas ofrecen muchos ejemplos sobrevivientes de lo que era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles , Zeuxis y Parrasio , sin embargo, no sobreviven ejemplos de pintura sobre panel de la antigua Grecia, solo descripciones escritas de sus contemporáneos o de romanos posteriores. Zeuxis vivió entre el 5 y el 6 a. C. y se dice que fue el primero en usar sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaron comerse las uvas pintadas. Apeles es descrito como el pintor más grande de la Antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.

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  Ánfora de las Panateneas, pintor de Eufileto ; 530 a. C.; terracota pintada; altura: 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Bronce de Artemision ; 460-450 a.C.; bronce; altura: 2,1 m; Museo Arqueológico Nacional ( Atenas )
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  El Partenón de la Acrópolis de Atenas , el templo dórico griego más emblemático, construido en mármol y piedra caliza entre los años 460 y 406 a. C. aproximadamente, dedicado a la diosa Atenea ^[25]
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  Espejo con soporte en forma de mujer vestida; mediados del siglo V a. C.; bronce; altura: 40,41 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Cálice- crátera ; 400-375 a. C.; cerámica; altura: 27,9 cm, diámetro: 28,6 cm; procedente de Tebas (Grecia); Museo del Louvre
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  Relieve de Traseas y Euandria ; 375-350 a. C.; mármol pentélico ; altura: 160 cm, anchura: 91 cm; Museo de Pérgamo ( Berlín )
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  Crátera de voluta; 320-310 a. C.; cerámica; altura: 1,1 m; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
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  Estatuilla de una mujer vestida; siglo II a. C.; terracota; altura: 29,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Venus de Milo ; 130-100 a. C.; mármol; altura: 203 cm (80 pulgadas); Lumbrera
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  Laocoonte y sus hijos ; principios del siglo I a.C.; mármol; altura: 2,4 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )
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  Mosaico que representa la Epifanía de Dioniso ; siglo II d.C.; de la Villa de Dioniso ( Dion, Grecia ); Museo Arqueológico de Dion
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  Ilustraciones de ejemplos de ornamentos y patrones griegos antiguos, dibujadas en 1874

El arte romano estuvo influenciado por Grecia y puede tomarse en parte como descendiente de la pintura y escultura griegas antiguas, pero también estuvo fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. La escultura romana es principalmente retratos derivados de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene características únicas importantes. Entre las pinturas romanas sobrevivientes se encuentran pinturas murales, muchas de las villas de Campania , en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano . Dicha pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales ^[26] y puede contener los primeros ejemplos de trampantojo , pseudoperspectiva y paisaje puro. ^[27]

Casi todos los retratos pintados que se conservan del mundo antiguo son un gran número de retratos de busto en forma de sarcófago encontrados en el cementerio de la Antigüedad Tardía de Al-Fayum . Dan una idea de la calidad que debían tener las mejores obras antiguas. También sobreviven un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad Tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano. El arte cristiano primitivo surgió del arte popular romano, y más tarde del imperial, y adaptó su iconografía de estas fuentes.

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  Estatuilla de bronce de un filósofo sobre un candelabro; finales del siglo I a.C.; bronce; total: 27,3 cm; peso: 2,9 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Augusto de Prima Porta ; hacia el año 20 a. C.; mármol blanco ; altura: 2,06 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )
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  Restauración de un fresco procedente de un dormitorio de una antigua villa; 50-40 a. C.; dimensiones de la estancia: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Altar con festones ; alrededor del año 50 d.C.; mármol; altura: 99,5 cm, anchura: 61,5 cm, profundidad: 47 cm; Louvre
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  Cáliz - crátera con relieves de doncellas y ménades danzantes; siglo I d.C.; mármol pentélico ; altura: 80,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Vista panorámica del Panteón (Roma), construido entre los años 113 y 125
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  Cabeza de una diosa con diadema; siglos I-II; mármol; altura: 23 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Sofá y escabel; siglos I-II d. C.; madera, hueso y vidrio; sofá: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Sarcófago con Apolo , Minerva y las Musas ; hacia el año 200 d. C.; de la Vía Apia ; Antikensammlung Berlin (Berlín)
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  Sarcófago con festones ; 200–225; mármol; 134,6 x 223,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Triunfo de Neptuno de pie sobre un carro tirado por dos caballitos de mar; mediados del siglo III; Museo Arqueológico de Susa (Túnez)
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  Mosaico de Teseo ; 300-400 d. C.; mármol y guijarros de piedra caliza; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

La mayor parte del arte que sobrevivió del período medieval tenía un enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia , poderosos individuos eclesiásticos como obispos , grupos comunales como abadías o mecenas seculares adinerados . Muchos tenían funciones litúrgicas específicas, como las cruces procesionales y los retablos , por ejemplo.

