Retrato de una dama (van der Weyden)

Retrato de una dama (o Retrato de una mujer ) es una pequeña pintura al óleo sobre tabla de roble realizada alrededor de 1460 por el pintor neerlandés Rogier van der Weyden . La composición está construida a partir de las formas geométricas que forman las líneas del velo , el escote, el rostro y los brazos de la mujer, y por la caída de la luz que ilumina su rostro y su tocado. Los vívidos contrastes de oscuridad y luz realzan la belleza casi antinatural y la elegancia gótica de la modelo.

Al final de su vida, Van der Weyden se dedicó a los retratos por encargo ^[1] y fue muy apreciado por las generaciones posteriores de pintores por sus penetrantes evocaciones de personajes. En esta obra, la humildad y el comportamiento reservado de la mujer se transmiten a través de su frágil físico, sus ojos bajos y sus dedos fuertemente apretados ^[2] . Es esbelta y está representada según el ideal gótico de rasgos alargados, indicados por sus hombros estrechos, su cabello bien recogido, su frente alta y el elaborado marco que establece el tocado. Es el único retrato conocido de una mujer aceptado como obra autógrafa de van der Weyden ^[1] , aunque no se registra el nombre de la modelo y él no tituló la obra.

Aunque Van der Weyden no se adhirió a las convenciones de la idealización, por lo general trató de halagar a sus modelos. Las representó con ropa muy de moda, a menudo con rasgos faciales redondeados, casi esculpidos, algunos de los cuales se desviaban de la representación natural. Adaptó su propia estética y sus retratos de mujeres a menudo guardan un parecido sorprendente entre sí. ^[3]

El cuadro se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC desde su donación en 1937 y es el número 34 en el catálogo razonado de De Vos del artista. Se lo ha descrito como "famoso entre todos los retratos de mujeres de todas las escuelas". ^[4]

La mujer, que probablemente tiene entre 19 y 20 años, se muestra de medio cuerpo y de perfil, sobre un fondo interior bidimensional de un verde azulado intenso. El fondo es plano y carece de la atención al detalle habitual en las obras devocionales de van der Weyden. Al igual que su contemporáneo Jan van Eyck (c. 1395-1441), cuando trabajaba en el retrato, utilizó planos oscuros para centrar la atención en la retratada. ^[5] No fue hasta Hans Memling (c. 1435-1494), un alumno de van der Weyden, que un artista neerlandés situó un retrato sobre un exterior o un paisaje. ^[6] En esta obra, el entorno plano permite al espectador fijarse en el rostro de la mujer y en su tranquilo dominio de sí misma. ^[2] Van der Weyden reduce su atención a cuatro rasgos básicos: el tocado, el vestido, el rostro y las manos de la mujer. El fondo se ha oscurecido con la edad; Es probable que los ángulos creados por el rostro y el vestido de la modelo fueran alguna vez mucho más agudos.

La mujer lleva un elegante vestido negro escotado con bandas oscuras de piel en el cuello y las muñecas. ^{[1] [8]} Su ropa es del estilo borgoñón , que estaba de moda en ese momento, y que enfatiza la estética alta y delgada del ideal gótico . ^{[nota 1]} Su vestido está abrochado por una faja roja brillante que se mete debajo de sus pechos. El tocado de hennin de color beige está cubierto con un gran velo transparente que se derrama sobre sus hombros y llega hasta la parte superior de sus brazos. La atención de Van der Weyden a la estructura de la ropa (el cuidadoso detalle de los alfileres introducidos en el velo para fijar su posición) es típica del artista. ^[9]

El velo de la mujer forma un rombo, equilibrado por el flujo inverso de un chaleco ligero que lleva debajo de su vestido. Se la muestra en un ligero ángulo, pero su pose está centrada por las amplias líneas entrelazadas de los brazos, el escote y el velo. ^[1] La cabeza de la mujer está delicadamente iluminada, sin dejar fuertes contrastes tonales en su piel. Tiene un rostro alargado y delgado, cejas y párpados depilados y una línea de cabello depilada para crear una frente alta a la moda. ^{[nota 2]} Su cabello está firmemente recogido en el borde del bonete y descansa sobre su oreja. Su tocado alto y la línea de cabello severa acentúan su rostro alargado, dándole una apariencia esculpida. ^[3]

