La forma del jazz que vendrá

La forma del jazz que vendrá
Álbum de estudio de Ornette Coleman
Liberado	Noviembre de 1959 [1] [2] ( 1959-11 )
Grabado	22 de mayo de 1959
Estudio	Grabadoras de radio , Hollywood, California
Género	Jazz de vanguardia jazz libre
Longitud	37:59​​
Etiqueta	Atlántico 1317
Productor	Nesuhi Ertegun
Cronología de Ornette Coleman
¡El mañana es la cuestión! (1959) La forma del jazz que vendrá (1959) El cambio de siglo (1960)

The Shape of Jazz to Come es el tercer álbum delmúsico de jazz Ornette Coleman . Lanzado en Atlantic Records en 1959, fue su debut en el sello y su primer álbum con el cuarteto de trabajo que lo incluía a él mismo, al trompetista Don Cherry , al bajista Charlie Haden y al baterista Billy Higgins . ^[3] La sesión de grabación del álbum tuvo lugar el 22 de mayo de 1959 en Radio Recorders en Hollywood, California . ^[4] Aunque Coleman inicialmente deseaba que el álbum se titulara Focus on Sanity después de la cuarta pista del LP, el productor de Atlantic Nesuhi Ertegun sugirió el título final, sintiendo que daría a los consumidores "una idea sobre la singularidad del LP". ^[4]

En 2012, la Biblioteca del Congreso agregó el álbum al Registro Nacional de Grabaciones . ^[5] El álbum fue incluido en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . ^[6] AllMusic lo nombró uno de los 20 álbumes esenciales de free jazz . ^[7] El álbum fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 2015. ^[8]

De 1948 a 1958, Coleman se mudó entre Nueva Orleans , Fort Worth y Los Ángeles , trabajando en varios empleos y desarrollando su propio sonido único que a menudo se encontró con hostilidad. ^{[9] [10]} Su enfoque único del jazz inicialmente le hizo difícil llegar a fin de mes tocando música. ^[11] Mientras trabajaba como operador de ascensor en Los Ángeles, estudió teoría musical y armonía y desarrolló una visión idiosincrásica del country blues y las formas folclóricas . ^[9]

La gran oportunidad de Coleman llegó en Los Ángeles cuando llamó la atención del bajista Percy Heath y del pianista John Lewis del Modern Jazz Quartet . Lewis animó a Coleman y a su trompetista, Don Cherry, a asistir a la Lenox School of Jazz (un programa de educación de jazz de verano seminal) en Massachusetts en 1959, en el que Lewis era el director. Lewis también consiguió que Coleman firmara un contrato con Atlantic Records, que pagó su matrícula en la Lenox School of Jazz. ^{[4] [9] [11]} Aunque tanto Coleman como Cherry ya eran bastante talentosos en este punto de sus carreras, Lewis quería utilizar su asistencia a la Lenox School of Jazz para generar entusiasmo en los círculos de jazz. Su presencia en la escuela no estuvo exenta de fricciones entre los estudiantes y el profesorado por igual, pero al final, su asistencia a la escuela logró lo que Lewis esperaba lograr. Después de su paso por la Lenox School of Jazz, Coleman fue contratado por Lewis para tocar en el Festival de Jazz de Monterey de 1959 en California. ^[12]

Todos estos fueron acontecimientos cruciales en la carrera de Coleman, quien en junio de 1959 le sugirió a Nesuhi Ertegun , quien manejaba las grabaciones de jazz de Atlantic, que estaba considerando abandonar la música para estudiar religión. Ertegun, confiado en el potencial de Coleman, lo instó a reconsiderar su decisión. ^[4]

El cuarteto de Coleman, al igual que el de Gerry Mulligan , era inusual en el sentido de que no empleaba un instrumento de acordes como el piano o la guitarra. Cada composición contiene una breve declaración temática, luego varios minutos de improvisación libre, seguidos de una repetición del tema principal. Si bien esto se asemeja a la estructura convencional de cabeza-solo-cabeza del bebop , abandona el uso de estructuras de acordes. En The Shape of Jazz to Come, Coleman y su cuarteto desarrollaron el sonido y los temas que había estado desarrollando a lo largo de su carrera.

Una característica destacada del sonido característico de Coleman era que tocaba un saxofón Grafton de plástico , lo que algunos consideran que contribuía a la dureza de su timbre. Acuñó el término " armolódico ", una combinación de armonía, movimiento y melodía, para describir su filosofía de improvisación que enfatizaba mucho la melodía en lugar de la armonía. Fue al principio de su carrera, en un intento de enfatizar aún más el enfoque en la melodía sobre la armonía, cuando dejó de incluir un piano como parte de sus conjuntos.