Una de las cuestiones centrales sobre el arte medieval es su falta de realismo. Con la caída de Roma se perdió gran parte del conocimiento de la perspectiva en el arte y de la comprensión de la figura humana . Pero el realismo no era la preocupación principal de los artistas medievales. Simplemente intentaban transmitir un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de reproducciones precisas.

Periodo de tiempo : del siglo VI al siglo XV

El arte del período de migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a territorios que antes eran romanos. El arte celta de los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se llama el estilo hiberno-sajón o arte insular , que sería muy influyente en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes de aproximadamente el año 800, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico consciente, evolucionando hacia el arte otoniano . El arte anglosajón es el arte de Inglaterra después del período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época, pero la arquitectura, la metalistería y los pequeños trabajos tallados en madera o marfil también fueron medios importantes.

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  Hebilla de Sutton Hoo ; 580–620; oro y niel; longitud: 13,1 cm; Museo Británico (Londres)
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  El casco de Sutton Hoo ; principios del siglo VII d.C.; aleación de cobre, hierro, oro y granate ; altura: 31,8 cm; Museo Británico
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  Broches para hombros de Sutton Hoo ; principios del siglo VII; oro, vidrio y granate ; longitud: 12,7 cm; Museo Británico
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  El Incipit de Mateo del Libro de Lindisfarne ; finales del siglo VII; tinta y pigmentos sobre vitela; 34 x 25 cm; Biblioteca Británica (Londres)

El arte bizantino se superpone o se fusiona con lo que llamamos arte cristiano primitivo hasta el período iconoclasta de 730-843, cuando se destruyó la gran mayoría de las obras de arte con figuras; quedan tan pocas que hoy cualquier descubrimiento aporta nuevos conocimientos. Después de 843 y hasta 1453 hay una clara tradición artística bizantina. A menudo se trata del mejor arte de la Edad Media en cuanto a calidad de material y mano de obra, con una producción centrada en Constantinopla. El logro más importante del arte bizantino fueron los frescos y mosaicos monumentales en el interior de las iglesias con cúpulas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a los desastres naturales y la apropiación de las iglesias para convertirlas en mezquitas.

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  Losa con relieve que representa la Natividad de Jesús ; siglo IV-principios del V; mármol; Museo Bizantino y Cristiano ( Atenas )
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  Ábside de la iglesia de Santa María la Mayor en Roma , decorado en el siglo V con este glamoroso mosaico
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  Mosaicos en un techo y algunas paredes de la Basílica de San Vitale en Rávena (Italia), hacia el año 547 d.C.
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  La Pequeña Metrópolis de Atenas , construida en fechas desconocidas, entre el siglo IX y el siglo XIII.
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  Camafeo; siglos X-XI; jaspe , almandino , esmeralda y crisoprasa ; de Constantinopla ; Museos del Kremlin de Moscú (Rusia)
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  Leccionario evangélico; circa 1100; témpera, oro y tinta sobre pergamino y encuadernación de cuero; total: 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, folio: 35 x 26,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Icono de la Trinidad del Nuevo Testamento; alrededor de 1450; temple y oro sobre tabla de madera (álamo); Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
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  Página de un manuscrito armenio iluminado ; 1637–1638; témperas, pintura dorada y pan de oro sobre pergamino; altura: 25,2 cm; Getty Center (Los Ángeles)

El arte románico se refiere al período que va desde el año 1000 aproximadamente hasta el auge del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de creciente prosperidad y el primero en el que se utilizó un estilo coherente en toda Europa, desde Escandinavia hasta Sicilia. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente era de colores brillantes y, a menudo, muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metal se convirtieron en medios importantes y se desarrollaron esculturas de mayor tamaño en bulto redondo, aunque el altorrelieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por muros gruesos y ventanas y arcos de medio punto, con abundante decoración tallada.