Según el historiador de arte Norbert Schneider, la oreja izquierda de la mujer está colocada de forma anormalmente alta y muy atrás, paralela a los ojos en lugar de a la nariz; esta posición es probablemente un recurso artístico utilizado para continuar el flujo de la línea diagonal del ala interior derecha del velo. En el siglo XV, los velos se usaban normalmente por modestia, para ocultar la sensualidad de la carne. En esta obra, el velo tiene el efecto opuesto; el rostro de la mujer está enmarcado por el tocado para atraer la atención hacia su belleza. ^[10]

Las manos de la mujer están cruzadas con fuerza, como si estuviera rezando, y están colocadas tan abajo en la pintura que parecen estar apoyadas sobre el marco. ^[11] Están representadas como muy comprimidas en una pequeña área de la imagen; es probable que van der Weyden no quisiera que resultaran en un área de tono alto que pudiera distraer de la descripción de su cabeza. ^[12] Sus delgados dedos están minuciosamente detallados; van der Weyden a menudo indicaba la posición social de sus modelos a través de su representación de sus rostros y manos. La manga de su vestido se extiende más allá de sus muñecas. Sus dedos están doblados en capas; su intrincada representación es el elemento más detallado de la pintura, ^[10] y se hace eco de la forma piramidal de la parte superior de la pintura. ^[12]

Sus ojos miran hacia abajo con humildad, en contraste con su ropa relativamente extravagante. La piedad de su expresión se logra a través de motivos comunes en la obra de van der Weyden. Sus ojos y nariz son alargados y su labio inferior se vuelve más lleno por el uso del tono y el acabado pronunciado. Algunas líneas verticales alrededor de estos rasgos se enfatizan, mientras que sus pupilas están agrandadas y sus cejas ligeramente levantadas. Además, los contornos de su rostro se resaltan de una manera que es ligeramente antinatural y abstracta, ^[12] y fuera de las limitaciones espaciales habituales de la representación humana del siglo XV. ^[13] Esta metodología fue descrita por el historiador de arte Erwin Panofsky : "Rogier se concentró en ciertos rasgos salientes, salientes tanto desde un punto de vista fisonómico como psicológico, que expresó principalmente mediante líneas". ^[14] Su frente alta y boca llena se han visto como sugestivas de una naturaleza a la vez intelectual, ascética y apasionada, simbólica de "un conflicto no resuelto en su personalidad". ^[15] Panofsky se refiere a una "excitabilidad latente". ^[16]

Se desconoce quién es la modelo, aunque algunos historiadores del arte han especulado sobre su identidad. Basándose en la similitud de los rasgos faciales, el escritor Wilhelm Stein sugirió a principios del siglo XX que podría ser Marie de Valengin, ^[17] la hija ilegítima de Felipe el Bueno de Borgoña . ^{[nota 3]} Sin embargo, se trata de una afirmación polémica y no muy extendida. ^[11] Como se muestra que sus manos descansan sobre el marco inferior de la pintura, los historiadores del arte generalmente aceptan que se trata de un retrato independiente, en lugar de una obra devocional. Es posible que estuviera destinado a acompañar a una imagen del marido de la mujer, sin embargo, no se ha sugerido ningún otro retrato como posible acompañante. ^[11]