Coleman continúa con esta tradición en The Shape of Jazz to Come , prescindiendo del acompañamiento armónico y centrándose únicamente en melodías improvisadas y variaciones sobre temas y motivos. Coleman también tenía un enfoque único para el tono. Su uso de intervalos microtonales fue fundamental para su sonido, e incluso llegó a sugerir que el mismo tono debería sonar diferente cuando se toca en diferentes contextos, afirmando que "el jazz es la única música en la que se puede tocar la misma nota noche tras noche, pero de manera diferente cada vez". ^[13] El álbum fue un gran avance y ayudó a establecer el movimiento del jazz libre . El jazz de vanguardia posterior a menudo fue muy diferente de esto, pero el trabajo ayudó a sentar las bases sobre las que se construiría gran parte del jazz de vanguardia y el jazz libre posteriores.

El álbum contiene una de las pocas composiciones de Coleman que alcanzó el estatus de estándar de jazz , " Lonely Woman ". Coleman se sintió impulsado a componer la canción cuando, mientras estaba en un descanso para almorzar en su trabajo en el almacén de una tienda departamental en Los Ángeles a principios de la década de 1950, se encontró con una fotografía de una mujer en una galería. Coleman describe la fotografía de la siguiente manera:

En el fondo había todo lo que uno puede imaginar que es riqueza, todo en su entorno, pero ella estaba muy triste. Y yo dije: “Dios mío. Entiendo este sentimiento. No he experimentado esta riqueza, pero entiendo el sentimiento”. Volví a casa y escribí “Mujer solitaria”... Me relacioné con esa condición, escribí esta canción, y desde entonces ha crecido y crecido y crecido. ^[14]

Fred Kaplan escribió:

'Lonely Woman' comienza con Haden tocando un lento canto fúnebre de bajo. Higgins sigue con un rápido riff de batería (una combinación de bajo lento y batería rápida era bastante inusual). Luego, Coleman y Cherry, al unísono, tocan una melodía triste, ambos doblando notas, gimiendo, tan desnudos de emoción que todavía provoca escalofríos medio siglo después. Después de recitar el tema un par de veces, Coleman hace su solo, que se desvía en una dirección diferente; si esperabas escuchar una improvisación sobre la armonía, podría parecer una canción diferente. Pero está improvisando sobre otros aspectos de la canción, especialmente su emoción. Los otros músicos hacen lo mismo. De alguna manera, todo encaja y, hacia el final, vuelven al tema, vuelven a la Tierra, con aplomo. ^[4]

Calificaciones profesionales

Revisar puntuaciones
Fuente	Clasificación
Toda la música	[15]
La guía de Penguin para el jazz	[16]
La guía de discos de jazz de la revista Rolling Stone	[17]
Tom Casco	A+ [18]

El 17 de noviembre de 1959, poco después del lanzamiento del álbum, el cuarteto de Coleman comenzó su residencia en el Five Spot. ^[19] Este compromiso fue organizado por John Lewis y estaba previsto inicialmente que durara dos semanas; finalmente se extendió a 2+1 ⁄ 2 meses. ^{[11] [19]} Las actuaciones tuvieron una buena asistencia y generaron controversia entre los asistentes, los críticos y los músicos de jazz por igual. Algunos músicos y críticos elogiaron a Coleman por una inventiva no vista desde el surgimiento del be-bop, incluido Charles Mingus , quien dijo "Es como una desorganización organizada o tocar mal bien. Te llega emocionalmente como un baterista". Otros, incluido Miles Davis , no se impresionaron con la música de Coleman. ^{[11] [19]}

El álbum ocupó el puesto número 246 en la lista de 2003 de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . ^[6] La clasificación del álbum cayó al número 248 en la actualización de 2012 de la lista, y al número 417 en la actualización de 2020. ^{[20] [21]} El álbum fue identificado por Chris Kelsey en su ensayo de AllMusic "Free Jazz: A Subjective History" como uno de los 20 álbumes esenciales de free jazz. ^[7] En su novena edición, The Penguin Guide to Jazz le otorgó al álbum un galardón de "corona", además de una calificación de cuatro estrellas. ^[16] El álbum fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy en 2015. ^[8]

Dos tomas descartadas de la sesión, "Monk and the Nun" y "Just for You", se publicarían más tarde respectivamente en las compilaciones de los años 70 Twins y The Art of the Improvisers .

• Ornette Coleman – saxofón alto
• Don Cherry – corneta
• Charlie Haden – bajo
• Billy Higgins – batería

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