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  Abadía de Maria Laach (cerca de Andernach , Alemania), una de las iglesias románicas más emblemáticas
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  Bajorrelieve de piedra de Jesús , procedente de la Abadía de Vézelay ( Borgoña , Francia)
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  Miniatura de San Juan Evangelista ; anterior a 1147; iluminación sobre pergamino; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (Francia)
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  La lapidación de San Esteban; década de 1160; fresco; altura: 1,3 m; Abadía de San Juan ( Val Müstair , Cantón de los Grisones , Suiza)

El término arte gótico es variable según la técnica, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando se separó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia de la abadía de S. Denis y se extendió por toda Europa; en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. El gótico internacional describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico se fusiona con el arte renacentista en diferentes momentos y lugares. Durante este período, formas como la pintura, al fresco y sobre tabla, adquieren nueva importancia, y el final del período incluye nuevos medios como los grabados.

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  Parte del Portal Real; 1145–1155; piedra caliza; Catedral de Chartres ( Chartres , Francia)
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  Ventanas del transepto norte; hacia 1230-1235; vidrieras; diámetro (rosetón): 10,2 m; Catedral de Chartres
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  Escenas de la leyenda de San Vicente de Zaragoza; 1245-1247; vidrio fundido, pintura vítrea y plomo; total: 373,4 x 110,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Díptico francés con la coronación de la Virgen y el Juicio Final; 1260-1270; marfil de elefante con monturas de metal; total: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Virgen entronizada con el Niño; 1260–1280; marfil de elefante con restos de pintura y dorado; total: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Bifolio con las decretales de Graciano ; hacia 1290; témpera y oro sobre pergamino, tinta marrón y encuadernación moderna de cuero; total: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, abierto: 47,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Díptico alemán con escenas religiosas; 1300–1325; plata dorada con esmaltes translúcidos y opacos; total (abierto): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Página de Très Riches Heures du Duc de Berry que representa el funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 y 1485-1486; témpera sobre vitela ; altura: 29 cm, anchura: 21 cm; Museo Condé ( Chantilly, Francia )
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  La dama y el unicornio , título dado a una serie de seis tapices tejidos en Flandes , este último llamado À Mon Seul Désir ; finales del siglo XV; lana y seda; 377 x 473 cm; Museo de Cluny (París)
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  Estatua austríaca de la Virgen en el trono; 1490-1500; piedra caliza con yeso , pintada y dorada; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Entrada en Jerusalén ; hacia 1500; pintura; Museo de Bellas Artes de Lyon ( Lyon , Francia)
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  Vitrales góticos flamígeros del Hôtel de Sens (París)

El Renacimiento se caracteriza por centrarse en las artes de la Antigua Grecia y Roma , lo que dio lugar a muchos cambios tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, como en su temática. Comenzó en Italia , un país rico en herencia romana, así como en prosperidad material para financiar a los artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a mejorar el realismo de su trabajo mediante el uso de nuevas técnicas en perspectiva , representando así las tres dimensiones de forma más auténtica. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tonos evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo del sfumato y el claroscuro de Leonardo da Vinci . Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas como el contrapposto . Siguiendo el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en su temática, representando la mitología antigua además de temas cristianos. Este género de arte a menudo se conoce como Clasicismo renacentista . En el norte, la innovación renacentista más importante fue el uso generalizado de pinturas al óleo , que permitieron un mayor color e intensidad.

A finales del siglo XIII y principios del XIV, gran parte de la pintura en Italia era de carácter bizantino , en particular la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que la de Pietro Cavallini en Roma era de estilo más gótico . Durante el siglo XIII , los escultores italianos comenzaron a inspirarse no solo en prototipos medievales, sino también en obras antiguas. ^[30]

En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla de los Scrovegni , en Padua , se considera el comienzo de un estilo renacentista .

Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico a un nivel de gran elaboración y detalle. Entre ellos destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano .

En los Países Bajos , la técnica de pintar al óleo en lugar de al temple dio lugar a una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y relieves, sino de la representación minuciosa del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en esta época. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes tendrían una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del renacimiento temprano.

Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia , Italia . El escultor Donatello volvió a las técnicas clásicas, como el contrapposto , y a temas clásicos como el desnudo sin soporte; su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce exento creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla Brancacci , de sorprendente elegancia, dramatismo y emoción.

Un número notable de estos importantes artistas trabajaron en diferentes partes de la Catedral de Florencia . La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el arbotante gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.