Van der Weyden trabajó en la misma tradición de retratos que sus contemporáneos Jan van Eyck ^{[nota 4]} y Robert Campin ^{[nota 5]} . A principios y mediados del siglo XV, estos tres artistas formaban parte de la primera generación de pintores del « renacimiento nórdico » y fueron los primeros europeos del norte en retratar a miembros de las clases medias y altas de forma naturalista en lugar de en una forma idealizada cristiana medieval. En el arte neerlandés anterior, la vista de perfil era el modo dominante de representación de los nobles o clérigos dignos de ser retratados. ^[19] En obras como Retrato de un hombre con turbante (1433), Jan van Eyck rompió esta tradición y utilizó el perfil de tres cuartos del rostro que se convirtió en el estándar en el arte neerlandés. Aquí, van der Weyden utiliza el mismo perfil, que le permite describir mejor la forma de la cabeza y los rasgos faciales de la modelo. ^[20] Se la muestra de medio cuerpo, lo que permite al artista mostrar sus manos cruzadas en su cintura. ^{[21] [22]}

A pesar de esta nueva libertad, los retratos de mujeres de van der Weyden son sorprendentemente similares en concepto y estructura, tanto entre sí ^[3] como a los retratos femeninos de Campin. ^{[nota 6]} La mayoría son de tres cuartos de rostro y medio cuerpo. Por lo general, colocan a sus modelos frente a un fondo oscuro que es uniforme y anodino. Si bien los retratos se destacan por su patetismo expresivo, ^[23] los rasgos faciales de las mujeres se parecen mucho entre sí. Esto indica que, aunque van der Weyden no se adhirió a la tradición de la representación idealizada, buscó complacer a sus modelos de una manera que reflejara los ideales contemporáneos de belleza. La mayoría de los retratos de van der Weyden fueron pintados como encargos de la nobleza; pintó solo cinco (incluido Retrato de una dama ) que no eran retratos de donantes . ^{[nota 7] [24]} Se sabe que en su Retrato de Philip de Croÿ (c. 1460), van der Weyden elogió al joven noble flamenco ocultando su gran nariz y mandíbula inferior. ^[12] Al describir esta tendencia en relación con el retrato de Washington, el historiador de arte Norbert Schneider escribió: "Mientras que Van Eyck muestra la naturaleza 'en bruto', por así decirlo, Rogier mejora la realidad física, civilizando y refinando la naturaleza y la forma humana con la ayuda de un pincel". ^[10] La alta calidad de la pintura se destaca cuando se compara con la pintura de taller muy similar de la National Gallery . El sujeto de Londres tiene rasgos más suaves y redondeados y es más joven y menos caracterizado individualmente que el modelo de alrededor de 1460. La técnica también es menos sutil y fina en la obra de Londres. ^[25] Sin embargo, ambos comparten expresiones y vestimentas similares. ^[3]

Van der Weyden se preocupó más por la respuesta estética y emocional creada por las imágenes en general que por los retratos específicos. El historiador de arte y comisario Lorne Campbell sugiere que la popularidad del retrato se debe más a la "elegante simplicidad del patrón que [la retratada] crea" que a la gracia de su representación. Si bien van der Weyden no se quedó dentro de los ámbitos tradicionales de la idealización, creó su propia estética, que extendió a sus retratos y cuadros religiosos. ^[26] Esta estética incluye el estado de ánimo de la devoción triste que forma el tono dominante en todos sus retratos. Sus figuras pueden ser más naturales que las de generaciones anteriores de artistas; sin embargo, su enfoque individualista a la representación de la piedad de sus retratados a menudo conduce al abandono de las reglas de la escala. ^[13]

John Walker, ex director de la National Gallery of Art, se refirió al tema como "outré", pero creía que a pesar de la torpeza de sus rasgos individuales, la modelo era, no obstante, "extrañamente hermosa". ^[15] Cuando terminó la obra, Van der Weyden había eclipsado incluso a Van Eyck en popularidad, y esta pintura es típica de la espiritualidad austera, por encima de la sensualidad de este último, por la que Van der Weyden es famoso. ^[27]