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  Púlpito del Baptisterio de Pisa, obra de Nicola Pisano , 1260, mármol, altura 4,6 m. ^[31]
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  Crucifijo ; por Cimabue ; alrededor de 1285; témpera sobre tabla; 4,29 x 3,83 m; San Domenico ( Arezzo , Italia) ^[32]
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  Crucifijo; Giotto ; hacia 1300; temple sobre tabla; 5,78 x 4,06 m; Santa Maria Novella ( Florencia , Italia) ^[33]
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  El Retablo de la Maestà ; por Duccio ; 1308-1311; témpera sobre tabla; 2,46 x 4,67 m; Museo dell'Opera del Duomo ( Siena , Italia)

Entre los artistas del Alto Renacimiento se incluyen figuras como Leonardo da Vinci , Miguel Ángel Buonarroti y Raffaello Sanzio .

Los avances artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés por los sistemas de perspectiva, por la representación de la anatomía y por las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, lo que explica las denominaciones de "Renacimiento temprano" para el siglo XV y "Alto Renacimiento" para el siglo XVI. Aunque no hay un estilo singular que caracterice al Alto Renacimiento, el arte de los más estrechamente asociados con este período (Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano) exhibe una asombrosa maestría, tanto técnica como estética. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en ellas para instruirse. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas podían reivindicar la inspiración divina, elevando así el arte visual a un estatus que antes sólo se otorgaba a la poesía. Así, los pintores, escultores y arquitectos alcanzaron su máximo esplendor y lograron que su trabajo ocupara una posición elevada entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.

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  El Tempietto (hacia 1502-1510) en un estrecho patio de San Pietro in Montorio desde Roma
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  David ; de Miguel Ángel ; 1501–1504; mármol; 517 cm × 199 cm; Galleria dell'Accademia (Florencia)
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  Mona Lisa ; de Leonardo da Vinci ; c. 1503–1506, tal vez hasta c. 1517; óleo sobre tabla de álamo; 77 cm × 53 cm; Museo del Louvre
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  La Escuela de Atenas ; de Rafael ; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palacio Apostólico ( Ciudad del Vaticano )

La pintura flamenca temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control al pintar detalles minuciosos con realismo; Jan van Eyck  (1366-1441) fue una figura en el movimiento de los manuscritos iluminados a las pinturas sobre tabla .

El pintor holandés Hieronymus Bosch (1450?–1516) es otra figura importante del Renacimiento nórdico . En sus pinturas utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.

Alberto Durero introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a finales del siglo XV y dominó el arte renacentista alemán .

Periodo de tiempo :

• Renacimiento italiano: finales del siglo XIV a principios del siglo XVI
• Renacimiento del norte: siglo XVI

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  El retablo de Gante ; de ​​Jan y Hubert van Eyck ; 1432; óleo sobre madera de roble; 3,4 m × 4,6 m (abierto como en esta imagen); Catedral de San Bavón ( Gante , Bélgica )
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  El retrato de los Arnolfini ; de Jan van Eyck ; 1434; óleo sobre tabla; 82,2 x 60 cm; National Gallery (Londres)
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  El Descendimiento de la Cruz ; de Rogier van der Weyden ; hacia 1442; óleo sobre tabla de roble; 220 × 262 cm; Museo del Prado ( Madrid , España)
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  El jardín de las delicias ; de El Bosco ; c. 1504; óleo sobre tabla; 2,2 × 1,95 m – el panel central; Museo del Prado
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  El rinoceronte ; de ​​Alberto Durero ; 1515; xilografía; 23,5 cm × 29,8 cm; Galería Nacional de Arte ( Washington, DC )
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  Los embajadores ; de Hans Holbein el Joven ; 1533; óleo sobre tabla; 2,07 × 2,09; National Gallery (Londres)
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  Armadura de desfile de Enrique II de Francia ; obra de Étienne Delaune ; hacia 1555; acero cincelado; altura: 187,96 cm, peso: 24,2 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  La Torre de Babel ; de Pieter Bruegel el Viejo ; 1563; óleo sobre tabla: 1,14 × 1,55 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

En el arte europeo, el clasicismo renacentista dio origen a dos movimientos diferentes: el manierismo y el barroco . El manierismo, una reacción contra la perfección idealista del clasicismo, empleó la distorsión de la luz y los marcos espaciales para enfatizar el contenido emocional de una pintura y las emociones del pintor. La obra de El Greco es un ejemplo particularmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI y principios del XVII. El manierismo nórdico tardó más en desarrollarse y fue en gran medida un movimiento de la segunda mitad del siglo XVI. El arte barroco llevó el representacionismo del Renacimiento a nuevas alturas, enfatizando el detalle, el movimiento, la iluminación y el drama en su búsqueda de la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos sean Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens y Diego Velázquez .

Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura del Siglo de Oro holandés del siglo XVII , que tenía muy poco arte religioso y poca pintura histórica , y en cambio jugó un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta , las pinturas de género de escenas cotidianas y la pintura de paisajes . Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta es menos útil para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca participó en esta tendencia, al mismo tiempo que siguió produciendo las categorías tradicionales.

El arte barroco se considera a menudo como parte de la Contrarreforma , el elemento artístico del renacimiento de la vida espiritual en la Iglesia católica romana . Además, el énfasis que el arte barroco puso en la grandeza se considera de naturaleza absolutista . Los temas religiosos y políticos se exploraron ampliamente dentro del contexto artístico barroco, y tanto las pinturas como las esculturas se caracterizaron por un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad. Los artistas barrocos famosos incluyen a Caravaggio o Rubens . ^[34] Artemisia Gentileschi fue otra artista notable, que se inspiró en el estilo de Caravaggio. El arte barroco era particularmente ornamentado y elaborado por naturaleza, a menudo usando colores ricos y cálidos con matices oscuros. La pompa y la grandeza fueron elementos importantes del movimiento artístico barroco en general, como se puede ver cuando Luis XIV dijo: "Soy la grandeza encarnada"; muchos artistas barrocos sirvieron a reyes que intentaron hacer realidad este objetivo. El arte barroco en muchos sentidos fue similar al arte renacentista; De hecho, el término se utilizó inicialmente de manera despectiva para describir el arte y la arquitectura postrrenacentistas que eran demasiado elaborados. ^[34] El arte barroco puede verse como una readaptación más elaborada y dramática del arte del Renacimiento tardío.

Sin embargo, en el siglo XVIII, el arte barroco estaba pasando de moda porque muchos lo consideraban demasiado melodramático y también sombrío, y se convirtió en el rococó , que surgió en Francia. El arte rococó era incluso más elaborado que el barroco, pero era menos serio y más lúdico. ^[35] Mientras que el barroco usaba colores ricos y fuertes, el rococó usaba tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no ponía énfasis en la política y la religión, centrándose en cambio en temas más ligeros como el romance, la celebración y la apreciación de la naturaleza. El arte rococó también contrastaba con el barroco, ya que a menudo rechazaba la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, buscó inspiración en las formas artísticas y la ornamentación del Lejano Oriente de Asia , lo que resultó en el auge de las figurillas de porcelana y la chinoiserie en general. ^[36] El estilo del siglo XVIII floreció por un corto tiempo; Sin embargo, el estilo rococó pronto cayó en desgracia, pues muchos lo consideraban un movimiento superficial y llamativo que ponía el énfasis en la estética por encima del significado. El neoclasicismo se desarrolló en muchos sentidos como un movimiento contrario al rococó, impulsado por un sentimiento de repugnancia hacia las cualidades floridas de este último.

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  Entierro ; por Jacopo da Pontormo ; 1525–1528; óleo sobre tabla; 3,12 x 1,9 m; Santa Felicita ( Florencia , Italia)
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  Virgen del cuello largo ; de Parmigianino ; 1534–1540; óleo sobre tabla; 2,19 x 1,32 m; Galería de los Uffizi (Florencia)
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  Venus, Cupido, la locura y el tiempo ; de Bronzino ; mediados de la década de 1540; óleo sobre tabla; 1,46 x 1,16 m; National Gallery (Londres)
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  Verano ; de Giuseppe Arcimboldo ; 1563; óleo sobre tabla; 67 x 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

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  Los cuatro continentes ; de Peter Paul Rubens ; hacia 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)
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  Armario holandés; 1625–1650; roble con chapas de ébano y palisandro; total: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
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  La ronda de noche ; de ​​Rembrandt ; 1642; óleo sobre lienzo; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Ámsterdam , Países Bajos )
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  El Éxtasis de Santa Teresa ; de Gian Lorenzo Bernini ; 1647–1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa María della Vittoria (Roma)
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  Las Meninas ; de Diego Velázquez ; 1656–1657; óleo sobre lienzo; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado ( Madrid , España)
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  La entrada del Palacio de Versalles ( Versalles , Francia), el edificio barroco más emblemático
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  Busto de Luis XIV , Gian Lorenzo Bernini, 1665, mármol, 105 × 99 × 46 cm, Palacio de Versalles
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  El arte de la pintura ; de Johannes Vermeer ; 1666–1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum
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  Alfombra con fama y fortaleza; 1668–1685; pelo de lana anudado y cortado, tejido con unos 90 nudos por pulgada cuadrada; 909,3 x 459,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
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  Cúpula de la Iglesia del Gesù (Roma), realizada en 1674 por Giovanni Battista Gaulli
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  El retrato de Luis XIV ; de Hyacinthe Rigaud ; 1701; óleo sobre lienzo; 277×194cm; Lumbrera
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  La Karlskirche de Viena (Austria), construida entre 1716 y 1737

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  La Casa China , un pabellón de estilo chinoiserie en el jardín del parque de Sanssouci , de Potsdam (Alemania)
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  El sorprendente interior de la Abadía de Wilhering ( Wilhering , Austria ). Este interior tiene un trampantojo en el techo, rodeado de estucos profusamente decorados.
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  Boiserie del Hôtel de Varengeville; circa 1736–1752; diversos materiales, incluido roble tallado, pintado y dorado; altura: 5,58 m, ancho: 7,07 m, largo: 12,36 m; en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
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  Grabado del título; de Juste Meissonnier; 1738–1749; aguafuerte sobre papel; 51,6 x 34,9 cm; Rijksmuseum
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  Pareja de candelabros; siglo XVIII; porcelana de pasta blanda; alturas (el de la izquierda): 26,8 cm, (el de la derecha): 26,4 cm; de la fábrica de porcelana Chelsea ; Museo Metropolitano de Arte
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  El señor y la señora Andrews ; por Thomas Gainsborough ; hacia 1750; óleo sobre lienzo; 69,8 x 119,4 cm; National Gallery (Londres)
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  Madame de Pompadour ; por François Boucher ; 1756; óleo sobre lienzo; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek ( Munich , Alemania)
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  El columpio ; de Jean-Honoré Fragonard ; 1767–1768; óleo sobre lienzo; altura: 81 cm, anchura: 64 cm; Colección Wallace (Londres)

A lo largo del siglo XVIII, surgió en diferentes partes de Europa un contramovimiento que se oponía al rococó, comúnmente conocido como neoclasicismo . Despreciaba la superficialidad y frivolidad percibidas del arte rococó y deseaba un retorno a la simplicidad, el orden y el "purismo" de la antigüedad clásica, especialmente la antigua Grecia y Roma. El movimiento también estuvo en parte influenciado por el Renacimiento, que a su vez estuvo fuertemente influenciado por el arte clásico. El neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como la Ilustración ; la Ilustración era idealista y ponía énfasis en la objetividad, la razón y la verdad empírica. El neoclasicismo se había extendido en Europa durante todo el siglo XVIII, especialmente en el Reino Unido , que vio surgir grandes obras de arquitectura neoclásica durante este período; la fascinación del neoclasicismo por la antigüedad clásica se puede ver en la popularidad del Grand Tour durante esta década, donde los aristócratas ricos viajaban a las antiguas ruinas de Italia y Grecia. Sin embargo, un momento decisivo para el neoclasicismo llegó durante la Revolución Francesa a finales del siglo XVIII; en Francia, el arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideraba más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político, así como artístico y cultural. ^[37] El arte neoclásico pone énfasis en el orden, la simetría y la simplicidad clásica; los temas comunes en el arte neoclásico incluyen el coraje y la guerra, como se exploraban comúnmente en el arte griego y romano antiguo. Ingres , Canova y Jacques-Louis David se encuentran entre los neoclásicos más conocidos. ^[38]

Así como el manierismo rechazó el clasicismo, el romanticismo rechazó las ideas de la Ilustración y la estética de los neoclasicistas. El romanticismo rechazó la naturaleza altamente objetiva y ordenada del neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional de las artes. ^[39] El romanticismo puso énfasis en la naturaleza, especialmente cuando pretendía retratar el poder y la belleza del mundo natural y las emociones, y buscó un enfoque altamente personal del arte. El arte romántico se trataba de sentimientos individuales, no de temas comunes, como en el neoclasicismo; de esta manera, el arte romántico a menudo usaba colores para expresar sentimientos y emociones. ^[39] De manera similar al neoclasicismo, el arte romántico tomó gran parte de su inspiración del arte y la mitología de la antigua Grecia y Roma, sin embargo, a diferencia del neoclásico, esta inspiración se utilizó principalmente como una forma de crear simbolismo e imágenes. El arte romántico también toma gran parte de sus cualidades estéticas del medievalismo y el goticismo , así como de la mitología y el folclore . Entre los más grandes artistas románticos se encuentran Eugène Delacroix , Francisco de Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole y William Blake . ^[38]

La mayoría de los artistas intentaron adoptar un enfoque centrista que adoptaba diferentes características de los estilos neoclásico y romántico, con el fin de sintetizarlos. Los diferentes intentos tuvieron lugar dentro de la Academia Francesa y, en conjunto, se denominan arte académico . Adolphe William Bouguereau se considera un ejemplo destacado de esta corriente artística.