Aunque van der Weyden no tituló la obra y el nombre de la retratada no aparece registrado en ninguno de los inventarios tempranos, ^[28] el estilo de su vestido se ha utilizado para situar la pintura en una etapa muy tardía de la carrera de van der Weyden. La datación de alrededor de 1460 se basa en el vestido de alta costura y en la aparente posición cronológica de la obra en la evolución del estilo de van der Weyden. ^[29] Sin embargo, es posible que se ejecutara incluso más tarde (van der Weyden murió en 1464). ^[11]

Retrato de una dama fue pintado sobre una sola tabla de roble con vetas verticales y tiene un margen sin pintar en cada lado. El panel se preparó con yeso , sobre el cual luego se pintó la figura en monocromo. Luego se agregaron veladuras de pigmento al óleo, lo que permitió gradaciones tonales sutiles y transparentes. ^[15] La reflectografía infrarroja revela que van der Weyden no esbozó la obra en la tabla antes de comenzar a pintar, y no hay evidencia de dibujo subyacente . Muestra que la dama fue retratada más delgada antes de que se hicieran cambios a medida que avanzaba el trabajo; la pintura de fondo aplicada espesamente subyace en parte del cinturón, lo que demuestra que la silueta original se ensanchó. Estos cambios también son visibles en las imágenes de rayos X. ^[1] Está en relativamente buenas condiciones, habiendo sido limpiado varias veces, la más reciente en 1980. Hay algo de pérdida de pintura en el velo, el tocado y la manga, y abrasión en la oreja. ^[30]

La procedencia de la pintura no está clara, y hay dudas sobre a qué pintura se hace referencia en algunos inventarios tempranos. Un príncipe de Anhalt , probablemente Leopold Friedrich Franz (fallecido en 1817) de Wörlitz , cerca de Dessau , Alemania, la tuvo a principios del siglo XIX, ^{[29] [nota 8]} después de lo cual es probable que haya pasado a manos de Leopold Friedrich (fallecido en 1871). La pintura fue prestada para una exposición en 1902, cuando se mostró en el Hôtel de Gouvernement Provincial, Brujas , en la Exposition des primitifs flamands et d'art ancien . ^[31] La tuvo un duque de Anhalt hasta 1926, cuando la vendió a los comerciantes de arte Duveen Brothers . ^[32] Ellos a su vez la vendieron ese año a Andrew W. Mellon . Al año siguiente fue cedido a la Royal Academy of Arts de Londres para una exposición que abarcaba seis siglos de arte flamenco y belga. ^[31] Mellon legó la obra a su Educational and Charitable Trust en 1932, que en 1937 la donó a la National Gallery of Art ^[33] donde se exhibe de forma permanente.

• 
  Robert Campin (c. 1375 – 1444), Retrato de una mujer joven , 1430–1435, National Gallery , Londres. El estilo de Van der Weyden se basó en la obra del maestro anterior. ^[34]
• 
  Rogier van der Weyden, Retablo de los Siete Sacramentos , detalle, 1445-1450, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten , Amberes . Esta obra formal y grupal muestra a mujeres de alto rango vestidas a la moda contemporánea, con escotes altos (aquí divididos) y en forma de V.
• 
  Retrato de una joven de Pedro el Cristo , después de 1460, Museo Estatal de Berlín . Se puede apreciar la similitud en los rasgos esculpidos y la expresión de la modelo. ^[7]
• 
  Hans Memling , Retrato de una anciana, c. 1470. Museo de Bellas Artes, Houston , Texas. Memling fue un seguidor de van der Weyden y utilizó su distorsión de la representación natural para representar ideales de belleza. ^[35]
• 
  Una joven dama a la moda se atribuye al pintor y matemático florentino Paolo Uccello y data de principios de la década de 1460. La joven se ha depilado la línea del cabello para aumentar la extensión, y por lo tanto la elegancia, de su frente, y un mechón de cabello cae en la parte posterior en una cola de caballo. Una gorra ajustada cubre sus orejas, una moda posiblemente debida a la creencia prevaleciente en la época de que la Virgen María concibió a través de la oreja. ^[36]

• Lista de obras de Rogier van der Weyden
• 1400-1500 en la moda

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