Sin embargo, a principios del siglo XIX, la industrialización alteró radicalmente el rostro de Europa . La pobreza, la miseria y la desesperación serían el destino de la nueva clase trabajadora creada por la "revolución". En respuesta a estos cambios que se estaban produciendo en la sociedad, surgió el movimiento del realismo , que buscaba retratar con precisión las condiciones y las penurias de los pobres con la esperanza de cambiar la sociedad. En contraste con el romanticismo, que era esencialmente optimista sobre la humanidad, el realismo ofrecía una visión cruda de la pobreza y la desesperación. Del mismo modo, mientras que el romanticismo glorificaba la naturaleza, el realismo retrataba la vida en las profundidades de un páramo urbano. Al igual que el romanticismo, el realismo fue un movimiento literario y artístico. Entre los grandes pintores realistas se encuentran Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (ambos considerados impresionistas ) y Thomas Eakins , entre otros.

La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en marcado contraste con las demás artes, fue virar hacia el historicismo. Aunque las estaciones de ferrocarril construidas durante este período suelen considerarse los reflejos más fieles de su espíritu (a veces se las llama "las catedrales de la época"), los principales movimientos arquitectónicos durante la era industrial fueron resurgimientos de estilos del pasado lejano, como el neogótico . Movimientos relacionados fueron la Hermandad Prerrafaelita , que intentó devolver el arte a su estado de "pureza" anterior a Rafael , y el Movimiento Arts and Crafts , que reaccionó contra la impersonalidad de los bienes producidos en masa y abogó por un retorno a la artesanía medieval.

Periodo de tiempo :

• Neoclasicismo : mediados y principios del siglo XVIII a principios del siglo XIX.
• Romanticismo : finales del siglo XVIII a mediados del siglo XIX
• Realismo : siglo XIX

De la ética naturalista del realismo surgió un importante movimiento artístico, el impresionismo . Los impresionistas fueron pioneros en el uso de la luz en la pintura, ya que intentaron capturar la luz tal como la ve el ojo humano. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir participaron en el movimiento impresionista. Como consecuencia directa del impresionismo surgió el posimpresionismo . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin y Georges Seurat son los posimpresionistas más conocidos.

Después de los impresionistas y los postimpresionistas llegó el fauvismo , a menudo considerado el primer género artístico "moderno". Así como los impresionistas revolucionaron la luz, los fauvistas también repensaron el color , pintando sus lienzos en tonos brillantes y salvajes. Después de los fauvistas, el arte moderno comenzó a desarrollarse en todas sus formas, desde el expresionismo , preocupado por evocar emociones a través de obras de arte objetivas, hasta el cubismo , el arte de transponer una realidad de cuatro dimensiones a un lienzo plano, hasta el arte abstracto . Estas nuevas formas de arte empujaron los límites de las nociones tradicionales de "arte" y correspondieron a los cambios rápidos similares que estaban teniendo lugar en la sociedad humana, la tecnología y el pensamiento.

El surrealismo suele clasificarse como una forma de arte moderno. Sin embargo, los propios surrealistas se han opuesto al estudio del surrealismo como una era en la historia del arte, alegando que simplifica en exceso la complejidad del movimiento (que, según ellos, no es un movimiento artístico), tergiversa la relación del surrealismo con la estética y caracteriza falsamente al surrealismo actual como una era terminada e históricamente encapsulada. Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales bordean el arte contemporáneo ) incluyen:

Periodo de tiempo :

• Impresionismo: finales del siglo XIX
• Otros: Primera mitad del siglo XX

El arte moderno prefiguró varias características de lo que más tarde se definiría como arte posmoderno; de hecho, varios movimientos de arte moderno a menudo pueden clasificarse como modernos y posmodernos, como el arte pop . El arte posmoderno, por ejemplo, pone un fuerte énfasis en la ironía, la parodia y el humor en general; el arte moderno comenzó a desarrollar un enfoque más irónico del arte que más tarde avanzaría en un contexto posmoderno. El arte posmoderno ve la difuminación entre las altas y las bellas artes con el arte de gama baja y comercial; el arte moderno comenzó a experimentar con esta difuminación. ^[39] Los desarrollos recientes en el arte se han caracterizado por una expansión significativa de lo que ahora puede considerarse arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. El arte conceptual en particular ha tenido una amplia influencia. Esto comenzó literalmente como el reemplazo del concepto por un objeto hecho, una de cuyas intenciones era refutar la mercantilización del arte. Sin embargo, ahora generalmente se refiere a una obra de arte donde hay un objeto, pero la reivindicación principal de la obra se hace por el proceso de pensamiento que la ha informado. El aspecto comercial ha regresado a la obra.

También ha habido un aumento en el arte que hace referencia a movimientos y artistas anteriores y que adquiere validez a partir de esa referencia.

El posmodernismo en el arte, que ha crecido desde la década de 1960, se diferencia del modernismo en la medida en que los movimientos de arte moderno se centraron principalmente en sus propias actividades y valores, mientras que el posmodernismo utiliza toda la gama de movimientos anteriores como punto de referencia. Esto ha generado, por definición, una perspectiva relativista, acompañada de ironía y cierta incredulidad en los valores, ya que cada uno puede verse reemplazado por otro. Otro resultado de esto ha sido el crecimiento del comercialismo y la celebridad. El arte posmoderno ha cuestionado las reglas y pautas comunes de lo que se considera " bellas artes ", fusionando el arte bajo con las bellas artes hasta que ninguna es completamente distinguible. ^{[40] [41]} Antes de la llegada del posmodernismo, las bellas artes se caracterizaban por una forma de calidad estética, elegancia, artesanía, delicadeza y estimulación intelectual que pretendía atraer a las clases altas o educadas; Esto diferenció el arte elevado del arte popular, que, a su vez, se consideraba de mal gusto, kitsch , fácil de hacer y carente de mucho o ningún estímulo intelectual, arte que estaba destinado a atraer a las masas. El arte posmoderno desdibujó estas distinciones, introduciendo un fuerte elemento de kitsch, comercialismo y cursilería en las bellas artes contemporáneas; ^[39] lo que hoy se considera bellas artes puede haber sido visto como arte popular antes de que el posmodernismo revolucionara el concepto de lo que verdaderamente es el arte elevado o bello. ^[39] Además, la naturaleza posmoderna del arte contemporáneo deja mucho espacio para el individualismo dentro de la escena artística; por ejemplo, el arte posmoderno a menudo se inspira en movimientos artísticos pasados, como el arte gótico o barroco, y yuxtapone y recicla estilos de estos períodos pasados ​​en un contexto diferente. ^[39]

Algunos surrealistas , en particular Joan Miró , que pidió el "asesinato de la pintura" (en numerosas entrevistas que datan de la década de 1930 en adelante, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales y su deseo de "matar", "asesinar" o "violarlos" en favor de medios de expresión más contemporáneos). ^[42] han denunciado o intentado "sustituir" la pintura, y también ha habido otras tendencias antipintura entre los movimientos artísticos, como el dadaísmo y el arte conceptual . La tendencia a alejarse de la pintura a finales del siglo XX ha sido contrarrestada por varios movimientos, por ejemplo, la continuación del arte minimalista , la abstracción lírica , el arte pop , el arte óptico , el nuevo realismo , el fotorrealismo , el neogeo , el neoexpresionismo , la nueva pintura europea , el stuckismo , el excesivismo y varias otras direcciones pictóricas importantes e influyentes.

• Historia del arte
• Historia de la pintura
• Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (libro del siglo XVI)
• Modernismo
• La pintura en América antes de la colonización europea
• Pinturas de Europa occidental en los museos ucranianos
• Lista de periodos de tiempo

• Chapin, Anne P., "Poder, privilegio y paisaje en el arte minoico", en Charis: Ensayos en honor a Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331, google books 
• Gates, Charles, "Imágenes pictóricas en la pintura mural minoica", en Charis: Ensayos en honor a Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN 0876615337 , 9780876615331, google books 
• Hood, Sinclair , Las artes en la Grecia prehistórica , 1978, Penguin (Penguin/Historia del arte de Yale), ISBN 0140561420 
• Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, ahora Yale, History of Art), 1968 (nota 1.ª ed.; las dataciones tempranas ya no son válidas)

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